Chihiros Reise ins Zauberland
Als die kleine Chihiro mit ihren Eltern während eines Ausflugs einen dunklen Tunnel durchquert, ahnt sie noch nicht, was sie auf der anderen Seite erwarten wird. Denn dort liegt eine für Menschen normalerweise unsichtbare Stadt der Geister. Zu allem Übel muss Chihiro dann auch noch feststellen, dass sich ihre Eltern in Schweine verwandelt haben und sie selbst plötzlich unsichtbar zu werden scheint...
Warum zuschauen?: Einer der am höchsten bewerteten Filme in dieser Auswahl. Chihiros Reise ins Zauberland hat sich seinen Ruf durch anhaltende kritische Wertschätzung über mehrere Zuschauergenerationen hinweg erworben.
Chihiros Reise ins Zauberland entstand im Jahr 2001, als das Kino mit dem frühen Internet und der DVD um Aufmerksamkeit konkurrierte. Hayao Miyazaki hat etwas geschaffen, das damals und heute Aufmerksamkeit erregte. Eine 8.5-Einstufung in der Filmdatenbank ist statistisch gesehen selten. Es erfordert eine Wählerbasis, die groß genug ist, damit sich die einzelnen Meinungen ausgleichen und nur Filme übrig bleiben, die bei unterschiedlichen Zielgruppen konstant überzeugen. Chihiros Reise ins Zauberland hat diesen Konsens. Der Film zeigt, dass Animation ein Werkzeug ist, um emotionale Register zu erreichen, die mit Live-Action nicht erreicht werden können. Der Regisseur nutzt die formalen Möglichkeiten des Mediums, um Momente zu schaffen, die spezifisch für die animierte Form sind. Innerhalb des Animation-Genres nimmt Chihiros Reise ins Zauberland eine besondere Position ein: Es zeigt, was möglich ist, wenn ein Regisseur Genrekonventionen als Ausgangspunkt und nicht als Blaupause verwendet. Die besten Animation-Filme erweitern die Möglichkeiten des Genres.
Die Kinematographie in Chihiros Reise ins Zauberland spiegelt eine Übergangszeit in der Filmtechnologie wider, als digitale Werkzeuge verfügbar waren, Filmemacher jedoch noch darüber debattierten, ob sie sie verwenden sollten. Hayao Miyazaki hat Entscheidungen über den visuellen Stil getroffen, die eher bewusst als vorgegeben waren. Die Art und Weise, wie Chihiros Reise ins Zauberland beleuchtet, gerahmt und geschnitten wird, spiegelt eher eine spezifische visuelle Intelligenz als Branchenkonventionen wider. Rumi Hiiragi funktioniert innerhalb dieses visuellen Rahmens auf eine Art und Weise, die am deutlichsten sichtbar wird, wenn man sich den Film ansieht und dabei darauf achtet, wie sie im Bild platziert sind, und nicht nur darauf, was sie tun.
Erstzuschauer von Chihiros Reise ins Zauberland sollten mit möglichst geringen Vorkenntnissen einsteigen. Der Film wurde so ausführlich besprochen und zitiert, dass man leicht Erwartungen hegen kann, die eher von den Reaktionen anderer Menschen als vom Film selbst geprägt sind. Das tatsächliche Erlebnis, Chihiros Reise ins Zauberland zum ersten Mal anzusehen, ohne genau zu wissen, was kommt, unterscheidet sich erheblich vom Ansehen als bekannte Größe. Wenn Sie es noch nicht gesehen haben, ist das ein Vorteil, den es zu bewahren gilt. Wiederkehrende Zuschauer stellen fest, dass sich Chihiros Reise ins Zauberland beim erneuten Ansehen ändert – nicht, weil sich der Film ändert, sondern weil das Wissen um den Ausgang verändert, welche Details einem auffallen und was die ersten Szenen tatsächlich bewirken. Der Aufbau des ersten Akts von Hayao Miyazaki sieht anders aus, wenn man weiß, wo er endet. Der Auftritt von Rumi Hiiragi in den ersten Szenen enthält Informationen, die erst bei zweitem Betrachten lesbar sind.
Für die Platzierung von Chihiros Reise ins Zauberland in den Top Ten dieser Liste sind keine besonderen Argumente erforderlich. Das Argument ist die 8.5-Bewertung einer Wählerbasis, die groß genug ist, um statistisch aussagekräftig zu sein. Filme in den Top 10 jeder seriösen Liste nehmen diese Position ein, weil sie durchgängig ein möglichst breites Spektrum an Zuschauern ansprechen, und Chihiros Reise ins Zauberland hat dies in allen Bevölkerungsgruppen geschafft, die damit in Berührung gekommen sind. Die Arbeit von Hayao Miyazaki bewegt sich hier auf der Ebene, auf der sich die Qualität einzelner Szenen zu etwas zusammenfügt, das dem Niveau des gesamten Films standhält, was seltener ist, als es klingt.
Your Name. - Gestern, heute und für immer
Mitsuha lebt gemeinsam mit ihrer kleinen Schwester Yotsuha bei ihrer Großmutter in einer ländlichen Kleinstadt Japans. Insgeheim beklagt sie ihr abgeschiedenes Dasein in der Provinz und wünscht sich ein aufregendes Leben in der Großstadt. Taki würde sich freuen, so beschaulich aufzuwachsen, denn er wohnt in der Millionen-Metropole Tokio, verbringt viel Zeit mit seinen Freunden und jobbt neben der Schule in einem italienischen Restaurant. Eines Tages scheint Mitsuha einen Traum zu haben, in dem sie sich als Junge in Tokio wiederfindet. Parallel macht Taki eine ähnliche Erfahrung: Er findet sich als Mädchen in einer Kleinstadt in den Bergen wieder, wo er noch nie zuvor war. Doch wie kommt es zu dieser schicksalhaften Verstrickung und welches Geheimnis verbirgt sich wirklich hinter den Träumen der beiden Teenager?
Warum zuschauen?: Your Name. - Gestern, heute und für immer steht am außergewöhnlichsten Ende dieser Liste. Eine so hohe Bewertung, die auf einer großen Wählerbasis basiert, spiegelt eher einen echten Konsens als einen Hype wider.
Your Name. - Gestern, heute und für immer wurde in 2016 hergestellt und existiert im Streaming-Zeitalter, in dem alles mit allem konkurriert. Die 8.5-Bewertung spiegelt ein Publikum wider, das endlose Alternativen hatte und sich für eine hohe Bewertung entschieden hat. Der 8.5-Score für Your Name. - Gestern, heute und für immer repräsentiert Tausende individueller Sehentscheidungen, zusammengefasst in einer einzigen Zahl. Diese Zahl spiegelt etwas Reales wider: Die Leute, die diesen Film gesehen haben, fanden ihn außergewöhnlich, und genug von ihnen stimmten zu, um der Bewertung eine Aussagekraft zu verleihen. Das Drama beruht eher auf der Spezifität als auf der Universalität. Der Regisseur trifft in dieser Situation Entscheidungen, die genau auf diese Charaktere zutreffen, was paradoxerweise etwas Universelleres schafft, als es generische emotionale Beats schaffen würden. Das Genre Animation hat Hunderte von Filmen hervorgebracht. Die Filme mit den Rängen 8.5 und höher sind diejenigen, bei denen der Regisseur verstanden hat, dass das Genre ein Vertrag mit dem Publikum ist und keine Einschränkung dessen, was ausgedrückt werden kann.
Das Drehbuch von Your Name. - Gestern, heute und für immer zeigt, was die meisten Filme nicht erreichen: In jeder Szene werden zwei Dinge gleichzeitig ausgeführt. Die Oberflächenaktion bringt die Handlung voran. Der Subtext bringt den Charakter voran. Makoto Shinkai arbeitete mit Material, das darauf vertraute, dass das Publikum das, was nicht gesagt wurde, genauso deutlich wahrnehmen konnte wie das, was gesagt wurde. Ryunosuke Kamiki liefert Zeilen, die unterschiedliche Bedeutungen haben, je nachdem, was Sie an dieser Stelle im Film wissen. Erstzuschauer erleben einen Film. Zuschauer, die das Ende kennen, erleben ein anderes. Diese strukturelle Raffinesse wird in Your Name. - Gestern, heute und für immer am deutlichsten sichtbar, wenn man darauf achtet, was die Charaktere konsequent vermeiden, direkt zu sagen.
Your Name. - Gestern, heute und für immer eignet sich für Abende, an denen Sie etwas sehen möchten, das echten Inhalt hat und nicht nur etwas, das nur die Zeit füllt. Es ist kein Hintergrundfilm und kein passives Erlebnis. Makoto Shinkai hat etwas konstruiert, das Ihre Aufmerksamkeit erfordert und diese eher spezifisch als allgemein belohnt. Zuschauer, die sich Your Name. - Gestern, heute und für immer ansehen, während sie andere Dinge tun, erhalten eine Version des Films, die im Vergleich zu der Version, die jemandem zur Verfügung steht, der ihm ihre volle Aufmerksamkeit schenkt, erheblich gekürzt ist. Die 8.5-Bewertung spiegelt das Seherlebnis voller Aufmerksamkeit wider. Die Besetzung – speziell Ryunosuke Kamiki – liefert Leistungsdetails, die sich bei konzentriertem Betrachten bemerkbar machen und bei abgelenktem Betrachten verschwinden.
Die Top-Ten-Position von Your Name. - Gestern, heute und für immer auf dieser Liste spiegelt etwas wider, das schwer herzustellen ist: nachhaltige Exzellenz, die neue Zuschauer immer wieder entdecken und hoch bewerten. Die meisten Filme verlieren nach ihrem ersten Publikum an Schwung. Your Name. - Gestern, heute und für immer nicht. Zuschauer, die es Jahre oder Jahrzehnte nach der Veröffentlichung sehen, geben ihm die gleichen hohen Bewertungen wie die ersten Zuschauer. Makoto Shinkai hat etwas geschaffen, das unabhängig von dem kulturellen Moment funktioniert, aus dem es stammt, was die Definition von dauerhafter Qualität ist. Die Leistung von Ryunosuke Kamiki ist Teil dieser Haltbarkeit – sie ist nicht als zeitgemäße Leistung zu verstehen.
Die letzten Glühwürmchen
Japan, 1945. Das Land steht kurz vor der Kapitulation. Täglich werfen amerikanische Flieger Bomben vom Himmel und setzen ganze Landstriche in Brand. Im Inferno eines solchen Angriffs verlieren der vierzehnjährige Seita und die vierjährige Setsuko ihre Mutter. Ohne den Vater, der bei der Marine ist und von dem sie seit Langem nichts mehr gehört haben, sind die Kinder plötzlich auf sich alleine gestellt. Ihrer Tante, bei der sie zunächst unterkommen, sind die zusätzlichen hungrigen Mäuler in der herrschenden Hungersnot alles andere als willkommen. So ziehen die Geschwister in einen verlassenen Bunker und versuchen dort, auf eigene Faust zu überleben. Allem Leid zum Trotz setzt Seita alles daran, seiner kleinen Schwester eine möglichst unbeschwerte Kindheit zu bieten und tatsächlich verbringen die zwei einige glückliche Wochen. Doch die furchtbare Realität des unerbittlichen Krieges holt die beiden bald ein …
Warum zuschauen?: Die Zahlen hinter Die letzten Glühwürmchen sind schwer zu erreichen: Tausende unabhängige Zuschauer bewerten es ohne Koordination hoch. Dieser Konsens ist das zuverlässigste verfügbare Qualitätssignal.
Die letzten Glühwürmchen stammt aus 1988, was bedeutet, dass es von mehreren Generationen von Zuschauern getestet wurde. Die Tatsache, dass Die letzten Glühwürmchen immer noch einen hohen Rang einnimmt, spiegelt eher echtes Handwerk als Nostalgie wider. Mit 8.4 liegt Die letzten Glühwürmchen in einem Bereich, in dem die Qualität gleichbleibend ist, der Film jedoch nicht den breiten Konsens höher bewerteter Titel erreicht hat. Dieser engere Konsens spiegelt oft einen bestimmten Reiz wider – Die letzten Glühwürmchen ist nicht jedermanns Sache, aber für den richtigen Betrachter ist es ausgezeichnet. Der Film zeigt, was Dramen können, was andere Genres nicht können: normales menschliches Verhalten unter Druck zu setzen und durch die Reaktion Charakter zu offenbaren. Der Regisseur schafft diese Bedingungen und die Darsteller leben sie mit echter Überzeugung. Die letzten Glühwürmchen zeigt, warum Animation-Kino wichtig ist: Es macht Dinge, die kein anderes Genre so effektiv kann. Isao Takahata versteht die spezifischen Mechanismen von Animation und nutzt sie, um Effekte zu erzielen, die in anderen Formen des Geschichtenerzählens unmöglich wären.
Die Leistungen in Die letzten Glühwürmchen sind auf ein bestimmtes Register kalibriert, das Isao Takahata während der gesamten Produktion festgelegt und beibehalten hat. Tsutomu Tatsumi verstand, dass das Material eher eine Untertreibung als eine Betonung erforderte. Die Momente in Die letzten Glühwürmchen, die am schwersten landen, sind diejenigen, in denen Tsutomu Tatsumi weniger leistet, als es ein weniger erfahrener Schauspieler tun würde. Das Ensemble arbeitet in einem Rhythmus zusammen, der auf eine umfassende Vorbereitung und nicht nur auf Talent schließen lässt. Die Szenen, in denen mehrere Darsteller anwesend sind, offenbaren eine kollaborative Dynamik, die in Filmen selten ist, in denen die individuelle Leistung auf Kosten der Ensemble-Wahrheit im Vordergrund steht.
Die letzten Glühwürmchen eignet sich für Zuschauer, die normalerweise nicht nach Filmen aus dieser Epoche oder diesem Genre suchen. Die Qualitäten, die ihm die Bewertung 8.4 einbrachten, sind nicht genre- oder zeitspezifisch – es sind die Qualitäten, die jeden Film exzellent machen: klare Erzählweise, fesselnde Leistung und eine Regie, die dem Material dient, statt sich selbst darzustellen. Zuschauer, die Die letzten Glühwürmchen als Film und nicht als kulturelles Artefakt betrachten, haben tendenziell die stärksten Reaktionen. Das kulturelle Gewicht, das es seit seiner Veröffentlichung angesammelt hat, kann eher Distanz als Zugang schaffen. Der nützlichste Rahmen ist einfach: Dies ist ein gut gemachter Film über bestimmte Menschen in einer bestimmten Situation. Alles andere ergibt sich aus der aufmerksamen Beobachtung. Isao Takahata und Tsutomu Tatsumi erledigen die Arbeit; Die Aufgabe des Betrachters besteht darin, dabei anwesend zu sein.
Die letzten Glühwürmchen gehört zu den Top Ten, weil er etwas tut, was die meisten Filme versuchen und nur wenigen gelingt: Er ist beim ersten Ansehen hervorragend und offenbart beim erneuten Anschauen weitere Ebenen. Das Erstpublikum und das wiederkehrende Publikum machen unterschiedliche Erfahrungen, und beide Erfahrungen sind stark. Isao Takahata hat diese Tiefe in den Film eingebaut, indem es auf mehreren Ebenen gleichzeitig gearbeitet hat – die oberflächliche Geschichte liefert, und darunter liegt eine Schicht handwerklicher Entscheidungen, die erst dann vollständig sichtbar werden, wenn man weiß, wohin alles führt. Diese zweistufige Struktur bringt Die letzten Glühwürmchen in die Top Ten und nicht in die nächste Stufe.
Spider-Man: A New Universe
Miles Morales wurde von einer genetisch veränderten Spinne gebissen. Das macht ihn schnell zum neuen Spider-Man mit den bekannten Fähigkeiten. Aber Miles ist ein Teenager ohne Ahnung von der verantwortungsvollen Nutzung seiner eigenen Kräfte. Doch Hilfe naht, denn durch eine scheinbar zufällig auftretende Verkettung mehrerer Paralleluniversen trifft Miles auf Spider-Man aka Peter Parker und dieser unterweist ihn in den neuen Superkräften und überträgt ihm Verantwortung. Während beide einen Reifeprozess durchmachen, der eine als Schüler, der andere als Lehrer, treffen immer mehr Superhelden mit ähnlichen Kräften ein - ihre bösen Gegenspieler aber auch ...
Warum zuschauen?: Spider-Man: A New Universe hat seine Bewertung lange genug gehalten, sodass die Punktzahl stabil ist. Filme, die bei unterschiedlichen Zuschauern so hoch bewertet werden, sind eher außergewöhnlich als nur gut.
In 2018, als Bob Persichetti Spider-Man: A New Universe produzierte, war die durchschnittliche Produktionsqualität von Filmen noch nie so hoch. Was Spider-Man: A New Universe auszeichnet, ist nicht technischer Feinschliff, sondern Intentionalität – jede Szene macht etwas Bestimmtes. Spider-Man: A New Universe bei 8.4 stellt die zuverlässige Stufe dieser Liste dar. Das sind die Filme, die nicht enttäuschen. Bob Persichetti verstand, was der Film sein musste, und setzte ihn kompromisslos um. Die Handlung ist dem Geschichtenerzählen untergeordnet, statt es zu ersetzen. Der Regisseur erstellt Sequenzen, die nur aufgrund des Vorhergehenden funktionieren. Die Investition des Publikums in Charaktere und Einsatz entscheidet darüber, ob die Aktion ankommt. Genre-Rankings wie diese sind unter anderem deshalb nützlich, weil sie den Animation-Kanon explizit machen. Spider-Man: A New Universe und 8.4 gehören in jede ernsthafte Diskussion darüber, was das Animation-Kino erreicht hat. Wenn man ihn zusammen mit anderen erstklassigen Animation-Filmen ansieht, wird deutlich, wie vielfältig das Genre ist.
Die Struktur von Spider-Man: A New Universe ist so aufgebaut, dass die Taktung eher der Bedeutung als der Konvention dient. Bob Persichetti macht Schnitte in Momenten, die etwas unerwartet wirken, was das Publikum eher in einem Zustand engagierter Aufmerksamkeit als in passivem Zuschauen hält. Filme, die auf offensichtliche Beats verzichten, werden vorhersehbar. Spider-Man: A New Universe schneidet auf Charaktermomente, was bedeutet, dass der Schnittrhythmus und der emotionale Rhythmus dasselbe sind. Das Ergebnis ist ein Film, in dem die Struktur selbst etwas über den inneren Zustand der Charaktere aussagt. Zuschauer, die durch konventionelle Bearbeitung abgestumpft sind, finden Spider-Man: A New Universe auf produktive Weise verwirrend.
Zuschauer, die Spider-Man: A New Universe zum ersten Mal sehen, sollten besonders darauf achten, wie Bob Persichetti mit den Übergängen zwischen den Szenen umgeht. Die Schnitte in Spider-Man: A New Universe sind nicht konventionell – sie landen eher in Momenten der Charaktere als in der Handlung, was bedeutet, dass der Schnittrhythmus und der emotionale Rhythmus des Films dasselbe sind. Wenn eine Szene früher oder später als erwartet zu enden scheint, ist dieser Zeitpunkt eine Entscheidung und verrät Ihnen normalerweise etwas Bestimmtes über den Zustand der Figur in diesem Moment. Shameik Moore arbeitet in diesem Rhythmus mit einer körperlichen Leistung, die am deutlichsten in den Szenen unmittelbar nach großen Ereignissen sichtbar wird – den Reaktionsaufnahmen und ruhigen Momenten, in denen sich die Figur festigt, anstatt sich vorwärts zu bewegen. Der Produktionskontext von 2018 bedeutet, dass diese Entscheidungen ohne die digitalen Sicherheitsnetze getroffen wurden, die es zeitgenössischen Filmen ermöglichen, sich in der Post anzupassen. Was Sie sehen, ist das, was Bob Persichetti beabsichtigt hat.
Eine Top-Ten-Platzierung auf einer Rangliste, die auf den Bewertungen der Movie Database basiert, stellt einen echten kritischen Konsens dar. Es handelt sich nicht um einen Beliebtheitswettbewerb – die Wählerschwelle filtert nach Filmen, die von genügend Leuten gesehen und bewertet wurden, sodass einzelne Ausreißermeinungen den Durchschnitt bilden. Spider-Man: A New Universe an dieser Stelle bedeutet, dass unterschiedliche Zuschauer aus verschiedenen Ländern und mit unterschiedlichen Sehgewohnheiten unabhängig voneinander zu dem Schluss kamen, dass dieser Film ausgezeichnet war. Bob Persichetti hat mit Spider-Man: A New Universe etwas erreicht, das gegen kulturelle Unterschiede resistent ist. Der hier verwendete spezifische Storytelling-Ansatz lässt sich kontextübergreifend übersetzen.
Das wandelnde Schloss
Die junge Hutmacherin Sophie lebt in einer Kleinstadt im Lande Ingary, einer Welt voller Magie und Fabelwesen, die aber auch schon erste Flugzeuge und Dampfmaschinen kennt. Eines Tages lernt Sophie durch Zufall den jungen Magier Hauro kennen und verliebt sich in ihn - doch eine eifersüchtige Hexe verwandelt sie in eine alte Frau. Sophie verlässt ihre Heimatstadt, um nach einem Mittel gegen den Fluch zu suchen, und gelangt schließlich zu Hauros wandelndem Schloss. Hier findet sie eine Anstellung als Putzfrau und gewinnt durch ihre freundliche und zuvorkommende Art schnell die Herzen der übrigen Bewohner. Nur Hauro bleibt ihr gegenüber kalt und abweisend. Als der König von Hauro verlangt, für ihn in den Krieg zu ziehen, begreift Sophie allmählich, welche geheimnisvolle Verbindung zwischen dem Magier und Calcifer besteht, dem Dämon, dessen Kraft das wandelnde Schloss antreibt - und dass nur die alles verwandelnde Kraft der Liebe sie, Hauro und die übrigen Bewohner erlösen kann.
Warum zuschauen?: Einer der am höchsten bewerteten Filme in dieser Auswahl. Das wandelnde Schloss hat sich seinen Ruf durch anhaltende kritische Wertschätzung über mehrere Zuschauergenerationen hinweg erworben.
Das wandelnde Schloss entstand im Jahr 2004, als das Kino mit dem frühen Internet und der DVD um Aufmerksamkeit konkurrierte. Hayao Miyazaki hat etwas geschaffen, das damals und heute Aufmerksamkeit erregte. Eine 8.4-Bewertung aus einem großen Wählerpool bedeutet, dass der Film über echte Stärken verfügt, die die von den Zuschauern festgestellten Schwächen überwiegen. Das wandelnde Schloss hält sein zentrales Versprechen, nämlich den Mindeststandard, den jeder Film erfüllen sollte, und den weniger erreichen, als die Anzahl der Veröffentlichungen vermuten lässt. Der Film zeigt, dass Animation ein Werkzeug ist, um emotionale Register zu erreichen, die mit Live-Action nicht erreicht werden können. Der Regisseur nutzt die formalen Möglichkeiten des Mediums, um Momente zu schaffen, die spezifisch für die animierte Form sind. Die Herangehensweise von Hayao Miyazaki an Animation in Das wandelnde Schloss ist aufschlussreich: Genrekonventionen werden bewusst und nicht automatisch verwendet. Das Ergebnis ist ein Film, der hält, was das Genre verspricht, und gleichzeitig etwas tut, was die meisten Animation-Filme nicht können.
Die Klangumgebung von Das wandelnde Schloss ist ebenso bewusst konstruiert wie ihre visuelle Umgebung. Hayao Miyazaki versteht, dass Sounddesign und Partitur unterhalb der bewussten Aufmerksamkeit funktionieren und emotionale Reaktionen formen, bevor das Publikum analysieren kann, was passiert. Die ruhigeren Sequenzen in Das wandelnde Schloss nutzen Umgebungsgeräusche, um Präsenz statt Abwesenheit zu erzeugen. In den vertonten Sequenzen wird Musik verwendet, die auf den Charakter reagiert, anstatt zu signalisieren, was das Publikum fühlen soll. Chieko Baisho arbeitet in dieser Klangumgebung mit einer physischen Leistung, die dafür sorgt, wie die Szene sowohl akustisch als auch visuell erlebt wird. Die Kombination ergibt etwas, das beim Publikum ankommt und nicht nur bei ihm.
Das wandelnde Schloss nimmt in der Geschichte seines Genres eine besondere Position ein: Es entstand, als sich die Konventionen, mit denen es arbeitet, noch in der Entwicklung befanden und nicht etablierten. Hayao Miyazaki wandte keine bewährte Formel an, sondern konstruierte etwas, dessen Wirksamkeit nicht garantiert war. Die 8.4-Bewertung spiegelt ein Publikum wider, das auf Arbeiten reagiert hat, die unter echten kreativen Risikobedingungen entstanden sind. Zeitgenössische Filme im gleichen Raum haben den Vorteil zu wissen, was funktioniert, denn Das wandelnde Schloss und ähnliche Filme haben es gezeigt. Das Ansehen von Das wandelnde Schloss in diesem Kontext – als kreative Arbeit, die ohne das Sicherheitsnetz bewährter Konventionen entstanden ist – fügt dem Seherlebnis eine Dimension hinzu, die beim Anschauen von Filmen, die nach der Einführung der Konventionen gedreht wurden, nicht möglich ist.
Die Top-Ten-Position von Das wandelnde Schloss ist am aussagekräftigsten, wenn man bedenkt, mit wem es konkurrierte. Jeder Film im Katalog für diesen Modus und diese Ära wurde bewertet, und Das wandelnde Schloss wurde hier eingestuft, weil er aufgrund der Kombination aus Bewertungsqualität und Wählerzahl über allen anderen Filmen in der Auswahl stand. Hayao Miyazaki hat in Das wandelnde Schloss Entscheidungen getroffen, die ihn von den Alternativen in derselben Kategorie unterscheiden – Alternativen, die auch gute Filme sind. Der Abstand zwischen den Top 10 und den Top 20 ist hinsichtlich der absoluten Einschaltquoten kleiner, als es aussieht, aber erheblich, wenn es darum geht, was das Zuschauererlebnis tatsächlich bietet.
A Silent Voice
In der Grundschule ist Shoya Ishida ein ausgelassener Junge, der gemeinsam mit seinen Freunden das Leben genießt. Als die gehörlose Shoko Nishimiya neu in seine Klasse kommt, findet er schnell Gefallen daran, das schüchterne Mädchen zu mobben. Schließlich treibt er Shoko sogar so weit, die Schule zu verlassen. Womit Shoya nicht gerechnet hat: Nun stellt sich die ganze Klasse gegen ihn und beginnt ihn auszugrenzen. Auch seine Mutter muss unter den Geschehnissen leiden und sämtliche Kosten für die von ihrem Sohn zerstörten Hörgeräte tragen. Einige Jahre später, noch immer von Schuldgefühlen geplagt, macht sich Shoya auf die Suche nach seinem damaligen Opfer. Doch wird die erneute Begegnung der beiden die verwundeten Seelen tatsächlich heilen können?
Warum zuschauen?: A Silent Voice steht am außergewöhnlichsten Ende dieser Liste. Eine so hohe Bewertung, die auf einer großen Wählerbasis basiert, spiegelt eher einen echten Konsens als einen Hype wider.
A Silent Voice wurde in 2016 hergestellt und existiert im Streaming-Zeitalter, in dem alles mit allem konkurriert. Die 8.4-Bewertung spiegelt ein Publikum wider, das endlose Alternativen hatte und sich für eine hohe Bewertung entschieden hat. Die 8.4-Bewertung für A Silent Voice basiert auf Zuschauern, die Alternativen hatten und sich entschieden haben, diese hoch zu bewerten. Diese Wahl spiegelt einen Film wider, der seine Sache klar dargelegt hat – und das ist genau das, was A Silent Voice tut. Naoko Yamada brachte das Argument vor und das Publikum akzeptierte es. Das Drama beruht eher auf der Spezifität als auf der Universalität. Der Regisseur trifft in dieser Situation Entscheidungen, die genau auf diese Charaktere zutreffen, was paradoxerweise etwas Universelleres schafft, als es generische emotionale Beats schaffen würden. Die besten Animation-Filme nutzen die Mechanismen ihres Genres, um etwas Reales zu erreichen. A Silent Voice ist einer dieser Filme. Naoko Yamada hat das Genre tief genug verstanden, um zu wissen, welche Konventionen dem Material dienen und welche man beiseite legen sollte.
Der visuelle Ansatz von A Silent Voice spiegelt das Verständnis von Naoko Yamada wider, dass Stil und Substanz dasselbe sind. Die Platzierung der Kamera, die Farbkorrektur und der Bearbeitungsrhythmus von A Silent Voice sind keine dekorativen Entscheidungen. Es sind Argumente darüber, wie die Geschichte erlebt werden soll. Miyu Irino wird auf eine Weise gedreht, die den Charakter vermittelt, bevor ein Wort gesprochen wird. Zuschauer, die sich A Silent Voice ein zweites Mal ansehen und dabei auf die visuelle Grammatik achten, werden eine Bedeutungsebene entdecken, die unabhängig von Dialog und Handlung funktioniert.
A Silent Voice eignet sich für Zuschauer, die normalerweise nicht nach Filmen aus dieser Epoche oder diesem Genre suchen. Die Qualitäten, die ihm die Bewertung 8.4 einbrachten, sind nicht genre- oder zeitspezifisch – es sind die Qualitäten, die jeden Film exzellent machen: klare Erzählweise, fesselnde Leistung und eine Regie, die dem Material dient, statt sich selbst darzustellen. Zuschauer, die A Silent Voice als Film und nicht als kulturelles Artefakt betrachten, haben tendenziell die stärksten Reaktionen. Das kulturelle Gewicht, das es seit seiner Veröffentlichung angesammelt hat, kann eher Distanz als Zugang schaffen. Der nützlichste Rahmen ist einfach: Dies ist ein gut gemachter Film über bestimmte Menschen in einer bestimmten Situation. Alles andere ergibt sich aus der aufmerksamen Beobachtung. Naoko Yamada und Miyu Irino erledigen die Arbeit; Die Aufgabe des Betrachters besteht darin, dabei anwesend zu sein.
A Silent Voice verdient seinen Top-Ten-Platz nicht durch seinen kulturellen Ruf, sondern durch das, was passiert, wenn die Zuschauer sich hinsetzen und es ansehen. Die 8.4-Bewertung erfasst dieses Erlebnis anhand einer großen Auswahl unabhängiger Betrachtungen. Filme, die auf Listen wie dieser den Top-Ten-Status erreichen, wurden von Zuschauern getestet, die uneingeschränkten Zugriff auf Alternativen hatten und sich entschieden haben, diesen Film als Top-Bewertung ihres Erlebnisses zu bewerten. Naoko Yamada und Miyu Irino haben etwas geschaffen, das diese Erwartungen konsequent erfüllt, weshalb die Bewertung trotz ständig neuer Zuschauer, die neue Maßstäbe setzen, erhalten bleibt.
Spider-Man: Across the Spider-Verse
Brooklyns freundliche Spinne aus der Nachbarschaft ist zurück! Nachdem sich Miles Morales aka Spider-Man gerade erst an seine Rolle gewöhnt hat, wird er bereits in sein nächstes Abenteuer und quer durch das neu entdeckte Multiversum geschleudert. Um dessen Existenz zu schützen, muss sich Spider-Man zusammen mit Gwen Stacy und einem neuen Spider-Team einem Bösewicht stellen, der mächtiger ist als alles, was ihnen bisher begegnet ist. Nur mit vereinten Kräften ist es ihnen vielleicht möglich, die Welt zu retten. Doch welche ist die richtige Vorgehensweise, um der Bedrohung zu begegnen? Als die vielen Helden der Spider-People über diese Frage aneinander geraten, muss Miles seine eigene Rolle als Held neu definieren, um die Menschen zu retten, die er liebt.
Warum zuschauen?: Die Zahlen hinter Spider-Man: Across the Spider-Verse sind schwer zu erreichen: Tausende unabhängige Zuschauer bewerten es ohne Koordination hoch. Dieser Konsens ist das zuverlässigste verfügbare Qualitätssignal.
Spider-Man: Across the Spider-Verse (2023) wurde in einer Zeit gedreht, in der das Publikum immer anspruchsvoller in Bezug auf die Produktionsqualität wurde. Kemp Powers hat etwas geliefert, das diese gestiegenen Erwartungen erfüllt. Spider-Man: Across the Spider-Verse und 8.3 ist ein Film, in dem das Handwerk in mehreren Dimensionen durchweg über dem Durchschnitt liegt. Kein einzelnes Element trägt die anderen. Die Regie, das Schreiben und die Darbietung gehen alle in die gleiche Richtung. Der Regisseur filmt die Action eher im menschlichen Maßstab als im Kameraspektakel. Charaktere nehmen einen zusammenhängenden Raum ein und ihre Körper bewegen sich mit lesbarer Absicht durch diesen Raum. Das Ergebnis ist eine Aktion, die Wirkung akkumuliert, anstatt vorübergehend Adrenalin zu erzeugen. Spider-Man: Across the Spider-Verse steht an der Spitze dieses Animation-Rankings, weil es zeigt, was das Genre erreicht, wenn ein Regisseur es als künstlerischen Rahmen und nicht als kommerzielle Kategorie ernst nimmt. Der Unterschied ist in jeder Szene von Spider-Man: Across the Spider-Verse sichtbar.
Das Drehbuch von Spider-Man: Across the Spider-Verse zeigt, was die meisten Filme nicht erreichen: In jeder Szene werden zwei Dinge gleichzeitig ausgeführt. Die Oberflächenaktion bringt die Handlung voran. Der Subtext bringt den Charakter voran. Kemp Powers arbeitete mit Material, das darauf vertraute, dass das Publikum das, was nicht gesagt wurde, genauso deutlich wahrnehmen konnte wie das, was gesagt wurde. Shameik Moore liefert Zeilen, die unterschiedliche Bedeutungen haben, je nachdem, was Sie an dieser Stelle im Film wissen. Erstzuschauer erleben einen Film. Zuschauer, die das Ende kennen, erleben ein anderes. Diese strukturelle Raffinesse wird in Spider-Man: Across the Spider-Verse am deutlichsten sichtbar, wenn man darauf achtet, was die Charaktere konsequent vermeiden, direkt zu sagen.
Erstzuschauer von Spider-Man: Across the Spider-Verse sollten mit möglichst geringen Vorkenntnissen einsteigen. Der Film wurde so ausführlich besprochen und zitiert, dass man leicht Erwartungen hegen kann, die eher von den Reaktionen anderer Menschen als vom Film selbst geprägt sind. Das tatsächliche Erlebnis, Spider-Man: Across the Spider-Verse zum ersten Mal anzusehen, ohne genau zu wissen, was kommt, unterscheidet sich erheblich vom Ansehen als bekannte Größe. Wenn Sie es noch nicht gesehen haben, ist das ein Vorteil, den es zu bewahren gilt. Wiederkehrende Zuschauer stellen fest, dass sich Spider-Man: Across the Spider-Verse beim erneuten Ansehen ändert – nicht, weil sich der Film ändert, sondern weil das Wissen um den Ausgang verändert, welche Details einem auffallen und was die ersten Szenen tatsächlich bewirken. Der Aufbau des ersten Akts von Kemp Powers sieht anders aus, wenn man weiß, wo er endet. Der Auftritt von Shameik Moore in den ersten Szenen enthält Informationen, die erst bei zweitem Betrachten lesbar sind.
Für die Platzierung von Spider-Man: Across the Spider-Verse in den Top Ten dieser Liste sind keine besonderen Argumente erforderlich. Das Argument ist die 8.3-Bewertung einer Wählerbasis, die groß genug ist, um statistisch aussagekräftig zu sein. Filme in den Top 10 jeder seriösen Liste nehmen diese Position ein, weil sie durchgängig ein möglichst breites Spektrum an Zuschauern ansprechen, und Spider-Man: Across the Spider-Verse hat dies in allen Bevölkerungsgruppen geschafft, die damit in Berührung gekommen sind. Die Arbeit von Kemp Powers bewegt sich hier auf der Ebene, auf der sich die Qualität einzelner Szenen zu etwas zusammenfügt, das dem Niveau des gesamten Films standhält, was seltener ist, als es klingt.
Prinzessin Mononoke
Japan im frühen Mittelalter. Der junge Krieger Ashitaka tötet in Notwehr einen dämonischen Eber und wird darauf mit einem Fluch belegt. Auf der Suche nach Heilung durchstreift Ashitaka das Land und stößt schließlich nahe einer befestigten Hüttensiedlung, die sich tief in das einst idyllische Land um einen Heiligen Berg frisst, auf die von Wölfen großgezogene Kriegerin San, genannt Mononoke. Obwohl San einen Krieg für die Natur wider ihre Zerstörer führt, verliebt sie sich in Ashitaka.
Warum zuschauen?: Prinzessin Mononoke hat seine Bewertung lange genug gehalten, sodass die Punktzahl stabil ist. Filme, die bei unterschiedlichen Zuschauern so hoch bewertet werden, sind eher außergewöhnlich als nur gut.
Die 1997-Veröffentlichung von Prinzessin Mononoke ist vollständig älter als die Streaming-Ära. Jeder Zuschauer, der Prinzessin Mononoke bewertet hat, hat es durch bewusste Bemühungen entdeckt – durch Kinovorführung, physische Medien oder Empfehlung. Diese Zielgruppe für Prinzessin Mononoke wählt sich selbst für das Engagement aus. Filme im 8.3-Bereich sind oft interessanter, als ihre Position in einer Liste vermuten lässt. Sie haben nicht die kulturelle Sättigung höher bewerteter Titel erreicht, was bedeutet, dass Prinzessin Mononoke einfacher und ohne Vorurteile angegangen werden kann. Davon profitiert Prinzessin Mononoke. Die Animation dient eher dem Geschichtenerzählen als der Demonstration technischer Fähigkeiten. Der Regisseur nutzt die Form, um emotionale und erzählerische Effekte zu erzielen, die der konkret erzählten Geschichte dienen. Wenn man sich Prinzessin Mononoke zusammen mit anderen Einträgen auf dieser Animation-Liste ansieht, wird deutlich, was das beste Werk des Genres von seinem durchschnittlichen Output unterscheidet. Hayao Miyazaki hat hier Entscheidungen getroffen, die die meisten Animation-Filme meiden, weil diese Entscheidungen Vertrauen in das Publikum erfordern.
Die Leistungen in Prinzessin Mononoke sind auf ein bestimmtes Register kalibriert, das Hayao Miyazaki während der gesamten Produktion festgelegt und beibehalten hat. Yoji Matsuda verstand, dass das Material eher eine Untertreibung als eine Betonung erforderte. Die Momente in Prinzessin Mononoke, die am schwersten landen, sind diejenigen, in denen Yoji Matsuda weniger leistet, als es ein weniger erfahrener Schauspieler tun würde. Das Ensemble arbeitet in einem Rhythmus zusammen, der auf eine umfassende Vorbereitung und nicht nur auf Talent schließen lässt. Die Szenen, in denen mehrere Darsteller anwesend sind, offenbaren eine kollaborative Dynamik, die in Filmen selten ist, in denen die individuelle Leistung auf Kosten der Ensemble-Wahrheit im Vordergrund steht.
Prinzessin Mononoke eignet sich für Zuschauer, die normalerweise nicht nach Filmen aus dieser Epoche oder diesem Genre suchen. Die Qualitäten, die ihm die Bewertung 8.3 einbrachten, sind nicht genre- oder zeitspezifisch – es sind die Qualitäten, die jeden Film exzellent machen: klare Erzählweise, fesselnde Leistung und eine Regie, die dem Material dient, statt sich selbst darzustellen. Zuschauer, die Prinzessin Mononoke als Film und nicht als kulturelles Artefakt betrachten, haben tendenziell die stärksten Reaktionen. Das kulturelle Gewicht, das es seit seiner Veröffentlichung angesammelt hat, kann eher Distanz als Zugang schaffen. Der nützlichste Rahmen ist einfach: Dies ist ein gut gemachter Film über bestimmte Menschen in einer bestimmten Situation. Alles andere ergibt sich aus der aufmerksamen Beobachtung. Hayao Miyazaki und Yoji Matsuda erledigen die Arbeit; Die Aufgabe des Betrachters besteht darin, dabei anwesend zu sein.
Die Top-Ten-Position von Prinzessin Mononoke auf dieser Liste spiegelt etwas wider, das schwer herzustellen ist: nachhaltige Exzellenz, die neue Zuschauer immer wieder entdecken und hoch bewerten. Die meisten Filme verlieren nach ihrem ersten Publikum an Schwung. Prinzessin Mononoke nicht. Zuschauer, die es Jahre oder Jahrzehnte nach der Veröffentlichung sehen, geben ihm die gleichen hohen Bewertungen wie die ersten Zuschauer. Hayao Miyazaki hat etwas geschaffen, das unabhängig von dem kulturellen Moment funktioniert, aus dem es stammt, was die Definition von dauerhafter Qualität ist. Die Leistung von Yoji Matsuda ist Teil dieser Haltbarkeit – sie ist nicht als zeitgemäße Leistung zu verstehen.
Der wilde Roboter
Rozzum 7134 – kurz „Roz“ – ist kein gewöhnlicher Roboter. Sie wurde eigentlich als Unterstützung für eine futuristische urbane Welt entwickelt, doch nun hat sie Schiffbruch erlitten und ist auf einer einsamen Insel gestrandet. Mit Mühe baut sie Beziehungen zu den zunächst argwöhnischen Tieren auf und lernt, sich an die ungewohnte, raue Umgebung anzupassen. Das große Abenteuer beginnt, als sie durch einen Zufall zur Beschützerin eines hilflosen, verwaisten Gänsekükens wird und die wahre Bedeutung des Lebens entdeckt.
Warum zuschauen?: Einer der am höchsten bewerteten Filme in dieser Auswahl. Der wilde Roboter hat sich seinen Ruf durch anhaltende kritische Wertschätzung über mehrere Zuschauergenerationen hinweg erworben.
Der wilde Roboter ist ein zeitgenössisches Werk, das in einem mit Inhalten überfluteten Markt bereits sein Durchhaltevermögen unter Beweis gestellt hat. Chris Sanders hat etwas geschaffen, das aus der Masse herausragte, weil es wirklich besser war als die Alternativen. Eine 8.3-Bewertung spiegelt die gleichzeitige Arbeit von Regie, Schreiben und Leistung auf einem konstanten Niveau wider. Filme, die in diesem Bereich punkten, versagen selten in einer einzigen Dimension erheblich, und Der wilde Roboter ist keine Ausnahme. Der Regisseur nutzt die Science-Fiction-Prämisse, um Fragen darüber zu stellen, was es bedeutet, ein Mensch zu sein. Die spekulative Technologie ist ein Rahmen zur Charaktererforschung unter außerordentlichem Druck. Innerhalb des Animation-Genres nimmt Der wilde Roboter eine besondere Position ein: Es zeigt, was möglich ist, wenn ein Regisseur Genrekonventionen als Ausgangspunkt und nicht als Blaupause verwendet. Die besten Animation-Filme erweitern die Möglichkeiten des Genres.
Die Struktur von Der wilde Roboter ist so aufgebaut, dass die Taktung eher der Bedeutung als der Konvention dient. Chris Sanders macht Schnitte in Momenten, die etwas unerwartet wirken, was das Publikum eher in einem Zustand engagierter Aufmerksamkeit als in passivem Zuschauen hält. Filme, die auf offensichtliche Beats verzichten, werden vorhersehbar. Der wilde Roboter schneidet auf Charaktermomente, was bedeutet, dass der Schnittrhythmus und der emotionale Rhythmus dasselbe sind. Das Ergebnis ist ein Film, in dem die Struktur selbst etwas über den inneren Zustand der Charaktere aussagt. Zuschauer, die durch konventionelle Bearbeitung abgestumpft sind, finden Der wilde Roboter auf produktive Weise verwirrend.
Der wilde Roboter eignet sich für Zuschauer, die normalerweise nicht nach Filmen aus dieser Epoche oder diesem Genre suchen. Die Qualitäten, die ihm die Bewertung 8.3 einbrachten, sind nicht genre- oder zeitspezifisch – es sind die Qualitäten, die jeden Film exzellent machen: klare Erzählweise, fesselnde Leistung und eine Regie, die dem Material dient, statt sich selbst darzustellen. Zuschauer, die Der wilde Roboter als Film und nicht als kulturelles Artefakt betrachten, haben tendenziell die stärksten Reaktionen. Das kulturelle Gewicht, das es seit seiner Veröffentlichung angesammelt hat, kann eher Distanz als Zugang schaffen. Der nützlichste Rahmen ist einfach: Dies ist ein gut gemachter Film über bestimmte Menschen in einer bestimmten Situation. Alles andere ergibt sich aus der aufmerksamen Beobachtung. Chris Sanders und Lupita Nyong'o erledigen die Arbeit; Die Aufgabe des Betrachters besteht darin, dabei anwesend zu sein.
Der wilde Roboter gehört zu den Top Ten, weil er etwas tut, was die meisten Filme versuchen und nur wenigen gelingt: Er ist beim ersten Ansehen hervorragend und offenbart beim erneuten Anschauen weitere Ebenen. Das Erstpublikum und das wiederkehrende Publikum machen unterschiedliche Erfahrungen, und beide Erfahrungen sind stark. Chris Sanders hat diese Tiefe in den Film eingebaut, indem es auf mehreren Ebenen gleichzeitig gearbeitet hat – die oberflächliche Geschichte liefert, und darunter liegt eine Schicht handwerklicher Entscheidungen, die erst dann vollständig sichtbar werden, wenn man weiß, wohin alles führt. Diese zweistufige Struktur bringt Der wilde Roboter in die Top Ten und nicht in die nächste Stufe.
Perfect Blue
Perfect Blue begleitet Mima Kirigoe, die, um ihre Karriere voranzutreiben, die J-Pop-Gruppe CHAM! verlässt und sich stattdessen der Schauspielerei widmen will. Entgegen dem Rat ihrer Managerin nimmt sie eine Rolle in einem Krimi an, die sie zwar von dem niedlichen, sauberen Idol-Image befreien soll, ihr aber auch psychisch stark zusetzt. Auf dem Weg nach Hause sieht Mima ein Mädchen, das wie sie aussieht, gekleidet in ihrem Idol-Kostüm, und sich als die „echte Mima“ bezeichnet. Im Internet findet sie eine Seite, die ihre intimsten Gedanken preisgibt. Noch dazu kommen immer aggressiver werdende Briefe von Fans, die sich einfach nicht mit ihrem Image-Wechsel abfinden wollen und sogar beginnen, Mima zu stalken. Sie muss am eigenen Leib feststellen, wie brutal das Filmbusiness ist, und als dann auch noch CHAM! den langersehnten Durchbruch schaffen – ohne sie – scheint sich in Mimas Leben nichts mehr am rechten Ort zu finden. Die Realität entgleitet ihr mehr und mehr…
Warum zuschauen?: Perfect Blue steht am außergewöhnlichsten Ende dieser Liste. Eine so hohe Bewertung, die auf einer großen Wählerbasis basiert, spiegelt eher einen echten Konsens als einen Hype wider.
Perfect Blue erschien im Jahr 1998 und wurde in einer Zeit gedreht, in der Kinoläufe darüber entschieden, ob ein Film überlebte. Satoshi Kon hat etwas geschaffen, das überlebt hat, und die heutige Bewertung 8.3 ist ein Beweis für dieses Durchhaltevermögen. Mit der 8.3-Bewertung für Perfect Blue gehört er zu den Filmen, die ihre Prämisse ohne nennenswerte Schwächen erfüllen. Satoshi Kon hat etwas geschaffen, das durchgehend wie vorgesehen funktioniert, was weniger verbreitet ist, als es sich anhört. Was den Film zu einem Thriller macht, ist die Erkenntnis, dass Einsätze Investitionen erfordern. Der erste Akt baut den Charakter auf, bevor der Druck einsetzt. Wenn die Spannung eskaliert, haben Sie Grund, sich um das Ergebnis zu sorgen. Das Genre Animation hat Hunderte von Filmen hervorgebracht. Die Filme mit den Rängen 8.3 und höher sind diejenigen, bei denen der Regisseur verstanden hat, dass das Genre ein Vertrag mit dem Publikum ist und keine Einschränkung dessen, was ausgedrückt werden kann.
Die Klangumgebung von Perfect Blue ist ebenso bewusst konstruiert wie ihre visuelle Umgebung. Satoshi Kon versteht, dass Sounddesign und Partitur unterhalb der bewussten Aufmerksamkeit funktionieren und emotionale Reaktionen formen, bevor das Publikum analysieren kann, was passiert. Die ruhigeren Sequenzen in Perfect Blue nutzen Umgebungsgeräusche, um Präsenz statt Abwesenheit zu erzeugen. In den vertonten Sequenzen wird Musik verwendet, die auf den Charakter reagiert, anstatt zu signalisieren, was das Publikum fühlen soll. Junko Iwao arbeitet in dieser Klangumgebung mit einer physischen Leistung, die dafür sorgt, wie die Szene sowohl akustisch als auch visuell erlebt wird. Die Kombination ergibt etwas, das beim Publikum ankommt und nicht nur bei ihm.
Zuschauer, die Perfect Blue zum ersten Mal sehen, sollten besonders darauf achten, wie Satoshi Kon mit den Übergängen zwischen den Szenen umgeht. Die Schnitte in Perfect Blue sind nicht konventionell – sie landen eher in Momenten der Charaktere als in der Handlung, was bedeutet, dass der Schnittrhythmus und der emotionale Rhythmus des Films dasselbe sind. Wenn eine Szene früher oder später als erwartet zu enden scheint, ist dieser Zeitpunkt eine Entscheidung und verrät Ihnen normalerweise etwas Bestimmtes über den Zustand der Figur in diesem Moment. Junko Iwao arbeitet in diesem Rhythmus mit einer körperlichen Leistung, die am deutlichsten in den Szenen unmittelbar nach großen Ereignissen sichtbar wird – den Reaktionsaufnahmen und ruhigen Momenten, in denen sich die Figur festigt, anstatt sich vorwärts zu bewegen. Der Produktionskontext von 1998 bedeutet, dass diese Entscheidungen ohne die digitalen Sicherheitsnetze getroffen wurden, die es zeitgenössischen Filmen ermöglichen, sich in der Post anzupassen. Was Sie sehen, ist das, was Satoshi Kon beabsichtigt hat.
Eine Top-Ten-Platzierung auf einer Rangliste, die auf den Bewertungen der Movie Database basiert, stellt einen echten kritischen Konsens dar. Es handelt sich nicht um einen Beliebtheitswettbewerb – die Wählerschwelle filtert nach Filmen, die von genügend Leuten gesehen und bewertet wurden, sodass einzelne Ausreißermeinungen den Durchschnitt bilden. Perfect Blue an dieser Stelle bedeutet, dass unterschiedliche Zuschauer aus verschiedenen Ländern und mit unterschiedlichen Sehgewohnheiten unabhängig voneinander zu dem Schluss kamen, dass dieser Film ausgezeichnet war. Satoshi Kon hat mit Perfect Blue etwas erreicht, das gegen kulturelle Unterschiede resistent ist. Der hier verwendete spezifische Storytelling-Ansatz lässt sich kontextübergreifend übersetzen.
Im Kino geht es um die Geschichten, die wichtig sind. Die Filme in diesem Abschnitt beweisen dieses Prinzip.
Der König der Löwen
Unter der Obhut seines Vaters Mufasa wächst der Löwenjunge Simba unbeschwert heran und soll eines Tages dessen Platz als König einnehmen. Aber bis dahin ist es ein langer Weg, der Simbas ganzen Mut erfordert. Stets begleitet von seinen witzigen Freunden Timon und Pumbaa und deren urgemütlicher Lebensphilosophie „Hakuna Matata“, muss Simba sich seiner größten Herausforderung stellen: dem Kampf mit dem hinterhältigen Scar um die Herrschaft über das „geweihte Land“ …
Warum zuschauen?: Die Zahlen hinter Der König der Löwen sind schwer zu erreichen: Tausende unabhängige Zuschauer bewerten es ohne Koordination hoch. Dieser Konsens ist das zuverlässigste verfügbare Qualitätssignal.
Der König der Löwen stammt aus 1994, was bedeutet, dass es von mehreren Generationen von Zuschauern getestet wurde. Die Tatsache, dass Der König der Löwen immer noch einen hohen Rang einnimmt, spiegelt eher echtes Handwerk als Nostalgie wider. Mit 8.3 liegt Der König der Löwen in einem Bereich, in dem die Qualität gleichbleibend ist, der Film jedoch nicht den breiten Konsens höher bewerteter Titel erreicht hat. Dieser engere Konsens spiegelt oft einen bestimmten Reiz wider – Der König der Löwen ist nicht jedermanns Sache, aber für den richtigen Betrachter ist es ausgezeichnet. Der Film zeigt, was Dramen können, was andere Genres nicht können: normales menschliches Verhalten unter Druck zu setzen und durch die Reaktion Charakter zu offenbaren. Der Regisseur schafft diese Bedingungen und die Darsteller leben sie mit echter Überzeugung. Der König der Löwen zeigt, warum Animation-Kino wichtig ist: Es macht Dinge, die kein anderes Genre so effektiv kann. Roger Allers versteht die spezifischen Mechanismen von Animation und nutzt sie, um Effekte zu erzielen, die in anderen Formen des Geschichtenerzählens unmöglich wären.
Die Kinematographie in Der König der Löwen spiegelt eine Übergangszeit in der Filmtechnologie wider, als digitale Werkzeuge verfügbar waren, Filmemacher jedoch noch darüber debattierten, ob sie sie verwenden sollten. Roger Allers hat Entscheidungen über den visuellen Stil getroffen, die eher bewusst als vorgegeben waren. Die Art und Weise, wie Der König der Löwen beleuchtet, gerahmt und geschnitten wird, spiegelt eher eine spezifische visuelle Intelligenz als Branchenkonventionen wider. Matthew Broderick funktioniert innerhalb dieses visuellen Rahmens auf eine Art und Weise, die am deutlichsten sichtbar wird, wenn man sich den Film ansieht und dabei darauf achtet, wie sie im Bild platziert sind, und nicht nur darauf, was sie tun.
Zuschauer, die die Filme gesehen haben, die von Der König der Löwen beeinflusst wurden, werden das Anschauen des Originals als ein anderes Erlebnis empfinden als das Anschauen eines zeitgenössischen Films. Die Techniken, die einem bekannt vorkommen, weil sie ausgiebig kopiert wurden, sind hier in ihrer ursprünglichen Form sichtbar, was oft zeigt, dass die Kopien die Oberfläche dessen verstanden haben, was Roger Allers getan hat, ohne die dahinter stehende Logik zu verstehen. Der König der Löwen nutzt seine stilistischen Entscheidungen im Dienste spezifischer Storytelling-Ziele. Spätere Filme, die diese Optionen übernahmen, verwendeten sie oft als Stil ohne Funktion. Das Anschauen des Originals verdeutlicht, was tatsächlich erreicht wurde. Die Arbeit von Matthew Broderick hat hier auch eine Besonderheit, die vielen davon inspirierten Aufführungen fehlt – die Imitationen haben die Art und Weise eingefangen, ohne die Innerlichkeit, die der Art etwas Bedeutung verlieh.
Der König der Löwen an dieser Position auf der Liste stellt einen Film dar, der echte Qualität und anhaltende Wertschätzung erreicht hat, ohne zu einem Kulturdenkmal zu werden. Der Vorteil dieser Position besteht darin, dass die Leistung von Matthew Broderick und die Handwerkskunst von Roger Allers frisch und nicht durch den Filter ausführlicher vorheriger Diskussionen wahrgenommen werden können. Die spezifischen Dinge, die diesen Film sehenswert machen – die in den obigen redaktionellen Anmerkungen beschrieben werden – sind leichter zu erkennen, wenn man nicht damit rechnet, einen guten Ruf zu bestätigen. Die Bewertung im mittleren Abschnitt dieser Liste stellt keine Herabstufung dar. Es handelt sich um eine Beschreibung eines Films, der für sein spezifisches Publikum hervorragend geeignet ist.
Klaus
Ein eigennütziger Postbote und ein eigenbrötlerischer Spielzeugmacher freunden sich an und bescheren einem kalten, dunklen Dorf die Freude, die es so bitter nötig hat.
Warum zuschauen?: Klaus hat seine Bewertung lange genug gehalten, sodass die Punktzahl stabil ist. Filme, die bei unterschiedlichen Zuschauern so hoch bewertet werden, sind eher außergewöhnlich als nur gut.
In 2019, als Sergio Pablos Klaus produzierte, war die durchschnittliche Produktionsqualität von Filmen noch nie so hoch. Was Klaus auszeichnet, ist nicht technischer Feinschliff, sondern Intentionalität – jede Szene macht etwas Bestimmtes. Klaus bei 8.2 stellt die zuverlässige Stufe dieser Liste dar. Das sind die Filme, die nicht enttäuschen. Sergio Pablos verstand, was der Film sein musste, und setzte ihn kompromisslos um. Die Kohärenz des Films als Komödie beruht auf der Konsistenz. Der Regisseur legt die Regeln der Welt und das Verhalten der Charaktere darin fest, und der Humor entsteht daraus, wie diese Charaktere mit einer Situation umgehen. Genre-Rankings wie diese sind unter anderem deshalb nützlich, weil sie den Animation-Kanon explizit machen. Klaus und 8.2 gehören in jede ernsthafte Diskussion darüber, was das Animation-Kino erreicht hat. Wenn man ihn zusammen mit anderen erstklassigen Animation-Filmen ansieht, wird deutlich, wie vielfältig das Genre ist.
Das Drehbuch von Klaus zeigt, was die meisten Filme nicht erreichen: In jeder Szene werden zwei Dinge gleichzeitig ausgeführt. Die Oberflächenaktion bringt die Handlung voran. Der Subtext bringt den Charakter voran. Sergio Pablos arbeitete mit Material, das darauf vertraute, dass das Publikum das, was nicht gesagt wurde, genauso deutlich wahrnehmen konnte wie das, was gesagt wurde. Jason Schwartzman liefert Zeilen, die unterschiedliche Bedeutungen haben, je nachdem, was Sie an dieser Stelle im Film wissen. Erstzuschauer erleben einen Film. Zuschauer, die das Ende kennen, erleben ein anderes. Diese strukturelle Raffinesse wird in Klaus am deutlichsten sichtbar, wenn man darauf achtet, was die Charaktere konsequent vermeiden, direkt zu sagen.
Klaus eignet sich für Zuschauer, die normalerweise nicht nach Filmen aus dieser Epoche oder diesem Genre suchen. Die Qualitäten, die ihm die Bewertung 8.2 einbrachten, sind nicht genre- oder zeitspezifisch – es sind die Qualitäten, die jeden Film exzellent machen: klare Erzählweise, fesselnde Leistung und eine Regie, die dem Material dient, statt sich selbst darzustellen. Zuschauer, die Klaus als Film und nicht als kulturelles Artefakt betrachten, haben tendenziell die stärksten Reaktionen. Das kulturelle Gewicht, das es seit seiner Veröffentlichung angesammelt hat, kann eher Distanz als Zugang schaffen. Der nützlichste Rahmen ist einfach: Dies ist ein gut gemachter Film über bestimmte Menschen in einer bestimmten Situation. Alles andere ergibt sich aus der aufmerksamen Beobachtung. Sergio Pablos und Jason Schwartzman erledigen die Arbeit; Die Aufgabe des Betrachters besteht darin, dabei anwesend zu sein.
Die 8.2-Bewertung, die Klaus in diesem Abschnitt der Liste platziert, wurde von Zuschauern erhalten, die Zugriff auf alles hatten, was darüber rangierte. Sie haben diesen Film bewertet, nachdem sie diese Titel gesehen oder kannten. Ihre Entscheidung, Klaus eine hohe Punktzahl zu geben, spiegelt echte Wertschätzung für das wider, was Sergio Pablos hier erreicht hat – etwas, das sich von den Top-Ten-Einträgen unterscheidet und ihnen nicht nachsteht. Die Qualitätsspanne auf einer solchen Liste ist enger, als die Spanne der Positionen vermuten lässt. Der Unterschied zwischen Position acht und Position achtzehn hängt zum Teil davon ab, wie konkret die Beschwerde ist. Klaus ist eher speziell ausgezeichnet als allgemein ausgezeichnet. Für den richtigen Betrachter ist diese Besonderheit ein Vorteil.
Ame & Yuki - Die Wolfskinder
Die Geschichte spielt über dreizehn Jahre hinweg und erzählt von der 19-jährigen Studentin Hana, die in einer Stadt lebt und sich in einen Wolfsmenschen verliebt. Sie bringt daraufhin zwei Kinder zur Welt, die die Namen „Yuki“ und „Ame“ tragen, was übersetzt „Schnee“ und „Regen“ bedeutet und auf die Wetterlage hinweist, in der sie geboren wurden. Die ältere Yuki ist neugierig und aufgeweckt, während ihr jüngerer Bruder Ame eher schüchtern ist. Beide Elternteile versuchen, das Geheimnis ihrer „Wolfskinder“ zu verbergen und leben unscheinbar in einem Haus am Stadtrand, geschützt vor den Blicken der Öffentlichkeit. Nachdem Hanas Mann überraschend verstorben ist, entschließt sie sich, ihren Kindern ein normaleres, freieres Leben zu ermöglichen und zieht mit ihnen weg von den Menschen, in eine entfernte ländliche Gegend, die vollkommen anders ist als ihre bisherige Welt.
Warum zuschauen?: Einer der am höchsten bewerteten Filme in dieser Auswahl. Ame & Yuki - Die Wolfskinder hat sich seinen Ruf durch anhaltende kritische Wertschätzung über mehrere Zuschauergenerationen hinweg erworben.
Ame & Yuki - Die Wolfskinder ist ein zeitgenössisches Werk, das in einem mit Inhalten überfluteten Markt bereits sein Durchhaltevermögen unter Beweis gestellt hat. Mamoru Hosoda hat etwas geschaffen, das aus der Masse herausragte, weil es wirklich besser war als die Alternativen. Eine 8.2-Bewertung aus einem großen Wählerpool bedeutet, dass der Film über echte Stärken verfügt, die die von den Zuschauern festgestellten Schwächen überwiegen. Ame & Yuki - Die Wolfskinder hält sein zentrales Versprechen, nämlich den Mindeststandard, den jeder Film erfüllen sollte, und den weniger erreichen, als die Anzahl der Veröffentlichungen vermuten lässt. Der Regisseur arbeitet mit einer Geduld, die sich die meisten zeitgenössischen Dramen nicht leisten können. Szenen dürfen über ihren offensichtlichen Endpunkt hinausgehen und die Wahrheit darin finden, was Charaktere tun, nachdem sie gesagt haben, was sie sagen wollten. Die Besetzung versteht diesen Rhythmus. Die Herangehensweise von Mamoru Hosoda an Animation in Ame & Yuki - Die Wolfskinder ist aufschlussreich: Genrekonventionen werden bewusst und nicht automatisch verwendet. Das Ergebnis ist ein Film, der hält, was das Genre verspricht, und gleichzeitig etwas tut, was die meisten Animation-Filme nicht können.
Die Leistungen in Ame & Yuki - Die Wolfskinder sind auf ein bestimmtes Register kalibriert, das Mamoru Hosoda während der gesamten Produktion festgelegt und beibehalten hat. Aoi Miyazaki verstand, dass das Material eher eine Untertreibung als eine Betonung erforderte. Die Momente in Ame & Yuki - Die Wolfskinder, die am schwersten landen, sind diejenigen, in denen Aoi Miyazaki weniger leistet, als es ein weniger erfahrener Schauspieler tun würde. Das Ensemble arbeitet in einem Rhythmus zusammen, der auf eine umfassende Vorbereitung und nicht nur auf Talent schließen lässt. Die Szenen, in denen mehrere Darsteller anwesend sind, offenbaren eine kollaborative Dynamik, die in Filmen selten ist, in denen die individuelle Leistung auf Kosten der Ensemble-Wahrheit im Vordergrund steht.
Erstzuschauer von Ame & Yuki - Die Wolfskinder sollten mit möglichst geringen Vorkenntnissen einsteigen. Der Film wurde so ausführlich besprochen und zitiert, dass man leicht Erwartungen hegen kann, die eher von den Reaktionen anderer Menschen als vom Film selbst geprägt sind. Das tatsächliche Erlebnis, Ame & Yuki - Die Wolfskinder zum ersten Mal anzusehen, ohne genau zu wissen, was kommt, unterscheidet sich erheblich vom Ansehen als bekannte Größe. Wenn Sie es noch nicht gesehen haben, ist das ein Vorteil, den es zu bewahren gilt. Wiederkehrende Zuschauer stellen fest, dass sich Ame & Yuki - Die Wolfskinder beim erneuten Ansehen ändert – nicht, weil sich der Film ändert, sondern weil das Wissen um den Ausgang verändert, welche Details einem auffallen und was die ersten Szenen tatsächlich bewirken. Der Aufbau des ersten Akts von Mamoru Hosoda sieht anders aus, wenn man weiß, wo er endet. Der Auftritt von Aoi Miyazaki in den ersten Szenen enthält Informationen, die erst bei zweitem Betrachten lesbar sind.
Ame & Yuki - Die Wolfskinder liegt auf dieser Liste im Bereich zwischen elf und fünfundzwanzig und besetzt den Bereich, in dem die Qualität gleichbleibend ist, der Film jedoch nicht die kulturelle Sättigung der Top Ten erreicht hat. Diese Position hat einen Vorteil für neue Zuschauer: Ame & Yuki - Die Wolfskinder kommt ohne den obligatorischen Zuschauerdruck, der mit höherrangigen Titeln verbunden ist. Man kann den Film auf seine eigene Art und Weise erleben, anstatt sich von den Reaktionen anderer abheben zu müssen. Die Arbeit von Mamoru Hosoda hier ist stark genug, um mit den Top-Ten-Einträgen mithalten zu können, und anders genug, um etwas zu bieten, was diese Titel nicht bieten. Die spezifischen Eigenschaften, die Ame & Yuki - Die Wolfskinder hierher und nicht höher einstufen, sind oft die Eigenschaften, die es für Zuschauer am interessantesten machen, die bereits die allgemein empfohlenen Titel gesehen haben.
Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba - Mugen Train
Tanjirō und seine Gefährten haben ihr Rehabilitationstraining im Schmetterlingsanwesen abgeschlossen und erreichen den Ort ihrer nächsten Mission. Im »Mugen-Zug« sind über 40 Leute innerhalb kürzester Zeit verschwunden. Tanjirō, Nezuko, Zenitsu und Inosuke schließen sich einem der mächtigsten Schwertkämpfer unter den Dämonenjägern an: der Säule der Flammen Kyōjurō Rengoku. Zusammen wollen sie sich dem Dämon stellen, der im »Mugen-Zug« lauert und begeben sich auf eine Fahrt in die Dunkelheit.
Warum zuschauen?: Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba - Mugen Train steht am außergewöhnlichsten Ende dieser Liste. Eine so hohe Bewertung, die auf einer großen Wählerbasis basiert, spiegelt eher einen echten Konsens als einen Hype wider.
Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba - Mugen Train wurde in 2020 hergestellt und existiert im Streaming-Zeitalter, in dem alles mit allem konkurriert. Die 8.2-Bewertung spiegelt ein Publikum wider, das endlose Alternativen hatte und sich für eine hohe Bewertung entschieden hat. Die 8.2-Bewertung für Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba - Mugen Train basiert auf Zuschauern, die Alternativen hatten und sich entschieden haben, diese hoch zu bewerten. Diese Wahl spiegelt einen Film wider, der seine Sache klar dargelegt hat – und das ist genau das, was Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba - Mugen Train tut. Haruo Sotozaki brachte das Argument vor und das Publikum akzeptierte es. Das Actionkino scheitert, wenn die räumliche Logik zusammenbricht und Sequenzen zum abstrakten Spektakel werden. Dieser Film vermeidet diesen Fehler. Die Storyboards des Regisseurs dienen dem Verständnis, nicht nur der Wirkung. Das Publikum versteht immer, worum es in jedem Moment geht. Die besten Animation-Filme nutzen die Mechanismen ihres Genres, um etwas Reales zu erreichen. Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba - Mugen Train ist einer dieser Filme. Haruo Sotozaki hat das Genre tief genug verstanden, um zu wissen, welche Konventionen dem Material dienen und welche man beiseite legen sollte.
Die Struktur von Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba - Mugen Train ist so aufgebaut, dass die Taktung eher der Bedeutung als der Konvention dient. Haruo Sotozaki macht Schnitte in Momenten, die etwas unerwartet wirken, was das Publikum eher in einem Zustand engagierter Aufmerksamkeit als in passivem Zuschauen hält. Filme, die auf offensichtliche Beats verzichten, werden vorhersehbar. Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba - Mugen Train schneidet auf Charaktermomente, was bedeutet, dass der Schnittrhythmus und der emotionale Rhythmus dasselbe sind. Das Ergebnis ist ein Film, in dem die Struktur selbst etwas über den inneren Zustand der Charaktere aussagt. Zuschauer, die durch konventionelle Bearbeitung abgestumpft sind, finden Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba - Mugen Train auf produktive Weise verwirrend.
Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba - Mugen Train eignet sich für Zuschauer, die normalerweise nicht nach Filmen aus dieser Epoche oder diesem Genre suchen. Die Qualitäten, die ihm die Bewertung 8.2 einbrachten, sind nicht genre- oder zeitspezifisch – es sind die Qualitäten, die jeden Film exzellent machen: klare Erzählweise, fesselnde Leistung und eine Regie, die dem Material dient, statt sich selbst darzustellen. Zuschauer, die Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba - Mugen Train als Film und nicht als kulturelles Artefakt betrachten, haben tendenziell die stärksten Reaktionen. Das kulturelle Gewicht, das es seit seiner Veröffentlichung angesammelt hat, kann eher Distanz als Zugang schaffen. Der nützlichste Rahmen ist einfach: Dies ist ein gut gemachter Film über bestimmte Menschen in einer bestimmten Situation. Alles andere ergibt sich aus der aufmerksamen Beobachtung. Haruo Sotozaki und Natsuki Hanae erledigen die Arbeit; Die Aufgabe des Betrachters besteht darin, dabei anwesend zu sein.
Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba - Mugen Train rangiert im mittleren Bereich dieser Liste, weil seine Anziehungskraft eher spezifisch als universell ist – und eine spezifische Anziehungskraft führt bei ehrlicher Bewertung zu einer niedrigeren Durchschnittsbewertung als eine allgemeine Anziehungskraft, selbst wenn der Film für den richtigen Zuschauer hervorragend ist. Haruo Sotozaki hat Entscheidungen getroffen, die manche Zuschauer überzeugend und andere anspruchsvoll finden. Das 8.2-Rating spiegelt die gemischte, aber letztendlich positive Reaktion einer Wählerbasis wider, die beide Gruppen umfasste. Zuschauer, deren Vorlieben mit der Herangehensweise von Haruo Sotozaki an dieses Material übereinstimmen, finden, dass Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba - Mugen Train in der Regel zu den stärksten Einträgen in der Liste zählt. Wenn man es im Kontext und nicht isoliert betrachtet, entsteht ein anderer Eindruck, als die Zahl allein vermuten lässt.
Der gestiefelte Kater: Der letzte Wunsch
Auch ein Kater kann ein unangenehmes Erwachen haben. Nach unzähligen riskanten Reisen und achtlosen Abenteuern muss der gestiefelte Kater entsetzt feststellen, dass seine Leidenschaft für Gefahren letztlich ihren Preis hatte – in seiner Abenteuerlust hat er bereits acht seiner neun Leben verbraucht. Um für die dringend nötige neue Vitalität zu sorgen, begibt sich der charmante Schnurrhaargauner auf den langen Weg in den Schwarzen Wald, um dort den mythischen Wunschstern zu finden.
Warum zuschauen?: Die Zahlen hinter Der gestiefelte Kater: Der letzte Wunsch sind schwer zu erreichen: Tausende unabhängige Zuschauer bewerten es ohne Koordination hoch. Dieser Konsens ist das zuverlässigste verfügbare Qualitätssignal.
Der gestiefelte Kater: Der letzte Wunsch (2022) wurde in einer Zeit gedreht, in der das Publikum immer anspruchsvoller in Bezug auf die Produktionsqualität wurde. Joel Crawford hat etwas geliefert, das diese gestiegenen Erwartungen erfüllt. Der gestiefelte Kater: Der letzte Wunsch und 8.2 ist ein Film, in dem das Handwerk in mehreren Dimensionen durchweg über dem Durchschnitt liegt. Kein einzelnes Element trägt die anderen. Die Regie, das Schreiben und die Darbietung gehen alle in die gleiche Richtung. Der Regisseur verleiht dem Film die Art von bewusster Handwerkskunst, die eine Animation erfordert. Jedes Bild spiegelt die Absicht wider, wie die Geschichte erlebt werden soll, was bedeutet, dass der Film auf der Ebene einzelner Momente und nicht nur auf der Ebene der Erzählung arbeitet. Der gestiefelte Kater: Der letzte Wunsch steht an der Spitze dieses Animation-Rankings, weil es zeigt, was das Genre erreicht, wenn ein Regisseur es als künstlerischen Rahmen und nicht als kommerzielle Kategorie ernst nimmt. Der Unterschied ist in jeder Szene von Der gestiefelte Kater: Der letzte Wunsch sichtbar.
Die Klangumgebung von Der gestiefelte Kater: Der letzte Wunsch ist ebenso bewusst konstruiert wie ihre visuelle Umgebung. Joel Crawford versteht, dass Sounddesign und Partitur unterhalb der bewussten Aufmerksamkeit funktionieren und emotionale Reaktionen formen, bevor das Publikum analysieren kann, was passiert. Die ruhigeren Sequenzen in Der gestiefelte Kater: Der letzte Wunsch nutzen Umgebungsgeräusche, um Präsenz statt Abwesenheit zu erzeugen. In den vertonten Sequenzen wird Musik verwendet, die auf den Charakter reagiert, anstatt zu signalisieren, was das Publikum fühlen soll. Antonio Banderas arbeitet in dieser Klangumgebung mit einer physischen Leistung, die dafür sorgt, wie die Szene sowohl akustisch als auch visuell erlebt wird. Die Kombination ergibt etwas, das beim Publikum ankommt und nicht nur bei ihm.
Der gestiefelte Kater: Der letzte Wunsch eignet sich für Zuschauer, die normalerweise nicht nach Filmen aus dieser Epoche oder diesem Genre suchen. Die Qualitäten, die ihm die Bewertung 8.2 einbrachten, sind nicht genre- oder zeitspezifisch – es sind die Qualitäten, die jeden Film exzellent machen: klare Erzählweise, fesselnde Leistung und eine Regie, die dem Material dient, statt sich selbst darzustellen. Zuschauer, die Der gestiefelte Kater: Der letzte Wunsch als Film und nicht als kulturelles Artefakt betrachten, haben tendenziell die stärksten Reaktionen. Das kulturelle Gewicht, das es seit seiner Veröffentlichung angesammelt hat, kann eher Distanz als Zugang schaffen. Der nützlichste Rahmen ist einfach: Dies ist ein gut gemachter Film über bestimmte Menschen in einer bestimmten Situation. Alles andere ergibt sich aus der aufmerksamen Beobachtung. Joel Crawford und Antonio Banderas erledigen die Arbeit; Die Aufgabe des Betrachters besteht darin, dabei anwesend zu sein.
Die Position von Der gestiefelte Kater: Der letzte Wunsch in diesem Abschnitt der Liste spiegelt einen Film wider, der seine spezifischen Qualitäten zuverlässig liefert, ohne den Anspruch zu erheben, alles für jedermann zu bieten. Joel Crawford verstand, worum es in dem Film ging, und machte ihn auf höchstem handwerklichen Niveau. Die 8.2-Bewertung steht für Zuschauer, die sich zu diesen Bedingungen mit dem Film beschäftigt haben und ihn für eine hohe Bewertung wert hielten. Zuschauer, die andere Erwartungen mitbringen, finden den Film manchmal weniger zufriedenstellend, als die Bewertung vermuten lässt – was keine Schwäche des Films, sondern der Erwartung ist. Der gestiefelte Kater: Der letzte Wunsch ist genau das, was es ist, mit viel Geschick gemacht, und die Wähler, die es bewertet haben, haben darauf reagiert.
Coco - Lebendiger als das Leben!
Miguel ist zwölf Jahre alt und ein großer Fan von Musik – aber leider hasst seine Schusterfamilie alles, was mit Tönen und Instrumenten zu tun hat. Miguels Ururgroßvater verließ damals seine Frau und Tochter, um Musiker zu werden, seitdem fühlen sich die Riveras durch Musik verflucht. Doch Familie hin oder her – Miguel will seinem Idol, dem Sänger Ernesto de la Cruz, trotzdem nacheifern. Aus Versehen kommt er dabei ins Reich der Toten und betritt dadurch einen wunderschönen Ort, an dem er die Seelen seiner toten Verwandten trifft. Miguels Ururgroßmutter Imelda ist darunter, und das nette Schwindler-Skelett Hector. Zusammen suchen Skelett und Junge im Totenreich nach de la Cruz, wobei allerdings die Zeit drängt: Zu lange darf Miguel nicht in der Unterwelt bleiben…
Warum zuschauen?: Coco - Lebendiger als das Leben! hat seine Bewertung lange genug gehalten, sodass die Punktzahl stabil ist. Filme, die bei unterschiedlichen Zuschauern so hoch bewertet werden, sind eher außergewöhnlich als nur gut.
In 2017, als Lee Unkrich Coco - Lebendiger als das Leben! produzierte, war die durchschnittliche Produktionsqualität von Filmen noch nie so hoch. Was Coco - Lebendiger als das Leben! auszeichnet, ist nicht technischer Feinschliff, sondern Intentionalität – jede Szene macht etwas Bestimmtes. Filme im 8.2-Bereich sind oft interessanter, als ihre Position in einer Liste vermuten lässt. Sie haben nicht die kulturelle Sättigung höher bewerteter Titel erreicht, was bedeutet, dass Coco - Lebendiger als das Leben! einfacher und ohne Vorurteile angegangen werden kann. Davon profitiert Coco - Lebendiger als das Leben!. Die Animation dient eher dem Geschichtenerzählen als der Demonstration technischer Fähigkeiten. Der Regisseur nutzt die Form, um emotionale und erzählerische Effekte zu erzielen, die der konkret erzählten Geschichte dienen. Wenn man sich Coco - Lebendiger als das Leben! zusammen mit anderen Einträgen auf dieser Animation-Liste ansieht, wird deutlich, was das beste Werk des Genres von seinem durchschnittlichen Output unterscheidet. Lee Unkrich hat hier Entscheidungen getroffen, die die meisten Animation-Filme meiden, weil diese Entscheidungen Vertrauen in das Publikum erfordern.
Der visuelle Ansatz von Coco - Lebendiger als das Leben! spiegelt das Verständnis von Lee Unkrich wider, dass Stil und Substanz dasselbe sind. Die Platzierung der Kamera, die Farbkorrektur und der Bearbeitungsrhythmus von Coco - Lebendiger als das Leben! sind keine dekorativen Entscheidungen. Es sind Argumente darüber, wie die Geschichte erlebt werden soll. Anthony Gonzalez wird auf eine Weise gedreht, die den Charakter vermittelt, bevor ein Wort gesprochen wird. Zuschauer, die sich Coco - Lebendiger als das Leben! ein zweites Mal ansehen und dabei auf die visuelle Grammatik achten, werden eine Bedeutungsebene entdecken, die unabhängig von Dialog und Handlung funktioniert.
Zuschauer, die Coco - Lebendiger als das Leben! zum ersten Mal sehen, sollten besonders darauf achten, wie Lee Unkrich mit den Übergängen zwischen den Szenen umgeht. Die Schnitte in Coco - Lebendiger als das Leben! sind nicht konventionell – sie landen eher in Momenten der Charaktere als in der Handlung, was bedeutet, dass der Schnittrhythmus und der emotionale Rhythmus des Films dasselbe sind. Wenn eine Szene früher oder später als erwartet zu enden scheint, ist dieser Zeitpunkt eine Entscheidung und verrät Ihnen normalerweise etwas Bestimmtes über den Zustand der Figur in diesem Moment. Anthony Gonzalez arbeitet in diesem Rhythmus mit einer körperlichen Leistung, die am deutlichsten in den Szenen unmittelbar nach großen Ereignissen sichtbar wird – den Reaktionsaufnahmen und ruhigen Momenten, in denen sich die Figur festigt, anstatt sich vorwärts zu bewegen. Der Produktionskontext von 2017 bedeutet, dass diese Entscheidungen ohne die digitalen Sicherheitsnetze getroffen wurden, die es zeitgenössischen Filmen ermöglichen, sich in der Post anzupassen. Was Sie sehen, ist das, was Lee Unkrich beabsichtigt hat.
Filme, die auf Listen wie dieser im Bereich elf bis fünfundzwanzig platziert sind, sind oft die nützlichsten Entdeckungen, weil sie die Qualität der Top Ten haben, ohne deren kulturelles Gewicht. Coco - Lebendiger als das Leben! befindet sich in dieser Position, nicht weil es deutlich schlechter ist als die darüber liegenden Einträge, sondern weil seine Anziehungskraft konzentrierter ist. Die Zuschauer, die sich mit der Arbeit von Lee Unkrich in Coco - Lebendiger als das Leben! identifizieren, bewerten ihn genauso hoch wie jeden anderen Film auf dieser Liste. Der Durchschnitt einer breiteren Wählerbasis liegt hier. Zuschauer, die bestimmte Gründe zu der Annahme haben, dass dieser Film etwas für sie ist – basierend auf Genrepräferenz, Interesse des Regisseurs oder Ära –, sollten ihm Vorrang vor mehreren Einträgen geben, die darüber rangieren.
WALL·E - Der Letzte räumt die Erde auf
Wall·E ist ein kleiner Haushaltsroboter, der klaglos seinen Dienst verrichtet und Müll zusammenpresst, um ihn zu Wolkenkratzern aufzustapeln. Denn der kleine rostige Kasten macht seinen Job seit nunmehr 700 Jahren! Damals verließen alle Menschen die völlig zugemüllte Erde. Nun ist Wall·E der letzte seiner Art auf einem toten Planeten. Bis Androidin Eve als Lichtgestalt vom Himmel herunterschwebt.
Warum zuschauen?: Einer der am höchsten bewerteten Filme in dieser Auswahl. WALL·E - Der Letzte räumt die Erde auf hat sich seinen Ruf durch anhaltende kritische Wertschätzung über mehrere Zuschauergenerationen hinweg erworben.
WALL·E - Der Letzte räumt die Erde auf entstand im Jahr 2008, als das Kino mit dem frühen Internet und der DVD um Aufmerksamkeit konkurrierte. Andrew Stanton hat etwas geschaffen, das damals und heute Aufmerksamkeit erregte. Eine 8.1-Bewertung spiegelt die gleichzeitige Arbeit von Regie, Schreiben und Leistung auf einem konstanten Niveau wider. Filme, die in diesem Bereich punkten, versagen selten in einer einzigen Dimension erheblich, und WALL·E - Der Letzte räumt die Erde auf ist keine Ausnahme. Der Regisseur nutzt die Science-Fiction-Prämisse, um Fragen darüber zu stellen, was es bedeutet, ein Mensch zu sein. Die spekulative Technologie ist ein Rahmen zur Charaktererforschung unter außerordentlichem Druck. Innerhalb des Animation-Genres nimmt WALL·E - Der Letzte räumt die Erde auf eine besondere Position ein: Es zeigt, was möglich ist, wenn ein Regisseur Genrekonventionen als Ausgangspunkt und nicht als Blaupause verwendet. Die besten Animation-Filme erweitern die Möglichkeiten des Genres.
Das Drehbuch von WALL·E - Der Letzte räumt die Erde auf zeigt, was die meisten Filme nicht erreichen: In jeder Szene werden zwei Dinge gleichzeitig ausgeführt. Die Oberflächenaktion bringt die Handlung voran. Der Subtext bringt den Charakter voran. Andrew Stanton arbeitete mit Material, das darauf vertraute, dass das Publikum das, was nicht gesagt wurde, genauso deutlich wahrnehmen konnte wie das, was gesagt wurde. Ben Burtt liefert Zeilen, die unterschiedliche Bedeutungen haben, je nachdem, was Sie an dieser Stelle im Film wissen. Erstzuschauer erleben einen Film. Zuschauer, die das Ende kennen, erleben ein anderes. Diese strukturelle Raffinesse wird in WALL·E - Der Letzte räumt die Erde auf am deutlichsten sichtbar, wenn man darauf achtet, was die Charaktere konsequent vermeiden, direkt zu sagen.
WALL·E - Der Letzte räumt die Erde auf nimmt in der Geschichte seines Genres eine besondere Position ein: Es entstand, als sich die Konventionen, mit denen es arbeitet, noch in der Entwicklung befanden und nicht etablierten. Andrew Stanton wandte keine bewährte Formel an, sondern konstruierte etwas, dessen Wirksamkeit nicht garantiert war. Die 8.1-Bewertung spiegelt ein Publikum wider, das auf Arbeiten reagiert hat, die unter echten kreativen Risikobedingungen entstanden sind. Zeitgenössische Filme im gleichen Raum haben den Vorteil zu wissen, was funktioniert, denn WALL·E - Der Letzte räumt die Erde auf und ähnliche Filme haben es gezeigt. Das Ansehen von WALL·E - Der Letzte räumt die Erde auf in diesem Kontext – als kreative Arbeit, die ohne das Sicherheitsnetz bewährter Konventionen entstanden ist – fügt dem Seherlebnis eine Dimension hinzu, die beim Anschauen von Filmen, die nach der Einführung der Konventionen gedreht wurden, nicht möglich ist.
WALL·E - Der Letzte räumt die Erde auf an dieser Position auf der Liste stellt einen Film dar, der echte Qualität und anhaltende Wertschätzung erreicht hat, ohne zu einem Kulturdenkmal zu werden. Der Vorteil dieser Position besteht darin, dass die Leistung von Ben Burtt und die Handwerkskunst von Andrew Stanton frisch und nicht durch den Filter ausführlicher vorheriger Diskussionen wahrgenommen werden können. Die spezifischen Dinge, die diesen Film sehenswert machen – die in den obigen redaktionellen Anmerkungen beschrieben werden – sind leichter zu erkennen, wenn man nicht damit rechnet, einen guten Ruf zu bestätigen. Die Bewertung im mittleren Abschnitt dieser Liste stellt keine Herabstufung dar. Es handelt sich um eine Beschreibung eines Films, der für sein spezifisches Publikum hervorragend geeignet ist.
Soul
Joe Gardner ist ein Mittelschullehrer mit einer Liebe zur Jazzmusik. Nach einem erfolgreichen Auftritt im Half Note Club wird er plötzlich in einen Unfall verwickelt, der seine Seele von seinem Körper trennt und in das You Seminar transportiert wird, ein Zentrum, in dem Seelen sich entwickeln und Leidenschaften gewinnen, bevor sie zu einem neugeborenen Kind transportiert werden. Joe muss die Hilfe der anderen Seelen in Ausbildung in Anspruch nehmen, wie 22, eine Seele, die Äonen im You Seminar verbracht hat, um zurück auf die Erde zu gelangen.
Warum zuschauen?: Soul steht am außergewöhnlichsten Ende dieser Liste. Eine so hohe Bewertung, die auf einer großen Wählerbasis basiert, spiegelt eher einen echten Konsens als einen Hype wider.
Soul wurde in 2020 hergestellt und existiert im Streaming-Zeitalter, in dem alles mit allem konkurriert. Die 8.1-Bewertung spiegelt ein Publikum wider, das endlose Alternativen hatte und sich für eine hohe Bewertung entschieden hat. Mit der 8.1-Bewertung für Soul gehört er zu den Filmen, die ihre Prämisse ohne nennenswerte Schwächen erfüllen. Pete Docter hat etwas geschaffen, das durchgehend wie vorgesehen funktioniert, was weniger verbreitet ist, als es sich anhört. Das Drama beruht eher auf der Spezifität als auf der Universalität. Der Regisseur trifft in dieser Situation Entscheidungen, die genau auf diese Charaktere zutreffen, was paradoxerweise etwas Universelleres schafft, als es generische emotionale Beats schaffen würden. Das Genre Animation hat Hunderte von Filmen hervorgebracht. Die Filme mit den Rängen 8.1 und höher sind diejenigen, bei denen der Regisseur verstanden hat, dass das Genre ein Vertrag mit dem Publikum ist und keine Einschränkung dessen, was ausgedrückt werden kann.
Die Leistungen in Soul sind auf ein bestimmtes Register kalibriert, das Pete Docter während der gesamten Produktion festgelegt und beibehalten hat. Jamie Foxx verstand, dass das Material eher eine Untertreibung als eine Betonung erforderte. Die Momente in Soul, die am schwersten landen, sind diejenigen, in denen Jamie Foxx weniger leistet, als es ein weniger erfahrener Schauspieler tun würde. Das Ensemble arbeitet in einem Rhythmus zusammen, der auf eine umfassende Vorbereitung und nicht nur auf Talent schließen lässt. Die Szenen, in denen mehrere Darsteller anwesend sind, offenbaren eine kollaborative Dynamik, die in Filmen selten ist, in denen die individuelle Leistung auf Kosten der Ensemble-Wahrheit im Vordergrund steht.
Soul eignet sich für Zuschauer, die normalerweise nicht nach Filmen aus dieser Epoche oder diesem Genre suchen. Die Qualitäten, die ihm die Bewertung 8.1 einbrachten, sind nicht genre- oder zeitspezifisch – es sind die Qualitäten, die jeden Film exzellent machen: klare Erzählweise, fesselnde Leistung und eine Regie, die dem Material dient, statt sich selbst darzustellen. Zuschauer, die Soul als Film und nicht als kulturelles Artefakt betrachten, haben tendenziell die stärksten Reaktionen. Das kulturelle Gewicht, das es seit seiner Veröffentlichung angesammelt hat, kann eher Distanz als Zugang schaffen. Der nützlichste Rahmen ist einfach: Dies ist ein gut gemachter Film über bestimmte Menschen in einer bestimmten Situation. Alles andere ergibt sich aus der aufmerksamen Beobachtung. Pete Docter und Jamie Foxx erledigen die Arbeit; Die Aufgabe des Betrachters besteht darin, dabei anwesend zu sein.
Die 8.1-Bewertung, die Soul in diesem Abschnitt der Liste platziert, wurde von Zuschauern erhalten, die Zugriff auf alles hatten, was darüber rangierte. Sie haben diesen Film bewertet, nachdem sie diese Titel gesehen oder kannten. Ihre Entscheidung, Soul eine hohe Punktzahl zu geben, spiegelt echte Wertschätzung für das wider, was Pete Docter hier erreicht hat – etwas, das sich von den Top-Ten-Einträgen unterscheidet und ihnen nicht nachsteht. Die Qualitätsspanne auf einer solchen Liste ist enger, als die Spanne der Positionen vermuten lässt. Der Unterschied zwischen Position acht und Position achtzehn hängt zum Teil davon ab, wie konkret die Beschwerde ist. Soul ist eher speziell ausgezeichnet als allgemein ausgezeichnet. Für den richtigen Betrachter ist diese Besonderheit ein Vorteil.
Flow
Kaum hat sich die kleine schwarze Katze den Schlaf aus den Augen gerieben, muss sie erschrocken feststellen, dass eine gewaltige Flut die alte Welt unter sich begräbt. Gerade noch so rettet sie sich auf ein Segelboot, wo nach und nach auch ein diebisches Äffchen, ein gutmütiger Labrador, ein schläfriges Wasserschwein und ein stolzer Sekretärvogel Zuflucht finden. Schon bald wird klar: Ihre Verschiedenheit ist ihre Stärke und gemeinsam stellen sie sich den Herausforderungen der neuen Welt.
Warum zuschauen?: Die Zahlen hinter Flow sind schwer zu erreichen: Tausende unabhängige Zuschauer bewerten es ohne Koordination hoch. Dieser Konsens ist das zuverlässigste verfügbare Qualitätssignal.
Flow (2024) wurde in einer Zeit gedreht, in der das Publikum immer anspruchsvoller in Bezug auf die Produktionsqualität wurde. Gints Zilbalodis hat etwas geliefert, das diese gestiegenen Erwartungen erfüllt. Mit 8.1 liegt Flow in einem Bereich, in dem die Qualität gleichbleibend ist, der Film jedoch nicht den breiten Konsens höher bewerteter Titel erreicht hat. Dieser engere Konsens spiegelt oft einen bestimmten Reiz wider – Flow ist nicht jedermanns Sache, aber für den richtigen Betrachter ist es ausgezeichnet. Der Regisseur verleiht dem Film die Art von bewusster Handwerkskunst, die eine Animation erfordert. Jedes Bild spiegelt die Absicht wider, wie die Geschichte erlebt werden soll, was bedeutet, dass der Film auf der Ebene einzelner Momente und nicht nur auf der Ebene der Erzählung arbeitet. Flow zeigt, warum Animation-Kino wichtig ist: Es macht Dinge, die kein anderes Genre so effektiv kann. Gints Zilbalodis versteht die spezifischen Mechanismen von Animation und nutzt sie, um Effekte zu erzielen, die in anderen Formen des Geschichtenerzählens unmöglich wären.
Die Struktur von Flow ist so aufgebaut, dass die Taktung eher der Bedeutung als der Konvention dient. Gints Zilbalodis macht Schnitte in Momenten, die etwas unerwartet wirken, was das Publikum eher in einem Zustand engagierter Aufmerksamkeit als in passivem Zuschauen hält. Filme, die auf offensichtliche Beats verzichten, werden vorhersehbar. Flow schneidet auf Charaktermomente, was bedeutet, dass der Schnittrhythmus und der emotionale Rhythmus dasselbe sind. Das Ergebnis ist ein Film, in dem die Struktur selbst etwas über den inneren Zustand der Charaktere aussagt. Zuschauer, die durch konventionelle Bearbeitung abgestumpft sind, finden Flow auf produktive Weise verwirrend.
Erstzuschauer von Flow sollten mit möglichst geringen Vorkenntnissen einsteigen. Der Film wurde so ausführlich besprochen und zitiert, dass man leicht Erwartungen hegen kann, die eher von den Reaktionen anderer Menschen als vom Film selbst geprägt sind. Das tatsächliche Erlebnis, Flow zum ersten Mal anzusehen, ohne genau zu wissen, was kommt, unterscheidet sich erheblich vom Ansehen als bekannte Größe. Wenn Sie es noch nicht gesehen haben, ist das ein Vorteil, den es zu bewahren gilt. Wiederkehrende Zuschauer stellen fest, dass sich Flow beim erneuten Ansehen ändert – nicht, weil sich der Film ändert, sondern weil das Wissen um den Ausgang verändert, welche Details einem auffallen und was die ersten Szenen tatsächlich bewirken. Der Aufbau des ersten Akts von Gints Zilbalodis sieht anders aus, wenn man weiß, wo er endet. Der Auftritt von the lead performance in den ersten Szenen enthält Informationen, die erst bei zweitem Betrachten lesbar sind.
Flow liegt auf dieser Liste im Bereich zwischen elf und fünfundzwanzig und besetzt den Bereich, in dem die Qualität gleichbleibend ist, der Film jedoch nicht die kulturelle Sättigung der Top Ten erreicht hat. Diese Position hat einen Vorteil für neue Zuschauer: Flow kommt ohne den obligatorischen Zuschauerdruck, der mit höherrangigen Titeln verbunden ist. Man kann den Film auf seine eigene Art und Weise erleben, anstatt sich von den Reaktionen anderer abheben zu müssen. Die Arbeit von Gints Zilbalodis hier ist stark genug, um mit den Top-Ten-Einträgen mithalten zu können, und anders genug, um etwas zu bieten, was diese Titel nicht bieten. Die spezifischen Eigenschaften, die Flow hierher und nicht höher einstufen, sind oft die Eigenschaften, die es für Zuschauer am interessantesten machen, die bereits die allgemein empfohlenen Titel gesehen haben.
Mein Nachbar Totoro
Die 8-jährige Satsuki und ihre kleine Schwester Mei ziehen mit ihrem Vater, einem Universitätsprofessor, auf das Land. Sie wollen in der Nähe ihrer Mutter sein, die sich in einem nahe gelegenen Krankenhaus von einer schweren Krankheit erholt. Ihr neues Zuhause ist ein altes Bauernhaus, das einige Zeit unbewohnt war. Beim Spielen auf dem Hof entdeckt die kleine Mei eines Tages ein winziges Wesen mit einem Sack, das Eicheln sammelt. Sie folgt ihm in den Wald und klettert durch das Gestrüpp. Plötzlich fällt sie in ein Loch im Stamm eines riesigen Baumes. Am Ende des Loches trifft sie auf den fest schlafenden Totoro, eine riesige fellige Kreatur, die fast so groß ist wie ein kleines Haus. Die Kinder freunden sich schnell mit dem magischen Wesen an und erleben gemeinsam mit ihm viele tolle Abenteuer.
Warum zuschauen?: Mein Nachbar Totoro hat seine Bewertung lange genug gehalten, sodass die Punktzahl stabil ist. Filme, die bei unterschiedlichen Zuschauern so hoch bewertet werden, sind eher außergewöhnlich als nur gut.
Die 1988-Veröffentlichung von Mein Nachbar Totoro ist vollständig älter als die Streaming-Ära. Jeder Zuschauer, der Mein Nachbar Totoro bewertet hat, hat es durch bewusste Bemühungen entdeckt – durch Kinovorführung, physische Medien oder Empfehlung. Diese Zielgruppe für Mein Nachbar Totoro wählt sich selbst für das Engagement aus. Mein Nachbar Totoro bei 8.1 stellt die zuverlässige Stufe dieser Liste dar. Das sind die Filme, die nicht enttäuschen. Hayao Miyazaki verstand, was der Film sein musste, und setzte ihn kompromisslos um. Die Animation dient eher dem Geschichtenerzählen als der Demonstration technischer Fähigkeiten. Der Regisseur nutzt die Form, um emotionale und erzählerische Effekte zu erzielen, die der konkret erzählten Geschichte dienen. Genre-Rankings wie diese sind unter anderem deshalb nützlich, weil sie den Animation-Kanon explizit machen. Mein Nachbar Totoro und 8.1 gehören in jede ernsthafte Diskussion darüber, was das Animation-Kino erreicht hat. Wenn man ihn zusammen mit anderen erstklassigen Animation-Filmen ansieht, wird deutlich, wie vielfältig das Genre ist.
Die Klangumgebung von Mein Nachbar Totoro ist ebenso bewusst konstruiert wie ihre visuelle Umgebung. Hayao Miyazaki versteht, dass Sounddesign und Partitur unterhalb der bewussten Aufmerksamkeit funktionieren und emotionale Reaktionen formen, bevor das Publikum analysieren kann, was passiert. Die ruhigeren Sequenzen in Mein Nachbar Totoro nutzen Umgebungsgeräusche, um Präsenz statt Abwesenheit zu erzeugen. In den vertonten Sequenzen wird Musik verwendet, die auf den Charakter reagiert, anstatt zu signalisieren, was das Publikum fühlen soll. Noriko Hidaka arbeitet in dieser Klangumgebung mit einer physischen Leistung, die dafür sorgt, wie die Szene sowohl akustisch als auch visuell erlebt wird. Die Kombination ergibt etwas, das beim Publikum ankommt und nicht nur bei ihm.
Mein Nachbar Totoro eignet sich für Zuschauer, die normalerweise nicht nach Filmen aus dieser Epoche oder diesem Genre suchen. Die Qualitäten, die ihm die Bewertung 8.1 einbrachten, sind nicht genre- oder zeitspezifisch – es sind die Qualitäten, die jeden Film exzellent machen: klare Erzählweise, fesselnde Leistung und eine Regie, die dem Material dient, statt sich selbst darzustellen. Zuschauer, die Mein Nachbar Totoro als Film und nicht als kulturelles Artefakt betrachten, haben tendenziell die stärksten Reaktionen. Das kulturelle Gewicht, das es seit seiner Veröffentlichung angesammelt hat, kann eher Distanz als Zugang schaffen. Der nützlichste Rahmen ist einfach: Dies ist ein gut gemachter Film über bestimmte Menschen in einer bestimmten Situation. Alles andere ergibt sich aus der aufmerksamen Beobachtung. Hayao Miyazaki und Noriko Hidaka erledigen die Arbeit; Die Aufgabe des Betrachters besteht darin, dabei anwesend zu sein.
Mein Nachbar Totoro rangiert im mittleren Bereich dieser Liste, weil seine Anziehungskraft eher spezifisch als universell ist – und eine spezifische Anziehungskraft führt bei ehrlicher Bewertung zu einer niedrigeren Durchschnittsbewertung als eine allgemeine Anziehungskraft, selbst wenn der Film für den richtigen Zuschauer hervorragend ist. Hayao Miyazaki hat Entscheidungen getroffen, die manche Zuschauer überzeugend und andere anspruchsvoll finden. Das 8.1-Rating spiegelt die gemischte, aber letztendlich positive Reaktion einer Wählerbasis wider, die beide Gruppen umfasste. Zuschauer, deren Vorlieben mit der Herangehensweise von Hayao Miyazaki an dieses Material übereinstimmen, finden, dass Mein Nachbar Totoro in der Regel zu den stärksten Einträgen in der Liste zählt. Wenn man es im Kontext und nicht isoliert betrachtet, entsteht ein anderer Eindruck, als die Zahl allein vermuten lässt.
Großartige Filme gehen über ihre Kategorie hinaus. Sie arbeiten, weil das Handwerk außergewöhnlich ist.
KPop Demon Hunters
Wenn die K-Pop-Superstars Rumi, Mira und Zoey nicht gerade vor ausverkauften Stadien auftreten, setzen sie ihre geheimen Kräfte gegen übernatürliche Bedrohungen ein.
Warum zuschauen?: Einer der am höchsten bewerteten Filme in dieser Auswahl. KPop Demon Hunters hat sich seinen Ruf durch anhaltende kritische Wertschätzung über mehrere Zuschauergenerationen hinweg erworben.
KPop Demon Hunters ist ein zeitgenössisches Werk, das in einem mit Inhalten überfluteten Markt bereits sein Durchhaltevermögen unter Beweis gestellt hat. Chris Appelhans hat etwas geschaffen, das aus der Masse herausragte, weil es wirklich besser war als die Alternativen. Eine 8.0-Bewertung aus einem großen Wählerpool bedeutet, dass der Film über echte Stärken verfügt, die die von den Zuschauern festgestellten Schwächen überwiegen. KPop Demon Hunters hält sein zentrales Versprechen, nämlich den Mindeststandard, den jeder Film erfüllen sollte, und den weniger erreichen, als die Anzahl der Veröffentlichungen vermuten lässt. Was den Film als Komödie wirken lässt, ist die Weigerung des Regisseurs, zu signalisieren, wo der Humor sitzt. Die Witze entstehen durch den Charakter und die Situation, was bedeutet, dass aufmerksame Zuschauer mehr davon erfahren als Zuschauer, die darauf warten, dass ihnen gesagt wird, dass sie lachen sollen. Die Herangehensweise von Chris Appelhans an Animation in KPop Demon Hunters ist aufschlussreich: Genrekonventionen werden bewusst und nicht automatisch verwendet. Das Ergebnis ist ein Film, der hält, was das Genre verspricht, und gleichzeitig etwas tut, was die meisten Animation-Filme nicht können.
Der visuelle Ansatz von KPop Demon Hunters spiegelt das Verständnis von Chris Appelhans wider, dass Stil und Substanz dasselbe sind. Die Platzierung der Kamera, die Farbkorrektur und der Bearbeitungsrhythmus von KPop Demon Hunters sind keine dekorativen Entscheidungen. Es sind Argumente darüber, wie die Geschichte erlebt werden soll. Arden Cho wird auf eine Weise gedreht, die den Charakter vermittelt, bevor ein Wort gesprochen wird. Zuschauer, die sich KPop Demon Hunters ein zweites Mal ansehen und dabei auf die visuelle Grammatik achten, werden eine Bedeutungsebene entdecken, die unabhängig von Dialog und Handlung funktioniert.
KPop Demon Hunters ist eine verlässliche Empfehlung für Zuschauer, die bereit sind, einen Film zu seinen eigenen Bedingungen zu erleben, anstatt zu verlangen, dass er den von anderswo mitgebrachten Erwartungen entspricht. Er verfügt nicht über die kulturelle Omnipräsenz höher bewerteter Titel in dieser Kategorie, was bedeutet, dass er ohne die Last einer obligatorischen Anschauung daherkommt. Zuschauer, die KPop Demon Hunters entdecken, ohne dass ihnen gesagt wurde, dass sie es sehen müssen, reagieren oft stärker als diejenigen, die es als Verpflichtung betrachten. Chris Appelhans hat etwas mit einer besonderen Anziehungskraft geschaffen – es geht nicht darum, für jeden alles zu bieten. Die Zuschauer, die sich mit KPop Demon Hunters verbinden, finden es deutlich besser, als die 8.0-Bewertung vermuten lässt, weshalb es trotz eingeschränkter Marketing-Sichtbarkeit diese Bewertung behält.
Die Position von KPop Demon Hunters in diesem Abschnitt der Liste spiegelt einen Film wider, der seine spezifischen Qualitäten zuverlässig liefert, ohne den Anspruch zu erheben, alles für jedermann zu bieten. Chris Appelhans verstand, worum es in dem Film ging, und machte ihn auf höchstem handwerklichen Niveau. Die 8.0-Bewertung steht für Zuschauer, die sich zu diesen Bedingungen mit dem Film beschäftigt haben und ihn für eine hohe Bewertung wert hielten. Zuschauer, die andere Erwartungen mitbringen, finden den Film manchmal weniger zufriedenstellend, als die Bewertung vermuten lässt – was keine Schwäche des Films, sondern der Erwartung ist. KPop Demon Hunters ist genau das, was es ist, mit viel Geschick gemacht, und die Wähler, die es bewertet haben, haben darauf reagiert.
Guillermo del Toros Pinocchio
Italien, zwischen den beiden Weltkriegen: Der Schreiner Gepetto schnitzt aus dem Holz eines Baumes, der über dem Grab seines Sohnes Carlo wächst, die Figur eines Jungen namens Pinocchio. Zu seinem Erstaunen erwacht der hölzerne Junge zum Leben und stellt allerlei Unfug an, für den Gepetto kein Verständnis hat. Schon bald gerät Pinocchio in die Hände eines Puppenspielers namens Count Volpe, der genau weiß, welchen Nutzen der Junge aus Holz für ihn haben könnte.
Warum zuschauen?: Guillermo del Toros Pinocchio steht am außergewöhnlichsten Ende dieser Liste. Eine so hohe Bewertung, die auf einer großen Wählerbasis basiert, spiegelt eher einen echten Konsens als einen Hype wider.
Guillermo del Toros Pinocchio wurde in 2022 hergestellt und existiert im Streaming-Zeitalter, in dem alles mit allem konkurriert. Die 8.0-Bewertung spiegelt ein Publikum wider, das endlose Alternativen hatte und sich für eine hohe Bewertung entschieden hat. Die 8.0-Bewertung für Guillermo del Toros Pinocchio basiert auf Zuschauern, die Alternativen hatten und sich entschieden haben, diese hoch zu bewerten. Diese Wahl spiegelt einen Film wider, der seine Sache klar dargelegt hat – und das ist genau das, was Guillermo del Toros Pinocchio tut. Mark Gustafson brachte das Argument vor und das Publikum akzeptierte es. Was den Film als Animation auszeichnet, ist das Verständnis des Regisseurs, dass die Form durch Design Innerlichkeit vermitteln kann. Bewegung, Farbe und Komposition vermitteln, was die Figur vor oder anstelle des Dialogs fühlt. Die besten Animation-Filme nutzen die Mechanismen ihres Genres, um etwas Reales zu erreichen. Guillermo del Toros Pinocchio ist einer dieser Filme. Mark Gustafson hat das Genre tief genug verstanden, um zu wissen, welche Konventionen dem Material dienen und welche man beiseite legen sollte.
Das Drehbuch von Guillermo del Toros Pinocchio zeigt, was die meisten Filme nicht erreichen: In jeder Szene werden zwei Dinge gleichzeitig ausgeführt. Die Oberflächenaktion bringt die Handlung voran. Der Subtext bringt den Charakter voran. Mark Gustafson arbeitete mit Material, das darauf vertraute, dass das Publikum das, was nicht gesagt wurde, genauso deutlich wahrnehmen konnte wie das, was gesagt wurde. Ewan McGregor liefert Zeilen, die unterschiedliche Bedeutungen haben, je nachdem, was Sie an dieser Stelle im Film wissen. Erstzuschauer erleben einen Film. Zuschauer, die das Ende kennen, erleben ein anderes. Diese strukturelle Raffinesse wird in Guillermo del Toros Pinocchio am deutlichsten sichtbar, wenn man darauf achtet, was die Charaktere konsequent vermeiden, direkt zu sagen.
Zuschauer, die Guillermo del Toros Pinocchio zum ersten Mal sehen, sollten besonders darauf achten, wie Mark Gustafson mit den Übergängen zwischen den Szenen umgeht. Die Schnitte in Guillermo del Toros Pinocchio sind nicht konventionell – sie landen eher in Momenten der Charaktere als in der Handlung, was bedeutet, dass der Schnittrhythmus und der emotionale Rhythmus des Films dasselbe sind. Wenn eine Szene früher oder später als erwartet zu enden scheint, ist dieser Zeitpunkt eine Entscheidung und verrät Ihnen normalerweise etwas Bestimmtes über den Zustand der Figur in diesem Moment. Ewan McGregor arbeitet in diesem Rhythmus mit einer körperlichen Leistung, die am deutlichsten in den Szenen unmittelbar nach großen Ereignissen sichtbar wird – den Reaktionsaufnahmen und ruhigen Momenten, in denen sich die Figur festigt, anstatt sich vorwärts zu bewegen. Der Produktionskontext von 2022 bedeutet, dass diese Entscheidungen ohne die digitalen Sicherheitsnetze getroffen wurden, die es zeitgenössischen Filmen ermöglichen, sich in der Post anzupassen. Was Sie sehen, ist das, was Mark Gustafson beabsichtigt hat.
Filme, die auf Listen wie dieser im Bereich elf bis fünfundzwanzig platziert sind, sind oft die nützlichsten Entdeckungen, weil sie die Qualität der Top Ten haben, ohne deren kulturelles Gewicht. Guillermo del Toros Pinocchio befindet sich in dieser Position, nicht weil es deutlich schlechter ist als die darüber liegenden Einträge, sondern weil seine Anziehungskraft konzentrierter ist. Die Zuschauer, die sich mit der Arbeit von Mark Gustafson in Guillermo del Toros Pinocchio identifizieren, bewerten ihn genauso hoch wie jeden anderen Film auf dieser Liste. Der Durchschnitt einer breiteren Wählerbasis liegt hier. Zuschauer, die bestimmte Gründe zu der Annahme haben, dass dieser Film etwas für sie ist – basierend auf Genrepräferenz, Interesse des Regisseurs oder Ära –, sollten ihm Vorrang vor mehreren Einträgen geben, die darüber rangieren.
Loving Vincent
Ein Jahr nach dem Tod Vincent van Goghs taucht plötzlich ein Brief des Künstlers an dessen Bruder Theo auf. Der junge Armand Roulin erhält den Auftrag, den Brief auszuhändigen. Zunächst widerwillig macht er sich auf den Weg, doch je mehr er über Vincent erfährt, desto faszinierender erscheint ihm der Maler, der zeit seines Lebens auf Unverständnis und Ablehnung stieß. War es am Ende gar kein Selbstmord? Entschlossen begibt sich Armand auf die Suche nach der Wahrheit
Warum zuschauen?: Die Zahlen hinter Loving Vincent sind schwer zu erreichen: Tausende unabhängige Zuschauer bewerten es ohne Koordination hoch. Dieser Konsens ist das zuverlässigste verfügbare Qualitätssignal.
Loving Vincent (2017) wurde in einer Zeit gedreht, in der das Publikum immer anspruchsvoller in Bezug auf die Produktionsqualität wurde. Hugh Welchman hat etwas geliefert, das diese gestiegenen Erwartungen erfüllt. Loving Vincent und 8.0 ist ein Film, in dem das Handwerk in mehreren Dimensionen durchweg über dem Durchschnitt liegt. Kein einzelnes Element trägt die anderen. Die Regie, das Schreiben und die Darbietung gehen alle in die gleiche Richtung. Der Film zeigt, was Dramen können, was andere Genres nicht können: normales menschliches Verhalten unter Druck zu setzen und durch die Reaktion Charakter zu offenbaren. Der Regisseur schafft diese Bedingungen und die Darsteller leben sie mit echter Überzeugung. Loving Vincent steht an der Spitze dieses Animation-Rankings, weil es zeigt, was das Genre erreicht, wenn ein Regisseur es als künstlerischen Rahmen und nicht als kommerzielle Kategorie ernst nimmt. Der Unterschied ist in jeder Szene von Loving Vincent sichtbar.
Die Leistungen in Loving Vincent sind auf ein bestimmtes Register kalibriert, das Hugh Welchman während der gesamten Produktion festgelegt und beibehalten hat. Douglas Booth verstand, dass das Material eher eine Untertreibung als eine Betonung erforderte. Die Momente in Loving Vincent, die am schwersten landen, sind diejenigen, in denen Douglas Booth weniger leistet, als es ein weniger erfahrener Schauspieler tun würde. Das Ensemble arbeitet in einem Rhythmus zusammen, der auf eine umfassende Vorbereitung und nicht nur auf Talent schließen lässt. Die Szenen, in denen mehrere Darsteller anwesend sind, offenbaren eine kollaborative Dynamik, die in Filmen selten ist, in denen die individuelle Leistung auf Kosten der Ensemble-Wahrheit im Vordergrund steht.
Loving Vincent nimmt in der Geschichte seines Genres eine besondere Position ein: Es entstand, als sich die Konventionen, mit denen es arbeitet, noch in der Entwicklung befanden und nicht etablierten. Hugh Welchman wandte keine bewährte Formel an, sondern konstruierte etwas, dessen Wirksamkeit nicht garantiert war. Die 8.0-Bewertung spiegelt ein Publikum wider, das auf Arbeiten reagiert hat, die unter echten kreativen Risikobedingungen entstanden sind. Zeitgenössische Filme im gleichen Raum haben den Vorteil zu wissen, was funktioniert, denn Loving Vincent und ähnliche Filme haben es gezeigt. Das Ansehen von Loving Vincent in diesem Kontext – als kreative Arbeit, die ohne das Sicherheitsnetz bewährter Konventionen entstanden ist – fügt dem Seherlebnis eine Dimension hinzu, die beim Anschauen von Filmen, die nach der Einführung der Konventionen gedreht wurden, nicht möglich ist.
Loving Vincent an dieser Position auf der Liste stellt einen Film dar, der echte Qualität und anhaltende Wertschätzung erreicht hat, ohne zu einem Kulturdenkmal zu werden. Der Vorteil dieser Position besteht darin, dass die Leistung von Douglas Booth und die Handwerkskunst von Hugh Welchman frisch und nicht durch den Filter ausführlicher vorheriger Diskussionen wahrgenommen werden können. Die spezifischen Dinge, die diesen Film sehenswert machen – die in den obigen redaktionellen Anmerkungen beschrieben werden – sind leichter zu erkennen, wenn man nicht damit rechnet, einen guten Ruf zu bestätigen. Die Bewertung im mittleren Abschnitt dieser Liste stellt keine Herabstufung dar. Es handelt sich um eine Beschreibung eines Films, der für sein spezifisches Publikum hervorragend geeignet ist.
Weathering with You - Das Mädchen, das die Sonne berührte
Der Oberschüler Hodaka ist neu in Tokio, doch das Leben in der Großstadt läuft bislang überhaupt nicht so, wie er sich es vorgestellt hat: Schon nach kurzer Zeit geht ihm das Geld aus und dann regnet es seit seiner Ankunft auch noch ununterbrochen. Seine Geldprobleme bekommt er schließlich dadurch in den Griff, dass er anfängt, als Redakteur für ein ziemlich unseriöses Okkultismus-Magazin zu schreiben. Da lernt Hodaka eines Tages die selbstbewusste Hina kennen, die in Tokio ganz allein mit ihrem kleinen Bruder Nagi zusammenlebt. Und bald erfährt Hodaka, dass Hina über eine ganz besondere Fähigkeit verfügt: Mit einem Gebet kann sie das Wetter beeinflussen und dafür sorgen, dass der Himmel aufklart …
Warum zuschauen?: Weathering with You - Das Mädchen, das die Sonne berührte hat seine Bewertung lange genug gehalten, sodass die Punktzahl stabil ist. Filme, die bei unterschiedlichen Zuschauern so hoch bewertet werden, sind eher außergewöhnlich als nur gut.
In 2019, als Makoto Shinkai Weathering with You - Das Mädchen, das die Sonne berührte produzierte, war die durchschnittliche Produktionsqualität von Filmen noch nie so hoch. Was Weathering with You - Das Mädchen, das die Sonne berührte auszeichnet, ist nicht technischer Feinschliff, sondern Intentionalität – jede Szene macht etwas Bestimmtes. Filme im 8.0-Bereich sind oft interessanter, als ihre Position in einer Liste vermuten lässt. Sie haben nicht die kulturelle Sättigung höher bewerteter Titel erreicht, was bedeutet, dass Weathering with You - Das Mädchen, das die Sonne berührte einfacher und ohne Vorurteile angegangen werden kann. Davon profitiert Weathering with You - Das Mädchen, das die Sonne berührte. Was diesen Film als Drama auszeichnet, ist die Weigerung des Regisseurs, zu erklären, was das Publikum fühlen kann. Der Film schafft Situationen mit emotionalem Gewicht und vertraut dann darauf, dass der Zuschauer dieses Gewicht selbst trägt. Die Aufführungen vermitteln das emotionale Register, ohne zu viel zu signalisieren. Wenn man sich Weathering with You - Das Mädchen, das die Sonne berührte zusammen mit anderen Einträgen auf dieser Animation-Liste ansieht, wird deutlich, was das beste Werk des Genres von seinem durchschnittlichen Output unterscheidet. Makoto Shinkai hat hier Entscheidungen getroffen, die die meisten Animation-Filme meiden, weil diese Entscheidungen Vertrauen in das Publikum erfordern.
Die Struktur von Weathering with You - Das Mädchen, das die Sonne berührte ist so aufgebaut, dass die Taktung eher der Bedeutung als der Konvention dient. Makoto Shinkai macht Schnitte in Momenten, die etwas unerwartet wirken, was das Publikum eher in einem Zustand engagierter Aufmerksamkeit als in passivem Zuschauen hält. Filme, die auf offensichtliche Beats verzichten, werden vorhersehbar. Weathering with You - Das Mädchen, das die Sonne berührte schneidet auf Charaktermomente, was bedeutet, dass der Schnittrhythmus und der emotionale Rhythmus dasselbe sind. Das Ergebnis ist ein Film, in dem die Struktur selbst etwas über den inneren Zustand der Charaktere aussagt. Zuschauer, die durch konventionelle Bearbeitung abgestumpft sind, finden Weathering with You - Das Mädchen, das die Sonne berührte auf produktive Weise verwirrend.
Weathering with You - Das Mädchen, das die Sonne berührte eignet sich für Zuschauer, die normalerweise nicht nach Filmen aus dieser Epoche oder diesem Genre suchen. Die Qualitäten, die ihm die Bewertung 8.0 einbrachten, sind nicht genre- oder zeitspezifisch – es sind die Qualitäten, die jeden Film exzellent machen: klare Erzählweise, fesselnde Leistung und eine Regie, die dem Material dient, statt sich selbst darzustellen. Zuschauer, die Weathering with You - Das Mädchen, das die Sonne berührte als Film und nicht als kulturelles Artefakt betrachten, haben tendenziell die stärksten Reaktionen. Das kulturelle Gewicht, das es seit seiner Veröffentlichung angesammelt hat, kann eher Distanz als Zugang schaffen. Der nützlichste Rahmen ist einfach: Dies ist ein gut gemachter Film über bestimmte Menschen in einer bestimmten Situation. Alles andere ergibt sich aus der aufmerksamen Beobachtung. Makoto Shinkai und Kotaro Daigo erledigen die Arbeit; Die Aufgabe des Betrachters besteht darin, dabei anwesend zu sein.
Die 8.0-Bewertung, die Weathering with You - Das Mädchen, das die Sonne berührte in diesem Abschnitt der Liste platziert, wurde von Zuschauern erhalten, die Zugriff auf alles hatten, was darüber rangierte. Sie haben diesen Film bewertet, nachdem sie diese Titel gesehen oder kannten. Ihre Entscheidung, Weathering with You - Das Mädchen, das die Sonne berührte eine hohe Punktzahl zu geben, spiegelt echte Wertschätzung für das wider, was Makoto Shinkai hier erreicht hat – etwas, das sich von den Top-Ten-Einträgen unterscheidet und ihnen nicht nachsteht. Die Qualitätsspanne auf einer solchen Liste ist enger, als die Spanne der Positionen vermuten lässt. Der Unterschied zwischen Position acht und Position achtzehn hängt zum Teil davon ab, wie konkret die Beschwerde ist. Weathering with You - Das Mädchen, das die Sonne berührte ist eher speziell ausgezeichnet als allgemein ausgezeichnet. Für den richtigen Betrachter ist diese Besonderheit ein Vorteil.
Toy Story
Als Andys Lieblingspuppe hat Woody im Kinderzimmer das Sagen. Kaum ist der Junge nicht da, erwacht die Cowboy-Figur zum Leben, und mit ihm auch all das andere Spielzeug um ihn herum. Aufgeregt debattiert man über Andys bevorstehenden Geburtstag. Es wird befürchtet, daß ihr Besitzer ein neues Geschenk bevorzugen wird. Und tatsächlich: Der Neuankömmling Buzz Lightyear, ein stolzer Space Ranger, avanciert zu Andys Favoriten. Diese Herabstufung will Woody nicht hinnehmen.
Warum zuschauen?: Einer der am höchsten bewerteten Filme in dieser Auswahl. Toy Story hat sich seinen Ruf durch anhaltende kritische Wertschätzung über mehrere Zuschauergenerationen hinweg erworben.
Toy Story (1995) erschien, bevor das Internet jeden Film sofort und überall verfügbar machte. Um das Publikum zu erreichen, war echte Mundpropaganda erforderlich, und Toy Story baute diese Mundpropaganda auf, weil sie etwas Reales lieferte. Eine 8.0-Bewertung spiegelt die gleichzeitige Arbeit von Regie, Schreiben und Leistung auf einem konstanten Niveau wider. Filme, die in diesem Bereich punkten, versagen selten in einer einzigen Dimension erheblich, und Toy Story ist keine Ausnahme. Was den Film als Komödie wirken lässt, ist die Weigerung des Regisseurs, zu signalisieren, wo der Humor sitzt. Die Witze entstehen durch den Charakter und die Situation, was bedeutet, dass aufmerksame Zuschauer mehr davon erfahren als Zuschauer, die darauf warten, dass ihnen gesagt wird, dass sie lachen sollen. Innerhalb des Animation-Genres nimmt Toy Story eine besondere Position ein: Es zeigt, was möglich ist, wenn ein Regisseur Genrekonventionen als Ausgangspunkt und nicht als Blaupause verwendet. Die besten Animation-Filme erweitern die Möglichkeiten des Genres.
Die Klangumgebung von Toy Story ist ebenso bewusst konstruiert wie ihre visuelle Umgebung. John Lasseter versteht, dass Sounddesign und Partitur unterhalb der bewussten Aufmerksamkeit funktionieren und emotionale Reaktionen formen, bevor das Publikum analysieren kann, was passiert. Die ruhigeren Sequenzen in Toy Story nutzen Umgebungsgeräusche, um Präsenz statt Abwesenheit zu erzeugen. In den vertonten Sequenzen wird Musik verwendet, die auf den Charakter reagiert, anstatt zu signalisieren, was das Publikum fühlen soll. Tom Hanks arbeitet in dieser Klangumgebung mit einer physischen Leistung, die dafür sorgt, wie die Szene sowohl akustisch als auch visuell erlebt wird. Die Kombination ergibt etwas, das beim Publikum ankommt und nicht nur bei ihm.
Erstzuschauer von Toy Story sollten mit möglichst geringen Vorkenntnissen einsteigen. Der Film wurde so ausführlich besprochen und zitiert, dass man leicht Erwartungen hegen kann, die eher von den Reaktionen anderer Menschen als vom Film selbst geprägt sind. Das tatsächliche Erlebnis, Toy Story zum ersten Mal anzusehen, ohne genau zu wissen, was kommt, unterscheidet sich erheblich vom Ansehen als bekannte Größe. Wenn Sie es noch nicht gesehen haben, ist das ein Vorteil, den es zu bewahren gilt. Wiederkehrende Zuschauer stellen fest, dass sich Toy Story beim erneuten Ansehen ändert – nicht, weil sich der Film ändert, sondern weil das Wissen um den Ausgang verändert, welche Details einem auffallen und was die ersten Szenen tatsächlich bewirken. Der Aufbau des ersten Akts von John Lasseter sieht anders aus, wenn man weiß, wo er endet. Der Auftritt von Tom Hanks in den ersten Szenen enthält Informationen, die erst bei zweitem Betrachten lesbar sind.
Toy Story liegt auf dieser Liste im Bereich zwischen elf und fünfundzwanzig und besetzt den Bereich, in dem die Qualität gleichbleibend ist, der Film jedoch nicht die kulturelle Sättigung der Top Ten erreicht hat. Diese Position hat einen Vorteil für neue Zuschauer: Toy Story kommt ohne den obligatorischen Zuschauerdruck, der mit höherrangigen Titeln verbunden ist. Man kann den Film auf seine eigene Art und Weise erleben, anstatt sich von den Reaktionen anderer abheben zu müssen. Die Arbeit von John Lasseter hier ist stark genug, um mit den Top-Ten-Einträgen mithalten zu können, und anders genug, um etwas zu bieten, was diese Titel nicht bieten. Die spezifischen Eigenschaften, die Toy Story hierher und nicht höher einstufen, sind oft die Eigenschaften, die es für Zuschauer am interessantesten machen, die bereits die allgemein empfohlenen Titel gesehen haben.
Das Schloss im Himmel
Unvorstellbarer Reichtum und eine geheimnisvolle Technologie, mit der sich die Welt beherrschen lässt. All dies soll man finden können auf Laputa, dem sagenumwobenen Schloss im Himmel. Sheeta, ein Mädchen, besitzt einen magischen Kristall, der ihr den Weg nach Laputa weist. Kein Wunder, dass ihr schon bald andere auf den Fersen sind: eine Bande von Himmelspiraten, die Armee sowie der Regierungsagent Musca. Glücklicherweise trifft Sheeta in dem Jungen Pazu nicht nur einen Begleiter, sondern findet durch das gemeinsame Abenteuer auch einen Freund.
Warum zuschauen?: Das Schloss im Himmel steht am außergewöhnlichsten Ende dieser Liste. Eine so hohe Bewertung, die auf einer großen Wählerbasis basiert, spiegelt eher einen echten Konsens als einen Hype wider.
Das Schloss im Himmel erschien im Jahr 1986 und wurde in einer Zeit gedreht, in der Kinoläufe darüber entschieden, ob ein Film überlebte. Hayao Miyazaki hat etwas geschaffen, das überlebt hat, und die heutige Bewertung 8.0 ist ein Beweis für dieses Durchhaltevermögen. Mit der 8.0-Bewertung für Das Schloss im Himmel gehört er zu den Filmen, die ihre Prämisse ohne nennenswerte Schwächen erfüllen. Hayao Miyazaki hat etwas geschaffen, das durchgehend wie vorgesehen funktioniert, was weniger verbreitet ist, als es sich anhört. Was den Film als Animation auszeichnet, ist das Verständnis des Regisseurs, dass die Form durch Design Innerlichkeit vermitteln kann. Bewegung, Farbe und Komposition vermitteln, was die Figur vor oder anstelle des Dialogs fühlt. Das Genre Animation hat Hunderte von Filmen hervorgebracht. Die Filme mit den Rängen 8.0 und höher sind diejenigen, bei denen der Regisseur verstanden hat, dass das Genre ein Vertrag mit dem Publikum ist und keine Einschränkung dessen, was ausgedrückt werden kann.
Die visuelle Sprache von Das Schloss im Himmel spiegelt das Filmemachen von 1986 in seiner durchdachtesten Form wider. Hayao Miyazaki arbeitete innerhalb technischer Grenzen, die es erforderten, dass Komposition und Beleuchtung emotionales Gewicht haben, das moderne Produktionen auf die Postproduktion übertragen. Jeder Rahmen in Das Schloss im Himmel wurde eher entworfen als angepasst. Das Ergebnis ist eine visuelle Kohärenz, die zeitgenössische Filme mit ihren unbegrenzten Nachbearbeitungsmöglichkeiten selten erreichen. Wenn man sich Das Schloss im Himmel anschaut und dabei auf die Zusammensetzung der Aufnahmen achtet, offenbart sich ein Filmemacher, der verstanden hat, dass die Kamera nicht nur etwas aufnimmt, sondern darüber streitet, wie man es sieht.
Das Schloss im Himmel eignet sich für Zuschauer, die normalerweise nicht nach Filmen aus dieser Epoche oder diesem Genre suchen. Die Qualitäten, die ihm die Bewertung 8.0 einbrachten, sind nicht genre- oder zeitspezifisch – es sind die Qualitäten, die jeden Film exzellent machen: klare Erzählweise, fesselnde Leistung und eine Regie, die dem Material dient, statt sich selbst darzustellen. Zuschauer, die Das Schloss im Himmel als Film und nicht als kulturelles Artefakt betrachten, haben tendenziell die stärksten Reaktionen. Das kulturelle Gewicht, das es seit seiner Veröffentlichung angesammelt hat, kann eher Distanz als Zugang schaffen. Der nützlichste Rahmen ist einfach: Dies ist ein gut gemachter Film über bestimmte Menschen in einer bestimmten Situation. Alles andere ergibt sich aus der aufmerksamen Beobachtung. Hayao Miyazaki und Keiko Yokozawa erledigen die Arbeit; Die Aufgabe des Betrachters besteht darin, dabei anwesend zu sein.
Das Schloss im Himmel rangiert im mittleren Bereich dieser Liste, weil seine Anziehungskraft eher spezifisch als universell ist – und eine spezifische Anziehungskraft führt bei ehrlicher Bewertung zu einer niedrigeren Durchschnittsbewertung als eine allgemeine Anziehungskraft, selbst wenn der Film für den richtigen Zuschauer hervorragend ist. Hayao Miyazaki hat Entscheidungen getroffen, die manche Zuschauer überzeugend und andere anspruchsvoll finden. Das 8.0-Rating spiegelt die gemischte, aber letztendlich positive Reaktion einer Wählerbasis wider, die beide Gruppen umfasste. Zuschauer, deren Vorlieben mit der Herangehensweise von Hayao Miyazaki an dieses Material übereinstimmen, finden, dass Das Schloss im Himmel in der Regel zu den stärksten Einträgen in der Liste zählt. Wenn man es im Kontext und nicht isoliert betrachtet, entsteht ein anderer Eindruck, als die Zahl allein vermuten lässt.
Oben
Carl Fredricksen hat Zeit seines Lebens mit seiner Frau davon geträumt, die Welt zu bereisen, Abenteuer zu erleben und in Südamerika die Paradise-Fälle zu besuchen. Immer ist etwas dazwischen gekommen. Nach ihrem Tod will der 78-jährige die Pläne endlich in die Tat umsetzen, zumal sein Häuschen einer neuen Immobilie den Platz machen soll. Begleitet von dem hartnäckigen Pfadfinder Russell macht er sich auf den Weg – inklusive seines Häuschens, das sich, an zahllosen Ballons aufgehängt, in die Lüfte schwingt …
Warum zuschauen?: Die Zahlen hinter Oben sind schwer zu erreichen: Tausende unabhängige Zuschauer bewerten es ohne Koordination hoch. Dieser Konsens ist das zuverlässigste verfügbare Qualitätssignal.
Das 2009-Kino stand unter einem anderen Druck als zeitgenössische Veröffentlichungen. Oben wurde ohne die algorithmischen Rückkopplungsschleifen erstellt, die moderne Produktionen prägen. Was Pete Docter hier geschaffen hat, beruhte eher auf Überzeugung als auf Daten. Mit 8.0 liegt Oben in einem Bereich, in dem die Qualität gleichbleibend ist, der Film jedoch nicht den breiten Konsens höher bewerteter Titel erreicht hat. Dieser engere Konsens spiegelt oft einen bestimmten Reiz wider – Oben ist nicht jedermanns Sache, aber für den richtigen Betrachter ist es ausgezeichnet. Charakterkomödien erfordern vom Regisseur und den Darstellern, dass sie verstehen, dass die lustigsten Momente der Wahrheit und nicht der Übertreibung entspringen. Der Film funktioniert, weil das, was die Charaktere tun, für das, was sie sind, Sinn ergibt. Oben zeigt, warum Animation-Kino wichtig ist: Es macht Dinge, die kein anderes Genre so effektiv kann. Pete Docter versteht die spezifischen Mechanismen von Animation und nutzt sie, um Effekte zu erzielen, die in anderen Formen des Geschichtenerzählens unmöglich wären.
Das Drehbuch von Oben zeigt, was die meisten Filme nicht erreichen: In jeder Szene werden zwei Dinge gleichzeitig ausgeführt. Die Oberflächenaktion bringt die Handlung voran. Der Subtext bringt den Charakter voran. Pete Docter arbeitete mit Material, das darauf vertraute, dass das Publikum das, was nicht gesagt wurde, genauso deutlich wahrnehmen konnte wie das, was gesagt wurde. Ed Asner liefert Zeilen, die unterschiedliche Bedeutungen haben, je nachdem, was Sie an dieser Stelle im Film wissen. Erstzuschauer erleben einen Film. Zuschauer, die das Ende kennen, erleben ein anderes. Diese strukturelle Raffinesse wird in Oben am deutlichsten sichtbar, wenn man darauf achtet, was die Charaktere konsequent vermeiden, direkt zu sagen.
Oben ist eine verlässliche Empfehlung für Zuschauer, die bereit sind, einen Film zu seinen eigenen Bedingungen zu erleben, anstatt zu verlangen, dass er den von anderswo mitgebrachten Erwartungen entspricht. Er verfügt nicht über die kulturelle Omnipräsenz höher bewerteter Titel in dieser Kategorie, was bedeutet, dass er ohne die Last einer obligatorischen Anschauung daherkommt. Zuschauer, die Oben entdecken, ohne dass ihnen gesagt wurde, dass sie es sehen müssen, reagieren oft stärker als diejenigen, die es als Verpflichtung betrachten. Pete Docter hat etwas mit einer besonderen Anziehungskraft geschaffen – es geht nicht darum, für jeden alles zu bieten. Die Zuschauer, die sich mit Oben verbinden, finden es deutlich besser, als die 8.0-Bewertung vermuten lässt, weshalb es trotz eingeschränkter Marketing-Sichtbarkeit diese Bewertung behält.
Die Position von Oben in diesem Abschnitt der Liste spiegelt einen Film wider, der seine spezifischen Qualitäten zuverlässig liefert, ohne den Anspruch zu erheben, alles für jedermann zu bieten. Pete Docter verstand, worum es in dem Film ging, und machte ihn auf höchstem handwerklichen Niveau. Die 8.0-Bewertung steht für Zuschauer, die sich zu diesen Bedingungen mit dem Film beschäftigt haben und ihn für eine hohe Bewertung wert hielten. Zuschauer, die andere Erwartungen mitbringen, finden den Film manchmal weniger zufriedenstellend, als die Bewertung vermuten lässt – was keine Schwäche des Films, sondern der Erwartung ist. Oben ist genau das, was es ist, mit viel Geschick gemacht, und die Wähler, die es bewertet haben, haben darauf reagiert.
Der Gigant aus dem All
Der kleine Hogarth hat eine blühende Phantasie, aber diesmal bildet er sich wirklich nichts ein: Der Gigant, den er im Wald findet - eine Art Riesenroboter aus dem All - ist ganz real! Von nun an hat Hogarth einen großen Freund, der aber immer wieder für Schwierigkeiten sorgt. Denn obwohl der Riese im Grunde harmlos ist, sind die Bürger des nahen kleinen Städtchens erschrocken und glauben sich in Gefahr. Ein von der Regierung geschickter Agent soll Abhilfe schaffen. Doch mit Mut und selbstlosem Einsatz gelingt es den beiden Verbündeten, die Stadtbewohner rechtzeitig von Ihren Ängsten und Vorurteilen zu befreien. In solchen Zeiten merkt man, aus welchem Stoff wahre Freude gemacht sind - manchmal sogar aus Eisen.
Warum zuschauen?: Der Gigant aus dem All hat seine Bewertung lange genug gehalten, sodass die Punktzahl stabil ist. Filme, die bei unterschiedlichen Zuschauern so hoch bewertet werden, sind eher außergewöhnlich als nur gut.
Die 1999-Veröffentlichung von Der Gigant aus dem All ist vollständig älter als die Streaming-Ära. Jeder Zuschauer, der Der Gigant aus dem All bewertet hat, hat es durch bewusste Bemühungen entdeckt – durch Kinovorführung, physische Medien oder Empfehlung. Diese Zielgruppe für Der Gigant aus dem All wählt sich selbst für das Engagement aus. Der Gigant aus dem All bei 8.0 stellt die zuverlässige Stufe dieser Liste dar. Das sind die Filme, die nicht enttäuschen. Brad Bird verstand, was der Film sein musste, und setzte ihn kompromisslos um. Was diesen Film als Drama auszeichnet, ist die Weigerung des Regisseurs, zu erklären, was das Publikum fühlen kann. Der Film schafft Situationen mit emotionalem Gewicht und vertraut dann darauf, dass der Zuschauer dieses Gewicht selbst trägt. Die Aufführungen vermitteln das emotionale Register, ohne zu viel zu signalisieren. Genre-Rankings wie diese sind unter anderem deshalb nützlich, weil sie den Animation-Kanon explizit machen. Der Gigant aus dem All und 8.0 gehören in jede ernsthafte Diskussion darüber, was das Animation-Kino erreicht hat. Wenn man ihn zusammen mit anderen erstklassigen Animation-Filmen ansieht, wird deutlich, wie vielfältig das Genre ist.
Die Leistungen in Der Gigant aus dem All sind auf ein bestimmtes Register kalibriert, das Brad Bird während der gesamten Produktion festgelegt und beibehalten hat. Jennifer Aniston verstand, dass das Material eher eine Untertreibung als eine Betonung erforderte. Die Momente in Der Gigant aus dem All, die am schwersten landen, sind diejenigen, in denen Jennifer Aniston weniger leistet, als es ein weniger erfahrener Schauspieler tun würde. Das Ensemble arbeitet in einem Rhythmus zusammen, der auf eine umfassende Vorbereitung und nicht nur auf Talent schließen lässt. Die Szenen, in denen mehrere Darsteller anwesend sind, offenbaren eine kollaborative Dynamik, die in Filmen selten ist, in denen die individuelle Leistung auf Kosten der Ensemble-Wahrheit im Vordergrund steht.
Zuschauer, die Der Gigant aus dem All zum ersten Mal sehen, sollten besonders darauf achten, wie Brad Bird mit den Übergängen zwischen den Szenen umgeht. Die Schnitte in Der Gigant aus dem All sind nicht konventionell – sie landen eher in Momenten der Charaktere als in der Handlung, was bedeutet, dass der Schnittrhythmus und der emotionale Rhythmus des Films dasselbe sind. Wenn eine Szene früher oder später als erwartet zu enden scheint, ist dieser Zeitpunkt eine Entscheidung und verrät Ihnen normalerweise etwas Bestimmtes über den Zustand der Figur in diesem Moment. Jennifer Aniston arbeitet in diesem Rhythmus mit einer körperlichen Leistung, die am deutlichsten in den Szenen unmittelbar nach großen Ereignissen sichtbar wird – den Reaktionsaufnahmen und ruhigen Momenten, in denen sich die Figur festigt, anstatt sich vorwärts zu bewegen. Der Produktionskontext von 1999 bedeutet, dass diese Entscheidungen ohne die digitalen Sicherheitsnetze getroffen wurden, die es zeitgenössischen Filmen ermöglichen, sich in der Post anzupassen. Was Sie sehen, ist das, was Brad Bird beabsichtigt hat.
Filme, die auf Listen wie dieser im Bereich elf bis fünfundzwanzig platziert sind, sind oft die nützlichsten Entdeckungen, weil sie die Qualität der Top Ten haben, ohne deren kulturelles Gewicht. Der Gigant aus dem All befindet sich in dieser Position, nicht weil es deutlich schlechter ist als die darüber liegenden Einträge, sondern weil seine Anziehungskraft konzentrierter ist. Die Zuschauer, die sich mit der Arbeit von Brad Bird in Der Gigant aus dem All identifizieren, bewerten ihn genauso hoch wie jeden anderen Film auf dieser Liste. Der Durchschnitt einer breiteren Wählerbasis liegt hier. Zuschauer, die bestimmte Gründe zu der Annahme haben, dass dieser Film etwas für sie ist – basierend auf Genrepräferenz, Interesse des Regisseurs oder Ära –, sollten ihm Vorrang vor mehreren Einträgen geben, die darüber rangieren.
Nausicaä aus dem Tal der Winde
Ein verheerender Krieg hat die Erde in ein wüstes Ödland verwandelt, auf dem sich ein Pilzwald ausbreitet, dessen Sporen für den Menschen hochgiftig sind. Eine der wenigen noch existierenden Zivilisationen lebt im Tal der Winde, dessen natürliche Aufwinde verhindern, dass giftige Pilzsporen dorthin gelangen. Nausicaä ist die Prinzessin dieses Volkes und sie besitzt die seltene Gabe, die Gefühle und Gedanken der Tiere zu verstehen sowie mit der fremdartigen Flora und Fauna zu kommunizieren. Als ein anderes Volk das Tal erobern will, ist Nausicaä die letzte Hoffnung: Im Bestreben, eine friedliche Koexistenz zu erreichen, kämpft Nausicaä verzweifelt mit allen ihr zur Verfügung stehenden Mitteln und wird so zur Botschafterin einer uralten Prophezeiung.
Warum zuschauen?: Einer der am höchsten bewerteten Filme in dieser Auswahl. Nausicaä aus dem Tal der Winde hat sich seinen Ruf durch anhaltende kritische Wertschätzung über mehrere Zuschauergenerationen hinweg erworben.
Nausicaä aus dem Tal der Winde (1984) erschien, bevor das Internet jeden Film sofort und überall verfügbar machte. Um das Publikum zu erreichen, war echte Mundpropaganda erforderlich, und Nausicaä aus dem Tal der Winde baute diese Mundpropaganda auf, weil sie etwas Reales lieferte. Eine 8.0-Bewertung aus einem großen Wählerpool bedeutet, dass der Film über echte Stärken verfügt, die die von den Zuschauern festgestellten Schwächen überwiegen. Nausicaä aus dem Tal der Winde hält sein zentrales Versprechen, nämlich den Mindeststandard, den jeder Film erfüllen sollte, und den weniger erreichen, als die Anzahl der Veröffentlichungen vermuten lässt. Der Film zeigt, dass Animation ein Werkzeug ist, um emotionale Register zu erreichen, die mit Live-Action nicht erreicht werden können. Der Regisseur nutzt die formalen Möglichkeiten des Mediums, um Momente zu schaffen, die spezifisch für die animierte Form sind. Die Herangehensweise von Hayao Miyazaki an Animation in Nausicaä aus dem Tal der Winde ist aufschlussreich: Genrekonventionen werden bewusst und nicht automatisch verwendet. Das Ergebnis ist ein Film, der hält, was das Genre verspricht, und gleichzeitig etwas tut, was die meisten Animation-Filme nicht können.
Die Struktur von Nausicaä aus dem Tal der Winde ist so aufgebaut, dass die Taktung eher der Bedeutung als der Konvention dient. Hayao Miyazaki macht Schnitte in Momenten, die etwas unerwartet wirken, was das Publikum eher in einem Zustand engagierter Aufmerksamkeit als in passivem Zuschauen hält. Filme, die auf offensichtliche Beats verzichten, werden vorhersehbar. Nausicaä aus dem Tal der Winde schneidet auf Charaktermomente, was bedeutet, dass der Schnittrhythmus und der emotionale Rhythmus dasselbe sind. Das Ergebnis ist ein Film, in dem die Struktur selbst etwas über den inneren Zustand der Charaktere aussagt. Zuschauer, die durch konventionelle Bearbeitung abgestumpft sind, finden Nausicaä aus dem Tal der Winde auf produktive Weise verwirrend.
Zuschauer, die die Filme gesehen haben, die von Nausicaä aus dem Tal der Winde beeinflusst wurden, werden das Anschauen des Originals als ein anderes Erlebnis empfinden als das Anschauen eines zeitgenössischen Films. Die Techniken, die einem bekannt vorkommen, weil sie ausgiebig kopiert wurden, sind hier in ihrer ursprünglichen Form sichtbar, was oft zeigt, dass die Kopien die Oberfläche dessen verstanden haben, was Hayao Miyazaki getan hat, ohne die dahinter stehende Logik zu verstehen. Nausicaä aus dem Tal der Winde nutzt seine stilistischen Entscheidungen im Dienste spezifischer Storytelling-Ziele. Spätere Filme, die diese Optionen übernahmen, verwendeten sie oft als Stil ohne Funktion. Das Anschauen des Originals verdeutlicht, was tatsächlich erreicht wurde. Die Arbeit von Sumi Shimamoto hat hier auch eine Besonderheit, die vielen davon inspirierten Aufführungen fehlt – die Imitationen haben die Art und Weise eingefangen, ohne die Innerlichkeit, die der Art etwas Bedeutung verlieh.
Nausicaä aus dem Tal der Winde an dieser Position auf der Liste stellt einen Film dar, der echte Qualität und anhaltende Wertschätzung erreicht hat, ohne zu einem Kulturdenkmal zu werden. Der Vorteil dieser Position besteht darin, dass die Leistung von Sumi Shimamoto und die Handwerkskunst von Hayao Miyazaki frisch und nicht durch den Filter ausführlicher vorheriger Diskussionen wahrgenommen werden können. Die spezifischen Dinge, die diesen Film sehenswert machen – die in den obigen redaktionellen Anmerkungen beschrieben werden – sind leichter zu erkennen, wenn man nicht damit rechnet, einen guten Ruf zu bestätigen. Die Bewertung im mittleren Abschnitt dieser Liste stellt keine Herabstufung dar. Es handelt sich um eine Beschreibung eines Films, der für sein spezifisches Publikum hervorragend geeignet ist.
Stimme des Herzens - Whisper of the Heart
Die 14-jährige Shizuku ist ein echter Bücherwurm und leiht sich in der städtischen Bibliothek ein Buch nach dem anderen aus. Da fällt dem verträumten Mädchen auf, dass ein gewisser Seiji Amasawa alle von ihr ausgewählten Bücher schon vor ihr gelesen hat. Sie beginnt, sich ein Traumbild von dem Jungen auszumalen, der die gleichen Geschichten wie sie schätzt. Eines Tages verfolgt Shizuku eine mit der U-Bahn umherfahrende Katze und gelangt so zu einem kleinen Antiquitätenladen, dessen Ausstellungsstücke sie faszinieren. Hier trifft sie auf einen Mitschüler, der sie schon öfters aufgezogen hat. Dieser Junge, der Enkel des Ladenbesitzers, heißt zufällig auch noch Seiji. Schon bald findet sich Shizuku in einem Gefühlschaos wieder und sieht sich zudem mit der Frage konfrontiert, was für eine Zukunft sie eigentlich anstrebt …
Warum zuschauen?: Stimme des Herzens - Whisper of the Heart ist ein Drama, das der Stille vertraut. Yoshifumi Kondo gibt Szenen Raum zum Durchatmen über ihren offensichtlichen Endpunkt hinaus und findet etwas Wahres in dem, was Charaktere tun, wenn sie aufhören zu spielen.
Stimme des Herzens - Whisper of the Heart erschien im Jahr 1995 und wurde in einer Zeit gedreht, in der Kinoläufe darüber entschieden, ob ein Film überlebte. Yoshifumi Kondo hat etwas geschaffen, das überlebt hat, und die heutige Bewertung 7.9 ist ein Beweis für dieses Durchhaltevermögen. Die 7.9-Bewertung für Stimme des Herzens - Whisper of the Heart basiert auf Zuschauern, die Alternativen hatten und sich entschieden haben, diese hoch zu bewerten. Diese Wahl spiegelt einen Film wider, der seine Sache klar dargelegt hat – und das ist genau das, was Stimme des Herzens - Whisper of the Heart tut. Yoshifumi Kondo brachte das Argument vor und das Publikum akzeptierte es. Das Drama beruht eher auf der Spezifität als auf der Universalität. Der Regisseur trifft in dieser Situation Entscheidungen, die genau auf diese Charaktere zutreffen, was paradoxerweise etwas Universelleres schafft, als es generische emotionale Beats schaffen würden. Die besten Animation-Filme nutzen die Mechanismen ihres Genres, um etwas Reales zu erreichen. Stimme des Herzens - Whisper of the Heart ist einer dieser Filme. Yoshifumi Kondo hat das Genre tief genug verstanden, um zu wissen, welche Konventionen dem Material dienen und welche man beiseite legen sollte.
Die Klangumgebung von Stimme des Herzens - Whisper of the Heart ist ebenso bewusst konstruiert wie ihre visuelle Umgebung. Yoshifumi Kondo versteht, dass Sounddesign und Partitur unterhalb der bewussten Aufmerksamkeit funktionieren und emotionale Reaktionen formen, bevor das Publikum analysieren kann, was passiert. Die ruhigeren Sequenzen in Stimme des Herzens - Whisper of the Heart nutzen Umgebungsgeräusche, um Präsenz statt Abwesenheit zu erzeugen. In den vertonten Sequenzen wird Musik verwendet, die auf den Charakter reagiert, anstatt zu signalisieren, was das Publikum fühlen soll. Yoko Honna arbeitet in dieser Klangumgebung mit einer physischen Leistung, die dafür sorgt, wie die Szene sowohl akustisch als auch visuell erlebt wird. Die Kombination ergibt etwas, das beim Publikum ankommt und nicht nur bei ihm.
Stimme des Herzens - Whisper of the Heart eignet sich für Zuschauer, die normalerweise nicht nach Filmen aus dieser Epoche oder diesem Genre suchen. Die Qualitäten, die ihm die Bewertung 7.9 einbrachten, sind nicht genre- oder zeitspezifisch – es sind die Qualitäten, die jeden Film exzellent machen: klare Erzählweise, fesselnde Leistung und eine Regie, die dem Material dient, statt sich selbst darzustellen. Zuschauer, die Stimme des Herzens - Whisper of the Heart als Film und nicht als kulturelles Artefakt betrachten, haben tendenziell die stärksten Reaktionen. Das kulturelle Gewicht, das es seit seiner Veröffentlichung angesammelt hat, kann eher Distanz als Zugang schaffen. Der nützlichste Rahmen ist einfach: Dies ist ein gut gemachter Film über bestimmte Menschen in einer bestimmten Situation. Alles andere ergibt sich aus der aufmerksamen Beobachtung. Yoshifumi Kondo und Yoko Honna erledigen die Arbeit; Die Aufgabe des Betrachters besteht darin, dabei anwesend zu sein.
Die 7.9-Bewertung, die Stimme des Herzens - Whisper of the Heart in diesem Abschnitt der Liste platziert, wurde von Zuschauern erhalten, die Zugriff auf alles hatten, was darüber rangierte. Sie haben diesen Film bewertet, nachdem sie diese Titel gesehen oder kannten. Ihre Entscheidung, Stimme des Herzens - Whisper of the Heart eine hohe Punktzahl zu geben, spiegelt echte Wertschätzung für das wider, was Yoshifumi Kondo hier erreicht hat – etwas, das sich von den Top-Ten-Einträgen unterscheidet und ihnen nicht nachsteht. Die Qualitätsspanne auf einer solchen Liste ist enger, als die Spanne der Positionen vermuten lässt. Der Unterschied zwischen Position acht und Position achtzehn hängt zum Teil davon ab, wie konkret die Beschwerde ist. Stimme des Herzens - Whisper of the Heart ist eher speziell ausgezeichnet als allgemein ausgezeichnet. Für den richtigen Betrachter ist diese Besonderheit ein Vorteil.
Das beste Kino belohnt Ihre Aufmerksamkeit. Jeder Film hier hat sich die Zeit verdient, die er braucht.
Akira
Tokio 1988. In einem Geheimlabor der Armee wird mit Kindern, die über PSI-Fähigkeiten verfügen, experimentiert. Doch die Tests geraten außer Kontrolle, die nur noch mit dem Abwurf einer Atombombe gestoppt werden können. 31 Jahre später. Eine Motorradgang, angeführt von Kaneda, durchstreift Neo-Tokio auf der Suche nach Action. Ungewollt gerät sie an ein Geheimnis, das die gesamte Menschheit bedroht.
Warum zuschauen?: Katsuhiro Otomo fotografiert Action in Akira zum besseren Verständnis und nicht nur zur Wirkung. Die räumliche Logik bleibt durchgehend erhalten, was seltener vorkommt, als es sein sollte.
Akira stammt aus 1988, was bedeutet, dass es von mehreren Generationen von Zuschauern getestet wurde. Die Tatsache, dass Akira immer noch einen hohen Rang einnimmt, spiegelt eher echtes Handwerk als Nostalgie wider. Akira und 7.9 ist ein Film, in dem das Handwerk in mehreren Dimensionen durchweg über dem Durchschnitt liegt. Kein einzelnes Element trägt die anderen. Die Regie, das Schreiben und die Darbietung gehen alle in die gleiche Richtung. Der Regisseur filmt die Action eher im menschlichen Maßstab als im Kameraspektakel. Charaktere nehmen einen zusammenhängenden Raum ein und ihre Körper bewegen sich mit lesbarer Absicht durch diesen Raum. Das Ergebnis ist eine Aktion, die Wirkung akkumuliert, anstatt vorübergehend Adrenalin zu erzeugen. Akira steht an der Spitze dieses Animation-Rankings, weil es zeigt, was das Genre erreicht, wenn ein Regisseur es als künstlerischen Rahmen und nicht als kommerzielle Kategorie ernst nimmt. Der Unterschied ist in jeder Szene von Akira sichtbar.
Die visuelle Sprache von Akira spiegelt das Filmemachen von 1988 in seiner durchdachtesten Form wider. Katsuhiro Otomo arbeitete innerhalb technischer Grenzen, die es erforderten, dass Komposition und Beleuchtung emotionales Gewicht haben, das moderne Produktionen auf die Postproduktion übertragen. Jeder Rahmen in Akira wurde eher entworfen als angepasst. Das Ergebnis ist eine visuelle Kohärenz, die zeitgenössische Filme mit ihren unbegrenzten Nachbearbeitungsmöglichkeiten selten erreichen. Wenn man sich Akira anschaut und dabei auf die Zusammensetzung der Aufnahmen achtet, offenbart sich ein Filmemacher, der verstanden hat, dass die Kamera nicht nur etwas aufnimmt, sondern darüber streitet, wie man es sieht.
Erstzuschauer von Akira sollten mit möglichst geringen Vorkenntnissen einsteigen. Der Film wurde so ausführlich besprochen und zitiert, dass man leicht Erwartungen hegen kann, die eher von den Reaktionen anderer Menschen als vom Film selbst geprägt sind. Das tatsächliche Erlebnis, Akira zum ersten Mal anzusehen, ohne genau zu wissen, was kommt, unterscheidet sich erheblich vom Ansehen als bekannte Größe. Wenn Sie es noch nicht gesehen haben, ist das ein Vorteil, den es zu bewahren gilt. Wiederkehrende Zuschauer stellen fest, dass sich Akira beim erneuten Ansehen ändert – nicht, weil sich der Film ändert, sondern weil das Wissen um den Ausgang verändert, welche Details einem auffallen und was die ersten Szenen tatsächlich bewirken. Der Aufbau des ersten Akts von Katsuhiro Otomo sieht anders aus, wenn man weiß, wo er endet. Der Auftritt von Mitsuo Iwata in den ersten Szenen enthält Informationen, die erst bei zweitem Betrachten lesbar sind.
Akira liegt auf dieser Liste im Bereich zwischen elf und fünfundzwanzig und besetzt den Bereich, in dem die Qualität gleichbleibend ist, der Film jedoch nicht die kulturelle Sättigung der Top Ten erreicht hat. Diese Position hat einen Vorteil für neue Zuschauer: Akira kommt ohne den obligatorischen Zuschauerdruck, der mit höherrangigen Titeln verbunden ist. Man kann den Film auf seine eigene Art und Weise erleben, anstatt sich von den Reaktionen anderer abheben zu müssen. Die Arbeit von Katsuhiro Otomo hier ist stark genug, um mit den Top-Ten-Einträgen mithalten zu können, und anders genug, um etwas zu bieten, was diese Titel nicht bieten. Die spezifischen Eigenschaften, die Akira hierher und nicht höher einstufen, sind oft die Eigenschaften, die es für Zuschauer am interessantesten machen, die bereits die allgemein empfohlenen Titel gesehen haben.
Ghost in The Shell
Im Jahre 2029 ist es normal, sich einzelne Körperteile durch künstliche Komponenten ersetzen zu lassen. Diese Bestandteile befähigen die Menschheit, nahezu alle Grenzen des Fleisches und des Geistes zu überwinden. Einige Menschen besitzen gar nur noch eine Biokapsel als Körper, genannt „Shell“, und lediglich ein Rest an ursprünglichen Gehirnzellen definieren den „Ghost“, der Identität und Persönlichkeit eines Individuums erhält. Dies macht die Bedrohung durch einen Computer-Hacker namens „Puppenspieler“ umso akuter, da er in der Lage ist, die Firewalls der „Ghosts“ zu überwinden und sie nach seinen Vorstellungen zu verändern. Majorin Motoko Kusanagi vom japanischen Geheimdienst Sektion 9 ist ebenfalls betroffen und macht sich auf die Jagd nach dem Cyber-Verbrecher.
Warum zuschauen?: Die Aktion in Ghost in The Shell wird verdient und nicht geplant. Mamoru Oshii baut sich auf jede Sequenz auf, sodass es bei seiner Ankunft Gewicht hat, das über das Spektakel hinausgeht.
Die 1995-Veröffentlichung von Ghost in The Shell ist vollständig älter als die Streaming-Ära. Jeder Zuschauer, der Ghost in The Shell bewertet hat, hat es durch bewusste Bemühungen entdeckt – durch Kinovorführung, physische Medien oder Empfehlung. Diese Zielgruppe für Ghost in The Shell wählt sich selbst für das Engagement aus. Filme im 7.9-Bereich sind oft interessanter, als ihre Position in einer Liste vermuten lässt. Sie haben nicht die kulturelle Sättigung höher bewerteter Titel erreicht, was bedeutet, dass Ghost in The Shell einfacher und ohne Vorurteile angegangen werden kann. Davon profitiert Ghost in The Shell. Die Handlung ist dem Geschichtenerzählen untergeordnet, statt es zu ersetzen. Der Regisseur erstellt Sequenzen, die nur aufgrund des Vorhergehenden funktionieren. Die Investition des Publikums in Charaktere und Einsatz entscheidet darüber, ob die Aktion ankommt. Wenn man sich Ghost in The Shell zusammen mit anderen Einträgen auf dieser Animation-Liste ansieht, wird deutlich, was das beste Werk des Genres von seinem durchschnittlichen Output unterscheidet. Mamoru Oshii hat hier Entscheidungen getroffen, die die meisten Animation-Filme meiden, weil diese Entscheidungen Vertrauen in das Publikum erfordern.
Das Drehbuch von Ghost in The Shell zeigt, was die meisten Filme nicht erreichen: In jeder Szene werden zwei Dinge gleichzeitig ausgeführt. Die Oberflächenaktion bringt die Handlung voran. Der Subtext bringt den Charakter voran. Mamoru Oshii arbeitete mit Material, das darauf vertraute, dass das Publikum das, was nicht gesagt wurde, genauso deutlich wahrnehmen konnte wie das, was gesagt wurde. Atsuko Tanaka liefert Zeilen, die unterschiedliche Bedeutungen haben, je nachdem, was Sie an dieser Stelle im Film wissen. Erstzuschauer erleben einen Film. Zuschauer, die das Ende kennen, erleben ein anderes. Diese strukturelle Raffinesse wird in Ghost in The Shell am deutlichsten sichtbar, wenn man darauf achtet, was die Charaktere konsequent vermeiden, direkt zu sagen.
Ghost in The Shell eignet sich für Zuschauer, die normalerweise nicht nach Filmen aus dieser Epoche oder diesem Genre suchen. Die Qualitäten, die ihm die Bewertung 7.9 einbrachten, sind nicht genre- oder zeitspezifisch – es sind die Qualitäten, die jeden Film exzellent machen: klare Erzählweise, fesselnde Leistung und eine Regie, die dem Material dient, statt sich selbst darzustellen. Zuschauer, die Ghost in The Shell als Film und nicht als kulturelles Artefakt betrachten, haben tendenziell die stärksten Reaktionen. Das kulturelle Gewicht, das es seit seiner Veröffentlichung angesammelt hat, kann eher Distanz als Zugang schaffen. Der nützlichste Rahmen ist einfach: Dies ist ein gut gemachter Film über bestimmte Menschen in einer bestimmten Situation. Alles andere ergibt sich aus der aufmerksamen Beobachtung. Mamoru Oshii und Atsuko Tanaka erledigen die Arbeit; Die Aufgabe des Betrachters besteht darin, dabei anwesend zu sein.
Ghost in The Shell rangiert im mittleren Bereich dieser Liste, weil seine Anziehungskraft eher spezifisch als universell ist – und eine spezifische Anziehungskraft führt bei ehrlicher Bewertung zu einer niedrigeren Durchschnittsbewertung als eine allgemeine Anziehungskraft, selbst wenn der Film für den richtigen Zuschauer hervorragend ist. Mamoru Oshii hat Entscheidungen getroffen, die manche Zuschauer überzeugend und andere anspruchsvoll finden. Das 7.9-Rating spiegelt die gemischte, aber letztendlich positive Reaktion einer Wählerbasis wider, die beide Gruppen umfasste. Zuschauer, deren Vorlieben mit der Herangehensweise von Mamoru Oshii an dieses Material übereinstimmen, finden, dass Ghost in The Shell in der Regel zu den stärksten Einträgen in der Liste zählt. Wenn man es im Kontext und nicht isoliert betrachtet, entsteht ein anderer Eindruck, als die Zahl allein vermuten lässt.
Dragonball Super: Broly
Nach dem letzten Turnier herrscht auf der Erde wieder einmal Frieden und Ordnung. Für Son Goku dennoch kein Grund auf der faulen Haut zu liegen, schließlich weiß er, dass es in den verschiedenen Universen noch zahllose enorm starke Konkurrenten gibt. Also trainiert er fleißig, um die Grenzen seiner Kraft immer wieder aufs Neue zu sprengen. Eines Tages, als Son Goku und Vegeta Bulma dabei helfen die Dragonballs zu suchen, taucht der böse Imperator Freezer mit einem mysteriösen Saiyajin namens Broly auf der Erde auf. Doch wie kann das sein, schließlich sollten die restlichen Saiyajin bei der Zerstörung des Planeten Vegeta durch Freezer vollständig ausgelöscht worden sein? Um dieses Rätsel zu lösen, bleibt jedoch keine Zeit, denn Broly stürmt sofort wutentbrannt auf Vegeta und Son Goku zu. Das ist der Beginn einer neuen, erbitterten Schlacht …
Warum zuschauen?: Action mit klarer Geografie. Tatsuya Nagamine versteht, dass die besten Sequenzen funktionieren, weil Sie immer wissen, wo sich alle befinden.
Dragonball Super: Broly ist ein zeitgenössisches Werk, das in einem mit Inhalten überfluteten Markt bereits sein Durchhaltevermögen unter Beweis gestellt hat. Tatsuya Nagamine hat etwas geschaffen, das aus der Masse herausragte, weil es wirklich besser war als die Alternativen. Eine 7.9-Bewertung spiegelt die gleichzeitige Arbeit von Regie, Schreiben und Leistung auf einem konstanten Niveau wider. Filme, die in diesem Bereich punkten, versagen selten in einer einzigen Dimension erheblich, und Dragonball Super: Broly ist keine Ausnahme. Der Regisseur löst das Kernproblem des Actionkinos: Er sorgt dafür, dass man sich um das Ergebnis kümmert, bevor man die Handlung zeigt. Die Sequenzen funktionieren, weil Sie aufgrund der geografischen Klarheit immer wissen, wer sich wo befindet und was für den Erfolg erforderlich ist. Innerhalb des Animation-Genres nimmt Dragonball Super: Broly eine besondere Position ein: Es zeigt, was möglich ist, wenn ein Regisseur Genrekonventionen als Ausgangspunkt und nicht als Blaupause verwendet. Die besten Animation-Filme erweitern die Möglichkeiten des Genres.
Die Leistungen in Dragonball Super: Broly sind auf ein bestimmtes Register kalibriert, das Tatsuya Nagamine während der gesamten Produktion festgelegt und beibehalten hat. Masako Nozawa verstand, dass das Material eher eine Untertreibung als eine Betonung erforderte. Die Momente in Dragonball Super: Broly, die am schwersten landen, sind diejenigen, in denen Masako Nozawa weniger leistet, als es ein weniger erfahrener Schauspieler tun würde. Das Ensemble arbeitet in einem Rhythmus zusammen, der auf eine umfassende Vorbereitung und nicht nur auf Talent schließen lässt. Die Szenen, in denen mehrere Darsteller anwesend sind, offenbaren eine kollaborative Dynamik, die in Filmen selten ist, in denen die individuelle Leistung auf Kosten der Ensemble-Wahrheit im Vordergrund steht.
Dragonball Super: Broly eignet sich für Zuschauer, die normalerweise nicht nach Filmen aus dieser Epoche oder diesem Genre suchen. Die Qualitäten, die ihm die Bewertung 7.9 einbrachten, sind nicht genre- oder zeitspezifisch – es sind die Qualitäten, die jeden Film exzellent machen: klare Erzählweise, fesselnde Leistung und eine Regie, die dem Material dient, statt sich selbst darzustellen. Zuschauer, die Dragonball Super: Broly als Film und nicht als kulturelles Artefakt betrachten, haben tendenziell die stärksten Reaktionen. Das kulturelle Gewicht, das es seit seiner Veröffentlichung angesammelt hat, kann eher Distanz als Zugang schaffen. Der nützlichste Rahmen ist einfach: Dies ist ein gut gemachter Film über bestimmte Menschen in einer bestimmten Situation. Alles andere ergibt sich aus der aufmerksamen Beobachtung. Tatsuya Nagamine und Masako Nozawa erledigen die Arbeit; Die Aufgabe des Betrachters besteht darin, dabei anwesend zu sein.
Die Position von Dragonball Super: Broly in diesem Abschnitt der Liste spiegelt einen Film wider, der seine spezifischen Qualitäten zuverlässig liefert, ohne den Anspruch zu erheben, alles für jedermann zu bieten. Tatsuya Nagamine verstand, worum es in dem Film ging, und machte ihn auf höchstem handwerklichen Niveau. Die 7.9-Bewertung steht für Zuschauer, die sich zu diesen Bedingungen mit dem Film beschäftigt haben und ihn für eine hohe Bewertung wert hielten. Zuschauer, die andere Erwartungen mitbringen, finden den Film manchmal weniger zufriedenstellend, als die Bewertung vermuten lässt – was keine Schwäche des Films, sondern der Erwartung ist. Dragonball Super: Broly ist genau das, was es ist, mit viel Geschick gemacht, und die Wähler, die es bewertet haben, haben darauf reagiert.
Alles steht Kopf
Die elfjährige Riley wird plötzlich aus ihrem bisherigen Leben im mittleren Westen gerissen, als ihr Vater einen neuen Job annimmt. Diese berufliche Veränderung bringt die Familie nach San Francisco und die Gefühle der Tochter ganz schön durcheinander. Wie alle Menschen wird auch Riley von ihren Emotionen geleitet: Freude, Angst, Wut, Ekel und Traurigkeit leben im Kontrollzentrum von Rileys Verstand, von wo aus sie dem jungen Mädchen Ratschläge erteilen und ihr zur Seite stehen. Doch nach dem Umzug haben Riley und ihre Gefühle Probleme mit dem Leben in der fremden Stadt und es geht turbulent zu in der innerlichen Kommandozentrale ihrer Emotionen. Obwohl Freude versucht, positiv zu bleiben, kriegen sich die Gefühle darüber in die Haare, wie sie Riley am besten durch den veränderten Alltag in der neuen Stadt, dem neuen Haus und der neuen Schule navigieren.
Warum zuschauen?: Alles steht Kopf nutzt Animationen, um emotionale und visuelle Bereiche zu erreichen, die Live-Action nicht erreichen kann. Pete Docter behandelt die Form eher als Erweiterung des Kinos denn als Einschränkung.
Alles steht Kopf wurde in 2015 hergestellt und existiert im Streaming-Zeitalter, in dem alles mit allem konkurriert. Die 7.9-Bewertung spiegelt ein Publikum wider, das endlose Alternativen hatte und sich für eine hohe Bewertung entschieden hat. Mit der 7.9-Bewertung für Alles steht Kopf gehört er zu den Filmen, die ihre Prämisse ohne nennenswerte Schwächen erfüllen. Pete Docter hat etwas geschaffen, das durchgehend wie vorgesehen funktioniert, was weniger verbreitet ist, als es sich anhört. Was den Film als Animation auszeichnet, ist das Verständnis des Regisseurs, dass die Form durch Design Innerlichkeit vermitteln kann. Bewegung, Farbe und Komposition vermitteln, was die Figur vor oder anstelle des Dialogs fühlt. Das Genre Animation hat Hunderte von Filmen hervorgebracht. Die Filme mit den Rängen 7.9 und höher sind diejenigen, bei denen der Regisseur verstanden hat, dass das Genre ein Vertrag mit dem Publikum ist und keine Einschränkung dessen, was ausgedrückt werden kann.
Die Struktur von Alles steht Kopf ist so aufgebaut, dass die Taktung eher der Bedeutung als der Konvention dient. Pete Docter macht Schnitte in Momenten, die etwas unerwartet wirken, was das Publikum eher in einem Zustand engagierter Aufmerksamkeit als in passivem Zuschauen hält. Filme, die auf offensichtliche Beats verzichten, werden vorhersehbar. Alles steht Kopf schneidet auf Charaktermomente, was bedeutet, dass der Schnittrhythmus und der emotionale Rhythmus dasselbe sind. Das Ergebnis ist ein Film, in dem die Struktur selbst etwas über den inneren Zustand der Charaktere aussagt. Zuschauer, die durch konventionelle Bearbeitung abgestumpft sind, finden Alles steht Kopf auf produktive Weise verwirrend.
Zuschauer, die Alles steht Kopf zum ersten Mal sehen, sollten besonders darauf achten, wie Pete Docter mit den Übergängen zwischen den Szenen umgeht. Die Schnitte in Alles steht Kopf sind nicht konventionell – sie landen eher in Momenten der Charaktere als in der Handlung, was bedeutet, dass der Schnittrhythmus und der emotionale Rhythmus des Films dasselbe sind. Wenn eine Szene früher oder später als erwartet zu enden scheint, ist dieser Zeitpunkt eine Entscheidung und verrät Ihnen normalerweise etwas Bestimmtes über den Zustand der Figur in diesem Moment. Amy Poehler arbeitet in diesem Rhythmus mit einer körperlichen Leistung, die am deutlichsten in den Szenen unmittelbar nach großen Ereignissen sichtbar wird – den Reaktionsaufnahmen und ruhigen Momenten, in denen sich die Figur festigt, anstatt sich vorwärts zu bewegen. Der Produktionskontext von 2015 bedeutet, dass diese Entscheidungen ohne die digitalen Sicherheitsnetze getroffen wurden, die es zeitgenössischen Filmen ermöglichen, sich in der Post anzupassen. Was Sie sehen, ist das, was Pete Docter beabsichtigt hat.
Filme, die auf Listen wie dieser im Bereich elf bis fünfundzwanzig platziert sind, sind oft die nützlichsten Entdeckungen, weil sie die Qualität der Top Ten haben, ohne deren kulturelles Gewicht. Alles steht Kopf befindet sich in dieser Position, nicht weil es deutlich schlechter ist als die darüber liegenden Einträge, sondern weil seine Anziehungskraft konzentrierter ist. Die Zuschauer, die sich mit der Arbeit von Pete Docter in Alles steht Kopf identifizieren, bewerten ihn genauso hoch wie jeden anderen Film auf dieser Liste. Der Durchschnitt einer breiteren Wählerbasis liegt hier. Zuschauer, die bestimmte Gründe zu der Annahme haben, dass dieser Film etwas für sie ist – basierend auf Genrepräferenz, Interesse des Regisseurs oder Ära –, sollten ihm Vorrang vor mehreren Einträgen geben, die darüber rangieren.
Coraline
Die elfjährige Coraline zieht mit ihren Eltern in eine neue Wohnung in einer viktorianischen Villa in Oregon mit seltsamer Nachbarschaft. Dort wohnen etwa ein russischer Akrobat und sein Mäusezirkus sowie zwei ehemalige Erotikdarstellerinnen. Eines Tages entdeckt Coraline eine Geheimtür und gelangt in eine fantastischen Parallelwelt, in der sich ihre anderen Eltern liebevoll um sie kümmern. Anstelle der Augen haben sie schwarze Knöpfe. Der Traum wandelt sich zum Albtraum, als ihre andere Mutter ihr ebenfalls Knopfaugen verpassen will.
Warum zuschauen?: Jede visuelle Entscheidung in Coraline – Farbe, Bewegung, Komposition – wird von Grund auf neu erfunden. Henry Selick nutzt diese vollständige Kontrolle, um etwas zu erschaffen, das kein Realfilm reproduzieren könnte.
Das 2009-Kino stand unter einem anderen Druck als zeitgenössische Veröffentlichungen. Coraline wurde ohne die algorithmischen Rückkopplungsschleifen erstellt, die moderne Produktionen prägen. Was Henry Selick hier geschaffen hat, beruhte eher auf Überzeugung als auf Daten. Mit 7.9 liegt Coraline in einem Bereich, in dem die Qualität gleichbleibend ist, der Film jedoch nicht den breiten Konsens höher bewerteter Titel erreicht hat. Dieser engere Konsens spiegelt oft einen bestimmten Reiz wider – Coraline ist nicht jedermanns Sache, aber für den richtigen Betrachter ist es ausgezeichnet. Der Regisseur verleiht dem Film die Art von bewusster Handwerkskunst, die eine Animation erfordert. Jedes Bild spiegelt die Absicht wider, wie die Geschichte erlebt werden soll, was bedeutet, dass der Film auf der Ebene einzelner Momente und nicht nur auf der Ebene der Erzählung arbeitet. Coraline zeigt, warum Animation-Kino wichtig ist: Es macht Dinge, die kein anderes Genre so effektiv kann. Henry Selick versteht die spezifischen Mechanismen von Animation und nutzt sie, um Effekte zu erzielen, die in anderen Formen des Geschichtenerzählens unmöglich wären.
Die Klangumgebung von Coraline ist ebenso bewusst konstruiert wie ihre visuelle Umgebung. Henry Selick versteht, dass Sounddesign und Partitur unterhalb der bewussten Aufmerksamkeit funktionieren und emotionale Reaktionen formen, bevor das Publikum analysieren kann, was passiert. Die ruhigeren Sequenzen in Coraline nutzen Umgebungsgeräusche, um Präsenz statt Abwesenheit zu erzeugen. In den vertonten Sequenzen wird Musik verwendet, die auf den Charakter reagiert, anstatt zu signalisieren, was das Publikum fühlen soll. Dakota Fanning arbeitet in dieser Klangumgebung mit einer physischen Leistung, die dafür sorgt, wie die Szene sowohl akustisch als auch visuell erlebt wird. Die Kombination ergibt etwas, das beim Publikum ankommt und nicht nur bei ihm.
Coraline nimmt in der Geschichte seines Genres eine besondere Position ein: Es entstand, als sich die Konventionen, mit denen es arbeitet, noch in der Entwicklung befanden und nicht etablierten. Henry Selick wandte keine bewährte Formel an, sondern konstruierte etwas, dessen Wirksamkeit nicht garantiert war. Die 7.9-Bewertung spiegelt ein Publikum wider, das auf Arbeiten reagiert hat, die unter echten kreativen Risikobedingungen entstanden sind. Zeitgenössische Filme im gleichen Raum haben den Vorteil zu wissen, was funktioniert, denn Coraline und ähnliche Filme haben es gezeigt. Das Ansehen von Coraline in diesem Kontext – als kreative Arbeit, die ohne das Sicherheitsnetz bewährter Konventionen entstanden ist – fügt dem Seherlebnis eine Dimension hinzu, die beim Anschauen von Filmen, die nach der Einführung der Konventionen gedreht wurden, nicht möglich ist.
Coraline an dieser Position auf der Liste stellt einen Film dar, der echte Qualität und anhaltende Wertschätzung erreicht hat, ohne zu einem Kulturdenkmal zu werden. Der Vorteil dieser Position besteht darin, dass die Leistung von Dakota Fanning und die Handwerkskunst von Henry Selick frisch und nicht durch den Filter ausführlicher vorheriger Diskussionen wahrgenommen werden können. Die spezifischen Dinge, die diesen Film sehenswert machen – die in den obigen redaktionellen Anmerkungen beschrieben werden – sind leichter zu erkennen, wenn man nicht damit rechnet, einen guten Ruf zu bestätigen. Die Bewertung im mittleren Abschnitt dieser Liste stellt keine Herabstufung dar. Es handelt sich um eine Beschreibung eines Films, der für sein spezifisches Publikum hervorragend geeignet ist.
Mulan
Dieses alte chinesische Märchen erzählt die Geschichte des jungen Mädchens Mulan, dessen alter, kranker Vater in die Armee eingezogen wird, um die einfallenden Mongolen zu bekämpfen. Da er in seinem Zustand die Strapazen des Krieges nicht überleben würde, verkleidet sie sich als Mann und gibt sich als ihr Vater aus. Ihre Vorfahren sind mit diesem Plan nicht einverstanden und schicken deshalb den kleinen Drachen Mushu hinterher, um sie von ihrem Vorhaben abzubringen. Doch als er Mulan begegnet, schlägt er sich auf ihre Seite…
Warum zuschauen?: Animationen, die eher mit Absicht als mit Effizienz erstellt wurden, sehen anders aus. Durch Tony Bancroft fühlt sich Mulan auf der Ebene einzelner Frames unterschiedlich an und fügt sich zu etwas Vollständigem zusammen.
Die 1998-Veröffentlichung von Mulan ist vollständig älter als die Streaming-Ära. Jeder Zuschauer, der Mulan bewertet hat, hat es durch bewusste Bemühungen entdeckt – durch Kinovorführung, physische Medien oder Empfehlung. Diese Zielgruppe für Mulan wählt sich selbst für das Engagement aus. Mulan bei 7.9 stellt die zuverlässige Stufe dieser Liste dar. Das sind die Filme, die nicht enttäuschen. Tony Bancroft verstand, was der Film sein musste, und setzte ihn kompromisslos um. Die Animation dient eher dem Geschichtenerzählen als der Demonstration technischer Fähigkeiten. Der Regisseur nutzt die Form, um emotionale und erzählerische Effekte zu erzielen, die der konkret erzählten Geschichte dienen. Genre-Rankings wie diese sind unter anderem deshalb nützlich, weil sie den Animation-Kanon explizit machen. Mulan und 7.9 gehören in jede ernsthafte Diskussion darüber, was das Animation-Kino erreicht hat. Wenn man ihn zusammen mit anderen erstklassigen Animation-Filmen ansieht, wird deutlich, wie vielfältig das Genre ist.
Die Kinematographie in Mulan spiegelt eine Übergangszeit in der Filmtechnologie wider, als digitale Werkzeuge verfügbar waren, Filmemacher jedoch noch darüber debattierten, ob sie sie verwenden sollten. Tony Bancroft hat Entscheidungen über den visuellen Stil getroffen, die eher bewusst als vorgegeben waren. Die Art und Weise, wie Mulan beleuchtet, gerahmt und geschnitten wird, spiegelt eher eine spezifische visuelle Intelligenz als Branchenkonventionen wider. Ming-Na Wen funktioniert innerhalb dieses visuellen Rahmens auf eine Art und Weise, die am deutlichsten sichtbar wird, wenn man sich den Film ansieht und dabei darauf achtet, wie sie im Bild platziert sind, und nicht nur darauf, was sie tun.
Mulan eignet sich für Zuschauer, die normalerweise nicht nach Filmen aus dieser Epoche oder diesem Genre suchen. Die Qualitäten, die ihm die Bewertung 7.9 einbrachten, sind nicht genre- oder zeitspezifisch – es sind die Qualitäten, die jeden Film exzellent machen: klare Erzählweise, fesselnde Leistung und eine Regie, die dem Material dient, statt sich selbst darzustellen. Zuschauer, die Mulan als Film und nicht als kulturelles Artefakt betrachten, haben tendenziell die stärksten Reaktionen. Das kulturelle Gewicht, das es seit seiner Veröffentlichung angesammelt hat, kann eher Distanz als Zugang schaffen. Der nützlichste Rahmen ist einfach: Dies ist ein gut gemachter Film über bestimmte Menschen in einer bestimmten Situation. Alles andere ergibt sich aus der aufmerksamen Beobachtung. Tony Bancroft und Ming-Na Wen erledigen die Arbeit; Die Aufgabe des Betrachters besteht darin, dabei anwesend zu sein.
Die 7.9-Bewertung, die Mulan in diesem Abschnitt der Liste platziert, wurde von Zuschauern erhalten, die Zugriff auf alles hatten, was darüber rangierte. Sie haben diesen Film bewertet, nachdem sie diese Titel gesehen oder kannten. Ihre Entscheidung, Mulan eine hohe Punktzahl zu geben, spiegelt echte Wertschätzung für das wider, was Tony Bancroft hier erreicht hat – etwas, das sich von den Top-Ten-Einträgen unterscheidet und ihnen nicht nachsteht. Die Qualitätsspanne auf einer solchen Liste ist enger, als die Spanne der Positionen vermuten lässt. Der Unterschied zwischen Position acht und Position achtzehn hängt zum Teil davon ab, wie konkret die Beschwerde ist. Mulan ist eher speziell ausgezeichnet als allgemein ausgezeichnet. Für den richtigen Betrachter ist diese Besonderheit ein Vorteil.
Dragonball Super: Super Hero
Die Red-Ribbon-Armee wurde einst von Son Goku ausgelöscht. Doch Magenta, Sohn von Kommandant Red, will sie wiederaufleben lassen, um sich zu rächen. Dafür benötigt er die Hilfe von Dr. Hedo, dem Enkel des genialen Wissenschaftlers Dr. Gero. Also versucht Magenta, Dr. Hedo mit fiesen Lügen über Bulma und ihre Freunde auf seine Seite zu ziehen. Der erklärt sich einverstanden und forscht an neuen Cyborgs, die er zu ultimativen Waffen weiterentwickeln will. Eines Tages wird Piccolo von einem der neu geschaffenen Cyborgs, Gamma 2, angegriffen. Während Gamma 2 glaubt, seinen Gegner getötet zu haben, nimmt Piccolo die Verfolgung auf und infiltriert die Geheimbasis der neu gegründeten Red-Ribbon-Armee. Dort erfährt er von Magentas bösen Machenschaften. Schon bald sehen sich Piccolo, Son Gohan und ihre Kameraden mit einem noch nie dagewesenen Gegner konfrontiert: Cell Max, ein Monster, das Dr. Hedo nach früheren Plänen von Dr. Gero erschaffen und mit noch größeren Kräften ausgestattet hat …
Warum zuschauen?: Action mit klarer Geografie. Tetsuro Kodama versteht, dass die besten Sequenzen funktionieren, weil Sie immer wissen, wo sich alle befinden.
Dragonball Super: Super Hero ist ein zeitgenössisches Werk, das in einem mit Inhalten überfluteten Markt bereits sein Durchhaltevermögen unter Beweis gestellt hat. Tetsuro Kodama hat etwas geschaffen, das aus der Masse herausragte, weil es wirklich besser war als die Alternativen. Eine 7.9-Bewertung aus einem großen Wählerpool bedeutet, dass der Film über echte Stärken verfügt, die die von den Zuschauern festgestellten Schwächen überwiegen. Dragonball Super: Super Hero hält sein zentrales Versprechen, nämlich den Mindeststandard, den jeder Film erfüllen sollte, und den weniger erreichen, als die Anzahl der Veröffentlichungen vermuten lässt. Der Regisseur löst das Kernproblem des Actionkinos: Er sorgt dafür, dass man sich um das Ergebnis kümmert, bevor man die Handlung zeigt. Die Sequenzen funktionieren, weil Sie aufgrund der geografischen Klarheit immer wissen, wer sich wo befindet und was für den Erfolg erforderlich ist. Die Herangehensweise von Tetsuro Kodama an Animation in Dragonball Super: Super Hero ist aufschlussreich: Genrekonventionen werden bewusst und nicht automatisch verwendet. Das Ergebnis ist ein Film, der hält, was das Genre verspricht, und gleichzeitig etwas tut, was die meisten Animation-Filme nicht können.
Das Drehbuch von Dragonball Super: Super Hero zeigt, was die meisten Filme nicht erreichen: In jeder Szene werden zwei Dinge gleichzeitig ausgeführt. Die Oberflächenaktion bringt die Handlung voran. Der Subtext bringt den Charakter voran. Tetsuro Kodama arbeitete mit Material, das darauf vertraute, dass das Publikum das, was nicht gesagt wurde, genauso deutlich wahrnehmen konnte wie das, was gesagt wurde. Masako Nozawa liefert Zeilen, die unterschiedliche Bedeutungen haben, je nachdem, was Sie an dieser Stelle im Film wissen. Erstzuschauer erleben einen Film. Zuschauer, die das Ende kennen, erleben ein anderes. Diese strukturelle Raffinesse wird in Dragonball Super: Super Hero am deutlichsten sichtbar, wenn man darauf achtet, was die Charaktere konsequent vermeiden, direkt zu sagen.
Erstzuschauer von Dragonball Super: Super Hero sollten mit möglichst geringen Vorkenntnissen einsteigen. Der Film wurde so ausführlich besprochen und zitiert, dass man leicht Erwartungen hegen kann, die eher von den Reaktionen anderer Menschen als vom Film selbst geprägt sind. Das tatsächliche Erlebnis, Dragonball Super: Super Hero zum ersten Mal anzusehen, ohne genau zu wissen, was kommt, unterscheidet sich erheblich vom Ansehen als bekannte Größe. Wenn Sie es noch nicht gesehen haben, ist das ein Vorteil, den es zu bewahren gilt. Wiederkehrende Zuschauer stellen fest, dass sich Dragonball Super: Super Hero beim erneuten Ansehen ändert – nicht, weil sich der Film ändert, sondern weil das Wissen um den Ausgang verändert, welche Details einem auffallen und was die ersten Szenen tatsächlich bewirken. Der Aufbau des ersten Akts von Tetsuro Kodama sieht anders aus, wenn man weiß, wo er endet. Der Auftritt von Masako Nozawa in den ersten Szenen enthält Informationen, die erst bei zweitem Betrachten lesbar sind.
Dragonball Super: Super Hero liegt auf dieser Liste im Bereich zwischen elf und fünfundzwanzig und besetzt den Bereich, in dem die Qualität gleichbleibend ist, der Film jedoch nicht die kulturelle Sättigung der Top Ten erreicht hat. Diese Position hat einen Vorteil für neue Zuschauer: Dragonball Super: Super Hero kommt ohne den obligatorischen Zuschauerdruck, der mit höherrangigen Titeln verbunden ist. Man kann den Film auf seine eigene Art und Weise erleben, anstatt sich von den Reaktionen anderer abheben zu müssen. Die Arbeit von Tetsuro Kodama hier ist stark genug, um mit den Top-Ten-Einträgen mithalten zu können, und anders genug, um etwas zu bieten, was diese Titel nicht bieten. Die spezifischen Eigenschaften, die Dragonball Super: Super Hero hierher und nicht höher einstufen, sind oft die Eigenschaften, die es für Zuschauer am interessantesten machen, die bereits die allgemein empfohlenen Titel gesehen haben.
Persepolis
„Persepolis“ ist ein unkonventioneller und aufregender Zeichentrickfilm für Erwachsene. Eine starke Familienstory und die direkte Übertragung gelebter Erinnerung. Basierend auf den gleichnamigen, kultverdächtigen Comicromanen, handelt der Film von der Lebensgeschichte der jungen Iranerin Marjane Satrapi und wirft zugleich eine humorvolle und sehr kritische Betrachtung auf die jüngste Historie Persiens.
Warum zuschauen?: Persepolis ist ein Drama, das der Stille vertraut. Marjane Satrapi gibt Szenen Raum zum Durchatmen über ihren offensichtlichen Endpunkt hinaus und findet etwas Wahres in dem, was Charaktere tun, wenn sie aufhören zu spielen.
Persepolis wurde in 2007 veröffentlicht und stammt aus einer Übergangszeit im Kino – bevor das Streaming den Vertrieb änderte, aber nachdem digitale Tools die Produktion veränderten. Die in Persepolis sichtbare Handwerkskunst spiegelt die Standards der Theaterzeit wider. Die 7.9-Bewertung für Persepolis basiert auf Zuschauern, die Alternativen hatten und sich entschieden haben, diese hoch zu bewerten. Diese Wahl spiegelt einen Film wider, der seine Sache klar dargelegt hat – und das ist genau das, was Persepolis tut. Marjane Satrapi brachte das Argument vor und das Publikum akzeptierte es. Das Drama beruht eher auf der Spezifität als auf der Universalität. Der Regisseur trifft in dieser Situation Entscheidungen, die genau auf diese Charaktere zutreffen, was paradoxerweise etwas Universelleres schafft, als es generische emotionale Beats schaffen würden. Die besten Animation-Filme nutzen die Mechanismen ihres Genres, um etwas Reales zu erreichen. Persepolis ist einer dieser Filme. Marjane Satrapi hat das Genre tief genug verstanden, um zu wissen, welche Konventionen dem Material dienen und welche man beiseite legen sollte.
Die Leistungen in Persepolis sind auf ein bestimmtes Register kalibriert, das Marjane Satrapi während der gesamten Produktion festgelegt und beibehalten hat. Chiara Mastroianni verstand, dass das Material eher eine Untertreibung als eine Betonung erforderte. Die Momente in Persepolis, die am schwersten landen, sind diejenigen, in denen Chiara Mastroianni weniger leistet, als es ein weniger erfahrener Schauspieler tun würde. Das Ensemble arbeitet in einem Rhythmus zusammen, der auf eine umfassende Vorbereitung und nicht nur auf Talent schließen lässt. Die Szenen, in denen mehrere Darsteller anwesend sind, offenbaren eine kollaborative Dynamik, die in Filmen selten ist, in denen die individuelle Leistung auf Kosten der Ensemble-Wahrheit im Vordergrund steht.
Persepolis eignet sich für Abende, an denen Sie etwas sehen möchten, das echten Inhalt hat und nicht nur etwas, das nur die Zeit füllt. Es ist kein Hintergrundfilm und kein passives Erlebnis. Marjane Satrapi hat etwas konstruiert, das Ihre Aufmerksamkeit erfordert und diese eher spezifisch als allgemein belohnt. Zuschauer, die sich Persepolis ansehen, während sie andere Dinge tun, erhalten eine Version des Films, die im Vergleich zu der Version, die jemandem zur Verfügung steht, der ihm ihre volle Aufmerksamkeit schenkt, erheblich gekürzt ist. Die 7.9-Bewertung spiegelt das Seherlebnis voller Aufmerksamkeit wider. Die Besetzung – speziell Chiara Mastroianni – liefert Leistungsdetails, die sich bei konzentriertem Betrachten bemerkbar machen und bei abgelenktem Betrachten verschwinden.
Persepolis rangiert im mittleren Bereich dieser Liste, weil seine Anziehungskraft eher spezifisch als universell ist – und eine spezifische Anziehungskraft führt bei ehrlicher Bewertung zu einer niedrigeren Durchschnittsbewertung als eine allgemeine Anziehungskraft, selbst wenn der Film für den richtigen Zuschauer hervorragend ist. Marjane Satrapi hat Entscheidungen getroffen, die manche Zuschauer überzeugend und andere anspruchsvoll finden. Das 7.9-Rating spiegelt die gemischte, aber letztendlich positive Reaktion einer Wählerbasis wider, die beide Gruppen umfasste. Zuschauer, deren Vorlieben mit der Herangehensweise von Marjane Satrapi an dieses Material übereinstimmen, finden, dass Persepolis in der Regel zu den stärksten Einträgen in der Liste zählt. Wenn man es im Kontext und nicht isoliert betrachtet, entsteht ein anderer Eindruck, als die Zahl allein vermuten lässt.
Mary & Max - oder: Schrumpfen Schafe, wenn es regnet?
Eine liebenswerte Geschichte über die Beziehung zweier ungleicher Außenseiter, gespickt mit feinem schwarzen Humor. Die kleine Mary, gestraft mit einem "kackafarbenen" Muttermal auf der Stirn, lebt ohne Freunde in Australien. Also beschließt sie, mit dem zufällig aus einem Telefonbuch ausgewählten Max aus New York eine Brieffreundschaft zu beginnen, was dessen geordnete Welt gehörig aus den Angeln hebt.
Warum zuschauen?: Was Mary & Max - oder: Schrumpfen Schafe, wenn es regnet? zu einem Drama macht, ist die Weigerung von Adam Elliot, zu erklären, was das Publikum fühlen kann. Das emotionale Register wird erzeugt, nicht signalisiert.
Das 2009-Kino stand unter einem anderen Druck als zeitgenössische Veröffentlichungen. Mary & Max - oder: Schrumpfen Schafe, wenn es regnet? wurde ohne die algorithmischen Rückkopplungsschleifen erstellt, die moderne Produktionen prägen. Was Adam Elliot hier geschaffen hat, beruhte eher auf Überzeugung als auf Daten. Mary & Max - oder: Schrumpfen Schafe, wenn es regnet? und 7.9 ist ein Film, in dem das Handwerk in mehreren Dimensionen durchweg über dem Durchschnitt liegt. Kein einzelnes Element trägt die anderen. Die Regie, das Schreiben und die Darbietung gehen alle in die gleiche Richtung. Der Film zeigt, was Dramen können, was andere Genres nicht können: normales menschliches Verhalten unter Druck zu setzen und durch die Reaktion Charakter zu offenbaren. Der Regisseur schafft diese Bedingungen und die Darsteller leben sie mit echter Überzeugung. Mary & Max - oder: Schrumpfen Schafe, wenn es regnet? steht an der Spitze dieses Animation-Rankings, weil es zeigt, was das Genre erreicht, wenn ein Regisseur es als künstlerischen Rahmen und nicht als kommerzielle Kategorie ernst nimmt. Der Unterschied ist in jeder Szene von Mary & Max - oder: Schrumpfen Schafe, wenn es regnet? sichtbar.
Die Struktur von Mary & Max - oder: Schrumpfen Schafe, wenn es regnet? ist so aufgebaut, dass die Taktung eher der Bedeutung als der Konvention dient. Adam Elliot macht Schnitte in Momenten, die etwas unerwartet wirken, was das Publikum eher in einem Zustand engagierter Aufmerksamkeit als in passivem Zuschauen hält. Filme, die auf offensichtliche Beats verzichten, werden vorhersehbar. Mary & Max - oder: Schrumpfen Schafe, wenn es regnet? schneidet auf Charaktermomente, was bedeutet, dass der Schnittrhythmus und der emotionale Rhythmus dasselbe sind. Das Ergebnis ist ein Film, in dem die Struktur selbst etwas über den inneren Zustand der Charaktere aussagt. Zuschauer, die durch konventionelle Bearbeitung abgestumpft sind, finden Mary & Max - oder: Schrumpfen Schafe, wenn es regnet? auf produktive Weise verwirrend.
Mary & Max - oder: Schrumpfen Schafe, wenn es regnet? ist eine verlässliche Empfehlung für Zuschauer, die bereit sind, einen Film zu seinen eigenen Bedingungen zu erleben, anstatt zu verlangen, dass er den von anderswo mitgebrachten Erwartungen entspricht. Er verfügt nicht über die kulturelle Omnipräsenz höher bewerteter Titel in dieser Kategorie, was bedeutet, dass er ohne die Last einer obligatorischen Anschauung daherkommt. Zuschauer, die Mary & Max - oder: Schrumpfen Schafe, wenn es regnet? entdecken, ohne dass ihnen gesagt wurde, dass sie es sehen müssen, reagieren oft stärker als diejenigen, die es als Verpflichtung betrachten. Adam Elliot hat etwas mit einer besonderen Anziehungskraft geschaffen – es geht nicht darum, für jeden alles zu bieten. Die Zuschauer, die sich mit Mary & Max - oder: Schrumpfen Schafe, wenn es regnet? verbinden, finden es deutlich besser, als die 7.9-Bewertung vermuten lässt, weshalb es trotz eingeschränkter Marketing-Sichtbarkeit diese Bewertung behält.
Die Position von Mary & Max - oder: Schrumpfen Schafe, wenn es regnet? in diesem Abschnitt der Liste spiegelt einen Film wider, der seine spezifischen Qualitäten zuverlässig liefert, ohne den Anspruch zu erheben, alles für jedermann zu bieten. Adam Elliot verstand, worum es in dem Film ging, und machte ihn auf höchstem handwerklichen Niveau. Die 7.9-Bewertung steht für Zuschauer, die sich zu diesen Bedingungen mit dem Film beschäftigt haben und ihn für eine hohe Bewertung wert hielten. Zuschauer, die andere Erwartungen mitbringen, finden den Film manchmal weniger zufriedenstellend, als die Bewertung vermuten lässt – was keine Schwäche des Films, sondern der Erwartung ist. Mary & Max - oder: Schrumpfen Schafe, wenn es regnet? ist genau das, was es ist, mit viel Geschick gemacht, und die Wähler, die es bewertet haben, haben darauf reagiert.
Ron läuft schief
Barney fühlte sich als Teenager noch nie wohl im Umgang mit Gleichaltrigen. Umso erfreuter war er von der Meldung, dass es fortan für jedes Kind einen B-Bot geben soll. Der kleine rundliche Roboter soll nicht nur die fortschrittlichste Maschine der Welt sein, sondern zugleich zum besten Freund für die Kinder werden. Dumm nur, dass Barneys Roboter mit Namen Ron bereits beim Hochfahren einige Defekte aufzeigt. Ron läuft schief und müsste, so denkt man, eigentlich sofort umgetauscht werden. Doch lässt sich ein neuer bester Freund so einfach ersetzen? Für Barney und Ron beginnt ein kurioses Abenteuer in der beide über die Wirrungen von wahrer Freundschaft noch einiges lernen werden.
Warum zuschauen?: Die interne Logik von Ron läuft schief ist durchgehend konsistent. Sarah Smith bekennt sich zur Prämisse und folgt ihr – was es dem Publikum ermöglicht, sich mit Ideen auseinanderzusetzen, anstatt sich gegen Inkonsistenzen zu wehren.
In 2021, als Sarah Smith Ron läuft schief produzierte, war die durchschnittliche Produktionsqualität von Filmen noch nie so hoch. Was Ron läuft schief auszeichnet, ist nicht technischer Feinschliff, sondern Intentionalität – jede Szene macht etwas Bestimmtes. Filme im 7.9-Bereich sind oft interessanter, als ihre Position in einer Liste vermuten lässt. Sie haben nicht die kulturelle Sättigung höher bewerteter Titel erreicht, was bedeutet, dass Ron läuft schief einfacher und ohne Vorurteile angegangen werden kann. Davon profitiert Ron läuft schief. Die Science-Fiction basiert auf der Perspektive der Charaktere. Der Regisseur filtert die spekulativen Elemente durch ihre Wirkung auf den Protagonisten, wodurch das Abstrakte konkret und emotional lesbar wird. Wenn man sich Ron läuft schief zusammen mit anderen Einträgen auf dieser Animation-Liste ansieht, wird deutlich, was das beste Werk des Genres von seinem durchschnittlichen Output unterscheidet. Sarah Smith hat hier Entscheidungen getroffen, die die meisten Animation-Filme meiden, weil diese Entscheidungen Vertrauen in das Publikum erfordern.
Die Klangumgebung von Ron läuft schief ist ebenso bewusst konstruiert wie ihre visuelle Umgebung. Sarah Smith versteht, dass Sounddesign und Partitur unterhalb der bewussten Aufmerksamkeit funktionieren und emotionale Reaktionen formen, bevor das Publikum analysieren kann, was passiert. Die ruhigeren Sequenzen in Ron läuft schief nutzen Umgebungsgeräusche, um Präsenz statt Abwesenheit zu erzeugen. In den vertonten Sequenzen wird Musik verwendet, die auf den Charakter reagiert, anstatt zu signalisieren, was das Publikum fühlen soll. Jack Dylan Grazer arbeitet in dieser Klangumgebung mit einer physischen Leistung, die dafür sorgt, wie die Szene sowohl akustisch als auch visuell erlebt wird. Die Kombination ergibt etwas, das beim Publikum ankommt und nicht nur bei ihm.
Zuschauer, die Ron läuft schief zum ersten Mal sehen, sollten besonders darauf achten, wie Sarah Smith mit den Übergängen zwischen den Szenen umgeht. Die Schnitte in Ron läuft schief sind nicht konventionell – sie landen eher in Momenten der Charaktere als in der Handlung, was bedeutet, dass der Schnittrhythmus und der emotionale Rhythmus des Films dasselbe sind. Wenn eine Szene früher oder später als erwartet zu enden scheint, ist dieser Zeitpunkt eine Entscheidung und verrät Ihnen normalerweise etwas Bestimmtes über den Zustand der Figur in diesem Moment. Jack Dylan Grazer arbeitet in diesem Rhythmus mit einer körperlichen Leistung, die am deutlichsten in den Szenen unmittelbar nach großen Ereignissen sichtbar wird – den Reaktionsaufnahmen und ruhigen Momenten, in denen sich die Figur festigt, anstatt sich vorwärts zu bewegen. Der Produktionskontext von 2021 bedeutet, dass diese Entscheidungen ohne die digitalen Sicherheitsnetze getroffen wurden, die es zeitgenössischen Filmen ermöglichen, sich in der Post anzupassen. Was Sie sehen, ist das, was Sarah Smith beabsichtigt hat.
Filme, die auf Listen wie dieser im Bereich elf bis fünfundzwanzig platziert sind, sind oft die nützlichsten Entdeckungen, weil sie die Qualität der Top Ten haben, ohne deren kulturelles Gewicht. Ron läuft schief befindet sich in dieser Position, nicht weil es deutlich schlechter ist als die darüber liegenden Einträge, sondern weil seine Anziehungskraft konzentrierter ist. Die Zuschauer, die sich mit der Arbeit von Sarah Smith in Ron läuft schief identifizieren, bewerten ihn genauso hoch wie jeden anderen Film auf dieser Liste. Der Durchschnitt einer breiteren Wählerbasis liegt hier. Zuschauer, die bestimmte Gründe zu der Annahme haben, dass dieser Film etwas für sie ist – basierend auf Genrepräferenz, Interesse des Regisseurs oder Ära –, sollten ihm Vorrang vor mehreren Einträgen geben, die darüber rangieren.
Das Anschauen großartiger Filme verändert Ihre Sicht auf die Welt. Deshalb wählen wir sie sorgfältig aus.
Drachenzähmen leicht gemacht
Drachenzähmen leicht gemacht entführt seine Zuschauer auf eine faszinierende Wikinger-Insel, wo der Kampf gegen raffinierte Drachen zum Alltag gehört: Auf der kleinen Insel Berk, hoch oben im Norden, wird nicht lange gefackelt. Mordsstarke Wikinger müssen ihre Heimat vor wilden Drachen beschützen, die ihnen das Leben zur Hölle machen. Auch der schmächtige Teenager Hicks, Beiname „der Hüne“, ist Feuer und Flamme für die Drachenjagd – nur leider hat er im Umgang mit Waffen zwei linke Hände. Da sein Vater niemand Geringeres ist als Haudrauf „der Stoische“, Oberhaupt des Wikingerstammes und ein berühmter Drachenjäger, soll Hicks auf der Drachenschule nun auch die raue Kampfkunst der Wikinger erlernen. Doch ehe Hicks – der übrigens ein pfiffiger und begeisterter Tüftler ist – den gefürchteten Unterricht antreten kann, wird sein Dorf von einer wilden Drachen-Armada angegriffen.
Warum zuschauen?: Animation auf einem Niveau, bei dem allein das Handwerk sehenswert ist. Jeder Rahmen von Drachenzähmen leicht gemacht ist eine bewusste künstlerische Entscheidung.
Drachenzähmen leicht gemacht ist ein zeitgenössisches Werk, das in einem mit Inhalten überfluteten Markt bereits sein Durchhaltevermögen unter Beweis gestellt hat. Chris Sanders hat etwas geschaffen, das aus der Masse herausragte, weil es wirklich besser war als die Alternativen. Eine 7.9-Bewertung spiegelt die gleichzeitige Arbeit von Regie, Schreiben und Leistung auf einem konstanten Niveau wider. Filme, die in diesem Bereich punkten, versagen selten in einer einzigen Dimension erheblich, und Drachenzähmen leicht gemacht ist keine Ausnahme. Der Film zeigt, dass Animation ein Werkzeug ist, um emotionale Register zu erreichen, die mit Live-Action nicht erreicht werden können. Der Regisseur nutzt die formalen Möglichkeiten des Mediums, um Momente zu schaffen, die spezifisch für die animierte Form sind. Innerhalb des Animation-Genres nimmt Drachenzähmen leicht gemacht eine besondere Position ein: Es zeigt, was möglich ist, wenn ein Regisseur Genrekonventionen als Ausgangspunkt und nicht als Blaupause verwendet. Die besten Animation-Filme erweitern die Möglichkeiten des Genres.
Der visuelle Ansatz von Drachenzähmen leicht gemacht spiegelt das Verständnis von Chris Sanders wider, dass Stil und Substanz dasselbe sind. Die Platzierung der Kamera, die Farbkorrektur und der Bearbeitungsrhythmus von Drachenzähmen leicht gemacht sind keine dekorativen Entscheidungen. Es sind Argumente darüber, wie die Geschichte erlebt werden soll. Jay Baruchel wird auf eine Weise gedreht, die den Charakter vermittelt, bevor ein Wort gesprochen wird. Zuschauer, die sich Drachenzähmen leicht gemacht ein zweites Mal ansehen und dabei auf die visuelle Grammatik achten, werden eine Bedeutungsebene entdecken, die unabhängig von Dialog und Handlung funktioniert.
Drachenzähmen leicht gemacht nimmt in der Geschichte seines Genres eine besondere Position ein: Es entstand, als sich die Konventionen, mit denen es arbeitet, noch in der Entwicklung befanden und nicht etablierten. Chris Sanders wandte keine bewährte Formel an, sondern konstruierte etwas, dessen Wirksamkeit nicht garantiert war. Die 7.9-Bewertung spiegelt ein Publikum wider, das auf Arbeiten reagiert hat, die unter echten kreativen Risikobedingungen entstanden sind. Zeitgenössische Filme im gleichen Raum haben den Vorteil zu wissen, was funktioniert, denn Drachenzähmen leicht gemacht und ähnliche Filme haben es gezeigt. Das Ansehen von Drachenzähmen leicht gemacht in diesem Kontext – als kreative Arbeit, die ohne das Sicherheitsnetz bewährter Konventionen entstanden ist – fügt dem Seherlebnis eine Dimension hinzu, die beim Anschauen von Filmen, die nach der Einführung der Konventionen gedreht wurden, nicht möglich ist.
Drachenzähmen leicht gemacht an dieser Position auf der Liste stellt einen Film dar, der echte Qualität und anhaltende Wertschätzung erreicht hat, ohne zu einem Kulturdenkmal zu werden. Der Vorteil dieser Position besteht darin, dass die Leistung von Jay Baruchel und die Handwerkskunst von Chris Sanders frisch und nicht durch den Filter ausführlicher vorheriger Diskussionen wahrgenommen werden können. Die spezifischen Dinge, die diesen Film sehenswert machen – die in den obigen redaktionellen Anmerkungen beschrieben werden – sind leichter zu erkennen, wenn man nicht damit rechnet, einen guten Ruf zu bestätigen. Die Bewertung im mittleren Abschnitt dieser Liste stellt keine Herabstufung dar. Es handelt sich um eine Beschreibung eines Films, der für sein spezifisches Publikum hervorragend geeignet ist.
Die Monster AG
In der Monster-AG-Fabrik gehen die Bösewichte eifrig ihrer Arbeit nach: Über Schranktüren schleichen sie sich in Kinderzimmer ein und sammeln die Angstschreie ihrer Bewohner, die den Strom für Monstropolis liefern. Ungekrönter Star unter den einfallsreichen "Schreckeinjagern" ist Sully. Dem passiert eines Tages ein folgenschweres Missgeschick: Das kleine Mädchen Boo, dem er wie gewohnt einen kräftigen Schock versetzen will, verkrallt sich in sein Fell. Als er dann mit dem Kind in die Fabrik zurückkehrt, bricht das totale Chaos aus...
Warum zuschauen?: Die Monster AG ist eine Komödie, die dem erneuten Anschauen standhält, weil die Witze von den Personen stammen und nicht von Situationen, die um Pointen herum konstruiert wurden.
Die Monster AG wurde in 2001 veröffentlicht und stammt aus einer Übergangszeit im Kino – bevor das Streaming den Vertrieb änderte, aber nachdem digitale Tools die Produktion veränderten. Die in Die Monster AG sichtbare Handwerkskunst spiegelt die Standards der Theaterzeit wider. Mit der 7.8-Bewertung für Die Monster AG gehört er zu den Filmen, die ihre Prämisse ohne nennenswerte Schwächen erfüllen. Pete Docter hat etwas geschaffen, das durchgehend wie vorgesehen funktioniert, was weniger verbreitet ist, als es sich anhört. Der Film vertraut auf das Gespür des Publikums für komisches Timing. Der Regisseur gibt den Rhythmus vor und lässt dann Pausen zu, in denen der Humor lebt. Die Aufführungen verstehen, dass Zurückhaltung lustiger ist als Betonung. Das Genre Animation hat Hunderte von Filmen hervorgebracht. Die Filme mit den Rängen 7.8 und höher sind diejenigen, bei denen der Regisseur verstanden hat, dass das Genre ein Vertrag mit dem Publikum ist und keine Einschränkung dessen, was ausgedrückt werden kann.
Das Drehbuch von Die Monster AG zeigt, was die meisten Filme nicht erreichen: In jeder Szene werden zwei Dinge gleichzeitig ausgeführt. Die Oberflächenaktion bringt die Handlung voran. Der Subtext bringt den Charakter voran. Pete Docter arbeitete mit Material, das darauf vertraute, dass das Publikum das, was nicht gesagt wurde, genauso deutlich wahrnehmen konnte wie das, was gesagt wurde. John Goodman liefert Zeilen, die unterschiedliche Bedeutungen haben, je nachdem, was Sie an dieser Stelle im Film wissen. Erstzuschauer erleben einen Film. Zuschauer, die das Ende kennen, erleben ein anderes. Diese strukturelle Raffinesse wird in Die Monster AG am deutlichsten sichtbar, wenn man darauf achtet, was die Charaktere konsequent vermeiden, direkt zu sagen.
Die Monster AG eignet sich für Zuschauer, die normalerweise nicht nach Filmen aus dieser Epoche oder diesem Genre suchen. Die Qualitäten, die ihm die Bewertung 7.8 einbrachten, sind nicht genre- oder zeitspezifisch – es sind die Qualitäten, die jeden Film exzellent machen: klare Erzählweise, fesselnde Leistung und eine Regie, die dem Material dient, statt sich selbst darzustellen. Zuschauer, die Die Monster AG als Film und nicht als kulturelles Artefakt betrachten, haben tendenziell die stärksten Reaktionen. Das kulturelle Gewicht, das es seit seiner Veröffentlichung angesammelt hat, kann eher Distanz als Zugang schaffen. Der nützlichste Rahmen ist einfach: Dies ist ein gut gemachter Film über bestimmte Menschen in einer bestimmten Situation. Alles andere ergibt sich aus der aufmerksamen Beobachtung. Pete Docter und John Goodman erledigen die Arbeit; Die Aufgabe des Betrachters besteht darin, dabei anwesend zu sein.
Die 7.8-Bewertung, die Die Monster AG in diesem Abschnitt der Liste platziert, wurde von Zuschauern erhalten, die Zugriff auf alles hatten, was darüber rangierte. Sie haben diesen Film bewertet, nachdem sie diese Titel gesehen oder kannten. Ihre Entscheidung, Die Monster AG eine hohe Punktzahl zu geben, spiegelt echte Wertschätzung für das wider, was Pete Docter hier erreicht hat – etwas, das sich von den Top-Ten-Einträgen unterscheidet und ihnen nicht nachsteht. Die Qualitätsspanne auf einer solchen Liste ist enger, als die Spanne der Positionen vermuten lässt. Der Unterschied zwischen Position acht und Position achtzehn hängt zum Teil davon ab, wie konkret die Beschwerde ist. Die Monster AG ist eher speziell ausgezeichnet als allgemein ausgezeichnet. Für den richtigen Betrachter ist diese Besonderheit ein Vorteil.
Isle of Dogs - Ataris Reise
Der Ausbruch einer Hundegrippe veranlasst den Bürgermeister von Magasaki City, alle Hunde auf die abgelegene Insel Trash Island zu verbannen. Bald darauf landet der 12-jährige Junge Atari auf der Insel und die Verstoßenen machen sich mit ihm auf die Reise, um sein geliebtes Haustier wiederzufinden.
Warum zuschauen?: Wes Anderson baut die Komödie von Isle of Dogs - Ataris Reise auf der Grundlage echter Charakterbeobachtung auf. Das Lachen wird im Laufe des Films immer lauter, weil man die Leute besser kennt.
Isle of Dogs - Ataris Reise (2018) wurde in einer Zeit gedreht, in der das Publikum immer anspruchsvoller in Bezug auf die Produktionsqualität wurde. Wes Anderson hat etwas geliefert, das diese gestiegenen Erwartungen erfüllt. Mit 7.8 liegt Isle of Dogs - Ataris Reise in einem Bereich, in dem die Qualität gleichbleibend ist, der Film jedoch nicht den breiten Konsens höher bewerteter Titel erreicht hat. Dieser engere Konsens spiegelt oft einen bestimmten Reiz wider – Isle of Dogs - Ataris Reise ist nicht jedermanns Sache, aber für den richtigen Betrachter ist es ausgezeichnet. Charakterkomödien erfordern vom Regisseur und den Darstellern, dass sie verstehen, dass die lustigsten Momente der Wahrheit und nicht der Übertreibung entspringen. Der Film funktioniert, weil das, was die Charaktere tun, für das, was sie sind, Sinn ergibt. Isle of Dogs - Ataris Reise zeigt, warum Animation-Kino wichtig ist: Es macht Dinge, die kein anderes Genre so effektiv kann. Wes Anderson versteht die spezifischen Mechanismen von Animation und nutzt sie, um Effekte zu erzielen, die in anderen Formen des Geschichtenerzählens unmöglich wären.
Die Leistungen in Isle of Dogs - Ataris Reise sind auf ein bestimmtes Register kalibriert, das Wes Anderson während der gesamten Produktion festgelegt und beibehalten hat. Bryan Cranston verstand, dass das Material eher eine Untertreibung als eine Betonung erforderte. Die Momente in Isle of Dogs - Ataris Reise, die am schwersten landen, sind diejenigen, in denen Bryan Cranston weniger leistet, als es ein weniger erfahrener Schauspieler tun würde. Das Ensemble arbeitet in einem Rhythmus zusammen, der auf eine umfassende Vorbereitung und nicht nur auf Talent schließen lässt. Die Szenen, in denen mehrere Darsteller anwesend sind, offenbaren eine kollaborative Dynamik, die in Filmen selten ist, in denen die individuelle Leistung auf Kosten der Ensemble-Wahrheit im Vordergrund steht.
Erstzuschauer von Isle of Dogs - Ataris Reise sollten mit möglichst geringen Vorkenntnissen einsteigen. Der Film wurde so ausführlich besprochen und zitiert, dass man leicht Erwartungen hegen kann, die eher von den Reaktionen anderer Menschen als vom Film selbst geprägt sind. Das tatsächliche Erlebnis, Isle of Dogs - Ataris Reise zum ersten Mal anzusehen, ohne genau zu wissen, was kommt, unterscheidet sich erheblich vom Ansehen als bekannte Größe. Wenn Sie es noch nicht gesehen haben, ist das ein Vorteil, den es zu bewahren gilt. Wiederkehrende Zuschauer stellen fest, dass sich Isle of Dogs - Ataris Reise beim erneuten Ansehen ändert – nicht, weil sich der Film ändert, sondern weil das Wissen um den Ausgang verändert, welche Details einem auffallen und was die ersten Szenen tatsächlich bewirken. Der Aufbau des ersten Akts von Wes Anderson sieht anders aus, wenn man weiß, wo er endet. Der Auftritt von Bryan Cranston in den ersten Szenen enthält Informationen, die erst bei zweitem Betrachten lesbar sind.
Isle of Dogs - Ataris Reise liegt auf dieser Liste im Bereich zwischen elf und fünfundzwanzig und besetzt den Bereich, in dem die Qualität gleichbleibend ist, der Film jedoch nicht die kulturelle Sättigung der Top Ten erreicht hat. Diese Position hat einen Vorteil für neue Zuschauer: Isle of Dogs - Ataris Reise kommt ohne den obligatorischen Zuschauerdruck, der mit höherrangigen Titeln verbunden ist. Man kann den Film auf seine eigene Art und Weise erleben, anstatt sich von den Reaktionen anderer abheben zu müssen. Die Arbeit von Wes Anderson hier ist stark genug, um mit den Top-Ten-Einträgen mithalten zu können, und anders genug, um etwas zu bieten, was diese Titel nicht bieten. Die spezifischen Eigenschaften, die Isle of Dogs - Ataris Reise hierher und nicht höher einstufen, sind oft die Eigenschaften, die es für Zuschauer am interessantesten machen, die bereits die allgemein empfohlenen Titel gesehen haben.
Die Mitchells gegen die Maschinen
Es gibt tolle Neuigkeiten für Katie Mitchell, denn die angehende Studentin wurde an der Filmschule angenommen. Ihre Eltern, stornieren kurzerhand ihren geplanten Flug, um sie selbst zur Uni zu bringen. Doch was als chaotischer Familientrip mit Bruder Aaron und Familien-Mops Monchi beginnt, gipfelt schon bald in einem unerbittlichen Kampf gegen eine Armee von Robotern.
Warum zuschauen?: Komödie ist das Genre, das am schwersten aufrechtzuerhalten ist. Mike Rianda lässt Die Mitchells gegen die Maschinen mühelos aussehen, was ein Zeichen beträchtlichen Könnens ist, das die meisten Zuschauer nicht bewusst wahrnehmen.
In 2021, als Mike Rianda Die Mitchells gegen die Maschinen produzierte, war die durchschnittliche Produktionsqualität von Filmen noch nie so hoch. Was Die Mitchells gegen die Maschinen auszeichnet, ist nicht technischer Feinschliff, sondern Intentionalität – jede Szene macht etwas Bestimmtes. Die Mitchells gegen die Maschinen bei 7.8 stellt die zuverlässige Stufe dieser Liste dar. Das sind die Filme, die nicht enttäuschen. Mike Rianda verstand, was der Film sein musste, und setzte ihn kompromisslos um. Die Kohärenz des Films als Komödie beruht auf der Konsistenz. Der Regisseur legt die Regeln der Welt und das Verhalten der Charaktere darin fest, und der Humor entsteht daraus, wie diese Charaktere mit einer Situation umgehen. Genre-Rankings wie diese sind unter anderem deshalb nützlich, weil sie den Animation-Kanon explizit machen. Die Mitchells gegen die Maschinen und 7.8 gehören in jede ernsthafte Diskussion darüber, was das Animation-Kino erreicht hat. Wenn man ihn zusammen mit anderen erstklassigen Animation-Filmen ansieht, wird deutlich, wie vielfältig das Genre ist.
Die Struktur von Die Mitchells gegen die Maschinen ist so aufgebaut, dass die Taktung eher der Bedeutung als der Konvention dient. Mike Rianda macht Schnitte in Momenten, die etwas unerwartet wirken, was das Publikum eher in einem Zustand engagierter Aufmerksamkeit als in passivem Zuschauen hält. Filme, die auf offensichtliche Beats verzichten, werden vorhersehbar. Die Mitchells gegen die Maschinen schneidet auf Charaktermomente, was bedeutet, dass der Schnittrhythmus und der emotionale Rhythmus dasselbe sind. Das Ergebnis ist ein Film, in dem die Struktur selbst etwas über den inneren Zustand der Charaktere aussagt. Zuschauer, die durch konventionelle Bearbeitung abgestumpft sind, finden Die Mitchells gegen die Maschinen auf produktive Weise verwirrend.
Die Mitchells gegen die Maschinen ist einer der seltenen Filme, die sowohl einzeln als auch in der Gruppe funktionieren, was bei den meisten Komödien nicht der Fall ist. Filme, bei denen der Humor eher auf den Charakteren als auf den Inszenierungen beruht, laufen in der Regel gut, unabhängig davon, wer im Raum ist, denn das Lachen entsteht durch Anerkennung und nicht durch kollektive Erlaubnis. Wenn Sie Die Mitchells gegen die Maschinen alleine ansehen, können Sie die ruhigeren Momente der Charakterbeobachtung einfangen, die bei Gruppenbesichtigungen möglicherweise fehlen. Wenn man ihn mit jemand anderem anschaut, der den Film kennt, entsteht das besondere Vergnügen, etwas zu teilen, von dem man weiß, dass es funktioniert. Die Laufzeit von Die Mitchells gegen die Maschinen macht es zu einer praktischen Wahl für Abende, an denen Sie etwas mit echter Qualität wollen, das nicht den Aufwand eines längeren Films erfordert. Das Tempo von Mike Rianda bedeutet, dass der Film seine Laufzeit verdient, ohne zu lange zu laufen.
Die Mitchells gegen die Maschinen rangiert im mittleren Bereich dieser Liste, weil seine Anziehungskraft eher spezifisch als universell ist – und eine spezifische Anziehungskraft führt bei ehrlicher Bewertung zu einer niedrigeren Durchschnittsbewertung als eine allgemeine Anziehungskraft, selbst wenn der Film für den richtigen Zuschauer hervorragend ist. Mike Rianda hat Entscheidungen getroffen, die manche Zuschauer überzeugend und andere anspruchsvoll finden. Das 7.8-Rating spiegelt die gemischte, aber letztendlich positive Reaktion einer Wählerbasis wider, die beide Gruppen umfasste. Zuschauer, deren Vorlieben mit der Herangehensweise von Mike Rianda an dieses Material übereinstimmen, finden, dass Die Mitchells gegen die Maschinen in der Regel zu den stärksten Einträgen in der Liste zählt. Wenn man es im Kontext und nicht isoliert betrachtet, entsteht ein anderer Eindruck, als die Zahl allein vermuten lässt.
Ratatouille
Der kleine Remy träumt davon, ein berühmter Chefkoch zu werden. Dabei hat er nicht nur mit den Vorurteilen seiner Familie zu kämpfen, sondern auch mit dem offenkundigen Problem, dass es sich bei dem angepeilten Berufszweig um ein eher nagetierfeindliches Gewerbe handelt: Remy ist eine Ratte! Als das Schicksal Remy nach Paris verschlägt und er ausgerechnet im Restaurant von Star-Koch Auguste Gusteau – seinem großen Idol – landet, erfährt er am eigenen Fell, welche Gefahren Haute Cuisine für einen kleinen Nager mit sich bringt. Doch als der Küchenjunge Linguini zufällig Remys spektakuläre Kochkünste entdeckt, wendet sich das Blatt: Die beiden tun sich zusammen und bringen so eine Reihe spannender und urkomischer Ereignisse ins Rollen, die schon bald die kulinarische Welt von Paris in helle Aufruhr versetzen.
Warum zuschauen?: Ein Film, der wirklich lustig ist und nicht nur als solcher vermarktet wird. Der Humor in Ratatouille kommt vom Charakter, nicht vom Setup.
Ratatouille entstand im Jahr 2007, als das Kino mit dem frühen Internet und der DVD um Aufmerksamkeit konkurrierte. Brad Bird hat etwas geschaffen, das damals und heute Aufmerksamkeit erregte. Eine 7.8-Bewertung aus einem großen Wählerpool bedeutet, dass der Film über echte Stärken verfügt, die die von den Zuschauern festgestellten Schwächen überwiegen. Ratatouille hält sein zentrales Versprechen, nämlich den Mindeststandard, den jeder Film erfüllen sollte, und den weniger erreichen, als die Anzahl der Veröffentlichungen vermuten lässt. Was den Film als Komödie wirken lässt, ist die Weigerung des Regisseurs, zu signalisieren, wo der Humor sitzt. Die Witze entstehen durch den Charakter und die Situation, was bedeutet, dass aufmerksame Zuschauer mehr davon erfahren als Zuschauer, die darauf warten, dass ihnen gesagt wird, dass sie lachen sollen. Die Herangehensweise von Brad Bird an Animation in Ratatouille ist aufschlussreich: Genrekonventionen werden bewusst und nicht automatisch verwendet. Das Ergebnis ist ein Film, der hält, was das Genre verspricht, und gleichzeitig etwas tut, was die meisten Animation-Filme nicht können.
Die Klangumgebung von Ratatouille ist ebenso bewusst konstruiert wie ihre visuelle Umgebung. Brad Bird versteht, dass Sounddesign und Partitur unterhalb der bewussten Aufmerksamkeit funktionieren und emotionale Reaktionen formen, bevor das Publikum analysieren kann, was passiert. Die ruhigeren Sequenzen in Ratatouille nutzen Umgebungsgeräusche, um Präsenz statt Abwesenheit zu erzeugen. In den vertonten Sequenzen wird Musik verwendet, die auf den Charakter reagiert, anstatt zu signalisieren, was das Publikum fühlen soll. Patton Oswalt arbeitet in dieser Klangumgebung mit einer physischen Leistung, die dafür sorgt, wie die Szene sowohl akustisch als auch visuell erlebt wird. Die Kombination ergibt etwas, das beim Publikum ankommt und nicht nur bei ihm.
Ratatouille ist eine verlässliche Empfehlung für Zuschauer, die bereit sind, einen Film zu seinen eigenen Bedingungen zu erleben, anstatt zu verlangen, dass er den von anderswo mitgebrachten Erwartungen entspricht. Er verfügt nicht über die kulturelle Omnipräsenz höher bewerteter Titel in dieser Kategorie, was bedeutet, dass er ohne die Last einer obligatorischen Anschauung daherkommt. Zuschauer, die Ratatouille entdecken, ohne dass ihnen gesagt wurde, dass sie es sehen müssen, reagieren oft stärker als diejenigen, die es als Verpflichtung betrachten. Brad Bird hat etwas mit einer besonderen Anziehungskraft geschaffen – es geht nicht darum, für jeden alles zu bieten. Die Zuschauer, die sich mit Ratatouille verbinden, finden es deutlich besser, als die 7.8-Bewertung vermuten lässt, weshalb es trotz eingeschränkter Marketing-Sichtbarkeit diese Bewertung behält.
Die Position von Ratatouille in diesem Abschnitt der Liste spiegelt einen Film wider, der seine spezifischen Qualitäten zuverlässig liefert, ohne den Anspruch zu erheben, alles für jedermann zu bieten. Brad Bird verstand, worum es in dem Film ging, und machte ihn auf höchstem handwerklichen Niveau. Die 7.8-Bewertung steht für Zuschauer, die sich zu diesen Bedingungen mit dem Film beschäftigt haben und ihn für eine hohe Bewertung wert hielten. Zuschauer, die andere Erwartungen mitbringen, finden den Film manchmal weniger zufriedenstellend, als die Bewertung vermuten lässt – was keine Schwäche des Films, sondern der Erwartung ist. Ratatouille ist genau das, was es ist, mit viel Geschick gemacht, und die Wähler, die es bewertet haben, haben darauf reagiert.
Sing - Die Show deines Lebens
Buster und seine neue Besetzung haben sich jetzt vorgenommen, eine neue Show im Crystal Tower Theater im glamourösen Redshore City zu debütieren. Aber ohne Verbindungen müssen er und seine Sänger sich in die Büros von Crystal Entertainment schleichen, die vom skrupellosen Wolfsmogul Jimmy Crystal betrieben werden, wo die Gang die lächerliche Idee entwickelt, die Löwenrock-Legende Clay Calloway in ihrer Show zu besetzen.
Warum zuschauen?: Sing - Die Show deines Lebens ist eine Komödie, die dem erneuten Anschauen standhält, weil die Witze von den Personen stammen und nicht von Situationen, die um Pointen herum konstruiert wurden.
Sing - Die Show deines Lebens wurde in 2021 hergestellt und existiert im Streaming-Zeitalter, in dem alles mit allem konkurriert. Die 7.8-Bewertung spiegelt ein Publikum wider, das endlose Alternativen hatte und sich für eine hohe Bewertung entschieden hat. Die 7.8-Bewertung für Sing - Die Show deines Lebens basiert auf Zuschauern, die Alternativen hatten und sich entschieden haben, diese hoch zu bewerten. Diese Wahl spiegelt einen Film wider, der seine Sache klar dargelegt hat – und das ist genau das, was Sing - Die Show deines Lebens tut. Garth Jennings brachte das Argument vor und das Publikum akzeptierte es. Der Film vertraut auf das Gespür des Publikums für komisches Timing. Der Regisseur gibt den Rhythmus vor und lässt dann Pausen zu, in denen der Humor lebt. Die Aufführungen verstehen, dass Zurückhaltung lustiger ist als Betonung. Die besten Animation-Filme nutzen die Mechanismen ihres Genres, um etwas Reales zu erreichen. Sing - Die Show deines Lebens ist einer dieser Filme. Garth Jennings hat das Genre tief genug verstanden, um zu wissen, welche Konventionen dem Material dienen und welche man beiseite legen sollte.
Der visuelle Ansatz von Sing - Die Show deines Lebens spiegelt das Verständnis von Garth Jennings wider, dass Stil und Substanz dasselbe sind. Die Platzierung der Kamera, die Farbkorrektur und der Bearbeitungsrhythmus von Sing - Die Show deines Lebens sind keine dekorativen Entscheidungen. Es sind Argumente darüber, wie die Geschichte erlebt werden soll. Matthew McConaughey wird auf eine Weise gedreht, die den Charakter vermittelt, bevor ein Wort gesprochen wird. Zuschauer, die sich Sing - Die Show deines Lebens ein zweites Mal ansehen und dabei auf die visuelle Grammatik achten, werden eine Bedeutungsebene entdecken, die unabhängig von Dialog und Handlung funktioniert.
Zuschauer, die Sing - Die Show deines Lebens zum ersten Mal sehen, sollten besonders darauf achten, wie Garth Jennings mit den Übergängen zwischen den Szenen umgeht. Die Schnitte in Sing - Die Show deines Lebens sind nicht konventionell – sie landen eher in Momenten der Charaktere als in der Handlung, was bedeutet, dass der Schnittrhythmus und der emotionale Rhythmus des Films dasselbe sind. Wenn eine Szene früher oder später als erwartet zu enden scheint, ist dieser Zeitpunkt eine Entscheidung und verrät Ihnen normalerweise etwas Bestimmtes über den Zustand der Figur in diesem Moment. Matthew McConaughey arbeitet in diesem Rhythmus mit einer körperlichen Leistung, die am deutlichsten in den Szenen unmittelbar nach großen Ereignissen sichtbar wird – den Reaktionsaufnahmen und ruhigen Momenten, in denen sich die Figur festigt, anstatt sich vorwärts zu bewegen. Der Produktionskontext von 2021 bedeutet, dass diese Entscheidungen ohne die digitalen Sicherheitsnetze getroffen wurden, die es zeitgenössischen Filmen ermöglichen, sich in der Post anzupassen. Was Sie sehen, ist das, was Garth Jennings beabsichtigt hat.
Filme, die auf Listen wie dieser im Bereich elf bis fünfundzwanzig platziert sind, sind oft die nützlichsten Entdeckungen, weil sie die Qualität der Top Ten haben, ohne deren kulturelles Gewicht. Sing - Die Show deines Lebens befindet sich in dieser Position, nicht weil es deutlich schlechter ist als die darüber liegenden Einträge, sondern weil seine Anziehungskraft konzentrierter ist. Die Zuschauer, die sich mit der Arbeit von Garth Jennings in Sing - Die Show deines Lebens identifizieren, bewerten ihn genauso hoch wie jeden anderen Film auf dieser Liste. Der Durchschnitt einer breiteren Wählerbasis liegt hier. Zuschauer, die bestimmte Gründe zu der Annahme haben, dass dieser Film etwas für sie ist – basierend auf Genrepräferenz, Interesse des Regisseurs oder Ära –, sollten ihm Vorrang vor mehreren Einträgen geben, die darüber rangieren.
Kikis kleiner Lieferservice
Die kleine Hexe Kiki verlässt gemäß der uralten Hexentradition ihre Familie und Freunde, um in einer fremden Stadt ihre Hexenkräfte zu vervollkommnen. Zusammen mit ihrem schwarzen Kater Jiji findet sie durch einen glücklichen Zufall bei einer Bäckerfamilie Unterkunft und entwickelt den Wunsch, selbst einen Betrieb zu eröffnen: Einen Lieferservice, den sie mit ihrer Flugfähigkeit betreiben will. Nach kleineren Startschwierigkeiten bekommt Kiki einige Aufträge und ihr Lieferservice entwickelt sich bald zu einem florierenden Unternehmen. Allerdings machen Kiki die Einsamkeit in der Großstadt und die Tatsache, dass sie anders ist als andere Kinder, zunehmend Probleme. Ihr kleiner Lieferservice und ihre neu gewonnenen Freunde helfen ihr jedoch, auch die schwierigsten Lebenssituationen zu meistern.
Warum zuschauen?: Jede visuelle Entscheidung in Kikis kleiner Lieferservice – Farbe, Bewegung, Komposition – wird von Grund auf neu erfunden. Hayao Miyazaki nutzt diese vollständige Kontrolle, um etwas zu erschaffen, das kein Realfilm reproduzieren könnte.
Kikis kleiner Lieferservice stammt aus 1989, was bedeutet, dass es von mehreren Generationen von Zuschauern getestet wurde. Die Tatsache, dass Kikis kleiner Lieferservice immer noch einen hohen Rang einnimmt, spiegelt eher echtes Handwerk als Nostalgie wider. Kikis kleiner Lieferservice und 7.8 ist ein Film, in dem das Handwerk in mehreren Dimensionen durchweg über dem Durchschnitt liegt. Kein einzelnes Element trägt die anderen. Die Regie, das Schreiben und die Darbietung gehen alle in die gleiche Richtung. Der Regisseur verleiht dem Film die Art von bewusster Handwerkskunst, die eine Animation erfordert. Jedes Bild spiegelt die Absicht wider, wie die Geschichte erlebt werden soll, was bedeutet, dass der Film auf der Ebene einzelner Momente und nicht nur auf der Ebene der Erzählung arbeitet. Kikis kleiner Lieferservice steht an der Spitze dieses Animation-Rankings, weil es zeigt, was das Genre erreicht, wenn ein Regisseur es als künstlerischen Rahmen und nicht als kommerzielle Kategorie ernst nimmt. Der Unterschied ist in jeder Szene von Kikis kleiner Lieferservice sichtbar.
Das Drehbuch von Kikis kleiner Lieferservice zeigt, was die meisten Filme nicht erreichen: In jeder Szene werden zwei Dinge gleichzeitig ausgeführt. Die Oberflächenaktion bringt die Handlung voran. Der Subtext bringt den Charakter voran. Hayao Miyazaki arbeitete mit Material, das darauf vertraute, dass das Publikum das, was nicht gesagt wurde, genauso deutlich wahrnehmen konnte wie das, was gesagt wurde. Minami Takayama liefert Zeilen, die unterschiedliche Bedeutungen haben, je nachdem, was Sie an dieser Stelle im Film wissen. Erstzuschauer erleben einen Film. Zuschauer, die das Ende kennen, erleben ein anderes. Diese strukturelle Raffinesse wird in Kikis kleiner Lieferservice am deutlichsten sichtbar, wenn man darauf achtet, was die Charaktere konsequent vermeiden, direkt zu sagen.
Zuschauer, die die Filme gesehen haben, die von Kikis kleiner Lieferservice beeinflusst wurden, werden das Anschauen des Originals als ein anderes Erlebnis empfinden als das Anschauen eines zeitgenössischen Films. Die Techniken, die einem bekannt vorkommen, weil sie ausgiebig kopiert wurden, sind hier in ihrer ursprünglichen Form sichtbar, was oft zeigt, dass die Kopien die Oberfläche dessen verstanden haben, was Hayao Miyazaki getan hat, ohne die dahinter stehende Logik zu verstehen. Kikis kleiner Lieferservice nutzt seine stilistischen Entscheidungen im Dienste spezifischer Storytelling-Ziele. Spätere Filme, die diese Optionen übernahmen, verwendeten sie oft als Stil ohne Funktion. Das Anschauen des Originals verdeutlicht, was tatsächlich erreicht wurde. Die Arbeit von Minami Takayama hat hier auch eine Besonderheit, die vielen davon inspirierten Aufführungen fehlt – die Imitationen haben die Art und Weise eingefangen, ohne die Innerlichkeit, die der Art etwas Bedeutung verlieh.
Kikis kleiner Lieferservice an dieser Position auf der Liste stellt einen Film dar, der echte Qualität und anhaltende Wertschätzung erreicht hat, ohne zu einem Kulturdenkmal zu werden. Der Vorteil dieser Position besteht darin, dass die Leistung von Minami Takayama und die Handwerkskunst von Hayao Miyazaki frisch und nicht durch den Filter ausführlicher vorheriger Diskussionen wahrgenommen werden können. Die spezifischen Dinge, die diesen Film sehenswert machen – die in den obigen redaktionellen Anmerkungen beschrieben werden – sind leichter zu erkennen, wenn man nicht damit rechnet, einen guten Ruf zu bestätigen. Die Bewertung im mittleren Abschnitt dieser Liste stellt keine Herabstufung dar. Es handelt sich um eine Beschreibung eines Films, der für sein spezifisches Publikum hervorragend geeignet ist.
Nightmare Before Christmas
Jack Skellington ist der gefeierte Held von Halloweentown. Er treibt die gespenstischen Bewohner des Städtchens jedes Jahr aufs Neue dazu an, sich schauerliche Überraschungen und diabolische Gags für das nächste Halloweenfest auszudenken. Doch der jährliche Trott, der sich immer einzig und allein um das Halloween dreht, wird Jack langsam zu eintönig. Als er zufällig die Tür zur fröhlichen und farbigen Weihnachtswelt findet und hindurchtritt, kommt ihm die Idee, das so andersartige Weihnachtsfest dieses Jahr selbst auszurichten ...
Warum zuschauen?: Animationen, die eher mit Absicht als mit Effizienz erstellt wurden, sehen anders aus. Durch Henry Selick fühlt sich Nightmare Before Christmas auf der Ebene einzelner Frames unterschiedlich an und fügt sich zu etwas Vollständigem zusammen.
Die 1993-Veröffentlichung von Nightmare Before Christmas ist vollständig älter als die Streaming-Ära. Jeder Zuschauer, der Nightmare Before Christmas bewertet hat, hat es durch bewusste Bemühungen entdeckt – durch Kinovorführung, physische Medien oder Empfehlung. Diese Zielgruppe für Nightmare Before Christmas wählt sich selbst für das Engagement aus. Filme im 7.8-Bereich sind oft interessanter, als ihre Position in einer Liste vermuten lässt. Sie haben nicht die kulturelle Sättigung höher bewerteter Titel erreicht, was bedeutet, dass Nightmare Before Christmas einfacher und ohne Vorurteile angegangen werden kann. Davon profitiert Nightmare Before Christmas. Die Animation dient eher dem Geschichtenerzählen als der Demonstration technischer Fähigkeiten. Der Regisseur nutzt die Form, um emotionale und erzählerische Effekte zu erzielen, die der konkret erzählten Geschichte dienen. Wenn man sich Nightmare Before Christmas zusammen mit anderen Einträgen auf dieser Animation-Liste ansieht, wird deutlich, was das beste Werk des Genres von seinem durchschnittlichen Output unterscheidet. Henry Selick hat hier Entscheidungen getroffen, die die meisten Animation-Filme meiden, weil diese Entscheidungen Vertrauen in das Publikum erfordern.
Die Leistungen in Nightmare Before Christmas sind auf ein bestimmtes Register kalibriert, das Henry Selick während der gesamten Produktion festgelegt und beibehalten hat. Danny Elfman verstand, dass das Material eher eine Untertreibung als eine Betonung erforderte. Die Momente in Nightmare Before Christmas, die am schwersten landen, sind diejenigen, in denen Danny Elfman weniger leistet, als es ein weniger erfahrener Schauspieler tun würde. Das Ensemble arbeitet in einem Rhythmus zusammen, der auf eine umfassende Vorbereitung und nicht nur auf Talent schließen lässt. Die Szenen, in denen mehrere Darsteller anwesend sind, offenbaren eine kollaborative Dynamik, die in Filmen selten ist, in denen die individuelle Leistung auf Kosten der Ensemble-Wahrheit im Vordergrund steht.
Nightmare Before Christmas eignet sich für Zuschauer, die normalerweise nicht nach Filmen aus dieser Epoche oder diesem Genre suchen. Die Qualitäten, die ihm die Bewertung 7.8 einbrachten, sind nicht genre- oder zeitspezifisch – es sind die Qualitäten, die jeden Film exzellent machen: klare Erzählweise, fesselnde Leistung und eine Regie, die dem Material dient, statt sich selbst darzustellen. Zuschauer, die Nightmare Before Christmas als Film und nicht als kulturelles Artefakt betrachten, haben tendenziell die stärksten Reaktionen. Das kulturelle Gewicht, das es seit seiner Veröffentlichung angesammelt hat, kann eher Distanz als Zugang schaffen. Der nützlichste Rahmen ist einfach: Dies ist ein gut gemachter Film über bestimmte Menschen in einer bestimmten Situation. Alles andere ergibt sich aus der aufmerksamen Beobachtung. Henry Selick und Danny Elfman erledigen die Arbeit; Die Aufgabe des Betrachters besteht darin, dabei anwesend zu sein.
Die 7.8-Bewertung, die Nightmare Before Christmas in diesem Abschnitt der Liste platziert, wurde von Zuschauern erhalten, die Zugriff auf alles hatten, was darüber rangierte. Sie haben diesen Film bewertet, nachdem sie diese Titel gesehen oder kannten. Ihre Entscheidung, Nightmare Before Christmas eine hohe Punktzahl zu geben, spiegelt echte Wertschätzung für das wider, was Henry Selick hier erreicht hat – etwas, das sich von den Top-Ten-Einträgen unterscheidet und ihnen nicht nachsteht. Die Qualitätsspanne auf einer solchen Liste ist enger, als die Spanne der Positionen vermuten lässt. Der Unterschied zwischen Position acht und Position achtzehn hängt zum Teil davon ab, wie konkret die Beschwerde ist. Nightmare Before Christmas ist eher speziell ausgezeichnet als allgemein ausgezeichnet. Für den richtigen Betrachter ist diese Besonderheit ein Vorteil.
Der fantastische Mr. Fox
Mr. und Mrs. Fox führen mit ihrem Sohn Ash und ihrem Neffen Kristofferson ein idyllisches Familienleben. Doch Mr. Fox bringt durch seine alte Leidenschaft der Hühnerjagd nicht nur seine geliebte Familie, sondern die gesamte Tiergemeinschaft in Gefahr. Die drei bösen Bauern Boggis, Bunce und Bean jagen den gewieften Fuchs und wollen ihn, koste es was es wolle, aus dem Weg räumen. Doch Mr. Fox heckt mal wieder einen genialen, einen fantastischen Plan aus, die tölpelhaften Bauern zu überlisten.
Warum zuschauen?: Ein Film, der wirklich lustig ist und nicht nur als solcher vermarktet wird. Der Humor in Der fantastische Mr. Fox kommt vom Charakter, nicht vom Setup.
Der fantastische Mr. Fox entstand im Jahr 2009, als das Kino mit dem frühen Internet und der DVD um Aufmerksamkeit konkurrierte. Wes Anderson hat etwas geschaffen, das damals und heute Aufmerksamkeit erregte. Eine 7.8-Bewertung spiegelt die gleichzeitige Arbeit von Regie, Schreiben und Leistung auf einem konstanten Niveau wider. Filme, die in diesem Bereich punkten, versagen selten in einer einzigen Dimension erheblich, und Der fantastische Mr. Fox ist keine Ausnahme. Was den Film als Komödie wirken lässt, ist die Weigerung des Regisseurs, zu signalisieren, wo der Humor sitzt. Die Witze entstehen durch den Charakter und die Situation, was bedeutet, dass aufmerksame Zuschauer mehr davon erfahren als Zuschauer, die darauf warten, dass ihnen gesagt wird, dass sie lachen sollen. Innerhalb des Animation-Genres nimmt Der fantastische Mr. Fox eine besondere Position ein: Es zeigt, was möglich ist, wenn ein Regisseur Genrekonventionen als Ausgangspunkt und nicht als Blaupause verwendet. Die besten Animation-Filme erweitern die Möglichkeiten des Genres.
Die Struktur von Der fantastische Mr. Fox ist so aufgebaut, dass die Taktung eher der Bedeutung als der Konvention dient. Wes Anderson macht Schnitte in Momenten, die etwas unerwartet wirken, was das Publikum eher in einem Zustand engagierter Aufmerksamkeit als in passivem Zuschauen hält. Filme, die auf offensichtliche Beats verzichten, werden vorhersehbar. Der fantastische Mr. Fox schneidet auf Charaktermomente, was bedeutet, dass der Schnittrhythmus und der emotionale Rhythmus dasselbe sind. Das Ergebnis ist ein Film, in dem die Struktur selbst etwas über den inneren Zustand der Charaktere aussagt. Zuschauer, die durch konventionelle Bearbeitung abgestumpft sind, finden Der fantastische Mr. Fox auf produktive Weise verwirrend.
Erstzuschauer von Der fantastische Mr. Fox sollten mit möglichst geringen Vorkenntnissen einsteigen. Der Film wurde so ausführlich besprochen und zitiert, dass man leicht Erwartungen hegen kann, die eher von den Reaktionen anderer Menschen als vom Film selbst geprägt sind. Das tatsächliche Erlebnis, Der fantastische Mr. Fox zum ersten Mal anzusehen, ohne genau zu wissen, was kommt, unterscheidet sich erheblich vom Ansehen als bekannte Größe. Wenn Sie es noch nicht gesehen haben, ist das ein Vorteil, den es zu bewahren gilt. Wiederkehrende Zuschauer stellen fest, dass sich Der fantastische Mr. Fox beim erneuten Ansehen ändert – nicht, weil sich der Film ändert, sondern weil das Wissen um den Ausgang verändert, welche Details einem auffallen und was die ersten Szenen tatsächlich bewirken. Der Aufbau des ersten Akts von Wes Anderson sieht anders aus, wenn man weiß, wo er endet. Der Auftritt von George Clooney in den ersten Szenen enthält Informationen, die erst bei zweitem Betrachten lesbar sind.
Der fantastische Mr. Fox liegt auf dieser Liste im Bereich zwischen elf und fünfundzwanzig und besetzt den Bereich, in dem die Qualität gleichbleibend ist, der Film jedoch nicht die kulturelle Sättigung der Top Ten erreicht hat. Diese Position hat einen Vorteil für neue Zuschauer: Der fantastische Mr. Fox kommt ohne den obligatorischen Zuschauerdruck, der mit höherrangigen Titeln verbunden ist. Man kann den Film auf seine eigene Art und Weise erleben, anstatt sich von den Reaktionen anderer abheben zu müssen. Die Arbeit von Wes Anderson hier ist stark genug, um mit den Top-Ten-Einträgen mithalten zu können, und anders genug, um etwas zu bieten, was diese Titel nicht bieten. Die spezifischen Eigenschaften, die Der fantastische Mr. Fox hierher und nicht höher einstufen, sind oft die Eigenschaften, die es für Zuschauer am interessantesten machen, die bereits die allgemein empfohlenen Titel gesehen haben.
Findet Nemo
Im Schutze eines großen Riffs lebt die Familie von Clownfisch Marlin relativ sicher und trotzdem werden seine Frau und nahezu alle seine Kinder Opfer eines gefräßigen Räubers. Das einzige ihm verbleibende Kind ist der kleine Nemo, der von da an besonders behütet wird. Doch die Neugier ist zu groß und prompt wird Nemo gefangen und zu den Menschen als Zierfisch gebracht. Durch ein paar Möwen erfährt Marlin alsbald, wo Nemo gelandet ist: im Aquarium eines Zahnarztes in Sydney. Mutig macht sich der Clownfisch mit seiner Freundin Dorie, die allerdings ständig an Gedächtnisverlust leidet, auf den Weg dorthin, vorbei an Haien, Quallen und anderen Gefahren. Währenddessen ist Nemo nicht untätig und plant mit den anderen Aquariumsfischen einen gewagten Ausbruch aus ihrem Gefängnis.
Warum zuschauen?: Findet Nemo nutzt Animationen, um emotionale und visuelle Bereiche zu erreichen, die Live-Action nicht erreichen kann. Andrew Stanton behandelt die Form eher als Erweiterung des Kinos denn als Einschränkung.
Findet Nemo wurde in 2003 veröffentlicht und stammt aus einer Übergangszeit im Kino – bevor das Streaming den Vertrieb änderte, aber nachdem digitale Tools die Produktion veränderten. Die in Findet Nemo sichtbare Handwerkskunst spiegelt die Standards der Theaterzeit wider. Mit der 7.8-Bewertung für Findet Nemo gehört er zu den Filmen, die ihre Prämisse ohne nennenswerte Schwächen erfüllen. Andrew Stanton hat etwas geschaffen, das durchgehend wie vorgesehen funktioniert, was weniger verbreitet ist, als es sich anhört. Was den Film als Animation auszeichnet, ist das Verständnis des Regisseurs, dass die Form durch Design Innerlichkeit vermitteln kann. Bewegung, Farbe und Komposition vermitteln, was die Figur vor oder anstelle des Dialogs fühlt. Das Genre Animation hat Hunderte von Filmen hervorgebracht. Die Filme mit den Rängen 7.8 und höher sind diejenigen, bei denen der Regisseur verstanden hat, dass das Genre ein Vertrag mit dem Publikum ist und keine Einschränkung dessen, was ausgedrückt werden kann.
Die Klangumgebung von Findet Nemo ist ebenso bewusst konstruiert wie ihre visuelle Umgebung. Andrew Stanton versteht, dass Sounddesign und Partitur unterhalb der bewussten Aufmerksamkeit funktionieren und emotionale Reaktionen formen, bevor das Publikum analysieren kann, was passiert. Die ruhigeren Sequenzen in Findet Nemo nutzen Umgebungsgeräusche, um Präsenz statt Abwesenheit zu erzeugen. In den vertonten Sequenzen wird Musik verwendet, die auf den Charakter reagiert, anstatt zu signalisieren, was das Publikum fühlen soll. Albert Brooks arbeitet in dieser Klangumgebung mit einer physischen Leistung, die dafür sorgt, wie die Szene sowohl akustisch als auch visuell erlebt wird. Die Kombination ergibt etwas, das beim Publikum ankommt und nicht nur bei ihm.
Findet Nemo eignet sich für Zuschauer, die normalerweise nicht nach Filmen aus dieser Epoche oder diesem Genre suchen. Die Qualitäten, die ihm die Bewertung 7.8 einbrachten, sind nicht genre- oder zeitspezifisch – es sind die Qualitäten, die jeden Film exzellent machen: klare Erzählweise, fesselnde Leistung und eine Regie, die dem Material dient, statt sich selbst darzustellen. Zuschauer, die Findet Nemo als Film und nicht als kulturelles Artefakt betrachten, haben tendenziell die stärksten Reaktionen. Das kulturelle Gewicht, das es seit seiner Veröffentlichung angesammelt hat, kann eher Distanz als Zugang schaffen. Der nützlichste Rahmen ist einfach: Dies ist ein gut gemachter Film über bestimmte Menschen in einer bestimmten Situation. Alles andere ergibt sich aus der aufmerksamen Beobachtung. Andrew Stanton und Albert Brooks erledigen die Arbeit; Die Aufgabe des Betrachters besteht darin, dabei anwesend zu sein.
Findet Nemo rangiert im mittleren Bereich dieser Liste, weil seine Anziehungskraft eher spezifisch als universell ist – und eine spezifische Anziehungskraft führt bei ehrlicher Bewertung zu einer niedrigeren Durchschnittsbewertung als eine allgemeine Anziehungskraft, selbst wenn der Film für den richtigen Zuschauer hervorragend ist. Andrew Stanton hat Entscheidungen getroffen, die manche Zuschauer überzeugend und andere anspruchsvoll finden. Das 7.8-Rating spiegelt die gemischte, aber letztendlich positive Reaktion einer Wählerbasis wider, die beide Gruppen umfasste. Zuschauer, deren Vorlieben mit der Herangehensweise von Andrew Stanton an dieses Material übereinstimmen, finden, dass Findet Nemo in der Regel zu den stärksten Einträgen in der Liste zählt. Wenn man es im Kontext und nicht isoliert betrachtet, entsteht ein anderer Eindruck, als die Zahl allein vermuten lässt.
Wie wir diese Animation-Filme bewertet haben
Jeder Film auf dieser Seite wurde anhand von Daten aus der Movie Database API ausgewählt und nach Mindeststimmenschwellen gefiltert, um eine gleichbleibende Qualität sicherzustellen. Der Prozess beginnt mit allen Filmen in dieser Kategorie, die nach dem Stimmendurchschnitt in absteigender Reihenfolge sortiert und dann gefiltert werden, um Filme mit weniger als der erforderlichen Stimmenzahl auszuschließen.
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