Le Voyage de Chihiro
Chihiro, 10 ans, a tout d’une petite fille capricieuse. Elle s’apprête à emménager avec ses parents dans une nouvelle demeure. Sur la route, la petite famille se retrouve face à un immense bâtiment rouge au centre duquel s’ouvre un long tunnel. De l’autre côté du passage se dresse une ville fantôme. Les parents découvrent dans un restaurant désert de nombreux mets succulents et ne tardent pas à se jeter dessus. Ils se retrouvent alors transformés en cochons. Prise de panique, Chihiro s’enfuit et se dématérialise progressivement. L’énigmatique Haku se charge de lui expliquer le fonctionnement de l’univers dans lequel elle vient de pénétrer. Pour sauver ses parents, la fillette va devoir faire face à la terrible sorcière Yubaba, qui arbore les traits d’une harpie méphistophélique.
Pourquoi regarder: L'un des films les mieux notés de cette sélection. Le Voyage de Chihiro a gagné sa réputation grâce à une appréciation critique soutenue auprès de plusieurs générations de téléspectateurs.
Le Voyage de Chihiro a été réalisé en 2001, lorsque le cinéma de salle était en concurrence avec les premiers Internet et DVD pour attirer l'attention. Hayao Miyazaki a créé quelque chose qui a retenu l'attention à l'époque et qui la retient aujourd'hui. Une note 8.5 sur The Movie Database est statistiquement rare. Cela nécessite une base d’électeurs suffisamment large pour que les opinions individuelles soient en moyenne, ne laissant que des films qui s’adressent systématiquement à des publics divers. Le Voyage de Chihiro a ce consensus. Le films démontre que l’animation est un outil permettant d’atteindre des registres émotionnels que l’action réelle ne peut atteindre. Le réalisateur utilise les possibilités formelles du médium pour créer des moments spécifiques à la forme animée. Au sein du genre animation, Le Voyage de Chihiro occupe une position spécifique : il démontre ce qui est possible lorsqu'un réalisateur utilise les conventions de genre comme point de départ plutôt que comme modèle. Les meilleurs films animation élargissent ce que le genre peut faire.
La cinématographie de Le Voyage de Chihiro reflète une période de transition dans la technologie cinématographique, lorsque les outils numériques étaient disponibles mais que les cinéastes se demandaient encore s'ils devaient les utiliser. Hayao Miyazaki a fait des choix de style visuel délibérés plutôt que par défaut. La façon dont Le Voyage de Chihiro est éclairé, cadré et découpé reflète une intelligence visuelle spécifique plutôt qu'une convention industrielle. Rumi Hiiragi fonctionne dans ce cadre visuel d'une manière qui est plus visible lorsque vous regardez le films en prêtant attention à la façon dont ils sont placés dans le cadre plutôt qu'à ce qu'ils font.
Les nouveaux spectateurs de Le Voyage de Chihiro devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Le Voyage de Chihiro pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Le Voyage de Chihiro change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Hayao Miyazaki semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Rumi Hiiragi dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Le classement de Le Voyage de Chihiro dans le top dix de cette liste ne nécessite aucun argument particulier. L’argument est la note 8.5 provenant d’une base d’électeurs suffisamment large pour être statistiquement significative. Les films figurant dans le top dix de toute liste sérieuse occupent cette position car ils s'adressent systématiquement au plus large éventail de téléspectateurs, et Le Voyage de Chihiro l'a fait auprès de tous les groupes démographiques qui l'ont rencontré. Le travail de Hayao Miyazaki opère ici à un niveau où la qualité d'une scène individuelle se combine en quelque chose qui résiste au niveau du films dans son ensemble, ce qui est plus rare qu'il n'y paraît.
Your Name.
Mitsuha est une lycéenne, la fille du maire d'une petite ville nichée entre les montagnes. Vivant avec sa petite sœur et sa grand-mère, c'est une demoiselle franche qui n'hésite pas à dire qu'elle n'a pas envie de participer aux rituels shinto, ou d'aider son père dans ses campagnes électorales. En fait, elle rêve de pouvoir quitter cette ville où elle s'ennuie, pour partir tenter sa chance à la capitale. Taki est un lycéen, un tokyoïte qui travaille à mi-temps dans un restaurant italien, tout en aspirant à des études d'architecture ou dans les Beaux-Arts. Chaque nuit, il fait un rêve étrange, où il devient… une lycéenne campagnarde, vivant dans une petite ville entre les montagnes. Quel secret se cache derrière ces rêves mutuels, qui unissent ces deux êtres qui ne se sont jamais rencontrés ?
Pourquoi regarder: Your Name. se situe à la fin exceptionnelle de cette liste. Une note aussi élevée, construite à partir d’une large base d’électeurs, reflète un véritable consensus plutôt qu’un battage médiatique.
Réalisé en 2016, Your Name. existe à l’ère du streaming où tout rivalise avec tout. La note 8.5 qu'il détient reflète un public qui disposait d'alternatives infinies et a choisi de donner une note élevée à celle-ci. Le note 8.5 pour Your Name. représente des milliers de décisions de visionnage individuelles distillées en un seul chiffre. Ce chiffre reflète quelque chose de réel : les gens qui ont regardé ce films l'ont trouvé exceptionnel, et un nombre suffisant d'entre eux ont accepté de donner un sens à la note. Le drame vient de la spécificité plutôt que de l’universalité. Le réalisateur fait des choix qui s'appliquent précisément à ces personnages dans cette situation, ce qui crée paradoxalement quelque chose de plus universel que ne le feraient des battements émotionnels génériques. Le genre animation a produit des centaines de films. Ceux qui se classent à 8.5 et au-dessus sont ceux pour lesquels le réalisateur a compris que le genre est un contrat avec le public, et non une contrainte sur ce qui peut être exprimé.
Le scénario de Your Name. démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Makoto Shinkai a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Ryunosuke Kamiki propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Your Name. lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Your Name. convient aux soirées où vous souhaitez regarder quelque chose avec une véritable substance plutôt que quelque chose qui remplit simplement le temps. Ce n’est pas un films de fond ni une expérience passive. Makoto Shinkai a construit quelque chose qui demande votre attention et la récompense spécifiquement plutôt que généralement. Les téléspectateurs qui regardent Your Name. tout en faisant autre chose obtiendront une version du films considérablement réduite par rapport à la version disponible pour quelqu'un qui lui accorde toute son attention. La note 8.5 reflète l’expérience visuelle avec toute l’attention. Le casting - Ryunosuke Kamiki en particulier - offre des détails de performance qui s'enregistrent en cas de vision concentrée et disparaissent en cas de vision distraite.
La position de Your Name. dans le top 10 de cette liste reflète quelque chose de difficile à fabriquer : une excellence soutenue que les nouveaux téléspectateurs continuent de découvrir et d'apprécier hautement. La plupart des films perdent de leur élan après leur public initiale. Your Name. ne l'a pas fait. Les téléspectateurs qui le rencontrent des années ou des décennies après sa sortie lui accordent les mêmes notes élevées que les premiers téléspectateurs. Makoto Shinkai a créé quelque chose qui fonctionne indépendamment du moment culturel dont il est issu, ce qui est la définition d'une qualité durable. Les performances du Ryunosuke Kamiki font partie de cette durabilité - elles ne sont pas considérées comme une période d'action.
Le Tombeau des Lucioles
Japon, été 1945. Après le bombardement de Kobé, Seita, un adolescent de quatorze ans et sa petite sœur de quatre ans, Setsuko, orphelins, vont s’installer chez leur tante à quelques dizaines de kilomètres de chez eux. Celle‐ci leur fait comprendre qu’ils sont une gêne pour la famille et doivent mériter leur riz quotidien. Seita décide de partir avec sa petite sœur. Ils se réfugient dans un bunker désaffecté en pleine campagne et vivent des jours heureux illuminés par la présence de milliers de lucioles. Mais bientôt la nourriture commence cruellement à manquer.
Pourquoi regarder: Les chiffres derrière Le Tombeau des Lucioles sont difficiles à atteindre : des milliers de téléspectateurs indépendants lui accordent une note élevée sans coordination. Ce consensus constitue le signal de qualité le plus fiable disponible.
Le Tombeau des Lucioles date de 1988, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Le Tombeau des Lucioles occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Chez 8.4, Le Tombeau des Lucioles se situe dans une gamme où la qualité est constante, mais le films n'a pas atteint le large consensus des titres mieux notés. Ce consensus plus restreint reflète souvent un attrait spécifique : Le Tombeau des Lucioles n'est pas pour tout le monde, mais pour le bon téléspectateur, il est excellent. Le films démontre ce que le drame peut faire que d'autres genres ne peuvent pas faire : mettre le comportement humain ordinaire sous pression et révéler le caractère à travers la réponse. Le réalisateur crée ces conditions et les acteurs les habitent avec une véritable conviction. Le Tombeau des Lucioles montre pourquoi le cinéma animation est important : il fait des choses qu'aucun autre genre ne peut faire aussi efficacement. Isao Takahata comprend les mécanismes spécifiques de animation et les utilise pour créer des effets impossibles dans d'autres modes de narration.
Les performances de Le Tombeau des Lucioles sont calibrées sur un registre spécifique que Isao Takahata a établi et maintenu tout au long de la production. Tsutomu Tatsumi a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Le Tombeau des Lucioles qui sont les plus difficiles sont ceux où Tsutomu Tatsumi fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Le Tombeau des Lucioles s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.4 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Le Tombeau des Lucioles comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Isao Takahata et Tsutomu Tatsumi font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
Le Tombeau des Lucioles appartient au top dix car il fait quelque chose que la plupart des films tentent et que peu réussissent : il est excellent au premier visionnage et révèle des couches supplémentaires lors du revoyage. Le public novice et le public récurrent vivent des expériences différentes, et les deux expériences sont fortes. Isao Takahata a intégré cette profondeur dans le films en travaillant simultanément à plusieurs niveaux : l'histoire de surface est au rendez-vous, et en dessous se trouve une couche de décisions artisanales qui ne deviennent pleinement visibles qu'une fois que vous savez où tout va. Cette structure à deux niveaux place Le Tombeau des Lucioles dans le top dix plutôt que dans le niveau suivant.
Spider-Man : New Generation
Spider-Man : New Generation suit les aventures de Miles Morales, un adolescent afro-américain et portoricain qui vit à Brooklyn et s’efforce de s’intégrer dans son nouveau collège à Manhattan. Mais la vie de Miles se complique quand il se fait mordre par une araignée radioactive et se découvre des super-pouvoirs : il est désormais capable d’empoisonner ses adversaires, de se camoufler, de coller littéralement aux murs et aux plafonds ; son ouïe est démultipliée... Dans le même temps, le plus redoutable cerveau criminel de la ville, le Caïd, a mis au point un accélérateur de particules nucléaires capable d’ouvrir un portail sur d’autres univers. Son invention va provoquer l’arrivée de plusieurs autres versions de Spider-Man dans le monde de Miles, dont un Peter Parker plus âgé, Spider-Gwen, Spider-Man Noir, Spider-Cochon et Peni Parker, venue d’un dessin animé japonais.
Pourquoi regarder: Spider-Man : New Generation a conservé sa notation suffisamment longtemps pour que le note soit stable. Les films aussi bien notés auprès d’un public diversifié sont exceptionnels plutôt que simplement bons.
Dans 2018, lorsque Bob Persichetti a créé Spider-Man : New Generation, la qualité moyenne de production des films n'avait jamais été aussi élevée. Ce qui distingue Spider-Man : New Generation n'est pas le raffinement technique mais l'intentionnalité : chaque scène fait quelque chose de spécifique. Spider-Man : New Generation à 8.4 représente le niveau fiable de cette liste. Ce sont les films qui ne déçoivent pas. Bob Persichetti a compris ce que le films devait être et l'a exécuté sans compromis. L’action est subordonnée à la narration plutôt que de la remplacer. Le réalisateur construit des séquences qui ne fonctionnent que grâce à ce qui précède. L'investissement du public dans les personnages et les enjeux détermine si l'action aboutit. Les classements de genre comme celui-ci sont utiles en partie parce qu’ils rendent explicite le canon animation. Spider-Man : New Generation et 8.4 font partie de toute discussion sérieuse sur ce que le cinéma animation a réalisé. Le regarder aux côtés d’autres films animation les mieux notés révèle l’étendue de ce que contient le genre.
La structure de Spider-Man : New Generation est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Bob Persichetti réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Spider-Man : New Generation coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Spider-Man : New Generation désorientant de manière productive.
Les téléspectateurs qui regardent Spider-Man : New Generation pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Bob Persichetti gère les transitions entre les scènes. Les montages de Spider-Man : New Generation ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Shameik Moore travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 2018 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Bob Persichetti voulait dire.
Une position parmi les dix premiers sur une liste classée établie à partir des classements de The Movie Database représente un véritable consensus critique. Il ne s'agit pas d'un concours de popularité : le seuil de vote filtre les films qui ont été vus et notés par suffisamment de personnes pour que les opinions aberrantes individuelles fassent la moyenne. Spider-Man : New Generation à cette position signifie que divers téléspectateurs, dans différents pays et avec différentes habitudes de visionnage, ont conclu indépendamment que ce films était excellent. Bob Persichetti a réalisé quelque chose avec Spider-Man : New Generation qui résiste aux variations culturelles. L’approche narrative spécifique utilisée ici se traduit dans tous les contextes.
Le Château ambulant
La jeune Sophie, âgée de 18 ans, travaille sans relâche dans la boutique de chapelier que tenait son père avant de mourir. Lors de l’une de ses rares sorties en ville, elle fait la connaissance de Hauru le Magicien. Celui‐ci est extrêmement séduisant, mais n’a pas beaucoup de caractère… Se méprenant sur leur relation, une sorcière jette un épouvantable sort sur Sophie et la transforme en vieille femme de 90 ans. Accablée, Sophie s’enfuit et erre dans les terres désolées. Par hasard, elle pénètre dans le Château Ambulant de Hauru et, cachant sa véritable identité, s’y fait engager comme femme de ménage. Cette « vieille dame » aussi mystérieuse que dynamique va bientôt redonner une nouvelle vie à l’ancienne demeure. Plus énergique que jamais, Sophie accomplit des miracles. Quel fabuleux destin l’attend ? Et si son histoire avec Hauru n’en était qu’à son véritable commencement ?
Pourquoi regarder: L'un des films les mieux notés de cette sélection. Le Château ambulant a gagné sa réputation grâce à une appréciation critique soutenue auprès de plusieurs générations de téléspectateurs.
Le Château ambulant a été réalisé en 2004, lorsque le cinéma de salle était en concurrence avec les premiers Internet et DVD pour attirer l'attention. Hayao Miyazaki a créé quelque chose qui a retenu l'attention à l'époque et qui la retient aujourd'hui. Une note 8.4 provenant d'un large bassin d'électeurs signifie que le films possède de véritables atouts qui l'emportent sur les faiblesses trouvées par les téléspectateurs. Le Château ambulant tient sa promesse centrale, qui est la norme minimale que tout films devrait respecter et qui est moins atteinte que ne le suggère le nombre de sorties. Le films démontre que l’animation est un outil permettant d’atteindre des registres émotionnels que l’action réelle ne peut atteindre. Le réalisateur utilise les possibilités formelles du médium pour créer des moments spécifiques à la forme animée. L'approche de Hayao Miyazaki à animation dans Le Château ambulant est instructive : les conventions de genre sont utilisées consciemment plutôt qu'automatiquement. Le résultat est un films qui offre ce que le genre promet tout en faisant quelque chose que la plupart des films animation ne font pas.
L’environnement sonore de Le Château ambulant est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Hayao Miyazaki comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Le Château ambulant utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Chieko Baisho travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Le Château ambulant se situe dans une position spécifique dans l’histoire de son genre : il a été réalisé alors que les conventions avec lesquelles il travaille étaient encore en développement plutôt qu’établies. Hayao Miyazaki n’appliquait pas une formule éprouvée mais construisait quelque chose dont l’efficacité n’était pas garantie. La note 8.4 reflète un public qui a réagi au travail réalisé dans des conditions de véritable risque créatif. Les films contemporains dans le même espace ont l’avantage de savoir ce qui fonctionne car Le Château ambulant et des films comme celui-ci l’ont démontré. Regarder Le Château ambulant dans ce contexte - en tant qu'œuvre créative réalisée sans le filet de sécurité d'une convention éprouvée - ajoute une dimension à l'expérience visuelle qui n'est pas disponible en regardant des films réalisés après l'établissement des conventions.
La position dans le top dix de Le Château ambulant est plus significative si l’on considère ses concurrents. Chaque films du catalogue pour ce mode et cette époque a été évalué, et Le Château ambulant a été classé ici parce que la combinaison de la qualité de l'public et du volume des votes l'a placé au-dessus de tout le reste de la sélection. Hayao Miyazaki a fait des choix dans Le Château ambulant qui le distinguent des alternatives de la même catégorie – des alternatives qui sont aussi de bons films. L'écart entre les dix et les vingt premiers est plus petit en termes de notation absolue qu'il n'y paraît, mais significatif en termes de ce que l'expérience du téléspectateur offre réellement.
Silent Voice
Nishimiya est une élève douce et attentionnée. Chaque jour, elle est harcelée par Ishida, car elle est sourde. Dénoncé pour son comportement, le garçon est à son tour mis à l’écart et renvoyé de l’école… Des années plus tard, il apprend la langue des signes… et part à la recherche de la jeune fille.
Pourquoi regarder: Silent Voice se situe à la fin exceptionnelle de cette liste. Une note aussi élevée, construite à partir d’une large base d’électeurs, reflète un véritable consensus plutôt qu’un battage médiatique.
Réalisé en 2016, Silent Voice existe à l’ère du streaming où tout rivalise avec tout. La note 8.4 qu'il détient reflète un public qui disposait d'alternatives infinies et a choisi de donner une note élevée à celle-ci. Le note 8.4 pour Silent Voice est construit à partir de téléspectateurs qui avaient des alternatives et ont choisi de lui attribuer une note élevée. Ce choix reflète un films qui a clairement fait valoir ses arguments – ce qui est exactement ce que fait Silent Voice. Naoko Yamada a présenté cet argument et le public l'a accepté. Le drame vient de la spécificité plutôt que de l’universalité. Le réalisateur fait des choix qui s'appliquent précisément à ces personnages dans cette situation, ce qui crée paradoxalement quelque chose de plus universel que ne le feraient des battements émotionnels génériques. Les meilleurs films animation utilisent les mécanismes de leur genre pour accéder à quelque chose de réel. Silent Voice fait partie de ces films. Naoko Yamada a suffisamment compris le genre pour savoir quelles conventions servent le matériau et lesquelles mettre de côté.
L'approche visuelle de Silent Voice reflète la compréhension de Naoko Yamada selon laquelle le style et la substance sont la même chose. Le placement de la caméra, l'étalonnage des couleurs et le rythme de montage de Silent Voice ne sont pas des décisions décoratives. Ce sont des arguments sur la manière dont l’histoire doit être vécue. Miyu Irino est tourné de manière à communiquer le caractère avant qu'un mot ne soit prononcé. Les téléspectateurs qui regardent Silent Voice une seconde fois en prêtant attention à la grammaire visuelle découvriront une couche de sens qui opère indépendamment du dialogue et de l'intrigue.
Silent Voice s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.4 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Silent Voice comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Naoko Yamada et Miyu Irino font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
Silent Voice mérite sa place dans le top dix non pas grâce à sa réputation culturelle, mais grâce à ce qui se passe lorsque les téléspectateurs s'assoient et le regardent. La classification 8.4 capture cette expérience sur un large échantillon de visionnages indépendants. Les films qui atteignent le top 10 sur des listes comme celle-ci ont été testés par des téléspectateurs qui avaient un accès complet aux alternatives et ont choisi de noter celui-ci au sommet de leur expérience. Naoko Yamada et Miyu Irino ont créé quelque chose qui répond constamment à ces attentes, ce qui explique pourquoi la note reste maintenue malgré l'arrivée constante de nouveaux téléspectateurs apportant de nouvelles normes.
Spider-Man : Across the Spider-Verse
Après avoir retrouvé Gwen Stacy, Spider-Man, le sympathique héros originaire de Brooklyn, est catapulté à travers le Multivers, où il rencontre une équipe de Spider-Héros chargée d'en protéger l'existence. Mais lorsque les héros s'opposent sur la façon de gérer une nouvelle menace, Miles se retrouve confronté à eux et doit redéfinir ce que signifie être un héros afin de sauver les personnes qu'il aime le plus.
Pourquoi regarder: Les chiffres derrière Spider-Man : Across the Spider-Verse sont difficiles à atteindre : des milliers de téléspectateurs indépendants lui accordent une note élevée sans coordination. Ce consensus constitue le signal de qualité le plus fiable disponible.
Spider-Man : Across the Spider-Verse (2023) a été réalisé à une époque où le public est devenu plus sophistiqué en matière de qualité de production. Kemp Powers a livré quelque chose qui répond à ces attentes. Spider-Man : Across the Spider-Verse à 8.3 est un films où le métier est constamment au-dessus de la moyenne dans plusieurs dimensions. Aucun élément ne porte les autres. La mise en scène, l’écriture et la performance vont toutes dans la même direction. Le réalisateur filme l'action à l'échelle humaine plutôt qu'à la caméra. Les personnages occupent un espace cohérent et leurs corps se déplacent dans cet espace avec un objectif lisible. Le résultat est une action qui accumule l’impact plutôt que de générer de l’adrénaline momentanée. Spider-Man : Across the Spider-Verse se situe en tête de ce classement animation car il démontre ce que le genre réalise lorsqu'un réalisateur le prend au sérieux en tant que cadre artistique plutôt qu'en tant que catégorie commerciale. La différence est visible dans chaque scène de Spider-Man : Across the Spider-Verse.
Le scénario de Spider-Man : Across the Spider-Verse démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Kemp Powers a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Shameik Moore propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Spider-Man : Across the Spider-Verse lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Les nouveaux spectateurs de Spider-Man : Across the Spider-Verse devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Spider-Man : Across the Spider-Verse pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Spider-Man : Across the Spider-Verse change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Kemp Powers semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Shameik Moore dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Le classement de Spider-Man : Across the Spider-Verse dans le top dix de cette liste ne nécessite aucun argument particulier. L’argument est la note 8.3 provenant d’une base d’électeurs suffisamment large pour être statistiquement significative. Les films figurant dans le top dix de toute liste sérieuse occupent cette position car ils s'adressent systématiquement au plus large éventail de téléspectateurs, et Spider-Man : Across the Spider-Verse l'a fait auprès de tous les groupes démographiques qui l'ont rencontré. Le travail de Kemp Powers opère ici à un niveau où la qualité d'une scène individuelle se combine en quelque chose qui résiste au niveau du films dans son ensemble, ce qui est plus rare qu'il n'y paraît.
Princesse Mononoké
Parti en quête d'un remède, un prince affecté par un mal fatal se retrouve dans une contrée où se livre une bataille entre une ville minière et les animaux de la forêt.
Pourquoi regarder: Princesse Mononoké a conservé sa notation suffisamment longtemps pour que le note soit stable. Les films aussi bien notés auprès d’un public diversifié sont exceptionnels plutôt que simplement bons.
La version 1997 de Princesse Mononoké est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Princesse Mononoké l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Princesse Mononoké s'auto-sélectionne pour s'engager. Les films de la gamme 8.3 sont souvent plus intéressants que ne le suggère leur position dans une liste. Ils n’ont pas atteint la saturation culturelle des titres mieux notés, ce qui signifie que Princesse Mononoké est plus facile à aborder sans préjugés. Princesse Mononoké en profite. L’animation est au service de la narration plutôt que d’une démonstration de capacités techniques. Le réalisateur utilise la forme pour obtenir des effets émotionnels et narratifs au service de l’histoire spécifique racontée. Regarder Princesse Mononoké aux côtés d’autres entrées de cette liste animation révèle ce qui sépare la meilleure œuvre du genre de sa production moyenne. Hayao Miyazaki a fait ici des choix que la plupart des films animation évitent car ces choix nécessitent la confiance du public.
Les performances de Princesse Mononoké sont calibrées sur un registre spécifique que Hayao Miyazaki a établi et maintenu tout au long de la production. Yoji Matsuda a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Princesse Mononoké qui sont les plus difficiles sont ceux où Yoji Matsuda fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Princesse Mononoké s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.3 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Princesse Mononoké comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Hayao Miyazaki et Yoji Matsuda font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La position de Princesse Mononoké dans le top 10 de cette liste reflète quelque chose de difficile à fabriquer : une excellence soutenue que les nouveaux téléspectateurs continuent de découvrir et d'apprécier hautement. La plupart des films perdent de leur élan après leur public initiale. Princesse Mononoké ne l'a pas fait. Les téléspectateurs qui le rencontrent des années ou des décennies après sa sortie lui accordent les mêmes notes élevées que les premiers téléspectateurs. Hayao Miyazaki a créé quelque chose qui fonctionne indépendamment du moment culturel dont il est issu, ce qui est la définition d'une qualité durable. Les performances du Yoji Matsuda font partie de cette durabilité - elles ne sont pas considérées comme une période d'action.
Le Robot sauvage
L’incroyable épopée d'un robot -- l'unité ROZZUM 7134 alias "Roz" -- qui après avoir fait naufrage sur une île déserte doit apprendre à s'adapter à un environnement hostile en nouant petit à petit des relations avec les animaux de l'île. Il finit par adopter le petit d’une oie, un oison, qui s'est retrouvé orphelin.
Pourquoi regarder: L'un des films les mieux notés de cette sélection. Le Robot sauvage a gagné sa réputation grâce à une appréciation critique soutenue auprès de plusieurs générations de téléspectateurs.
Le Robot sauvage est une œuvre contemporaine qui a déjà prouvé sa pérennité sur un marché inondé de contenu. Chris Sanders a créé quelque chose qui a coupé le bruit parce qu'il était véritablement meilleur que les alternatives. Une note 8.3 reflète la réalisation, l’écriture et la performance fonctionnant simultanément à des niveaux cohérents. Les films qui obtiennent des scores dans cette fourchette échouent rarement de manière significative dans une seule dimension, et Le Robot sauvage ne fait pas exception. Le réalisateur utilise le principe de la science-fiction pour poser des questions sur ce que signifie être humain. La technologie spéculative est un cadre pour explorer le caractère sous une pression extraordinaire. Au sein du genre animation, Le Robot sauvage occupe une position spécifique : il démontre ce qui est possible lorsqu'un réalisateur utilise les conventions de genre comme point de départ plutôt que comme modèle. Les meilleurs films animation élargissent ce que le genre peut faire.
La structure de Le Robot sauvage est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Chris Sanders réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Le Robot sauvage coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Le Robot sauvage désorientant de manière productive.
Le Robot sauvage s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.3 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Le Robot sauvage comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Chris Sanders et Lupita Nyong'o font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
Le Robot sauvage appartient au top dix car il fait quelque chose que la plupart des films tentent et que peu réussissent : il est excellent au premier visionnage et révèle des couches supplémentaires lors du revoyage. Le public novice et le public récurrent vivent des expériences différentes, et les deux expériences sont fortes. Chris Sanders a intégré cette profondeur dans le films en travaillant simultanément à plusieurs niveaux : l'histoire de surface est au rendez-vous, et en dessous se trouve une couche de décisions artisanales qui ne deviennent pleinement visibles qu'une fois que vous savez où tout va. Cette structure à deux niveaux place Le Robot sauvage dans le top dix plutôt que dans le niveau suivant.
Perfect Blue
Chanteuse pop très populaire, Mima décide d’abandonner la scène pour devenir actrice. Sans regrets, elle quitte son groupe et accepte un petit rôle dans une série TV, déclenchant ainsi la colère de ses fans… et plus particulièrement celle de l’un deux. Le mystérieux « traqueur » passe à l’acte en dévoilant en détail la vie de Mima sur Internet, puis en menaçant ses proches. Des incidents violents se produisent et elle réalise que son existence se confond dangereusement avec la série dans laquelle elle joue. Mima sombre dans la schizophrénie tandis que les cadavres s’accumulent autour d’elle…
Pourquoi regarder: Perfect Blue se situe à la fin exceptionnelle de cette liste. Une note aussi élevée, construite à partir d’une large base d’électeurs, reflète un véritable consensus plutôt qu’un battage médiatique.
Sorti en 1998, Perfect Blue a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Satoshi Kon a créé quelque chose qui a survécu, et la note 8.3 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 8.3 pour Perfect Blue le place parmi les films qui tiennent leurs promesses sans faiblesses significatives. Satoshi Kon a créé quelque chose qui fonctionne comme prévu, ce qui est moins courant qu'il n'y paraît. Ce qui fait que le films fonctionne comme un thriller, c’est la compréhension que les enjeux nécessitent des investissements. Le premier acte forge le caractère avant que la pression n’arrive. Au moment où la tension monte, vous avez des raisons de vous soucier du résultat. Le genre animation a produit des centaines de films. Ceux qui se classent à 8.3 et au-dessus sont ceux pour lesquels le réalisateur a compris que le genre est un contrat avec le public, et non une contrainte sur ce qui peut être exprimé.
L’environnement sonore de Perfect Blue est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Satoshi Kon comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Perfect Blue utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Junko Iwao travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Les téléspectateurs qui regardent Perfect Blue pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Satoshi Kon gère les transitions entre les scènes. Les montages de Perfect Blue ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Junko Iwao travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 1998 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Satoshi Kon voulait dire.
Une position parmi les dix premiers sur une liste classée établie à partir des classements de The Movie Database représente un véritable consensus critique. Il ne s'agit pas d'un concours de popularité : le seuil de vote filtre les films qui ont été vus et notés par suffisamment de personnes pour que les opinions aberrantes individuelles fassent la moyenne. Perfect Blue à cette position signifie que divers téléspectateurs, dans différents pays et avec différentes habitudes de visionnage, ont conclu indépendamment que ce films était excellent. Satoshi Kon a réalisé quelque chose avec Perfect Blue qui résiste aux variations culturelles. L’approche narrative spécifique utilisée ici se traduit dans tous les contextes.
Le cinéma concerne les histoires qui comptent. Les films de cette section prouvent ce principe.
Le Roi lion
Disney présente l'histoire de Simba, un fougueux lionceau qui « voudrait déjà être roi ». Éloigné par son sombre et ambitieux oncle Scar, Simba profite de la vie avec ses drôles de compagnons Timon et Pumbaa, oubliant son rang et ses responsabilités. Mais son destin l'appelle à rentrer auprès des siens et à reprendre sa place dans le Grand Cercle de la Vie.
Pourquoi regarder: Les chiffres derrière Le Roi lion sont difficiles à atteindre : des milliers de téléspectateurs indépendants lui accordent une note élevée sans coordination. Ce consensus constitue le signal de qualité le plus fiable disponible.
Le Roi lion date de 1994, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Le Roi lion occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Chez 8.3, Le Roi lion se situe dans une gamme où la qualité est constante, mais le films n'a pas atteint le large consensus des titres mieux notés. Ce consensus plus restreint reflète souvent un attrait spécifique : Le Roi lion n'est pas pour tout le monde, mais pour le bon téléspectateur, il est excellent. Le films démontre ce que le drame peut faire que d'autres genres ne peuvent pas faire : mettre le comportement humain ordinaire sous pression et révéler le caractère à travers la réponse. Le réalisateur crée ces conditions et les acteurs les habitent avec une véritable conviction. Le Roi lion montre pourquoi le cinéma animation est important : il fait des choses qu'aucun autre genre ne peut faire aussi efficacement. Roger Allers comprend les mécanismes spécifiques de animation et les utilise pour créer des effets impossibles dans d'autres modes de narration.
La cinématographie de Le Roi lion reflète une période de transition dans la technologie cinématographique, lorsque les outils numériques étaient disponibles mais que les cinéastes se demandaient encore s'ils devaient les utiliser. Roger Allers a fait des choix de style visuel délibérés plutôt que par défaut. La façon dont Le Roi lion est éclairé, cadré et découpé reflète une intelligence visuelle spécifique plutôt qu'une convention industrielle. Matthew Broderick fonctionne dans ce cadre visuel d'une manière qui est plus visible lorsque vous regardez le films en prêtant attention à la façon dont ils sont placés dans le cadre plutôt qu'à ce qu'ils font.
Les téléspectateurs qui ont vu les films influencés par Le Roi lion trouveront que regarder l’original est une expérience différente de celle d’un films contemporain. Les techniques qui semblent familières parce qu'elles ont été largement copiées sont visibles ici dans leur forme originale, ce qui révèle souvent que les copies ont compris la surface de ce que Roger Allers a fait sans en comprendre le raisonnement. Le Roi lion utilise ses choix stylistiques au service d’objectifs narratifs spécifiques. Les films ultérieurs qui ont emprunté ces choix les ont souvent utilisés comme style sans fonction. Regarder l’original clarifie ce qui était réellement accompli. Le travail de Matthew Broderick présente ici également une spécificité qui manque à de nombreuses performances qui s'en inspirent : les imitations captent la manière sans l'intériorité qui lui donne un sens.
Le Roi lion, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de Matthew Broderick et le savoir-faire de Roger Allers peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
Klaus
Un facteur égoïste et un fabricant de jouets solitaire forgent une amitié improbable, apportant la joie à une bourgade sombre et froide qui en a désespérément besoin.
Pourquoi regarder: Klaus a conservé sa notation suffisamment longtemps pour que le note soit stable. Les films aussi bien notés auprès d’un public diversifié sont exceptionnels plutôt que simplement bons.
Dans 2019, lorsque Sergio Pablos a créé Klaus, la qualité moyenne de production des films n'avait jamais été aussi élevée. Ce qui distingue Klaus n'est pas le raffinement technique mais l'intentionnalité : chaque scène fait quelque chose de spécifique. Klaus à 8.2 représente le niveau fiable de cette liste. Ce sont les films qui ne déçoivent pas. Sergio Pablos a compris ce que le films devait être et l'a exécuté sans compromis. La cohérence du films en tant que comédie vient de la cohérence. Le réalisateur établit les règles du monde et le comportement des personnages, et l'humour émerge de la façon dont ces personnages gèrent une situation. Les classements de genre comme celui-ci sont utiles en partie parce qu’ils rendent explicite le canon animation. Klaus et 8.2 font partie de toute discussion sérieuse sur ce que le cinéma animation a réalisé. Le regarder aux côtés d’autres films animation les mieux notés révèle l’étendue de ce que contient le genre.
Le scénario de Klaus démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Sergio Pablos a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Jason Schwartzman propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Klaus lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Klaus s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.2 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Klaus comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Sergio Pablos et Jason Schwartzman font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 8.2 qui place Klaus dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à Klaus un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que Sergio Pablos a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. Klaus est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
Les Enfants loups, Ame & Yuki
Hana et ses deux enfants, Ame et Yuki, vivent discrètement dans un coin tranquille de la ville. Leur vie est simple et joyeuse, mais ils cachent un secret : leur père est un homme‐loup. Quand celui‐ci disparaît brutalement, Hana décide de quitter la ville pour élever ses enfants à l’abri des regards. Ils emménagent dans un village proche d’une forêt luxuriante…
Pourquoi regarder: L'un des films les mieux notés de cette sélection. Les Enfants loups, Ame & Yuki a gagné sa réputation grâce à une appréciation critique soutenue auprès de plusieurs générations de téléspectateurs.
Les Enfants loups, Ame & Yuki est une œuvre contemporaine qui a déjà prouvé sa pérennité sur un marché inondé de contenu. Mamoru Hosoda a créé quelque chose qui a coupé le bruit parce qu'il était véritablement meilleur que les alternatives. Une note 8.2 provenant d'un large bassin d'électeurs signifie que le films possède de véritables atouts qui l'emportent sur les faiblesses trouvées par les téléspectateurs. Les Enfants loups, Ame & Yuki tient sa promesse centrale, qui est la norme minimale que tout films devrait respecter et qui est moins atteinte que ne le suggère le nombre de sorties. Le réalisateur travaille avec une patience que la plupart des drames contemporains ne peuvent se permettre. Les scènes peuvent dépasser leur point final évident, trouvant la vérité dans ce que font les personnages après avoir dit ce qu'ils sont venus dire. Les acteurs comprennent ce rythme. L'approche de Mamoru Hosoda à animation dans Les Enfants loups, Ame & Yuki est instructive : les conventions de genre sont utilisées consciemment plutôt qu'automatiquement. Le résultat est un films qui offre ce que le genre promet tout en faisant quelque chose que la plupart des films animation ne font pas.
Les performances de Les Enfants loups, Ame & Yuki sont calibrées sur un registre spécifique que Mamoru Hosoda a établi et maintenu tout au long de la production. Aoi Miyazaki a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Les Enfants loups, Ame & Yuki qui sont les plus difficiles sont ceux où Aoi Miyazaki fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Les nouveaux spectateurs de Les Enfants loups, Ame & Yuki devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Les Enfants loups, Ame & Yuki pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Les Enfants loups, Ame & Yuki change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Mamoru Hosoda semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Aoi Miyazaki dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, Les Enfants loups, Ame & Yuki occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : Les Enfants loups, Ame & Yuki arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de Mamoru Hosoda ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent Les Enfants loups, Ame & Yuki ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
Le groupe de Tanjirô a terminé son entraînement de récupération au domaine des papillons et embarque à présent en vue de sa prochaine mission à bord du train de l'infini, d'où quarante personnes ont disparu en peu de temps. Tanjirô et Nezuko, accompagnés de Zen'itsu et Inosuke, s'allient à l'un des plus puissants épéistes de l'armée des pourfendeurs de démons, le Pilier de la Flamme Kyôjurô Rengoku, afin de contrer le démon qui a engagé le train de l'Infini sur une voie funeste.
Pourquoi regarder: Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba - Le film : Le train de l'Infini se situe à la fin exceptionnelle de cette liste. Une note aussi élevée, construite à partir d’une large base d’électeurs, reflète un véritable consensus plutôt qu’un battage médiatique.
Réalisé en 2020, Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba - Le film : Le train de l'Infini existe à l’ère du streaming où tout rivalise avec tout. La note 8.2 qu'il détient reflète un public qui disposait d'alternatives infinies et a choisi de donner une note élevée à celle-ci. Le note 8.2 pour Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba - Le film : Le train de l'Infini est construit à partir de téléspectateurs qui avaient des alternatives et ont choisi de lui attribuer une note élevée. Ce choix reflète un films qui a clairement fait valoir ses arguments – ce qui est exactement ce que fait Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba - Le film : Le train de l'Infini. Haruo Sotozaki a présenté cet argument et le public l'a accepté. Le cinéma d’action échoue lorsque la logique spatiale s’effondre et que les séquences deviennent un spectacle abstrait. Ce films évite cet échec. Le réalisateur réalise des storyboards pour la compréhension, pas seulement pour l'impact. Le public comprend toujours les enjeux de chaque instant. Les meilleurs films animation utilisent les mécanismes de leur genre pour accéder à quelque chose de réel. Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba - Le film : Le train de l'Infini fait partie de ces films. Haruo Sotozaki a suffisamment compris le genre pour savoir quelles conventions servent le matériau et lesquelles mettre de côté.
La structure de Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba - Le film : Le train de l'Infini est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Haruo Sotozaki réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba - Le film : Le train de l'Infini coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba - Le film : Le train de l'Infini désorientant de manière productive.
Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba - Le film : Le train de l'Infini s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.2 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba - Le film : Le train de l'Infini comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Haruo Sotozaki et Natsuki Hanae font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba - Le film : Le train de l'Infini se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. Haruo Sotozaki a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 8.2 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de Haruo Sotozaki à l'égard de ce matériel trouvent généralement que Demon Slayer : Kimetsu no Yaiba - Le film : Le train de l'Infini fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
Le Chat Potté 2 : la dernière quête
Le Chat Potté découvre que sa passion pour l'aventure et son mépris du danger ont fini par lui coûter cher : il a épuisé huit de ses neuf vies, et en a perdu le compte au passage. Afin de retomber sur ses pattes notre héros velu se lance littéralement dans la quête de sa vie. Il s'embarque dans une aventure épique aux confins de la Forêt Sombre afin de dénicher la mythique Étoile à vœu, seule susceptible de lui rendre ses vies perdues. Mais quand il ne vous en reste qu’une, il faut savoir faire profil bas, se montrer prudent et demander de l’aide. C’est ainsi qu’il se tourne vers son ancienne partenaire et meilleure ennemie de toujours : l’ensorcelante Kitty Pattes De Velours. Le Chat Potté et la belle Kitty vont être aidés dans leur quête, à leur corps bien défendant, par Perro, un corniaud errant et galeux à la langue bien pendue et d’une inaltérable bonne humeur.
Pourquoi regarder: Les chiffres derrière Le Chat Potté 2 : la dernière quête sont difficiles à atteindre : des milliers de téléspectateurs indépendants lui accordent une note élevée sans coordination. Ce consensus constitue le signal de qualité le plus fiable disponible.
Le Chat Potté 2 : la dernière quête (2022) a été réalisé à une époque où le public est devenu plus sophistiqué en matière de qualité de production. Joel Crawford a livré quelque chose qui répond à ces attentes. Le Chat Potté 2 : la dernière quête à 8.2 est un films où le métier est constamment au-dessus de la moyenne dans plusieurs dimensions. Aucun élément ne porte les autres. La mise en scène, l’écriture et la performance vont toutes dans la même direction. Le réalisateur investit le films avec le genre de savoir-faire délibéré qu’exige l’animation. Chaque image reflète l'intention sur la façon dont l'histoire doit être vécue, ce qui signifie que le films fonctionne au niveau de moments individuels plutôt que simplement au niveau narratif. Le Chat Potté 2 : la dernière quête se situe en tête de ce classement animation car il démontre ce que le genre réalise lorsqu'un réalisateur le prend au sérieux en tant que cadre artistique plutôt qu'en tant que catégorie commerciale. La différence est visible dans chaque scène de Le Chat Potté 2 : la dernière quête.
L’environnement sonore de Le Chat Potté 2 : la dernière quête est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Joel Crawford comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Le Chat Potté 2 : la dernière quête utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Antonio Banderas travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Le Chat Potté 2 : la dernière quête s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.2 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Le Chat Potté 2 : la dernière quête comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Joel Crawford et Antonio Banderas font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La position de Le Chat Potté 2 : la dernière quête dans cette section de la liste reflète un films qui offre ses qualités spécifiques de manière fiable sans aspirer à tout pour tout le monde. Joel Crawford a compris ce qu'était le films et l'a réalisé avec un haut niveau de savoir-faire. La note 8.2 représente les téléspectateurs qui ont interagi avec le films selon ces conditions et qui ont trouvé qu'il valait la peine d'être noté. Les téléspectateurs qui ont des attentes différentes trouvent parfois le films moins satisfaisant que ce que suggère la note - ce qui n'est pas une faiblesse du films mais une faiblesse des attentes. Le Chat Potté 2 : la dernière quête est exactement ce qu'il est, réalisé avec compétence, et les électeurs qui l'ont évalué y ont répondu.
Coco
Depuis déjà plusieurs générations, la musique est bannie dans la famille de Miguel. Un vrai déchirement pour le jeune garçon dont le rêve ultime est de devenir un musicien aussi accompli que son idole, Ernesto de la Cruz. Bien décidé à prouver son talent, Miguel, par un étrange concours de circonstances, se retrouve propulsé dans un monde étonnant et coloré lié aux célébrations des ancêtres. Là, il se lie d’amitié avec Hector, un gentil garçon mais un peu filou sur les bords. Ensemble, ils vont accomplir un voyage extraordinaire qui leur révèlera la véritable histoire qui se cache derrière celle de la famille de Miguel…
Pourquoi regarder: Coco a conservé sa notation suffisamment longtemps pour que le note soit stable. Les films aussi bien notés auprès d’un public diversifié sont exceptionnels plutôt que simplement bons.
Dans 2017, lorsque Lee Unkrich a créé Coco, la qualité moyenne de production des films n'avait jamais été aussi élevée. Ce qui distingue Coco n'est pas le raffinement technique mais l'intentionnalité : chaque scène fait quelque chose de spécifique. Les films de la gamme 8.2 sont souvent plus intéressants que ne le suggère leur position dans une liste. Ils n’ont pas atteint la saturation culturelle des titres mieux notés, ce qui signifie que Coco est plus facile à aborder sans préjugés. Coco en profite. L’animation est au service de la narration plutôt que d’une démonstration de capacités techniques. Le réalisateur utilise la forme pour obtenir des effets émotionnels et narratifs au service de l’histoire spécifique racontée. Regarder Coco aux côtés d’autres entrées de cette liste animation révèle ce qui sépare la meilleure œuvre du genre de sa production moyenne. Lee Unkrich a fait ici des choix que la plupart des films animation évitent car ces choix nécessitent la confiance du public.
L'approche visuelle de Coco reflète la compréhension de Lee Unkrich selon laquelle le style et la substance sont la même chose. Le placement de la caméra, l'étalonnage des couleurs et le rythme de montage de Coco ne sont pas des décisions décoratives. Ce sont des arguments sur la manière dont l’histoire doit être vécue. Anthony Gonzalez est tourné de manière à communiquer le caractère avant qu'un mot ne soit prononcé. Les téléspectateurs qui regardent Coco une seconde fois en prêtant attention à la grammaire visuelle découvriront une couche de sens qui opère indépendamment du dialogue et de l'intrigue.
Les téléspectateurs qui regardent Coco pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Lee Unkrich gère les transitions entre les scènes. Les montages de Coco ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Anthony Gonzalez travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 2017 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Lee Unkrich voulait dire.
Les films classés entre onze et vingt-cinq sur des listes comme celle-ci sont souvent les découvertes les plus utiles car ils présentent la qualité des dix premiers sans le poids culturel. Coco se trouve dans cette position non pas parce qu'il est nettement pire que les entrées ci-dessus, mais parce que son attrait est plus concentré. Les téléspectateurs qui se connectent à ce que fait Lee Unkrich dans Coco l'évaluent aussi bien que n'importe quel films de cette liste. La moyenne sur une base électorale plus large le place ici. Les téléspectateurs qui ont des raisons spécifiques de penser que ce films est fait pour eux – en fonction de leur préférence de genre, de l’intérêt du réalisateur ou de leur époque – devraient le donner la priorité à plusieurs entrées qui lui sont supérieures.
WALL·E
Faites la connaissance de WALL•E (prononcez « Walli ») : WALL•E est le dernier être sur Terre et s’avère être un… petit robot ! 700 ans plus tôt, l’humanité a déserté notre planète laissant à cette incroyable petite machine le soin de nettoyer la Terre. Mais au bout de ces longues années, WALL•E a développé un petit défaut technique : une forte personnalité. Extrêmement curieux, très indiscret, il est surtout un peu trop seul… Cependant, sa vie s’apprête à être bouleversée avec l’arrivée d’une petite « robote », bien carénée et prénommée EVE. Tombant instantanément et éperdument amoureux d’elle, WALL•E va tout mettre en œuvre pour la séduire. Et lorsqu’EVE est rappelée dans l’espace pour y terminer sa mission, WALL•E n’hésite pas un seul instant : il se lance à sa poursuite… Hors de question pour lui de laisser passer le seul amour de sa vie… Pour être à ses côtés, il est prêt à aller au bout de l’univers et vivre la plus fantastique des aventures !
Pourquoi regarder: L'un des films les mieux notés de cette sélection. WALL·E a gagné sa réputation grâce à une appréciation critique soutenue auprès de plusieurs générations de téléspectateurs.
WALL·E a été réalisé en 2008, lorsque le cinéma de salle était en concurrence avec les premiers Internet et DVD pour attirer l'attention. Andrew Stanton a créé quelque chose qui a retenu l'attention à l'époque et qui la retient aujourd'hui. Une note 8.1 reflète la réalisation, l’écriture et la performance fonctionnant simultanément à des niveaux cohérents. Les films qui obtiennent des scores dans cette fourchette échouent rarement de manière significative dans une seule dimension, et WALL·E ne fait pas exception. Le réalisateur utilise le principe de la science-fiction pour poser des questions sur ce que signifie être humain. La technologie spéculative est un cadre pour explorer le caractère sous une pression extraordinaire. Au sein du genre animation, WALL·E occupe une position spécifique : il démontre ce qui est possible lorsqu'un réalisateur utilise les conventions de genre comme point de départ plutôt que comme modèle. Les meilleurs films animation élargissent ce que le genre peut faire.
Le scénario de WALL·E démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Andrew Stanton a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Ben Burtt propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans WALL·E lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
WALL·E se situe dans une position spécifique dans l’histoire de son genre : il a été réalisé alors que les conventions avec lesquelles il travaille étaient encore en développement plutôt qu’établies. Andrew Stanton n’appliquait pas une formule éprouvée mais construisait quelque chose dont l’efficacité n’était pas garantie. La note 8.1 reflète un public qui a réagi au travail réalisé dans des conditions de véritable risque créatif. Les films contemporains dans le même espace ont l’avantage de savoir ce qui fonctionne car WALL·E et des films comme celui-ci l’ont démontré. Regarder WALL·E dans ce contexte - en tant qu'œuvre créative réalisée sans le filet de sécurité d'une convention éprouvée - ajoute une dimension à l'expérience visuelle qui n'est pas disponible en regardant des films réalisés après l'établissement des conventions.
WALL·E, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de Ben Burtt et le savoir-faire de Andrew Stanton peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
Soul
Passionné de jazz et professeur de musique dans un collège, Joe Gardner a enfin l’opportunité de réaliser son rêve : jouer dans le meilleur club de jazz de New York. Mais un malencontreux faux pas le précipite dans le « Grand Avant » – un endroit fantastique où les nouvelles âmes acquièrent leur personnalité, leur caractère et leur spécificité avant d’être envoyées sur Terre. Bien décidé à retrouver sa vie, Joe fait équipe avec 22, une âme espiègle et pleine d’esprit, qui n’a jamais saisi l’intérêt de vivre une vie humaine. En essayant désespérément de montrer à 22 à quel point l’existence est formidable, Joe pourrait bien découvrir les réponses aux questions les plus importantes sur le sens de la vie.
Pourquoi regarder: Soul se situe à la fin exceptionnelle de cette liste. Une note aussi élevée, construite à partir d’une large base d’électeurs, reflète un véritable consensus plutôt qu’un battage médiatique.
Réalisé en 2020, Soul existe à l’ère du streaming où tout rivalise avec tout. La note 8.1 qu'il détient reflète un public qui disposait d'alternatives infinies et a choisi de donner une note élevée à celle-ci. Le note 8.1 pour Soul le place parmi les films qui tiennent leurs promesses sans faiblesses significatives. Pete Docter a créé quelque chose qui fonctionne comme prévu, ce qui est moins courant qu'il n'y paraît. Le drame vient de la spécificité plutôt que de l’universalité. Le réalisateur fait des choix qui s'appliquent précisément à ces personnages dans cette situation, ce qui crée paradoxalement quelque chose de plus universel que ne le feraient des battements émotionnels génériques. Le genre animation a produit des centaines de films. Ceux qui se classent à 8.1 et au-dessus sont ceux pour lesquels le réalisateur a compris que le genre est un contrat avec le public, et non une contrainte sur ce qui peut être exprimé.
Les performances de Soul sont calibrées sur un registre spécifique que Pete Docter a établi et maintenu tout au long de la production. Jamie Foxx a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Soul qui sont les plus difficiles sont ceux où Jamie Foxx fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Soul s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.1 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Soul comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Pete Docter et Jamie Foxx font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 8.1 qui place Soul dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à Soul un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que Pete Docter a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. Soul est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau
Un chat se réveille dans un univers envahi par l’eau où toute vie humaine semble avoir disparu. Il trouve refuge sur un bateau avec un groupe d’autres animaux. Mais s’entendre avec eux s’avère un défi encore plus grand que de surmonter sa peur de l'eau ! Tous devront désormais apprendre à surmonter leurs différences et à s’adapter au nouveau monde qui s’impose à eux.
Pourquoi regarder: Les chiffres derrière Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau sont difficiles à atteindre : des milliers de téléspectateurs indépendants lui accordent une note élevée sans coordination. Ce consensus constitue le signal de qualité le plus fiable disponible.
Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau (2024) a été réalisé à une époque où le public est devenu plus sophistiqué en matière de qualité de production. Gints Zilbalodis a livré quelque chose qui répond à ces attentes. Chez 8.1, Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau se situe dans une gamme où la qualité est constante, mais le films n'a pas atteint le large consensus des titres mieux notés. Ce consensus plus restreint reflète souvent un attrait spécifique : Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau n'est pas pour tout le monde, mais pour le bon téléspectateur, il est excellent. Le réalisateur investit le films avec le genre de savoir-faire délibéré qu’exige l’animation. Chaque image reflète l'intention sur la façon dont l'histoire doit être vécue, ce qui signifie que le films fonctionne au niveau de moments individuels plutôt que simplement au niveau narratif. Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau montre pourquoi le cinéma animation est important : il fait des choses qu'aucun autre genre ne peut faire aussi efficacement. Gints Zilbalodis comprend les mécanismes spécifiques de animation et les utilise pour créer des effets impossibles dans d'autres modes de narration.
La structure de Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Gints Zilbalodis réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau désorientant de manière productive.
Les nouveaux spectateurs de Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Gints Zilbalodis semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de the lead performance dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de Gints Zilbalodis ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
Mon voisin Totoro
Mei, 4 ans, et Satsuki, 10 ans, s’installent à la campagne avec leur père pour se rapprocher de l’hôpital où séjourne leur mère. Elles découvrent la nature tout autour de la maison et, surtout, l’existence d’animaux étranges et merveilleux, les Totoros, avec qui elles deviennent très amies. Un jour, alors que Satsuki et Mei attendent le retour de leur mère, elles apprennent que sa sortie de l’hôpital a été repoussée. Mei décide alors d’aller lui rendre visite seule. Satsuki et les gens du village la recherchent en vain. Désespérée, Satsuki va finalement demander de l’aide à son voisin Totoro.
Pourquoi regarder: Mon voisin Totoro a conservé sa notation suffisamment longtemps pour que le note soit stable. Les films aussi bien notés auprès d’un public diversifié sont exceptionnels plutôt que simplement bons.
La version 1988 de Mon voisin Totoro est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Mon voisin Totoro l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Mon voisin Totoro s'auto-sélectionne pour s'engager. Mon voisin Totoro à 8.1 représente le niveau fiable de cette liste. Ce sont les films qui ne déçoivent pas. Hayao Miyazaki a compris ce que le films devait être et l'a exécuté sans compromis. L’animation est au service de la narration plutôt que d’une démonstration de capacités techniques. Le réalisateur utilise la forme pour obtenir des effets émotionnels et narratifs au service de l’histoire spécifique racontée. Les classements de genre comme celui-ci sont utiles en partie parce qu’ils rendent explicite le canon animation. Mon voisin Totoro et 8.1 font partie de toute discussion sérieuse sur ce que le cinéma animation a réalisé. Le regarder aux côtés d’autres films animation les mieux notés révèle l’étendue de ce que contient le genre.
L’environnement sonore de Mon voisin Totoro est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Hayao Miyazaki comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Mon voisin Totoro utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Noriko Hidaka travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Mon voisin Totoro s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.1 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Mon voisin Totoro comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Hayao Miyazaki et Noriko Hidaka font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
Mon voisin Totoro se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. Hayao Miyazaki a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 8.1 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de Hayao Miyazaki à l'égard de ce matériel trouvent généralement que Mon voisin Totoro fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
Les grands films transcendent leur catégorie. Ils travaillent parce que le métier est exceptionnel.
KPop Demon Hunters
Quand elles ne remplissent pas les stades, Rumi, Mira et Zoey, superstars de la K-pop, utilisent leurs pouvoirs secrets pour protéger leurs fans de menaces surnaturelles.
Pourquoi regarder: L'un des films les mieux notés de cette sélection. KPop Demon Hunters a gagné sa réputation grâce à une appréciation critique soutenue auprès de plusieurs générations de téléspectateurs.
KPop Demon Hunters est une œuvre contemporaine qui a déjà prouvé sa pérennité sur un marché inondé de contenu. Chris Appelhans a créé quelque chose qui a coupé le bruit parce qu'il était véritablement meilleur que les alternatives. Une note 8.0 provenant d'un large bassin d'électeurs signifie que le films possède de véritables atouts qui l'emportent sur les faiblesses trouvées par les téléspectateurs. KPop Demon Hunters tient sa promesse centrale, qui est la norme minimale que tout films devrait respecter et qui est moins atteinte que ne le suggère le nombre de sorties. Ce qui fait que le films fonctionne comme une comédie, c'est le refus du réalisateur de signaler où se trouve l'humour. Les blagues viennent du personnage et de la situation, ce qui signifie que les téléspectateurs qui y prêtent attention trouvent plus que ceux qui attendent qu'on leur dise qu'ils devraient rire. L'approche de Chris Appelhans à animation dans KPop Demon Hunters est instructive : les conventions de genre sont utilisées consciemment plutôt qu'automatiquement. Le résultat est un films qui offre ce que le genre promet tout en faisant quelque chose que la plupart des films animation ne font pas.
L'approche visuelle de KPop Demon Hunters reflète la compréhension de Chris Appelhans selon laquelle le style et la substance sont la même chose. Le placement de la caméra, l'étalonnage des couleurs et le rythme de montage de KPop Demon Hunters ne sont pas des décisions décoratives. Ce sont des arguments sur la manière dont l’histoire doit être vécue. Arden Cho est tourné de manière à communiquer le caractère avant qu'un mot ne soit prononcé. Les téléspectateurs qui regardent KPop Demon Hunters une seconde fois en prêtant attention à la grammaire visuelle découvriront une couche de sens qui opère indépendamment du dialogue et de l'intrigue.
KPop Demon Hunters est une recommandation fiable pour les téléspectateurs qui souhaitent découvrir un films selon ses propres conditions plutôt que d'exiger qu'il se conforme aux attentes venues d'ailleurs. Il n'a pas l'omniprésence culturelle des titres mieux notés dans cette catégorie, ce qui signifie qu'il arrive sans le poids du visionnage obligatoire. Les publics qui découvrent KPop Demon Hunters sans qu’on leur ait dit qu’ils devaient le voir réagissent souvent plus fortement que ceux qui l’abordent comme une obligation. Chris Appelhans a créé quelque chose avec un attrait spécifique - il ne s'agit pas d'essayer de tout plaire à tout le monde. Les téléspectateurs qui se connectent à KPop Demon Hunters ont tendance à le trouver considérablement meilleur que ne le suggère la note 8.0, c'est pourquoi il conserve cette note malgré une visibilité marketing limitée.
La position de KPop Demon Hunters dans cette section de la liste reflète un films qui offre ses qualités spécifiques de manière fiable sans aspirer à tout pour tout le monde. Chris Appelhans a compris ce qu'était le films et l'a réalisé avec un haut niveau de savoir-faire. La note 8.0 représente les téléspectateurs qui ont interagi avec le films selon ces conditions et qui ont trouvé qu'il valait la peine d'être noté. Les téléspectateurs qui ont des attentes différentes trouvent parfois le films moins satisfaisant que ce que suggère la note - ce qui n'est pas une faiblesse du films mais une faiblesse des attentes. KPop Demon Hunters est exactement ce qu'il est, réalisé avec compétence, et les électeurs qui l'ont évalué y ont répondu.
Pinocchio par Guillermo del Toro
Cette épopée musicale en stop-motion qui se déroule dans l'Italie de l'entre-deux-guerres marque les débuts de Guillermo del Toro en tant que parolier, avec la ballade "Ciao Papa".
Pourquoi regarder: Pinocchio par Guillermo del Toro se situe à la fin exceptionnelle de cette liste. Une note aussi élevée, construite à partir d’une large base d’électeurs, reflète un véritable consensus plutôt qu’un battage médiatique.
Réalisé en 2022, Pinocchio par Guillermo del Toro existe à l’ère du streaming où tout rivalise avec tout. La note 8.0 qu'il détient reflète un public qui disposait d'alternatives infinies et a choisi de donner une note élevée à celle-ci. Le note 8.0 pour Pinocchio par Guillermo del Toro est construit à partir de téléspectateurs qui avaient des alternatives et ont choisi de lui attribuer une note élevée. Ce choix reflète un films qui a clairement fait valoir ses arguments – ce qui est exactement ce que fait Pinocchio par Guillermo del Toro. Mark Gustafson a présenté cet argument et le public l'a accepté. Ce qui distingue le films de l'animation, c'est la compréhension du réalisateur selon laquelle la forme peut transmettre l'intériorité à travers le design. Le mouvement, la couleur et la composition communiquent ce que ressent le personnage avant ou à la place du dialogue. Les meilleurs films animation utilisent les mécanismes de leur genre pour accéder à quelque chose de réel. Pinocchio par Guillermo del Toro fait partie de ces films. Mark Gustafson a suffisamment compris le genre pour savoir quelles conventions servent le matériau et lesquelles mettre de côté.
Le scénario de Pinocchio par Guillermo del Toro démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Mark Gustafson a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Ewan McGregor propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Pinocchio par Guillermo del Toro lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Les téléspectateurs qui regardent Pinocchio par Guillermo del Toro pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Mark Gustafson gère les transitions entre les scènes. Les montages de Pinocchio par Guillermo del Toro ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Ewan McGregor travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 2022 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Mark Gustafson voulait dire.
Les films classés entre onze et vingt-cinq sur des listes comme celle-ci sont souvent les découvertes les plus utiles car ils présentent la qualité des dix premiers sans le poids culturel. Pinocchio par Guillermo del Toro se trouve dans cette position non pas parce qu'il est nettement pire que les entrées ci-dessus, mais parce que son attrait est plus concentré. Les téléspectateurs qui se connectent à ce que fait Mark Gustafson dans Pinocchio par Guillermo del Toro l'évaluent aussi bien que n'importe quel films de cette liste. La moyenne sur une base électorale plus large le place ici. Les téléspectateurs qui ont des raisons spécifiques de penser que ce films est fait pour eux – en fonction de leur préférence de genre, de l’intérêt du réalisateur ou de leur époque – devraient le donner la priorité à plusieurs entrées qui lui sont supérieures.
La Passion Van Gogh
Paris, été 1891. Alors que la nouvelle de la mort de Vincent Van Gogh vient de tomber, Armand Roulin, fils d'un proche du peintre qui voyait d'un mauvais œil cette relation, est chargé de porter la nouvelle. Cependant, Armand réalise vite qu'il a mal jugé le peintre et se met en tête de comprendre son geste désespéré.
Pourquoi regarder: Les chiffres derrière La Passion Van Gogh sont difficiles à atteindre : des milliers de téléspectateurs indépendants lui accordent une note élevée sans coordination. Ce consensus constitue le signal de qualité le plus fiable disponible.
La Passion Van Gogh (2017) a été réalisé à une époque où le public est devenu plus sophistiqué en matière de qualité de production. Hugh Welchman a livré quelque chose qui répond à ces attentes. La Passion Van Gogh à 8.0 est un films où le métier est constamment au-dessus de la moyenne dans plusieurs dimensions. Aucun élément ne porte les autres. La mise en scène, l’écriture et la performance vont toutes dans la même direction. Le films démontre ce que le drame peut faire que d'autres genres ne peuvent pas faire : mettre le comportement humain ordinaire sous pression et révéler le caractère à travers la réponse. Le réalisateur crée ces conditions et les acteurs les habitent avec une véritable conviction. La Passion Van Gogh se situe en tête de ce classement animation car il démontre ce que le genre réalise lorsqu'un réalisateur le prend au sérieux en tant que cadre artistique plutôt qu'en tant que catégorie commerciale. La différence est visible dans chaque scène de La Passion Van Gogh.
Les performances de La Passion Van Gogh sont calibrées sur un registre spécifique que Hugh Welchman a établi et maintenu tout au long de la production. Douglas Booth a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de La Passion Van Gogh qui sont les plus difficiles sont ceux où Douglas Booth fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
La Passion Van Gogh se situe dans une position spécifique dans l’histoire de son genre : il a été réalisé alors que les conventions avec lesquelles il travaille étaient encore en développement plutôt qu’établies. Hugh Welchman n’appliquait pas une formule éprouvée mais construisait quelque chose dont l’efficacité n’était pas garantie. La note 8.0 reflète un public qui a réagi au travail réalisé dans des conditions de véritable risque créatif. Les films contemporains dans le même espace ont l’avantage de savoir ce qui fonctionne car La Passion Van Gogh et des films comme celui-ci l’ont démontré. Regarder La Passion Van Gogh dans ce contexte - en tant qu'œuvre créative réalisée sans le filet de sécurité d'une convention éprouvée - ajoute une dimension à l'expérience visuelle qui n'est pas disponible en regardant des films réalisés après l'établissement des conventions.
La Passion Van Gogh, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de Douglas Booth et le savoir-faire de Hugh Welchman peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
Les Enfants du temps
Jeune lycéen, Hodaka fuit son île pour rejoindre Tokyo. Sans argent ni emploi, il tente de survivre dans la jungle urbaine et trouve un poste dans une revue dédiée au paranormal. Un phénomène météorologique extrême touche alors le Japon, exposé à de constantes pluies. Hodaka est dépêché pour enquêter sur l'existence de prêtresses du temps. Peu convaincu par cette légende, il change soudainement d'avis lorsqu'il croise la jeune Hina…
Pourquoi regarder: Les Enfants du temps a conservé sa notation suffisamment longtemps pour que le note soit stable. Les films aussi bien notés auprès d’un public diversifié sont exceptionnels plutôt que simplement bons.
Dans 2019, lorsque Makoto Shinkai a créé Les Enfants du temps, la qualité moyenne de production des films n'avait jamais été aussi élevée. Ce qui distingue Les Enfants du temps n'est pas le raffinement technique mais l'intentionnalité : chaque scène fait quelque chose de spécifique. Les films de la gamme 8.0 sont souvent plus intéressants que ne le suggère leur position dans une liste. Ils n’ont pas atteint la saturation culturelle des titres mieux notés, ce qui signifie que Les Enfants du temps est plus facile à aborder sans préjugés. Les Enfants du temps en profite. Ce qui distingue ce films d'un drame est le refus du réalisateur d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le films crée des situations avec un poids émotionnel et fait ensuite confiance aux spectateurs pour porter eux-mêmes ce poids. Les performances apportent le registre émotionnel sans sur-signalisation. Regarder Les Enfants du temps aux côtés d’autres entrées de cette liste animation révèle ce qui sépare la meilleure œuvre du genre de sa production moyenne. Makoto Shinkai a fait ici des choix que la plupart des films animation évitent car ces choix nécessitent la confiance du public.
La structure de Les Enfants du temps est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Makoto Shinkai réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Les Enfants du temps coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Les Enfants du temps désorientant de manière productive.
Les Enfants du temps s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.0 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Les Enfants du temps comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Makoto Shinkai et Kotaro Daigo font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 8.0 qui place Les Enfants du temps dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à Les Enfants du temps un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que Makoto Shinkai a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. Les Enfants du temps est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
Toy Story
Dans un monde où les jouets vivent leur vie quand les humains ne sont pas présents, Toy Story emmène les spectateurs dans un voyage fantastique vu principalement par les yeux de deux rivaux : Woody, un cow-boy, et Buzz l'Éclair, un ranger de l’espace. Ce duo va devoir apprendre à mettre ses différences de côté et s'allier, lorsqu’il sera séparé de son propriétaire Andy.
Pourquoi regarder: L'un des films les mieux notés de cette sélection. Toy Story a gagné sa réputation grâce à une appréciation critique soutenue auprès de plusieurs générations de téléspectateurs.
Toy Story (1995) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Toy Story a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 8.0 reflète la réalisation, l’écriture et la performance fonctionnant simultanément à des niveaux cohérents. Les films qui obtiennent des scores dans cette fourchette échouent rarement de manière significative dans une seule dimension, et Toy Story ne fait pas exception. Ce qui fait que le films fonctionne comme une comédie, c'est le refus du réalisateur de signaler où se trouve l'humour. Les blagues viennent du personnage et de la situation, ce qui signifie que les téléspectateurs qui y prêtent attention trouvent plus que ceux qui attendent qu'on leur dise qu'ils devraient rire. Au sein du genre animation, Toy Story occupe une position spécifique : il démontre ce qui est possible lorsqu'un réalisateur utilise les conventions de genre comme point de départ plutôt que comme modèle. Les meilleurs films animation élargissent ce que le genre peut faire.
L’environnement sonore de Toy Story est aussi délibérément construit que son environnement visuel. John Lasseter comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Toy Story utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Tom Hanks travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Les nouveaux spectateurs de Toy Story devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Toy Story pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Toy Story change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par John Lasseter semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Tom Hanks dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, Toy Story occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : Toy Story arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de John Lasseter ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent Toy Story ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
Le Château dans le ciel
Sheeta, seule héritière des secrets de Laputa, la cité volante, attire l’avidité des pirates et de l’armée. Poursuivie, elle est sauvée par Pazu, un jeune pilote d’avion travaillant dans une cité minière.
Pourquoi regarder: Le Château dans le ciel se situe à la fin exceptionnelle de cette liste. Une note aussi élevée, construite à partir d’une large base d’électeurs, reflète un véritable consensus plutôt qu’un battage médiatique.
Sorti en 1986, Le Château dans le ciel a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Hayao Miyazaki a créé quelque chose qui a survécu, et la note 8.0 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 8.0 pour Le Château dans le ciel le place parmi les films qui tiennent leurs promesses sans faiblesses significatives. Hayao Miyazaki a créé quelque chose qui fonctionne comme prévu, ce qui est moins courant qu'il n'y paraît. Ce qui distingue le films de l'animation, c'est la compréhension du réalisateur selon laquelle la forme peut transmettre l'intériorité à travers le design. Le mouvement, la couleur et la composition communiquent ce que ressent le personnage avant ou à la place du dialogue. Le genre animation a produit des centaines de films. Ceux qui se classent à 8.0 et au-dessus sont ceux pour lesquels le réalisateur a compris que le genre est un contrat avec le public, et non une contrainte sur ce qui peut être exprimé.
Le langage visuel de Le Château dans le ciel reflète le cinéma de 1986 dans sa forme la plus réfléchie. Hayao Miyazaki a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Le Château dans le ciel a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Le Château dans le ciel avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Le Château dans le ciel s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.0 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Le Château dans le ciel comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Hayao Miyazaki et Keiko Yokozawa font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
Le Château dans le ciel se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. Hayao Miyazaki a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 8.0 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de Hayao Miyazaki à l'égard de ce matériel trouvent généralement que Le Château dans le ciel fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
Là-haut
À 78 ans, Carl n'envisage plus qu'une chose : finir tranquillement sa vie dans la petite maison où il a passé toute une existence paisible auprès de son épouse Ellie. Veuf désormais, il reste, en effet, attaché à son passé en refusant les propositions mirobolantes d'un promoteur pour racheter son bien. Quand des circonstances exceptionnelles le contraignent d'intégrer une maison de retraite, il prend une ultime fois les choses en mains et, transformant sa demeure en dirigeable, s'envole pour l'aventure, vers la partie du monde où sa femme et lui s'étaient promis un jour de s'installer. Il ne se doute pas alors qu'il a emporté avec lui un jeune passager clandestin, Russell et que le voyage sera loin d'être de tout repos…
Pourquoi regarder: Les chiffres derrière Là-haut sont difficiles à atteindre : des milliers de téléspectateurs indépendants lui accordent une note élevée sans coordination. Ce consensus constitue le signal de qualité le plus fiable disponible.
Le cinéma 2009 fonctionnait sous des pressions différentes de celles des sorties contemporaines. Là-haut a été réalisé sans les boucles de rétroaction algorithmiques qui façonnent les productions modernes. Ce que Pete Docter a créé ici est venu de conviction plutôt que de données. Chez 8.0, Là-haut se situe dans une gamme où la qualité est constante, mais le films n'a pas atteint le large consensus des titres mieux notés. Ce consensus plus restreint reflète souvent un attrait spécifique : Là-haut n'est pas pour tout le monde, mais pour le bon téléspectateur, il est excellent. La comédie de personnages exige que le réalisateur et les acteurs comprennent que les moments les plus drôles viennent de la vérité plutôt que de l'exagération. Le films fonctionne parce que ce que font les personnages a du sens pour qui ils sont. Là-haut montre pourquoi le cinéma animation est important : il fait des choses qu'aucun autre genre ne peut faire aussi efficacement. Pete Docter comprend les mécanismes spécifiques de animation et les utilise pour créer des effets impossibles dans d'autres modes de narration.
Le scénario de Là-haut démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Pete Docter a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Ed Asner propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Là-haut lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Là-haut est une recommandation fiable pour les téléspectateurs qui souhaitent découvrir un films selon ses propres conditions plutôt que d'exiger qu'il se conforme aux attentes venues d'ailleurs. Il n'a pas l'omniprésence culturelle des titres mieux notés dans cette catégorie, ce qui signifie qu'il arrive sans le poids du visionnage obligatoire. Les publics qui découvrent Là-haut sans qu’on leur ait dit qu’ils devaient le voir réagissent souvent plus fortement que ceux qui l’abordent comme une obligation. Pete Docter a créé quelque chose avec un attrait spécifique - il ne s'agit pas d'essayer de tout plaire à tout le monde. Les téléspectateurs qui se connectent à Là-haut ont tendance à le trouver considérablement meilleur que ne le suggère la note 8.0, c'est pourquoi il conserve cette note malgré une visibilité marketing limitée.
La position de Là-haut dans cette section de la liste reflète un films qui offre ses qualités spécifiques de manière fiable sans aspirer à tout pour tout le monde. Pete Docter a compris ce qu'était le films et l'a réalisé avec un haut niveau de savoir-faire. La note 8.0 représente les téléspectateurs qui ont interagi avec le films selon ces conditions et qui ont trouvé qu'il valait la peine d'être noté. Les téléspectateurs qui ont des attentes différentes trouvent parfois le films moins satisfaisant que ce que suggère la note - ce qui n'est pas une faiblesse du films mais une faiblesse des attentes. Là-haut est exactement ce qu'il est, réalisé avec compétence, et les électeurs qui l'ont évalué y ont répondu.
Le Géant de fer
Quelque chose de gigantesque se profile à l’horizon. Hogarth Hugues vient tout juste de sauver un énorme robot tombé du ciel. Le jeune Hogarth a désormais un très grand ami et un problème encore plus grand : Comment garder secrète l’existence d’un géant de 15 mètres ? Cette mission se complique encore plus lorsqu’un agent du gouvernement un peu trop curieux arrive en ville pour chasser « l’envahisseur alien » et que les forces terrestres, maritimes et aériennes des militaires américains sont envoyées pour démolir le géant.
Pourquoi regarder: Le Géant de fer a conservé sa notation suffisamment longtemps pour que le note soit stable. Les films aussi bien notés auprès d’un public diversifié sont exceptionnels plutôt que simplement bons.
La version 1999 de Le Géant de fer est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Le Géant de fer l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Le Géant de fer s'auto-sélectionne pour s'engager. Le Géant de fer à 8.0 représente le niveau fiable de cette liste. Ce sont les films qui ne déçoivent pas. Brad Bird a compris ce que le films devait être et l'a exécuté sans compromis. Ce qui distingue ce films d'un drame est le refus du réalisateur d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le films crée des situations avec un poids émotionnel et fait ensuite confiance aux spectateurs pour porter eux-mêmes ce poids. Les performances apportent le registre émotionnel sans sur-signalisation. Les classements de genre comme celui-ci sont utiles en partie parce qu’ils rendent explicite le canon animation. Le Géant de fer et 8.0 font partie de toute discussion sérieuse sur ce que le cinéma animation a réalisé. Le regarder aux côtés d’autres films animation les mieux notés révèle l’étendue de ce que contient le genre.
Les performances de Le Géant de fer sont calibrées sur un registre spécifique que Brad Bird a établi et maintenu tout au long de la production. Jennifer Aniston a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Le Géant de fer qui sont les plus difficiles sont ceux où Jennifer Aniston fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Les téléspectateurs qui regardent Le Géant de fer pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Brad Bird gère les transitions entre les scènes. Les montages de Le Géant de fer ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Jennifer Aniston travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 1999 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Brad Bird voulait dire.
Les films classés entre onze et vingt-cinq sur des listes comme celle-ci sont souvent les découvertes les plus utiles car ils présentent la qualité des dix premiers sans le poids culturel. Le Géant de fer se trouve dans cette position non pas parce qu'il est nettement pire que les entrées ci-dessus, mais parce que son attrait est plus concentré. Les téléspectateurs qui se connectent à ce que fait Brad Bird dans Le Géant de fer l'évaluent aussi bien que n'importe quel films de cette liste. La moyenne sur une base électorale plus large le place ici. Les téléspectateurs qui ont des raisons spécifiques de penser que ce films est fait pour eux – en fonction de leur préférence de genre, de l’intérêt du réalisateur ou de leur époque – devraient le donner la priorité à plusieurs entrées qui lui sont supérieures.
Nausicaä de la vallée du vent
Dans un monde où la nature est hostile à l’Homme, Nausicaä – princesse de la Vallée du Vent – se bat pour protéger son village. Mais la guerre des hommes frappe à leur porte. Les vestiges d’une humanité industrielle menacent l’équilibre entre les rescapés humains du grand cataclysme et les insectes, protecteurs de la forêt toxique.
Pourquoi regarder: L'un des films les mieux notés de cette sélection. Nausicaä de la vallée du vent a gagné sa réputation grâce à une appréciation critique soutenue auprès de plusieurs générations de téléspectateurs.
Nausicaä de la vallée du vent (1984) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Nausicaä de la vallée du vent a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 8.0 provenant d'un large bassin d'électeurs signifie que le films possède de véritables atouts qui l'emportent sur les faiblesses trouvées par les téléspectateurs. Nausicaä de la vallée du vent tient sa promesse centrale, qui est la norme minimale que tout films devrait respecter et qui est moins atteinte que ne le suggère le nombre de sorties. Le films démontre que l’animation est un outil permettant d’atteindre des registres émotionnels que l’action réelle ne peut atteindre. Le réalisateur utilise les possibilités formelles du médium pour créer des moments spécifiques à la forme animée. L'approche de Hayao Miyazaki à animation dans Nausicaä de la vallée du vent est instructive : les conventions de genre sont utilisées consciemment plutôt qu'automatiquement. Le résultat est un films qui offre ce que le genre promet tout en faisant quelque chose que la plupart des films animation ne font pas.
La structure de Nausicaä de la vallée du vent est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Hayao Miyazaki réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Nausicaä de la vallée du vent coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Nausicaä de la vallée du vent désorientant de manière productive.
Les téléspectateurs qui ont vu les films influencés par Nausicaä de la vallée du vent trouveront que regarder l’original est une expérience différente de celle d’un films contemporain. Les techniques qui semblent familières parce qu'elles ont été largement copiées sont visibles ici dans leur forme originale, ce qui révèle souvent que les copies ont compris la surface de ce que Hayao Miyazaki a fait sans en comprendre le raisonnement. Nausicaä de la vallée du vent utilise ses choix stylistiques au service d’objectifs narratifs spécifiques. Les films ultérieurs qui ont emprunté ces choix les ont souvent utilisés comme style sans fonction. Regarder l’original clarifie ce qui était réellement accompli. Le travail de Sumi Shimamoto présente ici également une spécificité qui manque à de nombreuses performances qui s'en inspirent : les imitations captent la manière sans l'intériorité qui lui donne un sens.
Nausicaä de la vallée du vent, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de Sumi Shimamoto et le savoir-faire de Hayao Miyazaki peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
Si tu tends l'oreille
Shizuku est une jeune collégienne de quatorze ans comme toutes les autres, mais elle est passionnée de littérature et elle écrit des chansons. C’est l’été à Tokyo, et elle a décidé de lire, pendant les vacances, une vingtaine de livres. Elle découvre qu’à chacun des romans qu’elle a choisis, le nom de Seiji Amasawa apparaît sur la liste des personnes les ayant empruntés. Shizuku rencontre enfin ce Seiji.
Pourquoi regarder: Si tu tends l'oreille est un drame qui fait confiance au silence. Yoshifumi Kondo donne aux scènes la possibilité de respirer au-delà de leur point final évident, en trouvant quelque chose de vrai dans ce que font les personnages lorsqu'ils arrêtent de jouer.
Sorti en 1995, Si tu tends l'oreille a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Yoshifumi Kondo a créé quelque chose qui a survécu, et la note 7.9 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 7.9 pour Si tu tends l'oreille est construit à partir de téléspectateurs qui avaient des alternatives et ont choisi de lui attribuer une note élevée. Ce choix reflète un films qui a clairement fait valoir ses arguments – ce qui est exactement ce que fait Si tu tends l'oreille. Yoshifumi Kondo a présenté cet argument et le public l'a accepté. Le drame vient de la spécificité plutôt que de l’universalité. Le réalisateur fait des choix qui s'appliquent précisément à ces personnages dans cette situation, ce qui crée paradoxalement quelque chose de plus universel que ne le feraient des battements émotionnels génériques. Les meilleurs films animation utilisent les mécanismes de leur genre pour accéder à quelque chose de réel. Si tu tends l'oreille fait partie de ces films. Yoshifumi Kondo a suffisamment compris le genre pour savoir quelles conventions servent le matériau et lesquelles mettre de côté.
L’environnement sonore de Si tu tends l'oreille est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Yoshifumi Kondo comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Si tu tends l'oreille utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Yoko Honna travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Si tu tends l'oreille s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.9 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Si tu tends l'oreille comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Yoshifumi Kondo et Yoko Honna font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 7.9 qui place Si tu tends l'oreille dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à Si tu tends l'oreille un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que Yoshifumi Kondo a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. Si tu tends l'oreille est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
Le meilleur cinéma récompense votre attention. Chaque films ici a gagné le temps dont il a besoin.
Akira
Tetsuo, un adolescent ayant vécu une enfance difficile, est la victime d'expériences visant à développer les capacités psychiques qui dorment en chacun de nous. Ainsi doté d'une puissance que lui-même ne peut imaginer, Tetsuo décide de partir en guerre contre le monde qui l'a opprimé. Dès lors, Il se retrouve au cœur d'une légende populaire qui annonce le retour prochain d'Akira, un enfant aux pouvoirs extra-ordinaires censé délivrer Tokyo du chaos...
Pourquoi regarder: Katsuhiro Otomo filme l'action dans Akira pour la compréhension plutôt que pour un simple impact. La logique spatiale est maintenue partout, ce qui est plus rare qu’elle ne devrait l’être.
Akira date de 1988, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Akira occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Akira à 7.9 est un films où le métier est constamment au-dessus de la moyenne dans plusieurs dimensions. Aucun élément ne porte les autres. La mise en scène, l’écriture et la performance vont toutes dans la même direction. Le réalisateur filme l'action à l'échelle humaine plutôt qu'à la caméra. Les personnages occupent un espace cohérent et leurs corps se déplacent dans cet espace avec un objectif lisible. Le résultat est une action qui accumule l’impact plutôt que de générer de l’adrénaline momentanée. Akira se situe en tête de ce classement animation car il démontre ce que le genre réalise lorsqu'un réalisateur le prend au sérieux en tant que cadre artistique plutôt qu'en tant que catégorie commerciale. La différence est visible dans chaque scène de Akira.
Le langage visuel de Akira reflète le cinéma de 1988 dans sa forme la plus réfléchie. Katsuhiro Otomo a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Akira a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Akira avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Les nouveaux spectateurs de Akira devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Akira pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Akira change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Katsuhiro Otomo semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Mitsuo Iwata dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, Akira occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : Akira arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de Katsuhiro Otomo ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent Akira ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
Ghost in the Shell
Dans un Japon futuriste régi par l'Internet, le major Motoko Kusunagi, une femme cyborg ultra-perfectionnée, est hantée par des interrogations ontologiques. Elle appartient, malgré elle, à une cyber-police musclée dotée de moyens quasi-illimités pour lutter contre le crime informatique. Le jour où sa section retrouve la trace du 'Puppet Master', un hacker mystérieux et légendaire dont l'identité reste totalement inconnue, la jeune femme se met en tète de pénétrer le corps de celui-ci et d'en analyser le ghost (élément indéfinissable de la conscience, apparenté à l'âme) dans l'espoir d'y trouver les réponses à ses propres questions existentielles...
Pourquoi regarder: L'action dans Ghost in the Shell est gagnée plutôt que planifiée. Mamoru Oshii s'appuie sur chaque séquence, donc quand elle arrive, elle a un poids au-delà du spectacle.
La version 1995 de Ghost in the Shell est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Ghost in the Shell l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Ghost in the Shell s'auto-sélectionne pour s'engager. Les films de la gamme 7.9 sont souvent plus intéressants que ne le suggère leur position dans une liste. Ils n’ont pas atteint la saturation culturelle des titres mieux notés, ce qui signifie que Ghost in the Shell est plus facile à aborder sans préjugés. Ghost in the Shell en profite. L’action est subordonnée à la narration plutôt que de la remplacer. Le réalisateur construit des séquences qui ne fonctionnent que grâce à ce qui précède. L'investissement du public dans les personnages et les enjeux détermine si l'action aboutit. Regarder Ghost in the Shell aux côtés d’autres entrées de cette liste animation révèle ce qui sépare la meilleure œuvre du genre de sa production moyenne. Mamoru Oshii a fait ici des choix que la plupart des films animation évitent car ces choix nécessitent la confiance du public.
Le scénario de Ghost in the Shell démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Mamoru Oshii a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Atsuko Tanaka propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Ghost in the Shell lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Ghost in the Shell s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.9 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Ghost in the Shell comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Mamoru Oshii et Atsuko Tanaka font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
Ghost in the Shell se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. Mamoru Oshii a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 7.9 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de Mamoru Oshii à l'égard de ce matériel trouvent généralement que Ghost in the Shell fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
Dragon Ball Super - Broly
Quelque temps après le Tournoi du Pouvoir, la Terre est paisible. Son Goku et ses amis ont repris leur vie. Cependant, avec son expérience du Tournoi, Son Goku passe son temps à s'entraîner pour continuer à s'améliorer car ce dernier est conscient qu'il reste encore beaucoup d'individus plus forts à découvrir au sein des autres univers. Lorsqu'un jour, le vaisseau de Freezer refait surface sur la Terre. Celui-ci est accompagné d'un Saiyan, nommé Broly, avec son père, Paragus. La surprise de Son Goku et Vegeta est immense puisque les Saiyans sont censés avoir été complètement anéantis lors de la destruction de la planète Vegeta. Ils n'ont donc pas d'autre choix que de s'affronter, mais ce nouvel ennemi s'adapte très vite aux adversaires qu'il affronte…
Pourquoi regarder: Action conçue avec une clarté géographique. Tatsuya Nagamine comprend que les meilleures séquences fonctionnent parce que vous savez toujours où se trouve tout le monde.
Dragon Ball Super - Broly est une œuvre contemporaine qui a déjà prouvé sa pérennité sur un marché inondé de contenu. Tatsuya Nagamine a créé quelque chose qui a coupé le bruit parce qu'il était véritablement meilleur que les alternatives. Une note 7.9 reflète la réalisation, l’écriture et la performance fonctionnant simultanément à des niveaux cohérents. Les films qui obtiennent des scores dans cette fourchette échouent rarement de manière significative dans une seule dimension, et Dragon Ball Super - Broly ne fait pas exception. Le réalisateur résout le problème central du cinéma d’action : vous faire vous soucier du résultat avant de vous montrer l’action. Les séquences fonctionnent parce que la clarté géographique signifie que vous savez toujours qui se trouve où et ce qu'exige le succès. Au sein du genre animation, Dragon Ball Super - Broly occupe une position spécifique : il démontre ce qui est possible lorsqu'un réalisateur utilise les conventions de genre comme point de départ plutôt que comme modèle. Les meilleurs films animation élargissent ce que le genre peut faire.
Les performances de Dragon Ball Super - Broly sont calibrées sur un registre spécifique que Tatsuya Nagamine a établi et maintenu tout au long de la production. Masako Nozawa a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Dragon Ball Super - Broly qui sont les plus difficiles sont ceux où Masako Nozawa fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Dragon Ball Super - Broly s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.9 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Dragon Ball Super - Broly comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Tatsuya Nagamine et Masako Nozawa font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La position de Dragon Ball Super - Broly dans cette section de la liste reflète un films qui offre ses qualités spécifiques de manière fiable sans aspirer à tout pour tout le monde. Tatsuya Nagamine a compris ce qu'était le films et l'a réalisé avec un haut niveau de savoir-faire. La note 7.9 représente les téléspectateurs qui ont interagi avec le films selon ces conditions et qui ont trouvé qu'il valait la peine d'être noté. Les téléspectateurs qui ont des attentes différentes trouvent parfois le films moins satisfaisant que ce que suggère la note - ce qui n'est pas une faiblesse du films mais une faiblesse des attentes. Dragon Ball Super - Broly est exactement ce qu'il est, réalisé avec compétence, et les électeurs qui l'ont évalué y ont répondu.
Vice-versa
Riley est déracinée du Mid-Ouest quand son père est muté à San Francisco. Comme tous, Riley est guidée par ses Émotions : Joie, Peur, Colère, Dégoût et Tristesse. Les Émotions vivent au Quartier Cérébral, où elles la conseillent au quotidien. Alors que Riley et ses Émotions se bagarrent, c’est la crise au Quartier Cérébral. Joie, l'Émotion principale de Riley, essaie de rester positive alors que les autres Émotions essaient de s'adapter à la nouvelle vie de Riley.
Pourquoi regarder: Vice-versa utilise l'animation pour atteindre des registres émotionnels et visuels que l'action réelle ne peut pas atteindre. Pete Docter traite la forme comme une expansion du cinéma plutôt que comme une limitation.
Réalisé en 2015, Vice-versa existe à l’ère du streaming où tout rivalise avec tout. La note 7.9 qu'il détient reflète un public qui disposait d'alternatives infinies et a choisi de donner une note élevée à celle-ci. Le note 7.9 pour Vice-versa le place parmi les films qui tiennent leurs promesses sans faiblesses significatives. Pete Docter a créé quelque chose qui fonctionne comme prévu, ce qui est moins courant qu'il n'y paraît. Ce qui distingue le films de l'animation, c'est la compréhension du réalisateur selon laquelle la forme peut transmettre l'intériorité à travers le design. Le mouvement, la couleur et la composition communiquent ce que ressent le personnage avant ou à la place du dialogue. Le genre animation a produit des centaines de films. Ceux qui se classent à 7.9 et au-dessus sont ceux pour lesquels le réalisateur a compris que le genre est un contrat avec le public, et non une contrainte sur ce qui peut être exprimé.
La structure de Vice-versa est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Pete Docter réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Vice-versa coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Vice-versa désorientant de manière productive.
Les téléspectateurs qui regardent Vice-versa pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Pete Docter gère les transitions entre les scènes. Les montages de Vice-versa ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Amy Poehler travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 2015 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Pete Docter voulait dire.
Les films classés entre onze et vingt-cinq sur des listes comme celle-ci sont souvent les découvertes les plus utiles car ils présentent la qualité des dix premiers sans le poids culturel. Vice-versa se trouve dans cette position non pas parce qu'il est nettement pire que les entrées ci-dessus, mais parce que son attrait est plus concentré. Les téléspectateurs qui se connectent à ce que fait Pete Docter dans Vice-versa l'évaluent aussi bien que n'importe quel films de cette liste. La moyenne sur une base électorale plus large le place ici. Les téléspectateurs qui ont des raisons spécifiques de penser que ce films est fait pour eux – en fonction de leur préférence de genre, de l’intérêt du réalisateur ou de leur époque – devraient le donner la priorité à plusieurs entrées qui lui sont supérieures.
Coraline
Coraline Jones est une fillette intrépide et douée d’une curiosité sans limites. Ses parents, qui ont tout juste emménagé avec elle dans une étrange maison, n’ont guère de temps à lui consacrer. Pour tromper son ennui, Coraline décide donc de jouer les exploratrices. Ouvrant une porte condamnée, elle pénètre dans un appartement identique au sien… mais où tout est différent. Dans cet Autre Monde, chaque chose lui paraît plus belle, plus colorée et plus attrayante. Son Autre Mère est pleinement disponible, son Autre Père prend la peine de lui mitonner des plats exquis, et même le Chat, si hautain dans la Vraie vie, daigne s’entretenir avec elle. Coraline est bien tentée d’élire domicile dans ce Monde merveilleux, qui répond à toutes ses attentes. Mais le rêve va très vite tourner au cauchemar. Prisonnière de l’Autre Mère, Coraline va devoir déployer des trésors de bravoure, d’imagination et de ténacité pour rentrer chez elle et sauver sa Vraie famille…
Pourquoi regarder: Chaque décision visuelle de Coraline – couleur, mouvement, composition – est inventée à partir de zéro. Henry Selick utilise ce contrôle total pour créer quelque chose qu'aucun films d'action réelle ne pourrait reproduire.
Le cinéma 2009 fonctionnait sous des pressions différentes de celles des sorties contemporaines. Coraline a été réalisé sans les boucles de rétroaction algorithmiques qui façonnent les productions modernes. Ce que Henry Selick a créé ici est venu de conviction plutôt que de données. Chez 7.9, Coraline se situe dans une gamme où la qualité est constante, mais le films n'a pas atteint le large consensus des titres mieux notés. Ce consensus plus restreint reflète souvent un attrait spécifique : Coraline n'est pas pour tout le monde, mais pour le bon téléspectateur, il est excellent. Le réalisateur investit le films avec le genre de savoir-faire délibéré qu’exige l’animation. Chaque image reflète l'intention sur la façon dont l'histoire doit être vécue, ce qui signifie que le films fonctionne au niveau de moments individuels plutôt que simplement au niveau narratif. Coraline montre pourquoi le cinéma animation est important : il fait des choses qu'aucun autre genre ne peut faire aussi efficacement. Henry Selick comprend les mécanismes spécifiques de animation et les utilise pour créer des effets impossibles dans d'autres modes de narration.
L’environnement sonore de Coraline est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Henry Selick comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Coraline utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Dakota Fanning travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Coraline se situe dans une position spécifique dans l’histoire de son genre : il a été réalisé alors que les conventions avec lesquelles il travaille étaient encore en développement plutôt qu’établies. Henry Selick n’appliquait pas une formule éprouvée mais construisait quelque chose dont l’efficacité n’était pas garantie. La note 7.9 reflète un public qui a réagi au travail réalisé dans des conditions de véritable risque créatif. Les films contemporains dans le même espace ont l’avantage de savoir ce qui fonctionne car Coraline et des films comme celui-ci l’ont démontré. Regarder Coraline dans ce contexte - en tant qu'œuvre créative réalisée sans le filet de sécurité d'une convention éprouvée - ajoute une dimension à l'expérience visuelle qui n'est pas disponible en regardant des films réalisés après l'établissement des conventions.
Coraline, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de Dakota Fanning et le savoir-faire de Henry Selick peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
Mulan
Mulan, sous les traits du soldat « Ping », prend la place de son père dans l’armée impériale chinoise. Aidée par son dragon Mushu et un criquet appelé Cri-Kee, Mulan essaie de gagner le respect de ses camarades et du courageux Capitaine Shang. Ses aventures l’emmènent dans une bataille sur le toit du palais impérial où l’honneur de sa famille et le destin de l’Empereur reposent entre ses mains.
Pourquoi regarder: L’animation réalisée avec intention plutôt qu’efficacité est différente. Tony Bancroft donne à Mulan une sensation différente au niveau des images individuelles, et il s'accumule en quelque chose de complet.
La version 1998 de Mulan est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Mulan l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Mulan s'auto-sélectionne pour s'engager. Mulan à 7.9 représente le niveau fiable de cette liste. Ce sont les films qui ne déçoivent pas. Tony Bancroft a compris ce que le films devait être et l'a exécuté sans compromis. L’animation est au service de la narration plutôt que d’une démonstration de capacités techniques. Le réalisateur utilise la forme pour obtenir des effets émotionnels et narratifs au service de l’histoire spécifique racontée. Les classements de genre comme celui-ci sont utiles en partie parce qu’ils rendent explicite le canon animation. Mulan et 7.9 font partie de toute discussion sérieuse sur ce que le cinéma animation a réalisé. Le regarder aux côtés d’autres films animation les mieux notés révèle l’étendue de ce que contient le genre.
La cinématographie de Mulan reflète une période de transition dans la technologie cinématographique, lorsque les outils numériques étaient disponibles mais que les cinéastes se demandaient encore s'ils devaient les utiliser. Tony Bancroft a fait des choix de style visuel délibérés plutôt que par défaut. La façon dont Mulan est éclairé, cadré et découpé reflète une intelligence visuelle spécifique plutôt qu'une convention industrielle. Ming-Na Wen fonctionne dans ce cadre visuel d'une manière qui est plus visible lorsque vous regardez le films en prêtant attention à la façon dont ils sont placés dans le cadre plutôt qu'à ce qu'ils font.
Mulan s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.9 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Mulan comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Tony Bancroft et Ming-Na Wen font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 7.9 qui place Mulan dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à Mulan un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que Tony Bancroft a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. Mulan est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
Dragon Ball Super : Super Hero
L'armée du Ruban Rouge avait été détruite par Son Goku, mais des individus ont décidé de la faire renaître. Ils ont ainsi créé les cyborgs ultimes, Gamma 1 et Gamma 2. Autoproclamés les « Super Héros », ils lancent une attaque contre Piccolo et Son Gohan. Quel est le but de cette nouvelle organisation du Ruban Rouge ? Face à ce danger qui se rapproche, il est temps pour les vrais héros de se réveiller !
Pourquoi regarder: Action conçue avec une clarté géographique. Tetsuro Kodama comprend que les meilleures séquences fonctionnent parce que vous savez toujours où se trouve tout le monde.
Dragon Ball Super : Super Hero est une œuvre contemporaine qui a déjà prouvé sa pérennité sur un marché inondé de contenu. Tetsuro Kodama a créé quelque chose qui a coupé le bruit parce qu'il était véritablement meilleur que les alternatives. Une note 7.9 provenant d'un large bassin d'électeurs signifie que le films possède de véritables atouts qui l'emportent sur les faiblesses trouvées par les téléspectateurs. Dragon Ball Super : Super Hero tient sa promesse centrale, qui est la norme minimale que tout films devrait respecter et qui est moins atteinte que ne le suggère le nombre de sorties. Le réalisateur résout le problème central du cinéma d’action : vous faire vous soucier du résultat avant de vous montrer l’action. Les séquences fonctionnent parce que la clarté géographique signifie que vous savez toujours qui se trouve où et ce qu'exige le succès. L'approche de Tetsuro Kodama à animation dans Dragon Ball Super : Super Hero est instructive : les conventions de genre sont utilisées consciemment plutôt qu'automatiquement. Le résultat est un films qui offre ce que le genre promet tout en faisant quelque chose que la plupart des films animation ne font pas.
Le scénario de Dragon Ball Super : Super Hero démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Tetsuro Kodama a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Masako Nozawa propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Dragon Ball Super : Super Hero lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Les nouveaux spectateurs de Dragon Ball Super : Super Hero devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Dragon Ball Super : Super Hero pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Dragon Ball Super : Super Hero change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Tetsuro Kodama semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Masako Nozawa dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, Dragon Ball Super : Super Hero occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : Dragon Ball Super : Super Hero arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de Tetsuro Kodama ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent Dragon Ball Super : Super Hero ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
Persepolis
Téhéran 1978 : Marjane, huit ans, songe à l’avenir et se rêve en prophète sauvant le monde. Choyée par des parents modernes et cultivés, particulièrement liée à sa grand-mère, elle suit avec exaltation les évènements qui vont mener à la révolution et provoquer la chute du régime du Chah. Avec l’instauration de la République islamique débute le temps des «commissaires de la révolution» qui contrôlent tenues et comportements. Marjane qui doit porter le voile, se rêve désormais en révolutionnaire. Bientôt, la guerre contre l’Irak entraîne bombardements, privations, et disparitions de proches. La répression intérieure devient chaque jour plus sévère. Dans un contexte de plus en plus pénible, sa langue bien pendue et ses positions rebelles deviennent problématiques. Ses parents décident alors de l’envoyer en Autriche pour la protéger.
Pourquoi regarder: Persepolis est un drame qui fait confiance au silence. Marjane Satrapi donne aux scènes la possibilité de respirer au-delà de leur point final évident, en trouvant quelque chose de vrai dans ce que font les personnages lorsqu'ils arrêtent de jouer.
Sorti dans 2007, Persepolis s'inscrit dans une période de transition dans le cinéma - avant que le streaming ne change la distribution mais après que les outils numériques changent la production. Le savoir-faire visible dans Persepolis reflète les normes de l’ère théâtrale. Le note 7.9 pour Persepolis est construit à partir de téléspectateurs qui avaient des alternatives et ont choisi de lui attribuer une note élevée. Ce choix reflète un films qui a clairement fait valoir ses arguments – ce qui est exactement ce que fait Persepolis. Marjane Satrapi a présenté cet argument et le public l'a accepté. Le drame vient de la spécificité plutôt que de l’universalité. Le réalisateur fait des choix qui s'appliquent précisément à ces personnages dans cette situation, ce qui crée paradoxalement quelque chose de plus universel que ne le feraient des battements émotionnels génériques. Les meilleurs films animation utilisent les mécanismes de leur genre pour accéder à quelque chose de réel. Persepolis fait partie de ces films. Marjane Satrapi a suffisamment compris le genre pour savoir quelles conventions servent le matériau et lesquelles mettre de côté.
Les performances de Persepolis sont calibrées sur un registre spécifique que Marjane Satrapi a établi et maintenu tout au long de la production. Chiara Mastroianni a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Persepolis qui sont les plus difficiles sont ceux où Chiara Mastroianni fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Persepolis convient aux soirées où vous souhaitez regarder quelque chose avec une véritable substance plutôt que quelque chose qui remplit simplement le temps. Ce n’est pas un films de fond ni une expérience passive. Marjane Satrapi a construit quelque chose qui demande votre attention et la récompense spécifiquement plutôt que généralement. Les téléspectateurs qui regardent Persepolis tout en faisant autre chose obtiendront une version du films considérablement réduite par rapport à la version disponible pour quelqu'un qui lui accorde toute son attention. La note 7.9 reflète l’expérience visuelle avec toute l’attention. Le casting - Chiara Mastroianni en particulier - offre des détails de performance qui s'enregistrent en cas de vision concentrée et disparaissent en cas de vision distraite.
Persepolis se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. Marjane Satrapi a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 7.9 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de Marjane Satrapi à l'égard de ce matériel trouvent généralement que Persepolis fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
Mary et Max.
En faisant la chronique du voyage de Mary de l’adolescence à l’âge adulte et du passage de Max de la maturité à la vieillesse, Mary et Max explore un lien qui surmonte bien plus d’aléas qu’une amitié classique. Comme Harvie Krumpet, des mêmes auteurs, Oscar du meilleur court métrage d’animation, Mary et Max est un parcours à la fois hilarant et poignant à travers l’amitié, l’autisme, la taxidermie, la psychiatrie, l’alcoolisme, l’origine des bébés, l’obésité, la cleptomanie, les différences sexuelles, la confiance, l’accouplement des chiens, les différences religieuses, l’agoraphobie et bien d’autres surprises de la vie.
Pourquoi regarder: Ce qui fait que Mary et Max. fonctionne comme un drame, c'est le refus de Adam Elliot d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le registre émotionnel est créé, non signalé.
Le cinéma 2009 fonctionnait sous des pressions différentes de celles des sorties contemporaines. Mary et Max. a été réalisé sans les boucles de rétroaction algorithmiques qui façonnent les productions modernes. Ce que Adam Elliot a créé ici est venu de conviction plutôt que de données. Mary et Max. à 7.9 est un films où le métier est constamment au-dessus de la moyenne dans plusieurs dimensions. Aucun élément ne porte les autres. La mise en scène, l’écriture et la performance vont toutes dans la même direction. Le films démontre ce que le drame peut faire que d'autres genres ne peuvent pas faire : mettre le comportement humain ordinaire sous pression et révéler le caractère à travers la réponse. Le réalisateur crée ces conditions et les acteurs les habitent avec une véritable conviction. Mary et Max. se situe en tête de ce classement animation car il démontre ce que le genre réalise lorsqu'un réalisateur le prend au sérieux en tant que cadre artistique plutôt qu'en tant que catégorie commerciale. La différence est visible dans chaque scène de Mary et Max..
La structure de Mary et Max. est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Adam Elliot réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Mary et Max. coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Mary et Max. désorientant de manière productive.
Mary et Max. est une recommandation fiable pour les téléspectateurs qui souhaitent découvrir un films selon ses propres conditions plutôt que d'exiger qu'il se conforme aux attentes venues d'ailleurs. Il n'a pas l'omniprésence culturelle des titres mieux notés dans cette catégorie, ce qui signifie qu'il arrive sans le poids du visionnage obligatoire. Les publics qui découvrent Mary et Max. sans qu’on leur ait dit qu’ils devaient le voir réagissent souvent plus fortement que ceux qui l’abordent comme une obligation. Adam Elliot a créé quelque chose avec un attrait spécifique - il ne s'agit pas d'essayer de tout plaire à tout le monde. Les téléspectateurs qui se connectent à Mary et Max. ont tendance à le trouver considérablement meilleur que ne le suggère la note 7.9, c'est pourquoi il conserve cette note malgré une visibilité marketing limitée.
La position de Mary et Max. dans cette section de la liste reflète un films qui offre ses qualités spécifiques de manière fiable sans aspirer à tout pour tout le monde. Adam Elliot a compris ce qu'était le films et l'a réalisé avec un haut niveau de savoir-faire. La note 7.9 représente les téléspectateurs qui ont interagi avec le films selon ces conditions et qui ont trouvé qu'il valait la peine d'être noté. Les téléspectateurs qui ont des attentes différentes trouvent parfois le films moins satisfaisant que ce que suggère la note - ce qui n'est pas une faiblesse du films mais une faiblesse des attentes. Mary et Max. est exactement ce qu'il est, réalisé avec compétence, et les électeurs qui l'ont évalué y ont répondu.
Ron débloque
L'histoire de Barney, un collégien tout ce qu’il y a de plus normal, et de Ron, une prouesse technologique connectée capable de marcher et de parler, et conçue pour être son meilleur ami. Les dysfonctionnements de Ron à l’ère des réseaux sociaux entrainent le duo dans d’incroyables péripéties au cours desquelles garçon et robot vont découvrir la notion d’amitié sincère au milieu d’un joyeux désordre...
Pourquoi regarder: La logique interne de Ron débloque est cohérente partout. Sarah Smith s'engage sur le principe et le suit - ce qui permet au public de s'engager avec des idées plutôt que de se défendre contre l'incohérence.
Dans 2021, lorsque Sarah Smith a créé Ron débloque, la qualité moyenne de production des films n'avait jamais été aussi élevée. Ce qui distingue Ron débloque n'est pas le raffinement technique mais l'intentionnalité : chaque scène fait quelque chose de spécifique. Les films de la gamme 7.9 sont souvent plus intéressants que ne le suggère leur position dans une liste. Ils n’ont pas atteint la saturation culturelle des titres mieux notés, ce qui signifie que Ron débloque est plus facile à aborder sans préjugés. Ron débloque en profite. La science-fiction est fondée sur la perspective des personnages. Le réalisateur filtre les éléments spéculatifs en fonction de la manière dont ils affectent le protagoniste, ce qui signifie que l'abstrait devient concret et émotionnellement lisible. Regarder Ron débloque aux côtés d’autres entrées de cette liste animation révèle ce qui sépare la meilleure œuvre du genre de sa production moyenne. Sarah Smith a fait ici des choix que la plupart des films animation évitent car ces choix nécessitent la confiance du public.
L’environnement sonore de Ron débloque est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Sarah Smith comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Ron débloque utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Jack Dylan Grazer travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Les téléspectateurs qui regardent Ron débloque pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Sarah Smith gère les transitions entre les scènes. Les montages de Ron débloque ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Jack Dylan Grazer travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 2021 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Sarah Smith voulait dire.
Les films classés entre onze et vingt-cinq sur des listes comme celle-ci sont souvent les découvertes les plus utiles car ils présentent la qualité des dix premiers sans le poids culturel. Ron débloque se trouve dans cette position non pas parce qu'il est nettement pire que les entrées ci-dessus, mais parce que son attrait est plus concentré. Les téléspectateurs qui se connectent à ce que fait Sarah Smith dans Ron débloque l'évaluent aussi bien que n'importe quel films de cette liste. La moyenne sur une base électorale plus large le place ici. Les téléspectateurs qui ont des raisons spécifiques de penser que ce films est fait pour eux – en fonction de leur préférence de genre, de l’intérêt du réalisateur ou de leur époque – devraient le donner la priorité à plusieurs entrées qui lui sont supérieures.
Regarder de bons films change votre façon de voir le monde. C'est pourquoi nous les choisissons avec soin.
Dragons
L’histoire d’Harold, jeune Viking peu à son aise dans sa tribu où combattre les dragons est le sport national. Sa vie va être bouleversée par sa rencontre avec un dragon qui va peu à peu amener Harold et les siens à voir le monde d’un point de vue totalement différent.
Pourquoi regarder: Animation au niveau où l'engin à lui seul vaut la peine d'être regardé. Chaque image de Dragons est un choix artistique délibéré.
Dragons est une œuvre contemporaine qui a déjà prouvé sa pérennité sur un marché inondé de contenu. Chris Sanders a créé quelque chose qui a coupé le bruit parce qu'il était véritablement meilleur que les alternatives. Une note 7.9 reflète la réalisation, l’écriture et la performance fonctionnant simultanément à des niveaux cohérents. Les films qui obtiennent des scores dans cette fourchette échouent rarement de manière significative dans une seule dimension, et Dragons ne fait pas exception. Le films démontre que l’animation est un outil permettant d’atteindre des registres émotionnels que l’action réelle ne peut atteindre. Le réalisateur utilise les possibilités formelles du médium pour créer des moments spécifiques à la forme animée. Au sein du genre animation, Dragons occupe une position spécifique : il démontre ce qui est possible lorsqu'un réalisateur utilise les conventions de genre comme point de départ plutôt que comme modèle. Les meilleurs films animation élargissent ce que le genre peut faire.
L'approche visuelle de Dragons reflète la compréhension de Chris Sanders selon laquelle le style et la substance sont la même chose. Le placement de la caméra, l'étalonnage des couleurs et le rythme de montage de Dragons ne sont pas des décisions décoratives. Ce sont des arguments sur la manière dont l’histoire doit être vécue. Jay Baruchel est tourné de manière à communiquer le caractère avant qu'un mot ne soit prononcé. Les téléspectateurs qui regardent Dragons une seconde fois en prêtant attention à la grammaire visuelle découvriront une couche de sens qui opère indépendamment du dialogue et de l'intrigue.
Dragons se situe dans une position spécifique dans l’histoire de son genre : il a été réalisé alors que les conventions avec lesquelles il travaille étaient encore en développement plutôt qu’établies. Chris Sanders n’appliquait pas une formule éprouvée mais construisait quelque chose dont l’efficacité n’était pas garantie. La note 7.9 reflète un public qui a réagi au travail réalisé dans des conditions de véritable risque créatif. Les films contemporains dans le même espace ont l’avantage de savoir ce qui fonctionne car Dragons et des films comme celui-ci l’ont démontré. Regarder Dragons dans ce contexte - en tant qu'œuvre créative réalisée sans le filet de sécurité d'une convention éprouvée - ajoute une dimension à l'expérience visuelle qui n'est pas disponible en regardant des films réalisés après l'établissement des conventions.
Dragons, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de Jay Baruchel et le savoir-faire de Chris Sanders peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
Monstres & Cie
Monstropolis est une petite ville peuplée de monstres dont la principale source d’énergie provient des cris des enfants. Monstres & Cie est la plus grande usine de traitement de cris de la ville. Grâce au nombre impressionnant de portes de placards dont dispose l’usine, une équipe de monstres d’élite pénètre dans le monde des humains pour terrifier durant la nuit les enfants et récolter leurs hurlements. Le Terreur d’élite le plus réputé de Monstres & Cie s’appelle Jacques Sullivent, alias Sulli. C’est un monstre cornu de 2 m 40 de haut à la fourrure bleu-vert tachetée de violet. Une nuit, alors qu’il se trouve à « l'étage de la Terreur », il s’aperçoit qu’une porte de placard n’a pas été fermée correctement. Pour vérifier que tout est en place, il l’ouvre, permettant sans le vouloir à Bouh, une petite fille, de pénétrer dans son monde.
Pourquoi regarder: Monstres & Cie est une comédie qui résiste à être revue parce que les blagues viennent de qui sont ces gens plutôt que de situations conçues autour de punchlines.
Sorti dans 2001, Monstres & Cie s'inscrit dans une période de transition dans le cinéma - avant que le streaming ne change la distribution mais après que les outils numériques changent la production. Le savoir-faire visible dans Monstres & Cie reflète les normes de l’ère théâtrale. Le note 7.8 pour Monstres & Cie le place parmi les films qui tiennent leurs promesses sans faiblesses significatives. Pete Docter a créé quelque chose qui fonctionne comme prévu, ce qui est moins courant qu'il n'y paraît. Le films fait confiance au sens du timing comique du public. Le réalisateur donne le rythme puis autorise des pauses où vit l'humour. Les performances comprennent que la retenue est plus drôle que l'emphase. Le genre animation a produit des centaines de films. Ceux qui se classent à 7.8 et au-dessus sont ceux pour lesquels le réalisateur a compris que le genre est un contrat avec le public, et non une contrainte sur ce qui peut être exprimé.
Le scénario de Monstres & Cie démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Pete Docter a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. John Goodman propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Monstres & Cie lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Monstres & Cie s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.8 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Monstres & Cie comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Pete Docter et John Goodman font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 7.8 qui place Monstres & Cie dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à Monstres & Cie un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que Pete Docter a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. Monstres & Cie est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
L'Île aux chiens
Lorsqu’une épidémie de grippe canine envahit la ville japonaise de Megasaki et menace de contaminer les hommes, le maire ordonne la mise en quarantaine de tous les chiens. L’île poubelle devient : l’Île aux Chiens. Un jeune garçon de 12 ans, Atari, se rend sur place à la recherche de son chien perdu, Spots. C’est alors qu’il fait la découverte, à l’aide d’une meute de cinq chiens, d’une conspiration qui menace la ville.
Pourquoi regarder: Wes Anderson construit la comédie de L'Île aux chiens à partir d'une véritable observation des personnages. Les rires s'accumulent à mesure que le films avance parce que l'on connaît mieux les gens.
L'Île aux chiens (2018) a été réalisé à une époque où le public est devenu plus sophistiqué en matière de qualité de production. Wes Anderson a livré quelque chose qui répond à ces attentes. Chez 7.8, L'Île aux chiens se situe dans une gamme où la qualité est constante, mais le films n'a pas atteint le large consensus des titres mieux notés. Ce consensus plus restreint reflète souvent un attrait spécifique : L'Île aux chiens n'est pas pour tout le monde, mais pour le bon téléspectateur, il est excellent. La comédie de personnages exige que le réalisateur et les acteurs comprennent que les moments les plus drôles viennent de la vérité plutôt que de l'exagération. Le films fonctionne parce que ce que font les personnages a du sens pour qui ils sont. L'Île aux chiens montre pourquoi le cinéma animation est important : il fait des choses qu'aucun autre genre ne peut faire aussi efficacement. Wes Anderson comprend les mécanismes spécifiques de animation et les utilise pour créer des effets impossibles dans d'autres modes de narration.
Les performances de L'Île aux chiens sont calibrées sur un registre spécifique que Wes Anderson a établi et maintenu tout au long de la production. Bryan Cranston a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de L'Île aux chiens qui sont les plus difficiles sont ceux où Bryan Cranston fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Les nouveaux spectateurs de L'Île aux chiens devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder L'Île aux chiens pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que L'Île aux chiens change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Wes Anderson semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Bryan Cranston dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, L'Île aux chiens occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : L'Île aux chiens arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de Wes Anderson ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent L'Île aux chiens ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
Les Mitchell contre les machines
Katie Mitchell et sa famille, accompagnés de leur chien adoré, partent en road-trip dans la nature avant que la jeune fille ne commence son année scolaire dans l'école de ses rêves. Le projet prend rapidement une autre tournure lorsque tous les appareils électroniques du monde entier se rebellent et décident de prendre le contrôle. Avec l'aide de deux robots dysfonctionnels, la famille Mitchell unit ses forces afin de sauver la planète.
Pourquoi regarder: La comédie est le genre le plus difficile à maintenir. Mike Rianda donne à Les Mitchell contre les machines une apparence simple, ce qui est la marque d'un savoir-faire considérable que la plupart des publics n'enregistrent pas consciemment.
Dans 2021, lorsque Mike Rianda a créé Les Mitchell contre les machines, la qualité moyenne de production des films n'avait jamais été aussi élevée. Ce qui distingue Les Mitchell contre les machines n'est pas le raffinement technique mais l'intentionnalité : chaque scène fait quelque chose de spécifique. Les Mitchell contre les machines à 7.8 représente le niveau fiable de cette liste. Ce sont les films qui ne déçoivent pas. Mike Rianda a compris ce que le films devait être et l'a exécuté sans compromis. La cohérence du films en tant que comédie vient de la cohérence. Le réalisateur établit les règles du monde et le comportement des personnages, et l'humour émerge de la façon dont ces personnages gèrent une situation. Les classements de genre comme celui-ci sont utiles en partie parce qu’ils rendent explicite le canon animation. Les Mitchell contre les machines et 7.8 font partie de toute discussion sérieuse sur ce que le cinéma animation a réalisé. Le regarder aux côtés d’autres films animation les mieux notés révèle l’étendue de ce que contient le genre.
La structure de Les Mitchell contre les machines est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Mike Rianda réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Les Mitchell contre les machines coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Les Mitchell contre les machines désorientant de manière productive.
Les Mitchell contre les machines est l’un des rares films à fonctionner à la fois dans des contextes de visionnage en solo et en groupe, ce qui n’est pas le cas de la plupart des comédies. Les films qui tirent leur humour du personnage plutôt que du décor ont tendance à bien jouer, quelle que soit la personne présente dans la salle, car les rires viennent de la reconnaissance plutôt que de la permission collective. Regarder Les Mitchell contre les machines seul vous permet de capturer les moments les plus calmes d'observation des personnages que les visionnages de groupe peuvent manquer. Le regarder avec quelqu'un d'autre qui connaît le films produit le plaisir spécifique de partager quelque chose dont vous savez qu'il fonctionne. La durée d'exécution de Les Mitchell contre les machines en fait un choix pratique pour les soirées où vous souhaitez quelque chose d'une qualité authentique qui ne nécessite pas l'engagement d'un films plus long. Le rythme de Mike Rianda signifie que le films gagne sa durée sans dépasser la durée.
Les Mitchell contre les machines se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. Mike Rianda a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 7.8 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de Mike Rianda à l'égard de ce matériel trouvent généralement que Les Mitchell contre les machines fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
Ratatouille
Rémy est un jeune rat qui rêve de devenir un grand chef français. Ni l'opposition de sa famille, ni le fait d'être un rongeur dans une profession qui les déteste ne le démotivent. Rémy est prêt à tout pour vivre sa passion de la cuisine… et le fait d'habiter dans les égouts du restaurant ultra coté de la star des fourneaux, Auguste Gusteau, va lui en donner l'occasion ! Malgré le danger et les pièges, la tentation est grande de s'aventurer dans cet univers interdit. Écartelé entre son rêve et sa condition, Rémy va découvrir le vrai sens de l'aventure, de l'amitié, de la famille… et comprendre qu'il doit trouver le courage d'être ce qu'il est : un rat qui veut être un grand chef…
Pourquoi regarder: Un films vraiment drôle plutôt que simplement commercialisé comme tel. L'humour dans Ratatouille vient du personnage, pas de la configuration.
Ratatouille a été réalisé en 2007, lorsque le cinéma de salle était en concurrence avec les premiers Internet et DVD pour attirer l'attention. Brad Bird a créé quelque chose qui a retenu l'attention à l'époque et qui la retient aujourd'hui. Une note 7.8 provenant d'un large bassin d'électeurs signifie que le films possède de véritables atouts qui l'emportent sur les faiblesses trouvées par les téléspectateurs. Ratatouille tient sa promesse centrale, qui est la norme minimale que tout films devrait respecter et qui est moins atteinte que ne le suggère le nombre de sorties. Ce qui fait que le films fonctionne comme une comédie, c'est le refus du réalisateur de signaler où se trouve l'humour. Les blagues viennent du personnage et de la situation, ce qui signifie que les téléspectateurs qui y prêtent attention trouvent plus que ceux qui attendent qu'on leur dise qu'ils devraient rire. L'approche de Brad Bird à animation dans Ratatouille est instructive : les conventions de genre sont utilisées consciemment plutôt qu'automatiquement. Le résultat est un films qui offre ce que le genre promet tout en faisant quelque chose que la plupart des films animation ne font pas.
L’environnement sonore de Ratatouille est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Brad Bird comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Ratatouille utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Patton Oswalt travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Ratatouille est une recommandation fiable pour les téléspectateurs qui souhaitent découvrir un films selon ses propres conditions plutôt que d'exiger qu'il se conforme aux attentes venues d'ailleurs. Il n'a pas l'omniprésence culturelle des titres mieux notés dans cette catégorie, ce qui signifie qu'il arrive sans le poids du visionnage obligatoire. Les publics qui découvrent Ratatouille sans qu’on leur ait dit qu’ils devaient le voir réagissent souvent plus fortement que ceux qui l’abordent comme une obligation. Brad Bird a créé quelque chose avec un attrait spécifique - il ne s'agit pas d'essayer de tout plaire à tout le monde. Les téléspectateurs qui se connectent à Ratatouille ont tendance à le trouver considérablement meilleur que ne le suggère la note 7.8, c'est pourquoi il conserve cette note malgré une visibilité marketing limitée.
La position de Ratatouille dans cette section de la liste reflète un films qui offre ses qualités spécifiques de manière fiable sans aspirer à tout pour tout le monde. Brad Bird a compris ce qu'était le films et l'a réalisé avec un haut niveau de savoir-faire. La note 7.8 représente les téléspectateurs qui ont interagi avec le films selon ces conditions et qui ont trouvé qu'il valait la peine d'être noté. Les téléspectateurs qui ont des attentes différentes trouvent parfois le films moins satisfaisant que ce que suggère la note - ce qui n'est pas une faiblesse du films mais une faiblesse des attentes. Ratatouille est exactement ce qu'il est, réalisé avec compétence, et les électeurs qui l'ont évalué y ont répondu.
Tous en scène 2
Dans le nouveau théâtre Moon, la troupe interprète sa version musicale d'Alice au pays des merveilles. Buster Moon tient à avoir l'avis de Suki Lane. Elle est celle qui décide quels talents peuvent auditionner devant Jimmy Crystal, grand producteur de spectacles à Redshore City. Pour elle, le niveau n'est pas suffisant et l'insistance de Buster Moon n'y fait rien.Remotivé par Nana Noodleman, le koala rassemble ses artistes et part infiltrer les auditions.
Pourquoi regarder: Tous en scène 2 est une comédie qui résiste à être revue parce que les blagues viennent de qui sont ces gens plutôt que de situations conçues autour de punchlines.
Réalisé en 2021, Tous en scène 2 existe à l’ère du streaming où tout rivalise avec tout. La note 7.8 qu'il détient reflète un public qui disposait d'alternatives infinies et a choisi de donner une note élevée à celle-ci. Le note 7.8 pour Tous en scène 2 est construit à partir de téléspectateurs qui avaient des alternatives et ont choisi de lui attribuer une note élevée. Ce choix reflète un films qui a clairement fait valoir ses arguments – ce qui est exactement ce que fait Tous en scène 2. Garth Jennings a présenté cet argument et le public l'a accepté. Le films fait confiance au sens du timing comique du public. Le réalisateur donne le rythme puis autorise des pauses où vit l'humour. Les performances comprennent que la retenue est plus drôle que l'emphase. Les meilleurs films animation utilisent les mécanismes de leur genre pour accéder à quelque chose de réel. Tous en scène 2 fait partie de ces films. Garth Jennings a suffisamment compris le genre pour savoir quelles conventions servent le matériau et lesquelles mettre de côté.
L'approche visuelle de Tous en scène 2 reflète la compréhension de Garth Jennings selon laquelle le style et la substance sont la même chose. Le placement de la caméra, l'étalonnage des couleurs et le rythme de montage de Tous en scène 2 ne sont pas des décisions décoratives. Ce sont des arguments sur la manière dont l’histoire doit être vécue. Matthew McConaughey est tourné de manière à communiquer le caractère avant qu'un mot ne soit prononcé. Les téléspectateurs qui regardent Tous en scène 2 une seconde fois en prêtant attention à la grammaire visuelle découvriront une couche de sens qui opère indépendamment du dialogue et de l'intrigue.
Les téléspectateurs qui regardent Tous en scène 2 pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Garth Jennings gère les transitions entre les scènes. Les montages de Tous en scène 2 ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Matthew McConaughey travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 2021 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Garth Jennings voulait dire.
Les films classés entre onze et vingt-cinq sur des listes comme celle-ci sont souvent les découvertes les plus utiles car ils présentent la qualité des dix premiers sans le poids culturel. Tous en scène 2 se trouve dans cette position non pas parce qu'il est nettement pire que les entrées ci-dessus, mais parce que son attrait est plus concentré. Les téléspectateurs qui se connectent à ce que fait Garth Jennings dans Tous en scène 2 l'évaluent aussi bien que n'importe quel films de cette liste. La moyenne sur une base électorale plus large le place ici. Les téléspectateurs qui ont des raisons spécifiques de penser que ce films est fait pour eux – en fonction de leur préférence de genre, de l’intérêt du réalisateur ou de leur époque – devraient le donner la priorité à plusieurs entrées qui lui sont supérieures.
Kiki la petite sorcière
À l'âge de 13 ans, une future sorcière doit partir faire son apprentissage dans une ville inconnue durant un an. Une expérience que va vivre la jeune et espiègle Kiki aux côtés de Osono, une gentille boulangère qui lui propose un emploi de livreuse.
Pourquoi regarder: Chaque décision visuelle de Kiki la petite sorcière – couleur, mouvement, composition – est inventée à partir de zéro. Hayao Miyazaki utilise ce contrôle total pour créer quelque chose qu'aucun films d'action réelle ne pourrait reproduire.
Kiki la petite sorcière date de 1989, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Kiki la petite sorcière occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Kiki la petite sorcière à 7.8 est un films où le métier est constamment au-dessus de la moyenne dans plusieurs dimensions. Aucun élément ne porte les autres. La mise en scène, l’écriture et la performance vont toutes dans la même direction. Le réalisateur investit le films avec le genre de savoir-faire délibéré qu’exige l’animation. Chaque image reflète l'intention sur la façon dont l'histoire doit être vécue, ce qui signifie que le films fonctionne au niveau de moments individuels plutôt que simplement au niveau narratif. Kiki la petite sorcière se situe en tête de ce classement animation car il démontre ce que le genre réalise lorsqu'un réalisateur le prend au sérieux en tant que cadre artistique plutôt qu'en tant que catégorie commerciale. La différence est visible dans chaque scène de Kiki la petite sorcière.
Le scénario de Kiki la petite sorcière démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Hayao Miyazaki a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Minami Takayama propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Kiki la petite sorcière lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Les téléspectateurs qui ont vu les films influencés par Kiki la petite sorcière trouveront que regarder l’original est une expérience différente de celle d’un films contemporain. Les techniques qui semblent familières parce qu'elles ont été largement copiées sont visibles ici dans leur forme originale, ce qui révèle souvent que les copies ont compris la surface de ce que Hayao Miyazaki a fait sans en comprendre le raisonnement. Kiki la petite sorcière utilise ses choix stylistiques au service d’objectifs narratifs spécifiques. Les films ultérieurs qui ont emprunté ces choix les ont souvent utilisés comme style sans fonction. Regarder l’original clarifie ce qui était réellement accompli. Le travail de Minami Takayama présente ici également une spécificité qui manque à de nombreuses performances qui s'en inspirent : les imitations captent la manière sans l'intériorité qui lui donne un sens.
Kiki la petite sorcière, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de Minami Takayama et le savoir-faire de Hayao Miyazaki peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
L'Étrange Noël de monsieur Jack
Jack Skellington, un épouvantail squelettique surnommé « le Roi des citrouilles », vit dans la ville d'Halloween. En tant que maître de l'épouvante, Jack occupe ses journées à préparer la prochaine fête d'Halloween. Mais le terrible épouvantail, lassé de cette vie répétitive et monotone, décide de partir. C'est alors qu'il découvre la ville de Noël. Après cette aventure, il revient chez lui, avec une idée originale en tête : et si cette année, c'étaient les habitants de la ville d'Halloween qui allaient fêter Noël ?
Pourquoi regarder: L’animation réalisée avec intention plutôt qu’efficacité est différente. Henry Selick donne à L'Étrange Noël de monsieur Jack une sensation différente au niveau des images individuelles, et il s'accumule en quelque chose de complet.
La version 1993 de L'Étrange Noël de monsieur Jack est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté L'Étrange Noël de monsieur Jack l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour L'Étrange Noël de monsieur Jack s'auto-sélectionne pour s'engager. Les films de la gamme 7.8 sont souvent plus intéressants que ne le suggère leur position dans une liste. Ils n’ont pas atteint la saturation culturelle des titres mieux notés, ce qui signifie que L'Étrange Noël de monsieur Jack est plus facile à aborder sans préjugés. L'Étrange Noël de monsieur Jack en profite. L’animation est au service de la narration plutôt que d’une démonstration de capacités techniques. Le réalisateur utilise la forme pour obtenir des effets émotionnels et narratifs au service de l’histoire spécifique racontée. Regarder L'Étrange Noël de monsieur Jack aux côtés d’autres entrées de cette liste animation révèle ce qui sépare la meilleure œuvre du genre de sa production moyenne. Henry Selick a fait ici des choix que la plupart des films animation évitent car ces choix nécessitent la confiance du public.
Les performances de L'Étrange Noël de monsieur Jack sont calibrées sur un registre spécifique que Henry Selick a établi et maintenu tout au long de la production. Danny Elfman a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de L'Étrange Noël de monsieur Jack qui sont les plus difficiles sont ceux où Danny Elfman fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
L'Étrange Noël de monsieur Jack s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.8 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent L'Étrange Noël de monsieur Jack comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Henry Selick et Danny Elfman font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 7.8 qui place L'Étrange Noël de monsieur Jack dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à L'Étrange Noël de monsieur Jack un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que Henry Selick a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. L'Étrange Noël de monsieur Jack est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
Fantastic Mr. Fox
Mr. Fox est le plus rusé des voleurs de poules. À la naissance de son fils, son épouse lui demande d'arrêter ce métier trop dangereux. Il devient alors journaliste mais s'ennuie terriblement. 12 ans plus tard, lorsque la famille Fox déménage au pied d'un arbre surplombant les fermes de trois éleveurs aussi prospères que méchants, la tentation devient trop forte et Mr. Fox reprend ses anciennes activités. Il va alors entraîner tous les animaux de la forêt dans une guerre acharnée contre les fermiers…
Pourquoi regarder: Un films vraiment drôle plutôt que simplement commercialisé comme tel. L'humour dans Fantastic Mr. Fox vient du personnage, pas de la configuration.
Fantastic Mr. Fox a été réalisé en 2009, lorsque le cinéma de salle était en concurrence avec les premiers Internet et DVD pour attirer l'attention. Wes Anderson a créé quelque chose qui a retenu l'attention à l'époque et qui la retient aujourd'hui. Une note 7.8 reflète la réalisation, l’écriture et la performance fonctionnant simultanément à des niveaux cohérents. Les films qui obtiennent des scores dans cette fourchette échouent rarement de manière significative dans une seule dimension, et Fantastic Mr. Fox ne fait pas exception. Ce qui fait que le films fonctionne comme une comédie, c'est le refus du réalisateur de signaler où se trouve l'humour. Les blagues viennent du personnage et de la situation, ce qui signifie que les téléspectateurs qui y prêtent attention trouvent plus que ceux qui attendent qu'on leur dise qu'ils devraient rire. Au sein du genre animation, Fantastic Mr. Fox occupe une position spécifique : il démontre ce qui est possible lorsqu'un réalisateur utilise les conventions de genre comme point de départ plutôt que comme modèle. Les meilleurs films animation élargissent ce que le genre peut faire.
La structure de Fantastic Mr. Fox est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Wes Anderson réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Fantastic Mr. Fox coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Fantastic Mr. Fox désorientant de manière productive.
Les nouveaux spectateurs de Fantastic Mr. Fox devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Fantastic Mr. Fox pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Fantastic Mr. Fox change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Wes Anderson semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de George Clooney dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, Fantastic Mr. Fox occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : Fantastic Mr. Fox arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de Wes Anderson ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent Fantastic Mr. Fox ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
Le Monde de Nemo
Nemo, un jeune poisson-clown intrépide est capturé puis plongé dans l'aquarium d'un cabinet dentaire. Marin, son père, et Dory, un poisson-chirurgien bleu sympathique mais tête-en-l'air, entament un long périple pour le retrouver. Ils croiseront en chemin une éclectique faune tropicale plus ou moins bien intentionnée. Sauront-ils retrouver la piste de Nemo ?
Pourquoi regarder: Le Monde de Nemo utilise l'animation pour atteindre des registres émotionnels et visuels que l'action réelle ne peut pas atteindre. Andrew Stanton traite la forme comme une expansion du cinéma plutôt que comme une limitation.
Sorti dans 2003, Le Monde de Nemo s'inscrit dans une période de transition dans le cinéma - avant que le streaming ne change la distribution mais après que les outils numériques changent la production. Le savoir-faire visible dans Le Monde de Nemo reflète les normes de l’ère théâtrale. Le note 7.8 pour Le Monde de Nemo le place parmi les films qui tiennent leurs promesses sans faiblesses significatives. Andrew Stanton a créé quelque chose qui fonctionne comme prévu, ce qui est moins courant qu'il n'y paraît. Ce qui distingue le films de l'animation, c'est la compréhension du réalisateur selon laquelle la forme peut transmettre l'intériorité à travers le design. Le mouvement, la couleur et la composition communiquent ce que ressent le personnage avant ou à la place du dialogue. Le genre animation a produit des centaines de films. Ceux qui se classent à 7.8 et au-dessus sont ceux pour lesquels le réalisateur a compris que le genre est un contrat avec le public, et non une contrainte sur ce qui peut être exprimé.
L’environnement sonore de Le Monde de Nemo est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Andrew Stanton comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Le Monde de Nemo utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Albert Brooks travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Le Monde de Nemo s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.8 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Le Monde de Nemo comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Andrew Stanton et Albert Brooks font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
Le Monde de Nemo se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. Andrew Stanton a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 7.8 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de Andrew Stanton à l'égard de ce matériel trouvent généralement que Le Monde de Nemo fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
Comment nous avons classé ces films animation
Chaque film de cette page a été sélectionné à l'aide des données de l'API Movie Database, filtrées pour des seuils de vote minimum afin de garantir la cohérence de la qualité. Le processus commence par tous les films de cette catégorie, triés par moyenne de votes par ordre décroissant, puis filtrés pour exclure les films ayant obtenu moins de votes que le nombre requis.
À partir de cette liste plus grande, l’exactitude de chaque entrée a été vérifiée manuellement. Une note élevée ne se traduit pas automatiquement par une observabilité. Un film tendance en raison de l’actualité récente n’est pas la même chose qu’un film tendance parce qu’il est vraiment bon. L'analyse éditoriale de chaque entrée reflète la qualité réelle du film plutôt que le bruit culturel.
La sélection maintient un équilibre entre accessibilité et profondeur. Les films ici vont des sorties contemporaines aux titres de catalogue qui méritent d'être redécouverts. Tous ont été fabriqués avec artisanat et intention. Tous les visionnages récompensent.
Meilleurs films animation par genre
Les films 50 sur cette page couvrent plusieurs genres et sous-genres. Le genre est utile comme filtre mais pas comme catégorie définitive. Un film étiqueté Drame pourrait être aussi plein de suspense qu'un film étiqueté Thriller. Un film étiqueté Action pourrait être aussi intelligent sur le plan émotionnel qu'un film étiqueté Drame. Utilisez le genre comme point de départ, et non comme une image complète.
Les balises de genre sur chaque film vous montrent où se situe catégoriquement le film. Utilisez les filtres pour trouver les genres dans animation qui vous intéressent le plus.
Meilleurs films animation par classement
Les films sur cette page sont divisés en trois niveaux de notation. Les films supérieurs à 8,5 sont exceptionnels à tous égards et représentent le meilleur cinéma absolu de cette catégorie. Les films de 7,5 à 8,4 montrent une qualité de fabrication constante et sont fiables et solides. Les films de 7,0 à 7,4 sont toujours excellents et valent la peine d'être visionnés, même s'ils représentent une gamme de qualité légèrement plus large.
Une note de 8,0 sur TMDB nécessite une base électorale suffisamment large pour être statistiquement fiable. Cela reflète une véritable appréciation du public testée au fil du temps.
Meilleurs films animation par durée d'exécution
Le temps d'exécution est l'un des filtres les plus utiles pour choisir ce qu'il faut regarder et l'un des moins utilisés. Les films de moins de 90 minutes offrent des expériences complètes avec précision. Les films de 90 à 120 minutes constituent la durée optimale pour la plupart des situations de visionnage. Les films de plus de 120 minutes nécessitent un engagement mais le récompensent.
Utilisez votre temps disponible pour trouver le bon film plutôt que de commencer quelque chose tard dans la nuit qui dure beaucoup plus longtemps que prévu.
Des joyaux cachés qui valent la peine d'être découverts
Chaque sélection animation contient des films qui se situent en dessous des meilleurs classements de visibilité mais offrent quelque chose d'exceptionnel. Ce sont les films que l’algorithme sous-pondère parce qu’ils manquent de reconnaissance de franchise ou de couverture médiatique récente. Ils ne sont pas cachés parce qu’ils sont obscurs. Ils sont masqués car les plates-formes présentent en premier les options les plus bruyantes.
Explore Animation From Different Eras
The animation genre spans decades. Below are ways to explore animation through time and across other filters.
Foire aux questions
Quels sont les meilleurs films animation de tous les temps ?
Les meilleurs films animation sont classés et répertoriés dans leur intégralité sur cette page. Cette liste a été créée en filtrant les films du genre animation, en triant par notes critiques et nombre de votants à partir de la base de données de films pour garantir la cohérence.
Quel est le film animation le mieux noté ?
Les films animation les mieux notés sont répertoriés dans la section des niveaux de notation de cette page. Les films avec 8,5 et plus représentent un travail exceptionnel dans la catégorie animation et fonctionnent aussi bien que n'importe quel film dans n'importe quel genre.
Quels sont les meilleurs films animation en streaming en ce moment ?
Vérifiez JustWatch ou la fonction de recherche de votre plateforme pour connaître la disponibilité actuelle. Les films de cette liste représentent les meilleurs travaux de la catégorie animation, quelle que soit la distribution actuelle sur la plateforme.
Quels sont les meilleurs films animation des années 1990 ?
Les années 1990 ont produit certaines des plus belles œuvres de animation. Consultez les sections sur les décennies de cette page et regardez spécifiquement les films des années 1990 avec des balises de genre animation.
Quels sont les meilleurs films animation des années 2000 ?
Les années 2000 ont vu une évolution significative dans la manière de fabriquer animation. Les films de cette décennie figurant sur cette liste représentent le genre à un moment créatif particulier de son histoire.
Qu'est-ce qui fait un bon film animation ?
Les films sur cette page ont été sélectionnés parce qu'ils comprennent l'essentiel de ce que animation essaie de faire et l'exécutent avec savoir-faire et intention. Le bon cinéma animation fonctionne en construisant quelque chose de réel plutôt que des raccourcis ou des formules.
Y a-t-il des films animation sous-estimés que je devrais connaître ?
La section Trésors cachés de cette page identifie les films animation ayant obtenu un score compris entre 6,5 et 7,4. Ce sont des films qui méritent plus d’attention que leur visibilité actuelle n’en offre.
Quels films animation tout le monde devrait-il voir au moins une fois ?
Commencez par n’importe quel film noté 8,0 ou plus à partir de cette page. Ceux-ci représentent l’opinion consensuelle la plus forte sur ce dont le cinéma animation est capable de faire de son mieux.
Comment le cinéma animation a-t-il évolué au fil du temps ?
Comparez les films de différentes décennies sur cette page et vous verrez comment le genre a évolué. Ce qui fonctionne aujourd’hui dans le cinéma animation est différent de ce qui fonctionnait dans les années 1970, qui est différent de ce qui fonctionnait dans les années 1990.
Quels sont les meilleurs films animation si je n'aime pas habituellement animation ?
Commencez par des films notés 8,5 et plus dans la section animation. Ce sont des films qui transcendent le genre et conviennent aux téléspectateurs quelles que soient leurs préférences habituelles.
Y a-t-il des films animation en dehors des États-Unis que je devrais regarder ?
Oui. Les films animation internationaux de cette liste représentent à quoi ressemble le meilleur cinéma animation dans le monde. Le cinéma mondial aborde souvent le genre différemment de Hollywood.
Quels sont les meilleurs films animation récents ?
Les films des 5 à 10 dernières années figurant sur cette liste montrent à quoi ressemble le genre actuellement. Celles-ci représentent les dernières réflexions sur la manière dont animation devrait être créé.
Quelle est la différence entre un bon animation et un bon animation ?
Le génial animation fait quelque chose avec intention. Il utilise le genre pour dire quelque chose ou pour créer quelque chose qui ne pourrait pas être créé par d’autres moyens. Le bon animation frappe les rythmes du genre. Le grand animation les transcende.
Dois-je regarder les films animation dans un ordre particulier ?
Non. Vous pouvez commencer n'importe où sur cette liste en fonction des réalisateurs ou des périodes qui vous intéressent le plus. Les films ne dépendent pas les uns des autres. Regardez en premier celui qui vous plaît.
Pourquoi certains films animation célèbres ne figurent-ils pas sur cette liste ?
Cette liste a été créée en utilisant les classements de la base de données de films et le nombre d'électeurs comme critères principaux. Si un film animation très célèbre n'est pas inclus, il n'a probablement pas atteint le seuil minimum de vote pour être statistiquement fiable. Cela garantit que la liste reflète l’appréciation réelle du public plutôt que la mémoire culturelle.