Spirited Away
एक युवा लड़की, चीहिरो, आत्माओं की एक अजीब नई दुनिया में फंस जाती है। जब उसके माता-पिता एक रहस्यमय परिवर्तन से गुजरते हैं, तो उसे उस साहस को बुलाना चाहिए जिसे वह कभी नहीं जानती थी कि उसे अपने परिवार को मुक्त करना है।
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। Spirited Away ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
Spirited Away को 2001 में बनाया गया था, जब नाटकीय सिनेमा ध्यान आकर्षित करने के लिए शुरुआती इंटरनेट और डीवीडी के साथ प्रतिस्पर्धा कर रहा था। Hayao Miyazaki ने कुछ ऐसा बनाया जिसने तब ध्यान आकर्षित किया और अब भी ध्यान आकर्षित किया है। मूवी डेटाबेस पर 8.5 रेटिंग सांख्यिकीय रूप से दुर्लभ है। इसके लिए एक बड़े मतदाता आधार की आवश्यकता होती है, जिससे व्यक्तिगत राय औसत हो जाती है, केवल ऐसी फिल्में बचती हैं जो लगातार विभिन्न दर्शकों तक पहुंचती हैं। Spirited Away में वह सहमति है। फिल्म दर्शाती है कि एनीमेशन भावनात्मक रजिस्टरों तक पहुंचने का एक उपकरण है जिसे लाइव-एक्शन हासिल नहीं कर सकता है। निर्देशक एनिमेटेड रूप के लिए विशिष्ट क्षणों को बनाने के लिए माध्यम की औपचारिक संभावनाओं का उपयोग करता है। एनिमेशन शैली के भीतर, Spirited Away एक विशिष्ट स्थान रखता है: यह दर्शाता है कि क्या संभव है जब एक निर्देशक ब्लूप्रिंट के बजाय शुरुआती बिंदु के रूप में शैली सम्मेलनों का उपयोग करता है। सर्वोत्तम एनिमेशन फिल्में उस चीज़ का विस्तार करती हैं जो शैली कर सकती है।
Spirited Away में सिनेमैटोग्राफी फिल्म प्रौद्योगिकी में एक संक्रमणकालीन अवधि को दर्शाती है, जब डिजिटल उपकरण उपलब्ध थे लेकिन फिल्म निर्माता अभी भी इस बात पर बहस कर रहे थे कि उनका उपयोग किया जाए या नहीं। Hayao Miyazaki ने दृश्य शैली के बारे में ऐसे विकल्प चुने जो डिफ़ॉल्ट के बजाय जानबूझकर थे। Spirited Away को जिस तरह से जलाया जाता है, फ्रेम किया जाता है और काटा जाता है, वह उद्योग सम्मेलन के बजाय एक विशिष्ट दृश्य बुद्धिमत्ता को दर्शाता है। Rumi Hiiragi उस दृश्य ढांचे के भीतर उन तरीकों से काम करता है जो सबसे अधिक तब दिखाई देते हैं जब आप फिल्म देखते हैं, इस बात पर ध्यान देते हैं कि वे क्या कर रहे हैं इसके बजाय उन्हें फ्रेम में कैसे रखा गया है।
Spirited Away के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Spirited Away को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Spirited Away दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Hayao Miyazaki के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Rumi Hiiragi के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची के शीर्ष दस में Spirited Away की रैंकिंग के लिए किसी विशेष तर्क की आवश्यकता नहीं है। यह तर्क है कि मतदाता आधार से 8.5 रेटिंग इतनी बड़ी है कि यह सांख्यिकीय रूप से सार्थक है। किसी भी गंभीर सूची में शीर्ष दस में फिल्में उस स्थान पर रहती हैं क्योंकि वे लगातार दर्शकों की व्यापक रेंज तक पहुंचती हैं, और Spirited Away ने ऐसा हर जनसांख्यिकीय वर्ग के लिए किया है जिसने इसका सामना किया है। Hayao Miyazaki का काम यहां उस स्तर पर चल रहा है जहां व्यक्तिगत दृश्य की गुणवत्ता कुछ ऐसी चीज़ में बदल जाती है जो पूरी फिल्म के स्तर पर बनी रहती है, जो सुनने में दुर्लभ है।
Your Name.
योर नेम 2016 में बनी एक जापानी एनिमेटेड रोमांटिक फैंटेसी फिल्म है, जिसे माकोतो शिंकाई ने लिखा और निर्देशित किया है। इसका निर्माण कॉमिक्स वेव फिल्म्स ने किया है और वितरण तोहो ने किया है। आलोचकों द्वारा शिंकाई की "आपदा त्रयी" कही जाने वाली इस फिल्म की पहली कड़ी है—इसके बाद वेदरिंग विद यू और सुजुमे आती हैं—जिसकी तीनों कड़ियों में जापान में प्राकृतिक आपदाओं की बार-बार होने वाली घटनाओं से प्रेरित विषय हैं। यह फिल्म हाई स्कूल के छात्रों ताकि ताचिबाना और मित्सुहा मियामिजु की कहानी बताती है, जो कभी मिले बिना ही अचानक एक-दूसरे के शरीर में चले जाते हैं, जिससे उनके जीवन में उथल-पुथल मच जाती है। फिल्म में ताकि और मित्सुहा को क्रमशः रयुनोसुके कामिकी और मोने कामिशिराशी ने अपनी आवाज़ दी है। एनीमेशन निर्देशन मासाशी एंडो ने किया है, चरित्र डिजाइन मासायोशी तनाका ने किया है और इसका ऑर्केस्ट्रल स्कोर और साउंडट्रैक रॉक बैंड रेडविम्प्स ने तैयार किया है। इसी नाम का एक लाइट नॉवेल, जिसे शिंकाई ने ही लिखा है।
क्यों देखें?: Your Name. इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
2016 में निर्मित, Your Name. स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 8.5 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Your Name. के लिए 8.5 स्कोर एक ही संख्या में आसवित हजारों व्यक्तिगत देखने के निर्णयों का प्रतिनिधित्व करता है। यह संख्या कुछ वास्तविक दर्शाती है: जिन लोगों ने यह फिल्म देखी, उन्हें लगा कि यह असाधारण है, और उनमें से काफी लोग रेटिंग को सार्थक बनाने के लिए सहमत हुए। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। एनिमेशन शैली ने सैकड़ों फिल्में बनाई हैं। जो 8.5 और उससे ऊपर रैंक पर हैं, वे वे हैं जहां निर्देशक ने समझा कि शैली दर्शकों के साथ एक अनुबंध है, न कि जो व्यक्त किया जा सकता है उस पर कोई बाधा है।
Your Name. की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Makoto Shinkai ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Ryunosuke Kamiki ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Your Name. में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Your Name. उन शामों के लिए उपयुक्त है जब आप किसी ऐसी चीज़ के बजाय वास्तविक सामग्री के साथ कुछ देखना चाहते हैं जो केवल समय भरती हो। यह एक पृष्ठभूमि फिल्म नहीं है और यह एक निष्क्रिय अनुभव नहीं है। Makoto Shinkai ने कुछ ऐसा बनाया है जो आपका ध्यान आकर्षित करता है और इसे सामान्य के बजाय विशेष रूप से पुरस्कृत करता है। जो दर्शक अन्य काम करते हुए Your Name. देखते हैं, उन्हें फिल्म का एक ऐसा संस्करण मिलेगा जो उस व्यक्ति के लिए उपलब्ध संस्करण से काफी कम है जो इस पर अपना पूरा ध्यान देता है। 8.5 रेटिंग पूरे ध्यान से देखने के अनुभव को दर्शाती है। कास्ट - Ryunosuke Kamiki विशेष रूप से - प्रदर्शन विवरण प्रदान करता है जो केंद्रित देखने में दर्ज होता है और विचलित देखने में गायब हो जाता है।
इस सूची में Your Name. की शीर्ष दस स्थिति कुछ ऐसी चीज़ को दर्शाती है जिसे बनाना कठिन है: निरंतर उत्कृष्टता जिसे नए दर्शक खोजते रहते हैं और उच्च रेटिंग देते हैं। अधिकांश फिल्में अपने शुरुआती दर्शकों के बाद गति खो देती हैं। Your Name. नहीं है. जो दर्शक रिलीज़ के वर्षों या दशकों बाद इसका सामना करते हैं, वे इसे शुरुआती दर्शकों की तरह ही उच्च रेटिंग देते हैं। Makoto Shinkai ने कुछ ऐसा बनाया जो उस सांस्कृतिक क्षण से स्वतंत्र रूप से काम करता है जहां से यह आया है, जो स्थायी गुणवत्ता की परिभाषा है। Ryunosuke Kamiki का प्रदर्शन उस स्थायित्व का हिस्सा है - इसे पीरियड एक्टिंग के रूप में नहीं पढ़ा जाता है।
Grave of the Fireflies
In the final months of World War II, 14-year-old Seita and his sister Setsuko are orphaned when their mother is killed during an air raid in Kobe, Japan. After a falling out with their aunt, they move into an abandoned bomb shelter. With no surviving relatives and their emergency rations depleted, Seita and Setsuko struggle to survive.
क्यों देखें?: Grave of the Fireflies के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
Grave of the Fireflies की तारीख 1988 से है, जिसका अर्थ है कि इसे दर्शकों की कई पीढ़ियों द्वारा परीक्षण किया गया है। तथ्य यह है कि Grave of the Fireflies अभी भी उच्च रैंक पर है, पुरानी यादों के बजाय वास्तविक शिल्प को दर्शाता है। 8.4 पर, Grave of the Fireflies उस श्रेणी में आता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने उच्च-रेटेड शीर्षकों की व्यापक सहमति हासिल नहीं की है। वह संकीर्ण आम सहमति अक्सर एक विशिष्ट अपील को दर्शाती है - Grave of the Fireflies हर किसी के लिए नहीं है, लेकिन सही दर्शक के लिए यह उत्कृष्ट है। फिल्म दर्शाती है कि नाटक वह क्या कर सकता है जो अन्य शैलियाँ नहीं कर सकतीं: सामान्य मानव व्यवहार को दबाव में रखना और प्रतिक्रिया के माध्यम से चरित्र को प्रकट करना। निर्देशक उन परिस्थितियों का निर्माण करता है और कलाकार उन्हें वास्तविक विश्वास के साथ निभाते हैं। Grave of the Fireflies दिखाता है कि एनिमेशन सिनेमा क्यों मायने रखता है: यह ऐसे काम करता है जो कोई अन्य शैली इतने प्रभावी ढंग से नहीं कर सकती। Isao Takahata एनिमेशन के विशिष्ट तंत्र को समझता है और कहानी कहने के अन्य तरीकों में असंभव प्रभाव पैदा करने के लिए उनका उपयोग करता है।
Grave of the Fireflies में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Isao Takahata ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Tsutomu Tatsumi ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Grave of the Fireflies में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Tsutomu Tatsumi एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Grave of the Fireflies उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.4 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Grave of the Fireflies को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Isao Takahata और Tsutomu Tatsumi कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
Grave of the Fireflies शीर्ष दस में शामिल है क्योंकि यह कुछ ऐसा करता है जिसे अधिकांश फिल्में करने का प्रयास करती हैं और कुछ ही इसे हासिल कर पाती हैं: यह पहली बार देखने पर उत्कृष्ट है और दोबारा देखने पर अतिरिक्त परतें दिखाता है। पहली बार आने वाले दर्शकों और वापस आने वाले दर्शकों को अलग-अलग अनुभव हो रहे हैं और दोनों अनुभव मजबूत हैं। Isao Takahata ने एक साथ कई स्तरों पर काम करके फिल्म में इस गहराई का निर्माण किया - सतही कहानी प्रदान करती है, और इसके नीचे शिल्प निर्णयों की एक परत होती है जो केवल तभी पूरी तरह से दिखाई देती है जब आप जानते हैं कि सब कुछ कहाँ जा रहा है। वह दो-स्तरीय संरचना ही Grave of the Fireflies को अगले स्तर के बजाय शीर्ष दस में रखती है।
Spider-Man: Into the Spider-Verse
ब्रुकलिन के नौजवान माइल्स मोरालेस को एक रेडियोऐक्टिव मकड़ी काट लेती है. बाद में, माइल्स के ही वैकल्पिक आयाम से आए कुछ साथी उसे जाल फैंकना वगैरह सिखाते हैं.
क्यों देखें?: Spider-Man: Into the Spider-Verse ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
2018 में, जब Bob Persichetti ने Spider-Man: Into the Spider-Verse बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। Spider-Man: Into the Spider-Verse को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 8.4 पर Spider-Man: Into the Spider-Verse इस सूची के विश्वसनीय स्तर का प्रतिनिधित्व करता है। ये वो फिल्में हैं जो निराश नहीं करतीं. Bob Persichetti ने समझा कि फिल्म को क्या चाहिए और बिना किसी समझौते के इसे निष्पादित किया। कार्रवाई कहानी कहने के अधीन है न कि उसका प्रतिस्थापन। निर्देशक ऐसे अनुक्रम बनाता है जो केवल पहले आई चीज़ों के कारण ही काम करते हैं। पात्रों और दांव में दर्शकों का निवेश यह निर्धारित करता है कि कार्रवाई होगी या नहीं। इस तरह की शैली रैंकिंग आंशिक रूप से उपयोगी होती है क्योंकि वे एनिमेशन कैनन को स्पष्ट बनाती हैं। 8.4 पर Spider-Man: Into the Spider-Verse एनिमेशन सिनेमा ने क्या हासिल किया है, इसकी गंभीर चर्चा से संबंधित है। इसे अन्य टॉप-रेटेड एनिमेशन फिल्मों के साथ देखने से इस शैली की विविधता का पता चलता है।
Spider-Man: Into the Spider-Verse की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Bob Persichetti ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Spider-Man: Into the Spider-Verse चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Spider-Man: Into the Spider-Verse को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
पहली बार Spider-Man: Into the Spider-Verse देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Bob Persichetti दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। Spider-Man: Into the Spider-Verse में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Shameik Moore इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2018 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Bob Persichetti का इरादा है।
मूवी डेटाबेस रेटिंग से निर्मित रैंक सूची में शीर्ष दस स्थान एक वास्तविक आलोचनात्मक सहमति का प्रतिनिधित्व करता है। यह कोई लोकप्रियता प्रतियोगिता नहीं है - उन फिल्मों के लिए मतदाता सीमा फ़िल्टर जिन्हें पर्याप्त लोगों ने देखा और मूल्यांकित किया है, जिससे व्यक्तिगत बाहरी राय औसत हो जाती है। इस स्थिति में Spider-Man: Into the Spider-Verse का मतलब है कि विभिन्न देशों और अलग-अलग देखने की आदतों के विविध दर्शकों ने स्वतंत्र रूप से निष्कर्ष निकाला कि यह फिल्म उत्कृष्ट थी। Bob Persichetti ने Spider-Man: Into the Spider-Verse के साथ कुछ हासिल किया जो सांस्कृतिक विविधता के प्रति प्रतिरोधी है। यहां इस्तेमाल किया गया विशिष्ट कहानी कहने का दृष्टिकोण संदर्भों में अनुवाद करता है।
Howl's Moving Castle
Sophie, a young milliner, is turned into an elderly woman by a witch who enters her shop and curses her. She encounters a wizard named Howl and gets caught up in his resistance to fighting for the king.
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। Howl's Moving Castle ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
Howl's Moving Castle को 2004 में बनाया गया था, जब नाटकीय सिनेमा ध्यान आकर्षित करने के लिए शुरुआती इंटरनेट और डीवीडी के साथ प्रतिस्पर्धा कर रहा था। Hayao Miyazaki ने कुछ ऐसा बनाया जिसने तब ध्यान आकर्षित किया और अब भी ध्यान आकर्षित किया है। एक बड़े मतदाता समूह से 8.4 रेटिंग का मतलब है कि फिल्म में वास्तविक ताकतें हैं जो दर्शकों द्वारा पाई गई सभी कमजोरियों पर भारी पड़ती हैं। Howl's Moving Castle अपने केंद्रीय वादे को पूरा करता है, जो कि न्यूनतम मानक है जिसे किसी भी फिल्म को पूरा करना चाहिए और रिलीज की संख्या की तुलना में कम उपलब्धि हासिल होती है। फिल्म दर्शाती है कि एनीमेशन भावनात्मक रजिस्टरों तक पहुंचने का एक उपकरण है जिसे लाइव-एक्शन हासिल नहीं कर सकता है। निर्देशक एनिमेटेड रूप के लिए विशिष्ट क्षणों को बनाने के लिए माध्यम की औपचारिक संभावनाओं का उपयोग करता है। Howl's Moving Castle में एनिमेशन के प्रति Hayao Miyazaki का दृष्टिकोण शिक्षाप्रद है: शैली परंपराओं का उपयोग स्वचालित रूप से करने के बजाय सचेत रूप से किया जाता है। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जो उस शैली के वादे को पूरा करती है जबकि अधिकांश एनिमेशन फिल्में कुछ ऐसा नहीं करती हैं।
Howl's Moving Castle का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Hayao Miyazaki समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Howl's Moving Castle में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Chieko Baisho इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
Howl's Moving Castle अपनी शैली के इतिहास में एक विशिष्ट स्थान पर है: इसे तब बनाया गया था जब यह जिन परंपराओं के साथ काम करता था वे स्थापित होने के बजाय अभी भी विकसित हो रहे थे। Hayao Miyazaki किसी सिद्ध फार्मूले को लागू नहीं कर रहा था बल्कि कुछ ऐसा निर्माण कर रहा था जिसकी प्रभावशीलता की गारंटी नहीं थी। 8.4 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिन्होंने वास्तविक रचनात्मक जोखिम की उन परिस्थितियों में किए गए काम पर प्रतिक्रिया दी। उसी स्थान पर समसामयिक फिल्मों को यह जानने का लाभ है कि क्या काम करता है क्योंकि Howl's Moving Castle और इसके जैसी फिल्मों ने इसे प्रदर्शित किया है। उस संदर्भ में Howl's Moving Castle को देखना - सिद्ध परंपरा के सुरक्षा जाल के बिना किए गए रचनात्मक कार्य के रूप में - देखने के अनुभव में एक आयाम जोड़ता है जो परंपरा स्थापित होने के बाद बनी फिल्मों को देखने से उपलब्ध नहीं होता है।
Howl's Moving Castle की शीर्ष दस स्थिति सबसे सार्थक है जब आप इस बात पर विचार करते हैं कि इसने किसके साथ प्रतिस्पर्धा की। इस विधा और युग के लिए कैटलॉग में प्रत्येक फिल्म का मूल्यांकन किया गया था, और Howl's Moving Castle को यहां स्थान दिया गया क्योंकि रेटिंग गुणवत्ता और मतदाता मात्रा के संयोजन ने इसे चयन में बाकी सभी चीजों से ऊपर रखा। Hayao Miyazaki ने Howl's Moving Castle में ऐसे विकल्प चुने जो इसे उसी श्रेणी के विकल्पों से अलग करते हैं - ऐसे विकल्प जो अच्छी फिल्में भी हैं। शीर्ष दस और शीर्ष बीस के बीच का अंतर निरपेक्ष रेटिंग के संदर्भ में जितना दिखता है उससे कम है, लेकिन दर्शक वास्तव में जो अनुभव प्रदान करता है उसके संदर्भ में महत्वपूर्ण है।
A Silent Voice: The Movie
'अ साइलेंट वॉइस' 2016 में बनी एक जापानी एनिमेटेड मनोवैज्ञानिक ड्रामा फिल्म है, जो योशितोकी ओइमा के इसी नाम के मंगा पर आधारित है। फिल्म का निर्माण क्योटो एनिमेशन ने किया है, निर्देशन नाओको यामाडा ने किया है और इसकी पटकथा रेइको योशिदा ने लिखी है। इसके किरदारों के डिज़ाइन फुतोशी निशिया ने और संगीत केंसुके उशियो ने दिया है। नवंबर 2014 में ही फिल्म के एनिमेटेड रूपांतरण की योजना की घोषणा कर दी गई थी और नवंबर 2015 में क्योटो एनिमेशन को फिल्म के निर्माण की पुष्टि मिली। मई 2016 में मियू इरिनो और साओरी हयामी ने अपनी आवाज़ दी और जुलाई 2016 में फिल्म का पोस्टर और आधिकारिक ट्रेलर जारी किया गया। फिल्म में किशोरावस्था से वयस्कता में आने और मनोवैज्ञानिक ड्रामा के तत्व शामिल हैं, जो धमकाने, विकलांगता, क्षमा, मानसिक स्वास्थ्य, आत्महत्या और विपरीत लिंगों की दोस्ती जैसे विषयों से निपटते हैं ।
क्यों देखें?: A Silent Voice: The Movie इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
2016 में निर्मित, A Silent Voice: The Movie स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 8.4 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। A Silent Voice: The Movie के लिए 8.4 स्कोर उन दर्शकों से बनाया गया है जिनके पास विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। यह विकल्प एक ऐसी फिल्म को दर्शाता है जिसने स्पष्ट रूप से अपना पक्ष रखा - जो कि A Silent Voice: The Movie बिल्कुल यही करता है। Naoko Yamada ने तर्क दिया और दर्शकों ने इसे स्वीकार कर लिया। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। सर्वश्रेष्ठ एनिमेशन फिल्में किसी वास्तविक चीज़ तक पहुंचने के लिए अपनी शैली की यांत्रिकी का उपयोग करती हैं। A Silent Voice: The Movie उन फिल्मों में से एक है। Naoko Yamada ने शैली को इतनी गहराई से समझा कि वह यह जान सके कि कौन सी परंपराएँ सामग्री की सेवा करती हैं और किसे अलग रखनी हैं।
A Silent Voice: The Movie में दृश्य दृष्टिकोण Naoko Yamada की समझ को दर्शाता है कि शैली और पदार्थ एक ही चीज़ हैं। A Silent Voice: The Movie का कैमरा प्लेसमेंट, रंग ग्रेडिंग और संपादन लय सजावटी निर्णय नहीं हैं। वे इस बारे में तर्क हैं कि कहानी का अनुभव कैसे किया जाना चाहिए। Miyu Irino को इस तरह से शूट किया गया है कि किसी शब्द के बोलने से पहले ही उसके चरित्र का संचार हो जाता है। जो दर्शक दृश्य व्याकरण पर ध्यान देकर A Silent Voice: The Movie को दूसरी बार देखते हैं, उन्हें अर्थ की एक परत मिलेगी जो संवाद और कथानक से स्वतंत्र रूप से संचालित होती है।
A Silent Voice: The Movie उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.4 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक A Silent Voice: The Movie को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Naoko Yamada और Miyu Irino कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
A Silent Voice: The Movie सांस्कृतिक प्रतिष्ठा के माध्यम से नहीं बल्कि जब दर्शक बैठकर इसे देखते हैं तो क्या होता है, इसके माध्यम से शीर्ष दस में स्थान अर्जित करता है। 8.4 रेटिंग स्वतंत्र दृश्यों के एक बड़े नमूने में उस अनुभव को कैप्चर करती है। इस तरह की सूची में शीर्ष दस की स्थिति तक पहुंचने वाली फिल्मों का परीक्षण उन दर्शकों द्वारा किया गया है जिनके पास विकल्पों तक पूरी पहुंच थी और उन्होंने इसे अपने अनुभव के शीर्ष पर रेटिंग देने का फैसला किया। Naoko Yamada और Miyu Irino ने कुछ ऐसा बनाया है जो लगातार उस उम्मीद पर खरा उतरता है, यही कारण है कि लगातार नए दर्शकों द्वारा नए मानक लाने के बावजूद रेटिंग कायम है।
Spider-Man: Across the Spider-Verse
After reuniting with Gwen Stacy, Brooklyn’s full-time, friendly neighborhood Spider-Man is catapulted across the Multiverse, where he encounters the Spider Society, a team of Spider-People charged with protecting the Multiverse's very existence. But when the heroes clash on how to handle a new threat, Miles finds himself pitted against the other Spiders and must set out on his own to save those he loves most.
क्यों देखें?: Spider-Man: Across the Spider-Verse के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
Spider-Man: Across the Spider-Verse (2023) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Kemp Powers ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 8.3 पर Spider-Man: Across the Spider-Verse एक ऐसी फिल्म है जहां शिल्प कई आयामों में लगातार औसत से ऊपर है। कोई भी एक तत्व दूसरे को वहन नहीं करता। निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन सभी एक ही दिशा में खींच रहे हैं। निर्देशक कैमरे के तमाशे के बजाय मानवीय पैमाने पर एक्शन शूट करता है। पात्र सुसंगत स्थान घेरते हैं और उनके शरीर सुपाठ्य उद्देश्य के साथ उस स्थान से गुजरते हैं। परिणाम वह क्रिया है जो क्षणिक एड्रेनालाईन उत्पन्न करने के बजाय प्रभाव जमा करती है। Spider-Man: Across the Spider-Verse इस एनिमेशन रैंकिंग में शीर्ष पर है क्योंकि यह दर्शाता है कि जब कोई निर्देशक इसे व्यावसायिक श्रेणी के बजाय एक कलात्मक ढांचे के रूप में गंभीरता से लेता है तो शैली क्या हासिल करती है। Spider-Man: Across the Spider-Verse के हर सीन में फर्क दिखता है.
Spider-Man: Across the Spider-Verse की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Kemp Powers ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Shameik Moore ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Spider-Man: Across the Spider-Verse में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Spider-Man: Across the Spider-Verse के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Spider-Man: Across the Spider-Verse को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Spider-Man: Across the Spider-Verse दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Kemp Powers के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Shameik Moore के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची के शीर्ष दस में Spider-Man: Across the Spider-Verse की रैंकिंग के लिए किसी विशेष तर्क की आवश्यकता नहीं है। यह तर्क है कि मतदाता आधार से 8.3 रेटिंग इतनी बड़ी है कि यह सांख्यिकीय रूप से सार्थक है। किसी भी गंभीर सूची में शीर्ष दस में फिल्में उस स्थान पर रहती हैं क्योंकि वे लगातार दर्शकों की व्यापक रेंज तक पहुंचती हैं, और Spider-Man: Across the Spider-Verse ने ऐसा हर जनसांख्यिकीय वर्ग के लिए किया है जिसने इसका सामना किया है। Kemp Powers का काम यहां उस स्तर पर चल रहा है जहां व्यक्तिगत दृश्य की गुणवत्ता कुछ ऐसी चीज़ में बदल जाती है जो पूरी फिल्म के स्तर पर बनी रहती है, जो सुनने में दुर्लभ है।
Princess Mononoke
लुप्त हो रहे अमीषी लोगों के एक राजकुमार, अष्टक, एक राक्षसी वराह भगवान द्वारा शापित है और एक इलाज खोजने के लिए पश्चिम की ओर जाना चाहिए। रास्ते में, उसका सामना सैन से होता है, जो जंगल की रक्षा के लिए लड़ने वाली एक युवा महिला और लेडी इबोशी है, जो इसे नष्ट करने की कोशिश कर रही है। इस संघर्ष में संतुलन लाने के लिए आशिताका रास्ता खोजना होगा।
क्यों देखें?: Princess Mononoke ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
Princess Mononoke की 1997 रिलीज पूरी तरह से स्ट्रीमिंग युग से पहले की है। Princess Mononoke रेटिंग देने वाले प्रत्येक दर्शक ने जानबूझकर प्रयास के माध्यम से इसे खोजा - नाटकीय स्क्रीनिंग, भौतिक मीडिया, या अनुशंसा। Princess Mononoke के लिए वह ऑडियंस सहभागिता के लिए स्व-चयन कर रही है। 8.3 रेंज की फिल्में अक्सर सूची में उनकी स्थिति से अधिक दिलचस्प होती हैं। उन्होंने उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है, जिसका अर्थ है कि Princess Mononoke को पूर्व धारणाओं के बिना प्राप्त करना आसान है। Princess Mononoke को उससे लाभ होता है। एनीमेशन तकनीकी क्षमता के प्रदर्शन के बजाय कहानी कहने की सेवा में है। निर्देशक भावनात्मक और कथात्मक प्रभावों को प्राप्त करने के लिए फॉर्म का उपयोग करता है जो बताई जा रही विशिष्ट कहानी को पूरा करता है। इस एनिमेशन सूची की अन्य प्रविष्टियों के साथ Princess Mononoke को देखने से पता चलता है कि इस शैली के सर्वोत्तम कार्य को उसके औसत आउटपुट से क्या अलग करता है। Hayao Miyazaki ने यहां ऐसे विकल्प चुने हैं जिनसे अधिकांश एनिमेशन फिल्में बचती हैं क्योंकि उन विकल्पों के लिए दर्शकों में विश्वास की आवश्यकता होती है।
Princess Mononoke में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Hayao Miyazaki ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Yoji Matsuda ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Princess Mononoke में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Yoji Matsuda एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Princess Mononoke उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.3 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Princess Mononoke को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Hayao Miyazaki और Yoji Matsuda कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
इस सूची में Princess Mononoke की शीर्ष दस स्थिति कुछ ऐसी चीज़ को दर्शाती है जिसे बनाना कठिन है: निरंतर उत्कृष्टता जिसे नए दर्शक खोजते रहते हैं और उच्च रेटिंग देते हैं। अधिकांश फिल्में अपने शुरुआती दर्शकों के बाद गति खो देती हैं। Princess Mononoke नहीं है. जो दर्शक रिलीज़ के वर्षों या दशकों बाद इसका सामना करते हैं, वे इसे शुरुआती दर्शकों की तरह ही उच्च रेटिंग देते हैं। Hayao Miyazaki ने कुछ ऐसा बनाया जो उस सांस्कृतिक क्षण से स्वतंत्र रूप से काम करता है जहां से यह आया है, जो स्थायी गुणवत्ता की परिभाषा है। Yoji Matsuda का प्रदर्शन उस स्थायित्व का हिस्सा है - इसे पीरियड एक्टिंग के रूप में नहीं पढ़ा जाता है।
The Wild Robot
एक रोबोट - ROZZUM यूनिट 7134, संक्षेप में "रोज़" - एक निर्जन द्वीप पर जहाज से फंस जाता है और उसे कठोर वातावरण के अनुकूल होना सीखना होगा, धीरे-धीरे द्वीप के जानवरों के साथ संबंध बनाना होगा और एक अनाथ हंस बच्चे का दत्तक माता-पिता बनना होगा।
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। The Wild Robot ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
The Wild Robot समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Chris Sanders ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। 8.3 रेटिंग एक साथ सुसंगत स्तरों पर निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन को दर्शाती है। इस श्रेणी में स्कोर करने वाली फिल्में शायद ही किसी एक आयाम में महत्वपूर्ण रूप से असफल होती हैं, और The Wild Robot कोई अपवाद नहीं है। मानव होने का क्या अर्थ है, इस बारे में प्रश्न पूछने के लिए निर्देशक विज्ञान कथा के आधार का उपयोग करता है। सट्टा तकनीक असाधारण दबाव के तहत चरित्र की खोज के लिए एक रूपरेखा है। एनिमेशन शैली के भीतर, The Wild Robot एक विशिष्ट स्थान रखता है: यह दर्शाता है कि क्या संभव है जब एक निर्देशक ब्लूप्रिंट के बजाय शुरुआती बिंदु के रूप में शैली सम्मेलनों का उपयोग करता है। सर्वोत्तम एनिमेशन फिल्में उस चीज़ का विस्तार करती हैं जो शैली कर सकती है।
The Wild Robot की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Chris Sanders ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। The Wild Robot चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे The Wild Robot को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
The Wild Robot उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.3 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक The Wild Robot को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Chris Sanders और Lupita Nyong'o कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
The Wild Robot शीर्ष दस में शामिल है क्योंकि यह कुछ ऐसा करता है जिसे अधिकांश फिल्में करने का प्रयास करती हैं और कुछ ही इसे हासिल कर पाती हैं: यह पहली बार देखने पर उत्कृष्ट है और दोबारा देखने पर अतिरिक्त परतें दिखाता है। पहली बार आने वाले दर्शकों और वापस आने वाले दर्शकों को अलग-अलग अनुभव हो रहे हैं और दोनों अनुभव मजबूत हैं। Chris Sanders ने एक साथ कई स्तरों पर काम करके फिल्म में इस गहराई का निर्माण किया - सतही कहानी प्रदान करती है, और इसके नीचे शिल्प निर्णयों की एक परत होती है जो केवल तभी पूरी तरह से दिखाई देती है जब आप जानते हैं कि सब कुछ कहाँ जा रहा है। वह दो-स्तरीय संरचना ही The Wild Robot को अगले स्तर के बजाय शीर्ष दस में रखती है।
PERFECT BLUE
Rising pop star Mima quits singing to pursue a career as an actress. After she takes up a role on a popular detective show, her handlers and collaborators begin turning up murdered. Harboring feelings of guilt and haunted by visions of her former self, Mima's reality and fantasy meld into a frenzied paranoia.
क्यों देखें?: PERFECT BLUE इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
1998 में रिलीज़, PERFECT BLUE उस युग में बनाई गई थी जब नाटकीय प्रदर्शन यह निर्धारित करते थे कि कोई फिल्म जीवित रहेगी या नहीं। Satoshi Kon ने कुछ ऐसा बनाया जो जीवित रहा, और आज की 8.3 रेटिंग उस टिके रहने की शक्ति का प्रमाण है। PERFECT BLUE के लिए 8.3 स्कोर इसे उन फिल्मों में रखता है जो महत्वपूर्ण कमजोरियों के बिना अपने आधार पर काम करती हैं। Satoshi Kon ने कुछ ऐसा बनाया जो पूरी तरह से उद्देश्य के अनुसार काम करता है, जो सुनने में जितना आम लगता है उससे कम है। जो चीज़ फिल्म को थ्रिलर के रूप में काम करती है वह यह समझ है कि दांव पर निवेश की आवश्यकता होती है। दबाव आने से पहले पहला कार्य चरित्र का निर्माण करता है। जब तक तनाव बढ़ता है, आपके पास परिणाम की परवाह करने के कारण होते हैं। एनिमेशन शैली ने सैकड़ों फिल्में बनाई हैं। जो 8.3 और उससे ऊपर रैंक पर हैं, वे वे हैं जहां निर्देशक ने समझा कि शैली दर्शकों के साथ एक अनुबंध है, न कि जो व्यक्त किया जा सकता है उस पर कोई बाधा है।
PERFECT BLUE का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Satoshi Kon समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। PERFECT BLUE में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Junko Iwao इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
पहली बार PERFECT BLUE देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Satoshi Kon दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। PERFECT BLUE में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Junko Iwao इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 1998 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Satoshi Kon का इरादा है।
मूवी डेटाबेस रेटिंग से निर्मित रैंक सूची में शीर्ष दस स्थान एक वास्तविक आलोचनात्मक सहमति का प्रतिनिधित्व करता है। यह कोई लोकप्रियता प्रतियोगिता नहीं है - उन फिल्मों के लिए मतदाता सीमा फ़िल्टर जिन्हें पर्याप्त लोगों ने देखा और मूल्यांकित किया है, जिससे व्यक्तिगत बाहरी राय औसत हो जाती है। इस स्थिति में PERFECT BLUE का मतलब है कि विभिन्न देशों और अलग-अलग देखने की आदतों के विविध दर्शकों ने स्वतंत्र रूप से निष्कर्ष निकाला कि यह फिल्म उत्कृष्ट थी। Satoshi Kon ने PERFECT BLUE के साथ कुछ हासिल किया जो सांस्कृतिक विविधता के प्रति प्रतिरोधी है। यहां इस्तेमाल किया गया विशिष्ट कहानी कहने का दृष्टिकोण संदर्भों में अनुवाद करता है।
सिनेमा उन कहानियों के बारे में है जो मायने रखती हैं। इस खंड की फिल्में उस सिद्धांत को साबित करती हैं।
The Lion King
Young lion prince Simba, eager to one day become king of the Pride Lands, grows up under the watchful eye of his father Mufasa; all the while his villainous uncle Scar conspires to take the throne for himself. Amid betrayal and tragedy, Simba must confront his past and find his rightful place in the Circle of Life.
क्यों देखें?: The Lion King के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
The Lion King की तारीख 1994 से है, जिसका अर्थ है कि इसे दर्शकों की कई पीढ़ियों द्वारा परीक्षण किया गया है। तथ्य यह है कि The Lion King अभी भी उच्च रैंक पर है, पुरानी यादों के बजाय वास्तविक शिल्प को दर्शाता है। 8.3 पर, The Lion King उस श्रेणी में आता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने उच्च-रेटेड शीर्षकों की व्यापक सहमति हासिल नहीं की है। वह संकीर्ण आम सहमति अक्सर एक विशिष्ट अपील को दर्शाती है - The Lion King हर किसी के लिए नहीं है, लेकिन सही दर्शक के लिए यह उत्कृष्ट है। फिल्म दर्शाती है कि नाटक वह क्या कर सकता है जो अन्य शैलियाँ नहीं कर सकतीं: सामान्य मानव व्यवहार को दबाव में रखना और प्रतिक्रिया के माध्यम से चरित्र को प्रकट करना। निर्देशक उन परिस्थितियों का निर्माण करता है और कलाकार उन्हें वास्तविक विश्वास के साथ निभाते हैं। The Lion King दिखाता है कि एनिमेशन सिनेमा क्यों मायने रखता है: यह ऐसे काम करता है जो कोई अन्य शैली इतने प्रभावी ढंग से नहीं कर सकती। Roger Allers एनिमेशन के विशिष्ट तंत्र को समझता है और कहानी कहने के अन्य तरीकों में असंभव प्रभाव पैदा करने के लिए उनका उपयोग करता है।
The Lion King में सिनेमैटोग्राफी फिल्म प्रौद्योगिकी में एक संक्रमणकालीन अवधि को दर्शाती है, जब डिजिटल उपकरण उपलब्ध थे लेकिन फिल्म निर्माता अभी भी इस बात पर बहस कर रहे थे कि उनका उपयोग किया जाए या नहीं। Roger Allers ने दृश्य शैली के बारे में ऐसे विकल्प चुने जो डिफ़ॉल्ट के बजाय जानबूझकर थे। The Lion King को जिस तरह से जलाया जाता है, फ्रेम किया जाता है और काटा जाता है, वह उद्योग सम्मेलन के बजाय एक विशिष्ट दृश्य बुद्धिमत्ता को दर्शाता है। Matthew Broderick उस दृश्य ढांचे के भीतर उन तरीकों से काम करता है जो सबसे अधिक तब दिखाई देते हैं जब आप फिल्म देखते हैं, इस बात पर ध्यान देते हैं कि वे क्या कर रहे हैं इसके बजाय उन्हें फ्रेम में कैसे रखा गया है।
जिन दर्शकों ने The Lion King से प्रभावित फिल्में देखी हैं, उन्हें मूल फिल्म देखने का अनुभव किसी समकालीन फिल्म को देखने से अलग अनुभव होगा। जो तकनीकें परिचित लगती हैं क्योंकि उन्हें बड़े पैमाने पर कॉपी किया गया है, वे यहां अपने मूल रूप में दिखाई देती हैं, जिससे अक्सर पता चलता है कि प्रतियां Roger Allers ने जो किया उसके पीछे के तर्क को समझे बिना सतह को समझ लिया। The Lion King विशिष्ट कहानी कहने के लक्ष्यों की सेवा में अपने शैलीगत विकल्पों का उपयोग करता है। बाद की फिल्मों ने उन विकल्पों को उधार लिया और अक्सर उन्हें फ़ंक्शन के बिना शैली के रूप में उपयोग किया। मूल को देखने से स्पष्ट होता है कि वास्तव में क्या पूरा किया जा रहा था। यहां Matthew Broderick के काम में एक विशिष्टता भी है कि इससे प्रेरित कई प्रदर्शनों में कमी है - नकल ने उस आंतरिकता के बिना तरीके को पकड़ लिया जिसने तरीके को कुछ अर्थपूर्ण बना दिया।
सूची में इस स्थान पर The Lion King एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Matthew Broderick का प्रदर्शन और Roger Allers का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
Klaus
एक स्वार्थी पोस्टमैन और लकड़ी के खिलौने बनाने वाला एक छुपा रुस्तम. दोनों की अजब-गजब दोस्ती, बर्फ से ढंके उदास नगर में खुशियों का अंबार लगा देती है.
क्यों देखें?: Klaus ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
2019 में, जब Sergio Pablos ने Klaus बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। Klaus को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 8.2 पर Klaus इस सूची के विश्वसनीय स्तर का प्रतिनिधित्व करता है। ये वो फिल्में हैं जो निराश नहीं करतीं. Sergio Pablos ने समझा कि फिल्म को क्या चाहिए और बिना किसी समझौते के इसे निष्पादित किया। कॉमेडी के रूप में फिल्म की सुसंगतता निरंतरता से आती है। निर्देशक दुनिया के नियमों और उसके भीतर पात्रों के व्यवहार को स्थापित करता है, और वे पात्र किसी स्थिति को कैसे पार करते हैं, उससे हास्य उभरता है। इस तरह की शैली रैंकिंग आंशिक रूप से उपयोगी होती है क्योंकि वे एनिमेशन कैनन को स्पष्ट बनाती हैं। 8.2 पर Klaus एनिमेशन सिनेमा ने क्या हासिल किया है, इसकी गंभीर चर्चा से संबंधित है। इसे अन्य टॉप-रेटेड एनिमेशन फिल्मों के साथ देखने से इस शैली की विविधता का पता चलता है।
Klaus की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Sergio Pablos ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Jason Schwartzman ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Klaus में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Klaus उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.2 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Klaus को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Sergio Pablos और Jason Schwartzman कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
8.2 रेटिंग जो Klaus को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। Klaus को उच्च अंक देने का उनका निर्णय Sergio Pablos ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। Klaus मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
Wolf Children
After her werewolf lover unexpectedly dies in an accident, a woman must find a way to raise the son and daughter that she had with him. However, their inheritance of their father's traits prove to be a challenge for her.
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। Wolf Children ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
Wolf Children समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Mamoru Hosoda ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। एक बड़े मतदाता समूह से 8.2 रेटिंग का मतलब है कि फिल्म में वास्तविक ताकतें हैं जो दर्शकों द्वारा पाई गई सभी कमजोरियों पर भारी पड़ती हैं। Wolf Children अपने केंद्रीय वादे को पूरा करता है, जो कि न्यूनतम मानक है जिसे किसी भी फिल्म को पूरा करना चाहिए और रिलीज की संख्या की तुलना में कम उपलब्धि हासिल होती है। निर्देशक इतने धैर्य से काम करता है कि अधिकांश समकालीन नाटक वहन नहीं कर सकते। दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे चलने की अनुमति दी जाती है, ताकि वे जो कहने आए थे उसे कहने के बाद पात्र क्या करते हैं, उसमें सच्चाई का पता लगाया जा सके। कलाकार इस लय को समझते हैं। Wolf Children में एनिमेशन के प्रति Mamoru Hosoda का दृष्टिकोण शिक्षाप्रद है: शैली परंपराओं का उपयोग स्वचालित रूप से करने के बजाय सचेत रूप से किया जाता है। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जो उस शैली के वादे को पूरा करती है जबकि अधिकांश एनिमेशन फिल्में कुछ ऐसा नहीं करती हैं।
Wolf Children में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Mamoru Hosoda ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Aoi Miyazaki ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Wolf Children में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Aoi Miyazaki एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Wolf Children के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Wolf Children को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Wolf Children दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Mamoru Hosoda के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Aoi Miyazaki के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, Wolf Children उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: Wolf Children अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Mamoru Hosoda का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो Wolf Children को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
Demon Slayer -Kimetsu no Yaiba- The Movie: Mugen Train
Tanjiro Kamado, joined with Inosuke Hashibira, a boy raised by boars who wears a boar's head, and Zenitsu Agatsuma, a scared boy who reveals his true power when he sleeps, boards the Infinity Train on a new mission with the Fire Hashira, Kyojuro Rengoku, to defeat a demon who has been tormenting the people and killing the demon slayers who oppose it!
क्यों देखें?: Demon Slayer -Kimetsu no Yaiba- The Movie: Mugen Train इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
2020 में निर्मित, Demon Slayer -Kimetsu no Yaiba- The Movie: Mugen Train स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 8.2 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Demon Slayer -Kimetsu no Yaiba- The Movie: Mugen Train के लिए 8.2 स्कोर उन दर्शकों से बनाया गया है जिनके पास विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। यह विकल्प एक ऐसी फिल्म को दर्शाता है जिसने स्पष्ट रूप से अपना पक्ष रखा - जो कि Demon Slayer -Kimetsu no Yaiba- The Movie: Mugen Train बिल्कुल यही करता है। Haruo Sotozaki ने तर्क दिया और दर्शकों ने इसे स्वीकार कर लिया। एक्शन सिनेमा तब विफल हो जाता है जब स्थानिक तर्क टूट जाता है और दृश्य अमूर्त तमाशा बन जाते हैं। यह फिल्म उस असफलता से बचती है। निर्देशक स्टोरीबोर्ड केवल प्रभाव के लिए नहीं, बल्कि समझ के लिए भी बनाते हैं। दर्शक हमेशा हर पल के दांव को समझते हैं। सर्वश्रेष्ठ एनिमेशन फिल्में किसी वास्तविक चीज़ तक पहुंचने के लिए अपनी शैली की यांत्रिकी का उपयोग करती हैं। Demon Slayer -Kimetsu no Yaiba- The Movie: Mugen Train उन फिल्मों में से एक है। Haruo Sotozaki ने शैली को इतनी गहराई से समझा कि वह यह जान सके कि कौन सी परंपराएँ सामग्री की सेवा करती हैं और किसे अलग रखनी हैं।
Demon Slayer -Kimetsu no Yaiba- The Movie: Mugen Train की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Haruo Sotozaki ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Demon Slayer -Kimetsu no Yaiba- The Movie: Mugen Train चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Demon Slayer -Kimetsu no Yaiba- The Movie: Mugen Train को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
Demon Slayer -Kimetsu no Yaiba- The Movie: Mugen Train उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.2 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Demon Slayer -Kimetsu no Yaiba- The Movie: Mugen Train को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Haruo Sotozaki और Natsuki Hanae कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
Demon Slayer -Kimetsu no Yaiba- The Movie: Mugen Train इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Haruo Sotozaki ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 8.2 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Haruo Sotozaki के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर Demon Slayer -Kimetsu no Yaiba- The Movie: Mugen Train को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
Puss in Boots: The Last Wish
Puss in Boots discovers that his passion for adventure has taken its toll: He has burned through eight of his nine lives, leaving him with only one life left. Puss sets out on an epic journey to find the mythical Last Wish and restore his nine lives.
क्यों देखें?: Puss in Boots: The Last Wish के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
Puss in Boots: The Last Wish (2022) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Joel Crawford ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 8.2 पर Puss in Boots: The Last Wish एक ऐसी फिल्म है जहां शिल्प कई आयामों में लगातार औसत से ऊपर है। कोई भी एक तत्व दूसरे को वहन नहीं करता। निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन सभी एक ही दिशा में खींच रहे हैं। निर्देशक ने फिल्म में उस प्रकार का सुविचारित शिल्प डाला है जिसकी एनीमेशन को आवश्यकता होती है। प्रत्येक फ्रेम इस इरादे को दर्शाता है कि कहानी को कैसे अनुभव किया जाना चाहिए, जिसका अर्थ है कि फिल्म केवल कथा के बजाय व्यक्तिगत क्षणों के स्तर पर काम करती है। Puss in Boots: The Last Wish इस एनिमेशन रैंकिंग में शीर्ष पर है क्योंकि यह दर्शाता है कि जब कोई निर्देशक इसे व्यावसायिक श्रेणी के बजाय एक कलात्मक ढांचे के रूप में गंभीरता से लेता है तो शैली क्या हासिल करती है। Puss in Boots: The Last Wish के हर सीन में फर्क दिखता है.
Puss in Boots: The Last Wish का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Joel Crawford समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Puss in Boots: The Last Wish में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Antonio Banderas इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
Puss in Boots: The Last Wish उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.2 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Puss in Boots: The Last Wish को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Joel Crawford और Antonio Banderas कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
सूची के इस भाग में Puss in Boots: The Last Wish की स्थिति एक ऐसी फिल्म को दर्शाती है जो सभी के लिए सब कुछ बनने की इच्छा किए बिना विश्वसनीय रूप से अपने विशिष्ट गुण प्रदान करती है। Joel Crawford ने समझा कि फिल्म क्या थी और इसे शिल्प के उच्च स्तर पर बनाया। 8.2 रेटिंग उन दर्शकों का प्रतिनिधित्व करती है जो उन शर्तों पर फिल्म से जुड़े रहे और इसे अत्यधिक रेटिंग के लायक पाया। अलग-अलग उम्मीदें लेकर आने वाले दर्शकों को कभी-कभी फिल्म रेटिंग से कम संतोषजनक लगती है - जो कि फिल्म की नहीं बल्कि उम्मीद की कमजोरी है। Puss in Boots: The Last Wish बिल्कुल वैसा ही है, जिसे कुशलता से बनाया गया है, और इसे रेटिंग देने वाले मतदाता उस पर प्रतिक्रिया दे रहे थे।
Coco
Despite his family’s baffling generations-old ban on music, Miguel dreams of becoming an accomplished musician like his idol, Ernesto de la Cruz. Desperate to prove his talent, Miguel finds himself in the stunning and colorful Land of the Dead following a mysterious chain of events. Along the way, he meets charming trickster Hector, and together, they set off on an extraordinary journey to unlock the real story behind Miguel's family history.
क्यों देखें?: Coco ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
2017 में, जब Lee Unkrich ने Coco बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। Coco को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 8.2 रेंज की फिल्में अक्सर सूची में उनकी स्थिति से अधिक दिलचस्प होती हैं। उन्होंने उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है, जिसका अर्थ है कि Coco को पूर्व धारणाओं के बिना प्राप्त करना आसान है। Coco को उससे लाभ होता है। एनीमेशन तकनीकी क्षमता के प्रदर्शन के बजाय कहानी कहने की सेवा में है। निर्देशक भावनात्मक और कथात्मक प्रभावों को प्राप्त करने के लिए फॉर्म का उपयोग करता है जो बताई जा रही विशिष्ट कहानी को पूरा करता है। इस एनिमेशन सूची की अन्य प्रविष्टियों के साथ Coco को देखने से पता चलता है कि इस शैली के सर्वोत्तम कार्य को उसके औसत आउटपुट से क्या अलग करता है। Lee Unkrich ने यहां ऐसे विकल्प चुने हैं जिनसे अधिकांश एनिमेशन फिल्में बचती हैं क्योंकि उन विकल्पों के लिए दर्शकों में विश्वास की आवश्यकता होती है।
Coco में दृश्य दृष्टिकोण Lee Unkrich की समझ को दर्शाता है कि शैली और पदार्थ एक ही चीज़ हैं। Coco का कैमरा प्लेसमेंट, रंग ग्रेडिंग और संपादन लय सजावटी निर्णय नहीं हैं। वे इस बारे में तर्क हैं कि कहानी का अनुभव कैसे किया जाना चाहिए। Anthony Gonzalez को इस तरह से शूट किया गया है कि किसी शब्द के बोलने से पहले ही उसके चरित्र का संचार हो जाता है। जो दर्शक दृश्य व्याकरण पर ध्यान देकर Coco को दूसरी बार देखते हैं, उन्हें अर्थ की एक परत मिलेगी जो संवाद और कथानक से स्वतंत्र रूप से संचालित होती है।
पहली बार Coco देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Lee Unkrich दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। Coco में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Anthony Gonzalez इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2017 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Lee Unkrich का इरादा है।
इस तरह की सूचियों में ग्यारह से पच्चीस श्रेणी में स्थित फिल्में अक्सर सबसे उपयोगी खोज होती हैं क्योंकि वे सांस्कृतिक भार के बिना शीर्ष दस की गुणवत्ता रखती हैं। Coco इस स्थिति में है, इसलिए नहीं कि यह इसके ऊपर की प्रविष्टियों की तुलना में काफी खराब है, बल्कि इसलिए कि इसकी अपील अधिक केंद्रित है। Coco में Lee Unkrich जो कर रहा है, उससे जुड़ने वाले दर्शक इसे इस सूची की किसी भी फिल्म के समान ही उच्च रेटिंग देते हैं। व्यापक मतदाता आधार का औसत इसे यहीं रखता है। जिन दर्शकों के पास यह सोचने के विशिष्ट कारण हैं कि यह फिल्म उनके लिए है - शैली की प्राथमिकता, निर्देशक की रुचि या युग के आधार पर - उन्हें इससे ऊपर रैंक वाली कई प्रविष्टियों पर इसे प्राथमिकता देनी चाहिए।
WALL·E
After hundreds of years doing what he was built for, WALL•E— a robot designed to clean up the earth—discovers a new purpose in life when he meets a sleek search robot named EVE. EVE comes to realize that WALL•E has inadvertently stumbled upon the key to the planet's future, and races back to space to report to the humans. Meanwhile, WALL•E chases EVE across the galaxy and sets into motion one of the most imaginative adventures ever brought to the big screen.
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। WALL·E ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
WALL·E को 2008 में बनाया गया था, जब नाटकीय सिनेमा ध्यान आकर्षित करने के लिए शुरुआती इंटरनेट और डीवीडी के साथ प्रतिस्पर्धा कर रहा था। Andrew Stanton ने कुछ ऐसा बनाया जिसने तब ध्यान आकर्षित किया और अब भी ध्यान आकर्षित किया है। 8.1 रेटिंग एक साथ सुसंगत स्तरों पर निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन को दर्शाती है। इस श्रेणी में स्कोर करने वाली फिल्में शायद ही किसी एक आयाम में महत्वपूर्ण रूप से असफल होती हैं, और WALL·E कोई अपवाद नहीं है। मानव होने का क्या अर्थ है, इस बारे में प्रश्न पूछने के लिए निर्देशक विज्ञान कथा के आधार का उपयोग करता है। सट्टा तकनीक असाधारण दबाव के तहत चरित्र की खोज के लिए एक रूपरेखा है। एनिमेशन शैली के भीतर, WALL·E एक विशिष्ट स्थान रखता है: यह दर्शाता है कि क्या संभव है जब एक निर्देशक ब्लूप्रिंट के बजाय शुरुआती बिंदु के रूप में शैली सम्मेलनों का उपयोग करता है। सर्वोत्तम एनिमेशन फिल्में उस चीज़ का विस्तार करती हैं जो शैली कर सकती है।
WALL·E की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Andrew Stanton ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Ben Burtt ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार WALL·E में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
WALL·E अपनी शैली के इतिहास में एक विशिष्ट स्थान पर है: इसे तब बनाया गया था जब यह जिन परंपराओं के साथ काम करता था वे स्थापित होने के बजाय अभी भी विकसित हो रहे थे। Andrew Stanton किसी सिद्ध फार्मूले को लागू नहीं कर रहा था बल्कि कुछ ऐसा निर्माण कर रहा था जिसकी प्रभावशीलता की गारंटी नहीं थी। 8.1 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिन्होंने वास्तविक रचनात्मक जोखिम की उन परिस्थितियों में किए गए काम पर प्रतिक्रिया दी। उसी स्थान पर समसामयिक फिल्मों को यह जानने का लाभ है कि क्या काम करता है क्योंकि WALL·E और इसके जैसी फिल्मों ने इसे प्रदर्शित किया है। उस संदर्भ में WALL·E को देखना - सिद्ध परंपरा के सुरक्षा जाल के बिना किए गए रचनात्मक कार्य के रूप में - देखने के अनुभव में एक आयाम जोड़ता है जो परंपरा स्थापित होने के बाद बनी फिल्मों को देखने से उपलब्ध नहीं होता है।
सूची में इस स्थान पर WALL·E एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Ben Burtt का प्रदर्शन और Andrew Stanton का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
Soul
Joe Gardner is a middle school teacher with a love for jazz music. After a successful audition at the Half Note Club, he suddenly gets into an accident that separates his soul from his body and is transported to the You Seminar, a center in which souls develop and gain passions before being transported to a newborn child. Joe must enlist help from the other souls-in-training, like 22, a soul who has spent eons in the You Seminar, in order to get back to Earth.
क्यों देखें?: Soul इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
2020 में निर्मित, Soul स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 8.1 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Soul के लिए 8.1 स्कोर इसे उन फिल्मों में रखता है जो महत्वपूर्ण कमजोरियों के बिना अपने आधार पर काम करती हैं। Pete Docter ने कुछ ऐसा बनाया जो पूरी तरह से उद्देश्य के अनुसार काम करता है, जो सुनने में जितना आम लगता है उससे कम है। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। एनिमेशन शैली ने सैकड़ों फिल्में बनाई हैं। जो 8.1 और उससे ऊपर रैंक पर हैं, वे वे हैं जहां निर्देशक ने समझा कि शैली दर्शकों के साथ एक अनुबंध है, न कि जो व्यक्त किया जा सकता है उस पर कोई बाधा है।
Soul में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Pete Docter ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Jamie Foxx ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Soul में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Jamie Foxx एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Soul उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.1 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Soul को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Pete Docter और Jamie Foxx कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
8.1 रेटिंग जो Soul को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। Soul को उच्च अंक देने का उनका निर्णय Pete Docter ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। Soul मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
Straume
A solitary cat, displaced by a great flood, finds refuge on a boat with various species and must navigate the challenges of adapting to a transformed world together.
क्यों देखें?: Straume के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
Straume (2024) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Gints Zilbalodis ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 8.1 पर, Straume उस श्रेणी में आता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने उच्च-रेटेड शीर्षकों की व्यापक सहमति हासिल नहीं की है। वह संकीर्ण आम सहमति अक्सर एक विशिष्ट अपील को दर्शाती है - Straume हर किसी के लिए नहीं है, लेकिन सही दर्शक के लिए यह उत्कृष्ट है। निर्देशक ने फिल्म में उस प्रकार का सुविचारित शिल्प डाला है जिसकी एनीमेशन को आवश्यकता होती है। प्रत्येक फ्रेम इस इरादे को दर्शाता है कि कहानी को कैसे अनुभव किया जाना चाहिए, जिसका अर्थ है कि फिल्म केवल कथा के बजाय व्यक्तिगत क्षणों के स्तर पर काम करती है। Straume दिखाता है कि एनिमेशन सिनेमा क्यों मायने रखता है: यह ऐसे काम करता है जो कोई अन्य शैली इतने प्रभावी ढंग से नहीं कर सकती। Gints Zilbalodis एनिमेशन के विशिष्ट तंत्र को समझता है और कहानी कहने के अन्य तरीकों में असंभव प्रभाव पैदा करने के लिए उनका उपयोग करता है।
Straume की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Gints Zilbalodis ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Straume चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Straume को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
Straume के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Straume को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Straume दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Gints Zilbalodis के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में the lead performance के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, Straume उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: Straume अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Gints Zilbalodis का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो Straume को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
My Neighbor Totoro
दो बहनें अपने पिता के साथ अपने अस्पताल में भर्ती होने के लिए अपने पिता के साथ देश जाती हैं, और आसपास के पेड़ों को खोजती हैं, जो जंगल की जादुई आत्माओं में टोटोरोस द्वारा बसा हुआ है। जब सबसे छोटा घर से भाग जाता है, तो बड़ी बहन उसे खोजने के लिए आत्माओं की मदद लेती है।
क्यों देखें?: My Neighbor Totoro ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
My Neighbor Totoro की 1988 रिलीज पूरी तरह से स्ट्रीमिंग युग से पहले की है। My Neighbor Totoro रेटिंग देने वाले प्रत्येक दर्शक ने जानबूझकर प्रयास के माध्यम से इसे खोजा - नाटकीय स्क्रीनिंग, भौतिक मीडिया, या अनुशंसा। My Neighbor Totoro के लिए वह ऑडियंस सहभागिता के लिए स्व-चयन कर रही है। 8.1 पर My Neighbor Totoro इस सूची के विश्वसनीय स्तर का प्रतिनिधित्व करता है। ये वो फिल्में हैं जो निराश नहीं करतीं. Hayao Miyazaki ने समझा कि फिल्म को क्या चाहिए और बिना किसी समझौते के इसे निष्पादित किया। एनीमेशन तकनीकी क्षमता के प्रदर्शन के बजाय कहानी कहने की सेवा में है। निर्देशक भावनात्मक और कथात्मक प्रभावों को प्राप्त करने के लिए फॉर्म का उपयोग करता है जो बताई जा रही विशिष्ट कहानी को पूरा करता है। इस तरह की शैली रैंकिंग आंशिक रूप से उपयोगी होती है क्योंकि वे एनिमेशन कैनन को स्पष्ट बनाती हैं। 8.1 पर My Neighbor Totoro एनिमेशन सिनेमा ने क्या हासिल किया है, इसकी गंभीर चर्चा से संबंधित है। इसे अन्य टॉप-रेटेड एनिमेशन फिल्मों के साथ देखने से इस शैली की विविधता का पता चलता है।
My Neighbor Totoro का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Hayao Miyazaki समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। My Neighbor Totoro में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Noriko Hidaka इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
My Neighbor Totoro उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.1 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक My Neighbor Totoro को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Hayao Miyazaki और Noriko Hidaka कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
My Neighbor Totoro इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Hayao Miyazaki ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 8.1 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Hayao Miyazaki के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर My Neighbor Totoro को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
महान फिल्में अपनी श्रेणी से आगे निकल जाती हैं। वे काम करते हैं क्योंकि शिल्प असाधारण है।
KPop Demon Hunters
जब के-पॉप सुपरस्टार्स रूमी, मीरा और ज़ोई स्टेडियम में धमाल नहीं मचा रही होती हैं, तब वे अपनी गुप्त शक्तियों का इस्तेमाल कर के अपने फ़ैंस को सुपरनैचुरल खतरों से बचाती हैं.
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। KPop Demon Hunters ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
KPop Demon Hunters समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Chris Appelhans ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। एक बड़े मतदाता समूह से 8.0 रेटिंग का मतलब है कि फिल्म में वास्तविक ताकतें हैं जो दर्शकों द्वारा पाई गई सभी कमजोरियों पर भारी पड़ती हैं। KPop Demon Hunters अपने केंद्रीय वादे को पूरा करता है, जो कि न्यूनतम मानक है जिसे किसी भी फिल्म को पूरा करना चाहिए और रिलीज की संख्या की तुलना में कम उपलब्धि हासिल होती है। जो चीज़ फिल्म को कॉमेडी के रूप में काम करती है वह यह है कि निर्देशक ने यह संकेत देने से इनकार कर दिया है कि हास्य कहाँ है। चुटकुले चरित्र और स्थिति से आते हैं, जिसका अर्थ है कि जो दर्शक ध्यान दे रहे हैं वे उन दर्शकों की तुलना में अधिक पाते हैं जो यह कहे जाने की प्रतीक्षा कर रहे हैं कि उन्हें हंसना चाहिए। KPop Demon Hunters में एनिमेशन के प्रति Chris Appelhans का दृष्टिकोण शिक्षाप्रद है: शैली परंपराओं का उपयोग स्वचालित रूप से करने के बजाय सचेत रूप से किया जाता है। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जो उस शैली के वादे को पूरा करती है जबकि अधिकांश एनिमेशन फिल्में कुछ ऐसा नहीं करती हैं।
KPop Demon Hunters में दृश्य दृष्टिकोण Chris Appelhans की समझ को दर्शाता है कि शैली और पदार्थ एक ही चीज़ हैं। KPop Demon Hunters का कैमरा प्लेसमेंट, रंग ग्रेडिंग और संपादन लय सजावटी निर्णय नहीं हैं। वे इस बारे में तर्क हैं कि कहानी का अनुभव कैसे किया जाना चाहिए। Arden Cho को इस तरह से शूट किया गया है कि किसी शब्द के बोलने से पहले ही उसके चरित्र का संचार हो जाता है। जो दर्शक दृश्य व्याकरण पर ध्यान देकर KPop Demon Hunters को दूसरी बार देखते हैं, उन्हें अर्थ की एक परत मिलेगी जो संवाद और कथानक से स्वतंत्र रूप से संचालित होती है।
KPop Demon Hunters उन दर्शकों के लिए एक विश्वसनीय अनुशंसा है जो किसी फिल्म को अन्यत्र से लाई गई अपेक्षाओं के अनुरूप करने की आवश्यकता के बजाय अपनी शर्तों पर मिलने के इच्छुक हैं। इसमें इस श्रेणी में उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक सर्वव्यापकता नहीं है, जिसका अर्थ है कि यह अनिवार्य देखने के भार के बिना आता है। जो दर्शक बिना बताए KPop Demon Hunters की खोज करते हैं, उन्हें इसे अवश्य देखना चाहिए, वे अक्सर उन लोगों की तुलना में अधिक दृढ़ता से प्रतिक्रिया करते हैं जो इसे एक दायित्व के रूप में देखते हैं। Chris Appelhans ने एक विशिष्ट अपील के साथ कुछ बनाया - यह हर किसी के लिए सब कुछ बनने की कोशिश नहीं कर रहा है। जो दर्शक KPop Demon Hunters से जुड़ते हैं, वे इसे 8.0 रेटिंग से काफी बेहतर पाते हैं, यही कारण है कि सीमित मार्केटिंग दृश्यता के बावजूद यह उस रेटिंग को बरकरार रखता है।
सूची के इस भाग में KPop Demon Hunters की स्थिति एक ऐसी फिल्म को दर्शाती है जो सभी के लिए सब कुछ बनने की इच्छा किए बिना विश्वसनीय रूप से अपने विशिष्ट गुण प्रदान करती है। Chris Appelhans ने समझा कि फिल्म क्या थी और इसे शिल्प के उच्च स्तर पर बनाया। 8.0 रेटिंग उन दर्शकों का प्रतिनिधित्व करती है जो उन शर्तों पर फिल्म से जुड़े रहे और इसे अत्यधिक रेटिंग के लायक पाया। अलग-अलग उम्मीदें लेकर आने वाले दर्शकों को कभी-कभी फिल्म रेटिंग से कम संतोषजनक लगती है - जो कि फिल्म की नहीं बल्कि उम्मीद की कमजोरी है। KPop Demon Hunters बिल्कुल वैसा ही है, जिसे कुशलता से बनाया गया है, और इसे रेटिंग देने वाले मतदाता उस पर प्रतिक्रिया दे रहे थे।
Guillermo del Toro's Pinocchio
इस शानदार स्टॉप-मोशन म्यूज़िकल में ऑस्कर-विजेता फ़िल्म निर्माता गीयर्मो देल तॉरो, लकड़ी के एक पुतले के जीवंत बनने की क्लासिक कहानी को नए अंदाज़ में पेश करते है.
क्यों देखें?: Guillermo del Toro's Pinocchio इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
2022 में निर्मित, Guillermo del Toro's Pinocchio स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 8.0 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Guillermo del Toro's Pinocchio के लिए 8.0 स्कोर उन दर्शकों से बनाया गया है जिनके पास विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। यह विकल्प एक ऐसी फिल्म को दर्शाता है जिसने स्पष्ट रूप से अपना पक्ष रखा - जो कि Guillermo del Toro's Pinocchio बिल्कुल यही करता है। Mark Gustafson ने तर्क दिया और दर्शकों ने इसे स्वीकार कर लिया। एनीमेशन के रूप में फिल्म को जो अलग करता है वह निर्देशक की समझ है कि रूप डिजाइन के माध्यम से आंतरिकता व्यक्त कर सकता है। चाल, रंग और रचना संवाद से पहले या बजाय संवाद के यह बताते हैं कि पात्र क्या महसूस कर रहा है। सर्वश्रेष्ठ एनिमेशन फिल्में किसी वास्तविक चीज़ तक पहुंचने के लिए अपनी शैली की यांत्रिकी का उपयोग करती हैं। Guillermo del Toro's Pinocchio उन फिल्मों में से एक है। Mark Gustafson ने शैली को इतनी गहराई से समझा कि वह यह जान सके कि कौन सी परंपराएँ सामग्री की सेवा करती हैं और किसे अलग रखनी हैं।
Guillermo del Toro's Pinocchio की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Mark Gustafson ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Ewan McGregor ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Guillermo del Toro's Pinocchio में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
पहली बार Guillermo del Toro's Pinocchio देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Mark Gustafson दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। Guillermo del Toro's Pinocchio में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Ewan McGregor इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2022 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Mark Gustafson का इरादा है।
इस तरह की सूचियों में ग्यारह से पच्चीस श्रेणी में स्थित फिल्में अक्सर सबसे उपयोगी खोज होती हैं क्योंकि वे सांस्कृतिक भार के बिना शीर्ष दस की गुणवत्ता रखती हैं। Guillermo del Toro's Pinocchio इस स्थिति में है, इसलिए नहीं कि यह इसके ऊपर की प्रविष्टियों की तुलना में काफी खराब है, बल्कि इसलिए कि इसकी अपील अधिक केंद्रित है। Guillermo del Toro's Pinocchio में Mark Gustafson जो कर रहा है, उससे जुड़ने वाले दर्शक इसे इस सूची की किसी भी फिल्म के समान ही उच्च रेटिंग देते हैं। व्यापक मतदाता आधार का औसत इसे यहीं रखता है। जिन दर्शकों के पास यह सोचने के विशिष्ट कारण हैं कि यह फिल्म उनके लिए है - शैली की प्राथमिकता, निर्देशक की रुचि या युग के आधार पर - उन्हें इससे ऊपर रैंक वाली कई प्रविष्टियों पर इसे प्राथमिकता देनी चाहिए।
Loving Vincent
A young man arrives at the last hometown of painter Vincent van Gogh to deliver the troubled artist's final letter and ends up investigating his final days there.
क्यों देखें?: Loving Vincent के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
Loving Vincent (2017) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Hugh Welchman ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 8.0 पर Loving Vincent एक ऐसी फिल्म है जहां शिल्प कई आयामों में लगातार औसत से ऊपर है। कोई भी एक तत्व दूसरे को वहन नहीं करता। निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन सभी एक ही दिशा में खींच रहे हैं। फिल्म दर्शाती है कि नाटक वह क्या कर सकता है जो अन्य शैलियाँ नहीं कर सकतीं: सामान्य मानव व्यवहार को दबाव में रखना और प्रतिक्रिया के माध्यम से चरित्र को प्रकट करना। निर्देशक उन परिस्थितियों का निर्माण करता है और कलाकार उन्हें वास्तविक विश्वास के साथ निभाते हैं। Loving Vincent इस एनिमेशन रैंकिंग में शीर्ष पर है क्योंकि यह दर्शाता है कि जब कोई निर्देशक इसे व्यावसायिक श्रेणी के बजाय एक कलात्मक ढांचे के रूप में गंभीरता से लेता है तो शैली क्या हासिल करती है। Loving Vincent के हर सीन में फर्क दिखता है.
Loving Vincent में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Hugh Welchman ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Douglas Booth ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Loving Vincent में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Douglas Booth एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Loving Vincent अपनी शैली के इतिहास में एक विशिष्ट स्थान पर है: इसे तब बनाया गया था जब यह जिन परंपराओं के साथ काम करता था वे स्थापित होने के बजाय अभी भी विकसित हो रहे थे। Hugh Welchman किसी सिद्ध फार्मूले को लागू नहीं कर रहा था बल्कि कुछ ऐसा निर्माण कर रहा था जिसकी प्रभावशीलता की गारंटी नहीं थी। 8.0 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिन्होंने वास्तविक रचनात्मक जोखिम की उन परिस्थितियों में किए गए काम पर प्रतिक्रिया दी। उसी स्थान पर समसामयिक फिल्मों को यह जानने का लाभ है कि क्या काम करता है क्योंकि Loving Vincent और इसके जैसी फिल्मों ने इसे प्रदर्शित किया है। उस संदर्भ में Loving Vincent को देखना - सिद्ध परंपरा के सुरक्षा जाल के बिना किए गए रचनात्मक कार्य के रूप में - देखने के अनुभव में एक आयाम जोड़ता है जो परंपरा स्थापित होने के बाद बनी फिल्मों को देखने से उपलब्ध नहीं होता है।
सूची में इस स्थान पर Loving Vincent एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Douglas Booth का प्रदर्शन और Hugh Welchman का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
Weathering with You
हाई स्कूल के छात्र होदाका एक अलग द्वीप पर अपना घर छोड़ देता है और टोक्यो चला जाता है, लेकिन वह तुरंत टूट जाता है। वह अपने दिनों को अलगाव में रहता है, लेकिन आखिरकार एक छायादार मनोगत पत्रिका के लिए एक लेखक के रूप में एक नौकरी पाता है। जब वह अपना काम शुरू करता है, तो मौसम दिन-ब-दिन बरसता जाता है। भीड़ और व्यस्त शहर के एक कोने में, होदाका हिना नामक एक युवती से मिलता है।
क्यों देखें?: Weathering with You ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
2019 में, जब Makoto Shinkai ने Weathering with You बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। Weathering with You को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 8.0 रेंज की फिल्में अक्सर सूची में उनकी स्थिति से अधिक दिलचस्प होती हैं। उन्होंने उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है, जिसका अर्थ है कि Weathering with You को पूर्व धारणाओं के बिना प्राप्त करना आसान है। Weathering with You को उससे लाभ होता है। इसे नाटक के रूप में जो अलग करता है वह यह है कि निर्देशक ने यह बताने से इंकार कर दिया कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। फिल्म भावनात्मक भार वाली स्थितियाँ बनाती है और फिर दर्शकों पर भरोसा करती है कि वे स्वयं उस भार को वहन करेंगे। प्रदर्शन अति-संकेतन के बिना भावनात्मक रजिस्टर प्रदान करते हैं। इस एनिमेशन सूची की अन्य प्रविष्टियों के साथ Weathering with You को देखने से पता चलता है कि इस शैली के सर्वोत्तम कार्य को उसके औसत आउटपुट से क्या अलग करता है। Makoto Shinkai ने यहां ऐसे विकल्प चुने हैं जिनसे अधिकांश एनिमेशन फिल्में बचती हैं क्योंकि उन विकल्पों के लिए दर्शकों में विश्वास की आवश्यकता होती है।
Weathering with You की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Makoto Shinkai ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Weathering with You चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Weathering with You को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
Weathering with You उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.0 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Weathering with You को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Makoto Shinkai और Kotaro Daigo कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
8.0 रेटिंग जो Weathering with You को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। Weathering with You को उच्च अंक देने का उनका निर्णय Makoto Shinkai ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। Weathering with You मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
Toy Story
Led by Woody, Andy's toys live happily in his room until Andy's birthday brings Buzz Lightyear onto the scene. Afraid of losing his place in Andy's heart, Woody plots against Buzz. But when circumstances separate Buzz and Woody from their owner, the duo eventually learns to put aside their differences.
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। Toy Story ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
Toy Story (1995) इंटरनेट द्वारा हर फिल्म को तुरंत हर जगह उपलब्ध कराने से पहले आया था। दर्शकों तक पहुँचने के लिए वास्तविक मौखिक प्रचार की आवश्यकता होती है, और Toy Story ने उस मौखिक प्रचार का निर्माण किया क्योंकि इसने कुछ वास्तविक प्रस्तुत किया। 8.0 रेटिंग एक साथ सुसंगत स्तरों पर निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन को दर्शाती है। इस श्रेणी में स्कोर करने वाली फिल्में शायद ही किसी एक आयाम में महत्वपूर्ण रूप से असफल होती हैं, और Toy Story कोई अपवाद नहीं है। जो चीज़ फिल्म को कॉमेडी के रूप में काम करती है वह यह है कि निर्देशक ने यह संकेत देने से इनकार कर दिया है कि हास्य कहाँ है। चुटकुले चरित्र और स्थिति से आते हैं, जिसका अर्थ है कि जो दर्शक ध्यान दे रहे हैं वे उन दर्शकों की तुलना में अधिक पाते हैं जो यह कहे जाने की प्रतीक्षा कर रहे हैं कि उन्हें हंसना चाहिए। एनिमेशन शैली के भीतर, Toy Story एक विशिष्ट स्थान रखता है: यह दर्शाता है कि क्या संभव है जब एक निर्देशक ब्लूप्रिंट के बजाय शुरुआती बिंदु के रूप में शैली सम्मेलनों का उपयोग करता है। सर्वोत्तम एनिमेशन फिल्में उस चीज़ का विस्तार करती हैं जो शैली कर सकती है।
Toy Story का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। John Lasseter समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Toy Story में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Tom Hanks इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
Toy Story के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Toy Story को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Toy Story दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। John Lasseter के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Tom Hanks के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, Toy Story उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: Toy Story अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां John Lasseter का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो Toy Story को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
Castle in the Sky
A young boy and a girl with a magic crystal must race against pirates and foreign agents in a search for a legendary floating castle.
क्यों देखें?: Castle in the Sky इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
1986 में रिलीज़, Castle in the Sky उस युग में बनाई गई थी जब नाटकीय प्रदर्शन यह निर्धारित करते थे कि कोई फिल्म जीवित रहेगी या नहीं। Hayao Miyazaki ने कुछ ऐसा बनाया जो जीवित रहा, और आज की 8.0 रेटिंग उस टिके रहने की शक्ति का प्रमाण है। Castle in the Sky के लिए 8.0 स्कोर इसे उन फिल्मों में रखता है जो महत्वपूर्ण कमजोरियों के बिना अपने आधार पर काम करती हैं। Hayao Miyazaki ने कुछ ऐसा बनाया जो पूरी तरह से उद्देश्य के अनुसार काम करता है, जो सुनने में जितना आम लगता है उससे कम है। एनीमेशन के रूप में फिल्म को जो अलग करता है वह निर्देशक की समझ है कि रूप डिजाइन के माध्यम से आंतरिकता व्यक्त कर सकता है। चाल, रंग और रचना संवाद से पहले या बजाय संवाद के यह बताते हैं कि पात्र क्या महसूस कर रहा है। एनिमेशन शैली ने सैकड़ों फिल्में बनाई हैं। जो 8.0 और उससे ऊपर रैंक पर हैं, वे वे हैं जहां निर्देशक ने समझा कि शैली दर्शकों के साथ एक अनुबंध है, न कि जो व्यक्त किया जा सकता है उस पर कोई बाधा है।
Castle in the Sky की दृश्य भाषा 1986 के फिल्म निर्माण को सबसे अधिक प्रतिबिंबित करती है। Hayao Miyazaki ने तकनीकी बाधाओं के भीतर काम किया, जिसके लिए भावनात्मक भार वहन करने के लिए संरचना और प्रकाश व्यवस्था की आवश्यकता होती है, जिसे आधुनिक प्रस्तुतियां पोस्ट-प्रोडक्शन के लिए लोड करती हैं। Castle in the Sky में प्रत्येक फ़्रेम को समायोजित करने के बजाय डिज़ाइन किया गया था। परिणाम एक दृश्य सुसंगतता है जिसे समकालीन फिल्में, अपने असीमित पोस्ट-प्रोडक्शन विकल्पों के साथ, शायद ही कभी हासिल कर पाती हैं। Castle in the Sky को इस बात पर ध्यान देने के साथ देखने पर कि शॉट्स की रचना कैसे की जाती है, एक फिल्म निर्माता को पता चलता है जो समझता है कि कैमरा सिर्फ कुछ रिकॉर्ड नहीं कर रहा है, वह इसे देखने के तरीके के बारे में बहस कर रहा है।
Castle in the Sky उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.0 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Castle in the Sky को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Hayao Miyazaki और Keiko Yokozawa कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
Castle in the Sky इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Hayao Miyazaki ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 8.0 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Hayao Miyazaki के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर Castle in the Sky को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
Up
Carl Fredricksen spent his entire life dreaming of exploring the globe and experiencing life to its fullest. But at age 78, life seems to have passed him by, until a twist of fate (and a persistent 8-year old Wilderness Explorer named Russell) gives him a new lease on life.
क्यों देखें?: Up के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
2009 सिनेमा समसामयिक रिलीज़ों की तुलना में भिन्न दबावों में संचालित होता है। Up आधुनिक उत्पादन को आकार देने वाले एल्गोरिथम फीडबैक लूप के बिना बनाया गया था। यहां Pete Docter ने जो बनाया वह डेटा के बजाय दृढ़ विश्वास से आया है। 8.0 पर, Up उस श्रेणी में आता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने उच्च-रेटेड शीर्षकों की व्यापक सहमति हासिल नहीं की है। वह संकीर्ण आम सहमति अक्सर एक विशिष्ट अपील को दर्शाती है - Up हर किसी के लिए नहीं है, लेकिन सही दर्शक के लिए यह उत्कृष्ट है। चरित्र कॉमेडी के लिए निर्देशक और कलाकारों को यह समझने की आवश्यकता है कि सबसे मजेदार क्षण अतिशयोक्ति के बजाय सच्चाई से आते हैं। फ़िल्म इसलिए चलती है क्योंकि पात्र जो करते हैं उससे यह समझ आता है कि वे कौन हैं। Up दिखाता है कि एनिमेशन सिनेमा क्यों मायने रखता है: यह ऐसे काम करता है जो कोई अन्य शैली इतने प्रभावी ढंग से नहीं कर सकती। Pete Docter एनिमेशन के विशिष्ट तंत्र को समझता है और कहानी कहने के अन्य तरीकों में असंभव प्रभाव पैदा करने के लिए उनका उपयोग करता है।
Up की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Pete Docter ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Ed Asner ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Up में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Up उन दर्शकों के लिए एक विश्वसनीय अनुशंसा है जो किसी फिल्म को अन्यत्र से लाई गई अपेक्षाओं के अनुरूप करने की आवश्यकता के बजाय अपनी शर्तों पर मिलने के इच्छुक हैं। इसमें इस श्रेणी में उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक सर्वव्यापकता नहीं है, जिसका अर्थ है कि यह अनिवार्य देखने के भार के बिना आता है। जो दर्शक बिना बताए Up की खोज करते हैं, उन्हें इसे अवश्य देखना चाहिए, वे अक्सर उन लोगों की तुलना में अधिक दृढ़ता से प्रतिक्रिया करते हैं जो इसे एक दायित्व के रूप में देखते हैं। Pete Docter ने एक विशिष्ट अपील के साथ कुछ बनाया - यह हर किसी के लिए सब कुछ बनने की कोशिश नहीं कर रहा है। जो दर्शक Up से जुड़ते हैं, वे इसे 8.0 रेटिंग से काफी बेहतर पाते हैं, यही कारण है कि सीमित मार्केटिंग दृश्यता के बावजूद यह उस रेटिंग को बरकरार रखता है।
सूची के इस भाग में Up की स्थिति एक ऐसी फिल्म को दर्शाती है जो सभी के लिए सब कुछ बनने की इच्छा किए बिना विश्वसनीय रूप से अपने विशिष्ट गुण प्रदान करती है। Pete Docter ने समझा कि फिल्म क्या थी और इसे शिल्प के उच्च स्तर पर बनाया। 8.0 रेटिंग उन दर्शकों का प्रतिनिधित्व करती है जो उन शर्तों पर फिल्म से जुड़े रहे और इसे अत्यधिक रेटिंग के लायक पाया। अलग-अलग उम्मीदें लेकर आने वाले दर्शकों को कभी-कभी फिल्म रेटिंग से कम संतोषजनक लगती है - जो कि फिल्म की नहीं बल्कि उम्मीद की कमजोरी है। Up बिल्कुल वैसा ही है, जिसे कुशलता से बनाया गया है, और इसे रेटिंग देने वाले मतदाता उस पर प्रतिक्रिया दे रहे थे।
The Iron Giant
In the small town of Rockwell, Maine in October 1957, a giant metal machine befriends a nine-year-old boy and ultimately finds its humanity by unselfishly saving people from their own fears and prejudices.
क्यों देखें?: The Iron Giant ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
The Iron Giant की 1999 रिलीज पूरी तरह से स्ट्रीमिंग युग से पहले की है। The Iron Giant रेटिंग देने वाले प्रत्येक दर्शक ने जानबूझकर प्रयास के माध्यम से इसे खोजा - नाटकीय स्क्रीनिंग, भौतिक मीडिया, या अनुशंसा। The Iron Giant के लिए वह ऑडियंस सहभागिता के लिए स्व-चयन कर रही है। 8.0 पर The Iron Giant इस सूची के विश्वसनीय स्तर का प्रतिनिधित्व करता है। ये वो फिल्में हैं जो निराश नहीं करतीं. Brad Bird ने समझा कि फिल्म को क्या चाहिए और बिना किसी समझौते के इसे निष्पादित किया। इसे नाटक के रूप में जो अलग करता है वह यह है कि निर्देशक ने यह बताने से इंकार कर दिया कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। फिल्म भावनात्मक भार वाली स्थितियाँ बनाती है और फिर दर्शकों पर भरोसा करती है कि वे स्वयं उस भार को वहन करेंगे। प्रदर्शन अति-संकेतन के बिना भावनात्मक रजिस्टर प्रदान करते हैं। इस तरह की शैली रैंकिंग आंशिक रूप से उपयोगी होती है क्योंकि वे एनिमेशन कैनन को स्पष्ट बनाती हैं। 8.0 पर The Iron Giant एनिमेशन सिनेमा ने क्या हासिल किया है, इसकी गंभीर चर्चा से संबंधित है। इसे अन्य टॉप-रेटेड एनिमेशन फिल्मों के साथ देखने से इस शैली की विविधता का पता चलता है।
The Iron Giant में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Brad Bird ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Jennifer Aniston ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। The Iron Giant में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Jennifer Aniston एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
पहली बार The Iron Giant देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Brad Bird दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। The Iron Giant में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Jennifer Aniston इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 1999 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Brad Bird का इरादा है।
इस तरह की सूचियों में ग्यारह से पच्चीस श्रेणी में स्थित फिल्में अक्सर सबसे उपयोगी खोज होती हैं क्योंकि वे सांस्कृतिक भार के बिना शीर्ष दस की गुणवत्ता रखती हैं। The Iron Giant इस स्थिति में है, इसलिए नहीं कि यह इसके ऊपर की प्रविष्टियों की तुलना में काफी खराब है, बल्कि इसलिए कि इसकी अपील अधिक केंद्रित है। The Iron Giant में Brad Bird जो कर रहा है, उससे जुड़ने वाले दर्शक इसे इस सूची की किसी भी फिल्म के समान ही उच्च रेटिंग देते हैं। व्यापक मतदाता आधार का औसत इसे यहीं रखता है। जिन दर्शकों के पास यह सोचने के विशिष्ट कारण हैं कि यह फिल्म उनके लिए है - शैली की प्राथमिकता, निर्देशक की रुचि या युग के आधार पर - उन्हें इससे ऊपर रैंक वाली कई प्रविष्टियों पर इसे प्राथमिकता देनी चाहिए।
Nausicaä of the Valley of the Wind
एक वैश्विक युद्ध के बाद, वैली ऑफ द विंड के रूप में जाना जाने वाला समुद्र तटीय राज्य पृथ्वी पर अंतिम जहर में से एक बना हुआ है, जो एक जहरीले जंगल और इसे बचाने वाले शक्तिशाली कीड़ों से अछूता है। साहसी राजकुमारी नौसिखिया द्वारा नेतृत्व में, घाटी के लोग मानवता और पृथ्वी के बीच बंधन को बहाल करने के लिए एक महाकाव्य संघर्ष में संलग्न हैं।
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। Nausicaä of the Valley of the Wind ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
Nausicaä of the Valley of the Wind (1984) इंटरनेट द्वारा हर फिल्म को तुरंत हर जगह उपलब्ध कराने से पहले आया था। दर्शकों तक पहुँचने के लिए वास्तविक मौखिक प्रचार की आवश्यकता होती है, और Nausicaä of the Valley of the Wind ने उस मौखिक प्रचार का निर्माण किया क्योंकि इसने कुछ वास्तविक प्रस्तुत किया। एक बड़े मतदाता समूह से 8.0 रेटिंग का मतलब है कि फिल्म में वास्तविक ताकतें हैं जो दर्शकों द्वारा पाई गई सभी कमजोरियों पर भारी पड़ती हैं। Nausicaä of the Valley of the Wind अपने केंद्रीय वादे को पूरा करता है, जो कि न्यूनतम मानक है जिसे किसी भी फिल्म को पूरा करना चाहिए और रिलीज की संख्या की तुलना में कम उपलब्धि हासिल होती है। फिल्म दर्शाती है कि एनीमेशन भावनात्मक रजिस्टरों तक पहुंचने का एक उपकरण है जिसे लाइव-एक्शन हासिल नहीं कर सकता है। निर्देशक एनिमेटेड रूप के लिए विशिष्ट क्षणों को बनाने के लिए माध्यम की औपचारिक संभावनाओं का उपयोग करता है। Nausicaä of the Valley of the Wind में एनिमेशन के प्रति Hayao Miyazaki का दृष्टिकोण शिक्षाप्रद है: शैली परंपराओं का उपयोग स्वचालित रूप से करने के बजाय सचेत रूप से किया जाता है। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जो उस शैली के वादे को पूरा करती है जबकि अधिकांश एनिमेशन फिल्में कुछ ऐसा नहीं करती हैं।
Nausicaä of the Valley of the Wind की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Hayao Miyazaki ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Nausicaä of the Valley of the Wind चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Nausicaä of the Valley of the Wind को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
जिन दर्शकों ने Nausicaä of the Valley of the Wind से प्रभावित फिल्में देखी हैं, उन्हें मूल फिल्म देखने का अनुभव किसी समकालीन फिल्म को देखने से अलग अनुभव होगा। जो तकनीकें परिचित लगती हैं क्योंकि उन्हें बड़े पैमाने पर कॉपी किया गया है, वे यहां अपने मूल रूप में दिखाई देती हैं, जिससे अक्सर पता चलता है कि प्रतियां Hayao Miyazaki ने जो किया उसके पीछे के तर्क को समझे बिना सतह को समझ लिया। Nausicaä of the Valley of the Wind विशिष्ट कहानी कहने के लक्ष्यों की सेवा में अपने शैलीगत विकल्पों का उपयोग करता है। बाद की फिल्मों ने उन विकल्पों को उधार लिया और अक्सर उन्हें फ़ंक्शन के बिना शैली के रूप में उपयोग किया। मूल को देखने से स्पष्ट होता है कि वास्तव में क्या पूरा किया जा रहा था। यहां Sumi Shimamoto के काम में एक विशिष्टता भी है कि इससे प्रेरित कई प्रदर्शनों में कमी है - नकल ने उस आंतरिकता के बिना तरीके को पकड़ लिया जिसने तरीके को कुछ अर्थपूर्ण बना दिया।
सूची में इस स्थान पर Nausicaä of the Valley of the Wind एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Sumi Shimamoto का प्रदर्शन और Hayao Miyazaki का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
Whisper of the Heart
Shizuku lives a simple life, dominated by her love for stories and writing. One day she notices that all the library books she has have been previously checked out by the same person: "Seiji Amasawa."
क्यों देखें?: Whisper of the Heart वह नाटक है जो मौन पर भरोसा करता है। Yoshifumi Kondo दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे बढ़ने के लिए जगह देता है, जब पात्र प्रदर्शन करना बंद कर देते हैं तो वे क्या करते हैं, इसमें कुछ सच्चाई ढूंढती है।
1995 में रिलीज़, Whisper of the Heart उस युग में बनाई गई थी जब नाटकीय प्रदर्शन यह निर्धारित करते थे कि कोई फिल्म जीवित रहेगी या नहीं। Yoshifumi Kondo ने कुछ ऐसा बनाया जो जीवित रहा, और आज की 7.9 रेटिंग उस टिके रहने की शक्ति का प्रमाण है। Whisper of the Heart के लिए 7.9 स्कोर उन दर्शकों से बनाया गया है जिनके पास विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। यह विकल्प एक ऐसी फिल्म को दर्शाता है जिसने स्पष्ट रूप से अपना पक्ष रखा - जो कि Whisper of the Heart बिल्कुल यही करता है। Yoshifumi Kondo ने तर्क दिया और दर्शकों ने इसे स्वीकार कर लिया। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। सर्वश्रेष्ठ एनिमेशन फिल्में किसी वास्तविक चीज़ तक पहुंचने के लिए अपनी शैली की यांत्रिकी का उपयोग करती हैं। Whisper of the Heart उन फिल्मों में से एक है। Yoshifumi Kondo ने शैली को इतनी गहराई से समझा कि वह यह जान सके कि कौन सी परंपराएँ सामग्री की सेवा करती हैं और किसे अलग रखनी हैं।
Whisper of the Heart का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Yoshifumi Kondo समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Whisper of the Heart में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Yoko Honna इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
Whisper of the Heart उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 7.9 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Whisper of the Heart को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Yoshifumi Kondo और Yoko Honna कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
7.9 रेटिंग जो Whisper of the Heart को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। Whisper of the Heart को उच्च अंक देने का उनका निर्णय Yoshifumi Kondo ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। Whisper of the Heart मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
सर्वश्रेष्ठ सिनेमा आपका ध्यान आकर्षित करता है। यहां हर फिल्म ने उतना समय कमाया है जितना उसे चाहिए।
AKIRA
A secret military project endangers Neo-Tokyo when it turns a biker gang member into a rampaging psychic psychopath that only two teenagers and a group of psychics can stop.
क्यों देखें?: Katsuhiro Otomo केवल प्रभाव के बजाय समझ के लिए AKIRA में कार्रवाई को शूट करता है। स्थानिक तर्क को हर जगह बनाए रखा जाता है, जो कि जितना होना चाहिए उससे कहीं अधिक दुर्लभ है।
AKIRA की तारीख 1988 से है, जिसका अर्थ है कि इसे दर्शकों की कई पीढ़ियों द्वारा परीक्षण किया गया है। तथ्य यह है कि AKIRA अभी भी उच्च रैंक पर है, पुरानी यादों के बजाय वास्तविक शिल्प को दर्शाता है। 7.9 पर AKIRA एक ऐसी फिल्म है जहां शिल्प कई आयामों में लगातार औसत से ऊपर है। कोई भी एक तत्व दूसरे को वहन नहीं करता। निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन सभी एक ही दिशा में खींच रहे हैं। निर्देशक कैमरे के तमाशे के बजाय मानवीय पैमाने पर एक्शन शूट करता है। पात्र सुसंगत स्थान घेरते हैं और उनके शरीर सुपाठ्य उद्देश्य के साथ उस स्थान से गुजरते हैं। परिणाम वह क्रिया है जो क्षणिक एड्रेनालाईन उत्पन्न करने के बजाय प्रभाव जमा करती है। AKIRA इस एनिमेशन रैंकिंग में शीर्ष पर है क्योंकि यह दर्शाता है कि जब कोई निर्देशक इसे व्यावसायिक श्रेणी के बजाय एक कलात्मक ढांचे के रूप में गंभीरता से लेता है तो शैली क्या हासिल करती है। AKIRA के हर सीन में फर्क दिखता है.
AKIRA की दृश्य भाषा 1988 के फिल्म निर्माण को सबसे अधिक प्रतिबिंबित करती है। Katsuhiro Otomo ने तकनीकी बाधाओं के भीतर काम किया, जिसके लिए भावनात्मक भार वहन करने के लिए संरचना और प्रकाश व्यवस्था की आवश्यकता होती है, जिसे आधुनिक प्रस्तुतियां पोस्ट-प्रोडक्शन के लिए लोड करती हैं। AKIRA में प्रत्येक फ़्रेम को समायोजित करने के बजाय डिज़ाइन किया गया था। परिणाम एक दृश्य सुसंगतता है जिसे समकालीन फिल्में, अपने असीमित पोस्ट-प्रोडक्शन विकल्पों के साथ, शायद ही कभी हासिल कर पाती हैं। AKIRA को इस बात पर ध्यान देने के साथ देखने पर कि शॉट्स की रचना कैसे की जाती है, एक फिल्म निर्माता को पता चलता है जो समझता है कि कैमरा सिर्फ कुछ रिकॉर्ड नहीं कर रहा है, वह इसे देखने के तरीके के बारे में बहस कर रहा है।
AKIRA के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। AKIRA को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि AKIRA दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Katsuhiro Otomo के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Mitsuo Iwata के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, AKIRA उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: AKIRA अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Katsuhiro Otomo का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो AKIRA को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
GHOST IN THE SHELL
In the year 2029, the barriers of our world have been broken down by the net and by cybernetics, but this brings new vulnerability to humans in the form of brain-hacking. When a highly-wanted hacker known as 'The Puppetmaster' begins involving them in politics, Section 9, a group of cybernetically enhanced cops, are called in to investigate and stop the Puppetmaster.
क्यों देखें?: GHOST IN THE SHELL में कार्रवाई निर्धारित होने के बजाय अर्जित की गई है। Mamoru Oshii प्रत्येक अनुक्रम की ओर निर्मित होता है, इसलिए जब यह आता है तो यह दृश्य से परे वजन रखता है।
GHOST IN THE SHELL की 1995 रिलीज पूरी तरह से स्ट्रीमिंग युग से पहले की है। GHOST IN THE SHELL रेटिंग देने वाले प्रत्येक दर्शक ने जानबूझकर प्रयास के माध्यम से इसे खोजा - नाटकीय स्क्रीनिंग, भौतिक मीडिया, या अनुशंसा। GHOST IN THE SHELL के लिए वह ऑडियंस सहभागिता के लिए स्व-चयन कर रही है। 7.9 रेंज की फिल्में अक्सर सूची में उनकी स्थिति से अधिक दिलचस्प होती हैं। उन्होंने उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है, जिसका अर्थ है कि GHOST IN THE SHELL को पूर्व धारणाओं के बिना प्राप्त करना आसान है। GHOST IN THE SHELL को उससे लाभ होता है। कार्रवाई कहानी कहने के अधीन है न कि उसका प्रतिस्थापन। निर्देशक ऐसे अनुक्रम बनाता है जो केवल पहले आई चीज़ों के कारण ही काम करते हैं। पात्रों और दांव में दर्शकों का निवेश यह निर्धारित करता है कि कार्रवाई होगी या नहीं। इस एनिमेशन सूची की अन्य प्रविष्टियों के साथ GHOST IN THE SHELL को देखने से पता चलता है कि इस शैली के सर्वोत्तम कार्य को उसके औसत आउटपुट से क्या अलग करता है। Mamoru Oshii ने यहां ऐसे विकल्प चुने हैं जिनसे अधिकांश एनिमेशन फिल्में बचती हैं क्योंकि उन विकल्पों के लिए दर्शकों में विश्वास की आवश्यकता होती है।
GHOST IN THE SHELL की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Mamoru Oshii ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Atsuko Tanaka ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार GHOST IN THE SHELL में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
GHOST IN THE SHELL उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 7.9 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक GHOST IN THE SHELL को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Mamoru Oshii और Atsuko Tanaka कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
GHOST IN THE SHELL इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Mamoru Oshii ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 7.9 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Mamoru Oshii के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर GHOST IN THE SHELL को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
Dragon Ball Super: Broly
Earth is peaceful following the Tournament of Power. Realizing that the universes still hold many more strong people yet to see, Goku spends all his days training to reach even greater heights. Then one day, Goku and Vegeta are faced by a Saiyan called 'Broly' who they've never seen before. The Saiyans were supposed to have been almost completely wiped out in the destruction of Planet Vegeta, so what's this one doing on Earth? This encounter between the three Saiyans who have followed completely different destinies turns into a stupendous battle, with even Frieza (back from Hell) getting caught up in the mix.
क्यों देखें?: भूगोल की स्पष्टता के साथ तैयार की गई कार्रवाई। Tatsuya Nagamine समझता है कि सर्वोत्तम अनुक्रम काम करते हैं क्योंकि आप हमेशा जानते हैं कि हर कोई कहाँ है।
Dragon Ball Super: Broly समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Tatsuya Nagamine ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। 7.9 रेटिंग एक साथ सुसंगत स्तरों पर निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन को दर्शाती है। इस श्रेणी में स्कोर करने वाली फिल्में शायद ही किसी एक आयाम में महत्वपूर्ण रूप से असफल होती हैं, और Dragon Ball Super: Broly कोई अपवाद नहीं है। निर्देशक एक्शन सिनेमा की मुख्य समस्या का समाधान करता है: आपको एक्शन दिखाने से पहले परिणाम की परवाह करना। अनुक्रम काम करते हैं क्योंकि भौगोलिक स्पष्टता का मतलब है कि आप हमेशा जानते हैं कि कौन कहाँ है और सफलता के लिए क्या आवश्यक होगा। एनिमेशन शैली के भीतर, Dragon Ball Super: Broly एक विशिष्ट स्थान रखता है: यह दर्शाता है कि क्या संभव है जब एक निर्देशक ब्लूप्रिंट के बजाय शुरुआती बिंदु के रूप में शैली सम्मेलनों का उपयोग करता है। सर्वोत्तम एनिमेशन फिल्में उस चीज़ का विस्तार करती हैं जो शैली कर सकती है।
Dragon Ball Super: Broly में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Tatsuya Nagamine ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Masako Nozawa ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Dragon Ball Super: Broly में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Masako Nozawa एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Dragon Ball Super: Broly उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 7.9 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Dragon Ball Super: Broly को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Tatsuya Nagamine और Masako Nozawa कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
सूची के इस भाग में Dragon Ball Super: Broly की स्थिति एक ऐसी फिल्म को दर्शाती है जो सभी के लिए सब कुछ बनने की इच्छा किए बिना विश्वसनीय रूप से अपने विशिष्ट गुण प्रदान करती है। Tatsuya Nagamine ने समझा कि फिल्म क्या थी और इसे शिल्प के उच्च स्तर पर बनाया। 7.9 रेटिंग उन दर्शकों का प्रतिनिधित्व करती है जो उन शर्तों पर फिल्म से जुड़े रहे और इसे अत्यधिक रेटिंग के लायक पाया। अलग-अलग उम्मीदें लेकर आने वाले दर्शकों को कभी-कभी फिल्म रेटिंग से कम संतोषजनक लगती है - जो कि फिल्म की नहीं बल्कि उम्मीद की कमजोरी है। Dragon Ball Super: Broly बिल्कुल वैसा ही है, जिसे कुशलता से बनाया गया है, और इसे रेटिंग देने वाले मतदाता उस पर प्रतिक्रिया दे रहे थे।
Inside Out
When 11-year-old Riley moves to a new city, her Emotions team up to help her through the transition. Joy, Fear, Anger, Disgust and Sadness work together, but when Joy and Sadness get lost, they must journey through unfamiliar places to get back home.
क्यों देखें?: Inside Out भावनात्मक और दृश्य रजिस्टरों तक पहुंचने के लिए एनीमेशन का उपयोग करता है जो लाइव-एक्शन नहीं कर सकता। Pete Docter फॉर्म को एक सीमा के बजाय सिनेमा के विस्तार के रूप में मानता है।
2015 में निर्मित, Inside Out स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 7.9 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Inside Out के लिए 7.9 स्कोर इसे उन फिल्मों में रखता है जो महत्वपूर्ण कमजोरियों के बिना अपने आधार पर काम करती हैं। Pete Docter ने कुछ ऐसा बनाया जो पूरी तरह से उद्देश्य के अनुसार काम करता है, जो सुनने में जितना आम लगता है उससे कम है। एनीमेशन के रूप में फिल्म को जो अलग करता है वह निर्देशक की समझ है कि रूप डिजाइन के माध्यम से आंतरिकता व्यक्त कर सकता है। चाल, रंग और रचना संवाद से पहले या बजाय संवाद के यह बताते हैं कि पात्र क्या महसूस कर रहा है। एनिमेशन शैली ने सैकड़ों फिल्में बनाई हैं। जो 7.9 और उससे ऊपर रैंक पर हैं, वे वे हैं जहां निर्देशक ने समझा कि शैली दर्शकों के साथ एक अनुबंध है, न कि जो व्यक्त किया जा सकता है उस पर कोई बाधा है।
Inside Out की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Pete Docter ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Inside Out चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Inside Out को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
पहली बार Inside Out देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Pete Docter दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। Inside Out में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Amy Poehler इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2015 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Pete Docter का इरादा है।
इस तरह की सूचियों में ग्यारह से पच्चीस श्रेणी में स्थित फिल्में अक्सर सबसे उपयोगी खोज होती हैं क्योंकि वे सांस्कृतिक भार के बिना शीर्ष दस की गुणवत्ता रखती हैं। Inside Out इस स्थिति में है, इसलिए नहीं कि यह इसके ऊपर की प्रविष्टियों की तुलना में काफी खराब है, बल्कि इसलिए कि इसकी अपील अधिक केंद्रित है। Inside Out में Pete Docter जो कर रहा है, उससे जुड़ने वाले दर्शक इसे इस सूची की किसी भी फिल्म के समान ही उच्च रेटिंग देते हैं। व्यापक मतदाता आधार का औसत इसे यहीं रखता है। जिन दर्शकों के पास यह सोचने के विशिष्ट कारण हैं कि यह फिल्म उनके लिए है - शैली की प्राथमिकता, निर्देशक की रुचि या युग के आधार पर - उन्हें इससे ऊपर रैंक वाली कई प्रविष्टियों पर इसे प्राथमिकता देनी चाहिए।
Coraline
Wandering her rambling old house in her boring new town, 11-year-old Coraline discovers a hidden door to a strangely idealized version of her life. In order to stay in the fantasy, she must make a frighteningly real sacrifice.
क्यों देखें?: Coraline में प्रत्येक दृश्य निर्णय - रंग, गति, संरचना - का आविष्कार खरोंच से किया गया है। Henry Selick उस पूर्ण नियंत्रण का उपयोग कुछ ऐसा बनाने के लिए करता है जिसे कोई भी लाइव-एक्शन फिल्म दोहरा नहीं सकती।
2009 सिनेमा समसामयिक रिलीज़ों की तुलना में भिन्न दबावों में संचालित होता है। Coraline आधुनिक उत्पादन को आकार देने वाले एल्गोरिथम फीडबैक लूप के बिना बनाया गया था। यहां Henry Selick ने जो बनाया वह डेटा के बजाय दृढ़ विश्वास से आया है। 7.9 पर, Coraline उस श्रेणी में आता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने उच्च-रेटेड शीर्षकों की व्यापक सहमति हासिल नहीं की है। वह संकीर्ण आम सहमति अक्सर एक विशिष्ट अपील को दर्शाती है - Coraline हर किसी के लिए नहीं है, लेकिन सही दर्शक के लिए यह उत्कृष्ट है। निर्देशक ने फिल्म में उस प्रकार का सुविचारित शिल्प डाला है जिसकी एनीमेशन को आवश्यकता होती है। प्रत्येक फ्रेम इस इरादे को दर्शाता है कि कहानी को कैसे अनुभव किया जाना चाहिए, जिसका अर्थ है कि फिल्म केवल कथा के बजाय व्यक्तिगत क्षणों के स्तर पर काम करती है। Coraline दिखाता है कि एनिमेशन सिनेमा क्यों मायने रखता है: यह ऐसे काम करता है जो कोई अन्य शैली इतने प्रभावी ढंग से नहीं कर सकती। Henry Selick एनिमेशन के विशिष्ट तंत्र को समझता है और कहानी कहने के अन्य तरीकों में असंभव प्रभाव पैदा करने के लिए उनका उपयोग करता है।
Coraline का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Henry Selick समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Coraline में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Dakota Fanning इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
Coraline अपनी शैली के इतिहास में एक विशिष्ट स्थान पर है: इसे तब बनाया गया था जब यह जिन परंपराओं के साथ काम करता था वे स्थापित होने के बजाय अभी भी विकसित हो रहे थे। Henry Selick किसी सिद्ध फार्मूले को लागू नहीं कर रहा था बल्कि कुछ ऐसा निर्माण कर रहा था जिसकी प्रभावशीलता की गारंटी नहीं थी। 7.9 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिन्होंने वास्तविक रचनात्मक जोखिम की उन परिस्थितियों में किए गए काम पर प्रतिक्रिया दी। उसी स्थान पर समसामयिक फिल्मों को यह जानने का लाभ है कि क्या काम करता है क्योंकि Coraline और इसके जैसी फिल्मों ने इसे प्रदर्शित किया है। उस संदर्भ में Coraline को देखना - सिद्ध परंपरा के सुरक्षा जाल के बिना किए गए रचनात्मक कार्य के रूप में - देखने के अनुभव में एक आयाम जोड़ता है जो परंपरा स्थापित होने के बाद बनी फिल्मों को देखने से उपलब्ध नहीं होता है।
सूची में इस स्थान पर Coraline एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Dakota Fanning का प्रदर्शन और Henry Selick का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
Mulan
When Imperial China calls one man from every family to defend the empire from invading Huns, a young woman disguises herself as a soldier to take her ailing father’s place. Facing ruthless invaders, brutal training, and the risk of execution if discovered, she must decide who she truly is— and what she’s willing to fight for.
क्यों देखें?: दक्षता के बजाय इरादे से बनाया गया एनीमेशन अलग दिखता है। Tony Bancroft Mulan को अलग-अलग फ्रेम के स्तर पर अलग महसूस कराता है, और यह किसी संपूर्ण चीज़ में एकत्रित हो जाता है।
Mulan की 1998 रिलीज पूरी तरह से स्ट्रीमिंग युग से पहले की है। Mulan रेटिंग देने वाले प्रत्येक दर्शक ने जानबूझकर प्रयास के माध्यम से इसे खोजा - नाटकीय स्क्रीनिंग, भौतिक मीडिया, या अनुशंसा। Mulan के लिए वह ऑडियंस सहभागिता के लिए स्व-चयन कर रही है। 7.9 पर Mulan इस सूची के विश्वसनीय स्तर का प्रतिनिधित्व करता है। ये वो फिल्में हैं जो निराश नहीं करतीं. Tony Bancroft ने समझा कि फिल्म को क्या चाहिए और बिना किसी समझौते के इसे निष्पादित किया। एनीमेशन तकनीकी क्षमता के प्रदर्शन के बजाय कहानी कहने की सेवा में है। निर्देशक भावनात्मक और कथात्मक प्रभावों को प्राप्त करने के लिए फॉर्म का उपयोग करता है जो बताई जा रही विशिष्ट कहानी को पूरा करता है। इस तरह की शैली रैंकिंग आंशिक रूप से उपयोगी होती है क्योंकि वे एनिमेशन कैनन को स्पष्ट बनाती हैं। 7.9 पर Mulan एनिमेशन सिनेमा ने क्या हासिल किया है, इसकी गंभीर चर्चा से संबंधित है। इसे अन्य टॉप-रेटेड एनिमेशन फिल्मों के साथ देखने से इस शैली की विविधता का पता चलता है।
Mulan में सिनेमैटोग्राफी फिल्म प्रौद्योगिकी में एक संक्रमणकालीन अवधि को दर्शाती है, जब डिजिटल उपकरण उपलब्ध थे लेकिन फिल्म निर्माता अभी भी इस बात पर बहस कर रहे थे कि उनका उपयोग किया जाए या नहीं। Tony Bancroft ने दृश्य शैली के बारे में ऐसे विकल्प चुने जो डिफ़ॉल्ट के बजाय जानबूझकर थे। Mulan को जिस तरह से जलाया जाता है, फ्रेम किया जाता है और काटा जाता है, वह उद्योग सम्मेलन के बजाय एक विशिष्ट दृश्य बुद्धिमत्ता को दर्शाता है। Ming-Na Wen उस दृश्य ढांचे के भीतर उन तरीकों से काम करता है जो सबसे अधिक तब दिखाई देते हैं जब आप फिल्म देखते हैं, इस बात पर ध्यान देते हैं कि वे क्या कर रहे हैं इसके बजाय उन्हें फ्रेम में कैसे रखा गया है।
Mulan उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 7.9 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Mulan को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Tony Bancroft और Ming-Na Wen कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
7.9 रेटिंग जो Mulan को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। Mulan को उच्च अंक देने का उनका निर्णय Tony Bancroft ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। Mulan मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
Dragon Ball Super: Super Hero
The Red Ribbon Army, an evil organization that was once destroyed by Goku in the past, has been reformed by a group of people who have created new and mightier Androids, Gamma 1 and Gamma 2, and seek vengeance against Goku and his family.
क्यों देखें?: भूगोल की स्पष्टता के साथ तैयार की गई कार्रवाई। Tetsuro Kodama समझता है कि सर्वोत्तम अनुक्रम काम करते हैं क्योंकि आप हमेशा जानते हैं कि हर कोई कहाँ है।
Dragon Ball Super: Super Hero समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Tetsuro Kodama ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। एक बड़े मतदाता समूह से 7.9 रेटिंग का मतलब है कि फिल्म में वास्तविक ताकतें हैं जो दर्शकों द्वारा पाई गई सभी कमजोरियों पर भारी पड़ती हैं। Dragon Ball Super: Super Hero अपने केंद्रीय वादे को पूरा करता है, जो कि न्यूनतम मानक है जिसे किसी भी फिल्म को पूरा करना चाहिए और रिलीज की संख्या की तुलना में कम उपलब्धि हासिल होती है। निर्देशक एक्शन सिनेमा की मुख्य समस्या का समाधान करता है: आपको एक्शन दिखाने से पहले परिणाम की परवाह करना। अनुक्रम काम करते हैं क्योंकि भौगोलिक स्पष्टता का मतलब है कि आप हमेशा जानते हैं कि कौन कहाँ है और सफलता के लिए क्या आवश्यक होगा। Dragon Ball Super: Super Hero में एनिमेशन के प्रति Tetsuro Kodama का दृष्टिकोण शिक्षाप्रद है: शैली परंपराओं का उपयोग स्वचालित रूप से करने के बजाय सचेत रूप से किया जाता है। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जो उस शैली के वादे को पूरा करती है जबकि अधिकांश एनिमेशन फिल्में कुछ ऐसा नहीं करती हैं।
Dragon Ball Super: Super Hero की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Tetsuro Kodama ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Masako Nozawa ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Dragon Ball Super: Super Hero में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Dragon Ball Super: Super Hero के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Dragon Ball Super: Super Hero को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Dragon Ball Super: Super Hero दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Tetsuro Kodama के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Masako Nozawa के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, Dragon Ball Super: Super Hero उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: Dragon Ball Super: Super Hero अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Tetsuro Kodama का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो Dragon Ball Super: Super Hero को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
Persepolis
In 1970s Iran, Marjane 'Marji' Satrapi watches events through her young eyes and her idealistic family of a long dream being fulfilled of the hated Shah's defeat in the Iranian Revolution of 1979. However as Marji grows up, she witnesses first hand how the new Iran, now ruled by Islamic fundamentalists, has become a repressive tyranny on its own.
क्यों देखें?: Persepolis वह नाटक है जो मौन पर भरोसा करता है। Marjane Satrapi दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे बढ़ने के लिए जगह देता है, जब पात्र प्रदर्शन करना बंद कर देते हैं तो वे क्या करते हैं, इसमें कुछ सच्चाई ढूंढती है।
2007 में रिलीज़, Persepolis सिनेमा में एक संक्रमणकालीन अवधि से आता है - स्ट्रीमिंग से वितरण बदलने से पहले लेकिन डिजिटल उपकरणों के बाद उत्पादन बदल गया। Persepolis में दिखाई देने वाली शिल्प कौशल नाटकीय युग के मानकों को दर्शाती है। Persepolis के लिए 7.9 स्कोर उन दर्शकों से बनाया गया है जिनके पास विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। यह विकल्प एक ऐसी फिल्म को दर्शाता है जिसने स्पष्ट रूप से अपना पक्ष रखा - जो कि Persepolis बिल्कुल यही करता है। Marjane Satrapi ने तर्क दिया और दर्शकों ने इसे स्वीकार कर लिया। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। सर्वश्रेष्ठ एनिमेशन फिल्में किसी वास्तविक चीज़ तक पहुंचने के लिए अपनी शैली की यांत्रिकी का उपयोग करती हैं। Persepolis उन फिल्मों में से एक है। Marjane Satrapi ने शैली को इतनी गहराई से समझा कि वह यह जान सके कि कौन सी परंपराएँ सामग्री की सेवा करती हैं और किसे अलग रखनी हैं।
Persepolis में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Marjane Satrapi ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Chiara Mastroianni ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Persepolis में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Chiara Mastroianni एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Persepolis उन शामों के लिए उपयुक्त है जब आप किसी ऐसी चीज़ के बजाय वास्तविक सामग्री के साथ कुछ देखना चाहते हैं जो केवल समय भरती हो। यह एक पृष्ठभूमि फिल्म नहीं है और यह एक निष्क्रिय अनुभव नहीं है। Marjane Satrapi ने कुछ ऐसा बनाया है जो आपका ध्यान आकर्षित करता है और इसे सामान्य के बजाय विशेष रूप से पुरस्कृत करता है। जो दर्शक अन्य काम करते हुए Persepolis देखते हैं, उन्हें फिल्म का एक ऐसा संस्करण मिलेगा जो उस व्यक्ति के लिए उपलब्ध संस्करण से काफी कम है जो इस पर अपना पूरा ध्यान देता है। 7.9 रेटिंग पूरे ध्यान से देखने के अनुभव को दर्शाती है। कास्ट - Chiara Mastroianni विशेष रूप से - प्रदर्शन विवरण प्रदान करता है जो केंद्रित देखने में दर्ज होता है और विचलित देखने में गायब हो जाता है।
Persepolis इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Marjane Satrapi ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 7.9 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Marjane Satrapi के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर Persepolis को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
Mary and Max
A tale of friendship between two unlikely pen pals: Mary, a lonely, eight-year-old girl living in the suburbs of Melbourne, and Max, a forty-four-year old, severely obese man living in New York.
क्यों देखें?: जो चीज़ Mary and Max को नाटक के रूप में काम करती है, वह है Adam Elliot द्वारा यह समझाने से इनकार करना कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। भावनात्मक रजिस्टर बनाया जाता है, संकेत नहीं दिया जाता।
2009 सिनेमा समसामयिक रिलीज़ों की तुलना में भिन्न दबावों में संचालित होता है। Mary and Max आधुनिक उत्पादन को आकार देने वाले एल्गोरिथम फीडबैक लूप के बिना बनाया गया था। यहां Adam Elliot ने जो बनाया वह डेटा के बजाय दृढ़ विश्वास से आया है। 7.9 पर Mary and Max एक ऐसी फिल्म है जहां शिल्प कई आयामों में लगातार औसत से ऊपर है। कोई भी एक तत्व दूसरे को वहन नहीं करता। निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन सभी एक ही दिशा में खींच रहे हैं। फिल्म दर्शाती है कि नाटक वह क्या कर सकता है जो अन्य शैलियाँ नहीं कर सकतीं: सामान्य मानव व्यवहार को दबाव में रखना और प्रतिक्रिया के माध्यम से चरित्र को प्रकट करना। निर्देशक उन परिस्थितियों का निर्माण करता है और कलाकार उन्हें वास्तविक विश्वास के साथ निभाते हैं। Mary and Max इस एनिमेशन रैंकिंग में शीर्ष पर है क्योंकि यह दर्शाता है कि जब कोई निर्देशक इसे व्यावसायिक श्रेणी के बजाय एक कलात्मक ढांचे के रूप में गंभीरता से लेता है तो शैली क्या हासिल करती है। Mary and Max के हर सीन में फर्क दिखता है.
Mary and Max की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Adam Elliot ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Mary and Max चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Mary and Max को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
Mary and Max उन दर्शकों के लिए एक विश्वसनीय अनुशंसा है जो किसी फिल्म को अन्यत्र से लाई गई अपेक्षाओं के अनुरूप करने की आवश्यकता के बजाय अपनी शर्तों पर मिलने के इच्छुक हैं। इसमें इस श्रेणी में उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक सर्वव्यापकता नहीं है, जिसका अर्थ है कि यह अनिवार्य देखने के भार के बिना आता है। जो दर्शक बिना बताए Mary and Max की खोज करते हैं, उन्हें इसे अवश्य देखना चाहिए, वे अक्सर उन लोगों की तुलना में अधिक दृढ़ता से प्रतिक्रिया करते हैं जो इसे एक दायित्व के रूप में देखते हैं। Adam Elliot ने एक विशिष्ट अपील के साथ कुछ बनाया - यह हर किसी के लिए सब कुछ बनने की कोशिश नहीं कर रहा है। जो दर्शक Mary and Max से जुड़ते हैं, वे इसे 7.9 रेटिंग से काफी बेहतर पाते हैं, यही कारण है कि सीमित मार्केटिंग दृश्यता के बावजूद यह उस रेटिंग को बरकरार रखता है।
सूची के इस भाग में Mary and Max की स्थिति एक ऐसी फिल्म को दर्शाती है जो सभी के लिए सब कुछ बनने की इच्छा किए बिना विश्वसनीय रूप से अपने विशिष्ट गुण प्रदान करती है। Adam Elliot ने समझा कि फिल्म क्या थी और इसे शिल्प के उच्च स्तर पर बनाया। 7.9 रेटिंग उन दर्शकों का प्रतिनिधित्व करती है जो उन शर्तों पर फिल्म से जुड़े रहे और इसे अत्यधिक रेटिंग के लायक पाया। अलग-अलग उम्मीदें लेकर आने वाले दर्शकों को कभी-कभी फिल्म रेटिंग से कम संतोषजनक लगती है - जो कि फिल्म की नहीं बल्कि उम्मीद की कमजोरी है। Mary and Max बिल्कुल वैसा ही है, जिसे कुशलता से बनाया गया है, और इसे रेटिंग देने वाले मतदाता उस पर प्रतिक्रिया दे रहे थे।
Ron's Gone Wrong
In a world where walking, talking, digitally connected bots have become children's best friends, an 11-year-old finds that his robot buddy doesn't quite work the same as the others do.
क्यों देखें?: Ron's Gone Wrong का आंतरिक तर्क सर्वत्र सुसंगत है। Sarah Smith आधार के प्रति प्रतिबद्ध है और उसका पालन करता है - जो दर्शकों को असंगतता से बचाव के बजाय विचारों से जुड़ने देता है।
2021 में, जब Sarah Smith ने Ron's Gone Wrong बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। Ron's Gone Wrong को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 7.9 रेंज की फिल्में अक्सर सूची में उनकी स्थिति से अधिक दिलचस्प होती हैं। उन्होंने उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है, जिसका अर्थ है कि Ron's Gone Wrong को पूर्व धारणाओं के बिना प्राप्त करना आसान है। Ron's Gone Wrong को उससे लाभ होता है। विज्ञान कथा चरित्र परिप्रेक्ष्य पर आधारित है। निर्देशक सट्टा तत्वों को फ़िल्टर करता है कि वे नायक को कैसे प्रभावित करते हैं, जिसका अर्थ है कि सार ठोस और भावनात्मक रूप से सुपाठ्य हो जाता है। इस एनिमेशन सूची की अन्य प्रविष्टियों के साथ Ron's Gone Wrong को देखने से पता चलता है कि इस शैली के सर्वोत्तम कार्य को उसके औसत आउटपुट से क्या अलग करता है। Sarah Smith ने यहां ऐसे विकल्प चुने हैं जिनसे अधिकांश एनिमेशन फिल्में बचती हैं क्योंकि उन विकल्पों के लिए दर्शकों में विश्वास की आवश्यकता होती है।
Ron's Gone Wrong का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Sarah Smith समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Ron's Gone Wrong में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Jack Dylan Grazer इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
पहली बार Ron's Gone Wrong देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Sarah Smith दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। Ron's Gone Wrong में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Jack Dylan Grazer इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2021 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Sarah Smith का इरादा है।
इस तरह की सूचियों में ग्यारह से पच्चीस श्रेणी में स्थित फिल्में अक्सर सबसे उपयोगी खोज होती हैं क्योंकि वे सांस्कृतिक भार के बिना शीर्ष दस की गुणवत्ता रखती हैं। Ron's Gone Wrong इस स्थिति में है, इसलिए नहीं कि यह इसके ऊपर की प्रविष्टियों की तुलना में काफी खराब है, बल्कि इसलिए कि इसकी अपील अधिक केंद्रित है। Ron's Gone Wrong में Sarah Smith जो कर रहा है, उससे जुड़ने वाले दर्शक इसे इस सूची की किसी भी फिल्म के समान ही उच्च रेटिंग देते हैं। व्यापक मतदाता आधार का औसत इसे यहीं रखता है। जिन दर्शकों के पास यह सोचने के विशिष्ट कारण हैं कि यह फिल्म उनके लिए है - शैली की प्राथमिकता, निर्देशक की रुचि या युग के आधार पर - उन्हें इससे ऊपर रैंक वाली कई प्रविष्टियों पर इसे प्राथमिकता देनी चाहिए।
बेहतरीन फिल्में देखने से दुनिया को देखने का आपका नजरिया बदल जाता है। इसीलिए हम इनका चयन सावधानी से करते हैं।
How to Train Your Dragon
As the son of a Viking leader on the cusp of manhood, shy Hiccup Horrendous Haddock III faces a rite of passage: he must kill a dragon to prove his warrior mettle. But after downing a feared dragon, he realizes that he no longer wants to destroy it, and instead befriends the beast – which he names Toothless – much to the chagrin of his warrior father.
क्यों देखें?: एनीमेशन उस स्तर पर जहां केवल शिल्प ही देखने लायक है। How to Train Your Dragon का प्रत्येक फ्रेम एक जानबूझकर किया गया कलात्मक विकल्प है।
How to Train Your Dragon समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Chris Sanders ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। 7.9 रेटिंग एक साथ सुसंगत स्तरों पर निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन को दर्शाती है। इस श्रेणी में स्कोर करने वाली फिल्में शायद ही किसी एक आयाम में महत्वपूर्ण रूप से असफल होती हैं, और How to Train Your Dragon कोई अपवाद नहीं है। फिल्म दर्शाती है कि एनीमेशन भावनात्मक रजिस्टरों तक पहुंचने का एक उपकरण है जिसे लाइव-एक्शन हासिल नहीं कर सकता है। निर्देशक एनिमेटेड रूप के लिए विशिष्ट क्षणों को बनाने के लिए माध्यम की औपचारिक संभावनाओं का उपयोग करता है। एनिमेशन शैली के भीतर, How to Train Your Dragon एक विशिष्ट स्थान रखता है: यह दर्शाता है कि क्या संभव है जब एक निर्देशक ब्लूप्रिंट के बजाय शुरुआती बिंदु के रूप में शैली सम्मेलनों का उपयोग करता है। सर्वोत्तम एनिमेशन फिल्में उस चीज़ का विस्तार करती हैं जो शैली कर सकती है।
How to Train Your Dragon में दृश्य दृष्टिकोण Chris Sanders की समझ को दर्शाता है कि शैली और पदार्थ एक ही चीज़ हैं। How to Train Your Dragon का कैमरा प्लेसमेंट, रंग ग्रेडिंग और संपादन लय सजावटी निर्णय नहीं हैं। वे इस बारे में तर्क हैं कि कहानी का अनुभव कैसे किया जाना चाहिए। Jay Baruchel को इस तरह से शूट किया गया है कि किसी शब्द के बोलने से पहले ही उसके चरित्र का संचार हो जाता है। जो दर्शक दृश्य व्याकरण पर ध्यान देकर How to Train Your Dragon को दूसरी बार देखते हैं, उन्हें अर्थ की एक परत मिलेगी जो संवाद और कथानक से स्वतंत्र रूप से संचालित होती है।
How to Train Your Dragon अपनी शैली के इतिहास में एक विशिष्ट स्थान पर है: इसे तब बनाया गया था जब यह जिन परंपराओं के साथ काम करता था वे स्थापित होने के बजाय अभी भी विकसित हो रहे थे। Chris Sanders किसी सिद्ध फार्मूले को लागू नहीं कर रहा था बल्कि कुछ ऐसा निर्माण कर रहा था जिसकी प्रभावशीलता की गारंटी नहीं थी। 7.9 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिन्होंने वास्तविक रचनात्मक जोखिम की उन परिस्थितियों में किए गए काम पर प्रतिक्रिया दी। उसी स्थान पर समसामयिक फिल्मों को यह जानने का लाभ है कि क्या काम करता है क्योंकि How to Train Your Dragon और इसके जैसी फिल्मों ने इसे प्रदर्शित किया है। उस संदर्भ में How to Train Your Dragon को देखना - सिद्ध परंपरा के सुरक्षा जाल के बिना किए गए रचनात्मक कार्य के रूप में - देखने के अनुभव में एक आयाम जोड़ता है जो परंपरा स्थापित होने के बाद बनी फिल्मों को देखने से उपलब्ध नहीं होता है।
सूची में इस स्थान पर How to Train Your Dragon एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Jay Baruchel का प्रदर्शन और Chris Sanders का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
Monsters, Inc.
Lovable Sulley and his wisecracking sidekick Mike Wazowski are the top scare team at Monsters, Inc., the scream-processing factory in Monstropolis. When a little girl named Boo wanders into their world, it's the monsters who are scared silly, and it's up to Sulley and Mike to keep her out of sight and get her back home.
क्यों देखें?: Monsters, Inc. ऐसी कॉमेडी है जिसे दोबारा देखने की जरूरत है क्योंकि चुटकुले उन लोगों से आते हैं जो ये लोग हैं न कि पंचलाइनों के इर्द-गिर्द रची गई स्थितियों से।
2001 में रिलीज़, Monsters, Inc. सिनेमा में एक संक्रमणकालीन अवधि से आता है - स्ट्रीमिंग से वितरण बदलने से पहले लेकिन डिजिटल उपकरणों के बाद उत्पादन बदल गया। Monsters, Inc. में दिखाई देने वाली शिल्प कौशल नाटकीय युग के मानकों को दर्शाती है। Monsters, Inc. के लिए 7.8 स्कोर इसे उन फिल्मों में रखता है जो महत्वपूर्ण कमजोरियों के बिना अपने आधार पर काम करती हैं। Pete Docter ने कुछ ऐसा बनाया जो पूरी तरह से उद्देश्य के अनुसार काम करता है, जो सुनने में जितना आम लगता है उससे कम है। फिल्म दर्शकों की कॉमिक टाइमिंग की समझ पर भरोसा करती है। निर्देशक लय स्थापित करता है और फिर जहां हास्य रहता है वहां विराम देता है। प्रदर्शन से पता चलता है कि जोर देने की तुलना में संयम अधिक मजेदार है। एनिमेशन शैली ने सैकड़ों फिल्में बनाई हैं। जो 7.8 और उससे ऊपर रैंक पर हैं, वे वे हैं जहां निर्देशक ने समझा कि शैली दर्शकों के साथ एक अनुबंध है, न कि जो व्यक्त किया जा सकता है उस पर कोई बाधा है।
Monsters, Inc. की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Pete Docter ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। John Goodman ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Monsters, Inc. में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Monsters, Inc. उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 7.8 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Monsters, Inc. को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Pete Docter और John Goodman कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
7.8 रेटिंग जो Monsters, Inc. को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। Monsters, Inc. को उच्च अंक देने का उनका निर्णय Pete Docter ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। Monsters, Inc. मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
Isle of Dogs
In the future, an outbreak of canine flu leads the mayor of a Japanese city to banish all dogs to an island used as a garbage dump. The outcasts must soon embark on an epic journey when a 12-year-old boy arrives on the island to find his beloved pet.
क्यों देखें?: Wes Anderson वास्तविक चरित्र अवलोकन से Isle of Dogs की कॉमेडी बनाता है। जैसे-जैसे फिल्म आगे बढ़ती है हंसी बढ़ती जाती है क्योंकि आप लोगों को बेहतर जानते हैं।
Isle of Dogs (2018) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Wes Anderson ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 7.8 पर, Isle of Dogs उस श्रेणी में आता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने उच्च-रेटेड शीर्षकों की व्यापक सहमति हासिल नहीं की है। वह संकीर्ण आम सहमति अक्सर एक विशिष्ट अपील को दर्शाती है - Isle of Dogs हर किसी के लिए नहीं है, लेकिन सही दर्शक के लिए यह उत्कृष्ट है। चरित्र कॉमेडी के लिए निर्देशक और कलाकारों को यह समझने की आवश्यकता है कि सबसे मजेदार क्षण अतिशयोक्ति के बजाय सच्चाई से आते हैं। फ़िल्म इसलिए चलती है क्योंकि पात्र जो करते हैं उससे यह समझ आता है कि वे कौन हैं। Isle of Dogs दिखाता है कि एनिमेशन सिनेमा क्यों मायने रखता है: यह ऐसे काम करता है जो कोई अन्य शैली इतने प्रभावी ढंग से नहीं कर सकती। Wes Anderson एनिमेशन के विशिष्ट तंत्र को समझता है और कहानी कहने के अन्य तरीकों में असंभव प्रभाव पैदा करने के लिए उनका उपयोग करता है।
Isle of Dogs में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Wes Anderson ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Bryan Cranston ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Isle of Dogs में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Bryan Cranston एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Isle of Dogs के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Isle of Dogs को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Isle of Dogs दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Wes Anderson के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Bryan Cranston के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, Isle of Dogs उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: Isle of Dogs अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Wes Anderson का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो Isle of Dogs को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
The Mitchells vs. The Machines
मशीनों का हमला उनके क्रॉस-कंट्री रोड ट्रिप पर ग्रहण लगा देता है. अब इंसानों को बचाने का सारा दारोमदार मिचेल्स पर है - जो है दुनिया की सबसे अजीबोगरीब फ़ैमिली.
क्यों देखें?: कॉमेडी को कायम रखना सबसे कठिन विधा है। Mike Rianda The Mitchells vs. The Machines को सहज बनाता है, जो कि उल्लेखनीय शिल्प का प्रतीक है जिसे अधिकांश दर्शक जानबूझकर पंजीकृत नहीं करते हैं।
2021 में, जब Mike Rianda ने The Mitchells vs. The Machines बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। The Mitchells vs. The Machines को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 7.8 पर The Mitchells vs. The Machines इस सूची के विश्वसनीय स्तर का प्रतिनिधित्व करता है। ये वो फिल्में हैं जो निराश नहीं करतीं. Mike Rianda ने समझा कि फिल्म को क्या चाहिए और बिना किसी समझौते के इसे निष्पादित किया। कॉमेडी के रूप में फिल्म की सुसंगतता निरंतरता से आती है। निर्देशक दुनिया के नियमों और उसके भीतर पात्रों के व्यवहार को स्थापित करता है, और वे पात्र किसी स्थिति को कैसे पार करते हैं, उससे हास्य उभरता है। इस तरह की शैली रैंकिंग आंशिक रूप से उपयोगी होती है क्योंकि वे एनिमेशन कैनन को स्पष्ट बनाती हैं। 7.8 पर The Mitchells vs. The Machines एनिमेशन सिनेमा ने क्या हासिल किया है, इसकी गंभीर चर्चा से संबंधित है। इसे अन्य टॉप-रेटेड एनिमेशन फिल्मों के साथ देखने से इस शैली की विविधता का पता चलता है।
The Mitchells vs. The Machines की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Mike Rianda ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। The Mitchells vs. The Machines चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे The Mitchells vs. The Machines को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
The Mitchells vs. The Machines उन दुर्लभ फिल्मों में से एक है जो एकल और समूह दोनों संदर्भों में देखने पर काम करती है, जो कि अधिकांश कॉमेडीज़ के लिए सच नहीं है। ऐसी फिल्में जो सेटअप के बजाय चरित्र से हास्य प्राप्त करती हैं, कमरे में कौन है इसकी परवाह किए बिना अच्छा प्रदर्शन करती हैं, क्योंकि हंसी सामूहिक अनुमति के बजाय मान्यता से आती है। The Mitchells vs. The Machines को अकेले देखने से आप चरित्र अवलोकन के उन शांत क्षणों को पकड़ सकते हैं जो समूह देखने से चूक सकते हैं। फिल्म को जानने वाले किसी अन्य व्यक्ति के साथ इसे देखने से कुछ ऐसी बातें साझा करने का विशेष आनंद मिलता है जिनके बारे में आप जानते हैं कि यह काम करती है। The Mitchells vs. The Machines का रनटाइम इसे शाम के लिए एक व्यावहारिक विकल्प बनाता है जब आप वास्तविक गुणवत्ता वाला कुछ चाहते हैं जिसके लिए लंबी फिल्म की प्रतिबद्धता की आवश्यकता नहीं होती है। Mike Rianda की गति का मतलब है कि फिल्म बिना रुके अपना रनटाइम अर्जित करती है।
The Mitchells vs. The Machines इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Mike Rianda ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 7.8 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Mike Rianda के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर The Mitchells vs. The Machines को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
Ratatouille
Remy, a rat, possesses a palate far more refined than that of his fellow comrades. He dreams of becoming a chef, one who creates rather than scavenges. When fate deposits him in the sewers beneath one of Paris’s most famous restaurants, he finds himself ideally placed to fulfill his dream. Forming an unusual alliance with a hapless young kitchen worker, Remy begins a daring culinary double life. As Remy pursues his vision, he must navigate the suspicions of the calculating Head Chef Skinner, the disapproval of Remy’s own colony, and the foreboding presence of renowned food critic Anton Ego, who strikes fear in the hearts of chefs all throughout France.
क्यों देखें?: एक ऐसी फिल्म जो वास्तव में मज़ेदार है न कि केवल एक फिल्म के रूप में प्रचारित की गई है। Ratatouille में हास्य चरित्र से आता है, सेटअप से नहीं।
Ratatouille को 2007 में बनाया गया था, जब नाटकीय सिनेमा ध्यान आकर्षित करने के लिए शुरुआती इंटरनेट और डीवीडी के साथ प्रतिस्पर्धा कर रहा था। Brad Bird ने कुछ ऐसा बनाया जिसने तब ध्यान आकर्षित किया और अब भी ध्यान आकर्षित किया है। एक बड़े मतदाता समूह से 7.8 रेटिंग का मतलब है कि फिल्म में वास्तविक ताकतें हैं जो दर्शकों द्वारा पाई गई सभी कमजोरियों पर भारी पड़ती हैं। Ratatouille अपने केंद्रीय वादे को पूरा करता है, जो कि न्यूनतम मानक है जिसे किसी भी फिल्म को पूरा करना चाहिए और रिलीज की संख्या की तुलना में कम उपलब्धि हासिल होती है। जो चीज़ फिल्म को कॉमेडी के रूप में काम करती है वह यह है कि निर्देशक ने यह संकेत देने से इनकार कर दिया है कि हास्य कहाँ है। चुटकुले चरित्र और स्थिति से आते हैं, जिसका अर्थ है कि जो दर्शक ध्यान दे रहे हैं वे उन दर्शकों की तुलना में अधिक पाते हैं जो यह कहे जाने की प्रतीक्षा कर रहे हैं कि उन्हें हंसना चाहिए। Ratatouille में एनिमेशन के प्रति Brad Bird का दृष्टिकोण शिक्षाप्रद है: शैली परंपराओं का उपयोग स्वचालित रूप से करने के बजाय सचेत रूप से किया जाता है। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जो उस शैली के वादे को पूरा करती है जबकि अधिकांश एनिमेशन फिल्में कुछ ऐसा नहीं करती हैं।
Ratatouille का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Brad Bird समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Ratatouille में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Patton Oswalt इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
Ratatouille उन दर्शकों के लिए एक विश्वसनीय अनुशंसा है जो किसी फिल्म को अन्यत्र से लाई गई अपेक्षाओं के अनुरूप करने की आवश्यकता के बजाय अपनी शर्तों पर मिलने के इच्छुक हैं। इसमें इस श्रेणी में उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक सर्वव्यापकता नहीं है, जिसका अर्थ है कि यह अनिवार्य देखने के भार के बिना आता है। जो दर्शक बिना बताए Ratatouille की खोज करते हैं, उन्हें इसे अवश्य देखना चाहिए, वे अक्सर उन लोगों की तुलना में अधिक दृढ़ता से प्रतिक्रिया करते हैं जो इसे एक दायित्व के रूप में देखते हैं। Brad Bird ने एक विशिष्ट अपील के साथ कुछ बनाया - यह हर किसी के लिए सब कुछ बनने की कोशिश नहीं कर रहा है। जो दर्शक Ratatouille से जुड़ते हैं, वे इसे 7.8 रेटिंग से काफी बेहतर पाते हैं, यही कारण है कि सीमित मार्केटिंग दृश्यता के बावजूद यह उस रेटिंग को बरकरार रखता है।
सूची के इस भाग में Ratatouille की स्थिति एक ऐसी फिल्म को दर्शाती है जो सभी के लिए सब कुछ बनने की इच्छा किए बिना विश्वसनीय रूप से अपने विशिष्ट गुण प्रदान करती है। Brad Bird ने समझा कि फिल्म क्या थी और इसे शिल्प के उच्च स्तर पर बनाया। 7.8 रेटिंग उन दर्शकों का प्रतिनिधित्व करती है जो उन शर्तों पर फिल्म से जुड़े रहे और इसे अत्यधिक रेटिंग के लायक पाया। अलग-अलग उम्मीदें लेकर आने वाले दर्शकों को कभी-कभी फिल्म रेटिंग से कम संतोषजनक लगती है - जो कि फिल्म की नहीं बल्कि उम्मीद की कमजोरी है। Ratatouille बिल्कुल वैसा ही है, जिसे कुशलता से बनाया गया है, और इसे रेटिंग देने वाले मतदाता उस पर प्रतिक्रिया दे रहे थे।
Sing 2
Buster and his new cast now have their sights set on debuting a new show at the Crystal Tower Theater in glamorous Redshore City. But with no connections, he and his singers must sneak into the Crystal Entertainment offices, run by the ruthless wolf mogul Jimmy Crystal, where the gang pitches the ridiculous idea of casting the lion rock legend Clay Calloway in their show. Buster must embark on a quest to find the now-isolated Clay and persuade him to return to the stage.
क्यों देखें?: Sing 2 ऐसी कॉमेडी है जिसे दोबारा देखने की जरूरत है क्योंकि चुटकुले उन लोगों से आते हैं जो ये लोग हैं न कि पंचलाइनों के इर्द-गिर्द रची गई स्थितियों से।
2021 में निर्मित, Sing 2 स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 7.8 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Sing 2 के लिए 7.8 स्कोर उन दर्शकों से बनाया गया है जिनके पास विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। यह विकल्प एक ऐसी फिल्म को दर्शाता है जिसने स्पष्ट रूप से अपना पक्ष रखा - जो कि Sing 2 बिल्कुल यही करता है। Garth Jennings ने तर्क दिया और दर्शकों ने इसे स्वीकार कर लिया। फिल्म दर्शकों की कॉमिक टाइमिंग की समझ पर भरोसा करती है। निर्देशक लय स्थापित करता है और फिर जहां हास्य रहता है वहां विराम देता है। प्रदर्शन से पता चलता है कि जोर देने की तुलना में संयम अधिक मजेदार है। सर्वश्रेष्ठ एनिमेशन फिल्में किसी वास्तविक चीज़ तक पहुंचने के लिए अपनी शैली की यांत्रिकी का उपयोग करती हैं। Sing 2 उन फिल्मों में से एक है। Garth Jennings ने शैली को इतनी गहराई से समझा कि वह यह जान सके कि कौन सी परंपराएँ सामग्री की सेवा करती हैं और किसे अलग रखनी हैं।
Sing 2 में दृश्य दृष्टिकोण Garth Jennings की समझ को दर्शाता है कि शैली और पदार्थ एक ही चीज़ हैं। Sing 2 का कैमरा प्लेसमेंट, रंग ग्रेडिंग और संपादन लय सजावटी निर्णय नहीं हैं। वे इस बारे में तर्क हैं कि कहानी का अनुभव कैसे किया जाना चाहिए। Matthew McConaughey को इस तरह से शूट किया गया है कि किसी शब्द के बोलने से पहले ही उसके चरित्र का संचार हो जाता है। जो दर्शक दृश्य व्याकरण पर ध्यान देकर Sing 2 को दूसरी बार देखते हैं, उन्हें अर्थ की एक परत मिलेगी जो संवाद और कथानक से स्वतंत्र रूप से संचालित होती है।
पहली बार Sing 2 देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Garth Jennings दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। Sing 2 में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Matthew McConaughey इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2021 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Garth Jennings का इरादा है।
इस तरह की सूचियों में ग्यारह से पच्चीस श्रेणी में स्थित फिल्में अक्सर सबसे उपयोगी खोज होती हैं क्योंकि वे सांस्कृतिक भार के बिना शीर्ष दस की गुणवत्ता रखती हैं। Sing 2 इस स्थिति में है, इसलिए नहीं कि यह इसके ऊपर की प्रविष्टियों की तुलना में काफी खराब है, बल्कि इसलिए कि इसकी अपील अधिक केंद्रित है। Sing 2 में Garth Jennings जो कर रहा है, उससे जुड़ने वाले दर्शक इसे इस सूची की किसी भी फिल्म के समान ही उच्च रेटिंग देते हैं। व्यापक मतदाता आधार का औसत इसे यहीं रखता है। जिन दर्शकों के पास यह सोचने के विशिष्ट कारण हैं कि यह फिल्म उनके लिए है - शैली की प्राथमिकता, निर्देशक की रुचि या युग के आधार पर - उन्हें इससे ऊपर रैंक वाली कई प्रविष्टियों पर इसे प्राथमिकता देनी चाहिए।
Kiki's Delivery Service
A young witch, on her mandatory year of independent life, finds fitting into a new community difficult while she supports herself by running an air courier service.
क्यों देखें?: Kiki's Delivery Service में प्रत्येक दृश्य निर्णय - रंग, गति, संरचना - का आविष्कार खरोंच से किया गया है। Hayao Miyazaki उस पूर्ण नियंत्रण का उपयोग कुछ ऐसा बनाने के लिए करता है जिसे कोई भी लाइव-एक्शन फिल्म दोहरा नहीं सकती।
Kiki's Delivery Service की तारीख 1989 से है, जिसका अर्थ है कि इसे दर्शकों की कई पीढ़ियों द्वारा परीक्षण किया गया है। तथ्य यह है कि Kiki's Delivery Service अभी भी उच्च रैंक पर है, पुरानी यादों के बजाय वास्तविक शिल्प को दर्शाता है। 7.8 पर Kiki's Delivery Service एक ऐसी फिल्म है जहां शिल्प कई आयामों में लगातार औसत से ऊपर है। कोई भी एक तत्व दूसरे को वहन नहीं करता। निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन सभी एक ही दिशा में खींच रहे हैं। निर्देशक ने फिल्म में उस प्रकार का सुविचारित शिल्प डाला है जिसकी एनीमेशन को आवश्यकता होती है। प्रत्येक फ्रेम इस इरादे को दर्शाता है कि कहानी को कैसे अनुभव किया जाना चाहिए, जिसका अर्थ है कि फिल्म केवल कथा के बजाय व्यक्तिगत क्षणों के स्तर पर काम करती है। Kiki's Delivery Service इस एनिमेशन रैंकिंग में शीर्ष पर है क्योंकि यह दर्शाता है कि जब कोई निर्देशक इसे व्यावसायिक श्रेणी के बजाय एक कलात्मक ढांचे के रूप में गंभीरता से लेता है तो शैली क्या हासिल करती है। Kiki's Delivery Service के हर सीन में फर्क दिखता है.
Kiki's Delivery Service की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Hayao Miyazaki ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Minami Takayama ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Kiki's Delivery Service में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
जिन दर्शकों ने Kiki's Delivery Service से प्रभावित फिल्में देखी हैं, उन्हें मूल फिल्म देखने का अनुभव किसी समकालीन फिल्म को देखने से अलग अनुभव होगा। जो तकनीकें परिचित लगती हैं क्योंकि उन्हें बड़े पैमाने पर कॉपी किया गया है, वे यहां अपने मूल रूप में दिखाई देती हैं, जिससे अक्सर पता चलता है कि प्रतियां Hayao Miyazaki ने जो किया उसके पीछे के तर्क को समझे बिना सतह को समझ लिया। Kiki's Delivery Service विशिष्ट कहानी कहने के लक्ष्यों की सेवा में अपने शैलीगत विकल्पों का उपयोग करता है। बाद की फिल्मों ने उन विकल्पों को उधार लिया और अक्सर उन्हें फ़ंक्शन के बिना शैली के रूप में उपयोग किया। मूल को देखने से स्पष्ट होता है कि वास्तव में क्या पूरा किया जा रहा था। यहां Minami Takayama के काम में एक विशिष्टता भी है कि इससे प्रेरित कई प्रदर्शनों में कमी है - नकल ने उस आंतरिकता के बिना तरीके को पकड़ लिया जिसने तरीके को कुछ अर्थपूर्ण बना दिया।
सूची में इस स्थान पर Kiki's Delivery Service एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Minami Takayama का प्रदर्शन और Hayao Miyazaki का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
The Nightmare Before Christmas
Tired of scaring humans every October 31 with the same old bag of tricks, Jack Skellington, the spindly king of Halloween Town, kidnaps Santa Claus and plans to deliver shrunken heads and other ghoulish gifts to children on Christmas morning. But as Christmas approaches, Jack's rag-doll girlfriend, Sally, tries to foil his misguided plans.
क्यों देखें?: दक्षता के बजाय इरादे से बनाया गया एनीमेशन अलग दिखता है। Henry Selick The Nightmare Before Christmas को अलग-अलग फ्रेम के स्तर पर अलग महसूस कराता है, और यह किसी संपूर्ण चीज़ में एकत्रित हो जाता है।
The Nightmare Before Christmas की 1993 रिलीज पूरी तरह से स्ट्रीमिंग युग से पहले की है। The Nightmare Before Christmas रेटिंग देने वाले प्रत्येक दर्शक ने जानबूझकर प्रयास के माध्यम से इसे खोजा - नाटकीय स्क्रीनिंग, भौतिक मीडिया, या अनुशंसा। The Nightmare Before Christmas के लिए वह ऑडियंस सहभागिता के लिए स्व-चयन कर रही है। 7.8 रेंज की फिल्में अक्सर सूची में उनकी स्थिति से अधिक दिलचस्प होती हैं। उन्होंने उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है, जिसका अर्थ है कि The Nightmare Before Christmas को पूर्व धारणाओं के बिना प्राप्त करना आसान है। The Nightmare Before Christmas को उससे लाभ होता है। एनीमेशन तकनीकी क्षमता के प्रदर्शन के बजाय कहानी कहने की सेवा में है। निर्देशक भावनात्मक और कथात्मक प्रभावों को प्राप्त करने के लिए फॉर्म का उपयोग करता है जो बताई जा रही विशिष्ट कहानी को पूरा करता है। इस एनिमेशन सूची की अन्य प्रविष्टियों के साथ The Nightmare Before Christmas को देखने से पता चलता है कि इस शैली के सर्वोत्तम कार्य को उसके औसत आउटपुट से क्या अलग करता है। Henry Selick ने यहां ऐसे विकल्प चुने हैं जिनसे अधिकांश एनिमेशन फिल्में बचती हैं क्योंकि उन विकल्पों के लिए दर्शकों में विश्वास की आवश्यकता होती है।
The Nightmare Before Christmas में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Henry Selick ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Danny Elfman ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। The Nightmare Before Christmas में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Danny Elfman एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
The Nightmare Before Christmas उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 7.8 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक The Nightmare Before Christmas को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Henry Selick और Danny Elfman कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
7.8 रेटिंग जो The Nightmare Before Christmas को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। The Nightmare Before Christmas को उच्च अंक देने का उनका निर्णय Henry Selick ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। The Nightmare Before Christmas मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
Fantastic Mr. Fox
The Fantastic Mr. Fox, bored with his current life, plans a heist against the three local farmers. The farmers, tired of sharing their chickens with the sly fox, seek revenge against him and his family.
क्यों देखें?: एक ऐसी फिल्म जो वास्तव में मज़ेदार है न कि केवल एक फिल्म के रूप में प्रचारित की गई है। Fantastic Mr. Fox में हास्य चरित्र से आता है, सेटअप से नहीं।
Fantastic Mr. Fox को 2009 में बनाया गया था, जब नाटकीय सिनेमा ध्यान आकर्षित करने के लिए शुरुआती इंटरनेट और डीवीडी के साथ प्रतिस्पर्धा कर रहा था। Wes Anderson ने कुछ ऐसा बनाया जिसने तब ध्यान आकर्षित किया और अब भी ध्यान आकर्षित किया है। 7.8 रेटिंग एक साथ सुसंगत स्तरों पर निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन को दर्शाती है। इस श्रेणी में स्कोर करने वाली फिल्में शायद ही किसी एक आयाम में महत्वपूर्ण रूप से असफल होती हैं, और Fantastic Mr. Fox कोई अपवाद नहीं है। जो चीज़ फिल्म को कॉमेडी के रूप में काम करती है वह यह है कि निर्देशक ने यह संकेत देने से इनकार कर दिया है कि हास्य कहाँ है। चुटकुले चरित्र और स्थिति से आते हैं, जिसका अर्थ है कि जो दर्शक ध्यान दे रहे हैं वे उन दर्शकों की तुलना में अधिक पाते हैं जो यह कहे जाने की प्रतीक्षा कर रहे हैं कि उन्हें हंसना चाहिए। एनिमेशन शैली के भीतर, Fantastic Mr. Fox एक विशिष्ट स्थान रखता है: यह दर्शाता है कि क्या संभव है जब एक निर्देशक ब्लूप्रिंट के बजाय शुरुआती बिंदु के रूप में शैली सम्मेलनों का उपयोग करता है। सर्वोत्तम एनिमेशन फिल्में उस चीज़ का विस्तार करती हैं जो शैली कर सकती है।
Fantastic Mr. Fox की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Wes Anderson ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Fantastic Mr. Fox चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Fantastic Mr. Fox को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
Fantastic Mr. Fox के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Fantastic Mr. Fox को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Fantastic Mr. Fox दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Wes Anderson के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में George Clooney के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, Fantastic Mr. Fox उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: Fantastic Mr. Fox अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Wes Anderson का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो Fantastic Mr. Fox को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
Finding Nemo
Nemo, an adventurous young clownfish, is unexpectedly taken from his Great Barrier Reef home to a dentist's office aquarium. It's up to his worrisome father Marlin and a friendly but forgetful fish Dory to bring Nemo home -- meeting vegetarian sharks, surfer dude turtles, hypnotic jellyfish, hungry seagulls, and more along the way.
क्यों देखें?: Finding Nemo भावनात्मक और दृश्य रजिस्टरों तक पहुंचने के लिए एनीमेशन का उपयोग करता है जो लाइव-एक्शन नहीं कर सकता। Andrew Stanton फॉर्म को एक सीमा के बजाय सिनेमा के विस्तार के रूप में मानता है।
2003 में रिलीज़, Finding Nemo सिनेमा में एक संक्रमणकालीन अवधि से आता है - स्ट्रीमिंग से वितरण बदलने से पहले लेकिन डिजिटल उपकरणों के बाद उत्पादन बदल गया। Finding Nemo में दिखाई देने वाली शिल्प कौशल नाटकीय युग के मानकों को दर्शाती है। Finding Nemo के लिए 7.8 स्कोर इसे उन फिल्मों में रखता है जो महत्वपूर्ण कमजोरियों के बिना अपने आधार पर काम करती हैं। Andrew Stanton ने कुछ ऐसा बनाया जो पूरी तरह से उद्देश्य के अनुसार काम करता है, जो सुनने में जितना आम लगता है उससे कम है। एनीमेशन के रूप में फिल्म को जो अलग करता है वह निर्देशक की समझ है कि रूप डिजाइन के माध्यम से आंतरिकता व्यक्त कर सकता है। चाल, रंग और रचना संवाद से पहले या बजाय संवाद के यह बताते हैं कि पात्र क्या महसूस कर रहा है। एनिमेशन शैली ने सैकड़ों फिल्में बनाई हैं। जो 7.8 और उससे ऊपर रैंक पर हैं, वे वे हैं जहां निर्देशक ने समझा कि शैली दर्शकों के साथ एक अनुबंध है, न कि जो व्यक्त किया जा सकता है उस पर कोई बाधा है।
Finding Nemo का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Andrew Stanton समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Finding Nemo में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Albert Brooks इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
Finding Nemo उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 7.8 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Finding Nemo को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Andrew Stanton और Albert Brooks कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
Finding Nemo इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Andrew Stanton ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 7.8 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Andrew Stanton के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर Finding Nemo को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
हमने इन एनिमेशन फिल्मों को कैसे रैंक किया
इस पृष्ठ पर प्रत्येक फिल्म को मूवी डेटाबेस एपीआई के डेटा का उपयोग करके चुना गया था, गुणवत्ता स्थिरता सुनिश्चित करने के लिए न्यूनतम वोट सीमा के लिए फ़िल्टर किया गया था। प्रक्रिया इस श्रेणी की सभी फिल्मों से शुरू होती है, वोट औसत के आधार पर अवरोही क्रम में क्रमबद्ध किया जाता है, फिर आवश्यक संख्या से कम वोट वाली फिल्मों को बाहर करने के लिए फ़िल्टर किया जाता है।
उस बड़ी सूची से, सटीकता के लिए प्रत्येक प्रविष्टि को मैन्युअल रूप से सत्यापित किया गया था। एक उच्च रेटिंग स्वचालित रूप से देखने योग्य नहीं होती है। एक फिल्म जो हाल की खबरों के कारण ट्रेंड में है, वह उस फिल्म के समान नहीं है जो ट्रेंड में है क्योंकि वह वास्तव में अच्छी है। प्रत्येक प्रविष्टि पर संपादकीय विश्लेषण सांस्कृतिक शोर के बजाय वास्तविक फिल्म की गुणवत्ता को दर्शाता है।
चयन पहुंच और गहराई के बीच संतुलन बनाए रखता है। यहां फिल्में समसामयिक रिलीज से लेकर कैटलॉग शीर्षक तक हैं जो पुनः खोज के लायक हैं। सभी शिल्प और इरादे से बनाए गए थे। सभी पुरस्कार देखना.
शैली के अनुसार सर्वश्रेष्ठ एनिमेशन फिल्में
इस पृष्ठ पर 50 फिल्में कई शैलियों और उपशैलियों में फैली हुई हैं। शैली एक फिल्टर के रूप में उपयोगी है लेकिन एक निश्चित श्रेणी के रूप में नहीं। ड्रामा टैग वाली फिल्म उतनी ही रहस्यपूर्ण हो सकती है, जितनी थ्रिलर टैग वाली फिल्म। एक्शन टैग वाली फिल्म भावनात्मक रूप से उतनी ही बुद्धिमान हो सकती है, जितनी ड्रामा टैग की गई फिल्म। शैली को आरंभिक बिंदु के रूप में उपयोग करें, संपूर्ण चित्र के रूप में नहीं।
प्रत्येक फिल्म पर शैली टैग आपको दिखाते हैं कि फिल्म स्पष्ट रूप से कहां बैठती है। एनिमेशन के भीतर उन शैलियों को ढूंढने के लिए फ़िल्टर का उपयोग करें जिनमें आपकी सबसे अधिक रुचि है।
रेटिंग के अनुसार सर्वश्रेष्ठ एनिमेशन फिल्में
इस पृष्ठ पर फिल्मों को तीन रेटिंग स्तरों में विभाजित किया गया है। 8.5 से ऊपर की फिल्में किसी भी पैमाने पर असाधारण हैं और इस श्रेणी में बिल्कुल बेहतरीन सिनेमा का प्रतिनिधित्व करती हैं। 7.5 से 8.4 तक की फिल्में लगातार शिल्प दिखाती हैं और विश्वसनीय रूप से मजबूत होती हैं। 7.0 से 7.4 तक की फिल्में अभी भी उत्कृष्ट और देखने लायक हैं, हालांकि वे गुणवत्ता की थोड़ी व्यापक श्रेणी का प्रतिनिधित्व करती हैं।
टीएमडीबी पर 8.0 की रेटिंग के लिए सांख्यिकीय रूप से विश्वसनीय होने के लिए पर्याप्त बड़े मतदाता आधार की आवश्यकता होती है। यह समय के साथ परीक्षण की गई वास्तविक दर्शकों की सराहना को दर्शाता है।
रनटाइम के अनुसार सर्वश्रेष्ठ एनिमेशन फिल्में
क्या देखना है यह चुनते समय रनटाइम सबसे उपयोगी फ़िल्टर में से एक है और सबसे कम उपयोग किए जाने वाले फ़िल्टर में से एक है। 90 मिनट से कम अवधि की फिल्में सटीकता के साथ संपूर्ण अनुभव प्रदान करती हैं। अधिकांश देखने की स्थितियों के लिए 90 से 120 मिनट की फिल्में इष्टतम लंबाई हैं। 120 मिनट से अधिक की फिल्मों के लिए प्रतिबद्धता की आवश्यकता होती है लेकिन इसके लिए पुरस्कार की आवश्यकता होती है।
अपने उपलब्ध समय का उपयोग देर रात में कोई ऐसी फिल्म शुरू करने के बजाय सही फिल्म खोजने में करें जो अपेक्षा से अधिक लंबी चलती हो।
खोजने लायक छिपे हुए रत्न
प्रत्येक एनिमेशन चयन में ऐसी फिल्में शामिल होती हैं जो शीर्ष दृश्यता रैंकिंग से नीचे होती हैं लेकिन कुछ असाधारण प्रदान करती हैं। ये ऐसी फिल्में हैं जिन्हें एल्गोरिथम कम महत्व देता है क्योंकि उनमें फ्रैंचाइज़ी मान्यता या हालिया प्रेस कवरेज का अभाव है। वे छुपे हुए नहीं हैं क्योंकि वे अस्पष्ट हैं। वे छिपे हुए हैं क्योंकि प्लेटफ़ॉर्म पर सबसे ऊंचे विकल्प सबसे पहले सामने आते हैं।
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The animation genre spans decades. Below are ways to explore animation through time and across other filters.
अक्सर पूछे जाने वाले प्रश्नों
अब तक की सर्वश्रेष्ठ एनिमेशन फिल्में कौन सी हैं?
सर्वश्रेष्ठ एनिमेशन फिल्में इस पृष्ठ पर पूरी तरह से रैंक और सूचीबद्ध हैं। यह सूची एनिमेशन शैली की फिल्मों को फ़िल्टर करके, स्थिरता सुनिश्चित करने के लिए मूवी डेटाबेस से महत्वपूर्ण रेटिंग और मतदाता संख्या के आधार पर क्रमबद्ध करके बनाई गई थी।
सबसे ज्यादा रेटिंग वाली एनिमेशन फिल्म कौन सी है?
उच्चतम रेटिंग वाली एनिमेशन फिल्में इस पृष्ठ के रेटिंग स्तर अनुभाग में सूचीबद्ध हैं। 8.5 और उससे ऊपर की फिल्में एनिमेशन श्रेणी और किसी भी शैली की किसी भी फिल्म के भीतर असाधारण काम का प्रतिनिधित्व करती हैं।
इस समय स्ट्रीमिंग पर सबसे अच्छी एनिमेशन फिल्में कौन सी हैं?
वर्तमान उपलब्धता के लिए जस्टवॉच या अपने प्लेटफ़ॉर्म के खोज फ़ंक्शन की जाँच करें। इस सूची की फिल्में वर्तमान प्लेटफ़ॉर्म वितरण की परवाह किए बिना एनिमेशन श्रेणी में बेहतरीन काम का प्रतिनिधित्व करती हैं।
1990 के दशक की सर्वश्रेष्ठ एनिमेशन फिल्में कौन सी हैं?
1990 के दशक में एनिमेशन के कुछ बेहतरीन काम सामने आए। इस पृष्ठ के दशक अनुभागों की जाँच करें और एनिमेशन शैली टैग के साथ विशेष रूप से 1990 के दशक की फिल्मों को देखें।
2000 के दशक की सर्वश्रेष्ठ एनिमेशन फिल्में कौन सी हैं?
2000 के दशक में एनिमेशन के निर्माण में महत्वपूर्ण विकास देखा गया। इस सूची में इस दशक की फिल्में अपने इतिहास में एक विशेष रचनात्मक क्षण में शैली का प्रतिनिधित्व करती हैं।
एक बेहतरीन एनिमेशन मूवी क्या बनाती है?
इस पेज पर फिल्मों का चयन इसलिए किया गया क्योंकि वे एनिमेशन जो करने की कोशिश कर रहा है उसके मूल को समझते हैं और इसे शिल्प और इरादे के साथ निष्पादित करते हैं। महान एनिमेशन सिनेमा शॉर्टकट या फॉर्मूले के बजाय कुछ वास्तविक निर्माण के माध्यम से काम करता है।
क्या ऐसी कोई कम रेटिंग वाली एनिमेशन फिल्में हैं जिनके बारे में मुझे जानना चाहिए?
इस पृष्ठ पर हिडन जेम्स अनुभाग उन एनिमेशन फिल्मों की पहचान करता है जिनका स्कोर 6.5 और 7.4 के बीच है। ये ऐसी फिल्में हैं जो अपनी वर्तमान दृश्यता से अधिक ध्यान देने योग्य हैं।
कौन सी एनिमेशन फिल्में हर किसी को कम से कम एक बार देखनी चाहिए?
इस पृष्ठ से 8.0 और उससे अधिक रेटिंग वाली किसी भी फिल्म से शुरुआत करें। एनिमेशन सिनेमा अपने सर्वोत्तम रूप में क्या करने में सक्षम है, इस पर ये सबसे मजबूत आम सहमति का प्रतिनिधित्व करते हैं।
समय के साथ एनिमेशन सिनेमा कैसे बदल गया है?
इस पृष्ठ पर विभिन्न दशकों की फिल्मों की तुलना करें और आप देखेंगे कि शैली कैसे विकसित हुई है। एनिमेशन सिनेमा में अब जो चल रहा है वह 1970 के दशक में चल रहे सिनेमा से अलग है, जो 1990 के दशक में चल रहा था उससे अलग है।
यदि मुझे आमतौर पर एनिमेशन पसंद नहीं है तो सबसे अच्छी एनिमेशन फिल्में कौन सी हैं?
एनिमेशन अनुभाग से 8.5 और उससे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों से शुरुआत करें। ये ऐसी फिल्में हैं जो शैली से परे हैं और दर्शकों के लिए उनकी विशिष्ट प्राथमिकताओं की परवाह किए बिना काम करती हैं।
क्या अमेरिका के बाहर से कोई एनिमेशन फिल्में हैं जिन्हें मुझे देखना चाहिए?
हाँ। इस सूची में अंतर्राष्ट्रीय एनिमेशन फिल्में दर्शाती हैं कि विश्व स्तर पर सर्वश्रेष्ठ एनिमेशन सिनेमा कैसा दिखता है। विश्व सिनेमा अक्सर इस शैली को हॉलीवुड की तुलना में अलग ढंग से देखता है।
हाल की सर्वश्रेष्ठ एनिमेशन फिल्में कौन सी हैं?
इस सूची में पिछले 5 से 10 वर्षों की फिल्में दिखाती हैं कि वर्तमान में शैली कैसी दिखती है। ये इस बारे में नवीनतम सोच का प्रतिनिधित्व करते हैं कि एनिमेशन कैसे बनाया जाना चाहिए।
बढ़िया एनिमेशन और अच्छे एनिमेशन में क्या अंतर है?
ग्रेट एनिमेशन इरादे से कुछ करता है। यह कुछ कहने या कुछ ऐसा बनाने के लिए शैली का उपयोग करता है जिसे अन्य माध्यमों से नहीं बनाया जा सकता है। अच्छा एनिमेशन शैली की धुनों को हिट करता है। ग्रेट एनिमेशन उनसे आगे निकल जाता है।
क्या मुझे एनिमेशन फिल्में किसी विशेष क्रम में देखनी चाहिए?
नहीं, आप इस सूची में कहीं से भी शुरुआत कर सकते हैं, यह इस बात पर निर्भर करता है कि कौन से निदेशक या समय अवधि में आपकी सबसे अधिक रुचि है। फिल्में एक दूसरे पर निर्भर नहीं हैं. सबसे पहले वह देखें जो आपको पसंद आए।
कुछ प्रसिद्ध एनिमेशन फिल्में इस सूची में क्यों नहीं हैं?
यह सूची प्राथमिक मानदंड के रूप में मूवी डेटाबेस रेटिंग और मतदाता गणना का उपयोग करके बनाई गई थी। यदि एक अत्यधिक प्रसिद्ध एनिमेशन फिल्म को शामिल नहीं किया जाता है, तो संभवतः यह सांख्यिकीय रूप से विश्वसनीय होने के लिए न्यूनतम वोट सीमा को पूरा नहीं करती है। यह सुनिश्चित करता है कि सूची सांस्कृतिक स्मृति के बजाय वास्तविक दर्शकों की सराहना को दर्शाती है।