La città incantata
La piccola Chihiro non sopporta l'idea di traslocare e di perdere i propri amici, ma non può far niente per impedirlo. Proprio quando la famiglia è in viaggio verso la nuova casa, il padre imbocca una strada sterrata che termina davanti a un tunnel misterioso. I genitori sceglieranno di attraversarlo nonostante le rimostranze di Chihiro, per giungere a un parco dei divertimenti abbandonato, almeno apparentemente.
Perché guardare: Uno dei film con il punteggio più alto in questa selezione. La città incantata si è guadagnato la sua reputazione grazie al continuo apprezzamento della critica da parte di più generazioni di spettatori.
La città incantata è stato realizzato nel periodo 2001, quando il cinema era in competizione con Internet e i primi DVD per attirare l'attenzione. Hayao Miyazaki ha creato qualcosa che attirava l'attenzione allora e la tiene adesso. Una valutazione 8.5 su The Film Database è statisticamente rara. Richiede una base di elettori sufficientemente ampia da mediare le opinioni individuali, lasciando solo i film che si distribuiscono costantemente a un pubblico diversificato. La città incantata ha questo consenso. Il film dimostra che l'animazione è uno strumento per raggiungere registri emotivi che l'azione dal vivo non può raggiungere. Il regista utilizza le possibilità formali del mezzo per creare momenti specifici della forma animata. All'interno del genere animazione, La città incantata occupa una posizione specifica: dimostra cosa è possibile quando un regista utilizza le convenzioni di genere come punto di partenza piuttosto che come progetto. I migliori film animazione ampliano ciò che il genere può fare.
La cinematografia di La città incantata riflette un periodo di transizione nella tecnologia cinematografica, quando gli strumenti digitali erano disponibili ma i registi stavano ancora discutendo se utilizzarli. Hayao Miyazaki ha fatto delle scelte sullo stile visivo intenzionali piuttosto che predefinite. Il modo in cui La città incantata è illuminato, inquadrato e tagliato riflette un'intelligenza visiva specifica piuttosto che una convenzione del settore. Rumi Hiiragi funziona all'interno di quella struttura visiva in modi che sono più visibili quando si guarda il film prestando attenzione a come sono posizionati nell'inquadratura piuttosto che semplicemente a quello che stanno facendo.
Coloro che guardano La città incantata per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare La città incantata per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che La città incantata cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Hayao Miyazaki sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Rumi Hiiragi nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionare La città incantata tra i primi dieci di questo elenco non richiede argomenti speciali. L’argomentazione è la valutazione 8.5 da parte di una base elettorale abbastanza ampia da essere statisticamente significativa. I film nella top ten di qualsiasi elenco serio occupano quella posizione perché raggiungono costantemente la più ampia gamma di spettatori, e La città incantata lo ha fatto in ogni gruppo demografico che lo ha incontrato. Il lavoro di Hayao Miyazaki qui opera al livello in cui la qualità della singola scena si combina in qualcosa che regge al livello dell'intero film, il che è più raro di quanto sembri.
Your Name.
Mitsuha è una studentessa che vive in una piccola città rurale e desidera trasferirsi a Tokyo, nella grande metropoli dove ogni sogno si può realizzare. Taki è uno studente di liceo che vive proprio a Tokyo, ha un lavoro part-time in un ristorante italiano, ma vorrebbe lavorare nel campo dell’arte o dell’architettura. Una notte, Mitsuha sogna di essere un giovane uomo, si ritrova in una stanza che non conosce, ha nuovi amici e lo skyline di Tokyo si apre dinnanzi al suo sguardo. Nello stesso momento Taki sogna di essere una ragazzina che vive in una piccola città di montagna che non ha mai visitato. Ma quale sarà il segreto che si cela dietro questi strani sogni incrociati?
Perché guardare: Your Name. si trova all'estremità eccezionale di questo elenco. Una valutazione così alta, costruita sulla base di un’ampia base elettorale, riflette un consenso genuino piuttosto che una campagna pubblicitaria.
Made in 2016, Your Name. esiste nell'era dello streaming in cui tutto compete con tutto. La valutazione 8.5 che detiene riflette un pubblico che aveva infinite alternative e ha scelto di dare un punteggio elevato a questa. Il punteggio 8.5 per Your Name. rappresenta migliaia di decisioni di visualizzazione individuali distillate in un unico numero. Quel numero riflette qualcosa di reale: le persone che hanno visto questo film hanno pensato che fosse eccezionale, e un numero sufficiente di loro ha accettato di rendere significativa la valutazione. Il dramma deriva dalla specificità piuttosto che dall’universalità. Il regista fa delle scelte che si applicano proprio a questi personaggi in questa situazione, che paradossalmente crea qualcosa di più universale di quanto farebbero i battiti emotivi generici. Il genere animazione ha prodotto centinaia di film. Quelli che si classificano a 8.5 e oltre sono quelli in cui il regista ha capito che il genere è un contratto con il pubblico, non un vincolo su ciò che può essere espresso.
La sceneggiatura di Your Name. dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Makoto Shinkai ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Ryunosuke Kamiki fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Your Name. quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Your Name. è adatto alle serate in cui si desidera guardare qualcosa che abbia sostanza genuina piuttosto che qualcosa che riempia semplicemente il tempo. Non è un film di sottofondo e non è un'esperienza passiva. Makoto Shinkai ha costruito qualcosa che richiede la tua attenzione e la premia in modo specifico anziché generale. Gli spettatori che guardano Your Name. mentre fanno altre cose otterranno una versione del film notevolmente ridotta rispetto alla versione disponibile a qualcuno che gli presta tutta la sua attenzione. La classificazione 8.5 riflette l'esperienza visiva con piena attenzione. Il cast, nello specifico Ryunosuke Kamiki, offre dettagli prestazionali che si registrano in una visione concentrata e scompaiono in una visione distratta.
La posizione nei primi dieci di Your Name. in questa lista riflette qualcosa di difficile da costruire: un'eccellenza sostenuta che nuovi spettatori continuano a scoprire e a valutare positivamente. La maggior parte dei film perde slancio dopo il pubblico iniziale. Your Name. no. Gli spettatori che lo incontrano anni o decenni dopo il rilascio gli danno gli stessi voti alti dei primi spettatori. Makoto Shinkai ha realizzato qualcosa che funziona indipendentemente dal momento culturale da cui proviene, che è la definizione di qualità duratura. La performance di Ryunosuke Kamiki fa parte di questa durabilità: non va letta come una recitazione d'epoca.
La tomba delle lucciole
Giappone, 21 settembre 1945. Alla stazione di Kobe, il quattordicenne Seita muore di inedia. Il suo spirito ripercorre i tragici eventi degli ultimi quattro mesi: i bombardamenti americani, il cadavere della madre sfigurato dalle ustioni, il padre a difendere la gloria dell'impero nella sua bianca uniforme da ufficiale di marina. E poi l'orgoglio, la fuga, i furti, la fame. Questa notte spaventosa è rischiarata dai flebili bagliori delle lucciole. Ma all'alba non ne rimarrà più nessuna.
Perché guardare: I numeri dietro La tomba delle lucciole sono difficili da raggiungere: migliaia di spettatori indipendenti, lo valutano molto bene senza coordinamento. Questo consenso è il segnale di qualità più affidabile disponibile.
La tomba delle lucciole risale a 1988, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che La tomba delle lucciole si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Con 8.4, La tomba delle lucciole si colloca in un intervallo in cui la qualità è costante ma il film non ha ottenuto l'ampio consenso dei titoli con rating più elevato. Questo consenso più ristretto spesso riflette un fascino specifico: La tomba delle lucciole non è per tutti, ma per lo spettatore giusto è eccellente. Il film dimostra cosa può fare il dramma che altri generi non possono fare: mettere sotto pressione il comportamento umano ordinario e rivelare il carattere attraverso la risposta. Il regista crea queste condizioni e il cast le vive con genuina convinzione. La tomba delle lucciole mostra perché il cinema animazione è importante: fa cose che nessun altro genere può fare con la stessa efficacia. Isao Takahata comprende i meccanismi specifici di animazione e li utilizza per creare effetti impossibili in altre modalità di narrazione.
Le prestazioni in La tomba delle lucciole sono calibrate su un registro specifico che Isao Takahata ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Tsutomu Tatsumi ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in La tomba delle lucciole that land hardest are the ones where Tsutomu Tatsumi does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
La tomba delle lucciole funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.4 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a La tomba delle lucciole come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Isao Takahata e Tsutomu Tatsumi fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La tomba delle lucciole appartiene alla top ten perché fa qualcosa che la maggior parte dei film tenta e che pochi riescono a realizzare: è eccellente alla prima visione e rivela livelli aggiuntivi quando si guarda di nuovo. Il pubblico alle prime armi e quello che ritorna stanno vivendo esperienze diverse ed entrambe le esperienze sono forti. Isao Takahata ha incorporato questa profondità nel film lavorando su più livelli contemporaneamente: la storia superficiale funziona e sotto c'è uno strato di decisioni artigianali che diventano pienamente visibili solo quando sai dove stanno andando le cose. Questa struttura a due livelli è ciò che colloca La tomba delle lucciole nella top ten anziché nel livello successivo.
Spider-Man - Un nuovo universo
Miles Morales è un ragazzo afro-ispanico di New York che è appena entrato in una scuola relativamente esclusiva, dove però si sente fuori luogo. Qui infatti non conosce nessuno e suo padre, un poliziotto che detesta Spider-Man, non lo aiuta mettendolo in imbarazzo. Miles si rifugia dallo zio, che asseconda invece la sua passione da street artist, ma durante una escursione nei sotterranei di New York Miles viene morso da un ragno radioattivo. Il giorno dopo, sconvolto da sorprendenti poteri che somigliano a quelli di Spider-Man, torna a cercare il ragno e finisce per assistere a uno scontro tra l'eroe e vari villain, durante il quale un esperimento per aprire un varco dimensionale ha effetti imprevisti. Presto Miles scoprirà che non c'è un solo Uomo Ragno!
Perché guardare: Spider-Man - Un nuovo universo ha mantenuto la sua valutazione abbastanza a lungo da rendere il punteggio stabile. I film così apprezzati da un pubblico diversificato sono eccezionali piuttosto che semplicemente buoni.
In 2018, quando Bob Persichetti ha realizzato Spider-Man - Un nuovo universo, la qualità media della produzione dei film non era mai stata così alta. Ciò che distingue Spider-Man - Un nuovo universo non è la raffinatezza tecnica ma l'intenzionalità: ogni scena fa qualcosa di specifico. Spider-Man - Un nuovo universo a 8.4 rappresenta il livello affidabile di questo elenco. Questi sono i film che non deludono. Bob Persichetti ha capito cosa doveva essere il film e lo ha realizzato senza compromessi. L'azione è subordinata alla narrazione piuttosto che sostituirla. Il regista costruisce sequenze che funzionano solo grazie a ciò che è accaduto prima. L'investimento del pubblico nei personaggi e nella posta in gioco determina se l'azione avrà successo. Le classifiche di genere come questa sono utili in parte perché rendono esplicito il canone animazione. Spider-Man - Un nuovo universo at 8.4 rientra in qualsiasi discussione seria su ciò che il cinema animazione ha raggiunto. Guardarlo insieme ad altri film animazione di prim'ordine rivela la gamma di ciò che contiene il genere.
La struttura di Spider-Man - Un nuovo universo è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Bob Persichetti effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Spider-Man - Un nuovo universo taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Spider-Man - Un nuovo universo disorientante in modo produttivo.
Gli spettatori che guardano Spider-Man - Un nuovo universo per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Bob Persichetti gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Spider-Man - Un nuovo universo non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Shameik Moore lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 2018 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Bob Persichetti.
Una posizione tra le prime dieci in una classifica costruita in base alle valutazioni del database dei film rappresenta un autentico consenso critico. Non è un concorso di popolarità: la soglia degli elettori filtra per i film che sono stati visti e valutati da un numero sufficiente di persone da mediare le opinioni individuali anomale. Spider-Man - Un nuovo universo in questa posizione significa che spettatori diversi, in paesi diversi e con abitudini di visione diverse, hanno concluso in modo indipendente che questo film era eccellente. Bob Persichetti ha ottenuto qualcosa con Spider-Man - Un nuovo universo resistente alle variazioni culturali. Lo specifico approccio narrativo utilizzato qui si traduce in contesti diversi.
Il castello errante di Howl
Sophie ha diciotto anni e ogni giorno lavora instancabilmente nel negozio di cappelli del suo defunto padre. Un giorno, durante una rara escursione in città, per caso incontra il Mago Howl. Howl è ardito e bello, ma come tutti i maghi un po' smidollato. La Strega della Spazzatura, equivocando la natura del loro rapporto, getta una maledizione su Sophie, trasformandola in una novantenne rugosa. Sophie va via di casa e girovaga in una distesa desolata dove per caso entra nel castello mobile di Howl. Nascondendo la sua identita', diventa la donna delle pulizie. La vecchia petulante Sophie rimette a posto la casa, con molto piů brio di quanto ne avesse in origine. Cosa farà Sophie e cosa capiterà tra lei e Howl?
Perché guardare: Uno dei film con il punteggio più alto in questa selezione. Il castello errante di Howl si è guadagnato la sua reputazione grazie al continuo apprezzamento della critica da parte di più generazioni di spettatori.
Il castello errante di Howl è stato realizzato nel periodo 2004, quando il cinema era in competizione con Internet e i primi DVD per attirare l'attenzione. Hayao Miyazaki ha creato qualcosa che attirava l'attenzione allora e la tiene adesso. Una valutazione 8.4 da parte di un ampio pool di elettori significa che il film ha punti di forza autentici che superano qualsiasi debolezza riscontrata dagli spettatori. Il castello errante di Howl mantiene la sua promessa principale, ovvero lo standard minimo che ogni film dovrebbe soddisfare e meno di quanto suggerisce il numero di uscite. Il film dimostra che l'animazione è uno strumento per raggiungere registri emotivi che l'azione dal vivo non può raggiungere. Il regista utilizza le possibilità formali del mezzo per creare momenti specifici della forma animata. L'approccio di Hayao Miyazaki a animazione in Il castello errante di Howl è istruttivo: le convenzioni di genere vengono utilizzate consapevolmente piuttosto che automaticamente. Il risultato è un film che mantiene ciò che il genere promette, pur facendo qualcosa che la maggior parte dei film animazione non fa.
L'ambiente sonoro di Il castello errante di Howl è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Hayao Miyazaki comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Il castello errante di Howl utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Chieko Baisho lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Il castello errante di Howl occupa una posizione specifica nella storia del suo genere: è stato realizzato quando le convenzioni con cui funziona erano ancora in fase di sviluppo piuttosto che consolidate. Hayao Miyazaki non stava applicando una formula collaudata ma costruendo qualcosa la cui efficacia non era garantita. La valutazione 8.4 riflette un pubblico che ha risposto al lavoro realizzato in condizioni di autentico rischio creativo. I film contemporanei nello stesso spazio hanno il vantaggio di sapere cosa funziona perché Il castello errante di Howl e film simili lo hanno dimostrato. Guardare Il castello errante di Howl in quel contesto – come lavoro creativo realizzato senza la rete di sicurezza di convenzioni comprovate – aggiunge una dimensione all'esperienza visiva che non è disponibile guardando film realizzati dopo che le convenzioni sono state stabilite.
La posizione nella top ten di Il castello errante di Howl è molto significativa se si considera contro cosa ha gareggiato. Ogni film nel catalogo per questa modalità ed epoca è stato valutato e Il castello errante di Howl si è classificato qui perché la combinazione della qualità della valutazione e del volume degli elettori lo ha posizionato sopra ogni altra cosa nella selezione. Hayao Miyazaki ha fatto delle scelte in Il castello errante di Howl che lo distinguono dalle alternative della stessa categoria: alternative che sono anche buoni film. Il divario tra i primi dieci e i primi venti è minore in termini di valutazione assoluta di quanto sembri, ma significativo in termini di ciò che effettivamente offre l’esperienza dello spettatore.
La Forma della Voce
Ogaki. Il liceale Shoya Ishida sta per saltare dal ponte per suicidarsi, ma all'ultimo desiste. Cinque anni prima, ai tempi della scuola elementare, nella classe di Shoya arriva Shoko Nishimiya, una ragazza sordomuta: l'accoglienza dei suoi compagni da timida diviene in breve tempo ostile. Per quanto Shoko si sforzi di essere gentile e disponibile con tutti, un gruppetto, capitanato da Shoya, si accanisce contro di lei. Cinque anni dopo Shoya ancora non è in grado di darsi pace per i torti inflitti a Shoko, anche perché la conseguenza delle sue azioni passate è la totale solitudine.
Perché guardare: La Forma della Voce si trova all'estremità eccezionale di questo elenco. Una valutazione così alta, costruita sulla base di un’ampia base elettorale, riflette un consenso genuino piuttosto che una campagna pubblicitaria.
Made in 2016, La Forma della Voce esiste nell'era dello streaming in cui tutto compete con tutto. La valutazione 8.4 che detiene riflette un pubblico che aveva infinite alternative e ha scelto di dare un punteggio elevato a questa. Il punteggio 8.4 per La Forma della Voce è calcolato in base agli spettatori che avevano alternative e hanno scelto di dargli un punteggio elevato. Questa scelta riflette un film che ha espresso chiaramente le sue ragioni, che è esattamente ciò che fa La Forma della Voce. Naoko Yamada ha presentato la sua argomentazione e il pubblico l'ha accettata. Il dramma deriva dalla specificità piuttosto che dall’universalità. Il regista fa delle scelte che si applicano proprio a questi personaggi in questa situazione, che paradossalmente crea qualcosa di più universale di quanto farebbero i battiti emotivi generici. I migliori film animazione utilizzano i meccanismi del loro genere per accedere a qualcosa di reale. La Forma della Voce è uno di quei film. Naoko Yamada ha compreso il genere abbastanza profondamente da sapere quali convenzioni servono al materiale e quali mettere da parte.
L'approccio visivo di La Forma della Voce riflette la convinzione di Naoko Yamada secondo cui stile e sostanza sono la stessa cosa. Il posizionamento della telecamera, la gradazione del colore e il ritmo di montaggio di La Forma della Voce non sono decisioni decorative. Sono discussioni su come la storia dovrebbe essere vissuta. Miyu Irino è girato in modo da comunicare il carattere prima ancora che venga pronunciata una parola. Gli spettatori che guardano La Forma della Voce una seconda volta con attenzione alla grammatica visiva troveranno uno strato di significato che opera indipendentemente dal dialogo e dalla trama.
La Forma della Voce funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.4 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a La Forma della Voce come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Naoko Yamada e Miyu Irino fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La Forma della Voce guadagna il suo posto nella top ten non grazie alla reputazione culturale ma grazie a ciò che accade quando gli spettatori si siedono e lo guardano. La valutazione 8.4 cattura quell'esperienza attraverso un ampio campione di visualizzazioni indipendenti. I film che raggiungono lo status di top ten in elenchi come questo sono stati testati da spettatori che avevano pieno accesso alle alternative e hanno scelto di valutare questo come il migliore della loro esperienza. Naoko Yamada e Miyu Irino hanno realizzato qualcosa che soddisfa costantemente tale aspettativa, motivo per cui la valutazione mantiene nonostante i continui nuovi spettatori che apportano nuovi standard.
Spider-Man: Across the Spider-Verse
Dopo essersi riunito con Gwen Stacy, l'amichevole Spider-Man di Brooklyn Miles Morales viene catapultato nelle pieghe del multiverso, dove incontra la squadra di Spider-Eroi incaricata di proteggerne l'esistenza. Ma quando i protettori del multiverso si dimostrano intransigenti sul modo migliore per affrontare una nuova e temibile minaccia, Miles si ritrova solo contro gli altri Spider-Eroi a difendere il suo punto di vista. Tutto, pur di salvare la persona che ama di più al mondo.
Perché guardare: I numeri dietro Spider-Man: Across the Spider-Verse sono difficili da raggiungere: migliaia di spettatori indipendenti, lo valutano molto bene senza coordinamento. Questo consenso è il segnale di qualità più affidabile disponibile.
Spider-Man: Across the Spider-Verse (2023) è stato realizzato in un periodo in cui il pubblico è diventato più sofisticato riguardo alla qualità della produzione. Kemp Powers ha prodotto qualcosa che soddisfa le aspettative aumentate. Spider-Man: Across the Spider-Verse at 8.3 è un film in cui l'imbarcazione è costantemente al di sopra della media in più dimensioni. Nessun singolo elemento trasporta gli altri. La regia, la scrittura e la performance vanno tutte nella stessa direzione. Il regista riprende l'azione a misura d'uomo piuttosto che per lo spettacolo della telecamera. I personaggi occupano uno spazio coerente e i loro corpi si muovono attraverso quello spazio con uno scopo leggibile. Il risultato è un'azione che accumula impatto anziché generare adrenalina momentanea. Spider-Man: Across the Spider-Verse si trova in cima alla classifica animazione perché dimostra ciò che il genere raggiunge quando un regista lo prende sul serio come quadro artistico piuttosto che come categoria commerciale. La differenza è visibile in ogni scena di Spider-Man: Across the Spider-Verse.
La sceneggiatura di Spider-Man: Across the Spider-Verse dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Kemp Powers ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Shameik Moore fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Spider-Man: Across the Spider-Verse quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Coloro che guardano Spider-Man: Across the Spider-Verse per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Spider-Man: Across the Spider-Verse per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Spider-Man: Across the Spider-Verse cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Kemp Powers sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Shameik Moore nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionare Spider-Man: Across the Spider-Verse tra i primi dieci di questo elenco non richiede argomenti speciali. L’argomentazione è la valutazione 8.3 da parte di una base elettorale abbastanza ampia da essere statisticamente significativa. I film nella top ten di qualsiasi elenco serio occupano quella posizione perché raggiungono costantemente la più ampia gamma di spettatori, e Spider-Man: Across the Spider-Verse lo ha fatto in ogni gruppo demografico che lo ha incontrato. Il lavoro di Kemp Powers qui opera al livello in cui la qualità della singola scena si combina in qualcosa che regge al livello dell'intero film, il che è più raro di quanto sembri.
Princess Mononoke
In seguito allo scontro con un animale posseduto da un demone il principe Ashitaka viene contaminato da una maledizione mortale. Si mette dunque in viaggio per scoprirne l'origine e chiedere una cura al grande Dio Bestia, l'unico in grado di guarirlo. Arrivato nelle regioni da cui proveniva la bestia scopre una guerra tra uomini e una forma primitiva di animali della foresta, giganti, senzienti e aiutati da quella che chiamano la Principessa Spettro, una ragazza cresciuta dai lupi che ha rinnegato gli uomini. Dall'altra parte gli uomini, capitanati da Lady Eboshi che gestisce con amore, giustizia e pietà il suo villaggio di fabbri, vogliono lavorare la montagna e abbattere gli alberi per poter estrarre il ferro (fonte di ricchezza). In mezzo un gruppo di monaci cerca di fomentare gli uomini ad uccidere il Dio Bestia e rubarne la testa perchè, si dice, fornisca l'eterna giovinezza.
Perché guardare: Princess Mononoke ha mantenuto la sua valutazione abbastanza a lungo da rendere il punteggio stabile. I film così apprezzati da un pubblico diversificato sono eccezionali piuttosto che semplicemente buoni.
La versione 1997 di Princess Mononoke è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Princess Mononoke l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Princess Mononoke si autoseleziona per il coinvolgimento. I film della gamma 8.3 sono spesso più interessanti di quanto suggerisca la loro posizione in un elenco. Non hanno raggiunto la saturazione culturale dei titoli con rating più alto, il che significa che Princess Mononoke è più facile da avvicinare senza preconcetti. Princess Mononoke ne trae vantaggio. L'animazione è al servizio della narrazione piuttosto che di una dimostrazione di capacità tecnica. Il regista utilizza la forma per ottenere effetti emotivi e narrativi che servono alla storia specifica raccontata. Guardare Princess Mononoke insieme ad altre voci in questo elenco animazione rivela ciò che separa il lavoro migliore del genere dalla sua produzione media. Hayao Miyazaki ha fatto delle scelte che la maggior parte dei film di animazione evita perché tali scelte richiedono fiducia nel pubblico.
Le prestazioni in Princess Mononoke sono calibrate su un registro specifico che Hayao Miyazaki ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Yoji Matsuda ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Princess Mononoke that land hardest are the ones where Yoji Matsuda does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Princess Mononoke funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.3 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Princess Mononoke come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Hayao Miyazaki e Yoji Matsuda fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La posizione nei primi dieci di Princess Mononoke in questa lista riflette qualcosa di difficile da costruire: un'eccellenza sostenuta che nuovi spettatori continuano a scoprire e a valutare positivamente. La maggior parte dei film perde slancio dopo il pubblico iniziale. Princess Mononoke no. Gli spettatori che lo incontrano anni o decenni dopo il rilascio gli danno gli stessi voti alti dei primi spettatori. Hayao Miyazaki ha realizzato qualcosa che funziona indipendentemente dal momento culturale da cui proviene, che è la definizione di qualità duratura. La performance di Yoji Matsuda fa parte di questa durabilità: non va letta come una recitazione d'epoca.
Il robot selvaggio
L'epica avventura segue il viaggio di un robot - l'unità ROZZUM 7134, abbreviato Roz - che dopo un naufragio si ritrova su un'isola disabitata dove dovrà imparare ad adattarsi all’ostile ambiente circostante, costruendo gradualmente relazioni con gli altri animali dell’isola e adottando un'ochetta orfana.
Perché guardare: Uno dei film con il punteggio più alto in questa selezione. Il robot selvaggio si è guadagnato la sua reputazione grazie al continuo apprezzamento della critica da parte di più generazioni di spettatori.
Il robot selvaggio è un lavoro contemporaneo che ha già dimostrato la sua capacità di resistere in un mercato inondato di contenuti. Chris Sanders ha realizzato qualcosa che ha fatto breccia nel rumore perché era veramente migliore delle alternative. Una valutazione 8.3 riflette la regia, la scrittura e la performance che operano a livelli costanti simultaneamente. I film che ottengono punteggi in questo intervallo raramente falliscono in modo significativo in ogni singola dimensione e Il robot selvaggio non fa eccezione. Il regista usa la premessa della fantascienza per porre domande su cosa significhi essere umani. La tecnologia speculativa è una struttura per esplorare il carattere sotto una pressione straordinaria. All'interno del genere animazione, Il robot selvaggio occupa una posizione specifica: dimostra cosa è possibile quando un regista utilizza le convenzioni di genere come punto di partenza piuttosto che come progetto. I migliori film animazione ampliano ciò che il genere può fare.
La struttura di Il robot selvaggio è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Chris Sanders effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Il robot selvaggio taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Il robot selvaggio disorientante in modo produttivo.
Il robot selvaggio funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.3 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Il robot selvaggio come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Chris Sanders e Lupita Nyong'o fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
Il robot selvaggio appartiene alla top ten perché fa qualcosa che la maggior parte dei film tenta e che pochi riescono a realizzare: è eccellente alla prima visione e rivela livelli aggiuntivi quando si guarda di nuovo. Il pubblico alle prime armi e quello che ritorna stanno vivendo esperienze diverse ed entrambe le esperienze sono forti. Chris Sanders ha incorporato questa profondità nel film lavorando su più livelli contemporaneamente: la storia superficiale funziona e sotto c'è uno strato di decisioni artigianali che diventano pienamente visibili solo quando sai dove stanno andando le cose. Questa struttura a due livelli è ciò che colloca Il robot selvaggio nella top ten anziché nel livello successivo.
Perfect Blue
Di fronte allo scarso successo commerciale, la cantante Mima che deve abbandonare il microcosmo rosa confetto delle idol per essere "rilanciata" come attrice, in un mondo dove invece diventerà solo carne da macello. Ottiene la parte di una ragazza psicologicamente instabile nel serial Tv "Doppio Legame", ma inizia a ricevere messaggi di minaccia anonimi da parte di un fan otaku che non ha tollerato il cambiamento d'immagine della "sua" Mima. Di lì a poco, una serie di incidenti colpisce il set di lavorazione. La stessa Mima, abituata a essere un mero simulacro, inizia a perdere contatto con la propria identità. Ma allora: chi è la vera Mima? Quella che veste gli ingenui costumi della idol? Quella che compare sorridente su Internet? Quella che fa la spesa al supermercato? La ragazza schizofrenica di "Doppio Legame"? L'illusione di se stessa? Oppure solo l'illusione di tutti?
Perché guardare: Perfect Blue si trova all'estremità eccezionale di questo elenco. Una valutazione così alta, costruita sulla base di un’ampia base elettorale, riflette un consenso genuino piuttosto che una campagna pubblicitaria.
Pubblicato nel 1998, Perfect Blue è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Satoshi Kon ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 8.3 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 8.3 di Perfect Blue lo colloca tra i film che mantengono le premesse senza debolezze significative. Satoshi Kon ha realizzato qualcosa che funziona come previsto, il che è meno comune di quanto sembri. Ciò che fa sì che il film funzioni come un thriller è la consapevolezza che la posta in gioco richiede investimenti. Il primo atto costruisce il carattere prima che arrivi la pressione. Quando la tensione aumenta, hai motivo di preoccuparti del risultato. Il genere animazione ha prodotto centinaia di film. Quelli che si classificano a 8.3 e oltre sono quelli in cui il regista ha capito che il genere è un contratto con il pubblico, non un vincolo su ciò che può essere espresso.
L'ambiente sonoro di Perfect Blue è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Satoshi Kon comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Perfect Blue utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Junko Iwao lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Gli spettatori che guardano Perfect Blue per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Satoshi Kon gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Perfect Blue non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Junko Iwao lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 1998 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Satoshi Kon.
Una posizione tra le prime dieci in una classifica costruita in base alle valutazioni del database dei film rappresenta un autentico consenso critico. Non è un concorso di popolarità: la soglia degli elettori filtra per i film che sono stati visti e valutati da un numero sufficiente di persone da mediare le opinioni individuali anomale. Perfect Blue in questa posizione significa che spettatori diversi, in paesi diversi e con abitudini di visione diverse, hanno concluso in modo indipendente che questo film era eccellente. Satoshi Kon ha ottenuto qualcosa con Perfect Blue resistente alle variazioni culturali. Lo specifico approccio narrativo utilizzato qui si traduce in contesti diversi.
Il cinema riguarda le storie che contano. I film in questa sezione dimostrano questo principio.
Il re leone
Convinto di essere responsabile della morte del padre re Mufasa, il piccolo leoncino Simba si allontana dalla sua terra. Accolto e allevato dal suricato Timon e dal facocero Pumbaa, Simba cresce cercando di dimenticare il passato. È ritrovato da Nala, sua vecchia compagna di giochi, e Rafiki, babbuino sciamano, che lo convincono a tornare per scacciare l'usurpatore Scar.
Perché guardare: I numeri dietro Il re leone sono difficili da raggiungere: migliaia di spettatori indipendenti, lo valutano molto bene senza coordinamento. Questo consenso è il segnale di qualità più affidabile disponibile.
Il re leone risale a 1994, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che Il re leone si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Con 8.3, Il re leone si colloca in un intervallo in cui la qualità è costante ma il film non ha ottenuto l'ampio consenso dei titoli con rating più elevato. Questo consenso più ristretto spesso riflette un fascino specifico: Il re leone non è per tutti, ma per lo spettatore giusto è eccellente. Il film dimostra cosa può fare il dramma che altri generi non possono fare: mettere sotto pressione il comportamento umano ordinario e rivelare il carattere attraverso la risposta. Il regista crea queste condizioni e il cast le vive con genuina convinzione. Il re leone mostra perché il cinema animazione è importante: fa cose che nessun altro genere può fare con la stessa efficacia. Roger Allers comprende i meccanismi specifici di animazione e li utilizza per creare effetti impossibili in altre modalità di narrazione.
La cinematografia di Il re leone riflette un periodo di transizione nella tecnologia cinematografica, quando gli strumenti digitali erano disponibili ma i registi stavano ancora discutendo se utilizzarli. Roger Allers ha fatto delle scelte sullo stile visivo intenzionali piuttosto che predefinite. Il modo in cui Il re leone è illuminato, inquadrato e tagliato riflette un'intelligenza visiva specifica piuttosto che una convenzione del settore. Matthew Broderick funziona all'interno di quella struttura visiva in modi che sono più visibili quando si guarda il film prestando attenzione a come sono posizionati nell'inquadratura piuttosto che semplicemente a quello che stanno facendo.
Gli spettatori che hanno visto i film influenzati da Il re leone troveranno l'originale un'esperienza diversa rispetto a un film contemporaneo. Le tecniche che sembrano familiari perché sono state ampiamente copiate sono visibili qui nella loro forma originale, il che spesso rivela che le copie comprendevano la superficie di ciò che Roger Allers faceva senza capirne il ragionamento dietro. Il re leone utilizza le sue scelte stilistiche al servizio di obiettivi narrativi specifici. I film successivi che presero in prestito quelle scelte spesso le usarono come stile senza la funzione. Guardare l'originale chiarisce cosa si stava effettivamente realizzando. Il lavoro di Matthew Broderick qui ha anche una specificità che manca a molte performance ad esso ispirate: le imitazioni catturano la maniera senza l'interiorità che fa sì che la maniera significhi qualcosa.
Il re leone in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di Matthew Broderick e l'imbarcazione di Roger Allers possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
Klaus - I segreti del Natale
Jesper, il peggior studente dell'Accademia delle Poste, viene spedito su un'isola ghiacciata, oltre il Circolo Polare Artico, dove la gente del posto fatica a scambiare qualche parola e tanto meno lettere. Jesper sta per arrendersi quando trova un'alleata in Alva, un'insegnante del posto, e incontra Klaus, un misterioso falegname che vive da solo in una baita piena di giocattoli realizzati a mano.
Perché guardare: Klaus - I segreti del Natale ha mantenuto la sua valutazione abbastanza a lungo da rendere il punteggio stabile. I film così apprezzati da un pubblico diversificato sono eccezionali piuttosto che semplicemente buoni.
In 2019, quando Sergio Pablos ha realizzato Klaus - I segreti del Natale, la qualità media della produzione dei film non era mai stata così alta. Ciò che distingue Klaus - I segreti del Natale non è la raffinatezza tecnica ma l'intenzionalità: ogni scena fa qualcosa di specifico. Klaus - I segreti del Natale a 8.2 rappresenta il livello affidabile di questo elenco. Questi sono i film che non deludono. Sergio Pablos ha capito cosa doveva essere il film e lo ha realizzato senza compromessi. La coerenza del film come commedia deriva dalla coerenza. Il regista stabilisce le regole del mondo e il comportamento dei personaggi al suo interno, e l'umorismo emerge dal modo in cui questi personaggi affrontano una situazione. Le classifiche di genere come questa sono utili in parte perché rendono esplicito il canone animazione. Klaus - I segreti del Natale at 8.2 rientra in qualsiasi discussione seria su ciò che il cinema animazione ha raggiunto. Guardarlo insieme ad altri film animazione di prim'ordine rivela la gamma di ciò che contiene il genere.
La sceneggiatura di Klaus - I segreti del Natale dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Sergio Pablos ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Jason Schwartzman fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Klaus - I segreti del Natale quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Klaus - I segreti del Natale funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.2 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Klaus - I segreti del Natale come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Sergio Pablos e Jason Schwartzman fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 8.2 che colloca Klaus - I segreti del Natale in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a Klaus - I segreti del Natale riflette un genuino apprezzamento per ciò che Sergio Pablos ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. Klaus - I segreti del Natale è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
Wolf Children - Ame e Yuki i bambini lupo
I protagonisti, Ame e Yuki, sono due bambini apparentemente normali, che conducono una vita semplice con la madre Hana. Ma in realtà celano un segreto cruciale: il loro papà è un licantropo sparito misteriosamente e i bambini condividono la sua terribile eredità metamorfica… Come educarli?
Perché guardare: Uno dei film con il punteggio più alto in questa selezione. Wolf Children - Ame e Yuki i bambini lupo si è guadagnato la sua reputazione grazie al continuo apprezzamento della critica da parte di più generazioni di spettatori.
Wolf Children - Ame e Yuki i bambini lupo è un lavoro contemporaneo che ha già dimostrato la sua capacità di resistere in un mercato inondato di contenuti. Mamoru Hosoda ha realizzato qualcosa che ha fatto breccia nel rumore perché era veramente migliore delle alternative. Una valutazione 8.2 da parte di un ampio pool di elettori significa che il film ha punti di forza autentici che superano qualsiasi debolezza riscontrata dagli spettatori. Wolf Children - Ame e Yuki i bambini lupo mantiene la sua promessa principale, ovvero lo standard minimo che ogni film dovrebbe soddisfare e meno di quanto suggerisce il numero di uscite. Il regista lavora con una pazienza che la maggior parte del dramma contemporaneo non può permettersi. Le scene possono andare oltre il loro ovvio punto finale, trovando la verità in ciò che fanno i personaggi dopo che hanno detto quello che erano venuti a dire. Il cast capisce questo ritmo. L'approccio di Mamoru Hosoda a animazione in Wolf Children - Ame e Yuki i bambini lupo è istruttivo: le convenzioni di genere vengono utilizzate consapevolmente piuttosto che automaticamente. Il risultato è un film che mantiene ciò che il genere promette, pur facendo qualcosa che la maggior parte dei film animazione non fa.
Le prestazioni in Wolf Children - Ame e Yuki i bambini lupo sono calibrate su un registro specifico che Mamoru Hosoda ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Aoi Miyazaki ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Wolf Children - Ame e Yuki i bambini lupo that land hardest are the ones where Aoi Miyazaki does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Coloro che guardano Wolf Children - Ame e Yuki i bambini lupo per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Wolf Children - Ame e Yuki i bambini lupo per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Wolf Children - Ame e Yuki i bambini lupo cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Mamoru Hosoda sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Aoi Miyazaki nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, Wolf Children - Ame e Yuki i bambini lupo occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: Wolf Children - Ame e Yuki i bambini lupo arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di Mamoru Hosoda qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano Wolf Children - Ame e Yuki i bambini lupo qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Demon Slayer - Il treno Mugen
Enmu, recentemente liberato dalle celle Muzan, si propone di attaccare un misterioso treno in movimento. Nel corso dell'attacco, il demone consuma molti passeggeri. Tanjiro Kamado viene in soccorso, ma questo treno in movimento trasporta più di un cattivo demone da combattere.
Perché guardare: Demon Slayer - Il treno Mugen si trova all'estremità eccezionale di questo elenco. Una valutazione così alta, costruita sulla base di un’ampia base elettorale, riflette un consenso genuino piuttosto che una campagna pubblicitaria.
Made in 2020, Demon Slayer - Il treno Mugen esiste nell'era dello streaming in cui tutto compete con tutto. La valutazione 8.2 che detiene riflette un pubblico che aveva infinite alternative e ha scelto di dare un punteggio elevato a questa. Il punteggio 8.2 per Demon Slayer - Il treno Mugen è calcolato in base agli spettatori che avevano alternative e hanno scelto di dargli un punteggio elevato. Questa scelta riflette un film che ha espresso chiaramente le sue ragioni, che è esattamente ciò che fa Demon Slayer - Il treno Mugen. Haruo Sotozaki ha presentato la sua argomentazione e il pubblico l'ha accettata. Il cinema d’azione fallisce quando la logica spaziale crolla e le sequenze diventano uno spettacolo astratto. Questo film evita questo fallimento. Il regista realizza storyboard per la comprensione, non solo per l'impatto. Il pubblico capisce sempre la posta in gioco di ogni momento. I migliori film animazione utilizzano i meccanismi del loro genere per accedere a qualcosa di reale. Demon Slayer - Il treno Mugen è uno di quei film. Haruo Sotozaki ha compreso il genere abbastanza profondamente da sapere quali convenzioni servono al materiale e quali mettere da parte.
La struttura di Demon Slayer - Il treno Mugen è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Haruo Sotozaki effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Demon Slayer - Il treno Mugen taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Demon Slayer - Il treno Mugen disorientante in modo produttivo.
Demon Slayer - Il treno Mugen funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.2 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Demon Slayer - Il treno Mugen come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Haruo Sotozaki e Natsuki Hanae fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
Demon Slayer - Il treno Mugen si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. Haruo Sotozaki ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 8.2 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di Haruo Sotozaki a questo materiale in genere trovano Demon Slayer - Il treno Mugen tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
Il gatto con gli stivali 2 - L'ultimo desiderio
Il Gatto con gli Stivali scopre che la sua passione per l'avventura è stata pagata a caro prezzo: ben otto delle sue nove vite sono andate bruciate. Dovrà così intraprendere una nuova epica avventura alla ricerca del mitico Ultimo Desiderio, che gli permetterà di recuperare le sue nove vite.
Perché guardare: I numeri dietro Il gatto con gli stivali 2 - L'ultimo desiderio sono difficili da raggiungere: migliaia di spettatori indipendenti, lo valutano molto bene senza coordinamento. Questo consenso è il segnale di qualità più affidabile disponibile.
Il gatto con gli stivali 2 - L'ultimo desiderio (2022) è stato realizzato in un periodo in cui il pubblico è diventato più sofisticato riguardo alla qualità della produzione. Joel Crawford ha prodotto qualcosa che soddisfa le aspettative aumentate. Il gatto con gli stivali 2 - L'ultimo desiderio at 8.2 è un film in cui l'imbarcazione è costantemente al di sopra della media in più dimensioni. Nessun singolo elemento trasporta gli altri. La regia, la scrittura e la performance vanno tutte nella stessa direzione. Il regista investe il film con il tipo di abilità deliberata che l'animazione richiede. Ogni fotogramma riflette l'intenzione su come la storia dovrebbe essere vissuta, il che significa che il film funziona a livello di singoli momenti piuttosto che solo a livello narrativo. Il gatto con gli stivali 2 - L'ultimo desiderio si trova in cima alla classifica animazione perché dimostra ciò che il genere raggiunge quando un regista lo prende sul serio come quadro artistico piuttosto che come categoria commerciale. La differenza è visibile in ogni scena di Il gatto con gli stivali 2 - L'ultimo desiderio.
L'ambiente sonoro di Il gatto con gli stivali 2 - L'ultimo desiderio è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Joel Crawford comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Il gatto con gli stivali 2 - L'ultimo desiderio utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Antonio Banderas lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Il gatto con gli stivali 2 - L'ultimo desiderio funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.2 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Il gatto con gli stivali 2 - L'ultimo desiderio come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Joel Crawford e Antonio Banderas fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La posizione di Il gatto con gli stivali 2 - L'ultimo desiderio in questa sezione della lista riflette un film che offre in modo affidabile le sue qualità specifiche senza aspirare a essere tutto per tutti. Joel Crawford ha capito di cosa si trattava il film e lo ha realizzato ad alto livello artigianale. La valutazione 8.2 rappresenta gli spettatori che hanno apprezzato il film in questi termini e hanno ritenuto che valesse la pena valutarlo molto bene. Gli spettatori che hanno aspettative diverse a volte trovano il film meno soddisfacente di quanto suggerisca la valutazione, il che non è un punto debole del film ma delle aspettative. Il gatto con gli stivali 2 - L'ultimo desiderio è esattamente quello che è, realizzato con abilità, e gli elettori che lo hanno valutato hanno risposto così.
Coco
Nonostante il divieto di musica che dura da generazioni nella sua famiglia, Miguel sogna di diventare un musicista affermato come il suo idolo, Ernesto de la Cruz. Disperato di dimostrare il suo talento, Miguel si ritrova nella splendida e colorata Terra dei Morti, seguendo una misteriosa catena di eventi. Lungo il cammino incontra il fascinante imbroglione Hector e insieme partono per un viaggio straordinario per svelare la vera storia della famiglia di Miguel.
Perché guardare: Coco ha mantenuto la sua valutazione abbastanza a lungo da rendere il punteggio stabile. I film così apprezzati da un pubblico diversificato sono eccezionali piuttosto che semplicemente buoni.
In 2017, quando Lee Unkrich ha realizzato Coco, la qualità media della produzione dei film non era mai stata così alta. Ciò che distingue Coco non è la raffinatezza tecnica ma l'intenzionalità: ogni scena fa qualcosa di specifico. I film della gamma 8.2 sono spesso più interessanti di quanto suggerisca la loro posizione in un elenco. Non hanno raggiunto la saturazione culturale dei titoli con rating più alto, il che significa che Coco è più facile da avvicinare senza preconcetti. Coco ne trae vantaggio. L'animazione è al servizio della narrazione piuttosto che di una dimostrazione di capacità tecnica. Il regista utilizza la forma per ottenere effetti emotivi e narrativi che servono alla storia specifica raccontata. Guardare Coco insieme ad altre voci in questo elenco animazione rivela ciò che separa il lavoro migliore del genere dalla sua produzione media. Lee Unkrich ha fatto delle scelte che la maggior parte dei film di animazione evita perché tali scelte richiedono fiducia nel pubblico.
L'approccio visivo di Coco riflette la convinzione di Lee Unkrich secondo cui stile e sostanza sono la stessa cosa. Il posizionamento della telecamera, la gradazione del colore e il ritmo di montaggio di Coco non sono decisioni decorative. Sono discussioni su come la storia dovrebbe essere vissuta. Anthony Gonzalez è girato in modo da comunicare il carattere prima ancora che venga pronunciata una parola. Gli spettatori che guardano Coco una seconda volta con attenzione alla grammatica visiva troveranno uno strato di significato che opera indipendentemente dal dialogo e dalla trama.
Gli spettatori che guardano Coco per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Lee Unkrich gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Coco non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Anthony Gonzalez lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 2017 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Lee Unkrich.
I film posizionati tra gli undici e i venticinque in elenchi come questo sono spesso le scoperte più utili perché portano la qualità dei primi dieci senza il peso culturale. Coco è in questa posizione non perché sia significativamente peggiore delle voci precedenti, ma perché il suo fascino è più concentrato. Gli spettatori che si collegano a ciò che Lee Unkrich sta facendo in Coco lo valutano tanto quanto qualsiasi altro film in questo elenco. La media su una base elettorale più ampia lo colloca qui. Gli spettatori che hanno ragioni specifiche per pensare che questo film sia per loro - in base alla preferenza del genere, all'interesse del regista o all'epoca - dovrebbero dargli la priorità rispetto a diverse voci che si collocano al di sopra di esso.
WALL•E
Wall-e è l'ultimo robot rimasto sulla terra dopo che gli umani l'hanno abbandonata perchè invasa dai rifiuti. Si sono dimenticati di spegnerlo e lui da 700 anni continua a fare quello per cui è stato costruito: comprimere e ammassare rifiuti. Non parla ma si fa capire molto bene a gesti e attraverso una gamma di suoni espressivi come faceva R2-D2 di Guerre Stellari. È un robot animato come un animale antropomorfo, un piccolo Charlot: operaio alienato che sogna un domani migliore guardando il cielo stellato. E quando dal cielo questo domani migliore arriva sotto forma di un altro robot, Eve, più moderno e programmato per cercare vita sulla Terra, Wall-e lo insegue sull'astronave madre. Lì, sempre come il vagabondo di Chaplin, sarà un portatore sano e inconsapevole di caos e anarchia assieme agli altri "devianti" della società cioè i robot difettosi, l'equivalente di quella famiglia di freak che erano i pesci da acquario con cui aveva a che fare Nemo.
Perché guardare: Uno dei film con il punteggio più alto in questa selezione. WALL•E si è guadagnato la sua reputazione grazie al continuo apprezzamento della critica da parte di più generazioni di spettatori.
WALL•E è stato realizzato nel periodo 2008, quando il cinema era in competizione con Internet e i primi DVD per attirare l'attenzione. Andrew Stanton ha creato qualcosa che attirava l'attenzione allora e la tiene adesso. Una valutazione 8.1 riflette la regia, la scrittura e la performance che operano a livelli costanti simultaneamente. I film che ottengono punteggi in questo intervallo raramente falliscono in modo significativo in ogni singola dimensione e WALL•E non fa eccezione. Il regista usa la premessa della fantascienza per porre domande su cosa significhi essere umani. La tecnologia speculativa è una struttura per esplorare il carattere sotto una pressione straordinaria. All'interno del genere animazione, WALL•E occupa una posizione specifica: dimostra cosa è possibile quando un regista utilizza le convenzioni di genere come punto di partenza piuttosto che come progetto. I migliori film animazione ampliano ciò che il genere può fare.
La sceneggiatura di WALL•E dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Andrew Stanton ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Ben Burtt fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in WALL•E quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
WALL•E occupa una posizione specifica nella storia del suo genere: è stato realizzato quando le convenzioni con cui funziona erano ancora in fase di sviluppo piuttosto che consolidate. Andrew Stanton non stava applicando una formula collaudata ma costruendo qualcosa la cui efficacia non era garantita. La valutazione 8.1 riflette un pubblico che ha risposto al lavoro realizzato in condizioni di autentico rischio creativo. I film contemporanei nello stesso spazio hanno il vantaggio di sapere cosa funziona perché WALL•E e film simili lo hanno dimostrato. Guardare WALL•E in quel contesto – come lavoro creativo realizzato senza la rete di sicurezza di convenzioni comprovate – aggiunge una dimensione all'esperienza visiva che non è disponibile guardando film realizzati dopo che le convenzioni sono state stabilite.
WALL•E in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di Ben Burtt e l'imbarcazione di Andrew Stanton possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
Soul
Joe Gardner, direttore di una banda musicale delle scuole medie e appassionato di jazz, sogna da sempre di suonare all’Half Note, un prestigioso locale di New York. Dopo 20 anni di tentativi, finalmente riesce a ottenere una serata. Tuttavia, a seguito di un incidente, la sua anima finisce nell’aldilà, dove fa amicizia con 22, un'anima convinta terrorizzata dalla Terra, sulla quale non vuole andare. Insieme, scopriranno il significato dell'avere un’anima.
Perché guardare: Soul si trova all'estremità eccezionale di questo elenco. Una valutazione così alta, costruita sulla base di un’ampia base elettorale, riflette un consenso genuino piuttosto che una campagna pubblicitaria.
Made in 2020, Soul esiste nell'era dello streaming in cui tutto compete con tutto. La valutazione 8.1 che detiene riflette un pubblico che aveva infinite alternative e ha scelto di dare un punteggio elevato a questa. Il punteggio 8.1 di Soul lo colloca tra i film che mantengono le premesse senza debolezze significative. Pete Docter ha realizzato qualcosa che funziona come previsto, il che è meno comune di quanto sembri. Il dramma deriva dalla specificità piuttosto che dall’universalità. Il regista fa delle scelte che si applicano proprio a questi personaggi in questa situazione, che paradossalmente crea qualcosa di più universale di quanto farebbero i battiti emotivi generici. Il genere animazione ha prodotto centinaia di film. Quelli che si classificano a 8.1 e oltre sono quelli in cui il regista ha capito che il genere è un contratto con il pubblico, non un vincolo su ciò che può essere espresso.
Le prestazioni in Soul sono calibrate su un registro specifico che Pete Docter ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Jamie Foxx ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Soul that land hardest are the ones where Jamie Foxx does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Soul funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.1 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Soul come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Pete Docter e Jamie Foxx fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 8.1 che colloca Soul in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a Soul riflette un genuino apprezzamento per ciò che Pete Docter ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. Soul è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
Flow - Un mondo da salvare
In un mondo in cui gli esseri umani sembrano essere scomparsi, l’arrivo di un’inondazione costringe un gatto a mettersi in salvo su una barca, insieme a un variopinto gruppo di animali. Tra paesaggi di abbagliante bellezza e pericoli imprevisti, il viaggio farà capire a tutti che l’unione è la loro vera forza.
Perché guardare: I numeri dietro Flow - Un mondo da salvare sono difficili da raggiungere: migliaia di spettatori indipendenti, lo valutano molto bene senza coordinamento. Questo consenso è il segnale di qualità più affidabile disponibile.
Flow - Un mondo da salvare (2024) è stato realizzato in un periodo in cui il pubblico è diventato più sofisticato riguardo alla qualità della produzione. Gints Zilbalodis ha prodotto qualcosa che soddisfa le aspettative aumentate. Con 8.1, Flow - Un mondo da salvare si colloca in un intervallo in cui la qualità è costante ma il film non ha ottenuto l'ampio consenso dei titoli con rating più elevato. Questo consenso più ristretto spesso riflette un fascino specifico: Flow - Un mondo da salvare non è per tutti, ma per lo spettatore giusto è eccellente. Il regista investe il film con il tipo di abilità deliberata che l'animazione richiede. Ogni fotogramma riflette l'intenzione su come la storia dovrebbe essere vissuta, il che significa che il film funziona a livello di singoli momenti piuttosto che solo a livello narrativo. Flow - Un mondo da salvare mostra perché il cinema animazione è importante: fa cose che nessun altro genere può fare con la stessa efficacia. Gints Zilbalodis comprende i meccanismi specifici di animazione e li utilizza per creare effetti impossibili in altre modalità di narrazione.
La struttura di Flow - Un mondo da salvare è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Gints Zilbalodis effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Flow - Un mondo da salvare taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Flow - Un mondo da salvare disorientante in modo produttivo.
Coloro che guardano Flow - Un mondo da salvare per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Flow - Un mondo da salvare per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Flow - Un mondo da salvare cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Gints Zilbalodis sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di the lead performance nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, Flow - Un mondo da salvare occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: Flow - Un mondo da salvare arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di Gints Zilbalodis qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano Flow - Un mondo da salvare qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Il mio vicino Totoro
Le sorelline Satsuki e Mei si trasferiscono insieme al padre in una nuova casa in campagna. Per le due bambine inizia un viaggio alla scoperta di un nuovo mondo, abitato da creature fantastiche: dai nerini del buio, spiritelli della fuliggine, a buffi esseri di pelo di varie dimensioni, tra cui Totoro, lo spirito buono della foresta! Insieme a lui, Satsuki e la piccola Mei vivranno una magica e straordinaria avventura all’insegna dell’amicizia!
Perché guardare: Il mio vicino Totoro ha mantenuto la sua valutazione abbastanza a lungo da rendere il punteggio stabile. I film così apprezzati da un pubblico diversificato sono eccezionali piuttosto che semplicemente buoni.
La versione 1988 di Il mio vicino Totoro è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Il mio vicino Totoro l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Il mio vicino Totoro si autoseleziona per il coinvolgimento. Il mio vicino Totoro a 8.1 rappresenta il livello affidabile di questo elenco. Questi sono i film che non deludono. Hayao Miyazaki ha capito cosa doveva essere il film e lo ha realizzato senza compromessi. L'animazione è al servizio della narrazione piuttosto che di una dimostrazione di capacità tecnica. Il regista utilizza la forma per ottenere effetti emotivi e narrativi che servono alla storia specifica raccontata. Le classifiche di genere come questa sono utili in parte perché rendono esplicito il canone animazione. Il mio vicino Totoro at 8.1 rientra in qualsiasi discussione seria su ciò che il cinema animazione ha raggiunto. Guardarlo insieme ad altri film animazione di prim'ordine rivela la gamma di ciò che contiene il genere.
L'ambiente sonoro di Il mio vicino Totoro è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Hayao Miyazaki comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Il mio vicino Totoro utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Noriko Hidaka lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Il mio vicino Totoro funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.1 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Il mio vicino Totoro come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Hayao Miyazaki e Noriko Hidaka fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
Il mio vicino Totoro si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. Hayao Miyazaki ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 8.1 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di Hayao Miyazaki a questo materiale in genere trovano Il mio vicino Totoro tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
I grandi film trascendono la loro categoria. Funzionano perché il mestiere è eccezionale.
KPop Demon Hunters
Quando non fanno il tutto esaurito negli stadi, le superstar del K-pop Rumi, Mira e Zoey usano i loro poteri segreti per proteggere i fan da minacce soprannaturali.
Perché guardare: Uno dei film con il punteggio più alto in questa selezione. KPop Demon Hunters si è guadagnato la sua reputazione grazie al continuo apprezzamento della critica da parte di più generazioni di spettatori.
KPop Demon Hunters è un lavoro contemporaneo che ha già dimostrato la sua capacità di resistere in un mercato inondato di contenuti. Chris Appelhans ha realizzato qualcosa che ha fatto breccia nel rumore perché era veramente migliore delle alternative. Una valutazione 8.0 da parte di un ampio pool di elettori significa che il film ha punti di forza autentici che superano qualsiasi debolezza riscontrata dagli spettatori. KPop Demon Hunters mantiene la sua promessa principale, ovvero lo standard minimo che ogni film dovrebbe soddisfare e meno di quanto suggerisce il numero di uscite. Ciò che fa sì che il film funzioni come una commedia è il rifiuto del regista di segnalare dove sia l'umorismo. Le battute provengono dal personaggio e dalla situazione, il che significa che gli spettatori che prestano attenzione trovano di più degli spettatori che aspettano che gli venga detto che dovrebbero ridere. L'approccio di Chris Appelhans a animazione in KPop Demon Hunters è istruttivo: le convenzioni di genere vengono utilizzate consapevolmente piuttosto che automaticamente. Il risultato è un film che mantiene ciò che il genere promette, pur facendo qualcosa che la maggior parte dei film animazione non fa.
L'approccio visivo di KPop Demon Hunters riflette la convinzione di Chris Appelhans secondo cui stile e sostanza sono la stessa cosa. Il posizionamento della telecamera, la gradazione del colore e il ritmo di montaggio di KPop Demon Hunters non sono decisioni decorative. Sono discussioni su come la storia dovrebbe essere vissuta. Arden Cho è girato in modo da comunicare il carattere prima ancora che venga pronunciata una parola. Gli spettatori che guardano KPop Demon Hunters una seconda volta con attenzione alla grammatica visiva troveranno uno strato di significato che opera indipendentemente dal dialogo e dalla trama.
KPop Demon Hunters è una raccomandazione affidabile per gli spettatori che sono disposti ad affrontare un film alle sue condizioni piuttosto che pretendere che si conformi alle aspettative portate da altrove. Non ha l'onnipresenza culturale dei titoli più quotati in questa categoria, il che significa che arriva senza il peso della visione obbligatoria. Il pubblico che scopre KPop Demon Hunters senza che gli sia stato detto che deve vederlo spesso risponde in modo più deciso rispetto a chi lo affronta come un obbligo. Chris Appelhans ha realizzato qualcosa con un fascino specifico: non cercare di essere tutto per tutti. Gli spettatori che si connettono con KPop Demon Hunters tendono a trovarlo notevolmente migliore di quanto suggerito dalla valutazione 8.0, motivo per cui mantiene quella valutazione nonostante la visibilità di marketing limitata.
La posizione di KPop Demon Hunters in questa sezione della lista riflette un film che offre in modo affidabile le sue qualità specifiche senza aspirare a essere tutto per tutti. Chris Appelhans ha capito di cosa si trattava il film e lo ha realizzato ad alto livello artigianale. La valutazione 8.0 rappresenta gli spettatori che hanno apprezzato il film in questi termini e hanno ritenuto che valesse la pena valutarlo molto bene. Gli spettatori che hanno aspettative diverse a volte trovano il film meno soddisfacente di quanto suggerisca la valutazione, il che non è un punto debole del film ma delle aspettative. KPop Demon Hunters è esattamente quello che è, realizzato con abilità, e gli elettori che lo hanno valutato hanno risposto così.
Pinocchio di Guillermo del Toro
Geppetto, un vedovo falegname che vive nella grigia Italia fascista, costruisce una marionetta in onore del figlio perduto: Pinocchio. Pinocchio prende vita e, per rendere il padre fiero di lui, intraprende un viaggio in compagnia di Sebastian, il grillo che viveva nel tronco da cui è stato ricavato.
Perché guardare: Pinocchio di Guillermo del Toro si trova all'estremità eccezionale di questo elenco. Una valutazione così alta, costruita sulla base di un’ampia base elettorale, riflette un consenso genuino piuttosto che una campagna pubblicitaria.
Made in 2022, Pinocchio di Guillermo del Toro esiste nell'era dello streaming in cui tutto compete con tutto. La valutazione 8.0 che detiene riflette un pubblico che aveva infinite alternative e ha scelto di dare un punteggio elevato a questa. Il punteggio 8.0 per Pinocchio di Guillermo del Toro è calcolato in base agli spettatori che avevano alternative e hanno scelto di dargli un punteggio elevato. Questa scelta riflette un film che ha espresso chiaramente le sue ragioni, che è esattamente ciò che fa Pinocchio di Guillermo del Toro. Mark Gustafson ha presentato la sua argomentazione e il pubblico l'ha accettata. Ciò che distingue il film come animazione è la comprensione da parte del regista che la forma può trasmettere l'interiorità attraverso il design. Il movimento, il colore e la composizione comunicano ciò che prova il personaggio prima o al posto del dialogo. I migliori film animazione utilizzano i meccanismi del loro genere per accedere a qualcosa di reale. Pinocchio di Guillermo del Toro è uno di quei film. Mark Gustafson ha compreso il genere abbastanza profondamente da sapere quali convenzioni servono al materiale e quali mettere da parte.
La sceneggiatura di Pinocchio di Guillermo del Toro dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Mark Gustafson ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Ewan McGregor fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Pinocchio di Guillermo del Toro quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Gli spettatori che guardano Pinocchio di Guillermo del Toro per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Mark Gustafson gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Pinocchio di Guillermo del Toro non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Ewan McGregor lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 2022 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Mark Gustafson.
I film posizionati tra gli undici e i venticinque in elenchi come questo sono spesso le scoperte più utili perché portano la qualità dei primi dieci senza il peso culturale. Pinocchio di Guillermo del Toro è in questa posizione non perché sia significativamente peggiore delle voci precedenti, ma perché il suo fascino è più concentrato. Gli spettatori che si collegano a ciò che Mark Gustafson sta facendo in Pinocchio di Guillermo del Toro lo valutano tanto quanto qualsiasi altro film in questo elenco. La media su una base elettorale più ampia lo colloca qui. Gli spettatori che hanno ragioni specifiche per pensare che questo film sia per loro - in base alla preferenza del genere, all'interesse del regista o all'epoca - dovrebbero dargli la priorità rispetto a diverse voci che si collocano al di sopra di esso.
Loving Vincent
La vita e la controversa morte di Vincent Van Gogh vengono raccontate a partire dai suoi dipinti e dai personaggi che li popolano. Attraverso le parole delle persone più vicine a Vincent, alle sue oltre 800 lettere e alle ricostruzioni drammatiche degli eventi che hanno portato alla tragica scomparsa di Van Gogh, 120 dei suoi dipinti prendono vita diventando testimoni dell'epoca in cui il genio è vissuto.
Perché guardare: I numeri dietro Loving Vincent sono difficili da raggiungere: migliaia di spettatori indipendenti, lo valutano molto bene senza coordinamento. Questo consenso è il segnale di qualità più affidabile disponibile.
Loving Vincent (2017) è stato realizzato in un periodo in cui il pubblico è diventato più sofisticato riguardo alla qualità della produzione. Hugh Welchman ha prodotto qualcosa che soddisfa le aspettative aumentate. Loving Vincent at 8.0 è un film in cui l'imbarcazione è costantemente al di sopra della media in più dimensioni. Nessun singolo elemento trasporta gli altri. La regia, la scrittura e la performance vanno tutte nella stessa direzione. Il film dimostra cosa può fare il dramma che altri generi non possono fare: mettere sotto pressione il comportamento umano ordinario e rivelare il carattere attraverso la risposta. Il regista crea queste condizioni e il cast le vive con genuina convinzione. Loving Vincent si trova in cima alla classifica animazione perché dimostra ciò che il genere raggiunge quando un regista lo prende sul serio come quadro artistico piuttosto che come categoria commerciale. La differenza è visibile in ogni scena di Loving Vincent.
Le prestazioni in Loving Vincent sono calibrate su un registro specifico che Hugh Welchman ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Douglas Booth ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Loving Vincent that land hardest are the ones where Douglas Booth does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Loving Vincent occupa una posizione specifica nella storia del suo genere: è stato realizzato quando le convenzioni con cui funziona erano ancora in fase di sviluppo piuttosto che consolidate. Hugh Welchman non stava applicando una formula collaudata ma costruendo qualcosa la cui efficacia non era garantita. La valutazione 8.0 riflette un pubblico che ha risposto al lavoro realizzato in condizioni di autentico rischio creativo. I film contemporanei nello stesso spazio hanno il vantaggio di sapere cosa funziona perché Loving Vincent e film simili lo hanno dimostrato. Guardare Loving Vincent in quel contesto – come lavoro creativo realizzato senza la rete di sicurezza di convenzioni comprovate – aggiunge una dimensione all'esperienza visiva che non è disponibile guardando film realizzati dopo che le convenzioni sono state stabilite.
Loving Vincent in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di Douglas Booth e l'imbarcazione di Hugh Welchman possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
Weathering with You - La ragazza del tempo
Hodaka è uno studente delle superiori che decide di scappare di casa e da una remota isola si trasferisce a Tokyo. In città inizialmente fa fatica a mantenersi perché non è in grado di lavorare legalmente a causa del suo status di minorenne in fuga, ma finalmente trova un lavoro come scrittore per una piccola rivista sull'occulto. Dopo aver iniziato il suo lavoro, il tempo diventa sempre più piovoso giorno dopo giorno. In un angolo della città affollata e frenetica, Hodaka incontra una ragazza di nome Hina. Costretti dalle circostanze, Hina e il fratello minore vivono insieme, anche se accettano la situazione allegramente. Hina ha anche un potere: è in grado di fermare la pioggia e schiarire il cielo.
Perché guardare: Weathering with You - La ragazza del tempo ha mantenuto la sua valutazione abbastanza a lungo da rendere il punteggio stabile. I film così apprezzati da un pubblico diversificato sono eccezionali piuttosto che semplicemente buoni.
In 2019, quando Makoto Shinkai ha realizzato Weathering with You - La ragazza del tempo, la qualità media della produzione dei film non era mai stata così alta. Ciò che distingue Weathering with You - La ragazza del tempo non è la raffinatezza tecnica ma l'intenzionalità: ogni scena fa qualcosa di specifico. I film della gamma 8.0 sono spesso più interessanti di quanto suggerisca la loro posizione in un elenco. Non hanno raggiunto la saturazione culturale dei titoli con rating più alto, il che significa che Weathering with You - La ragazza del tempo è più facile da avvicinare senza preconcetti. Weathering with You - La ragazza del tempo ne trae vantaggio. Ciò che lo distingue come dramma è il rifiuto del regista di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il film crea situazioni con un peso emotivo e quindi confida che gli spettatori portino da soli quel peso. Le performance forniscono il registro emotivo senza eccessivi segnali. Guardare Weathering with You - La ragazza del tempo insieme ad altre voci in questo elenco animazione rivela ciò che separa il lavoro migliore del genere dalla sua produzione media. Makoto Shinkai ha fatto delle scelte che la maggior parte dei film di animazione evita perché tali scelte richiedono fiducia nel pubblico.
La struttura di Weathering with You - La ragazza del tempo è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Makoto Shinkai effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Weathering with You - La ragazza del tempo taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Weathering with You - La ragazza del tempo disorientante in modo produttivo.
Weathering with You - La ragazza del tempo funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.0 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Weathering with You - La ragazza del tempo come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Makoto Shinkai e Kotaro Daigo fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 8.0 che colloca Weathering with You - La ragazza del tempo in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a Weathering with You - La ragazza del tempo riflette un genuino apprezzamento per ciò che Makoto Shinkai ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. Weathering with You - La ragazza del tempo è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
Toy Story - Il mondo dei giocattoli
Guidati da Woody, i giocattoli di Andy vivono felici nella sua stanza fino al compleanno di Andy che porta Buzz Lightyear sulla scena. Temendo di perdere il suo posto nel cuore di Andy, Woody trama contro Buzz. Ma quando le circostanze separano Buzz e Woody dal loro proprietario, la coppia alla fine impara a mettere da parte le loro differenze.
Perché guardare: Uno dei film con il punteggio più alto in questa selezione. Toy Story - Il mondo dei giocattoli si è guadagnato la sua reputazione grazie al continuo apprezzamento della critica da parte di più generazioni di spettatori.
Toy Story - Il mondo dei giocattoli (1995) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Toy Story - Il mondo dei giocattoli ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 8.0 riflette la regia, la scrittura e la performance che operano a livelli costanti simultaneamente. I film che ottengono punteggi in questo intervallo raramente falliscono in modo significativo in ogni singola dimensione e Toy Story - Il mondo dei giocattoli non fa eccezione. Ciò che fa sì che il film funzioni come una commedia è il rifiuto del regista di segnalare dove sia l'umorismo. Le battute provengono dal personaggio e dalla situazione, il che significa che gli spettatori che prestano attenzione trovano di più degli spettatori che aspettano che gli venga detto che dovrebbero ridere. All'interno del genere animazione, Toy Story - Il mondo dei giocattoli occupa una posizione specifica: dimostra cosa è possibile quando un regista utilizza le convenzioni di genere come punto di partenza piuttosto che come progetto. I migliori film animazione ampliano ciò che il genere può fare.
L'ambiente sonoro di Toy Story - Il mondo dei giocattoli è costruito deliberatamente quanto quello visivo. John Lasseter comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Toy Story - Il mondo dei giocattoli utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Tom Hanks lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Coloro che guardano Toy Story - Il mondo dei giocattoli per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Toy Story - Il mondo dei giocattoli per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Toy Story - Il mondo dei giocattoli cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di John Lasseter sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Tom Hanks nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, Toy Story - Il mondo dei giocattoli occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: Toy Story - Il mondo dei giocattoli arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di John Lasseter qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano Toy Story - Il mondo dei giocattoli qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Il castello nel cielo
Per sfuggire ai pirati dell'aria la giovane Sheeta cade da un aereo, ma si salva levitando nell'aria e atterrando dolcemente tra le braccia di Pazu, un giovane minatore che decide di prendersi cura di lei. Mentre si susseguono i tentativi di catturare Sheeta e la misteriosa pietra che la ragazza porta al collo, cresce la consapevolezza che Sheeta nasconda dei segreti che vanno ben oltre quel che l'apparenza sembri indicare, legati a una misteriosa città nel cielo, Laputa, di cui si favoleggia l'esistenza.
Perché guardare: Il castello nel cielo si trova all'estremità eccezionale di questo elenco. Una valutazione così alta, costruita sulla base di un’ampia base elettorale, riflette un consenso genuino piuttosto che una campagna pubblicitaria.
Pubblicato nel 1986, Il castello nel cielo è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Hayao Miyazaki ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 8.0 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 8.0 di Il castello nel cielo lo colloca tra i film che mantengono le premesse senza debolezze significative. Hayao Miyazaki ha realizzato qualcosa che funziona come previsto, il che è meno comune di quanto sembri. Ciò che distingue il film come animazione è la comprensione da parte del regista che la forma può trasmettere l'interiorità attraverso il design. Il movimento, il colore e la composizione comunicano ciò che prova il personaggio prima o al posto del dialogo. Il genere animazione ha prodotto centinaia di film. Quelli che si classificano a 8.0 e oltre sono quelli in cui il regista ha capito che il genere è un contratto con il pubblico, non un vincolo su ciò che può essere espresso.
Il linguaggio visivo di Il castello nel cielo riflette il cinema di 1986 nella sua massima espressione. Hayao Miyazaki ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di Il castello nel cielo è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare Il castello nel cielo con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Il castello nel cielo funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.0 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Il castello nel cielo come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Hayao Miyazaki e Keiko Yokozawa fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
Il castello nel cielo si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. Hayao Miyazaki ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 8.0 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di Hayao Miyazaki a questo materiale in genere trovano Il castello nel cielo tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
Up
In una sala cinematografica si proietta un cinegiornale su un esploratore, Charles Muntz, che è tornato dall'America del Sud con lo scheletro di un uccello che la scienza ufficiale qualifica come falso. Muntz riparte per dimostrare la sua onestà. Un bambino occhialuto, Carl, è in sala. Muntz è il suo eroe. Incontrerà una bambina, Ellie, che ha la sua stessa passione. I due cresceranno insieme e si sposeranno. Un giorno però Carl si ritrova vedovo con la sua villetta circondata da un cantiere e con il sogno che i contrattempi della vita non hanno mai permesso a lui ed Ellie di realizzare: una casa in prossimità delle cascate citate da Muntz come luogo della sua scoperta. Un giorno un Giovane Esploratore bussa alla sua porta. Sarà con lui che Carl, senza volerlo, comincerà a realizzare il sogno.
Perché guardare: I numeri dietro Up sono difficili da raggiungere: migliaia di spettatori indipendenti, lo valutano molto bene senza coordinamento. Questo consenso è il segnale di qualità più affidabile disponibile.
Il cinema 2009 operava sotto pressioni diverse rispetto alle versioni contemporanee. Up è stato realizzato senza i circuiti di feedback algoritmici che caratterizzano le produzioni moderne. Ciò che Pete Docter ha creato qui deriva da convinzioni piuttosto che da dati. Con 8.0, Up si colloca in un intervallo in cui la qualità è costante ma il film non ha ottenuto l'ampio consenso dei titoli con rating più elevato. Questo consenso più ristretto spesso riflette un fascino specifico: Up non è per tutti, ma per lo spettatore giusto è eccellente. La commedia di carattere richiede che il regista e il cast comprendano che i momenti più divertenti nascono dalla verità piuttosto che dall'esagerazione. Il film funziona perché ciò che fanno i personaggi ha senso per quello che sono. Up mostra perché il cinema animazione è importante: fa cose che nessun altro genere può fare con la stessa efficacia. Pete Docter comprende i meccanismi specifici di animazione e li utilizza per creare effetti impossibili in altre modalità di narrazione.
La sceneggiatura di Up dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Pete Docter ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Ed Asner fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Up quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Up è una raccomandazione affidabile per gli spettatori che sono disposti ad affrontare un film alle sue condizioni piuttosto che pretendere che si conformi alle aspettative portate da altrove. Non ha l'onnipresenza culturale dei titoli più quotati in questa categoria, il che significa che arriva senza il peso della visione obbligatoria. Il pubblico che scopre Up senza che gli sia stato detto che deve vederlo spesso risponde in modo più deciso rispetto a chi lo affronta come un obbligo. Pete Docter ha realizzato qualcosa con un fascino specifico: non cercare di essere tutto per tutti. Gli spettatori che si connettono con Up tendono a trovarlo notevolmente migliore di quanto suggerito dalla valutazione 8.0, motivo per cui mantiene quella valutazione nonostante la visibilità di marketing limitata.
La posizione di Up in questa sezione della lista riflette un film che offre in modo affidabile le sue qualità specifiche senza aspirare a essere tutto per tutti. Pete Docter ha capito di cosa si trattava il film e lo ha realizzato ad alto livello artigianale. La valutazione 8.0 rappresenta gli spettatori che hanno apprezzato il film in questi termini e hanno ritenuto che valesse la pena valutarlo molto bene. Gli spettatori che hanno aspettative diverse a volte trovano il film meno soddisfacente di quanto suggerisca la valutazione, il che non è un punto debole del film ma delle aspettative. Up è esattamente quello che è, realizzato con abilità, e gli elettori che lo hanno valutato hanno risposto così.
Il gigante di ferro
Il piccolo Hogart è un ragazzino che abita nel Maine e che, un giorno fa la conoscenza di un gigante che arriva direttamente dallo spazio. Il bambino, dopo l'iniziale timore, diventa amico e maestro del gigante dagli strabilianti poteri. Hogart sa perfettamente che l'ottuso mondo che lo circonda non è pronto ad accogliere il suo strano amico, e perciò fa di tutto per tenerlo al sicuro da occhi indiscreti.
Perché guardare: Il gigante di ferro ha mantenuto la sua valutazione abbastanza a lungo da rendere il punteggio stabile. I film così apprezzati da un pubblico diversificato sono eccezionali piuttosto che semplicemente buoni.
La versione 1999 di Il gigante di ferro è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Il gigante di ferro l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Il gigante di ferro si autoseleziona per il coinvolgimento. Il gigante di ferro a 8.0 rappresenta il livello affidabile di questo elenco. Questi sono i film che non deludono. Brad Bird ha capito cosa doveva essere il film e lo ha realizzato senza compromessi. Ciò che lo distingue come dramma è il rifiuto del regista di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il film crea situazioni con un peso emotivo e quindi confida che gli spettatori portino da soli quel peso. Le performance forniscono il registro emotivo senza eccessivi segnali. Le classifiche di genere come questa sono utili in parte perché rendono esplicito il canone animazione. Il gigante di ferro at 8.0 rientra in qualsiasi discussione seria su ciò che il cinema animazione ha raggiunto. Guardarlo insieme ad altri film animazione di prim'ordine rivela la gamma di ciò che contiene il genere.
Le prestazioni in Il gigante di ferro sono calibrate su un registro specifico che Brad Bird ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Jennifer Aniston ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Il gigante di ferro that land hardest are the ones where Jennifer Aniston does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Gli spettatori che guardano Il gigante di ferro per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Brad Bird gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Il gigante di ferro non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Jennifer Aniston lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 1999 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Brad Bird.
I film posizionati tra gli undici e i venticinque in elenchi come questo sono spesso le scoperte più utili perché portano la qualità dei primi dieci senza il peso culturale. Il gigante di ferro è in questa posizione non perché sia significativamente peggiore delle voci precedenti, ma perché il suo fascino è più concentrato. Gli spettatori che si collegano a ciò che Brad Bird sta facendo in Il gigante di ferro lo valutano tanto quanto qualsiasi altro film in questo elenco. La media su una base elettorale più ampia lo colloca qui. Gli spettatori che hanno ragioni specifiche per pensare che questo film sia per loro - in base alla preferenza del genere, all'interesse del regista o all'epoca - dovrebbero dargli la priorità rispetto a diverse voci che si collocano al di sopra di esso.
Nausicaä della Valle del vento
È trascorso un millennio da quando una serie di guerre, culminata nelle esplosioni termonucleari dei Sette Giorni del Fuoco, ha alterato l'ecosistema mondiale. Il Mare della Rovina si è espanso drammaticamente, occupando i regni degli uomini e invadendo la Terra con i suoi insetti giganti e le sue spore velenose. Solo pochi territori sono rimasti indenni, ma i loro abitanti continuano incessantemente a combattere tra loro. In un regno neutrale e pacifico, la Valle del Vento, vive la principessa Nausicaa, dotata di un potere extrasensoriale che le permette di comunicare con gli animali e con i temibili insetti Ohm. Nausicaa è convinta che la soluzione non sia attaccare gli insetti, bensì comprendere il segreto alla base del Mare della Rovina.
Perché guardare: Uno dei film con il punteggio più alto in questa selezione. Nausicaä della Valle del vento si è guadagnato la sua reputazione grazie al continuo apprezzamento della critica da parte di più generazioni di spettatori.
Nausicaä della Valle del vento (1984) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Nausicaä della Valle del vento ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 8.0 da parte di un ampio pool di elettori significa che il film ha punti di forza autentici che superano qualsiasi debolezza riscontrata dagli spettatori. Nausicaä della Valle del vento mantiene la sua promessa principale, ovvero lo standard minimo che ogni film dovrebbe soddisfare e meno di quanto suggerisce il numero di uscite. Il film dimostra che l'animazione è uno strumento per raggiungere registri emotivi che l'azione dal vivo non può raggiungere. Il regista utilizza le possibilità formali del mezzo per creare momenti specifici della forma animata. L'approccio di Hayao Miyazaki a animazione in Nausicaä della Valle del vento è istruttivo: le convenzioni di genere vengono utilizzate consapevolmente piuttosto che automaticamente. Il risultato è un film che mantiene ciò che il genere promette, pur facendo qualcosa che la maggior parte dei film animazione non fa.
La struttura di Nausicaä della Valle del vento è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Hayao Miyazaki effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Nausicaä della Valle del vento taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Nausicaä della Valle del vento disorientante in modo produttivo.
Gli spettatori che hanno visto i film influenzati da Nausicaä della Valle del vento troveranno l'originale un'esperienza diversa rispetto a un film contemporaneo. Le tecniche che sembrano familiari perché sono state ampiamente copiate sono visibili qui nella loro forma originale, il che spesso rivela che le copie comprendevano la superficie di ciò che Hayao Miyazaki faceva senza capirne il ragionamento dietro. Nausicaä della Valle del vento utilizza le sue scelte stilistiche al servizio di obiettivi narrativi specifici. I film successivi che presero in prestito quelle scelte spesso le usarono come stile senza la funzione. Guardare l'originale chiarisce cosa si stava effettivamente realizzando. Il lavoro di Sumi Shimamoto qui ha anche una specificità che manca a molte performance ad esso ispirate: le imitazioni catturano la maniera senza l'interiorità che fa sì che la maniera significhi qualcosa.
Nausicaä della Valle del vento in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di Sumi Shimamoto e l'imbarcazione di Hayao Miyazaki possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
I sospiri del mio cuore
La storia inizia durante le vacanze estive del 1994 a Tokyo e narra di Shizuku, comune studentessa delle medie con una normale famiglia: padre, madre e sorella universitaria. Shizuku è appassionata di romanzi e spesso si reca alla biblioteca di quartiere per prendere in prestito numerosi volumi. Un giorno, nel noleggiarne alcuni, si accorge che nella tessera dei noleggi stranamente ricorre sempre un cognome prima del suo: Amasawa, e con la fantasia di un'aspirante scrittrice comincia a fantasticare su chi sia questo ragazzo che pare abbia i suoi stessi gusti.
Perché guardare: I sospiri del mio cuore è un dramma che si affida al silenzio. Yoshifumi Kondo dà alle scene spazio per respirare oltre il loro ovvio punto finale, trovando qualcosa di vero in ciò che fanno i personaggi quando smettono di recitare.
Pubblicato nel 1995, I sospiri del mio cuore è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Yoshifumi Kondo ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 7.9 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 7.9 per I sospiri del mio cuore è calcolato in base agli spettatori che avevano alternative e hanno scelto di dargli un punteggio elevato. Questa scelta riflette un film che ha espresso chiaramente le sue ragioni, che è esattamente ciò che fa I sospiri del mio cuore. Yoshifumi Kondo ha presentato la sua argomentazione e il pubblico l'ha accettata. Il dramma deriva dalla specificità piuttosto che dall’universalità. Il regista fa delle scelte che si applicano proprio a questi personaggi in questa situazione, che paradossalmente crea qualcosa di più universale di quanto farebbero i battiti emotivi generici. I migliori film animazione utilizzano i meccanismi del loro genere per accedere a qualcosa di reale. I sospiri del mio cuore è uno di quei film. Yoshifumi Kondo ha compreso il genere abbastanza profondamente da sapere quali convenzioni servono al materiale e quali mettere da parte.
L'ambiente sonoro di I sospiri del mio cuore è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Yoshifumi Kondo comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di I sospiri del mio cuore utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Yoko Honna lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
I sospiri del mio cuore funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.9 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a I sospiri del mio cuore come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Yoshifumi Kondo e Yoko Honna fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 7.9 che colloca I sospiri del mio cuore in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a I sospiri del mio cuore riflette un genuino apprezzamento per ciò che Yoshifumi Kondo ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. I sospiri del mio cuore è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
Il miglior cinema premia la tua attenzione. Ogni film qui ha guadagnato il tempo necessario.
Akira
Nel 1988 il centro di Tokyo viene distrutto da una gigantesca e misteriosa esplosione che scatena il terzo conflitto mondiale. Nel 2019 il mondo riemerge lentamente dalla devastazione. A Neo Tokyo, ricostruita attorno al cratere provocato dalla prima deflagrazione, i militari portano avanti esperimenti su ragazzi dotati di poteri straordinari. Tetsuo, teppista amico di Kaneda, scatena le attenzioni dei vertici militari e viene prima catturato e poi sottoposto a controlli meticolosissimi: che sia lui il nuovo Akira? In lui vi è forse traccia del potere che distrusse Tokyo trent'anni prima?
Perché guardare: Katsuhiro Otomo riprende l'azione in Akira per la comprensione piuttosto che per il semplice impatto. La logica spaziale è mantenuta ovunque, il che è più raro di quanto dovrebbe essere.
Akira risale a 1988, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che Akira si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Akira at 7.9 è un film in cui l'imbarcazione è costantemente al di sopra della media in più dimensioni. Nessun singolo elemento trasporta gli altri. La regia, la scrittura e la performance vanno tutte nella stessa direzione. Il regista riprende l'azione a misura d'uomo piuttosto che per lo spettacolo della telecamera. I personaggi occupano uno spazio coerente e i loro corpi si muovono attraverso quello spazio con uno scopo leggibile. Il risultato è un'azione che accumula impatto anziché generare adrenalina momentanea. Akira si trova in cima alla classifica animazione perché dimostra ciò che il genere raggiunge quando un regista lo prende sul serio come quadro artistico piuttosto che come categoria commerciale. La differenza è visibile in ogni scena di Akira.
Il linguaggio visivo di Akira riflette il cinema di 1988 nella sua massima espressione. Katsuhiro Otomo ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di Akira è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare Akira con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Coloro che guardano Akira per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Akira per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Akira cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Katsuhiro Otomo sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Mitsuo Iwata nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, Akira occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: Akira arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di Katsuhiro Otomo qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano Akira qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Ghost in the Shell
Tokyo, 2029. Le reti telematiche controllano tutti i meccanismi economici e di produzione, i creatori di software sono una delle risorse indispensabili delle grandi potenze mondiali, e gli Hackers informatici rappresentano una risorsa fondamentale per le grandi organizzazioni criminali, adattatesi alla rivoluzione digitale che ha invaso il mondo. In questo mondo, i cyborgs sono stati in grado di infrangere i limiti degli esseri umani e si sono imposti, grazie ai loro impianti bionici, in ogni settore della vita quotidiana, superiori a semplici androidi, perchè mantengono ancora l'essenza (lo spirito) della razza umana.
Perché guardare: L'azione in Ghost in the Shell viene guadagnata anziché pianificata. Mamoru Oshii si sviluppa verso ogni sequenza, quindi quando arriva ha un peso che va oltre lo spettacolo.
La versione 1995 di Ghost in the Shell è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Ghost in the Shell l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Ghost in the Shell si autoseleziona per il coinvolgimento. I film della gamma 7.9 sono spesso più interessanti di quanto suggerisca la loro posizione in un elenco. Non hanno raggiunto la saturazione culturale dei titoli con rating più alto, il che significa che Ghost in the Shell è più facile da avvicinare senza preconcetti. Ghost in the Shell ne trae vantaggio. L'azione è subordinata alla narrazione piuttosto che sostituirla. Il regista costruisce sequenze che funzionano solo grazie a ciò che è accaduto prima. L'investimento del pubblico nei personaggi e nella posta in gioco determina se l'azione avrà successo. Guardare Ghost in the Shell insieme ad altre voci in questo elenco animazione rivela ciò che separa il lavoro migliore del genere dalla sua produzione media. Mamoru Oshii ha fatto delle scelte che la maggior parte dei film di animazione evita perché tali scelte richiedono fiducia nel pubblico.
La sceneggiatura di Ghost in the Shell dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Mamoru Oshii ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Atsuko Tanaka fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Ghost in the Shell quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Ghost in the Shell funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.9 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Ghost in the Shell come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Mamoru Oshii e Atsuko Tanaka fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
Ghost in the Shell si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. Mamoru Oshii ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 7.9 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di Mamoru Oshii a questo materiale in genere trovano Ghost in the Shell tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
Dragon Ball Super - Broly
Il pianeta Terra è finalmente in pace dopo il Torneo del Potere. Rendendosi conto che gli universi hanno ancora da offrire avversari molto forti, Goku passa tutto il suo tempo ad allenarsi per potersi superare ancora una volta. Improvvisamente, Goku e Vegeta vengono affrontati dal leggendario Saiyan chiamato "Broly". Questo incontro tra i tre Saiyan dai destini completamente diversi si trasforma in una stupenda battaglia, con anche Freezer che si lascia coinvolgere nel mix.
Perché guardare: Azione realizzata con chiarezza geografica. Tatsuya Nagamine capisce che le sequenze migliori funzionano perché sai sempre dove si trovano tutti.
Dragon Ball Super - Broly è un lavoro contemporaneo che ha già dimostrato la sua capacità di resistere in un mercato inondato di contenuti. Tatsuya Nagamine ha realizzato qualcosa che ha fatto breccia nel rumore perché era veramente migliore delle alternative. Una valutazione 7.9 riflette la regia, la scrittura e la performance che operano a livelli costanti simultaneamente. I film che ottengono punteggi in questo intervallo raramente falliscono in modo significativo in ogni singola dimensione e Dragon Ball Super - Broly non fa eccezione. Il regista risolve il problema centrale del cinema d'azione: farti interessare al risultato prima di mostrarti l'azione. Le sequenze funzionano perché la chiarezza geografica significa che sai sempre chi è dove e cosa richiederebbe il successo. All'interno del genere animazione, Dragon Ball Super - Broly occupa una posizione specifica: dimostra cosa è possibile quando un regista utilizza le convenzioni di genere come punto di partenza piuttosto che come progetto. I migliori film animazione ampliano ciò che il genere può fare.
Le prestazioni in Dragon Ball Super - Broly sono calibrate su un registro specifico che Tatsuya Nagamine ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Masako Nozawa ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Dragon Ball Super - Broly that land hardest are the ones where Masako Nozawa does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Dragon Ball Super - Broly funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.9 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Dragon Ball Super - Broly come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Tatsuya Nagamine e Masako Nozawa fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La posizione di Dragon Ball Super - Broly in questa sezione della lista riflette un film che offre in modo affidabile le sue qualità specifiche senza aspirare a essere tutto per tutti. Tatsuya Nagamine ha capito di cosa si trattava il film e lo ha realizzato ad alto livello artigianale. La valutazione 7.9 rappresenta gli spettatori che hanno apprezzato il film in questi termini e hanno ritenuto che valesse la pena valutarlo molto bene. Gli spettatori che hanno aspettative diverse a volte trovano il film meno soddisfacente di quanto suggerisca la valutazione, il che non è un punto debole del film ma delle aspettative. Dragon Ball Super - Broly è esattamente quello che è, realizzato con abilità, e gli elettori che lo hanno valutato hanno risposto così.
Inside Out
Riley ha undici anni e una vita felice in campagna. Divisa tra l'amica e due genitori adorabili, cresce assieme alle sue emozioni che la consigliano, la incoraggiano, la contengono, la spazientiscono, la intristiscono, la infastidiscono. Dentro la sua testa governa Gioia, positiva e intraprendente, si spazientisce Rabbia, pronto alla rissa, si turba Paura, impaurito e impedito, si immalinconisce Tristezza, triste e sfiduciata, arriccia il naso Disgusto, disgustata e svogliata. Trasferiti a San Francisco, Riley e genitori provano a adattarsi alla nuova vita di città. Il debutto a scuola mette a dura prova le emozioni. A peggiorare le cose ci pensano Tristezza e Gioia, la prima ostinata a partecipare ai cambiamenti emotivi di Riley, la seconda risoluta a garantirle un'imperturbabile felicità. Ma la vita non è mai così semplice.
Perché guardare: Inside Out utilizza l'animazione per raggiungere registri emotivi e visivi che l'azione dal vivo non può raggiungere. Pete Docter tratta la forma come un'espansione del cinema piuttosto che come una limitazione.
Made in 2015, Inside Out esiste nell'era dello streaming in cui tutto compete con tutto. La valutazione 7.9 che detiene riflette un pubblico che aveva infinite alternative e ha scelto di dare un punteggio elevato a questa. Il punteggio 7.9 di Inside Out lo colloca tra i film che mantengono le premesse senza debolezze significative. Pete Docter ha realizzato qualcosa che funziona come previsto, il che è meno comune di quanto sembri. Ciò che distingue il film come animazione è la comprensione da parte del regista che la forma può trasmettere l'interiorità attraverso il design. Il movimento, il colore e la composizione comunicano ciò che prova il personaggio prima o al posto del dialogo. Il genere animazione ha prodotto centinaia di film. Quelli che si classificano a 7.9 e oltre sono quelli in cui il regista ha capito che il genere è un contratto con il pubblico, non un vincolo su ciò che può essere espresso.
La struttura di Inside Out è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Pete Docter effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Inside Out taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Inside Out disorientante in modo produttivo.
Gli spettatori che guardano Inside Out per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Pete Docter gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Inside Out non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Amy Poehler lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 2015 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Pete Docter.
I film posizionati tra gli undici e i venticinque in elenchi come questo sono spesso le scoperte più utili perché portano la qualità dei primi dieci senza il peso culturale. Inside Out è in questa posizione non perché sia significativamente peggiore delle voci precedenti, ma perché il suo fascino è più concentrato. Gli spettatori che si collegano a ciò che Pete Docter sta facendo in Inside Out lo valutano tanto quanto qualsiasi altro film in questo elenco. La media su una base elettorale più ampia lo colloca qui. Gli spettatori che hanno ragioni specifiche per pensare che questo film sia per loro - in base alla preferenza del genere, all'interesse del regista o all'epoca - dovrebbero dargli la priorità rispetto a diverse voci che si collocano al di sopra di esso.
Coraline e la porta magica
Coraline ha undici anni e si è da poco trasferita con la sua famiglia in una nuova casa. Tutto è ancora da esplorare, ma i suoi genitori sono troppo occupati con il lavoro per dedicarsi a lei. La spediscono a giocare in giardino, le preparano al volo la cena quando è ora, la invitano a cavarsela da sola. È così che Coraline scopre una porticina che dà su un tunnel polveroso che porta ad un altro appartamento, in tutto simile al suo, dove vivono un'altra mamma e un altro papà, che altro non fanno che occuparsi di lei. Tutto è spettacolare e desiderabile, dall'altra parte del tunnel, se non fosse che le persone hanno strani bottoni cuciti al posto degli occhi.
Perché guardare: Ogni decisione visiva in Coraline e la porta magica - colore, movimento, composizione - è inventata da zero. Henry Selick sfrutta questo controllo totale per creare qualcosa che nessun film live-action potrebbe replicare.
Il cinema 2009 operava sotto pressioni diverse rispetto alle versioni contemporanee. Coraline e la porta magica è stato realizzato senza i circuiti di feedback algoritmici che caratterizzano le produzioni moderne. Ciò che Henry Selick ha creato qui deriva da convinzioni piuttosto che da dati. Con 7.9, Coraline e la porta magica si colloca in un intervallo in cui la qualità è costante ma il film non ha ottenuto l'ampio consenso dei titoli con rating più elevato. Questo consenso più ristretto spesso riflette un fascino specifico: Coraline e la porta magica non è per tutti, ma per lo spettatore giusto è eccellente. Il regista investe il film con il tipo di abilità deliberata che l'animazione richiede. Ogni fotogramma riflette l'intenzione su come la storia dovrebbe essere vissuta, il che significa che il film funziona a livello di singoli momenti piuttosto che solo a livello narrativo. Coraline e la porta magica mostra perché il cinema animazione è importante: fa cose che nessun altro genere può fare con la stessa efficacia. Henry Selick comprende i meccanismi specifici di animazione e li utilizza per creare effetti impossibili in altre modalità di narrazione.
L'ambiente sonoro di Coraline e la porta magica è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Henry Selick comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Coraline e la porta magica utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Dakota Fanning lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Coraline e la porta magica occupa una posizione specifica nella storia del suo genere: è stato realizzato quando le convenzioni con cui funziona erano ancora in fase di sviluppo piuttosto che consolidate. Henry Selick non stava applicando una formula collaudata ma costruendo qualcosa la cui efficacia non era garantita. La valutazione 7.9 riflette un pubblico che ha risposto al lavoro realizzato in condizioni di autentico rischio creativo. I film contemporanei nello stesso spazio hanno il vantaggio di sapere cosa funziona perché Coraline e la porta magica e film simili lo hanno dimostrato. Guardare Coraline e la porta magica in quel contesto – come lavoro creativo realizzato senza la rete di sicurezza di convenzioni comprovate – aggiunge una dimensione all'esperienza visiva che non è disponibile guardando film realizzati dopo che le convenzioni sono state stabilite.
Coraline e la porta magica in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di Dakota Fanning e l'imbarcazione di Henry Selick possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
Mulan
Ispirato a un'antica leggenda popolare cinese, è la storia di Mulan, unica figlia della famiglia Fa che vive in un piccolo villaggio della Cina. Quando il feroce capo degli Unni Shan-Yu minaccia di invadere il paese, il saggio imperatore diffonde un proclama con cui chiede a ogni famiglia di mandare un uomo a combattere nell'armata imperiale. Per impedire al padre, anziano e malato, di partire, Mulan si traveste da uomo e si unisce all'esercito. Con l'aiuto di Cri-Cri, il suo grillo portafortuna, e di Mushu, un minuscolo dragone che vuole riconquistare il ruolo di genio protettore della famiglia, Mulan affronta innumerevoli avversità.
Perché guardare: Le animazioni realizzate con intenzione piuttosto che con efficienza sembrano diverse. Tony Bancroft fa sembrare Mulan diverso a livello dei singoli fotogrammi e si accumula in qualcosa di completo.
La versione 1998 di Mulan è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Mulan l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Mulan si autoseleziona per il coinvolgimento. Mulan a 7.9 rappresenta il livello affidabile di questo elenco. Questi sono i film che non deludono. Tony Bancroft ha capito cosa doveva essere il film e lo ha realizzato senza compromessi. L'animazione è al servizio della narrazione piuttosto che di una dimostrazione di capacità tecnica. Il regista utilizza la forma per ottenere effetti emotivi e narrativi che servono alla storia specifica raccontata. Le classifiche di genere come questa sono utili in parte perché rendono esplicito il canone animazione. Mulan at 7.9 rientra in qualsiasi discussione seria su ciò che il cinema animazione ha raggiunto. Guardarlo insieme ad altri film animazione di prim'ordine rivela la gamma di ciò che contiene il genere.
La cinematografia di Mulan riflette un periodo di transizione nella tecnologia cinematografica, quando gli strumenti digitali erano disponibili ma i registi stavano ancora discutendo se utilizzarli. Tony Bancroft ha fatto delle scelte sullo stile visivo intenzionali piuttosto che predefinite. Il modo in cui Mulan è illuminato, inquadrato e tagliato riflette un'intelligenza visiva specifica piuttosto che una convenzione del settore. Ming-Na Wen funziona all'interno di quella struttura visiva in modi che sono più visibili quando si guarda il film prestando attenzione a come sono posizionati nell'inquadratura piuttosto che semplicemente a quello che stanno facendo.
Mulan funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.9 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Mulan come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Tony Bancroft e Ming-Na Wen fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 7.9 che colloca Mulan in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a Mulan riflette un genuino apprezzamento per ciò che Tony Bancroft ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. Mulan è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
Dragon Ball Super: Super Hero
Goku è nuovamente alle prese con l'Esercito del Fiocco Rosso. Nonostante il Super Saiyan abbia già distrutto questo nemico, alcuni fedeli hanno tenuto vivo lo spirito dell'esercito e sono pronti a scendere di nuovo in battaglia, dopo aver creato gli Androidi perfetti, Gamma 1 e Gamma 2. I due androidi sono stati incaricati di attaccare Piccolo e Gohan, cosicché il nuovo Esercito del Fiocco Rosso possa riuscire indisturbato a portare a termine la sua missione. Solo una persona può fronteggiare questa minaccia, occorre, infatti, che il Super Hero si risvegli...
Perché guardare: Azione realizzata con chiarezza geografica. Tetsuro Kodama capisce che le sequenze migliori funzionano perché sai sempre dove si trovano tutti.
Dragon Ball Super: Super Hero è un lavoro contemporaneo che ha già dimostrato la sua capacità di resistere in un mercato inondato di contenuti. Tetsuro Kodama ha realizzato qualcosa che ha fatto breccia nel rumore perché era veramente migliore delle alternative. Una valutazione 7.9 da parte di un ampio pool di elettori significa che il film ha punti di forza autentici che superano qualsiasi debolezza riscontrata dagli spettatori. Dragon Ball Super: Super Hero mantiene la sua promessa principale, ovvero lo standard minimo che ogni film dovrebbe soddisfare e meno di quanto suggerisce il numero di uscite. Il regista risolve il problema centrale del cinema d'azione: farti interessare al risultato prima di mostrarti l'azione. Le sequenze funzionano perché la chiarezza geografica significa che sai sempre chi è dove e cosa richiederebbe il successo. L'approccio di Tetsuro Kodama a animazione in Dragon Ball Super: Super Hero è istruttivo: le convenzioni di genere vengono utilizzate consapevolmente piuttosto che automaticamente. Il risultato è un film che mantiene ciò che il genere promette, pur facendo qualcosa che la maggior parte dei film animazione non fa.
La sceneggiatura di Dragon Ball Super: Super Hero dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Tetsuro Kodama ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Masako Nozawa fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Dragon Ball Super: Super Hero quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Coloro che guardano Dragon Ball Super: Super Hero per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Dragon Ball Super: Super Hero per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Dragon Ball Super: Super Hero cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Tetsuro Kodama sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Masako Nozawa nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, Dragon Ball Super: Super Hero occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: Dragon Ball Super: Super Hero arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di Tetsuro Kodama qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano Dragon Ball Super: Super Hero qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Persepolis
La storia di Marjane, una ragazza precoce e ribelle che, cresciuta portando scarpe da ginnastica e giocando alla lotta con i maschietti, si trova costretta ad affrontare, dall'infanzia all'età adulta, drastici cambiamenti delle proprie abitudini di vita imposti prima dalla monarchia dello Scià e poi dal regime degli ayatollah, fino alla sua partenza per l'Europa.
Perché guardare: Persepolis è un dramma che si affida al silenzio. Marjane Satrapi dà alle scene spazio per respirare oltre il loro ovvio punto finale, trovando qualcosa di vero in ciò che fanno i personaggi quando smettono di recitare.
Uscito nel 2007, Persepolis proviene da un periodo di transizione nel cinema: prima che lo streaming cambiasse la distribuzione ma dopo che gli strumenti digitali cambiassero la produzione. La lavorazione artigianale visibile in Persepolis riflette gli standard dell'era teatrale. Il punteggio 7.9 per Persepolis è calcolato in base agli spettatori che avevano alternative e hanno scelto di dargli un punteggio elevato. Questa scelta riflette un film che ha espresso chiaramente le sue ragioni, che è esattamente ciò che fa Persepolis. Marjane Satrapi ha presentato la sua argomentazione e il pubblico l'ha accettata. Il dramma deriva dalla specificità piuttosto che dall’universalità. Il regista fa delle scelte che si applicano proprio a questi personaggi in questa situazione, che paradossalmente crea qualcosa di più universale di quanto farebbero i battiti emotivi generici. I migliori film animazione utilizzano i meccanismi del loro genere per accedere a qualcosa di reale. Persepolis è uno di quei film. Marjane Satrapi ha compreso il genere abbastanza profondamente da sapere quali convenzioni servono al materiale e quali mettere da parte.
Le prestazioni in Persepolis sono calibrate su un registro specifico che Marjane Satrapi ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Chiara Mastroianni ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Persepolis that land hardest are the ones where Chiara Mastroianni does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Persepolis è adatto alle serate in cui si desidera guardare qualcosa che abbia sostanza genuina piuttosto che qualcosa che riempia semplicemente il tempo. Non è un film di sottofondo e non è un'esperienza passiva. Marjane Satrapi ha costruito qualcosa che richiede la tua attenzione e la premia in modo specifico anziché generale. Gli spettatori che guardano Persepolis mentre fanno altre cose otterranno una versione del film notevolmente ridotta rispetto alla versione disponibile a qualcuno che gli presta tutta la sua attenzione. La classificazione 7.9 riflette l'esperienza visiva con piena attenzione. Il cast, nello specifico Chiara Mastroianni, offre dettagli prestazionali che si registrano in una visione concentrata e scompaiono in una visione distratta.
Persepolis si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. Marjane Satrapi ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 7.9 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di Marjane Satrapi a questo materiale in genere trovano Persepolis tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
Mary and Max
L'amicizia tramite corrispondenza epistolare tra due persone molto diverse tra loro: Mary Dinkle una paffuta ragazzina timida e solitaria di otto anni, che vive nella periferia di Melbourne, e Max Horovitz, un ebreo newyorkese di 44 anni, gravemente obeso e affetto da sindrome di Asperger, una lieve forma di autismo.
Perché guardare: Ciò che fa sì che Mary and Max funzioni come dramma è il rifiuto di Adam Elliot di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il registro emotivo viene creato, non segnalato.
Il cinema 2009 operava sotto pressioni diverse rispetto alle versioni contemporanee. Mary and Max è stato realizzato senza i circuiti di feedback algoritmici che caratterizzano le produzioni moderne. Ciò che Adam Elliot ha creato qui deriva da convinzioni piuttosto che da dati. Mary and Max at 7.9 è un film in cui l'imbarcazione è costantemente al di sopra della media in più dimensioni. Nessun singolo elemento trasporta gli altri. La regia, la scrittura e la performance vanno tutte nella stessa direzione. Il film dimostra cosa può fare il dramma che altri generi non possono fare: mettere sotto pressione il comportamento umano ordinario e rivelare il carattere attraverso la risposta. Il regista crea queste condizioni e il cast le vive con genuina convinzione. Mary and Max si trova in cima alla classifica animazione perché dimostra ciò che il genere raggiunge quando un regista lo prende sul serio come quadro artistico piuttosto che come categoria commerciale. La differenza è visibile in ogni scena di Mary and Max.
La struttura di Mary and Max è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Adam Elliot effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Mary and Max taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Mary and Max disorientante in modo produttivo.
Mary and Max è una raccomandazione affidabile per gli spettatori che sono disposti ad affrontare un film alle sue condizioni piuttosto che pretendere che si conformi alle aspettative portate da altrove. Non ha l'onnipresenza culturale dei titoli più quotati in questa categoria, il che significa che arriva senza il peso della visione obbligatoria. Il pubblico che scopre Mary and Max senza che gli sia stato detto che deve vederlo spesso risponde in modo più deciso rispetto a chi lo affronta come un obbligo. Adam Elliot ha realizzato qualcosa con un fascino specifico: non cercare di essere tutto per tutti. Gli spettatori che si connettono con Mary and Max tendono a trovarlo notevolmente migliore di quanto suggerito dalla valutazione 7.9, motivo per cui mantiene quella valutazione nonostante la visibilità di marketing limitata.
La posizione di Mary and Max in questa sezione della lista riflette un film che offre in modo affidabile le sue qualità specifiche senza aspirare a essere tutto per tutti. Adam Elliot ha capito di cosa si trattava il film e lo ha realizzato ad alto livello artigianale. La valutazione 7.9 rappresenta gli spettatori che hanno apprezzato il film in questi termini e hanno ritenuto che valesse la pena valutarlo molto bene. Gli spettatori che hanno aspettative diverse a volte trovano il film meno soddisfacente di quanto suggerisca la valutazione, il che non è un punto debole del film ma delle aspettative. Mary and Max è esattamente quello che è, realizzato con abilità, e gli elettori che lo hanno valutato hanno risposto così.
Ron - Un amico fuori programma
Barney è un goffo studente delle scuole medie. Ron, invece, è il suo nuovo robot in grado di camminare e parlare. I malfunzionamenti di Ron in un mondo in cui tutto è perfetto porteranno i due a vivere un'avventura alla scoperta della vera amicizia.
Perché guardare: La logica interna di Ron - Un amico fuori programma è coerente ovunque. Sarah Smith si impegna a rispettare la premessa e la segue, consentendo al pubblico di interagire con le idee anziché difendersi dall'incoerenza.
In 2021, quando Sarah Smith ha realizzato Ron - Un amico fuori programma, la qualità media della produzione dei film non era mai stata così alta. Ciò che distingue Ron - Un amico fuori programma non è la raffinatezza tecnica ma l'intenzionalità: ogni scena fa qualcosa di specifico. I film della gamma 7.9 sono spesso più interessanti di quanto suggerisca la loro posizione in un elenco. Non hanno raggiunto la saturazione culturale dei titoli con rating più alto, il che significa che Ron - Un amico fuori programma è più facile da avvicinare senza preconcetti. Ron - Un amico fuori programma ne trae vantaggio. La fantascienza è fondata sulla prospettiva del personaggio. Il regista filtra gli elementi speculativi attraverso il modo in cui influenzano il protagonista, il che significa che l'astratto diventa concreto ed emotivamente leggibile. Guardare Ron - Un amico fuori programma insieme ad altre voci in questo elenco animazione rivela ciò che separa il lavoro migliore del genere dalla sua produzione media. Sarah Smith ha fatto delle scelte che la maggior parte dei film di animazione evita perché tali scelte richiedono fiducia nel pubblico.
L'ambiente sonoro di Ron - Un amico fuori programma è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Sarah Smith comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Ron - Un amico fuori programma utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Jack Dylan Grazer lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Gli spettatori che guardano Ron - Un amico fuori programma per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Sarah Smith gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Ron - Un amico fuori programma non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Jack Dylan Grazer lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 2021 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Sarah Smith.
I film posizionati tra gli undici e i venticinque in elenchi come questo sono spesso le scoperte più utili perché portano la qualità dei primi dieci senza il peso culturale. Ron - Un amico fuori programma è in questa posizione non perché sia significativamente peggiore delle voci precedenti, ma perché il suo fascino è più concentrato. Gli spettatori che si collegano a ciò che Sarah Smith sta facendo in Ron - Un amico fuori programma lo valutano tanto quanto qualsiasi altro film in questo elenco. La media su una base elettorale più ampia lo colloca qui. Gli spettatori che hanno ragioni specifiche per pensare che questo film sia per loro - in base alla preferenza del genere, all'interesse del regista o all'epoca - dovrebbero dargli la priorità rispetto a diverse voci che si collocano al di sopra di esso.
Guardare grandi film cambia il modo in cui vedi il mondo. Per questo li scegliamo con attenzione.
Dragon Trainer
Hiccup è un giovane vichingo che vive in un villaggio sperduto nel nulla, in una landa fredda, inospitale, con poco da mangiare e soprattutto infestata dai draghi. Tuttavia i vichinghi invece che spostarsi preferiscono combattere, non a caso sono tutti grandi e grossi. Tutti tranne Hiccup, figlio del capo del villaggio, che è secco e inadatto al combattimento. Il ragazzo ha però una spiccata passione per la costruzione di macchinari con cui tenta di uccidere draghi e una conseguente inclinazione per la creazione di problemi...
Perché guardare: Animazione al livello in cui vale la pena guardare solo l'imbarcazione. Ogni fotogramma di Dragon Trainer è una scelta artistica deliberata.
Dragon Trainer è un lavoro contemporaneo che ha già dimostrato la sua capacità di resistere in un mercato inondato di contenuti. Chris Sanders ha realizzato qualcosa che ha fatto breccia nel rumore perché era veramente migliore delle alternative. Una valutazione 7.9 riflette la regia, la scrittura e la performance che operano a livelli costanti simultaneamente. I film che ottengono punteggi in questo intervallo raramente falliscono in modo significativo in ogni singola dimensione e Dragon Trainer non fa eccezione. Il film dimostra che l'animazione è uno strumento per raggiungere registri emotivi che l'azione dal vivo non può raggiungere. Il regista utilizza le possibilità formali del mezzo per creare momenti specifici della forma animata. All'interno del genere animazione, Dragon Trainer occupa una posizione specifica: dimostra cosa è possibile quando un regista utilizza le convenzioni di genere come punto di partenza piuttosto che come progetto. I migliori film animazione ampliano ciò che il genere può fare.
L'approccio visivo di Dragon Trainer riflette la convinzione di Chris Sanders secondo cui stile e sostanza sono la stessa cosa. Il posizionamento della telecamera, la gradazione del colore e il ritmo di montaggio di Dragon Trainer non sono decisioni decorative. Sono discussioni su come la storia dovrebbe essere vissuta. Jay Baruchel è girato in modo da comunicare il carattere prima ancora che venga pronunciata una parola. Gli spettatori che guardano Dragon Trainer una seconda volta con attenzione alla grammatica visiva troveranno uno strato di significato che opera indipendentemente dal dialogo e dalla trama.
Dragon Trainer occupa una posizione specifica nella storia del suo genere: è stato realizzato quando le convenzioni con cui funziona erano ancora in fase di sviluppo piuttosto che consolidate. Chris Sanders non stava applicando una formula collaudata ma costruendo qualcosa la cui efficacia non era garantita. La valutazione 7.9 riflette un pubblico che ha risposto al lavoro realizzato in condizioni di autentico rischio creativo. I film contemporanei nello stesso spazio hanno il vantaggio di sapere cosa funziona perché Dragon Trainer e film simili lo hanno dimostrato. Guardare Dragon Trainer in quel contesto – come lavoro creativo realizzato senza la rete di sicurezza di convenzioni comprovate – aggiunge una dimensione all'esperienza visiva che non è disponibile guardando film realizzati dopo che le convenzioni sono state stabilite.
Dragon Trainer in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di Jay Baruchel e l'imbarcazione di Chris Sanders possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
Monsters & Co.
L'adorabile Sulley e il suo sprazzante spalla Mike Wazowski sono la squadra di paura più importante di Monsters, Inc., la fabbrica di elaborazione delle urla a Monstropolis. Quando una bambina di nome Boo entra nel loro mondo, sono i mostri a spaventarsi da morire, e spetta a Sulley e Mike tenerla nascosta e riportarla a casa.
Perché guardare: Monsters & Co. è una commedia che resiste alla revisione perché le battute provengono da chi sono queste persone piuttosto che da situazioni progettate attorno alle battute finali.
Uscito nel 2001, Monsters & Co. proviene da un periodo di transizione nel cinema: prima che lo streaming cambiasse la distribuzione ma dopo che gli strumenti digitali cambiassero la produzione. La lavorazione artigianale visibile in Monsters & Co. riflette gli standard dell'era teatrale. Il punteggio 7.8 di Monsters & Co. lo colloca tra i film che mantengono le premesse senza debolezze significative. Pete Docter ha realizzato qualcosa che funziona come previsto, il che è meno comune di quanto sembri. Il film si fida del senso del tempismo comico del pubblico. Il regista imposta il ritmo e poi concede delle pause dove vive l'umorismo. Le performance comprendono che la moderazione è più divertente dell'enfasi. Il genere animazione ha prodotto centinaia di film. Quelli che si classificano a 7.8 e oltre sono quelli in cui il regista ha capito che il genere è un contratto con il pubblico, non un vincolo su ciò che può essere espresso.
La sceneggiatura di Monsters & Co. dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Pete Docter ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. John Goodman fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Monsters & Co. quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Monsters & Co. funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.8 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Monsters & Co. come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Pete Docter e John Goodman fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 7.8 che colloca Monsters & Co. in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a Monsters & Co. riflette un genuino apprezzamento per ciò che Pete Docter ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. Monsters & Co. è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
L'isola dei cani
Atari Kobayashi è una guardia di dodici anni che vive a Megasaki City, città giapponese di cui è sindaco Kobayashi. Quando, con un decreto esecutivo, tutti i cani domestici vengono esiliati in un'enorme isola adibita ai rifiuti, Atari si allontana da solo alla ricerca del suo cane Spot. Con l'aiuto di nuovi amici, inizierà un epico viaggio che deciderà il destino e il futuro dell'intera Prefettura.
Perché guardare: Wes Anderson costruisce la commedia di L'isola dei cani partendo dall'osservazione genuina dei personaggi. Le risate aumentano man mano che il film avanza perché conosci meglio le persone.
L'isola dei cani (2018) è stato realizzato in un periodo in cui il pubblico è diventato più sofisticato riguardo alla qualità della produzione. Wes Anderson ha prodotto qualcosa che soddisfa le aspettative aumentate. Con 7.8, L'isola dei cani si colloca in un intervallo in cui la qualità è costante ma il film non ha ottenuto l'ampio consenso dei titoli con rating più elevato. Questo consenso più ristretto spesso riflette un fascino specifico: L'isola dei cani non è per tutti, ma per lo spettatore giusto è eccellente. La commedia di carattere richiede che il regista e il cast comprendano che i momenti più divertenti nascono dalla verità piuttosto che dall'esagerazione. Il film funziona perché ciò che fanno i personaggi ha senso per quello che sono. L'isola dei cani mostra perché il cinema animazione è importante: fa cose che nessun altro genere può fare con la stessa efficacia. Wes Anderson comprende i meccanismi specifici di animazione e li utilizza per creare effetti impossibili in altre modalità di narrazione.
Le prestazioni in L'isola dei cani sono calibrate su un registro specifico che Wes Anderson ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Bryan Cranston ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in L'isola dei cani that land hardest are the ones where Bryan Cranston does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Coloro che guardano L'isola dei cani per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare L'isola dei cani per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che L'isola dei cani cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Wes Anderson sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Bryan Cranston nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, L'isola dei cani occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: L'isola dei cani arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di Wes Anderson qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano L'isola dei cani qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
I Mitchell contro le macchine
Un'apocalisse robotica ha interrotto il viaggio dei Mitchell attraverso il paese. Ora tocca alla famiglia più stramba del mondo salvare il genere umano.
Perché guardare: La commedia è il genere più difficile da sostenere. Mike Rianda fa sembrare I Mitchell contro le macchine senza sforzo, il che è il segno di una notevole maestria che la maggior parte del pubblico non registra consapevolmente.
In 2021, quando Mike Rianda ha realizzato I Mitchell contro le macchine, la qualità media della produzione dei film non era mai stata così alta. Ciò che distingue I Mitchell contro le macchine non è la raffinatezza tecnica ma l'intenzionalità: ogni scena fa qualcosa di specifico. I Mitchell contro le macchine a 7.8 rappresenta il livello affidabile di questo elenco. Questi sono i film che non deludono. Mike Rianda ha capito cosa doveva essere il film e lo ha realizzato senza compromessi. La coerenza del film come commedia deriva dalla coerenza. Il regista stabilisce le regole del mondo e il comportamento dei personaggi al suo interno, e l'umorismo emerge dal modo in cui questi personaggi affrontano una situazione. Le classifiche di genere come questa sono utili in parte perché rendono esplicito il canone animazione. I Mitchell contro le macchine at 7.8 rientra in qualsiasi discussione seria su ciò che il cinema animazione ha raggiunto. Guardarlo insieme ad altri film animazione di prim'ordine rivela la gamma di ciò che contiene il genere.
La struttura di I Mitchell contro le macchine è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Mike Rianda effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. I Mitchell contro le macchine taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano I Mitchell contro le macchine disorientante in modo produttivo.
I Mitchell contro le macchine è uno dei rari film che funziona sia in contesti di visione solista che di gruppo, il che non è vero per la maggior parte delle commedie. Film that derive humor from character rather than setup tend to play well regardless of who is in the room, because the laughs come from recognition rather than from collective permission. Guardare I Mitchell contro le macchine da solo ti consente di cogliere i momenti più tranquilli di osservazione dei personaggi che le visioni di gruppo possono perdere. Guardarlo con qualcun altro che conosce il film produce il piacere specifico di condividere qualcosa che sai che funziona. The runtime of I Mitchell contro le macchine makes it a practical choice for evenings when you want something with genuine quality that does not require the commitment of a longer film. Il ritmo di Mike Rianda fa sì che il film guadagni la sua durata senza rimanere oltre.
I Mitchell contro le macchine si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. Mike Rianda ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 7.8 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di Mike Rianda a questo materiale in genere trovano I Mitchell contro le macchine tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
Ratatouille
Il topo Remy possiede un palato molto raffinato e Sogna di diventare uno chef, che crea gourmet. Quando il destino lo getta nelle fogne sotto uno dei ristoranti più famosi di Parigi, si ritrova nel poter realizzare il suo sogno. Formando un'insolita alleanza con un giovane sguattero, Remy inizia un'audace vita culinaria, navigando tra i sospetti del capo chef Skinner, tra il disappunto della sua colonia e la feroce presenza del critico gastronomico Anton Ego, che incute terrore tra gli chef di tutta la Francia.
Perché guardare: Un film che è veramente divertente piuttosto che semplicemente commercializzato come tale. L'umorismo in Ratatouille deriva dal carattere, non dall'impostazione.
Ratatouille è stato realizzato nel periodo 2007, quando il cinema era in competizione con Internet e i primi DVD per attirare l'attenzione. Brad Bird ha creato qualcosa che attirava l'attenzione allora e la tiene adesso. Una valutazione 7.8 da parte di un ampio pool di elettori significa che il film ha punti di forza autentici che superano qualsiasi debolezza riscontrata dagli spettatori. Ratatouille mantiene la sua promessa principale, ovvero lo standard minimo che ogni film dovrebbe soddisfare e meno di quanto suggerisce il numero di uscite. Ciò che fa sì che il film funzioni come una commedia è il rifiuto del regista di segnalare dove sia l'umorismo. Le battute provengono dal personaggio e dalla situazione, il che significa che gli spettatori che prestano attenzione trovano di più degli spettatori che aspettano che gli venga detto che dovrebbero ridere. L'approccio di Brad Bird a animazione in Ratatouille è istruttivo: le convenzioni di genere vengono utilizzate consapevolmente piuttosto che automaticamente. Il risultato è un film che mantiene ciò che il genere promette, pur facendo qualcosa che la maggior parte dei film animazione non fa.
L'ambiente sonoro di Ratatouille è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Brad Bird comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Ratatouille utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Patton Oswalt lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Ratatouille è una raccomandazione affidabile per gli spettatori che sono disposti ad affrontare un film alle sue condizioni piuttosto che pretendere che si conformi alle aspettative portate da altrove. Non ha l'onnipresenza culturale dei titoli più quotati in questa categoria, il che significa che arriva senza il peso della visione obbligatoria. Il pubblico che scopre Ratatouille senza che gli sia stato detto che deve vederlo spesso risponde in modo più deciso rispetto a chi lo affronta come un obbligo. Brad Bird ha realizzato qualcosa con un fascino specifico: non cercare di essere tutto per tutti. Gli spettatori che si connettono con Ratatouille tendono a trovarlo notevolmente migliore di quanto suggerito dalla valutazione 7.8, motivo per cui mantiene quella valutazione nonostante la visibilità di marketing limitata.
La posizione di Ratatouille in questa sezione della lista riflette un film che offre in modo affidabile le sue qualità specifiche senza aspirare a essere tutto per tutti. Brad Bird ha capito di cosa si trattava il film e lo ha realizzato ad alto livello artigianale. La valutazione 7.8 rappresenta gli spettatori che hanno apprezzato il film in questi termini e hanno ritenuto che valesse la pena valutarlo molto bene. Gli spettatori che hanno aspettative diverse a volte trovano il film meno soddisfacente di quanto suggerisca la valutazione, il che non è un punto debole del film ma delle aspettative. Ratatouille è esattamente quello che è, realizzato con abilità, e gli elettori che lo hanno valutato hanno risposto così.
Sing 2 - Sempre più forte
Buster e il suo cast hanno trasformato il New Moon Theater in un successo locale, ma Buster ha messo gli occhi su un premio più grande: Debuttare con un nuovo spettacolo al Crystal Tower Theater nell’affascinante Redshore City. Ma senza conoscenze, Buster e i suoi devono intrufolarsi negli uffici di fama mondiale Crystal Entertainment, gestiti da un lupo magnate e spietato di nome Jimmy Crystal. In un disperato tentativo di ottenere l’attenzione di Mr. Crystal, Gunter lancia spontaneamente un’idea che Buster accetta con facilità, promettendo che nel loro nuovo spettacolo ci sarà la leggenda del leone rock Clay Calloway. Il problema è che Buster non ha mai incontrato Clay, artista che si è allontanato dal mondo più di dieci anni fa e dopo la perdita di sua moglie. Mentre Gunter aiuta Buster a sognare un capolavoro teatrale, e la pressione (e le minacce sinistre) di Mr. Crystal Mount, Buster intraprende una ricerca per trovare Clay e convincerlo a tornare sul palco.
Perché guardare: Sing 2 - Sempre più forte è una commedia che resiste alla revisione perché le battute provengono da chi sono queste persone piuttosto che da situazioni progettate attorno alle battute finali.
Made in 2021, Sing 2 - Sempre più forte esiste nell'era dello streaming in cui tutto compete con tutto. La valutazione 7.8 che detiene riflette un pubblico che aveva infinite alternative e ha scelto di dare un punteggio elevato a questa. Il punteggio 7.8 per Sing 2 - Sempre più forte è calcolato in base agli spettatori che avevano alternative e hanno scelto di dargli un punteggio elevato. Questa scelta riflette un film che ha espresso chiaramente le sue ragioni, che è esattamente ciò che fa Sing 2 - Sempre più forte. Garth Jennings ha presentato la sua argomentazione e il pubblico l'ha accettata. Il film si fida del senso del tempismo comico del pubblico. Il regista imposta il ritmo e poi concede delle pause dove vive l'umorismo. Le performance comprendono che la moderazione è più divertente dell'enfasi. I migliori film animazione utilizzano i meccanismi del loro genere per accedere a qualcosa di reale. Sing 2 - Sempre più forte è uno di quei film. Garth Jennings ha compreso il genere abbastanza profondamente da sapere quali convenzioni servono al materiale e quali mettere da parte.
L'approccio visivo di Sing 2 - Sempre più forte riflette la convinzione di Garth Jennings secondo cui stile e sostanza sono la stessa cosa. Il posizionamento della telecamera, la gradazione del colore e il ritmo di montaggio di Sing 2 - Sempre più forte non sono decisioni decorative. Sono discussioni su come la storia dovrebbe essere vissuta. Matthew McConaughey è girato in modo da comunicare il carattere prima ancora che venga pronunciata una parola. Gli spettatori che guardano Sing 2 - Sempre più forte una seconda volta con attenzione alla grammatica visiva troveranno uno strato di significato che opera indipendentemente dal dialogo e dalla trama.
Gli spettatori che guardano Sing 2 - Sempre più forte per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Garth Jennings gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Sing 2 - Sempre più forte non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Matthew McConaughey lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 2021 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Garth Jennings.
I film posizionati tra gli undici e i venticinque in elenchi come questo sono spesso le scoperte più utili perché portano la qualità dei primi dieci senza il peso culturale. Sing 2 - Sempre più forte è in questa posizione non perché sia significativamente peggiore delle voci precedenti, ma perché il suo fascino è più concentrato. Gli spettatori che si collegano a ciò che Garth Jennings sta facendo in Sing 2 - Sempre più forte lo valutano tanto quanto qualsiasi altro film in questo elenco. La media su una base elettorale più ampia lo colloca qui. Gli spettatori che hanno ragioni specifiche per pensare che questo film sia per loro - in base alla preferenza del genere, all'interesse del regista o all'epoca - dovrebbero dargli la priorità rispetto a diverse voci che si collocano al di sopra di esso.
Kiki - Consegne a domicilio
Nella parabola della streghetta dagli umili abiti rivive il consueto viaggio iniziatico di Miyazaki, spesso condotto tra i cieli (in precedenza ne Il castello nel cielo, mentre Porco rosso innalzerà ai massimi livelli il feeling eroico con l'aria) e spesso con una ragazzina come protagonista. Kiki raggiunge la fatidica età di passaggio, quella dei quattordici anni, per abbandonare la dimora natia e scoprire la vecchia Europa, ancora una volta coacervo ideale di stilemi miyazakiani. Modellata su Stoccolma e Lisbona, la città in cui Kiki approda a cavallo della sua scopa volante è il luogo dello smarrimento e dell'emancipazione, in cui l'eroina è da un lato costretta ben presto a una necessaria e dura introspezione, ma può anche sentirsi accettata nonostante la sua diversità; il luogo in cui, attraverso il duro lavoro, conquistare la propria matura autonomia.
Perché guardare: Ogni decisione visiva in Kiki - Consegne a domicilio - colore, movimento, composizione - è inventata da zero. Hayao Miyazaki sfrutta questo controllo totale per creare qualcosa che nessun film live-action potrebbe replicare.
Kiki - Consegne a domicilio risale a 1989, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che Kiki - Consegne a domicilio si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Kiki - Consegne a domicilio at 7.8 è un film in cui l'imbarcazione è costantemente al di sopra della media in più dimensioni. Nessun singolo elemento trasporta gli altri. La regia, la scrittura e la performance vanno tutte nella stessa direzione. Il regista investe il film con il tipo di abilità deliberata che l'animazione richiede. Ogni fotogramma riflette l'intenzione su come la storia dovrebbe essere vissuta, il che significa che il film funziona a livello di singoli momenti piuttosto che solo a livello narrativo. Kiki - Consegne a domicilio si trova in cima alla classifica animazione perché dimostra ciò che il genere raggiunge quando un regista lo prende sul serio come quadro artistico piuttosto che come categoria commerciale. La differenza è visibile in ogni scena di Kiki - Consegne a domicilio.
La sceneggiatura di Kiki - Consegne a domicilio dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Hayao Miyazaki ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Minami Takayama fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Kiki - Consegne a domicilio quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Gli spettatori che hanno visto i film influenzati da Kiki - Consegne a domicilio troveranno l'originale un'esperienza diversa rispetto a un film contemporaneo. Le tecniche che sembrano familiari perché sono state ampiamente copiate sono visibili qui nella loro forma originale, il che spesso rivela che le copie comprendevano la superficie di ciò che Hayao Miyazaki faceva senza capirne il ragionamento dietro. Kiki - Consegne a domicilio utilizza le sue scelte stilistiche al servizio di obiettivi narrativi specifici. I film successivi che presero in prestito quelle scelte spesso le usarono come stile senza la funzione. Guardare l'originale chiarisce cosa si stava effettivamente realizzando. Il lavoro di Minami Takayama qui ha anche una specificità che manca a molte performance ad esso ispirate: le imitazioni catturano la maniera senza l'interiorità che fa sì che la maniera significhi qualcosa.
Kiki - Consegne a domicilio in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di Minami Takayama e l'imbarcazione di Hayao Miyazaki possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
Nightmare Before Christmas
Jack Skeletron, il sovrano della città di Halloween, vuole riprodurre la magia della città di Natale, naturalmente a modo suo, e per fare ciò rapisce proprio Babbo Natale, mettendo in pericolo il naturale equilibrio fra le festività. Riuscirà Sally, con il suo amore, a far ritornare Jack sui propri passi ed evitare così questo disastro?
Perché guardare: Le animazioni realizzate con intenzione piuttosto che con efficienza sembrano diverse. Henry Selick fa sembrare Nightmare Before Christmas diverso a livello dei singoli fotogrammi e si accumula in qualcosa di completo.
La versione 1993 di Nightmare Before Christmas è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Nightmare Before Christmas l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Nightmare Before Christmas si autoseleziona per il coinvolgimento. I film della gamma 7.8 sono spesso più interessanti di quanto suggerisca la loro posizione in un elenco. Non hanno raggiunto la saturazione culturale dei titoli con rating più alto, il che significa che Nightmare Before Christmas è più facile da avvicinare senza preconcetti. Nightmare Before Christmas ne trae vantaggio. L'animazione è al servizio della narrazione piuttosto che di una dimostrazione di capacità tecnica. Il regista utilizza la forma per ottenere effetti emotivi e narrativi che servono alla storia specifica raccontata. Guardare Nightmare Before Christmas insieme ad altre voci in questo elenco animazione rivela ciò che separa il lavoro migliore del genere dalla sua produzione media. Henry Selick ha fatto delle scelte che la maggior parte dei film di animazione evita perché tali scelte richiedono fiducia nel pubblico.
Le prestazioni in Nightmare Before Christmas sono calibrate su un registro specifico che Henry Selick ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Danny Elfman ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Nightmare Before Christmas that land hardest are the ones where Danny Elfman does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Nightmare Before Christmas funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.8 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Nightmare Before Christmas come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Henry Selick e Danny Elfman fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 7.8 che colloca Nightmare Before Christmas in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a Nightmare Before Christmas riflette un genuino apprezzamento per ciò che Henry Selick ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. Nightmare Before Christmas è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
Fantastic Mr. Fox
Il signor e la Signora Fox vivono pacifici col figlioletto Ash e il nipotino Kristofferson, loro ospite, dentro un grande albero in cima alla collina che fronteggia gli stabilimenti dei più cattivi contadini della zona: Boggis, Bunce e Bean. Ma la natura selvatica del signor Fox gli impedisce di trovare soddisfazione come giornalista e lo spinge a cercare di far fessi i tre uomini e a saccheggiare i loro depositi. La vendetta è veloce e spietata e mette a repentaglio non solo la sua amata famiglia ma tutti gli animali del sottosuolo. Mr Fox dovrà elaborare dunque un nuovo e geniale piano per trarre tutti d'impaccio.
Perché guardare: Un film che è veramente divertente piuttosto che semplicemente commercializzato come tale. L'umorismo in Fantastic Mr. Fox deriva dal carattere, non dall'impostazione.
Fantastic Mr. Fox è stato realizzato nel periodo 2009, quando il cinema era in competizione con Internet e i primi DVD per attirare l'attenzione. Wes Anderson ha creato qualcosa che attirava l'attenzione allora e la tiene adesso. Una valutazione 7.8 riflette la regia, la scrittura e la performance che operano a livelli costanti simultaneamente. I film che ottengono punteggi in questo intervallo raramente falliscono in modo significativo in ogni singola dimensione e Fantastic Mr. Fox non fa eccezione. Ciò che fa sì che il film funzioni come una commedia è il rifiuto del regista di segnalare dove sia l'umorismo. Le battute provengono dal personaggio e dalla situazione, il che significa che gli spettatori che prestano attenzione trovano di più degli spettatori che aspettano che gli venga detto che dovrebbero ridere. All'interno del genere animazione, Fantastic Mr. Fox occupa una posizione specifica: dimostra cosa è possibile quando un regista utilizza le convenzioni di genere come punto di partenza piuttosto che come progetto. I migliori film animazione ampliano ciò che il genere può fare.
La struttura di Fantastic Mr. Fox è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Wes Anderson effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Fantastic Mr. Fox taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Fantastic Mr. Fox disorientante in modo produttivo.
Coloro che guardano Fantastic Mr. Fox per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Fantastic Mr. Fox per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Fantastic Mr. Fox cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Wes Anderson sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di George Clooney nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, Fantastic Mr. Fox occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: Fantastic Mr. Fox arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di Wes Anderson qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano Fantastic Mr. Fox qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Alla ricerca di Nemo
Una covata di pesci pagliaccio viene distrutta dall'attacco di un feroce barracuda. Sopravvivono solamente il papà, Marlin, e un unico piccolo che viene chiamato Nemo. Il pesciolino ha una pinna atrofizzata e il padre è iperapprensivo nei suoi confronti al punto di desiderare che l'inizio della scuola venga ritardato. Un giorno però Nemo viene catturato da un dentista appassionato di pesca subacquea e l'acquario sarà la sua prigione. Marlin deve quindi vincere tutti i suoi timori per ritrovarlo. Verrà aiutato da Dory, una pesciolina simpaticamente smemorata.
Perché guardare: Alla ricerca di Nemo utilizza l'animazione per raggiungere registri emotivi e visivi che l'azione dal vivo non può raggiungere. Andrew Stanton tratta la forma come un'espansione del cinema piuttosto che come una limitazione.
Uscito nel 2003, Alla ricerca di Nemo proviene da un periodo di transizione nel cinema: prima che lo streaming cambiasse la distribuzione ma dopo che gli strumenti digitali cambiassero la produzione. La lavorazione artigianale visibile in Alla ricerca di Nemo riflette gli standard dell'era teatrale. Il punteggio 7.8 di Alla ricerca di Nemo lo colloca tra i film che mantengono le premesse senza debolezze significative. Andrew Stanton ha realizzato qualcosa che funziona come previsto, il che è meno comune di quanto sembri. Ciò che distingue il film come animazione è la comprensione da parte del regista che la forma può trasmettere l'interiorità attraverso il design. Il movimento, il colore e la composizione comunicano ciò che prova il personaggio prima o al posto del dialogo. Il genere animazione ha prodotto centinaia di film. Quelli che si classificano a 7.8 e oltre sono quelli in cui il regista ha capito che il genere è un contratto con il pubblico, non un vincolo su ciò che può essere espresso.
L'ambiente sonoro di Alla ricerca di Nemo è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Andrew Stanton comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Alla ricerca di Nemo utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Albert Brooks lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Alla ricerca di Nemo funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.8 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Alla ricerca di Nemo come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Andrew Stanton e Albert Brooks fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
Alla ricerca di Nemo si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. Andrew Stanton ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 7.8 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di Andrew Stanton a questo materiale in genere trovano Alla ricerca di Nemo tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
Come abbiamo classificato questi film animazione
Ogni film in questa pagina è stato selezionato utilizzando i dati dell'API Movie Database, filtrati per soglie di voto minime per garantire coerenza di qualità. Il processo inizia con tutti i film di questa categoria, ordinati in base alla media dei voti in ordine decrescente, quindi filtrati per escludere i film con un numero di voti inferiore a quello richiesto.
Da quell'elenco più ampio, ogni voce è stata verificata manualmente per verificarne l'accuratezza. Una valutazione elevata non si traduce automaticamente in guardabilità. Un film che è di tendenza a causa delle notizie recenti non è la stessa cosa di un film che è di tendenza perché è veramente bello. L'analisi editoriale su ciascuna voce riflette la qualità effettiva del film piuttosto che il rumore culturale.
La selezione mantiene un equilibrio tra accessibilità e profondità. I film qui spaziano dalle uscite contemporanee ai titoli di catalogo che meritano di essere riscoperti. Tutti sono stati realizzati con mestiere e intenzione. Tutta la visualizzazione della ricompensa.
I migliori film animazione per genere
I film 50 in questa pagina abbracciano più generi e sottogeneri. Il genere è utile come filtro ma non come categoria definitiva. Un film etichettato Drama potrebbe essere pieno di suspense quanto uno etichettato Thriller. Un film etichettato Azione potrebbe essere emotivamente intelligente quanto uno etichettato Drammatico. Usa il genere come punto di partenza, non come quadro completo.
I tag di genere su ogni film ti mostrano dove si trova il film categoricamente. Utilizza i filtri per trovare i generi all'interno di animazione che ti interessano di più.
I migliori film animazione per valutazione
I film in questa pagina sono divisi in tre livelli di classificazione. I film superiori a 8,5 sono eccezionali sotto ogni aspetto e rappresentano il miglior cinema in assoluto in questa categoria. I film da 7,5 a 8,4 mostrano una maestria coerente e sono affidabili e forti. I film da 7.0 a 7.4 sono comunque eccellenti e vale la pena guardarli, sebbene rappresentino una gamma di qualità leggermente più ampia.
Una valutazione di 8,0 su TMDB richiede una base elettorale sufficientemente ampia per essere statisticamente affidabile. Riflette un genuino apprezzamento del pubblico testato nel tempo.
I migliori film animazione per Runtime
Il runtime è uno dei filtri più utili quando si sceglie cosa guardare e uno dei meno utilizzati. I film di durata inferiore a 90 minuti offrono esperienze complete e precise. I film da 90 a 120 minuti rappresentano la durata ottimale per la maggior parte delle situazioni di visualizzazione. I film superiori a 120 minuti richiedono impegno ma lo premiano.
Usa il tuo tempo a disposizione per trovare il film giusto piuttosto che iniziare qualcosa a tarda notte che dura molto più a lungo del previsto.
Gemme nascoste che vale la pena trovare
Ogni selezione animazione contiene film che si collocano al di sotto delle prime classifiche di visibilità ma offrono qualcosa di eccezionale. Questi sono i film che l'algoritmo sottopondera perché non hanno il riconoscimento del franchise o una recente copertura da parte della stampa. Non sono nascosti perché sono oscuri. Sono nascosti perché le piattaforme emergono per prime le opzioni più rumorose.
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Domande frequenti
Quali sono i migliori film animazione di tutti i tempi?
I migliori film animazione sono classificati ed elencati per intero in questa pagina. Questo elenco è stato creato filtrando i film del genere animazione, ordinandoli in base alle valutazioni critiche e al conteggio degli elettori da The Movie Database per garantire coerenza.
Qual è il film animazione con il punteggio più alto?
I film animazione con il punteggio più alto sono elencati nella sezione del livello di classificazione di questa pagina. I film con 8.5 e versioni successive rappresentano un lavoro eccezionale all'interno della categoria animazione e funzionano come qualsiasi film di qualsiasi genere.
Quali sono i migliori film animazione in streaming in questo momento?
Controlla JustWatch o la funzione di ricerca della tua piattaforma per la disponibilità attuale. I film in questo elenco rappresentano il lavoro migliore nella categoria animazione indipendentemente dall'attuale distribuzione della piattaforma.
Quali sono i migliori film animazione degli anni '90?
Gli anni '90 hanno prodotto alcuni dei migliori lavori di animazione. Controlla le sezioni decennali di questa pagina e guarda in particolare i film degli anni '90 con tag di genere animazione.
Quali sono i migliori film animazione degli anni 2000?
Gli anni 2000 hanno visto un'evoluzione significativa nel modo in cui è stato realizzato animazione. I film di questo decennio in questo elenco rappresentano il genere in un particolare momento creativo della sua storia.
Cosa rende fantastico un film animazione?
I film in questa pagina sono stati selezionati perché comprendono il nocciolo di ciò che animazione sta cercando di fare e lo eseguono con abilità e intenzione. Il grande cinema animazione funziona costruendo qualcosa di reale piuttosto che scorciatoie o formule.
Ci sono film animazione sottovalutati che dovrei conoscere?
La sezione Gemme nascoste in questa pagina identifica i film animazione con un punteggio compreso tra 6,5 e 7,4. Questi sono film che meritano più attenzione di quella fornita dalla loro attuale visibilità.
Quali film di animazione tutti dovrebbero vedere almeno una volta?
Inizia con qualsiasi film con classificazione 8.0 e successiva da questa pagina. Questi rappresentano l'opinione di consenso più forte su ciò di cui il cinema animazione è capace al meglio.
Come è cambiato nel tempo il cinema animazione?
Confronta film di decenni diversi in questa pagina e vedrai come si è evoluto il genere. Ciò che funziona oggi nel cinema animazione è diverso da ciò che funzionava negli anni ’70, che è diverso da ciò che funzionava negli anni ’90.
Quali sono i migliori film di animazione se di solito non mi piacciono animazione?
Inizia con i film con classificazione 8,5 e superiore dalla sezione animazione. Questi sono film che trascendono il genere e funzionano per gli spettatori indipendentemente dalle loro preferenze tipiche.
Ci sono film animazione provenienti da fuori dagli Stati Uniti che dovrei guardare?
SÌ. I film internazionali animazione in questo elenco rappresentano l'aspetto del miglior cinema animazione a livello globale. Il cinema mondiale spesso si avvicina al genere in modo diverso rispetto a Hollywood.
Quali sono i migliori film recenti di animazione?
Movies from the last 5 to 10 years on this list show what the genre looks like currently. Questi rappresentano l'ultima riflessione su come dovrebbe essere realizzato animazione.
Qual è la differenza tra un ottimo animazione e un buon animazione?
Il grande animazione fa qualcosa con intenzione. Usa il genere per dire qualcosa o per creare qualcosa che non potrebbe essere creato con altri mezzi. Il buon animazione colpisce i ritmi del genere. Il grande animazione li trascende.
Dovrei guardare i film animazione in un ordine particolare?
No. Puoi iniziare ovunque in questo elenco a seconda di quali registi o periodi di tempo ti interessano di più. I film non dipendono l'uno dall'altro. Guarda prima quello che ti attira.
Perché alcuni film famosi di animazione non sono presenti in questo elenco?
Questo elenco è stato creato utilizzando le valutazioni del database dei film e il conteggio degli elettori come criteri principali. Se un film animazione molto famoso non viene incluso, probabilmente non ha raggiunto la soglia minima di voto per essere statisticamente affidabile. Ciò garantisce che l'elenco rifletta l'effettivo apprezzamento del pubblico piuttosto che la memoria culturale.