Ruhların Kaçışı
Film, küçük Chihiro ve ailesinin yeni bir kasabaya taşınmalarıyla açılır. Yolculuk esnasında yolda gördükleri bir tünele dikkat eden aile, tünelin içerisinden geçtiklerinde karşılaştıkları fantastik dünyanın içerisinde büyülenirler. Ancak bu kasabada yolunda gitmeyen bir şeyler vardır, bu büyü kısa bir zaman sonra bozulacaktır. Ailesini kaybeden küçük Chihiro, babasını kurtarmak için korku dolu bir maceraya atılacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Ruhların Kaçışı, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Ruhların Kaçışı, tiyatro sinemasının ilgi çekmek için ilk internet ve DVD ile rekabet ettiği 2001'te yapıldı. Hayao Miyazaki o zaman da ilgiyi çeken bir şey yaptı ve şimdi de tutuyor. Film Veritabanında 8.5 derecelendirmesi istatistiksel olarak nadirdir. Bireysel görüşlerin ortalamasını alacak kadar geniş bir seçmen tabanı gerektirir ve geriye yalnızca farklı izleyicilere tutarlı bir şekilde ulaştırılan filmler kalır. Ruhların Kaçışı bu fikir birliğine sahip. Film, animasyonun, canlı aksiyonun ulaşamayacağı duygusal seviyelere ulaşmak için bir araç olduğunu gösteriyor. Yönetmen, animasyon biçimine özgü anlar yaratmak için ortamın biçimsel olanaklarını kullanıyor. animasyon türünde Ruhların Kaçışı özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi animasyon filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Ruhların Kaçışı'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Hayao Miyazaki, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. Ruhların Kaçışı'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Rumi Hiiragi, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
Ruhların Kaçışı'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Ruhların Kaçışı'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Ruhların Kaçışı'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Hayao Miyazaki'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Rumi Hiiragi'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Ruhların Kaçışı'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.5 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve Ruhların Kaçışı bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Hayao Miyazaki'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Senin Adın
Senin Adın (Kimi no Na wa), kaderleri ve rüyaları kozmik bir döngüyle birbirine bağlanan iki yabancının, zamanı ve mekânı aşan arayışını konu alır. Tokyo'da yaşayan Taki ile kırsalda bunalan Mitsuha, nedeni belirsiz bir şekilde birbirlerinin bedenlerinde uyanmaya başlarlar. Bu gizemli alışveriş, yerini derin bir bağa bırakırken, yaklaşmakta olan bir kuyruklu yıldız felaketi her ikisinin de varoluşunu ve hafızasını tehdit eden zamana karşı trajik bir yarışa dönüşür.
Neden izliyorsunuz?: Senin Adın bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2016'te üretilen Senin Adın, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.5 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Senin Adın için 8.5 puanı, tek bir sayıya indirgenmiş binlerce bireysel görüntüleme kararını temsil eder. Bu sayı gerçek bir şeyi yansıtıyor: Bu filmi izleyen insanlar bunun olağanüstü olduğunu düşündü ve yeterli sayıda kişi derecelendirmeyi anlamlı kılmayı kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. animasyon türü yüzlerce filmler üretti. 8.5 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Senin Adın'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Makoto Shinkai, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Ryunosuke Kamiki, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Senin Adın'te en çok görülür.
Senin Adın, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Makoto Shinkai, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Senin Adın'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.5 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Ryunosuke Kamiki - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Senin Adın'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Senin Adın'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Makoto Shinkai, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. Ryunosuke Kamiki'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
Ateşböceklerinin Mezarı
In the final months of World War II, 14-year-old Seita and his sister Setsuko are orphaned when their mother is killed during an air raid in Kobe, Japan. After a falling out with their aunt, they move into an abandoned bomb shelter. With no surviving relatives and their emergency rations depleted, Seita and Setsuko struggle to survive.
Neden izliyorsunuz?: Ateşböceklerinin Mezarı'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Ateşböceklerinin Mezarı, 1988'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Ateşböceklerinin Mezarı'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.4'te Ateşböceklerinin Mezarı, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Ateşböceklerinin Mezarı herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Ateşböceklerinin Mezarı, animasyon sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Isao Takahata, animasyon'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Ateşböceklerinin Mezarı'teki performanslar, Isao Takahata'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Tsutomu Tatsumi, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Ateşböceklerinin Mezarı'te en zor anlar, Tsutomu Tatsumi'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Ateşböceklerinin Mezarı, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.4 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Ateşböceklerinin Mezarı'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Isao Takahata ve Tsutomu Tatsumi işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Ateşböceklerinin Mezarı ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Isao Takahata, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Ateşböceklerinin Mezarı'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Örümcek Adam: Örümcek Evreninde
Brooklyn'de yaşayan Miles Morales isimli siyahi bir gencin hikayesini izleyeceğimiz filmde, farklı bir evrende Spider-Man olmaya hazırlanan küçük bir çocuğun Peter Parker ile tanışması konu alınıyor.
Neden izliyorsunuz?: Örümcek Adam: Örümcek Evreninde, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2018'te, Bob Persichetti, Örümcek Adam: Örümcek Evreninde'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Örümcek Adam: Örümcek Evreninde'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.4'teki Örümcek Adam: Örümcek Evreninde, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Bob Persichetti, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Aksiyon hikaye anlatıcılığının yerine geçmekten ziyade onun altındadır. Yönetmen yalnızca daha önce gelenler sayesinde işe yarayan sekanslar oluşturuyor. İzleyicinin karakterlere ve riske yaptığı yatırım, aksiyonun gerçekleşip gerçekleşmeyeceğini belirler. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü animasyon kanonunu açık hale getirirler. 8.4'teki Örümcek Adam: Örümcek Evreninde, animasyon sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen animasyon filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Örümcek Adam: Örümcek Evreninde'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Bob Persichetti, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Örümcek Adam: Örümcek Evreninde karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Örümcek Adam: Örümcek Evreninde'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Örümcek Adam: Örümcek Evreninde'i ilk kez izleyen izleyiciler, Bob Persichetti'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Örümcek Adam: Örümcek Evreninde'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Shameik Moore, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2018 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Bob Persichetti'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Örümcek Adam: Örümcek Evreninde'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Bob Persichetti, Örümcek Adam: Örümcek Evreninde ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Yürüyen Şato
Sıradan bir genç kız olan Sophie şeytani bir cadı tarafından büyüyle doksan yaşında bir kadına dönüşür. Sophie artık fazlasıyla yaşlanmış ve çevresi tarafından tanınmaz bir görünüme bürünmüştür. Bu yüzden büyük bir umutsuzluğa kapılan ve yaşadığı yeri terk etmek zorunda kalan Sophie, Howl isimli yürüyen bir şatoda yaşayan bir büyücünün yanına yerleşir. Bu şatoda yaşayan cinlerden biri de Sophie ile aynı kaderi paylaşmaktadır. Aynı amaç etrafında buluşan ikili kendilerine yapılan kara büyünün etkisini yok etmeye çalışacaklardır. Bu sırada şatonun dışında patlak veren savaş ülkenin birlik ve beraberliğini tehdit etmektedir. İkili artık hem kendileri için hem de ülkeleri için canları pahasına savaşmak zorunda kalacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Yürüyen Şato, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Yürüyen Şato, tiyatro sinemasının ilgi çekmek için ilk internet ve DVD ile rekabet ettiği 2004'te yapıldı. Hayao Miyazaki o zaman da ilgiyi çeken bir şey yaptı ve şimdi de tutuyor. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.4 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Yürüyen Şato, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Film, animasyonun, canlı aksiyonun ulaşamayacağı duygusal seviyelere ulaşmak için bir araç olduğunu gösteriyor. Yönetmen, animasyon biçimine özgü anlar yaratmak için ortamın biçimsel olanaklarını kullanıyor. Hayao Miyazaki'in Yürüyen Şato'teki animasyon'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu animasyon filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Yürüyen Şato'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Hayao Miyazaki, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Yürüyen Şato'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Chieko Baisho, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Yürüyen Şato, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Hayao Miyazaki kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.4 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Yürüyen Şato ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Yürüyen Şato'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Yürüyen Şato'in ilk 10'da yer alması, neyle rekabet ettiğini düşündüğünüzde çok anlamlıdır. Bu mod ve döneme ait katalogdaki her filmler değerlendirildi ve Yürüyen Şato burada sıralandı çünkü derecelendirme kalitesi ve seçmen hacminin birleşimi, onu seçimdeki diğer her şeyin üstünde tutuyordu. Hayao Miyazaki, Yürüyen Şato'te onu aynı kategorideki alternatiflerden (aynı zamanda iyi filmler olan alternatiflerden) ayıran seçimler yaptı. İlk on ile ilk yirmi arasındaki fark, mutlak derecelendirme açısından göründüğünden daha küçük ancak izleyici deneyiminin gerçekte sunduğu şey açısından önemli.
Sesin Şekli
Sesleri duyabilen Ishida Shouya ve onun aksine sesleri duyamayan sağır nakil öğrenci Nishimiya Shoko… İkili uğursuz bir günde tanışır ve sınıfın liderlerinden diyebileceğimiz Shouya, Shoko’ya zorbalık etmeye başlar. Ama çok geçmeden sınıf hedefini Shoko’dan kabadayılık yapan Shouya’ya çevirir. Aradan yıllar geçer ve Shouya bir kez daha Shoko ile buluşması gerektiğini hisseder.
Neden izliyorsunuz?: Sesin Şekli bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2016'te üretilen Sesin Şekli, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.4 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Sesin Şekli için 8.4 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Sesin Şekli'in yaptığı da tam olarak bu. Naoko Yamada bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. En iyi animasyon filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Sesin Şekli bu filmlerden biri. Naoko Yamada, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Sesin Şekli'teki görsel yaklaşım, Naoko Yamada'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Sesin Şekli'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Miyu Irino, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Sesin Şekli'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Sesin Şekli, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.4 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Sesin Şekli'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Naoko Yamada ve Miyu Irino işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Sesin Şekli ilk on sırasını kültürel itibarı sayesinde değil, izleyicilerin oturup izlediğinde yaşananlar sayesinde kazanıyor. 8.4 derecelendirmesi, bu deneyimi geniş bir bağımsız görüntüleme örneğinde yansıtıyor. Bunun gibi listelerde ilk on durumuna ulaşan filmler, alternatiflere tam erişimi olan ve bu filmi deneyimlerinin en üstünde derecelendirmeyi seçen izleyiciler tarafından test edildi. Naoko Yamada ve Miyu Irino bu beklentiyi tutarlı bir şekilde karşılayan bir şey yaptı; sürekli yeni izleyicilerin yeni standartlar getirmesine rağmen reytingin devam etmesinin nedeni de budur.
Örümcek-Adam: Örümcek-Evrenine Geçiş
Spider-Man: Across the Spider-Verse, radyoaktif bir örümcek tarafından ısırılmasıyla bambaşka bir dünyaya adım atıp özel yeteneklerle donanan Miles Morales'in maceralarını konu ediyor.
Neden izliyorsunuz?: Örümcek-Adam: Örümcek-Evrenine Geçiş'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Örümcek-Adam: Örümcek-Evrenine Geçiş (2023), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Kemp Powers, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.3'teki Örümcek-Adam: Örümcek-Evrenine Geçiş, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Yönetmen aksiyonu kamera gösterisinden ziyade insan ölçeğine göre çekiyor. Karakterler tutarlı bir alanı kaplar ve vücutları bu alanda okunabilir bir amaç doğrultusunda hareket eder. Sonuç, anlık adrenalin üretmek yerine etkiyi artıran bir eylemdir. Örümcek-Adam: Örümcek-Evrenine Geçiş, bu animasyon sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Örümcek-Adam: Örümcek-Evrenine Geçiş'in her sahnesinde görülüyor.
Örümcek-Adam: Örümcek-Evrenine Geçiş'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Kemp Powers, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Shameik Moore, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Örümcek-Adam: Örümcek-Evrenine Geçiş'te en çok görülür.
Örümcek-Adam: Örümcek-Evrenine Geçiş'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Örümcek-Adam: Örümcek-Evrenine Geçiş'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Örümcek-Adam: Örümcek-Evrenine Geçiş'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Kemp Powers'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Shameik Moore'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Örümcek-Adam: Örümcek-Evrenine Geçiş'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.3 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve Örümcek-Adam: Örümcek-Evrenine Geçiş bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Kemp Powers'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Prenses Mononoke
Köyünde huzur dolu bir yaşamı olan Ashitaka, bir gün ormandan kötü bir varlığın gelmekte olduğu fark eder. Ormanın sınırından hızla çıkan Orman Tanrısı, değdiği her şeyi yok ederek ilerlemektedir. Köyünden küçük bir kızı kurtarmak için, canavara dönüşmüş olan Orman Tanrısı'na saldıran Ashitaka, mücadele sonunda canavarı öldürür ama ölümcül bir yara alarak lanetlenir.Bu lanetten kurtulmak için bir yol aramak üzere köyden ayrılan Ashitaka, kendisine yardım edebileceğini umduğu Ormanın Ruhu'nu aramaya başlar. Ancak Ormanın Ruhu'nu arayan başkaları da vardır: Lady Eboshi ve Irontown sakinleri. Lady Eboshi ve Prenses Mononoke arasındaki savaşta kazanan olmadığını ve hem insanların hem de doğanın zarar gördüğünü fark eden Ashitaka, onları durdurmaya çalışacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Prenses Mononoke, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Prenses Mononoke'in 1997 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Prenses Mononoke'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Prenses Mononoke'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.3 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Prenses Mononoke'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Prenses Mononoke bundan faydalanıyor. Animasyon, teknik yeteneğin gösterilmesinden ziyade hikaye anlatımına hizmet ediyor. Yönetmen bu formu, anlatılan spesifik hikayeye hizmet edecek duygusal ve anlatısal etkiler elde etmek için kullanıyor. Prenses Mononoke'i bu animasyon listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Hayao Miyazaki burada çoğu animasyon filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Prenses Mononoke'teki performanslar, Hayao Miyazaki'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Yoji Matsuda, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Prenses Mononoke'te en zor anlar, Yoji Matsuda'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Prenses Mononoke, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.3 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Prenses Mononoke'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Hayao Miyazaki ve Yoji Matsuda işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Prenses Mononoke'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Prenses Mononoke'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Hayao Miyazaki, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. Yoji Matsuda'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
Vahşi Robot
Bu destansı macera, ıssız bir adaya düşen ve zorlu çevre koşullarına uyum sağlamayı öğrenmesi gereken bir robotun -ROZZUM ünite 7134’ün, kısaca “Roz”un- yavaş yavaş adadaki hayvanlarla ilişki kurmasını ve yetim bir kaz yavrusunun evlat edinmesini konu alıyor.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Vahşi Robot, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Vahşi Robot, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Chris Sanders gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. 8.3 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Vahşi Robot de bir istisna değildir. Yönetmen, insan olmanın ne anlama geldiğine dair sorular sormak için bilim kurgu önermesini kullanıyor. Spekülatif teknoloji, olağanüstü baskı altındaki karakteri keşfetmeye yönelik bir çerçevedir. animasyon türünde Vahşi Robot özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi animasyon filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Vahşi Robot'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Chris Sanders, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Vahşi Robot karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Vahşi Robot'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Vahşi Robot, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.3 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Vahşi Robot'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Chris Sanders ve Lupita Nyong'o işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Vahşi Robot ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Chris Sanders, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Vahşi Robot'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Mükemmel Mavi
"CHAM!" isimli popüler müzik grubunun üyesi olan Mima Kirigoe, yeni bir kariyere adım atmak için şarkıcılığı bırakır ve oyunculuğa başlar. Mima’nın bu kararı hayranlarının bir kısmını rahatsız eder. Oynadığı filmdeki rolden ve dergilere çıplak pozlar vermesinden sonra Me-Mania lakaplı hayranının tacizleriyle Mima'nın kariyeri ve özel yaşamı parçalanmaya başlar. Hayatı iyice çekilmez hale gelen, sürekli rahatsız edilen Mima, bir süre sonra aklını yitirmeye başlayacak ve gerçekle hayal arasındaki ayrımı yapamaz hale gelecektir * Black Swan, komple bu filmden aparılmış adeta * Satoshi Kon zihinlerin ırzına geçmeye devam ediyor * Paprika, Tokyo Godfathers gibi başarılı işlere imza atmış olan Satoshi Kon'un çektiği ilk film olma özelliğini taşıyan Perfect Blue, anime türü içinde en başarılı gerilim filmlerinden biri.
Neden izliyorsunuz?: Mükemmel Mavi bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1998'te gösterime giren Mükemmel Mavi, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Satoshi Kon hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.3 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Mükemmel Mavi'in 8.3 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Satoshi Kon, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. animasyon türü yüzlerce filmler üretti. 8.3 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Mükemmel Mavi'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Satoshi Kon, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Mükemmel Mavi'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Junko Iwao, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Mükemmel Mavi'i ilk kez izleyen izleyiciler, Satoshi Kon'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Mükemmel Mavi'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Junko Iwao, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1998 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Satoshi Kon'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Mükemmel Mavi'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Satoshi Kon, Mükemmel Mavi ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Sinema önemli hikayelerle ilgilidir. Bu bölümdeki filmler bu prensibi kanıtlıyor.
Aslan Kral
Vahşi Afrika’da henüz yeni doğan bir aslan doğaya egemen düzenin kökünden sarsılacağı bir döneme tanıklık etmek üzeredir. Doğanın kralı olan babasının tacının veliahtı olan Simba, kötülüklerle ve kötü hayvanlarla dolu ormanlarda günden güne daha fazla öğrenecek ve daha fazla büyüyecektir. Simba’nın sorumluluklarını üstlenme ve sorunları çözme becerisi, ormanın yeni kurallarını belirleyecektir.
Neden izliyorsunuz?: Aslan Kral'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Aslan Kral, 1994'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Aslan Kral'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.3'te Aslan Kral, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Aslan Kral herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Aslan Kral, animasyon sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Roger Allers, animasyon'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Aslan Kral'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Roger Allers, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. Aslan Kral'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Matthew Broderick, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
Aslan Kral'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Roger Allers'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Aslan Kral, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Matthew Broderick'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Aslan Kral, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Matthew Broderick'in performansının ve Roger Allers'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Klaus - Sihirli Plan
Bencil bir postacı ile münzevi bir oyuncakçı arasında kurulan beklenmedik dostluk, soğuk ve karanlık bir kasabaya ihtiyacı olan neşeyi getirir.
Neden izliyorsunuz?: Klaus - Sihirli Plan, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2019'te, Sergio Pablos, Klaus - Sihirli Plan'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Klaus - Sihirli Plan'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.2'teki Klaus - Sihirli Plan, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Sergio Pablos, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Filmin bir komedi olarak tutarlılığı tutarlılıktan geliyor. Yönetmen dünyanın kurallarını ve karakterlerin bu kurallar içindeki davranışlarını belirliyor ve mizah, bu karakterlerin bir durumu nasıl yönlendirdiğinden ortaya çıkıyor. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü animasyon kanonunu açık hale getirirler. 8.2'teki Klaus - Sihirli Plan, animasyon sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen animasyon filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Klaus - Sihirli Plan'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Sergio Pablos, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Jason Schwartzman, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Klaus - Sihirli Plan'te en çok görülür.
Klaus - Sihirli Plan, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.2 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Klaus - Sihirli Plan'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Sergio Pablos ve Jason Schwartzman işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Klaus - Sihirli Plan'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.2 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Klaus - Sihirli Plan'e yüksek puan verme kararları, Sergio Pablos'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Klaus - Sihirli Plan genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Kurt Çocuklar Ame ve Yuki
Film, üniversite öğrencisi Hana’nın, bir gün sınıfta gördüğü gizemli bir adama aşık olmasıyla başlar. Bu adamın aslında yaşayan son kurt adam olduğunu öğrenmesine rağmen aşkından vazgeçmez. Birlikte iki çocukları olur. Abla Yuki (karda doğduğu için "Kar") ve küçük kardeş Ame (yağmurda doğduğu için "Yağmur"). Ancak babalarının ani ölümüyle Hana, yarı kurt yarı insan olan çocuklarını şehir hayatının zorluklarından korumak için kırsala taşınmaya karar verir.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Kurt Çocuklar Ame ve Yuki, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Kurt Çocuklar Ame ve Yuki, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Mamoru Hosoda gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.2 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Kurt Çocuklar Ame ve Yuki, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Mamoru Hosoda'in Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'teki animasyon'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu animasyon filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'teki performanslar, Mamoru Hosoda'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Aoi Miyazaki, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'te en zor anlar, Aoi Miyazaki'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Mamoru Hosoda'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Aoi Miyazaki'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Kurt Çocuklar Ame ve Yuki, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Kurt Çocuklar Ame ve Yuki, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Mamoru Hosoda'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Demon Slayer: Mugen Treni
Film ailesi acımasızca öldürülen Tanjiro Kamado'nun hikayesini anlatıyor.Tanjiro Kamado, ailesi acımasızca öldürüp, kız kardeşinin bir çeşit iblise dönüştürülmesinden sonra, iblis avcılığına başlar. Tanjiro ve arkadaşları, umutsuzluğa çıkan yolda Mugen Treni'nin peşine düşer.
Neden izliyorsunuz?: Demon Slayer: Mugen Treni bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2020'te üretilen Demon Slayer: Mugen Treni, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.2 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Demon Slayer: Mugen Treni için 8.2 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Demon Slayer: Mugen Treni'in yaptığı da tam olarak bu. Haruo Sotozaki bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Aksiyon sineması, mekansal mantık çöktüğünde ve sekanslar soyut bir gösteriye dönüştüğünde başarısız olur. Bu filmler bu başarısızlığı önlüyor. Yönetmen storyboard'ları sadece etki için değil, anlaşılması için de hazırlıyor. Seyirci her anın risklerini her zaman anlar. En iyi animasyon filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Demon Slayer: Mugen Treni bu filmlerden biri. Haruo Sotozaki, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Demon Slayer: Mugen Treni'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Haruo Sotozaki, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Demon Slayer: Mugen Treni karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Demon Slayer: Mugen Treni'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Demon Slayer: Mugen Treni, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.2 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Demon Slayer: Mugen Treni'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Haruo Sotozaki ve Natsuki Hanae işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Demon Slayer: Mugen Treni bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Haruo Sotozaki, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.2 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Haruo Sotozaki'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Demon Slayer: Mugen Treni'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Çizmeli Kedi: Son Dilek
Herkesin sevgilisi, korkusuz kedi geri dönüyor. Çizmeli Kedi tehlike tutkusunun ve güvenliği ihmal etmesinin zarar verdiğini keşfediyor ve kötülüğüyle nam salmış, efsanevi Dilek Yıldızı’nı bulmak için Kara Orman’a doğru destansı bir yolculuğa çıkıyor. Ancak sadece tek bir canı kalan Çizmeli Kedi’nin boyun eğmesi, eski ortağı ve düşmanı olan çekici Yumuşak Pati Kitty’den yardım istemesi gerekecektir.
Neden izliyorsunuz?: Çizmeli Kedi: Son Dilek'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Çizmeli Kedi: Son Dilek (2022), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Joel Crawford, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.2'teki Çizmeli Kedi: Son Dilek, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Yönetmen filme, animasyonun gerektirdiği türden bilinçli bir zanaatla yatırım yapıyor. Her kare hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair niyeti yansıtıyor; bu da filmin sadece anlatıdan ziyade bireysel anlar düzeyinde çalıştığı anlamına geliyor. Çizmeli Kedi: Son Dilek, bu animasyon sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Çizmeli Kedi: Son Dilek'in her sahnesinde görülüyor.
Çizmeli Kedi: Son Dilek'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Joel Crawford, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Çizmeli Kedi: Son Dilek'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Antonio Banderas, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Çizmeli Kedi: Son Dilek, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.2 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Çizmeli Kedi: Son Dilek'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Joel Crawford ve Antonio Banderas işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Çizmeli Kedi: Son Dilek'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Joel Crawford filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.2 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Çizmeli Kedi: Son Dilek tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Coco
Miguel, ailesinin nesiller boyu süren yasağına rağmen idolü Ernesto de la Cruz gibi başarılı bir müzisyen olmanın hayalini kuruyordur. Çaresizce yeteneğini kanıtlamaya çalışan Miguel, kendini etkileyici ve renkli Ölüler Şehri'nde bir dizi gizemli olay zincirini takip ederken bulur. Bu sırada çekici bir oyunbaz olan Hector'la tanışır ve birlikte Miguel'in aile geçmişindeki asıl hikâyeyi ortaya çıkartacak olağanüstü bir yolculuğa çıkarlar.
Neden izliyorsunuz?: Coco, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2017'te, Lee Unkrich, Coco'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Coco'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.2 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Coco'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Coco bundan faydalanıyor. Animasyon, teknik yeteneğin gösterilmesinden ziyade hikaye anlatımına hizmet ediyor. Yönetmen bu formu, anlatılan spesifik hikayeye hizmet edecek duygusal ve anlatısal etkiler elde etmek için kullanıyor. Coco'i bu animasyon listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Lee Unkrich burada çoğu animasyon filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Coco'teki görsel yaklaşım, Lee Unkrich'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Coco'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Anthony Gonzalez, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Coco'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Coco'i ilk kez izleyen izleyiciler, Lee Unkrich'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Coco'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Anthony Gonzalez, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2017 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Lee Unkrich'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Coco, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Lee Unkrich'in Coco'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
VOL-İ
Vol-i, günümüzden çok uzak bir gelecekte geçmektedir. Filmde, insanoğlu aşırı kirlenme sebebiyle Dünya’yı terk edip derin uzayda yaşamaya başlamıştır. Çöplerle çevrili dünyayı temizleme görevi sevimli bir robota, Vol-i'ye verilir. İnsanoğlunun bıraktığı çöplerden kendine yeni bir dünya yaratan Vol-i'nin yalnızlığı, başka bir robot olan EVE’in gelmesiyle son bulur. İki sevimli robotun arasında filizlenen dokunaklı ilişki türlü zorluklara rağmen direnmeye ve ayakta kalmaya çalışır.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. VOL-İ, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
VOL-İ, tiyatro sinemasının ilgi çekmek için ilk internet ve DVD ile rekabet ettiği 2008'te yapıldı. Andrew Stanton o zaman da ilgiyi çeken bir şey yaptı ve şimdi de tutuyor. 8.1 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve VOL-İ de bir istisna değildir. Yönetmen, insan olmanın ne anlama geldiğine dair sorular sormak için bilim kurgu önermesini kullanıyor. Spekülatif teknoloji, olağanüstü baskı altındaki karakteri keşfetmeye yönelik bir çerçevedir. animasyon türünde VOL-İ özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi animasyon filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
VOL-İ'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Andrew Stanton, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Ben Burtt, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde VOL-İ'te en çok görülür.
VOL-İ, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Andrew Stanton kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.1 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü VOL-İ ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. VOL-İ'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki VOL-İ, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Ben Burtt'in performansının ve Andrew Stanton'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Soul
Küçük bir yanlış adım, şehrin en iyi caz kulübünde çalmak üzere hayatının şansını yakalayan ortaokul müzik öğretmeni Joe Gardner'nı New York sokaklarından, yeni ruhların dünyaya gitmeden önce kişiliklerini, tuhaflıklarını ve ilgi alanlarını edindikleri fantastik bir yer olan Önceki Dünya’ya götürür. Joe, insan olmanın cazibesini hiç kavrayamamış olan, erken büyümüş ruh 22’nin yardımıyla dünyadaki hayatına geri dönmeye çalışacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Soul bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2020'te üretilen Soul, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.1 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Soul'in 8.1 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Pete Docter, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. animasyon türü yüzlerce filmler üretti. 8.1 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Soul'teki performanslar, Pete Docter'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Jamie Foxx, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Soul'te en zor anlar, Jamie Foxx'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Soul, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Soul'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Pete Docter ve Jamie Foxx işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Soul'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.1 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Soul'e yüksek puan verme kararları, Pete Docter'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Soul genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Flow: Bir Kedinin Yolculuğu
Kedi, yalnız bir hayvandır. Evi büyük bir sel tarafından yerle bir edilince çeşitli hayvan türlerinin yaşadığı bir teknede sığınak bulur ve farklılıklarına rağmen onlarla iş birliği yapmak zorunda kalır.
Neden izliyorsunuz?: Flow: Bir Kedinin Yolculuğu'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Flow: Bir Kedinin Yolculuğu (2024), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Gints Zilbalodis, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.1'te Flow: Bir Kedinin Yolculuğu, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Flow: Bir Kedinin Yolculuğu herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Yönetmen filme, animasyonun gerektirdiği türden bilinçli bir zanaatla yatırım yapıyor. Her kare hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair niyeti yansıtıyor; bu da filmin sadece anlatıdan ziyade bireysel anlar düzeyinde çalıştığı anlamına geliyor. Flow: Bir Kedinin Yolculuğu, animasyon sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Gints Zilbalodis, animasyon'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Flow: Bir Kedinin Yolculuğu'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Gints Zilbalodis, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Flow: Bir Kedinin Yolculuğu karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Flow: Bir Kedinin Yolculuğu'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Flow: Bir Kedinin Yolculuğu'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Flow: Bir Kedinin Yolculuğu'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Flow: Bir Kedinin Yolculuğu'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Gints Zilbalodis'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. the lead performance'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Flow: Bir Kedinin Yolculuğu, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Flow: Bir Kedinin Yolculuğu, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Gints Zilbalodis'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Flow: Bir Kedinin Yolculuğu'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Komşum Totoro
İki sevimli kız kardeş olan Satsuke ve Mei, babaları ile birlikte hastanede yatan annelerine daha yakın olabilmek için hastanenin yakınındaki bir köy evine taşınırlar. Yeni evlerine alışmaya çalışırlarken inanılmaz bir gerçeğin farkına varırlar. Evlerinin yakınındaki ormanda Totoro isminde, son derece sevimli ve büyülü yaratıklar yaşamaktadır. Bu sevimli yaratıklarla kısa zamanda arkadaş olan Satsuke ve Mei için şehrin telaşından uzakta yepyeni büyülü bir dünyanın kapıları açılacaktır. Yaz zamanının kaygısızlığı üzerine kurulmuş bir aile filmi olarak tasarlanan Komşum Totoro ile Miyazaki'nin unutulmaz karakterleriyle zenginleştirilmiş hayalgücü ve arkadaşlığın bir masalını yaratıyor. Çocukluğun perimasalı dünyasının ve yokolan kırsal alanların yasını tutuyor...
Neden izliyorsunuz?: Komşum Totoro, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Komşum Totoro'in 1988 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Komşum Totoro'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Komşum Totoro'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.1'teki Komşum Totoro, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Hayao Miyazaki, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Animasyon, teknik yeteneğin gösterilmesinden ziyade hikaye anlatımına hizmet ediyor. Yönetmen bu formu, anlatılan spesifik hikayeye hizmet edecek duygusal ve anlatısal etkiler elde etmek için kullanıyor. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü animasyon kanonunu açık hale getirirler. 8.1'teki Komşum Totoro, animasyon sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen animasyon filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Komşum Totoro'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Hayao Miyazaki, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Komşum Totoro'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Noriko Hidaka, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Komşum Totoro, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Komşum Totoro'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Hayao Miyazaki ve Noriko Hidaka işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Komşum Totoro bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Hayao Miyazaki, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.1 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Hayao Miyazaki'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Komşum Totoro'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Harika filmler kendi kategorilerinin ötesine geçer. Zanaat olağanüstü olduğu için çalışıyorlar.
K-Pop: İblis Avcıları
K-pop süperstarları Rumi, Mira ve Zoey, stadyumlarda kapalı gişe konserler vermedikleri zamanlarda hayranlarını doğaüstü bir tehditten korumak için gizli güçlerini kullanır.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. K-Pop: İblis Avcıları, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
K-Pop: İblis Avcıları, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Chris Appelhans gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.0 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. K-Pop: İblis Avcıları, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Filmin komedi gibi çalışmasını sağlayan şey, yönetmenin mizahın nerede olduğunu belirtmeyi reddetmesidir. Şakalar karakter ve durumdan kaynaklanıyor; bu da, dikkat eden izleyicilerin, gülmeleri gerektiğinin söylenmesini bekleyen izleyicilerden daha fazlasını bulduğu anlamına geliyor. Chris Appelhans'in K-Pop: İblis Avcıları'teki animasyon'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu animasyon filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
K-Pop: İblis Avcıları'teki görsel yaklaşım, Chris Appelhans'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. K-Pop: İblis Avcıları'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Arden Cho, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. K-Pop: İblis Avcıları'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
K-Pop: İblis Avcıları, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. K-Pop: İblis Avcıları'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Chris Appelhans özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. K-Pop: İblis Avcıları ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 8.0 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
K-Pop: İblis Avcıları'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Chris Appelhans filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.0 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. K-Pop: İblis Avcıları tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Guillermo del Toro sunar: Pinokyo
Mussolini'nin İtalya'sında, faşizmin yükselişi sırasında geçen filmde, babasının beklentilerini karşılamaya çalışan kukla çocuk Pinokyo’nun aşk ve itaatsizlik hikayesi anlatılıyor. Gerçek bir çocuk olmayı hayal eden tahta kukla hakkındaki ünlü Carlo Collodi masalının karanlık, çarpık bir yeniden anlatımı.
Neden izliyorsunuz?: Guillermo del Toro sunar: Pinokyo bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2022'te üretilen Guillermo del Toro sunar: Pinokyo, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.0 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Guillermo del Toro sunar: Pinokyo için 8.0 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Guillermo del Toro sunar: Pinokyo'in yaptığı da tam olarak bu. Mark Gustafson bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmi animasyon olarak farklı kılan, yönetmenin formun tasarım yoluyla içselliği aktarabileceğini anlamasıdır. Hareket, renk ve kompozisyon karakterin diyalogdan önce veya diyalog yerine ne hissettiğini iletir. En iyi animasyon filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Guillermo del Toro sunar: Pinokyo bu filmlerden biri. Mark Gustafson, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Guillermo del Toro sunar: Pinokyo'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Mark Gustafson, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Ewan McGregor, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Guillermo del Toro sunar: Pinokyo'te en çok görülür.
Guillermo del Toro sunar: Pinokyo'i ilk kez izleyen izleyiciler, Mark Gustafson'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Guillermo del Toro sunar: Pinokyo'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Ewan McGregor, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2022 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Mark Gustafson'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Guillermo del Toro sunar: Pinokyo, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Mark Gustafson'in Guillermo del Toro sunar: Pinokyo'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Vincent'ten Sevgilerle
Ünlü Hollandalı ressam Vincent van Gogh'un ölümünün üzerinden 1 yıl geçmiştir. Postacı Roulin, ressamın kardeşi Theo'ya gönderdiği, ancak bir türlü yerine ulaşamayan mektubu elden vermesi için oğlu Armand'ı Auvers-sur-Oise'a gönderir. Armand bu görevi pek istemese de kabul ederek söz konusu kasabaya gider. Ancak Theo da vefat etmiştir, mektubu Van Gogh'un doktoru aynı zamanda dostu Dr. Gachet'ye vermesi gerekir. Doktoru beklerken kasaba halkından birçok kişiyle tanışan Armand, ressamın sanatının esin kaynaklarına ve ölümüne giden sürece dair çok şey öğrenir. Loving Vincent filmi, 125 ressamın tek tek yaptığı 65,000 kare yağlı boya tablonun birleştirilmesiyle gerçekleşti.
Neden izliyorsunuz?: Vincent'ten Sevgilerle'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Vincent'ten Sevgilerle (2017), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Hugh Welchman, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.0'teki Vincent'ten Sevgilerle, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Vincent'ten Sevgilerle, bu animasyon sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Vincent'ten Sevgilerle'in her sahnesinde görülüyor.
Vincent'ten Sevgilerle'teki performanslar, Hugh Welchman'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Douglas Booth, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Vincent'ten Sevgilerle'te en zor anlar, Douglas Booth'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Vincent'ten Sevgilerle, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Hugh Welchman kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.0 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Vincent'ten Sevgilerle ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Vincent'ten Sevgilerle'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Vincent'ten Sevgilerle, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Douglas Booth'in performansının ve Hugh Welchman'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Yağmurda Seninle
Lise öğrencisi Hodaka Morishima, izole bir adada bulunan evini terk edip Tokyo'ya yerleşir ama çok geçmeden buna pişman olur. Günlerini herkesten soyutlanarak geçiren Hodaka, nihayet gizemli bir dergide yazarlık yapmaya başlar. İşine başladıktan sonra, hava günden güne giderek daha yağışlı bir hal alır. Kalabalık ve yoğun şehrin bir köşesinde, Hodaka, küçük kardeşi ile birlikte yaşayan, ancak neşeli ve azimli bir yaşam süren Hina Amano adında genç bir kadınla tanışır. Hina'nın bir yeteneği bulunmaktadır: Yağmuru durdurma ve gökyüzünü temizleme gücü.
Neden izliyorsunuz?: Yağmurda Seninle, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2019'te, Makoto Shinkai, Yağmurda Seninle'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Yağmurda Seninle'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.0 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Yağmurda Seninle'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Yağmurda Seninle bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Yağmurda Seninle'i bu animasyon listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Makoto Shinkai burada çoğu animasyon filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Yağmurda Seninle'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Makoto Shinkai, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Yağmurda Seninle karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Yağmurda Seninle'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Yağmurda Seninle, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Yağmurda Seninle'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Makoto Shinkai ve Kotaro Daigo işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Yağmurda Seninle'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.0 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Yağmurda Seninle'e yüksek puan verme kararları, Makoto Shinkai'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Yağmurda Seninle genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Oyuncak Hikayesi
Buzz Lightyear adlı yeni çıkan oyuncak, Andy'e hediye edilir. Oyuncağı çok seven Andy, eski gözdesi Şerif Woody'e olan ilgisini yitirir. Bir gün Buzz yanlışlıkla pencereden aşağı uçunca, herkes Woody'nin onu öldürdüğüne inanır. Woody, kendisini kurtarabilmek için Buzz'ın arkasından giderek onu geri getirmeye karar verir. Fakat ikiliyi dış dünyada büyük tehlikelerle dolu maceralar beklemektedir.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Oyuncak Hikayesi, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Oyuncak Hikayesi (1995), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Oyuncak Hikayesi, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 8.0 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Oyuncak Hikayesi de bir istisna değildir. Filmin komedi gibi çalışmasını sağlayan şey, yönetmenin mizahın nerede olduğunu belirtmeyi reddetmesidir. Şakalar karakter ve durumdan kaynaklanıyor; bu da, dikkat eden izleyicilerin, gülmeleri gerektiğinin söylenmesini bekleyen izleyicilerden daha fazlasını bulduğu anlamına geliyor. animasyon türünde Oyuncak Hikayesi özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi animasyon filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Oyuncak Hikayesi'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. John Lasseter, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Oyuncak Hikayesi'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Tom Hanks, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Oyuncak Hikayesi'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Oyuncak Hikayesi'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Oyuncak Hikayesi'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. John Lasseter'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Tom Hanks'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Oyuncak Hikayesi, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Oyuncak Hikayesi, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. John Lasseter'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Oyuncak Hikayesi'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Gökteki Kale
Özel olarak görevlendirilmiş bir devlet kuruluşu tarafından hava gemisinde esir tutulan kız Sheeta, geminin korsanlar tarafından saldırıya uğradığı anda bir fırsatını bulup kaçmaya kalkar ama gemiden aşağıya düşer. Bulutlar arasında hızla düşerken, bilincini kaybeden Sheeta'nın boynundaki mavi taşlı kristal bir kolye ansızın çevreye ışık saçar ve Sheeta bu mavi taş sayesinde yavaşça yere doğru inmeye başlar. Maden kasabasında işçi olarak çalışan Pazu adlı bir çocuk, gökyüzünden iniş yapan Sheeta'yı tesadüfen görerek kurtarır ve kendi evinde saklar… İki çocuk bundan sonra, gökte uçan "Laputa" adlı efsanevi son kaleyi bulmak ve kötülerin oyununu bozmak zorundadırlar.
Neden izliyorsunuz?: Gökteki Kale bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1986'te gösterime giren Gökteki Kale, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Hayao Miyazaki hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.0 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Gökteki Kale'in 8.0 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Hayao Miyazaki, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Filmi animasyon olarak farklı kılan, yönetmenin formun tasarım yoluyla içselliği aktarabileceğini anlamasıdır. Hareket, renk ve kompozisyon karakterin diyalogdan önce veya diyalog yerine ne hissettiğini iletir. animasyon türü yüzlerce filmler üretti. 8.0 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Gökteki Kale'in görsel dili, 1986'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Hayao Miyazaki, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Gökteki Kale'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Gökteki Kale'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Gökteki Kale, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Gökteki Kale'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Hayao Miyazaki ve Keiko Yokozawa işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Gökteki Kale bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Hayao Miyazaki, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.0 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Hayao Miyazaki'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Gökteki Kale'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Yukarı Bak
Hayatı boyunca yaşamak istediği macera hayalini gerçekleştirmek için evine binlerce balon bağlayıp Güney Amerika'nın vahşi doğasına doğru yolculuğa çıkan 78 yaşındaki baloncu Carl Fredricksen'ın hikayesinin anlatıldığı yeni bir komedi. Ancak Carl, yolculuğa başladıktan sonra en büyük kabusunu da yanında götürmekte olduğunu fark eder: fazlasıyla iyimser, doğa kaşifi 8 yaşındaki Russel'ı.
Neden izliyorsunuz?: Yukarı Bak'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
2009 sineması çağdaş filmlerden farklı baskılar altında işliyordu. Yukarı Bak, modern prodüksiyonları şekillendiren algoritmik geri bildirim döngüleri olmadan yapıldı. Pete Docter'in burada yarattığı şey verilerden ziyade inançtan geldi. 8.0'te Yukarı Bak, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Yukarı Bak herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Karakter komedisi, yönetmenin ve oyuncu kadrosunun en komik anların abartıdan ziyade gerçeklerden geldiğini anlamasını gerektirir. Film işe yarıyor çünkü karakterlerin yaptıkları, kim olduklarına göre anlamlı. Yukarı Bak, animasyon sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Pete Docter, animasyon'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Yukarı Bak'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Pete Docter, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Ed Asner, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Yukarı Bak'te en çok görülür.
Yukarı Bak, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Yukarı Bak'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Pete Docter özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Yukarı Bak ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 8.0 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Yukarı Bak'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Pete Docter filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.0 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Yukarı Bak tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Demir Dev
1958 yılında dev bir robot, Amerika’nın Maine eyaletinin küçük bir kasabasına düşer ve çevre halkını dehşete düşürür. Bir gün Hogarth adında 9 yaşında bir çocukla arkadaş olur ve bu arkadaşlık ona insaniyet ve cömertlik kavramlarını kazandırır.
Neden izliyorsunuz?: Demir Dev, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Demir Dev'in 1999 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Demir Dev'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Demir Dev'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.0'teki Demir Dev, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Brad Bird, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü animasyon kanonunu açık hale getirirler. 8.0'teki Demir Dev, animasyon sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen animasyon filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Demir Dev'teki performanslar, Brad Bird'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Jennifer Aniston, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Demir Dev'te en zor anlar, Jennifer Aniston'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Demir Dev'i ilk kez izleyen izleyiciler, Brad Bird'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Demir Dev'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Jennifer Aniston, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1999 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Brad Bird'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Demir Dev, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Brad Bird'in Demir Dev'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Rüzgârlı Vadi
Dünya "Ateşin Yedi Günü" isimli yıkıcı bir savaşın ardından yaşanmaz bir yerleşim yerine dönüşmüştür. Savaş sonrası ortaya çıkan zehirli bir gaz sebebiyle tüm doğal yaşam sona ermiş, insanoğlu da yok olma tehlikesiyle karşı karşıya kalmıştır. Çok az sayıdaki insan kolonileri bu gazdan arındırılan irili ufaklı adalarda yaşamaktadır. Prenses Naushika'nın halkı da bu insan topluluklarından biridir. Prenses Naushika, zehirli gaz ormanlarındaki canlılardan olan 'Ohmu'larla konuşup anlaşabilme yeteneğine sahiptir. O, bu zehirli gaz dolu ormanlara ve burada yaşayan Ohmu'lara karşı halen daha umutludur ve bir kurtuluş yolu bulabileceği inancını taşır.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Rüzgârlı Vadi, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Rüzgârlı Vadi (1984), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Rüzgârlı Vadi, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.0 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Rüzgârlı Vadi, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Film, animasyonun, canlı aksiyonun ulaşamayacağı duygusal seviyelere ulaşmak için bir araç olduğunu gösteriyor. Yönetmen, animasyon biçimine özgü anlar yaratmak için ortamın biçimsel olanaklarını kullanıyor. Hayao Miyazaki'in Rüzgârlı Vadi'teki animasyon'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu animasyon filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Rüzgârlı Vadi'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Hayao Miyazaki, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Rüzgârlı Vadi karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Rüzgârlı Vadi'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Rüzgârlı Vadi'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Hayao Miyazaki'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Rüzgârlı Vadi, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Sumi Shimamoto'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Rüzgârlı Vadi, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Sumi Shimamoto'in performansının ve Hayao Miyazaki'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Yüreğinin Sesi
Shizuku Tsukishima, okumayı çok seven bir ortaokul öğrencisidir. Kütüphaneden aldığı her kitapta, içinden çıkan kartta aynı isim yazmaktadır: "Seiji Amasawa". Shizuku, bu kişi hakkında araştırdıkça kendisi ve hayatı hakkında da çok şey öğrenecektir, bu sırada verdiği kararlar hayatına yön verecek kararlardır.
Neden izliyorsunuz?: Yüreğinin Sesi sessizliğe güvenen bir drama. Yoshifumi Kondo, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
1995'te gösterime giren Yüreğinin Sesi, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Yoshifumi Kondo hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.9 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Yüreğinin Sesi için 7.9 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Yüreğinin Sesi'in yaptığı da tam olarak bu. Yoshifumi Kondo bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. En iyi animasyon filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Yüreğinin Sesi bu filmlerden biri. Yoshifumi Kondo, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Yüreğinin Sesi'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Yoshifumi Kondo, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Yüreğinin Sesi'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Yoko Honna, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Yüreğinin Sesi, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Yüreğinin Sesi'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Yoshifumi Kondo ve Yoko Honna işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Yüreğinin Sesi'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.9 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Yüreğinin Sesi'e yüksek puan verme kararları, Yoshifumi Kondo'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Yüreğinin Sesi genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
En iyi sinema dikkatinizi ödüllendirir. Buradaki her filmler ihtiyaç duyduğu zamanı kazandı.
Akira
Yıl 2019. 3. Dünya Savaşı'ndan 31 yıl sonra. Yıkılan Tokyo yerine yapılan Neo-Tokyo'da kaos hüküm sürmektedir. Polis ve hükümet güçleri yeraltı örgütlerine karşı mücadele etmektedirler. Kaneda ve motosiklet çetesi, otoriteyi hiçe sayarak bildikleri gibi yaşamakta ve zamanalarını serserilik etmekle geçirmektedirler. Birgün çete üyesi Tetsuo, küçük bir çocuğun da bulunduğu bir kazaya karışır ve ağır yaralanır. Olay yerine gelen askeri birlikler Tetsuo'yu da alarak ayrılırlar ve üzerinde bir takım deneyler yaparlar. 3. Dünya Savaşı'na yol açan ve Tokyo'nun yıkılmasına sebep olan Akira Fenomeni nedir? Tetsuo'yu ne bekliyor? Kei ve örgütü neyin peşinde? Gizemler birbiri üzerine gelecek ve cevapları bu görsel şölende kendini gösterecek.
Neden izliyorsunuz?: Katsuhiro Otomo, Akira'te aksiyonu yalnızca etkiden ziyade kavrama amacıyla çekiyor. Uzamsal mantık baştan sona korunur ve olması gerekenden daha nadirdir.
Akira, 1988'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Akira'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.9'teki Akira, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Yönetmen aksiyonu kamera gösterisinden ziyade insan ölçeğine göre çekiyor. Karakterler tutarlı bir alanı kaplar ve vücutları bu alanda okunabilir bir amaç doğrultusunda hareket eder. Sonuç, anlık adrenalin üretmek yerine etkiyi artıran bir eylemdir. Akira, bu animasyon sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Akira'in her sahnesinde görülüyor.
Akira'in görsel dili, 1988'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Katsuhiro Otomo, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Akira'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Akira'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Akira'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Akira'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Akira'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Katsuhiro Otomo'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Mitsuo Iwata'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Akira, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Akira, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Katsuhiro Otomo'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Akira'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Kabuktaki Hayalet
Yıl 2029. Dünya, Net sayesinde sınırsız hale geldi ve insanlar artık sanal dünyada yaşamaya başladılar. Düzen, süper güçlü ve istedikleri yere download olabilen polisler tarafından sağlanıyor. Japonya'da, Dışişleri Bakanlığı tarafından yaratılmış ve net ortamında istediği gibi hareket edebilen Project 2501 kod adlı bir süper ajan, bilgi denizinde kazandığı bilinçle kendisine bir beden arayışına başlar. The Puppet Master (Kuklacı) olarak kendisini tanıtan ajan, onun varlığından habersiz hükümet istihbarat birimleri tarafından bir güvenlik tehditi olarak görülür ve yakalanması için peşine iki ajan takılır. Yarı sibernetik yarı insan olan iki ajandan son derece iyi eğitimli kadın ajan Albay Motoko Kusanagi, Kuklacı'ya ulaşınca onunla aynı bedende buluşmak isteyecektir.
Neden izliyorsunuz?: Kabuktaki Hayalet'teki eylem planlanmak yerine kazanıldı. Mamoru Oshii her diziye doğru gelişir, bu nedenle geldiğinde gösterinin ötesinde bir ağırlık taşır.
Kabuktaki Hayalet'in 1995 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Kabuktaki Hayalet'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Kabuktaki Hayalet'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.9 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Kabuktaki Hayalet'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Kabuktaki Hayalet bundan faydalanıyor. Aksiyon hikaye anlatıcılığının yerine geçmekten ziyade onun altındadır. Yönetmen yalnızca daha önce gelenler sayesinde işe yarayan sekanslar oluşturuyor. İzleyicinin karakterlere ve riske yaptığı yatırım, aksiyonun gerçekleşip gerçekleşmeyeceğini belirler. Kabuktaki Hayalet'i bu animasyon listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Mamoru Oshii burada çoğu animasyon filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Kabuktaki Hayalet'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Mamoru Oshii, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Atsuko Tanaka, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Kabuktaki Hayalet'te en çok görülür.
Kabuktaki Hayalet, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Kabuktaki Hayalet'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Mamoru Oshii ve Atsuko Tanaka işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Kabuktaki Hayalet bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Mamoru Oshii, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.9 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Mamoru Oshii'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Kabuktaki Hayalet'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Dragon Ball Super: Broly
Dünya, Güç Turnuvası'nın ardından barışçıldır. Evrenlerin hala daha çok güçlü insanı görmeye devam ettiklerini fark eden Goku, tüm günlerini antrenmanlarını daha da yükseğe çıkarmak için harcıyor. Sonra bir gün, Goku ve Vegeta, daha önce hiç görmedikleri bir “Salak” adlı Saiyan ile karşı karşıya. Şeytanlar Gezegen Vegeta'nın yok edilmesinde neredeyse tamamen silinmiş olmalıydı, bu yüzden bu dünyada ne yapıyor? Tamamen farklı kaderleri takip eden üç Saiyalı arasındaki bu karşılaşma, fena halde yakalanan Frieza (Cehennemden gelen) ile muazzam bir savaşa dönüşür.
Neden izliyorsunuz?: Coğrafyanın netliğiyle hazırlanmış aksiyon. Tatsuya Nagamine, en iyi dizilerin işe yaradığını biliyor çünkü her zaman herkesin nerede olduğunu biliyorsunuz.
Dragon Ball Super: Broly, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Tatsuya Nagamine gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. 7.9 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Dragon Ball Super: Broly de bir istisna değildir. Yönetmen aksiyon sinemasının temel sorununu çözüyor: Aksiyonu size göstermeden önce sonucu önemsemenizi sağlıyor. Sıralamalar işe yarıyor çünkü coğrafi netlik, kimin nerede olduğunu ve başarının neleri gerektirdiğini her zaman bilmeniz anlamına geliyor. animasyon türünde Dragon Ball Super: Broly özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi animasyon filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Dragon Ball Super: Broly'teki performanslar, Tatsuya Nagamine'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Masako Nozawa, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Dragon Ball Super: Broly'te en zor anlar, Masako Nozawa'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Dragon Ball Super: Broly, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Dragon Ball Super: Broly'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Tatsuya Nagamine ve Masako Nozawa işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Dragon Ball Super: Broly'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Tatsuya Nagamine filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.9 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Dragon Ball Super: Broly tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Ters Yüz
Küçük Riley için hayat, babasının San Francisco’da yeni bir işe başlamasıyla baştan aşağıya değişir. Orta-Batı’daki yaşamını geride bırakan Riley'ı şimdi yeni bir ev, okul ve arkadaşlar beklemektedir. Peki içindeki duyguları ona ne söyler? Neşe, Korku, Öfke, Tiksinti ve Üzüntü… Riley'nin zihninin içinde yaşayan, ona günlük hayatında tavsiyeler veren duyguları bu yeni hayata alışırken ufak bir kaosa neden olacaktır. Neşe, Riley’nin en önemli duygusudur ve onu hep pozitif tutmaya çalışır ama diğer duygular bu yeni hayatına uyum sağlama konusunda biraz şaşkındır.
Neden izliyorsunuz?: Ters Yüz, canlı aksiyonun ulaşamayacağı duygusal ve görsel kayıtlara ulaşmak için animasyonu kullanıyor. Pete Docter, biçimi bir sınırlamadan ziyade sinemanın bir uzantısı olarak ele alıyor.
2015'te üretilen Ters Yüz, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 7.9 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Ters Yüz'in 7.9 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Pete Docter, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Filmi animasyon olarak farklı kılan, yönetmenin formun tasarım yoluyla içselliği aktarabileceğini anlamasıdır. Hareket, renk ve kompozisyon karakterin diyalogdan önce veya diyalog yerine ne hissettiğini iletir. animasyon türü yüzlerce filmler üretti. 7.9 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Ters Yüz'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Pete Docter, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Ters Yüz karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Ters Yüz'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Ters Yüz'i ilk kez izleyen izleyiciler, Pete Docter'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Ters Yüz'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Amy Poehler, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2015 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Pete Docter'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Ters Yüz, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Pete Docter'in Ters Yüz'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Koralin ve Gizli Dünya
Coraline eski bir eve taşındığında canı çok sıkılır ve ailesi tarafından da ihmal edilir. Bir gün dar bir geçide uzanan gizli bir kapı bulur ve geçitten geçmeye karar verir. Orada paralel bir hayat keşfeder. O hayatta insanların hepsinin gözlerinin yerinde düğmeler vardır, aileleri çocukları ile çok ilgilidirler ve herkesin hayalleri gerçek olur. Oranın annesi Coraline’i kendileri ile birlikte sonsuza dek yaşamak üzere davet edince, Coraline bunu reddeder. Sonra da bu alternatif gerçekliğin sadece bir tuzak olduğunu keşfeder.
Neden izliyorsunuz?: Koralin ve Gizli Dünya'teki her görsel karar (renk, hareket, kompozisyon) sıfırdan icat edilmiştir. Henry Selick, hiçbir canlı aksiyon filminin taklit edemeyeceği bir şey yaratmak için bu tam kontrolü kullanıyor.
2009 sineması çağdaş filmlerden farklı baskılar altında işliyordu. Koralin ve Gizli Dünya, modern prodüksiyonları şekillendiren algoritmik geri bildirim döngüleri olmadan yapıldı. Henry Selick'in burada yarattığı şey verilerden ziyade inançtan geldi. 7.9'te Koralin ve Gizli Dünya, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Koralin ve Gizli Dünya herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Yönetmen filme, animasyonun gerektirdiği türden bilinçli bir zanaatla yatırım yapıyor. Her kare hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair niyeti yansıtıyor; bu da filmin sadece anlatıdan ziyade bireysel anlar düzeyinde çalıştığı anlamına geliyor. Koralin ve Gizli Dünya, animasyon sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Henry Selick, animasyon'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Koralin ve Gizli Dünya'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Henry Selick, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Koralin ve Gizli Dünya'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Dakota Fanning, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Koralin ve Gizli Dünya, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Henry Selick kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 7.9 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Koralin ve Gizli Dünya ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Koralin ve Gizli Dünya'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Koralin ve Gizli Dünya, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Dakota Fanning'in performansının ve Henry Selick'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Mulan
Zirveleri karlarla kaplı dağların eteklerinde en az bir milyon Hun askerinin amansızca hücumları sürerken, bir avuç Çin askeri de ülkelerini cesurca savunmaya çalışmaktadır. Kılıçları çekmiş ve ölümü beklemeye başlamışlardır. Aralarındaki Ping adlı genç askerin aklına ansızın parlak bir fikir gelir. Doğru topun başına giderek karşı tepelere doğru ateş açar. Birden kıyamet kopar. Tepelrden aşağı devasa büyüklükte bir çığ inmeye başlar. Neye uğradıklarını şaşıran Hun askerleri bir anda darmadağın olurlar ve hücumlarını durdururlar. Ping imkansızı başarmış ve kahraman olmuştur.Tam anlamıyla cesur bir erkek olduğu düşünülen Ping aslında genç bir kızdır ve adı Mulan'dır...
Neden izliyorsunuz?: Verimlilikten ziyade niyetle yapılan animasyonlar farklı görünüyor. Tony Bancroft, Mulan'in bireysel kareler düzeyinde farklı hissettirmesini sağlıyor ve bir bütün halinde birleşiyor.
Mulan'in 1998 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Mulan'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Mulan'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.9'teki Mulan, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Tony Bancroft, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Animasyon, teknik yeteneğin gösterilmesinden ziyade hikaye anlatımına hizmet ediyor. Yönetmen bu formu, anlatılan spesifik hikayeye hizmet edecek duygusal ve anlatısal etkiler elde etmek için kullanıyor. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü animasyon kanonunu açık hale getirirler. 7.9'teki Mulan, animasyon sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen animasyon filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Mulan'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Tony Bancroft, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. Mulan'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Ming-Na Wen, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
Mulan, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Mulan'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Tony Bancroft ve Ming-Na Wen işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Mulan'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.9 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Mulan'e yüksek puan verme kararları, Tony Bancroft'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Mulan genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Dragon Ball Super: Super Hero
Kızıl Kurdele Ordusu, Son Goku tarafından yok edildi, ancak bireyler onu yeniden canlandırmaya karar verdi. Kendilerini "Süper Kahramanlar" olarak ilan eden ekip, Piccolo ve Son Gohan'a karşı bir saldırı başlatır.
Neden izliyorsunuz?: Coğrafyanın netliğiyle hazırlanmış aksiyon. Tetsuro Kodama, en iyi dizilerin işe yaradığını biliyor çünkü her zaman herkesin nerede olduğunu biliyorsunuz.
Dragon Ball Super: Super Hero, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Tetsuro Kodama gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.9 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Dragon Ball Super: Super Hero, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen aksiyon sinemasının temel sorununu çözüyor: Aksiyonu size göstermeden önce sonucu önemsemenizi sağlıyor. Sıralamalar işe yarıyor çünkü coğrafi netlik, kimin nerede olduğunu ve başarının neleri gerektirdiğini her zaman bilmeniz anlamına geliyor. Tetsuro Kodama'in Dragon Ball Super: Super Hero'teki animasyon'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu animasyon filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Dragon Ball Super: Super Hero'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Tetsuro Kodama, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Masako Nozawa, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Dragon Ball Super: Super Hero'te en çok görülür.
Dragon Ball Super: Super Hero'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Dragon Ball Super: Super Hero'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Dragon Ball Super: Super Hero'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Tetsuro Kodama'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Masako Nozawa'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Dragon Ball Super: Super Hero, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Dragon Ball Super: Super Hero, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Tetsuro Kodama'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Dragon Ball Super: Super Hero'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Persepolis
Tahran'da ailesi ile birlikte yaşamakta olan küçük Marjane'ın ve ailesinin hayatı Şah rejiminin devrilmesiyle değişir. Aile çareyi Marjane'ı, politik tansiyonun giderek arttığı ülkeden göndermekte bulur. Avusturya'daki bir okula yazılan Marjane önce batı kültürüne uyum sağlamakta daha sonra ise koptuğu doğu kültürüne tekrar alışmakta zorluk çeker.
Neden izliyorsunuz?: Persepolis sessizliğe güvenen bir drama. Marjane Satrapi, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
2007'te vizyona giren Persepolis, sinemadaki bir geçiş döneminden geliyor; akışın dağıtımı değiştirmesinden önce, ancak dijital araçlar prodüksiyonu değiştirdikten sonra. Persepolis'te görünen işçilik, tiyatro dönemi standartlarını yansıtıyor. Persepolis için 7.9 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Persepolis'in yaptığı da tam olarak bu. Marjane Satrapi bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. En iyi animasyon filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Persepolis bu filmlerden biri. Marjane Satrapi, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Persepolis'teki performanslar, Marjane Satrapi'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Chiara Mastroianni, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Persepolis'te en zor anlar, Chiara Mastroianni'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Persepolis, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Marjane Satrapi, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Persepolis'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 7.9 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Chiara Mastroianni - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Persepolis bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Marjane Satrapi, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.9 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Marjane Satrapi'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Persepolis'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Mary ve Max
Avusturalyalı 8 yaşındaki küçük Mary, alkolik bir anne ile ilgisiz bir babanın meraklı ve bir o kadar da yalnız kızıdır. Amerikalı Max ise 44 yaşında ve muzdarip olduğu Asperger sendromundan ötürü dış dünyayı anlamakta ve çevresiyle iletişim kurmakta zorluk yaşayan bir başka yalnız insandır. Bir mektup arkadaşlığı, bu iki insanın birbirlerini tanımasını ve birbirlerinin hayatlarını değiştirmesini sağlar.
Neden izliyorsunuz?: Mary ve Max'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Adam Elliot'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
2009 sineması çağdaş filmlerden farklı baskılar altında işliyordu. Mary ve Max, modern prodüksiyonları şekillendiren algoritmik geri bildirim döngüleri olmadan yapıldı. Adam Elliot'in burada yarattığı şey verilerden ziyade inançtan geldi. 7.9'teki Mary ve Max, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Mary ve Max, bu animasyon sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Mary ve Max'in her sahnesinde görülüyor.
Mary ve Max'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Adam Elliot, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Mary ve Max karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Mary ve Max'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Mary ve Max, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Mary ve Max'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Adam Elliot özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Mary ve Max ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 7.9 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Mary ve Max'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Adam Elliot filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.9 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Mary ve Max tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Robot Ron Bir Sorun Var
Dünya, robotlala çocukların yakın arkadaş olduğu bir hale gelmiştir. 11 yaşındaki sosyalleşme sorunu yaşayan bir öğrenci olan Barney'in hayatı da, yürüyebilen, konuşabilen, dijital bir cihaz olan Ron ile karşılaşmasıyla değişir. Ron'un bir takım sorunları vardır ve bu durum üzerine Barney ona birçok şeyi öğretmeye çalışır. Bu süreç onların ikisinin arasında farklı bir bağ oluşmasını sağlar.
Neden izliyorsunuz?: A movie worth discovering in this genre selection.
More information available after watching.
Robot Ron Bir Sorun Var'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Director TBA, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Robot Ron Bir Sorun Var'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. the lead, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Robot Ron Bir Sorun Var'i ilk kez izleyen izleyiciler, Director TBA'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Robot Ron Bir Sorun Var'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. the lead performance, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2021 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Director TBA'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Robot Ron Bir Sorun Var'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Director TBA, Robot Ron Bir Sorun Var ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Harika filmler izlemek dünyaya bakışınızı değiştirir. Bu yüzden onları dikkatle seçiyoruz.
Ejderhanı Nasıl Eğitirsin
Ejderhalar Berk Adası'nı kendilerine mesken seçmişlerdir. Senelerce acımasız mahlukat tarafından yağmalanan talihsiz adanın biçare yerlileri için hayvanlarını çalıp evlerini yakan bu ejderhaları tepelemek bir nevi namus borcudur. Yetişkinlik çağına erişen genç erkeklerin yapması gereken tek şey bir ejderhayı öldürmektir. Zamanı geldiğinde köyün şefinin tuhaf oğlu Hiccup, icat ettiği tuhaf mekanizmalı silahı bir yaratığa doğrultarak onu öldürmeye yeltenir. Nadir bir türe ait olan bu ejderhayı bir türlü öldüremeyen Hiccup, hayvanı ormana götürerek serbest bırakır. Sonrasında ise aralarında sadakat ve içtenlik barındıran bir arkadaşlık gelişir.
Neden izliyorsunuz?: Verimlilikten ziyade niyetle yapılan animasyonlar farklı görünüyor. Chris Sanders, Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'in bireysel kareler düzeyinde farklı hissettirmesini sağlıyor ve bir bütün halinde birleşiyor.
2010'te, Chris Sanders, Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 7.9 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin bundan faydalanıyor. Animasyon, teknik yeteneğin gösterilmesinden ziyade hikaye anlatımına hizmet ediyor. Yönetmen bu formu, anlatılan spesifik hikayeye hizmet edecek duygusal ve anlatısal etkiler elde etmek için kullanıyor. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'i bu animasyon listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Chris Sanders burada çoğu animasyon filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'teki görsel yaklaşım, Chris Sanders'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Jay Baruchel, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Ejderhanı Nasıl Eğitirsin, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Chris Sanders kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 7.9 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Ejderhanı Nasıl Eğitirsin ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Ejderhanı Nasıl Eğitirsin, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Jay Baruchel'in performansının ve Chris Sanders'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Sevimli Canavarlar
Canavarlar Dünyası isimli kendilerine ait bir dünyada yaşayan ve yaşayabilmek için insanlara ihtiyaç duyan ilginç ve sevimli canavarların dünyasının insanlarla karıştığı an ortaya çıkan trajikomik hikayeyi anlatır. Bu dünyada canavarlar yaşayabilmek için insanlara muhtaçtır çünkü insanları korkuttukları an duydukları çığlık onlar için enerji kaynağı gibidir. Bu ilginç dünyaya yanlışıkla küçük bir kız çocuğunun yolu düşünce işler çığrından çıkar. Çünkü insanlar bu tuhaf yaratıklara ters etki yapmaktadır ve dehşete kapılan canavarlar salgın bir hastalığın yayılacağını düşünüyorlardır. Bu küçük kız zannettikleri gibi onların yaşamını tehdit ediyor mudur?
Neden izliyorsunuz?: Sadece bir tane olarak pazarlanmak yerine gerçekten komik bir filmler. Sevimli Canavarlar'teki mizah düzenden değil karakterden geliyor.
Sevimli Canavarlar, tiyatro sinemasının ilgi çekmek için ilk internet ve DVD ile rekabet ettiği 2001'te yapıldı. Pete Docter o zaman da ilgiyi çeken bir şey yaptı ve şimdi de tutuyor. 7.8 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Sevimli Canavarlar de bir istisna değildir. Filmin komedi gibi çalışmasını sağlayan şey, yönetmenin mizahın nerede olduğunu belirtmeyi reddetmesidir. Şakalar karakter ve durumdan kaynaklanıyor; bu da, dikkat eden izleyicilerin, gülmeleri gerektiğinin söylenmesini bekleyen izleyicilerden daha fazlasını bulduğu anlamına geliyor. animasyon türünde Sevimli Canavarlar özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi animasyon filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Sevimli Canavarlar'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Pete Docter, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. John Goodman, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Sevimli Canavarlar'te en çok görülür.
Sevimli Canavarlar, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Sevimli Canavarlar'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Pete Docter ve John Goodman işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Sevimli Canavarlar'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.8 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Sevimli Canavarlar'e yüksek puan verme kararları, Pete Docter'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Sevimli Canavarlar genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Köpek Adası
Film, köpeklerin “köpek gribi” nedeniyle çok uzaklarda isimsiz bir adada karantina altına alındıkları distropik geleceğin Japonya’sında geçiyor. Bu adanın yerlileri olan beş köpek – Chief, Rex, Boss, Duke ve King– izole olmuş bir hayatta yalnızlıklarından bezmişlerdir. Ta ki Atari Kobayashi adında bir çocuk kaybolan köpeği Spots’u aramak için adaya gelene kadar… Atari köpeğini bulmaya çalışırken bu beş köpekten yardım isteyecek ve onlar da Atari’yi onu almaya gelen Japon yetkililerden koruyacaklardır. Yönetmen Wes Anderson, filmi çekerken Akira Kurosawa’dan ilham aldığını açıklamıştır.
Neden izliyorsunuz?: Köpek Adası yeniden izlenmeye devam eden bir komedi çünkü espriler can alıcı nokta etrafında tasarlanmış durumlardan ziyade bu insanların kim olduğundan kaynaklanıyor.
2018'te üretilen Köpek Adası, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 7.8 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Köpek Adası'in 7.8 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Wes Anderson, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Film izleyicinin komik zamanlama anlayışına güveniyor. Yönetmen ritmi kuruyor ve ardından mizahın yaşadığı yerlerde duraklamalara izin veriyor. Performanslar, kısıtlamanın vurgu yapmaktan daha eğlenceli olduğunu anlıyor. animasyon türü yüzlerce filmler üretti. 7.8 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Köpek Adası'teki performanslar, Wes Anderson'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Bryan Cranston, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Köpek Adası'te en zor anlar, Bryan Cranston'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Köpek Adası'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Köpek Adası'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Köpek Adası'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Wes Anderson'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Bryan Cranston'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Köpek Adası, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Köpek Adası, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Wes Anderson'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Köpek Adası'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Ailem Robotlara Karşı
Katie Mitchell, hayalini kurduğu sinema okulunu kazanınca mutluluktan deliye döner. Evinden kilometrelerce uzaklıktaki okuluna gitmek için hazırlıklara başlayan Katie’ye bu yolculuğunda ailesi de eşlik eder. Keyifli bir şekilde yola koyulan aile, yolculuk sırasında robotların dünyayı istila ettiğini öğrenir. Teknoloji ayaklanıp robotlar sokaklarda dolaşmaya başlayınca aile dünyayı kurtarmak için zorlu bir mücadeleye girişir.
Neden izliyorsunuz?: Mike Rianda, Ailem Robotlara Karşı'in komedisini gerçek karakter gözleminden yola çıkarak oluşturuyor. Film ilerledikçe kahkahalar artıyor çünkü insanları daha iyi tanıyorsunuz.
Ailem Robotlara Karşı (2021), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Mike Rianda, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 7.8'te Ailem Robotlara Karşı, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Ailem Robotlara Karşı herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Karakter komedisi, yönetmenin ve oyuncu kadrosunun en komik anların abartıdan ziyade gerçeklerden geldiğini anlamasını gerektirir. Film işe yarıyor çünkü karakterlerin yaptıkları, kim olduklarına göre anlamlı. Ailem Robotlara Karşı, animasyon sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Mike Rianda, animasyon'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Ailem Robotlara Karşı'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Mike Rianda, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Ailem Robotlara Karşı karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Ailem Robotlara Karşı'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Ailem Robotlara Karşı, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. Ailem Robotlara Karşı'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. Ailem Robotlara Karşı'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. Mike Rianda'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
Ailem Robotlara Karşı bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Mike Rianda, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.8 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Mike Rianda'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Ailem Robotlara Karşı'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Ratatuy
Şişman fare Remy, yemeğe olan düşkünlüğü nedeniyle tek bir hayale sahiptir: Aşçı olabilmek! Bu idealini gerçekleştirmek için Paris'in yolunu tutan sevimli fare kaza eseri kendisini şehrin en iyi restoranının kanalizasyonunda bulur. Restoranın yeni çöpçüsüyle ilginç bir anlaşma yapan Remy, tüm hünerlerini sergileyebileceği büyülü mutfağa ulaşmIştır. Ancak bu tek hayalini gerçekleştirmek, farelerden iğrenen bir insanlığın var olduğu bir dünyada pek kolay olmayacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Komedi sürdürülmesi en zor türdür. Brad Bird, Ratatuy'in zahmetsiz görünmesini sağlar; bu, çoğu izleyicinin bilinçli olarak fark etmediği önemli bir zanaatın işaretidir.
Ratatuy için 2007 bağlamı önemlidir. Bu, orijinal fikirlere sahip orta bütçeli filmlerin hala sinemalarda gösterime girdiği bir dönemdi; Ratatuy'in temsil ettiği türden bir filmler. Brad Bird, bu alanı mevcut pazarın yeşil ışık yakmaya çalışacağı bir şey yapmak için kullandı. 7.8'teki Ratatuy, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Brad Bird, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Filmin bir komedi olarak tutarlılığı tutarlılıktan geliyor. Yönetmen dünyanın kurallarını ve karakterlerin bu kurallar içindeki davranışlarını belirliyor ve mizah, bu karakterlerin bir durumu nasıl yönlendirdiğinden ortaya çıkıyor. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü animasyon kanonunu açık hale getirirler. 7.8'teki Ratatuy, animasyon sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen animasyon filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Ratatuy'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Brad Bird, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Ratatuy'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Patton Oswalt, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Ratatuy, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Ratatuy'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Brad Bird özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Ratatuy ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 7.8 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Ratatuy'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Brad Bird filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.8 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Ratatuy tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Şarkını Söyle 2
NewMoon Tiyatrosu’nu büyük bir başarıya ulaştırmasının ardından Buster, bu kez gözünü Crystal Tower Tiyatrosu’na diker. Buster burada yeni bir gösteri sergilemeyi planlar. Ancak acımasız kurt Jimmy Crystal tarafından yönetilen dünyaca ünlü Crystal Entertainment’ın ofislerine girmek pek kolay değildir. Bu yüzden Buster ile anne domuz Rosita, rockçı oklu kirpi Ash, goril Johnny, fil Meena ve domuz provokatörü Gunter’dan oluşan ekip, Crystal Entertainment’a gizlice girer. Bu sırada Gunter ortaya gerçekleştirmesi zor bir fikir atar ve dünyanın en münzevi rock yıldızı Clay Calloway'in da şovda yer alacağını vaat eder. Buster, bu önemli gösteride onlarla birlikte sahnede yer alması için Clay’ı bulmak için yola koyulur.
Neden izliyorsunuz?: Sadece bir tane olarak pazarlanmak yerine gerçekten komik bir filmler. Şarkını Söyle 2'teki mizah düzenden değil karakterden geliyor.
Şarkını Söyle 2, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Garth Jennings gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.8 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Şarkını Söyle 2, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Filmin komedi gibi çalışmasını sağlayan şey, yönetmenin mizahın nerede olduğunu belirtmeyi reddetmesidir. Şakalar karakter ve durumdan kaynaklanıyor; bu da, dikkat eden izleyicilerin, gülmeleri gerektiğinin söylenmesini bekleyen izleyicilerden daha fazlasını bulduğu anlamına geliyor. Garth Jennings'in Şarkını Söyle 2'teki animasyon'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu animasyon filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Şarkını Söyle 2'teki görsel yaklaşım, Garth Jennings'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Şarkını Söyle 2'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Matthew McConaughey, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Şarkını Söyle 2'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Şarkını Söyle 2'i ilk kez izleyen izleyiciler, Garth Jennings'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Şarkını Söyle 2'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Matthew McConaughey, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2021 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Garth Jennings'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Şarkını Söyle 2, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Garth Jennings'in Şarkını Söyle 2'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Küçük Cadı Kiki
Kiki 13 yaşında bir cadıdır. Geleneklere göre tam bir cadı olabilmesi için bir yıl kendi seçeceği bir şehirde ailesinden ayrı yaşaması gerekmektedir. Kiki, kedisi Jiji ile annesinin hediye ettigi süpürgeye binerek evinden ayrılır ve başka cadısı olmayan bir şehirde karar kılar. Kiki, şehirde uçma yeteneğinden faydalanacağı bir kurye servisi açmak istemektedir. Şehirdeki ilk gününde tanıştığı birinin fırınında ona yardımcı olurken aynı zamanda hayalini kurduğu işi yapmaya başlar ve zamanla cadılık yeteneklerini kaybettiğini fark eder. Yeteneklerini tekrar kazanmaya çalışırken bir arkadaşının da hayatını kurtarması gerekir.
Neden izliyorsunuz?: Küçük Cadı Kiki, canlı aksiyonun ulaşamayacağı duygusal ve görsel kayıtlara ulaşmak için animasyonu kullanıyor. Hayao Miyazaki, biçimi bir sınırlamadan ziyade sinemanın bir uzantısı olarak ele alıyor.
1989'te gösterime giren Küçük Cadı Kiki, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Hayao Miyazaki hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.8 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Küçük Cadı Kiki için 7.8 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Küçük Cadı Kiki'in yaptığı da tam olarak bu. Hayao Miyazaki bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmi animasyon olarak farklı kılan, yönetmenin formun tasarım yoluyla içselliği aktarabileceğini anlamasıdır. Hareket, renk ve kompozisyon karakterin diyalogdan önce veya diyalog yerine ne hissettiğini iletir. En iyi animasyon filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Küçük Cadı Kiki bu filmlerden biri. Hayao Miyazaki, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Küçük Cadı Kiki'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Hayao Miyazaki, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Minami Takayama, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Küçük Cadı Kiki'te en çok görülür.
Küçük Cadı Kiki'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Hayao Miyazaki'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Küçük Cadı Kiki, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Minami Takayama'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Küçük Cadı Kiki, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Minami Takayama'in performansının ve Hayao Miyazaki'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Noel Gecesi Kabusu
Balkabağı Kral Jack Skellington, Halloweentown'ı yönetmektedir. Kabuslardan fırlamış bir kasabayı andıran Halloweentown, cinler, ruhlar ve yarasalardan oluşan bir nüfusa sahiptir. Jack, bir gün Christmastown'a bir ziyaret yapar ve orada gördüklerini kıskanarak kendi şehrini de oraya benzetmek için Santa Claus'u kaçırır. Santa'nın yerine geçen Jack, çocuklara kendince alternatif hediyeler dağıtmaya başlar. Çılgın dahi Tim Burton'ın konseptini yarattığı ve yapımcılığını üstlendiği film, en iyi özel efekt dalında Oscar'a aday olmuştu...
Neden izliyorsunuz?: Noel Gecesi Kabusu'teki her görsel karar (renk, hareket, kompozisyon) sıfırdan icat edilmiştir. Henry Selick, hiçbir canlı aksiyon filminin taklit edemeyeceği bir şey yaratmak için bu tam kontrolü kullanıyor.
Noel Gecesi Kabusu, 1993'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Noel Gecesi Kabusu'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.8'teki Noel Gecesi Kabusu, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Yönetmen filme, animasyonun gerektirdiği türden bilinçli bir zanaatla yatırım yapıyor. Her kare hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair niyeti yansıtıyor; bu da filmin sadece anlatıdan ziyade bireysel anlar düzeyinde çalıştığı anlamına geliyor. Noel Gecesi Kabusu, bu animasyon sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Noel Gecesi Kabusu'in her sahnesinde görülüyor.
Noel Gecesi Kabusu'teki performanslar, Henry Selick'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Danny Elfman, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Noel Gecesi Kabusu'te en zor anlar, Danny Elfman'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Noel Gecesi Kabusu, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Noel Gecesi Kabusu'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Henry Selick ve Danny Elfman işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Noel Gecesi Kabusu'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.8 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Noel Gecesi Kabusu'e yüksek puan verme kararları, Henry Selick'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Noel Gecesi Kabusu genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Yaman Tilki
Mr. Fox ailesini beslemek için her akşam üç zengin çiftçiden tavuk, ördek ve hindi çalmaktadır. Sinirli çiftçiler tilkiden artık bıkmışlardır ve onu öldürmek için ellerinden gelen herşeyi yapmaktadırlar. Sonunda yakalanan tilki, çiftçilerden daha zeki davranarak yakalandığı yerden aç kalmamak için çıkmaya çalışır.
Neden izliyorsunuz?: Komedi sürdürülmesi en zor türdür. Wes Anderson, Yaman Tilki'in zahmetsiz görünmesini sağlar; bu, çoğu izleyicinin bilinçli olarak fark etmediği önemli bir zanaatın işaretidir.
Yaman Tilki için 2009 bağlamı önemlidir. Bu, orijinal fikirlere sahip orta bütçeli filmlerin hala sinemalarda gösterime girdiği bir dönemdi; Yaman Tilki'in temsil ettiği türden bir filmler. Wes Anderson, bu alanı mevcut pazarın yeşil ışık yakmaya çalışacağı bir şey yapmak için kullandı. 7.8 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Yaman Tilki'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Yaman Tilki bundan faydalanıyor. Filmin bir komedi olarak tutarlılığı tutarlılıktan geliyor. Yönetmen dünyanın kurallarını ve karakterlerin bu kurallar içindeki davranışlarını belirliyor ve mizah, bu karakterlerin bir durumu nasıl yönlendirdiğinden ortaya çıkıyor. Yaman Tilki'i bu animasyon listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Wes Anderson burada çoğu animasyon filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Yaman Tilki'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Wes Anderson, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Yaman Tilki karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Yaman Tilki'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Yaman Tilki'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Yaman Tilki'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Yaman Tilki'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Wes Anderson'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. George Clooney'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Yaman Tilki, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Yaman Tilki, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Wes Anderson'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Yaman Tilki'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Kayıp Balık Nemo
Dünyaya gelir gelmez annesini kaybeden Nemo babası tarafından büyütülmektedir. Artık İlkokul çağına geldiğinde babasının ilgisinden sıkılmaya başlar. Bir süzgeci küçük olduğu için babası Okyanusta yüzmeyi Nemo'ya yasaklamıştır. Bir gün Nemo, Okyanusta yüzebileceğini ve o sırada yüzeyde duran cisme dokunabileceğini iddaa eder ve kendini bir anda bir insanın ellerinde bulur. Oğlunun insanlar tarafından yakalanıp götürüldüğünü gören babası, çok kararlıdır ne olursa olsun Nemo'yu bulacak ve eve geri gecektir. Fakat Okyanus sandığından çok daha tehlikelidir.
Neden izliyorsunuz?: Animasyon, zanaatın tek başına izlenmeye değer olduğu düzeyde. Kayıp Balık Nemo'in her karesi kasıtlı bir sanatsal seçimdir.
Kayıp Balık Nemo, tiyatro sinemasının ilgi çekmek için ilk internet ve DVD ile rekabet ettiği 2003'te yapıldı. Andrew Stanton o zaman da ilgiyi çeken bir şey yaptı ve şimdi de tutuyor. 7.8 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Kayıp Balık Nemo de bir istisna değildir. Film, animasyonun, canlı aksiyonun ulaşamayacağı duygusal seviyelere ulaşmak için bir araç olduğunu gösteriyor. Yönetmen, animasyon biçimine özgü anlar yaratmak için ortamın biçimsel olanaklarını kullanıyor. animasyon türünde Kayıp Balık Nemo özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi animasyon filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Kayıp Balık Nemo'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Andrew Stanton, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Kayıp Balık Nemo'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Albert Brooks, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Kayıp Balık Nemo, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Kayıp Balık Nemo'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Andrew Stanton ve Albert Brooks işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Kayıp Balık Nemo bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Andrew Stanton, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.8 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Andrew Stanton'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Kayıp Balık Nemo'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Bu animasyon Filmlerini Nasıl Sıraladık?
Bu sayfadaki her film, Film Veritabanı API'sinden alınan veriler kullanılarak seçilmiştir ve kalite tutarlılığını sağlamak amacıyla minimum oy eşiklerine göre filtrelenmiştir. Süreç, bu kategorideki tüm filmlerin oy ortalamasına göre azalan sırada sıralanmasıyla başlar, ardından gereken sayıdan daha az oy alan filmleri hariç tutacak şekilde filtrelenir.
Bu daha büyük listedeki her girişin doğruluğu manuel olarak doğrulandı. Yüksek derecelendirme, otomatik olarak izlenebilirlik anlamına gelmez. Son haberler nedeniyle trend olan bir film, gerçekten iyi olduğu için trend olan bir filmle aynı değildir. Her girişteki editoryal analiz, kültürel gürültüden ziyade gerçek film kalitesini yansıtıyor.
Seçim, erişilebilirlik ve derinlik arasında bir denge sağlar. Buradaki filmler, çağdaş gösterimlerden yeniden keşfedilmeyi hak eden katalog başlıklarına kadar çeşitlilik göstermektedir. Hepsi ustalık ve niyetle yapıldı. Tüm ödül görüntüleme.
Türe Göre En İyi animasyon Filmleri
Bu sayfadaki 50 filmleri birden fazla türü ve alt türü kapsar. Tür bir filtre olarak kullanışlıdır ancak kesin bir kategori olarak kullanışlı değildir. Drama etiketli bir film, Gerilim etiketli bir film kadar merak uyandırıcı olabilir. Aksiyon etiketli bir film, Drama etiketli bir film kadar duygusal açıdan zeki olabilir. Türü resmin tamamı olarak değil, başlangıç noktası olarak kullanın.
Her filmdeki tür etiketleri, filmin kategorik olarak nerede bulunduğunu gösterir. animasyon'te en çok ilginizi çeken türleri bulmak için filtreleri kullanın.
Derecelendirmeye Göre En İyi animasyon Filmleri
Bu sayfadaki filmler üç derecelendirme aşamasına ayrılmıştır. 8,5'in üzerindeki filmler her açıdan olağanüstüdür ve bu kategorideki en iyi sinemayı temsil eder. 7,5'ten 8,4'e kadar olan filmler tutarlı bir işçilik gösterir ve güvenilir bir şekilde güçlüdür. 7.0'dan 7.4'e kadar olan filmler, biraz daha geniş bir kalite aralığını temsil etseler de hala mükemmel ve izlenmeye değerdir.
TMDB'de 8,0 puan, istatistiksel olarak güvenilir olması için yeterince geniş bir seçmen tabanını gerektirir. Zaman içinde test edilen gerçek izleyici beğenisini yansıtır.
Runtime'a göre En İyi animasyon Filmleri
Çalışma zamanı, ne izleneceğini seçerken en kullanışlı ve en az kullanılan filtrelerden biridir. 90 dakikanın altındaki filmler, kusursuz deneyimler sunar. 90 ila 120 dakika arasındaki filmler çoğu izleme durumu için en uygun uzunluktur. 120 dakikanın üzerindeki filmler bağlılık gerektirir ancak ödüllendirir.
Beklenenden çok daha uzun süren bir şeye gece geç saatlerde başlamak yerine, doğru filmi bulmak için mevcut zamanınızı kullanın.
Bulunmaya Değer Gizli Mücevherler
Her animasyon seçkisi, en üst görünürlük sıralamasının altında yer alan ancak olağanüstü bir şey sunan filmleri içerir. Bunlar, franchise'ın tanınmaması veya yakın zamanda basında yer almaması nedeniyle algoritmanın hafife aldığı filmlerdir. Belirsiz oldukları için gizli değiller. Platformlar en gürültülü seçenekleri ilk önce ortaya çıkardığı için gizlenirler.
Explore Animation From Different Eras
The animation genre spans decades. Below are ways to explore animation through time and across other filters.
Sıkça Sorulan Sorular
Tüm zamanların en iyi animasyon filmleri nelerdir?
En iyi animasyon filmleri bu sayfada tam olarak sıralanmış ve listelenmiştir. Bu liste, tutarlılığı sağlamak için animasyon türündeki filmler filtrelenerek, Film Veritabanından kritik derecelendirmelere ve seçmen sayısına göre sıralanarak oluşturulmuştur.
En yüksek puan alan animasyon filmi hangisi?
En yüksek puan alan animasyon filmleri bu sayfanın derecelendirme kademesi bölümünde listelenir. 8,5 ve üzeri filmler, animasyon kategorisinde olağanüstü çalışmaları temsil eder ve her türdeki herhangi bir film kadar başarılıdır.
Şu anda yayındaki en iyi animasyon filmleri hangileri?
Mevcut kullanılabilirlik için JustWatch'u veya platformunuzun arama işlevini kontrol edin. Bu listedeki filmler, mevcut platform dağıtımından bağımsız olarak animasyon kategorisindeki en iyi çalışmaları temsil etmektedir.
1990'ların en iyi animasyon filmleri hangileri?
1990'lar animasyon'in en iyi çalışmalarından bazılarını üretti. Bu sayfanın on yıllık bölümlerine göz atın ve özellikle animasyon tür etiketlerine sahip 1990'lardaki filmlere bakın.
2000'li yılların en iyi animasyon filmleri nelerdir?
2000'li yıllar animasyon'in nasıl üretildiği konusunda önemli gelişmelere tanık oldu. Bu listede yer alan bu on yılın filmleri, türün tarihindeki belirli bir yaratıcı anı temsil ediyor.
Bir animasyon filmini harika yapan şey nedir?
Bu sayfadaki filmler, animasyon'in yapmaya çalıştığı şeyin özünü anladıkları ve bunu ustalık ve niyetle hayata geçirdikleri için seçildi. Harika animasyon sineması, kısayollar veya formüller yerine gerçek bir şeyler inşa ederek çalışır.
Bilmem gereken küçümsenen animasyon filmleri var mı?
Bu sayfadaki Gizli Mücevher bölümü, 6,5 ile 7,4 arasında puan alan animasyon filmlerini tanımlar. Bunlar, mevcut görünürlüklerinin sağladığından daha fazla ilgiyi hak eden filmlerdir.
Herkes en az bir kez hangi animasyon filmlerini izlemeli?
Bu sayfadaki 8.0 ve üzeri puan alan herhangi bir filmle başlayın. Bunlar, animasyon sinemasının en iyi şekilde neler yapabileceğine dair en güçlü fikir birliğini temsil ediyor.
animasyon sineması zaman içinde nasıl değişti?
Bu sayfada farklı yıllardaki filmleri karşılaştırdığınızda türün nasıl geliştiğini göreceksiniz. animasyon sinemasında şu anda işe yarayan şey, 1970'lerde işe yarayandan, 1990'larda işe yarayandan farklı.
Genelde animasyon'i beğenmiyorsam en iyi animasyon filmleri hangileridir?
animasyon bölümünden 8,5 ve üzeri puan alan filmlerle başlayın. Bunlar, türü aşan ve tipik tercihleri ne olursa olsun izleyicilerin işine yarayan filmlerdir.
ABD dışından izlemem gereken animasyon filmleri var mı?
Evet. Bu listedeki uluslararası animasyon filmleri, dünya çapındaki en iyi animasyon sinemasının neye benzediğini temsil ediyor. Dünya sineması genellikle türe Hollywood'dan farklı yaklaşıyor.
Son zamanların en iyi animasyon filmleri hangileri?
Bu listede yer alan son 5 ila 10 yılın filmleri, türün şu anda nasıl göründüğünü gösteriyor. Bunlar animasyon'in nasıl yapılması gerektiğine dair en son düşünceleri temsil ediyor.
Mükemmel animasyon ile iyi animasyon arasındaki fark nedir?
Büyük animasyon niyetle bir şeyler yapar. Bir şey söylemek veya başka yollarla yaratılamayacak bir şey yaratmak için türü kullanır. İyi animasyon türün ritimlerini yakalıyor. Harika animasyon bunları aşıyor.
animasyon filmlerini belirli bir sırayla mı izlemeliyim?
Hayır. En çok hangi yönetmenlerin veya dönemlerin ilginizi çektiğine bağlı olarak bu listede herhangi bir yerden başlayabilirsiniz. Filmler birbirine bağımlı değildir. İlk önce ilginizi çekeni izleyin.
Neden bazı ünlü animasyon filmleri bu listede yok?
Bu liste, Film Veritabanı derecelendirmeleri ve seçmen sayıları birincil kriter olarak kullanılarak oluşturulmuştur. Çok ünlü bir animasyon filmi dahil edilmezse, muhtemelen istatistiksel olarak güvenilir olmak için gereken minimum oy eşiğini karşılamamıştır. Bu, listenin kültürel hafızadan ziyade gerçek izleyici beğenisini yansıtmasını sağlar.