Cesur Yürek Gelini Alır
Londra'da yaşayan bir aile babası olan Chaudhry Baldev Singh, bir gün Hindistan'dan gelen bir mektupla geçmişe döner. Mektup bir zamanlar en yakın arkadaşı olan kişidendir ve uzun zaman önce kendisine verdiği sözü hatırlatmaktadır. Buna göre aralarında yıllar önce birbirlerine verdikleri söz nedeniyle çocuklarını birbirleriyle evlendirmeleri gerekmektedir. Chaudhry sözünü tutmaya kararlıdır ancak kızını evlenmek için Hindistan'a göndermeden önce ona özgür olup istediğini yapabilmesi için bir aylık bir mühdet tanır...
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Cesur Yürek Gelini Alır, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Cesur Yürek Gelini Alır (1995), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Cesur Yürek Gelini Alır, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Film Veritabanında 8.5 derecelendirmesi istatistiksel olarak nadirdir. Bireysel görüşlerin ortalamasını alacak kadar geniş bir seçmen tabanı gerektirir ve geriye yalnızca farklı izleyicilere tutarlı bir şekilde ulaştırılan filmler kalır. Cesur Yürek Gelini Alır bu fikir birliğine sahip. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. komedi türünde Cesur Yürek Gelini Alır özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi komedi filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Cesur Yürek Gelini Alır'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Aditya Chopra, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. Cesur Yürek Gelini Alır'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Kajol, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
Cesur Yürek Gelini Alır'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Cesur Yürek Gelini Alır'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Cesur Yürek Gelini Alır'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Aditya Chopra'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Kajol'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Cesur Yürek Gelini Alır'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.5 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve Cesur Yürek Gelini Alır bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Aditya Chopra'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Parazit
Film, birbirinden yapı olarak tamamen farklı iki aileyi konu ediniyor. Ki-taek ve ailesi komple işsizdir ve varoşlarda yaşamaktadırlar. Ki-taek’in oğlu Ki-woo, bir arkadaşının referansı ile çok zengin, bir o kadar da saf olan Park ailesinin kızına İngilizce için özel ders vermeye başlar. Ancak bu onlara yeterli gelmez ve maaile Park ailesinin evdeki çalışanlarının adım adım kuyusunu kazarak çeşitli üçkağıtçılıklarla kapağı Park ailesine atmayı başarırlar. Ancak fazla açgözlülükleri ve beleşçilikleri günün birinde başlarına bela olacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Parazit bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2019'te üretilen Parazit, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.5 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Parazit için 8.5 puanı, tek bir sayıya indirgenmiş binlerce bireysel görüntüleme kararını temsil eder. Bu sayı gerçek bir şeyi yansıtıyor: Bu filmi izleyen insanlar bunun olağanüstü olduğunu düşündü ve yeterli sayıda kişi derecelendirmeyi anlamlı kılmayı kabul etti. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. komedi türü yüzlerce filmler üretti. 8.5 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Parazit'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Bong Joon Ho, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Song Kang-ho, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Parazit'te en çok görülür.
Parazit, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. Parazit'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. Parazit'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. Bong Joon Ho'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
Parazit'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Parazit'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Bong Joon Ho, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. Song Kang-ho'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
Ucuz Roman
Jules Winnfield ve Vincent Vega, mafya babası patronları Marsellus Wallace’tan çalınan bir çantayı geri almaya giden iki profesyonel tetikçidir. Wallace aynı zamanda Vincent’a, kendisi birkaç gün sonra şehir dışındayken karısını dışarı çıkarmasını söyler. Butch Coolidge, bir sonraki maçını kaybetmesi için Wallace’tan para alan yaşlı bir boksördür. Honey Bunny ve Pumpkin, yer değişikliğine ihtiyaçları olduğuna karar veren soyguncu bir çifttir. Görünüşte birbirleriyle alakası olmayan bu insanların hayatları, hem heyecanlı hem de eğlendirici bir sinema filmi macerasında nefes kesici bir şekilde birleşecektir.
Neden izliyorsunuz?: Ucuz Roman'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Ucuz Roman, 1994'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Ucuz Roman'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8,5'un üzerindeki derecelendirmeler, 7,5 veya 8,0 olarak derecelendirilen filmlerden farklı bir kategoriye girer. Bu sayılar arasındaki fark göründüğünden daha büyük. 8.5'teki Ucuz Roman, çağını gerçekten tanımlayan filmlerle birlikte. Bu, gerilimin fiziksel olmaktan ziyade psikolojik olduğu gerilim kategorisine aittir. Yönetmen izleyicinin açık bir tehlike gösterilmeden baskı hissedeceğine güveniyor. Sonuç, geleneksel gerilim mekaniğinden daha rahatsız edici. Ucuz Roman, komedi sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Quentin Tarantino, komedi'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Ucuz Roman'teki performanslar, Quentin Tarantino'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. John Travolta, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Ucuz Roman'te en zor anlar, John Travolta'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Ucuz Roman, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Ucuz Roman'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Quentin Tarantino özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Ucuz Roman ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 8.5 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Ucuz Roman ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Quentin Tarantino, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Ucuz Roman'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Forrest Gump
Forrest Gump, düşük IQ’su olmasına rağmen, Amerikan tarihinin en önemli olaylarının tam ortasında yer alan biridir. Alabama'da büyüyen Forrest, koşma yeteneği sayesinde üniversiteye girer, Vietnam Savaşı'na katılır, Beyaz Saray’a davet edilir ve karides işinden milyoner olur. Ancak tüm bu başarılar, çocukluk aşkı Jenny’ye duyduğu sevginin yanında sönük kalır.
Neden izliyorsunuz?: Forrest Gump, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Forrest Gump'in 1994 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Forrest Gump'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Forrest Gump'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. Forrest Gump, her şeyi gören izleyicilerin kullanımına açık olmasına rağmen 8.5 derecelendirmesine sahiptir. Modern izleyicileri etkilemek, önceki çağlardaki izleyicileri etkilemekten daha zordur. Bu filmin hâlâ 8.5 puan alması, kalitesiyle ilgili belirli bir şey söylüyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü komedi kanonunu açık hale getirirler. 8.5'teki Forrest Gump, komedi sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen komedi filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Forrest Gump'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Robert Zemeckis, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Forrest Gump karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Forrest Gump'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Forrest Gump'i ilk kez izleyen izleyiciler, Robert Zemeckis'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Forrest Gump'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Tom Hanks, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1994 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Robert Zemeckis'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Forrest Gump'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Robert Zemeckis, Forrest Gump ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Hayat Güzeldir
1930’ların İtalya’sında geçen filmde hayat dolu bir Yahudi muhasebeci olan Guido Orefice (Roberto Benigni), güzeller güzeli öğretmen Dora’ya (Nicoletta Braschi) vurulur ve tüm engellere rağmen evlenirler. Ardından bir de çocuk sahibi olan çiftin hayatlarındaki tüm pürüzler ortadan kalktığında İkinci Dünya Savaşı patlak verir ve Almanlar İtalya’yı esir alır. Yahudi oldukları için toplama kampına götürüldüklerinde Guido, oğlu Giosué’ye (Giorgio Cantarini) esir kampının ve savaşın bir oyun olarak söyleyecek; oğlu, oyunu başarıyla tamamlarsa ödül olarak çok istediği bir oyuncak tankı hediye edecektir.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Hayat Güzeldir, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Hayat Güzeldir (1997), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Hayat Güzeldir, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.4 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Hayat Güzeldir, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Roberto Benigni'in Hayat Güzeldir'teki komedi'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu komedi filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Hayat Güzeldir'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Roberto Benigni, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Hayat Güzeldir'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Roberto Benigni, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Hayat Güzeldir'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Roberto Benigni'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Hayat Güzeldir, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Roberto Benigni'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Hayat Güzeldir'in ilk 10'da yer alması, neyle rekabet ettiğini düşündüğünüzde çok anlamlıdır. Bu mod ve döneme ait katalogdaki her filmler değerlendirildi ve Hayat Güzeldir burada sıralandı çünkü derecelendirme kalitesi ve seçmen hacminin birleşimi, onu seçimdeki diğer her şeyin üstünde tutuyordu. Roberto Benigni, Hayat Güzeldir'te onu aynı kategorideki alternatiflerden (aynı zamanda iyi filmler olan alternatiflerden) ayıran seçimler yaptı. İlk on ile ilk yirmi arasındaki fark, mutlak derecelendirme açısından göründüğünden daha küçük ancak izleyici deneyiminin gerçekte sunduğu şey açısından önemli.
Geleceğe Dönüş
Dönemin özellikle tasarımıyla öne çıkan otomobillerinden olan bir DeLoran'ın içine gizlenmiş icat, Marty'i yanlışlıkla 50'lere geri götürür. Sorumsuz delikanlı bu gösterişsiz Amerikan kasabasında bir kazaya yol açar ve müstakbel anne ve babasının tanışmasına engel olur. Böylece kendisi de hiç doğmamış olacağı için bu durumu düzeltmesi gerekmektedir. Ama hayat sandığından daha karmaşıktır ve sorumluluk kelimesinin anlamını öğrenmek zorundadır.
Neden izliyorsunuz?: Geleceğe Dönüş bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1985'te gösterime giren Geleceğe Dönüş, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Robert Zemeckis hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.3 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Geleceğe Dönüş için 8.3 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Geleceğe Dönüş'in yaptığı da tam olarak bu. Robert Zemeckis bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Film izleyicinin komik zamanlama anlayışına güveniyor. Yönetmen ritmi kuruyor ve ardından mizahın yaşadığı yerlerde duraklamalara izin veriyor. Performanslar, kısıtlamanın vurgu yapmaktan daha eğlenceli olduğunu anlıyor. En iyi komedi filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Geleceğe Dönüş bu filmlerden biri. Robert Zemeckis, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Geleceğe Dönüş'in görsel dili, 1985'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Robert Zemeckis, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Geleceğe Dönüş'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Geleceğe Dönüş'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Geleceğe Dönüş, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.3 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Geleceğe Dönüş'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Robert Zemeckis ve Michael J. Fox işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Geleceğe Dönüş ilk on sırasını kültürel itibarı sayesinde değil, izleyicilerin oturup izlediğinde yaşananlar sayesinde kazanıyor. 8.3 derecelendirmesi, bu deneyimi geniş bir bağımsız görüntüleme örneğinde yansıtıyor. Bunun gibi listelerde ilk on durumuna ulaşan filmler, alternatiflere tam erişimi olan ve bu filmi deneyimlerinin en üstünde derecelendirmeyi seçen izleyiciler tarafından test edildi. Robert Zemeckis ve Michael J. Fox bu beklentiyi tutarlı bir şekilde karşılayan bir şey yaptı; sürekli yeni izleyicilerin yeni standartlar getirmesine rağmen reytingin devam etmesinin nedeni de budur.
Büyük Diktatör
Nazi Almanya'sının tıpkısının aynısı bir başka diktatörlükte, kararları ve yönetimi ile ülkesini kırıp geçiren Diktatör Adenoid Hynkel, ülkede kendisine ikizi kadar çok benzeyen son derece saf karakterli bir Yahudi berberin yaşadığından habersizdir. Hynkel'in askerleri Yahudileri teker teker toplama kamplarına götürmek üzere toplarken Yahudi Berber'in Hynkel'e olan benzerliği nedeni ile onu Büyük Diktatör zannederler ve bu benzerlik büyük bir karışıklık yaşanmasına neden olur. Charles Chaplin'in Nazi Almanya'sını ve Hitler'i hicvettiği bu eğlenceli komedi, sinema tarihinin en başarılı hiciv örnekleri arasında yer alıyor.
Neden izliyorsunuz?: Büyük Diktatör'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Büyük Diktatör, 1940'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Büyük Diktatör'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.3'teki Büyük Diktatör, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Karakter komedisi, yönetmenin ve oyuncu kadrosunun en komik anların abartıdan ziyade gerçeklerden geldiğini anlamasını gerektirir. Film işe yarıyor çünkü karakterlerin yaptıkları, kim olduklarına göre anlamlı. Büyük Diktatör, bu komedi sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Büyük Diktatör'in her sahnesinde görülüyor.
Büyük Diktatör'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Charlie Chaplin, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Charlie Chaplin, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Büyük Diktatör'te en çok görülür.
Büyük Diktatör'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Büyük Diktatör'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Büyük Diktatör'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Charlie Chaplin'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Charlie Chaplin'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Büyük Diktatör'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.3 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve Büyük Diktatör bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Charlie Chaplin'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Modern Zamanlar
Charlie Chaplin, son sessiz filminde yüksek tempolu işi sebebiyle çıldıran bir fabrika işçisini canlandırıyor. Hastane sonrası bir yürüyüşe karışan Küçük Serseri hapse düşüyor. Aşık olduğu kızı yetimhaneden kurtarmaya çalışan Küçük Serseri, bir çok işe girip çıkar ve mutlu bir hayat kurmaya çalışır.
Neden izliyorsunuz?: Modern Zamanlar, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Modern Zamanlar'in 1936 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Modern Zamanlar'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Modern Zamanlar'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.3 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Modern Zamanlar'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Modern Zamanlar bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Modern Zamanlar'i bu komedi listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Charlie Chaplin burada çoğu komedi filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Modern Zamanlar'teki performanslar, Charlie Chaplin'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Charlie Chaplin, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Modern Zamanlar'te en zor anlar, Charlie Chaplin'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Modern Zamanlar, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. Modern Zamanlar'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. Modern Zamanlar'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. Charlie Chaplin'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
Modern Zamanlar'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Modern Zamanlar'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Charlie Chaplin, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. Charlie Chaplin'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
Can Dostum
Zengin bir iş adamı ve aristokrat olan Philippe, yamaç paraşütü yaparken geçirdiği kaza sonrası felç olur ve boynundan aşağısını kullanamaz hale gelir. Driss ise hapishaneden henüz yeni çıkmış bir işsizdir. Philippe 7 gün 24 saat boyunca bakımını üstlenmesi için Driss'i evine yatılı yardımcı olarak alınca ikisinin de dünyası değişecektir. Normal şartlar altında hiçbir zaman yan yana gelmeyecek bu ikili iyisiyle kötüsüyle hayatın tadını beraber çıkarmaya başlarlar.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Can Dostum, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Can Dostum, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Olivier Nakache gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. 8.3 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Can Dostum de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. komedi türünde Can Dostum özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi komedi filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Can Dostum'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Olivier Nakache, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Can Dostum karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Can Dostum'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Can Dostum, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Can Dostum'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Olivier Nakache özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Can Dostum ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 8.3 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Can Dostum ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Olivier Nakache, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Can Dostum'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Şehir Işıkları
Şehir Işıkları, görme engelli genç bir kızla evsiz bir gencin hikayesini anlatıyor. Kör bir çiçekçiye aşık olan ve sokaklarda yaşayan iyi niyetli bir serseri, kıza kendisini varlıklı biri olarak tanıtır. Bir milyonerin hayatını kurtarmıştır ve onun kendisine yardım edeceğine güvenmektedir. Adamı ziyaret edip sevdiği kızın gözlerini ameliyat ettirebilecek kadar para ödünç alabileceğini düşünür. Ama zengin insanlar aslında ikiyüzlü bir yaşam sürmektedirler. Mesaj sessiz, fakat evrenseldir: aşkın gözü kördür...
Neden izliyorsunuz?: Şehir Işıkları bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1931'te gösterime giren Şehir Işıkları, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Charlie Chaplin hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.3 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Şehir Işıkları'in 8.3 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Charlie Chaplin, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. komedi türü yüzlerce filmler üretti. 8.3 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Şehir Işıkları'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Charlie Chaplin, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Şehir Işıkları'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Charlie Chaplin, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Şehir Işıkları'i ilk kez izleyen izleyiciler, Charlie Chaplin'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Şehir Işıkları'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Charlie Chaplin, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1931 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Charlie Chaplin'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Şehir Işıkları'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Charlie Chaplin, Şehir Işıkları ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Sinema önemli hikayelerle ilgilidir. Bu bölümdeki filmler bu prensibi kanıtlıyor.
Yeşil Rehber
1962 yılında geçen, gerçek bir hikâyeden esinlenen film, ırkçılığın Amerika Birleşik Devletleri'nin güneyinde hâlâ çok yaygın olduğu bir dönemde, Afro-Amerikalı dünyaca ünlü piyanist Dr. Don Shirley ve İtalyan-Amerikalı kaba saba şoförü Tony Lip arasındaki beklenmedik dostluğu konu alır. Don Shirley, Güney Amerika’da bir konser turuna çıkmaya karar verir. Ancak o dönemde ırkçılık hâlâ büyük bir sorundur ve özellikle güney eyaletlerinde siyahi vatandaşlara yönelik ayrımcılık yoğundur. Dr. Shirley, güvenliği için Tony Lip adlı sert mizaçlı, sokak zekâsına sahip bir adamı şoför ve koruma olarak tutar. İkili, Shirley'nin güvenli bir şekilde konaklamasına yardımcı olması için dönemin Afro-Amerikan sürücülerine yönelik özel bir rehber olan “The Green Book” (Yeşil Rehber) adlı kılavuzu kullanır. Başlangıçta zıt karakterlere sahip olan Tony ve Shirley, zamanla aralarındaki önyargıları kırarak güçlü bir dostluk kurarlar.
Neden izliyorsunuz?: Yeşil Rehber'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Yeşil Rehber (2018), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Peter Farrelly, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.2'te Yeşil Rehber, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Yeşil Rehber herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Yeşil Rehber, komedi sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Peter Farrelly, komedi'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Yeşil Rehber'teki görsel yaklaşım, Peter Farrelly'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Yeşil Rehber'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Viggo Mortensen, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Yeşil Rehber'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Yeşil Rehber, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Peter Farrelly kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.2 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Yeşil Rehber ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Yeşil Rehber'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Yeşil Rehber, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Viggo Mortensen'in performansının ve Peter Farrelly'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Klaus - Sihirli Plan
Bencil bir postacı ile münzevi bir oyuncakçı arasında kurulan beklenmedik dostluk, soğuk ve karanlık bir kasabaya ihtiyacı olan neşeyi getirir.
Neden izliyorsunuz?: A movie worth discovering in this genre selection.
More information available after watching.
Klaus - Sihirli Plan'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Director TBA, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. the lead, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Klaus - Sihirli Plan'te en çok görülür.
Klaus - Sihirli Plan, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.2 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Klaus - Sihirli Plan'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Director TBA ve the lead performance işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Klaus - Sihirli Plan ilk on sırasını kültürel itibarı sayesinde değil, izleyicilerin oturup izlediğinde yaşananlar sayesinde kazanıyor. 8.2 derecelendirmesi, bu deneyimi geniş bir bağımsız görüntüleme örneğinde yansıtıyor. Bunun gibi listelerde ilk on durumuna ulaşan filmler, alternatiflere tam erişimi olan ve bu filmi deneyimlerinin en üstünde derecelendirmeyi seçen izleyiciler tarafından test edildi. Director TBA ve the lead bu beklentiyi tutarlı bir şekilde karşılayan bir şey yaptı; sürekli yeni izleyicilerin yeni standartlar getirmesine rağmen reytingin devam etmesinin nedeni de budur.
Çizmeli Kedi: Son Dilek
Herkesin sevgilisi, korkusuz kedi geri dönüyor. Çizmeli Kedi tehlike tutkusunun ve güvenliği ihmal etmesinin zarar verdiğini keşfediyor ve kötülüğüyle nam salmış, efsanevi Dilek Yıldızı’nı bulmak için Kara Orman’a doğru destansı bir yolculuğa çıkıyor. Ancak sadece tek bir canı kalan Çizmeli Kedi’nin boyun eğmesi, eski ortağı ve düşmanı olan çekici Yumuşak Pati Kitty’den yardım istemesi gerekecektir.
Neden izliyorsunuz?: Çizmeli Kedi: Son Dilek, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2022'te, Joel Crawford, Çizmeli Kedi: Son Dilek'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Çizmeli Kedi: Son Dilek'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.2'teki Çizmeli Kedi: Son Dilek, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Joel Crawford, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Animasyon, teknik yeteneğin gösterilmesinden ziyade hikaye anlatımına hizmet ediyor. Yönetmen bu formu, anlatılan spesifik hikayeye hizmet edecek duygusal ve anlatısal etkiler elde etmek için kullanıyor. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü komedi kanonunu açık hale getirirler. 8.2'teki Çizmeli Kedi: Son Dilek, komedi sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen komedi filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Çizmeli Kedi: Son Dilek'teki performanslar, Joel Crawford'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Antonio Banderas, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Çizmeli Kedi: Son Dilek'te en zor anlar, Antonio Banderas'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Çizmeli Kedi: Son Dilek'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Çizmeli Kedi: Son Dilek'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Çizmeli Kedi: Son Dilek'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Joel Crawford'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Antonio Banderas'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Çizmeli Kedi: Son Dilek, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Çizmeli Kedi: Son Dilek, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Joel Crawford'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Çizmeli Kedi: Son Dilek'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Garsoniyer
"Garsoniyer - The Apartment" büyük bir şirkette çalışan ve yükselmek amacıyla, evini garsoniyer olarak kullanması için patronuna vermekte sakınca görmeyen ve bu arada patronun metreslerinden birine aşık olan adamın komik hikayesini konu alıyor... Sevgisine karşılık bulduğundan emin olamadığı için bir süre sesini çıkarmasa da, her şey olacağına varıyor. Kadının güzelliği aklını başından alıyor ve işini kaybetmek pahasına da olsa mücadele etmeye karar veriyor. Fakat adam, genç kadının kimi sevdiği ile ilgili şüpheleri son adımı atmaktan onu hep alıkoyuyor...
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Garsoniyer, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Garsoniyer (1960), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Garsoniyer, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.2 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Garsoniyer, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Billy Wilder'in Garsoniyer'teki komedi'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu komedi filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Garsoniyer'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Billy Wilder, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Garsoniyer karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Garsoniyer'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Garsoniyer, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. Garsoniyer'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. Garsoniyer'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. Billy Wilder'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
Garsoniyer bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Billy Wilder, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.2 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Billy Wilder'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Garsoniyer'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Truman Show
Truman küçük kasabasının aslında, yenilikçi bir yapımcı/yönetmen/ yazar (Ed Harris) tarafından kurulan devasa bir stüdyo olduğunun farkında değildir. Kasabada yaşayan herkes, hatta çok sevdiği güzel karısı bile sözleşmeli bir Hollywood oyuncusudur.
Neden izliyorsunuz?: Truman Show bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1998'te gösterime giren Truman Show, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Peter Weir hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.2 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Truman Show için 8.2 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Truman Show'in yaptığı da tam olarak bu. Peter Weir bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. En iyi komedi filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Truman Show bu filmlerden biri. Peter Weir, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Truman Show'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Peter Weir, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Truman Show'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Jim Carrey, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Truman Show, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Truman Show'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Peter Weir özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Truman Show ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 8.2 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Truman Show'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Peter Weir filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.2 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Truman Show tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Yumurcak
Chaplin klasiklerinden biri daha! Yapımcılığını üstlendiği ilk uzun metrajlı fiilminde, Tramp’in ve dünyalar tatlısı 6 yaşında bir çocuğun kimi zaman komik kimi zaman gözlerinizde yaşlara sebep olacak hüzünlü hikayesi anlatılıyor. Hikaye Tramp’in terkedilmiş bir bebeği bulması ve onu kurtararak evine almasıyla başlar. Hafızalardan silinmeyecek sahneleri ve Chaplin’in yorumuyla hüzün ve eğlencenin harmanlandığı bu filmi kaçırmayın!
Neden izliyorsunuz?: Yumurcak'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Yumurcak, 1921'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Yumurcak'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.1'teki Yumurcak, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Yumurcak, bu komedi sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Yumurcak'in her sahnesinde görülüyor.
Yumurcak'in görsel dili, 1921'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Charlie Chaplin, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Yumurcak'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Yumurcak'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Yumurcak'i ilk kez izleyen izleyiciler, Charlie Chaplin'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Yumurcak'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Charlie Chaplin, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1921 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Charlie Chaplin'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Yumurcak, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Charlie Chaplin'in Yumurcak'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Yağmur Altında
Artık sessiz filmlerin dönemi kapanmaktadır ve konuşmaların yeraldığı sesli filmlere geçilirken, ünlü bir sahne yıldızı, en iyi arkadaşı, olası kız arkadaşı ve kurnaz oyuncu arkadaşı bu zorlu geçiş dönemine yakalanmışlardır.
Neden izliyorsunuz?: Yağmur Altında, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Yağmur Altında'in 1952 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Yağmur Altında'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Yağmur Altında'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.1 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Yağmur Altında'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Yağmur Altında bundan faydalanıyor. Filmin bir komedi olarak tutarlılığı tutarlılıktan geliyor. Yönetmen dünyanın kurallarını ve karakterlerin bu kurallar içindeki davranışlarını belirliyor ve mizah, bu karakterlerin bir durumu nasıl yönlendirdiğinden ortaya çıkıyor. Yağmur Altında'i bu komedi listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Gene Kelly burada çoğu komedi filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Yağmur Altında'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Gene Kelly, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Gene Kelly, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Yağmur Altında'te en çok görülür.
Yağmur Altında'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Gene Kelly'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Yağmur Altında, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Gene Kelly'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Yağmur Altında, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Gene Kelly'in performansının ve Gene Kelly'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Dr. Garipaşk
Soğuk Savaş döneminde Ruslara saldırmak için bahane aramakta olan çılgın general Jack D. Ripper, Rusların 'Amerikan halkının vücut sıvılarını kirlettiği' gerekçesiyle SSCB'ye sürpriz bir nükleer saldırı yapmaya karar verir. Nükleer silahlarla yüklü bir Amerikan uçağı Rus sınırına yakın bir bölgede Soğuk Savaş döneminin tipik devriye uçuşlarından birini yapmaktayken mürettebat Ripper'dan SSCB'ye saldırı emrini alır. Fakat Rus büyükelçisi DeSadesky, Amerikan makamlarına Rus savunma teknolojisinin geldiği son noktanın ürünü olan 'Doomsday Device'dan bahsettiğinde ve başkanın danışmanlarından eski Nazi bilimadamı Dr. Strangelove, buluşun olduğunu doğruladığında durum daha da tehlikeli bir hal alır. 'Doomsday Device', SSCB'ye yapılacak herhangi bir nükleer saldırıda dünyadaki tüm canlıların yok olmasına sebep olacak bir silahtır.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Dr. Garipaşk, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Dr. Garipaşk (1964), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Dr. Garipaşk, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 8.1 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Dr. Garipaşk de bir istisna değildir. Filmin komedi gibi çalışmasını sağlayan şey, yönetmenin mizahın nerede olduğunu belirtmeyi reddetmesidir. Şakalar karakter ve durumdan kaynaklanıyor; bu da, dikkat eden izleyicilerin, gülmeleri gerektiğinin söylenmesini bekleyen izleyicilerden daha fazlasını bulduğu anlamına geliyor. komedi türünde Dr. Garipaşk özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi komedi filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Dr. Garipaşk'teki performanslar, Stanley Kubrick'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Peter Sellers, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Dr. Garipaşk'te en zor anlar, Peter Sellers'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Dr. Garipaşk, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Dr. Garipaşk'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Stanley Kubrick ve Peter Sellers işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Dr. Garipaşk'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.1 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Dr. Garipaşk'e yüksek puan verme kararları, Stanley Kubrick'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Dr. Garipaşk genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana
Sevimli sokak serserisi Eddy hayatının kumarına üç arkadaşı ile zar zor kazandıkları 100 000 paundu yatıracaktır. Tom, Bacon ve Soap aralarında onu seçmişlerdi. Masadaki en kurt oyuncu oydu. Ama ne yazık ki tüm oyun önceden ayarlanmış bir düzenden başka bir şey değildir. Oyunun sonunda Hatchet Harry’e yarım milyon paund borçlanarak masadan kalkar. Harry Eddy’e bocunu ödemesi için bir hafta süre tanır. Aksi halde para yerine parmaklarını alacaklardır. Eddy ve arkadaşları gerekli parayı acilen bulabilmek için türlü yollara başvururlar. Bunlardan biri Eddy’nin babasının antika tüfeği ile hırsızlığa bile yeltenmektir. Hepsi başarısızlıkla sonuçlanır. Oysaki ellerindekinin kıymetini bilmemektedirler...
Neden izliyorsunuz?: Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1998'te gösterime giren Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Guy Ritchie hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.1 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana'in 8.1 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Guy Ritchie, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Film izleyicinin komik zamanlama anlayışına güveniyor. Yönetmen ritmi kuruyor ve ardından mizahın yaşadığı yerlerde duraklamalara izin veriyor. Performanslar, kısıtlamanın vurgu yapmaktan daha eğlenceli olduğunu anlıyor. komedi türü yüzlerce filmler üretti. 8.1 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Guy Ritchie, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Guy Ritchie'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Vinnie Jones'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Guy Ritchie'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Bazıları Sıcak Sever
İki işsiz komedyen Joe ve Jerry, tesadüfen mafyanın sevgililer gününde yaptığı bir katliama tanık olurlar. Arkasında şahit bırakmak istemeyen gangsterler ikilinin peşine düşer. Canlarını kurtarmak için yollara düşen ikili, Miami'ye turneye gitmekte olan ve tamamı kadınlardan oluşan bir müzik grubuna katılırlar. Kadın kılığında grupla yola çıkarlar ancak her ikisi de grubun solisti sarışın bomba Sugar Kane'e aşık olurlar ancak kimlikleri ortaya çıkmasın diye güzel kadına karşı duygularını belli edememektedirler. Bunun üzerine Joe, üçüncü bir kimlik yaratarak utangaç bir milyoner olarak Kane'e yaklaşmayı dener. Öte yandan Jerry'nin de başı, kadın kimliğine aşık olan bir milyonerle derttedir.
Neden izliyorsunuz?: Bazıları Sıcak Sever'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Bazıları Sıcak Sever, 1959'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Bazıları Sıcak Sever'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.1'te Bazıları Sıcak Sever, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Bazıları Sıcak Sever herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Karakter komedisi, yönetmenin ve oyuncu kadrosunun en komik anların abartıdan ziyade gerçeklerden geldiğini anlamasını gerektirir. Film işe yarıyor çünkü karakterlerin yaptıkları, kim olduklarına göre anlamlı. Bazıları Sıcak Sever, komedi sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Billy Wilder, komedi'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Bazıları Sıcak Sever'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Billy Wilder, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Bazıları Sıcak Sever'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Tony Curtis, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Bazıları Sıcak Sever, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. Bazıları Sıcak Sever'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. Bazıları Sıcak Sever'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. Billy Wilder'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
Bazıları Sıcak Sever bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Billy Wilder, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.1 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Billy Wilder'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Bazıları Sıcak Sever'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Harika filmler kendi kategorilerinin ötesine geçer. Zanaat olağanüstü olduğu için çalışıyorlar.
Tatlı Hayat
Tatlı Hayat, Roma şehir yaşantısının modern yozluğunu ve sofistike ahlak çöküntüsünü yüksek sosyetenin peşinde koşan bir gazetecinin gözünden anlatır. Genç gazeteci Marcello Rubini gerçek bir eser yaratmanın düşüyle yaşar; ancak çalıştığı bulvar gazetesinin ona sağladığı para ve prestijden de vazgeçemez. Filmde Marcello'nun yedi günü ve gecesini, birlikte olduğu farklı kadınlarla ilişkilerini, arka planda 1960'ların gençlik ve heyecanıyla kaynayan Roma sokakları ve sosyete yaşantısından kesitlerle izleriz. Marcello seks, içki, partiler ve alemlerle dolu bir dünyada savrulurken bile aslında haz almadığı bu "tatlı hayat"ı sonuna kadar yaşamaya devam eder. Onunki ruhsuz ve heyecansız bir varoluştur. İtalyan sinemasının ilk 3,5 saatlik filmi olan "Tatlı Hayat" gösterime girmesiyle birlikte büyük skandallara ve polemiklere yol açmış, Vatikan tarafından yasaklanmaya çalışılmış, halk tarafından kucaklanmıştır * Yapılmış en muhteşem İtalyan filmi.
Neden izliyorsunuz?: Tatlı Hayat, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Tatlı Hayat'in 1960 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Tatlı Hayat'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Tatlı Hayat'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.0'teki Tatlı Hayat, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Federico Fellini, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü komedi kanonunu açık hale getirirler. 8.0'teki Tatlı Hayat, komedi sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen komedi filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Tatlı Hayat'in görsel dili, 1960'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Federico Fellini, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Tatlı Hayat'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Tatlı Hayat'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Tatlı Hayat, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Tatlı Hayat'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Federico Fellini özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Tatlı Hayat ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 8.0 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Tatlı Hayat'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Federico Fellini filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.0 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Tatlı Hayat tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Büyük Budapeşte Oteli
20. yüzyılın başlarında Gustave H., Büyük Budapeşte Oteli'nin işleyişini büyük bir profesyonellikle idare eden, müşterilerini en ince ayrıntılarına kadar tanıyan bir konsiyerj görevlisidir. Bir gün otele bellboy ve komi görevlisi olarak Zero Mustafa adında genç bir adam gelir ve kısa zamanda aralarında yakın bir arkadaşlık başlar. İkili birbirlerinin sırdaşı olurken yaşadıkları şehir de büyük bir savaşa doğru sürüklenmektedir. Bu esnada Gustave'ın yaşlı sevgilisi Madame D. esrarengiz bir şekilde hayata veda eder, ikili Madame D. adlı kadına veda etmek için yola çıkar. Bir asilzade olan Madame D. adlı kadının şatosuna vardıklarında miras paylaşırken denk gelirler. Madame D., Gustave'a miras olarak paha biçilmez bir rönesans tablosu bırakmıştır ve bunun açıklanmasıyla aile içerisinde büyük bir karmaşa çıkar. Bu andan itibaren belalarla dolu bir maceraya atılan Gustave ve Zero, gerçeklerin peşinde koşarken dışarıda da bir çağ değişmektedir.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Büyük Budapeşte Oteli, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Büyük Budapeşte Oteli, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Wes Anderson gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.0 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Büyük Budapeşte Oteli, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Wes Anderson'in Büyük Budapeşte Oteli'teki komedi'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu komedi filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Büyük Budapeşte Oteli'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Wes Anderson, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Ralph Fiennes, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Büyük Budapeşte Oteli'te en çok görülür.
Büyük Budapeşte Oteli'i ilk kez izleyen izleyiciler, Wes Anderson'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Büyük Budapeşte Oteli'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Ralph Fiennes, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2014 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Wes Anderson'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Büyük Budapeşte Oteli, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Wes Anderson'in Büyük Budapeşte Oteli'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Para Avcısı
Jordan Belfort 24 yaşında genç ve hırslı bir adamdır. Para kazanma arzusuyla Wall Street borsasında önce komisyoncu ve ardından Stratton Oakmont adında bir yatırımcı firmasında zengin olmak için her şeyi yapmaya hazır bir CEO olur. 90’ların en hızlı günleridir ve New York işlem salonunda her şey olabilmektedir. Önemsiz tahvillerle birçok yatırımcıyı aldatarak Belfort kısa zamanda bir para makinasına ve aynı zamanda bir harcama makinasına dönüşür. Bir günde hesapları milyon dolarlarla doldururken o gece hepsini aynı hızda harcayabilir. Profesyonel hayatının yanı sıra uyuşturucu, fahişeler, son derece pahalı lüks fantezilerle dolu kirli bir oyunun içindedir. Bu karakterin hayatındaki her şey abartılı bir şekilde devam ederken çöküş ise çok uzakta değildir.
Neden izliyorsunuz?: Para Avcısı bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2013'te üretilen Para Avcısı, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.0 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Para Avcısı için 8.0 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Para Avcısı'in yaptığı da tam olarak bu. Martin Scorsese bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. En iyi komedi filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Para Avcısı bu filmlerden biri. Martin Scorsese, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Para Avcısı'teki performanslar, Martin Scorsese'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Leonardo DiCaprio, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Para Avcısı'te en zor anlar, Leonardo DiCaprio'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Para Avcısı, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Martin Scorsese kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.0 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Para Avcısı ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Para Avcısı'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Para Avcısı, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Leonardo DiCaprio'in performansının ve Martin Scorsese'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
K-Pop: İblis Avcıları
K-pop süperstarları Rumi, Mira ve Zoey, stadyumlarda kapalı gişe konserler vermedikleri zamanlarda hayranlarını doğaüstü bir tehditten korumak için gizli güçlerini kullanır.
Neden izliyorsunuz?: K-Pop: İblis Avcıları'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
K-Pop: İblis Avcıları (2025), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Chris Appelhans, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.0'teki K-Pop: İblis Avcıları, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Karakter komedisi, yönetmenin ve oyuncu kadrosunun en komik anların abartıdan ziyade gerçeklerden geldiğini anlamasını gerektirir. Film işe yarıyor çünkü karakterlerin yaptıkları, kim olduklarına göre anlamlı. K-Pop: İblis Avcıları, bu komedi sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark K-Pop: İblis Avcıları'in her sahnesinde görülüyor.
K-Pop: İblis Avcıları'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Chris Appelhans, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. K-Pop: İblis Avcıları karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, K-Pop: İblis Avcıları'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
K-Pop: İblis Avcıları, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. K-Pop: İblis Avcıları'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Chris Appelhans ve Arden Cho işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
K-Pop: İblis Avcıları'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.0 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. K-Pop: İblis Avcıları'e yüksek puan verme kararları, Chris Appelhans'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. K-Pop: İblis Avcıları genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Belalılar
Chicago'da dolandırıcılık yaparak yaşayan Johnny Hooker ve Luther Coleman arasında usta-çırak ilişkisi vardır. Deyim yerindeyse Luther Coleman, Johnny Hooker'ı üçkâğıtçılık konusunda eğitmektedir. Ancak Luther, kendisinden daha güçlü bir suç patronu olan Doyle Lonnegan tarafından öldürülür.
Neden izliyorsunuz?: Belalılar, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Belalılar'in 1973 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Belalılar'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Belalılar'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.0 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Belalılar'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Belalılar bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Belalılar'i bu komedi listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. George Roy Hill burada çoğu komedi filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Belalılar'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. George Roy Hill, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Belalılar'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Paul Newman, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Belalılar'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Belalılar'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Belalılar'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. George Roy Hill'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Paul Newman'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Belalılar, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Belalılar, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. George Roy Hill'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Belalılar'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Deha
Florida’nın merkezinde küçük bir kasabada yaşayan 7 yaşındaki Mary Adler, okulun ilk gününde yaşından beklenmedik bir matematik performansı gösterir. Üstün zekalı çocuklar için özel bir okuldan burs alır, ancak dayısı Frank göndermek istemez. Mary’nin annesi aslında çok değerli bir matematikçidir ancak Mary henüz 6 aylıkken intihar etmiştir. O zamandan beri dayısı Frank, Mary’nin vasisidir. Kız kardeşinin Mary’nin “normal” bir çocukluk yaşamasını istediğine inandığından, Mary’i bir devlet okuluna yazdırmakta kararlıdır. Ancak Mary’nin milyonda bir görülen bir matematiksel zekası olduğuna inanan Mary’nin büyükannesi aynı zamanda Frank’in de annesi olan Evelyn, Frank’ten Mary’nin velayetini almak için mücadele içine girecektir.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Deha, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Deha, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Marc Webb gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. 8.0 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Deha de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. komedi türünde Deha özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi komedi filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Deha'teki görsel yaklaşım, Marc Webb'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Deha'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Chris Evans, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Deha'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Deha, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. Deha'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. Deha'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. Marc Webb'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
Deha bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Marc Webb, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.0 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Marc Webb'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Deha'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
3 Aptal
Hindistan’da mühendislik okuyan Farhan, bu bölüme ailesinin zoruyla girmiştir. Farhan'ın asıl arzusu ise fotoğrafçılık eğitimi almaktır. Oda arkadaşı Raju ise fakir bir ailede büyümüş, bir an önce mesleğini eline alıp onlara bakmak için çırpınan bir mühendis adayıdır. Odalarına gelen Rancho (Aamir Khan) ise her ikisinden de tamamen farklı, tuhaf ve bir o kadar da zeki bir çocuktur. Birbirlerinin en yakın arkadaşı haline gelen Farhan, Raju ve Rancho, Rancho’nun içinde bulunduğu okulu ve eğitim sistemini değiştirme çabalarının sonucunda okulun diktatör hocası “Virus”ün görüş alanına girerler. Kendilerine ve tüm okula ilham olan, herkesten farklı düşünen ve sistemi değiştirmenin mümkün olduğunu savunan Rancho, mezun olduktan sonra ortadan kaybolur. Rancho’yu bulmak için yıllar sonra yollara düşen Farhan ve Raju, bu yolculuklarında Rancho’nun şaşırtıcı hikâyesine tanık olacaktır.
Neden izliyorsunuz?: 3 Aptal bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2009'te vizyona giren 3 Aptal, sinemadaki bir geçiş döneminden geliyor; akışın dağıtımı değiştirmesinden önce, ancak dijital araçlar prodüksiyonu değiştirdikten sonra. 3 Aptal'te görünen işçilik, tiyatro dönemi standartlarını yansıtıyor. 3 Aptal'in 8.0 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Rajkumar Hirani, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. komedi türü yüzlerce filmler üretti. 8.0 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
3 Aptal'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Rajkumar Hirani, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Aamir Khan, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde 3 Aptal'te en çok görülür.
3 Aptal, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. 3 Aptal'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Rajkumar Hirani özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. 3 Aptal ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 8.0 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
3 Aptal'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Rajkumar Hirani filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.0 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. 3 Aptal tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Tavşan Jojo
Hitler'in gençlik kamplarında yer alan Jojo Betzler adındaki bir çocuk, annesinin evlerinde Yahudi bir kızı gizlice misafir ettiğini öğrenir. Kız, evlerinin çatı katında kalıyordur. Tabii bu durum en yakın sırdaşı hayali arkadaşı Adolf Hitler olan Jojo'nun kafasında büyük bir karmaşaya yol açacaktır. Hayali arkadaşı olan Hitler, hiç de orijinalindeki gibi değildir. Jojo'nun bu korkunç ırkçılığa karşı gelmek için mücadele etmesi gerekmektedir.
Neden izliyorsunuz?: Tavşan Jojo'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Tavşan Jojo (2019), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Taika Waititi, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.0'te Tavşan Jojo, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Tavşan Jojo herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Tavşan Jojo, komedi sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Taika Waititi, komedi'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Tavşan Jojo'teki performanslar, Taika Waititi'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Roman Griffin Davis, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Tavşan Jojo'te en zor anlar, Roman Griffin Davis'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Tavşan Jojo'i ilk kez izleyen izleyiciler, Taika Waititi'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Tavşan Jojo'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Roman Griffin Davis, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2019 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Taika Waititi'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Tavşan Jojo, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Taika Waititi'in Tavşan Jojo'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Oyuncak Hikayesi
Buzz Lightyear adlı yeni çıkan oyuncak, Andy'e hediye edilir. Oyuncağı çok seven Andy, eski gözdesi Şerif Woody'e olan ilgisini yitirir. Bir gün Buzz yanlışlıkla pencereden aşağı uçunca, herkes Woody'nin onu öldürdüğüne inanır. Woody, kendisini kurtarabilmek için Buzz'ın arkasından giderek onu geri getirmeye karar verir. Fakat ikiliyi dış dünyada büyük tehlikelerle dolu maceralar beklemektedir.
Neden izliyorsunuz?: Oyuncak Hikayesi, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Oyuncak Hikayesi'in 1995 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Oyuncak Hikayesi'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Oyuncak Hikayesi'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.0'teki Oyuncak Hikayesi, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. John Lasseter, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Filmin bir komedi olarak tutarlılığı tutarlılıktan geliyor. Yönetmen dünyanın kurallarını ve karakterlerin bu kurallar içindeki davranışlarını belirliyor ve mizah, bu karakterlerin bir durumu nasıl yönlendirdiğinden ortaya çıkıyor. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü komedi kanonunu açık hale getirirler. 8.0'teki Oyuncak Hikayesi, komedi sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen komedi filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Oyuncak Hikayesi'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. John Lasseter, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Oyuncak Hikayesi karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Oyuncak Hikayesi'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Oyuncak Hikayesi'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, John Lasseter'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Oyuncak Hikayesi, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Tom Hanks'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Oyuncak Hikayesi, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Tom Hanks'in performansının ve John Lasseter'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Sevgiler, Simon
Herkes gençlik yıllarında masalsı bir aşk hikayesini hak eder. Ancak ne yazık ki, durum 17 yaşındaki Simon Spier için biraz karışık. O, henüz ailesine ve arkadaşlarına gay olduğu gerçeğini açıklayabilmiş değil. Üstelik sorunları, onların tepkilerinden korkmakla da kalmıyor. İnternet üzerinden konuştuğu bir sınıf arkadaşına da aşık. Ancak kimliğini gizli tutan bu sınıf arkadaşının kim olduğu hakkında hiçbir fikri yok! Bu iki sorunun çözümü de hayatını değiştirecek adımlar atmasından geçiyor...
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Sevgiler, Simon, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Sevgiler, Simon, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Greg Berlanti gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.0 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Sevgiler, Simon, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Greg Berlanti'in Sevgiler, Simon'teki komedi'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu komedi filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Sevgiler, Simon'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Greg Berlanti, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Sevgiler, Simon'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Nick Robinson, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Sevgiler, Simon, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Sevgiler, Simon'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Greg Berlanti ve Nick Robinson işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Sevgiler, Simon'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.0 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Sevgiler, Simon'e yüksek puan verme kararları, Greg Berlanti'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Sevgiler, Simon genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
En iyi sinema dikkatinizi ödüllendirir. Buradaki her filmler ihtiyaç duyduğu zamanı kazandı.
Cruella
1970’li yıllarda Londra’sında asi ve kendine has genç bir kadın olan Estella, zeki olduğu kadar yaratıcıdır ve en büyük hayali kendi adına bir moda markası yaratmaktır. Talihsizlikler sonucu Londra’da beş parasız, yetim ve yalnız kalan Estella, Jasper ve Horace adında iki hırsız ile arkadaş olur. Bir şeyler aşırarak hayatlarını sürdürürler ancak Estella katiyen moda tutkusundan vazgeçmez. Estella’nın bu tutkusu ve tarzı sayesinde yolu ünlü bir moda tasarımcısı olan narsisist Baroness von Hellman ile kesişir. Baroness’in yanında çalışmaya başlayan Estella, bir gün kendisi ile ilgili korkunç bir sırrı keşfetmesi ile birlikte intikam ateşiyle dolu Cruella de Vil’ı ortaya çıkarır.
Neden izliyorsunuz?: Cruella bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2021'te üretilen Cruella, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.0 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Cruella için 8.0 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Cruella'in yaptığı da tam olarak bu. Craig Gillespie bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. En iyi komedi filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Cruella bu filmlerden biri. Craig Gillespie, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Cruella'teki görsel yaklaşım, Craig Gillespie'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Cruella'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Emma Stone, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Cruella'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Cruella'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Cruella'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Cruella'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Craig Gillespie'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Emma Stone'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Cruella, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Cruella, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Craig Gillespie'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Cruella'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Hong Kong Ekspresi
Film, PC 233 ve PC 633 yaka nolu iki polisin sevgilileri tarafından terk edilmeleri sonrasında yaşamlarında yeni bir sayfa açmaya çalışmalarını konu ediyor. İçine düştükleri bu durumdan ve yemek yemek için uğradıkları "Midnight Express" adlı büfeden başka ortak özelliği olmayan iki karakterin öyküleri de film içinde herhangi bir ortaklığa sahip değil. Bu iki kaybetmiş polisin umutlarını yeniden kazanmaya çalışmaları, küçük sürprizlerle ve zekice diyaloglarla o kadar güzel anlatılmış ki filmin konusu hakkında daha fazla ipucu vermenin filmi ilk kez izleyecekler için haksızlık olacağını düşünüyoruz. Yeni bir sinema dili keşfetmek isteyenler için Chungking Express çok iyi bir başlangıç.
Neden izliyorsunuz?: Hong Kong Ekspresi'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Hong Kong Ekspresi, 1994'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Hong Kong Ekspresi'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.0'teki Hong Kong Ekspresi, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Hong Kong Ekspresi, bu komedi sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Hong Kong Ekspresi'in her sahnesinde görülüyor.
Hong Kong Ekspresi'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Wong Kar-Wai, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Brigitte Lin, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Hong Kong Ekspresi'te en çok görülür.
Hong Kong Ekspresi, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. Hong Kong Ekspresi'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. Hong Kong Ekspresi'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. Wong Kar-Wai'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
Hong Kong Ekspresi bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Wong Kar-Wai, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.0 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Wong Kar-Wai'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Hong Kong Ekspresi'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Üç Adam ve Bir Bacak
Üç arkadaşın Çılgın yolculuğu...Üç arkadaşın ilginç bir özelliği vardır. İkisi evlidir ve eşleri kardeştir. Bekar olan üçüncü kardeş de, eşlerin diğer kardeşiyle evlenmeye hazırlanmaktadır. Üç arkadaş arabayla Milan'dan ayrılıp bir yolculuğa çıkar. Bu çılgın komedi filminde arkadaşların başına gelmeyen kalmayacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Üç Adam ve Bir Bacak, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Üç Adam ve Bir Bacak'in 1997 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Üç Adam ve Bir Bacak'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Üç Adam ve Bir Bacak'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.0 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Üç Adam ve Bir Bacak'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Üç Adam ve Bir Bacak bundan faydalanıyor. Filmin bir komedi olarak tutarlılığı tutarlılıktan geliyor. Yönetmen dünyanın kurallarını ve karakterlerin bu kurallar içindeki davranışlarını belirliyor ve mizah, bu karakterlerin bir durumu nasıl yönlendirdiğinden ortaya çıkıyor. Üç Adam ve Bir Bacak'i bu komedi listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Aldo Baglio burada çoğu komedi filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Üç Adam ve Bir Bacak'teki performanslar, Aldo Baglio'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Aldo Baglio, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Üç Adam ve Bir Bacak'te en zor anlar, Aldo Baglio'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Üç Adam ve Bir Bacak, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Üç Adam ve Bir Bacak'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Aldo Baglio özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Üç Adam ve Bir Bacak ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 8.0 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Üç Adam ve Bir Bacak'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Aldo Baglio filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.0 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Üç Adam ve Bir Bacak tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Yukarı Bak
Hayatı boyunca yaşamak istediği macera hayalini gerçekleştirmek için evine binlerce balon bağlayıp Güney Amerika'nın vahşi doğasına doğru yolculuğa çıkan 78 yaşındaki baloncu Carl Fredricksen'ın hikayesinin anlatıldığı yeni bir komedi. Ancak Carl, yolculuğa başladıktan sonra en büyük kabusunu da yanında götürmekte olduğunu fark eder: fazlasıyla iyimser, doğa kaşifi 8 yaşındaki Russel'ı.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Yukarı Bak, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Yukarı Bak, tiyatro sinemasının ilgi çekmek için ilk internet ve DVD ile rekabet ettiği 2009'te yapıldı. Pete Docter o zaman da ilgiyi çeken bir şey yaptı ve şimdi de tutuyor. 8.0 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Yukarı Bak de bir istisna değildir. Filmin komedi gibi çalışmasını sağlayan şey, yönetmenin mizahın nerede olduğunu belirtmeyi reddetmesidir. Şakalar karakter ve durumdan kaynaklanıyor; bu da, dikkat eden izleyicilerin, gülmeleri gerektiğinin söylenmesini bekleyen izleyicilerden daha fazlasını bulduğu anlamına geliyor. komedi türünde Yukarı Bak özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi komedi filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Yukarı Bak'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Pete Docter, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Yukarı Bak karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Yukarı Bak'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Yukarı Bak'i ilk kez izleyen izleyiciler, Pete Docter'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Yukarı Bak'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Ed Asner, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2009 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Pete Docter'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Yukarı Bak, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Pete Docter'in Yukarı Bak'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Amelie
Paris'te garsonluk yaparak, kendine özgü bir dünyada yaşayan saf, çekingen ve masum bir kızdır Amelie. Annesinin beklenmedik ölümü, babasının soğuk tavırları ve yaşadığı travmalar sonucu, sevimli ve boş şeylerle uğraşarak kendisine eğlence yaratmaya çalışsa da aslında hayatı sıkıcı bulduğu için kendisini son derece yalnız hissetmektedir. Bu kısır döngü Amelie’nin evde bulduğu bir kutuyu ve onun aracılığıyla sahibini keşfetmesiyle birlikte bir anda bıçak gibi kesiliverir... Amelie aşık olmuştur.
Neden izliyorsunuz?: Amelie yeniden izlenmeye devam eden bir komedi çünkü espriler can alıcı nokta etrafında tasarlanmış durumlardan ziyade bu insanların kim olduğundan kaynaklanıyor.
2001'te vizyona giren Amelie, sinemadaki bir geçiş döneminden geliyor; akışın dağıtımı değiştirmesinden önce, ancak dijital araçlar prodüksiyonu değiştirdikten sonra. Amelie'te görünen işçilik, tiyatro dönemi standartlarını yansıtıyor. Amelie'in 7.9 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Jean-Pierre Jeunet, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Film izleyicinin komik zamanlama anlayışına güveniyor. Yönetmen ritmi kuruyor ve ardından mizahın yaşadığı yerlerde duraklamalara izin veriyor. Performanslar, kısıtlamanın vurgu yapmaktan daha eğlenceli olduğunu anlıyor. komedi türü yüzlerce filmler üretti. 7.9 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Amelie'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Jean-Pierre Jeunet, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Amelie'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Audrey Tautou, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Amelie, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Jean-Pierre Jeunet kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 7.9 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Amelie ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Amelie'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Amelie, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Audrey Tautou'in performansının ve Jean-Pierre Jeunet'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Ters Yüz
Küçük Riley için hayat, babasının San Francisco’da yeni bir işe başlamasıyla baştan aşağıya değişir. Orta-Batı’daki yaşamını geride bırakan Riley'ı şimdi yeni bir ev, okul ve arkadaşlar beklemektedir. Peki içindeki duyguları ona ne söyler? Neşe, Korku, Öfke, Tiksinti ve Üzüntü… Riley'nin zihninin içinde yaşayan, ona günlük hayatında tavsiyeler veren duyguları bu yeni hayata alışırken ufak bir kaosa neden olacaktır. Neşe, Riley’nin en önemli duygusudur ve onu hep pozitif tutmaya çalışır ama diğer duygular bu yeni hayatına uyum sağlama konusunda biraz şaşkındır.
Neden izliyorsunuz?: Ters Yüz'teki her görsel karar (renk, hareket, kompozisyon) sıfırdan icat edilmiştir. Pete Docter, hiçbir canlı aksiyon filminin taklit edemeyeceği bir şey yaratmak için bu tam kontrolü kullanıyor.
Ters Yüz (2015), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Pete Docter, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 7.9'te Ters Yüz, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Ters Yüz herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Yönetmen filme, animasyonun gerektirdiği türden bilinçli bir zanaatla yatırım yapıyor. Her kare hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair niyeti yansıtıyor; bu da filmin sadece anlatıdan ziyade bireysel anlar düzeyinde çalıştığı anlamına geliyor. Ters Yüz, komedi sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Pete Docter, komedi'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Ters Yüz'teki görsel yaklaşım, Pete Docter'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Ters Yüz'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Amy Poehler, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Ters Yüz'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Ters Yüz, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Ters Yüz'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Pete Docter ve Amy Poehler işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Ters Yüz'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.9 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Ters Yüz'e yüksek puan verme kararları, Pete Docter'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Ters Yüz genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Aşıklar Şehri
Hayatlarında yön bulmaya çalışan iki tutkulu insan Sebastian ve Mia'nın yolları, Los Angeles'ta trafiğin sıkışık olduğu bir gün kesişir. Her ikisi de sanat tutkunu olan bu iki insan, hayallerini gerçekleştirme yolunda düşe kalka ilerlemektedir. Sebastian Wilder geleneksel jazzın kolonlardan yükseldiği bir kulüp açma hayalinde, Mia Dolan ise kafesinde çalıştığı film platosunda kendine uygun tüm oyunculuk seçmelerine katılarak bir rol kapma telaşındadır. Bu iki insanın kalpleri birbiri için atmaya başladığında ortaya çıkan manzarayı hayat şartları bozacak, onları yavaş yavaş hayallerinden uzaklaştırmaya başlayacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Damien Chazelle, Aşıklar Şehri'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
2016'te, Damien Chazelle, Aşıklar Şehri'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Aşıklar Şehri'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 7.9'teki Aşıklar Şehri, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Damien Chazelle, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü komedi kanonunu açık hale getirirler. 7.9'teki Aşıklar Şehri, komedi sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen komedi filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Aşıklar Şehri'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Damien Chazelle, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Ryan Gosling, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Aşıklar Şehri'te en çok görülür.
Aşıklar Şehri'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Aşıklar Şehri'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Aşıklar Şehri'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Damien Chazelle'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Ryan Gosling'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Aşıklar Şehri, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Aşıklar Şehri, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Damien Chazelle'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Aşıklar Şehri'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Roma Tatili
Audrey Hepburn'den ilk başrolünde Oscar'lı bir performans Tam 10 dalda Oscar'a aday olan ve Audrey Hepburn'e En İyi Kadın Kadın Oyuncu ödülünü kazandıran Roma Tatili, bir modern zaman prensesinin kraliyet dayatmalarına karşı gelerek tek başına Roma'yı keşfe çıkmasının hikayesini anlatıyor. Burada gazeteci kimliğini saklayarak ilginç hikayeler peşinde koşan Amerikalı bir gazeteciyle tanışıyor. Ancak planı ikilinin birbirine aşık olmasıyla suya düşüyor.
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. William Wyler, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Roma Tatili (1953), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Roma Tatili, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.9 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Roma Tatili, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. William Wyler'in Roma Tatili'teki komedi'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu komedi filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Roma Tatili'teki performanslar, William Wyler'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Audrey Hepburn, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Roma Tatili'te en zor anlar, Audrey Hepburn'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Roma Tatili, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. Roma Tatili'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. Roma Tatili'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. William Wyler'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
Roma Tatili bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. William Wyler, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.9 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri William Wyler'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Roma Tatili'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Mary ve Max
Avusturalyalı 8 yaşındaki küçük Mary, alkolik bir anne ile ilgisiz bir babanın meraklı ve bir o kadar da yalnız kızıdır. Amerikalı Max ise 44 yaşında ve muzdarip olduğu Asperger sendromundan ötürü dış dünyayı anlamakta ve çevresiyle iletişim kurmakta zorluk yaşayan bir başka yalnız insandır. Bir mektup arkadaşlığı, bu iki insanın birbirlerini tanımasını ve birbirlerinin hayatlarını değiştirmesini sağlar.
Neden izliyorsunuz?: Mary ve Max sessizliğe güvenen bir drama. Adam Elliot, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
2009'te vizyona giren Mary ve Max, sinemadaki bir geçiş döneminden geliyor; akışın dağıtımı değiştirmesinden önce, ancak dijital araçlar prodüksiyonu değiştirdikten sonra. Mary ve Max'te görünen işçilik, tiyatro dönemi standartlarını yansıtıyor. Mary ve Max için 7.9 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Mary ve Max'in yaptığı da tam olarak bu. Adam Elliot bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. En iyi komedi filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Mary ve Max bu filmlerden biri. Adam Elliot, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Mary ve Max'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Adam Elliot, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Mary ve Max karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Mary ve Max'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Mary ve Max, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Mary ve Max'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Adam Elliot özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Mary ve Max ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 7.9 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Mary ve Max'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Adam Elliot filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.9 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Mary ve Max tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Asabiyim Ben
Öfkenin iliklere işlediği, dengenin her daim hassas olduğu bir toplumda, aşkların, nefretin ve intikam duygusunun hüküm sürdüğü birbirinden bağımsız bireylerin öykülerini taşıyor perdeye Asabiyim Ben. Satın alınan şereflerin gölgesinde, insanların kanunlar karşısında çaresiz ve öfkeli olduğu bir dünyaya ait altı farklı hayat hikayesi dikiyor karşımıza. Yolsuzluğun ve yozlaşmışlığın hüküm sürdüğü bir ülkede, kana bulanan muhteşem düğünler, ölüme yürüyen danslar, telleri iyiden iyiye gevşeyen sinirler ve bu yoldan çıkmışlığı tasvir eden "eğlenceli" öyküler.
Neden izliyorsunuz?: Gerilim sanatı en iyi haliyle izleyicinin açık bir şey olmadan önce dehşete düşmesi anlamına gelir. Damián Szifron, Asabiyim Ben'te bunu bilgi ve zamanlamanın kontrolü yoluyla başarıyor.
Asabiyim Ben (2014), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Damián Szifron, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 7.9'teki Asabiyim Ben, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Bu, gerilimin fiziksel olmaktan ziyade psikolojik olduğu gerilim kategorisine aittir. Yönetmen izleyicinin açık bir tehlike gösterilmeden baskı hissedeceğine güveniyor. Sonuç, geleneksel gerilim mekaniğinden daha rahatsız edici. Asabiyim Ben, bu komedi sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Asabiyim Ben'in her sahnesinde görülüyor.
Asabiyim Ben'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Damián Szifron, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Asabiyim Ben'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Ricardo Darín, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Asabiyim Ben'i ilk kez izleyen izleyiciler, Damián Szifron'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Asabiyim Ben'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Ricardo Darín, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2014 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Damián Szifron'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Asabiyim Ben, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Damián Szifron'in Asabiyim Ben'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Harika filmler izlemek dünyaya bakışınızı değiştirir. Bu yüzden onları dikkatle seçiyoruz.
Robot Ron Bir Sorun Var
Dünya, robotlala çocukların yakın arkadaş olduğu bir hale gelmiştir. 11 yaşındaki sosyalleşme sorunu yaşayan bir öğrenci olan Barney'in hayatı da, yürüyebilen, konuşabilen, dijital bir cihaz olan Ron ile karşılaşmasıyla değişir. Ron'un bir takım sorunları vardır ve bu durum üzerine Barney ona birçok şeyi öğretmeye çalışır. Bu süreç onların ikisinin arasında farklı bir bağ oluşmasını sağlar.
Neden izliyorsunuz?: Robot Ron Bir Sorun Var'in dahili mantığı baştan sona tutarlıdır. Sarah Smith öncülüne bağlı kalıyor ve onu takip ediyor; bu da izleyicinin tutarsızlığa karşı savunma yapmak yerine fikirlerle etkileşime geçmesine olanak tanıyor.
2021'te, Sarah Smith, Robot Ron Bir Sorun Var'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Robot Ron Bir Sorun Var'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 7.9 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Robot Ron Bir Sorun Var'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Robot Ron Bir Sorun Var bundan faydalanıyor. Bilimkurgu karakter perspektifine dayanır. Yönetmen spekülatif unsurları kahramanı nasıl etkilediklerine göre filtreliyor; bu da soyutun somut ve duygusal olarak okunabilir hale geldiği anlamına geliyor. Robot Ron Bir Sorun Var'i bu komedi listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Sarah Smith burada çoğu komedi filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Robot Ron Bir Sorun Var'teki görsel yaklaşım, Sarah Smith'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Robot Ron Bir Sorun Var'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Jack Dylan Grazer, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Robot Ron Bir Sorun Var'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Robot Ron Bir Sorun Var, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Sarah Smith kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 7.9 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Robot Ron Bir Sorun Var ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Robot Ron Bir Sorun Var'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Robot Ron Bir Sorun Var, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Jack Dylan Grazer'in performansının ve Sarah Smith'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Sing Street
Aşırı havalı ve güzel Raphina'nın kalbini kazanmayı amaçlayan 14 yaşındaki Conor, birkaç delikanlıdan oluşan bir grup kurar ve grup, 1980'lerin Dublin'inde şarkı sözü yazmaya ve video çekmeye yüreklerini verir.
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. John Carney, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Sing Street, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. John Carney gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. 7.9 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Sing Street de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. komedi türünde Sing Street özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi komedi filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Sing Street'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. John Carney, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Ferdia Walsh-Peelo, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Sing Street'te en çok görülür.
Sing Street, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Sing Street'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. John Carney ve Ferdia Walsh-Peelo işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Sing Street'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.9 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Sing Street'e yüksek puan verme kararları, John Carney'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Sing Street genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Genç Frankenstein
Frederick Frankenstein, Amerika’da nöroloji alanında çalışmalar yapan genç ve azimli bir doktordur. Mesleğine ve pozitivizme aşık Frederick’in hayattaki en büyük trajedisi, ölülerle yaptığı deneyler yüzünden büyük ve kötü bir şöhrete sahip Baron Frankenstein’ın torunu olmasıdır. Büyük dedesinin çalışmalarını biilimdışı gören ve bu çalışmalarla ilgili tüm bağlarını koparmak isteyen doktorun hayatı, Avrupa’dan gelen egzantrik bir avukatın kendisini görmesiyle baştan aşağı değişecektir. Avukatın bilgilendirdiği üzere, Frederick’e büyük dedesinin şatosu miras kalmıştır ve acilen anavatanı Transilvanya’ya gitmesi gerekmektedir. Aile mirasını ziyarete giden Frederick, Frankenstein’ın şatosunda uçarı kambur Igor ve güzel asistan Inga ile tanışır. Frederick, Igor ve Inga; kısa zamanda Baron Frankenstein’ın gizli çalışmalarına ulaşacak ve tarihin en ünlü deli biliminsanının deneyini yinelemeye çalışacaklardır...
Neden izliyorsunuz?: Genç Frankenstein yeniden izlenmeye devam eden bir komedi çünkü espriler can alıcı nokta etrafında tasarlanmış durumlardan ziyade bu insanların kim olduğundan kaynaklanıyor.
1974'te gösterime giren Genç Frankenstein, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Mel Brooks hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.9 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Genç Frankenstein'in 7.9 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Mel Brooks, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Film izleyicinin komik zamanlama anlayışına güveniyor. Yönetmen ritmi kuruyor ve ardından mizahın yaşadığı yerlerde duraklamalara izin veriyor. Performanslar, kısıtlamanın vurgu yapmaktan daha eğlenceli olduğunu anlıyor. komedi türü yüzlerce filmler üretti. 7.9 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Genç Frankenstein'teki performanslar, Mel Brooks'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Gene Wilder, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Genç Frankenstein'te en zor anlar, Gene Wilder'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Genç Frankenstein'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Genç Frankenstein'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Genç Frankenstein'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Mel Brooks'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Gene Wilder'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Genç Frankenstein, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Genç Frankenstein, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Mel Brooks'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Genç Frankenstein'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Sevimli Canavarlar
Canavarlar Dünyası isimli kendilerine ait bir dünyada yaşayan ve yaşayabilmek için insanlara ihtiyaç duyan ilginç ve sevimli canavarların dünyasının insanlarla karıştığı an ortaya çıkan trajikomik hikayeyi anlatır. Bu dünyada canavarlar yaşayabilmek için insanlara muhtaçtır çünkü insanları korkuttukları an duydukları çığlık onlar için enerji kaynağı gibidir. Bu ilginç dünyaya yanlışıkla küçük bir kız çocuğunun yolu düşünce işler çığrından çıkar. Çünkü insanlar bu tuhaf yaratıklara ters etki yapmaktadır ve dehşete kapılan canavarlar salgın bir hastalığın yayılacağını düşünüyorlardır. Bu küçük kız zannettikleri gibi onların yaşamını tehdit ediyor mudur?
Neden izliyorsunuz?: Pete Docter, Sevimli Canavarlar'in komedisini gerçek karakter gözleminden yola çıkarak oluşturuyor. Film ilerledikçe kahkahalar artıyor çünkü insanları daha iyi tanıyorsunuz.
2001 sineması çağdaş filmlerden farklı baskılar altında işliyordu. Sevimli Canavarlar, modern prodüksiyonları şekillendiren algoritmik geri bildirim döngüleri olmadan yapıldı. Pete Docter'in burada yarattığı şey verilerden ziyade inançtan geldi. 7.8'te Sevimli Canavarlar, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Sevimli Canavarlar herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Karakter komedisi, yönetmenin ve oyuncu kadrosunun en komik anların abartıdan ziyade gerçeklerden geldiğini anlamasını gerektirir. Film işe yarıyor çünkü karakterlerin yaptıkları, kim olduklarına göre anlamlı. Sevimli Canavarlar, komedi sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Pete Docter, komedi'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Sevimli Canavarlar'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Pete Docter, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Sevimli Canavarlar karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Sevimli Canavarlar'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Sevimli Canavarlar, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. Sevimli Canavarlar'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. Sevimli Canavarlar'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. Pete Docter'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
Sevimli Canavarlar bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Pete Docter, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.8 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Pete Docter'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Sevimli Canavarlar'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Köpek Adası
Film, köpeklerin “köpek gribi” nedeniyle çok uzaklarda isimsiz bir adada karantina altına alındıkları distropik geleceğin Japonya’sında geçiyor. Bu adanın yerlileri olan beş köpek – Chief, Rex, Boss, Duke ve King– izole olmuş bir hayatta yalnızlıklarından bezmişlerdir. Ta ki Atari Kobayashi adında bir çocuk kaybolan köpeği Spots’u aramak için adaya gelene kadar… Atari köpeğini bulmaya çalışırken bu beş köpekten yardım isteyecek ve onlar da Atari’yi onu almaya gelen Japon yetkililerden koruyacaklardır. Yönetmen Wes Anderson, filmi çekerken Akira Kurosawa’dan ilham aldığını açıklamıştır.
Neden izliyorsunuz?: Komedi sürdürülmesi en zor türdür. Wes Anderson, Köpek Adası'in zahmetsiz görünmesini sağlar; bu, çoğu izleyicinin bilinçli olarak fark etmediği önemli bir zanaatın işaretidir.
2018'te, Wes Anderson, Köpek Adası'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Köpek Adası'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 7.8'teki Köpek Adası, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Wes Anderson, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Filmin bir komedi olarak tutarlılığı tutarlılıktan geliyor. Yönetmen dünyanın kurallarını ve karakterlerin bu kurallar içindeki davranışlarını belirliyor ve mizah, bu karakterlerin bir durumu nasıl yönlendirdiğinden ortaya çıkıyor. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü komedi kanonunu açık hale getirirler. 7.8'teki Köpek Adası, komedi sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen komedi filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Köpek Adası'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Wes Anderson, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Köpek Adası'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Bryan Cranston, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Köpek Adası, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Köpek Adası'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Wes Anderson özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Köpek Adası ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 7.8 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Köpek Adası'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Wes Anderson filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.8 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Köpek Adası tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Ailem Robotlara Karşı
Katie Mitchell, hayalini kurduğu sinema okulunu kazanınca mutluluktan deliye döner. Evinden kilometrelerce uzaklıktaki okuluna gitmek için hazırlıklara başlayan Katie’ye bu yolculuğunda ailesi de eşlik eder. Keyifli bir şekilde yola koyulan aile, yolculuk sırasında robotların dünyayı istila ettiğini öğrenir. Teknoloji ayaklanıp robotlar sokaklarda dolaşmaya başlayınca aile dünyayı kurtarmak için zorlu bir mücadeleye girişir.
Neden izliyorsunuz?: Sadece bir tane olarak pazarlanmak yerine gerçekten komik bir filmler. Ailem Robotlara Karşı'teki mizah düzenden değil karakterden geliyor.
Ailem Robotlara Karşı, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Mike Rianda gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.8 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Ailem Robotlara Karşı, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Filmin komedi gibi çalışmasını sağlayan şey, yönetmenin mizahın nerede olduğunu belirtmeyi reddetmesidir. Şakalar karakter ve durumdan kaynaklanıyor; bu da, dikkat eden izleyicilerin, gülmeleri gerektiğinin söylenmesini bekleyen izleyicilerden daha fazlasını bulduğu anlamına geliyor. Mike Rianda'in Ailem Robotlara Karşı'teki komedi'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu komedi filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Ailem Robotlara Karşı'teki görsel yaklaşım, Mike Rianda'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Ailem Robotlara Karşı'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Abbi Jacobson, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Ailem Robotlara Karşı'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Ailem Robotlara Karşı'i ilk kez izleyen izleyiciler, Mike Rianda'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Ailem Robotlara Karşı'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Abbi Jacobson, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2021 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Mike Rianda'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Ailem Robotlara Karşı, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Mike Rianda'in Ailem Robotlara Karşı'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Ratatuy
Şişman fare Remy, yemeğe olan düşkünlüğü nedeniyle tek bir hayale sahiptir: Aşçı olabilmek! Bu idealini gerçekleştirmek için Paris'in yolunu tutan sevimli fare kaza eseri kendisini şehrin en iyi restoranının kanalizasyonunda bulur. Restoranın yeni çöpçüsüyle ilginç bir anlaşma yapan Remy, tüm hünerlerini sergileyebileceği büyülü mutfağa ulaşmIştır. Ancak bu tek hayalini gerçekleştirmek, farelerden iğrenen bir insanlığın var olduğu bir dünyada pek kolay olmayacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Ratatuy yeniden izlenmeye devam eden bir komedi çünkü espriler can alıcı nokta etrafında tasarlanmış durumlardan ziyade bu insanların kim olduğundan kaynaklanıyor.
2007'te vizyona giren Ratatuy, sinemadaki bir geçiş döneminden geliyor; akışın dağıtımı değiştirmesinden önce, ancak dijital araçlar prodüksiyonu değiştirdikten sonra. Ratatuy'te görünen işçilik, tiyatro dönemi standartlarını yansıtıyor. Ratatuy için 7.8 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Ratatuy'in yaptığı da tam olarak bu. Brad Bird bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Film izleyicinin komik zamanlama anlayışına güveniyor. Yönetmen ritmi kuruyor ve ardından mizahın yaşadığı yerlerde duraklamalara izin veriyor. Performanslar, kısıtlamanın vurgu yapmaktan daha eğlenceli olduğunu anlıyor. En iyi komedi filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Ratatuy bu filmlerden biri. Brad Bird, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Ratatuy'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Brad Bird, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Patton Oswalt, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Ratatuy'te en çok görülür.
Ratatuy, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Brad Bird kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 7.8 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Ratatuy ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Ratatuy'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Ratatuy, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Patton Oswalt'in performansının ve Brad Bird'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Bıçaklar Çekildi
Tanınmış polisiye yazarı Harlan Thrombey 85. doğum günü partisinden hemen sonra malikanesinde ölü bulunduğunda meraklı ve neşeli bir dedektif olan Benoit Blanc, cinayeti çözmesi için gizemli biri tarafından işe alınır. Blanc, Harlan'ın ilişkileri kopuk ailesinden sadık personeline kadar Harlan'ın zamansız ölümünün ardındaki gerçeği ortaya çıkarmak için anlamsız kandırmacalar ve yalanlardan oluşan bir yılan hikâyesini çözmeye çalışacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Rian Johnson, Bıçaklar Çekildi'in komedisini gerçek karakter gözleminden yola çıkarak oluşturuyor. Film ilerledikçe kahkahalar artıyor çünkü insanları daha iyi tanıyorsunuz.
Bıçaklar Çekildi (2019), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Rian Johnson, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 7.8'teki Bıçaklar Çekildi, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Karakter komedisi, yönetmenin ve oyuncu kadrosunun en komik anların abartıdan ziyade gerçeklerden geldiğini anlamasını gerektirir. Film işe yarıyor çünkü karakterlerin yaptıkları, kim olduklarına göre anlamlı. Bıçaklar Çekildi, bu komedi sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Bıçaklar Çekildi'in her sahnesinde görülüyor.
Bıçaklar Çekildi'teki performanslar, Rian Johnson'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Daniel Craig, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Bıçaklar Çekildi'te en zor anlar, Daniel Craig'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Bıçaklar Çekildi, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Bıçaklar Çekildi'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Rian Johnson ve Daniel Craig işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Bıçaklar Çekildi'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.8 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Bıçaklar Çekildi'e yüksek puan verme kararları, Rian Johnson'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Bıçaklar Çekildi genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Büyük Lebowski
“Ahbap” olarak da bilinen Jeff Lebowski bir gün adaşı bir milyonerle karıştırılır. Milyonerin karısının ödemediği borçlar ve bu küçük yanlış anlaşılma sebebiyle mafyadan dayak yiyen ve çok değerli halısı çalınan Lebowski, ortadaki bu yanlış anlaşılmayı bir an önce gidermelidir.
Neden izliyorsunuz?: Komedi sürdürülmesi en zor türdür. Joel Coen, Büyük Lebowski'in zahmetsiz görünmesini sağlar; bu, çoğu izleyicinin bilinçli olarak fark etmediği önemli bir zanaatın işaretidir.
Büyük Lebowski'in 1998 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Büyük Lebowski'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Büyük Lebowski'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.8 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Büyük Lebowski'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Büyük Lebowski bundan faydalanıyor. Filmin bir komedi olarak tutarlılığı tutarlılıktan geliyor. Yönetmen dünyanın kurallarını ve karakterlerin bu kurallar içindeki davranışlarını belirliyor ve mizah, bu karakterlerin bir durumu nasıl yönlendirdiğinden ortaya çıkıyor. Büyük Lebowski'i bu komedi listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Joel Coen burada çoğu komedi filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Büyük Lebowski'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Joel Coen, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Büyük Lebowski karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Büyük Lebowski'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Büyük Lebowski'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Büyük Lebowski'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Büyük Lebowski'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Joel Coen'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Jeff Bridges'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Büyük Lebowski, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Büyük Lebowski, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Joel Coen'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Büyük Lebowski'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Şarkını Söyle 2
NewMoon Tiyatrosu’nu büyük bir başarıya ulaştırmasının ardından Buster, bu kez gözünü Crystal Tower Tiyatrosu’na diker. Buster burada yeni bir gösteri sergilemeyi planlar. Ancak acımasız kurt Jimmy Crystal tarafından yönetilen dünyaca ünlü Crystal Entertainment’ın ofislerine girmek pek kolay değildir. Bu yüzden Buster ile anne domuz Rosita, rockçı oklu kirpi Ash, goril Johnny, fil Meena ve domuz provokatörü Gunter’dan oluşan ekip, Crystal Entertainment’a gizlice girer. Bu sırada Gunter ortaya gerçekleştirmesi zor bir fikir atar ve dünyanın en münzevi rock yıldızı Clay Calloway'in da şovda yer alacağını vaat eder. Buster, bu önemli gösteride onlarla birlikte sahnede yer alması için Clay’ı bulmak için yola koyulur.
Neden izliyorsunuz?: Sadece bir tane olarak pazarlanmak yerine gerçekten komik bir filmler. Şarkını Söyle 2'teki mizah düzenden değil karakterden geliyor.
Şarkını Söyle 2, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Garth Jennings gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. 7.8 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Şarkını Söyle 2 de bir istisna değildir. Filmin komedi gibi çalışmasını sağlayan şey, yönetmenin mizahın nerede olduğunu belirtmeyi reddetmesidir. Şakalar karakter ve durumdan kaynaklanıyor; bu da, dikkat eden izleyicilerin, gülmeleri gerektiğinin söylenmesini bekleyen izleyicilerden daha fazlasını bulduğu anlamına geliyor. komedi türünde Şarkını Söyle 2 özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi komedi filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Şarkını Söyle 2'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Garth Jennings, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Şarkını Söyle 2'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Matthew McConaughey, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Şarkını Söyle 2, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. Şarkını Söyle 2'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. Şarkını Söyle 2'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. Garth Jennings'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
Şarkını Söyle 2 bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Garth Jennings, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.8 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Garth Jennings'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Şarkını Söyle 2'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Bu komedi Filmlerini Nasıl Sıraladık?
Bu sayfadaki her film, Film Veritabanı API'sinden alınan veriler kullanılarak seçilmiştir ve kalite tutarlılığını sağlamak amacıyla minimum oy eşiklerine göre filtrelenmiştir. Süreç, bu kategorideki tüm filmlerin oy ortalamasına göre azalan sırada sıralanmasıyla başlar, ardından gereken sayıdan daha az oy alan filmleri hariç tutacak şekilde filtrelenir.
Bu daha büyük listedeki her girişin doğruluğu manuel olarak doğrulandı. Yüksek derecelendirme, otomatik olarak izlenebilirlik anlamına gelmez. Son haberler nedeniyle trend olan bir film, gerçekten iyi olduğu için trend olan bir filmle aynı değildir. Her girişteki editoryal analiz, kültürel gürültüden ziyade gerçek film kalitesini yansıtıyor.
Seçim, erişilebilirlik ve derinlik arasında bir denge sağlar. Buradaki filmler, çağdaş gösterimlerden yeniden keşfedilmeyi hak eden katalog başlıklarına kadar çeşitlilik göstermektedir. Hepsi ustalık ve niyetle yapıldı. Tüm ödül görüntüleme.
Türe Göre En İyi komedi Filmleri
Bu sayfadaki 50 filmleri birden fazla türü ve alt türü kapsar. Tür bir filtre olarak kullanışlıdır ancak kesin bir kategori olarak kullanışlı değildir. Drama etiketli bir film, Gerilim etiketli bir film kadar merak uyandırıcı olabilir. Aksiyon etiketli bir film, Drama etiketli bir film kadar duygusal açıdan zeki olabilir. Türü resmin tamamı olarak değil, başlangıç noktası olarak kullanın.
Her filmdeki tür etiketleri, filmin kategorik olarak nerede bulunduğunu gösterir. komedi'te en çok ilginizi çeken türleri bulmak için filtreleri kullanın.
Derecelendirmeye Göre En İyi komedi Filmleri
Bu sayfadaki filmler üç derecelendirme aşamasına ayrılmıştır. 8,5'in üzerindeki filmler her açıdan olağanüstüdür ve bu kategorideki en iyi sinemayı temsil eder. 7,5'ten 8,4'e kadar olan filmler tutarlı bir işçilik gösterir ve güvenilir bir şekilde güçlüdür. 7.0'dan 7.4'e kadar olan filmler, biraz daha geniş bir kalite aralığını temsil etseler de hala mükemmel ve izlenmeye değerdir.
TMDB'de 8,0 puan, istatistiksel olarak güvenilir olması için yeterince geniş bir seçmen tabanını gerektirir. Zaman içinde test edilen gerçek izleyici beğenisini yansıtır.
Runtime'a göre En İyi komedi Filmleri
Çalışma zamanı, ne izleneceğini seçerken en kullanışlı ve en az kullanılan filtrelerden biridir. 90 dakikanın altındaki filmler, kusursuz deneyimler sunar. 90 ila 120 dakika arasındaki filmler çoğu izleme durumu için en uygun uzunluktur. 120 dakikanın üzerindeki filmler bağlılık gerektirir ancak ödüllendirir.
Beklenenden çok daha uzun süren bir şeye gece geç saatlerde başlamak yerine, doğru filmi bulmak için mevcut zamanınızı kullanın.
Bulunmaya Değer Gizli Mücevherler
Her komedi seçkisi, en üst görünürlük sıralamasının altında yer alan ancak olağanüstü bir şey sunan filmleri içerir. Bunlar, franchise'ın tanınmaması veya yakın zamanda basında yer almaması nedeniyle algoritmanın hafife aldığı filmlerdir. Belirsiz oldukları için gizli değiller. Platformlar en gürültülü seçenekleri ilk önce ortaya çıkardığı için gizlenirler.
Explore Comedy From Different Eras
The comedy genre spans decades. Below are ways to explore comedy through time and across other filters.
Sıkça Sorulan Sorular
Tüm zamanların en iyi komedi filmleri nelerdir?
En iyi komedi filmleri bu sayfada tam olarak sıralanmış ve listelenmiştir. Bu liste, tutarlılığı sağlamak için komedi türündeki filmler filtrelenerek, Film Veritabanından kritik derecelendirmelere ve seçmen sayısına göre sıralanarak oluşturulmuştur.
En yüksek puan alan komedi filmi hangisi?
En yüksek puan alan komedi filmleri bu sayfanın derecelendirme kademesi bölümünde listelenir. 8,5 ve üzeri filmler, komedi kategorisinde olağanüstü çalışmaları temsil eder ve her türdeki herhangi bir film kadar başarılıdır.
Şu anda yayındaki en iyi komedi filmleri hangileri?
Mevcut kullanılabilirlik için JustWatch'u veya platformunuzun arama işlevini kontrol edin. Bu listedeki filmler, mevcut platform dağıtımından bağımsız olarak komedi kategorisindeki en iyi çalışmaları temsil etmektedir.
1990'ların en iyi komedi filmleri hangileri?
1990'lar komedi'in en iyi çalışmalarından bazılarını üretti. Bu sayfanın on yıllık bölümlerine göz atın ve özellikle komedi tür etiketlerine sahip 1990'lardaki filmlere bakın.
2000'li yılların en iyi komedi filmleri nelerdir?
2000'li yıllar komedi'in nasıl üretildiği konusunda önemli gelişmelere tanık oldu. Bu listede yer alan bu on yılın filmleri, türün tarihindeki belirli bir yaratıcı anı temsil ediyor.
Bir komedi filmini harika yapan şey nedir?
Bu sayfadaki filmler, komedi'in yapmaya çalıştığı şeyin özünü anladıkları ve bunu ustalık ve niyetle hayata geçirdikleri için seçildi. Harika komedi sineması, kısayollar veya formüller yerine gerçek bir şeyler inşa ederek çalışır.
Bilmem gereken küçümsenen komedi filmleri var mı?
Bu sayfadaki Gizli Mücevher bölümü, 6,5 ile 7,4 arasında puan alan komedi filmlerini tanımlar. Bunlar, mevcut görünürlüklerinin sağladığından daha fazla ilgiyi hak eden filmlerdir.
Herkes en az bir kez hangi komedi filmlerini izlemeli?
Bu sayfadaki 8.0 ve üzeri puan alan herhangi bir filmle başlayın. Bunlar, komedi sinemasının en iyi şekilde neler yapabileceğine dair en güçlü fikir birliğini temsil ediyor.
komedi sineması zaman içinde nasıl değişti?
Bu sayfada farklı yıllardaki filmleri karşılaştırdığınızda türün nasıl geliştiğini göreceksiniz. komedi sinemasında şu anda işe yarayan şey, 1970'lerde işe yarayandan, 1990'larda işe yarayandan farklı.
Genelde komedi'i beğenmiyorsam en iyi komedi filmleri hangileridir?
komedi bölümünden 8,5 ve üzeri puan alan filmlerle başlayın. Bunlar, türü aşan ve tipik tercihleri ne olursa olsun izleyicilerin işine yarayan filmlerdir.
ABD dışından izlemem gereken komedi filmleri var mı?
Evet. Bu listedeki uluslararası komedi filmleri, dünya çapındaki en iyi komedi sinemasının neye benzediğini temsil ediyor. Dünya sineması genellikle türe Hollywood'dan farklı yaklaşıyor.
Son zamanların en iyi komedi filmleri hangileri?
Bu listede yer alan son 5 ila 10 yılın filmleri, türün şu anda nasıl göründüğünü gösteriyor. Bunlar komedi'in nasıl yapılması gerektiğine dair en son düşünceleri temsil ediyor.
Mükemmel komedi ile iyi komedi arasındaki fark nedir?
Büyük komedi niyetle bir şeyler yapar. Bir şey söylemek veya başka yollarla yaratılamayacak bir şey yaratmak için türü kullanır. İyi komedi türün ritimlerini yakalıyor. Harika komedi bunları aşıyor.
komedi filmlerini belirli bir sırayla mı izlemeliyim?
Hayır. En çok hangi yönetmenlerin veya dönemlerin ilginizi çektiğine bağlı olarak bu listede herhangi bir yerden başlayabilirsiniz. Filmler birbirine bağımlı değildir. İlk önce ilginizi çekeni izleyin.
Neden bazı ünlü komedi filmleri bu listede yok?
Bu liste, Film Veritabanı derecelendirmeleri ve seçmen sayıları birincil kriter olarak kullanılarak oluşturulmuştur. Çok ünlü bir komedi filmi dahil edilmezse, muhtemelen istatistiksel olarak güvenilir olmak için gereken minimum oy eşiğini karşılamamıştır. Bu, listenin kültürel hafızadan ziyade gerçek izleyici beğenisini yansıtmasını sağlar.