Esaretin Bedeli
Genç ve başarılı bir banker olan Andy Dufresne, karısını ve onun sevgilisini öldürmek suçundan ömür boyu hapse mahkum edilir ve Shawshank hapishanesine gönderilir. İşkence, tecavüz, dayak dahil her türlü kötü koşulun hüküm sürdüğü hapishane koşullarında, Andy'nin hayata bağlı ve her daim iyi bir şeyler bulma çabası içindeki hali, çevresindeki herkesi çok etkileyecektir. Bir süre sonra parmaklıkların arkasında bile özgür bir yaşam olabileceğine bütün mahkumları inandırır. Bu mahkumlardan biri olan Ellis Boyd "Red" ve Andy, unutulmaz bir dostluk kurarak hapishaneyi bambaşka bir yer haline getirirler.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Esaretin Bedeli, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Esaretin Bedeli (1994), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Esaretin Bedeli, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Film Veritabanında 8.7 derecelendirmesi istatistiksel olarak nadirdir. Bireysel görüşlerin ortalamasını alacak kadar geniş bir seçmen tabanı gerektirir ve geriye yalnızca farklı izleyicilere tutarlı bir şekilde ulaştırılan filmler kalır. Esaretin Bedeli bu fikir birliğine sahip. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. suç türünde Esaretin Bedeli özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi suç filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Esaretin Bedeli'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Frank Darabont, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. Esaretin Bedeli'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Tim Robbins, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
Esaretin Bedeli'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Esaretin Bedeli'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Esaretin Bedeli'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Frank Darabont'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Tim Robbins'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Esaretin Bedeli'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.7 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve Esaretin Bedeli bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Frank Darabont'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Baba
Mario Puzo'nun çok satan kitabından Puzo ve yönetmen Francis Ford Coppola tarafından sinemaya uyarlanan eser, 40'lar ve 50'lerin Amerika'sında, bir İtalyan mafya ailesinin destansı öyküsünü konu alıyor. Corleone ailesi, Don Vito Corleone'nin başında olduğu, suça dayalı bir örgüt kurmuş olan İtalyan asıllı meşhur bir ailedir. Aile, New York'taki diğer dört aileyle birlikte New York'un yeraltı işlerini yönetmektedir. Ancak Corleone ailesini diğerlerinden ayıran özelliği, Don Corleone'nin cebinde bozuk para gibi taşıdığı politikacılar ve yargıçlardır. Politikacılar ve yargıçlarla olan bu yakın ilişkileri diğer ailelerin açamadığı kapıları açabilmesini sağlamaktadır.
Neden izliyorsunuz?: Baba bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1972'te gösterime giren Baba, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Francis Ford Coppola hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.7 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Baba için 8.7 puanı, tek bir sayıya indirgenmiş binlerce bireysel görüntüleme kararını temsil eder. Bu sayı gerçek bir şeyi yansıtıyor: Bu filmi izleyen insanlar bunun olağanüstü olduğunu düşündü ve yeterli sayıda kişi derecelendirmeyi anlamlı kılmayı kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. suç türü yüzlerce filmler üretti. 8.7 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Baba'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Francis Ford Coppola, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Marlon Brando, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Baba'te en çok görülür.
Baba, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Francis Ford Coppola, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Baba'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.7 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Marlon Brando - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Baba'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Baba'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Francis Ford Coppola, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. Marlon Brando'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
Baba II
Genç Vito Corleone, Amerika'ya yeni gelmiştir. 1917 yılında, New York şehri'nin yerel mafyalarından birinin liderini öldürünce saygınlık kazanır ve korkulan biri haline gelir.Bu arada, 50 yıl sonra, Michael Corleone, Washington'da senato komitesine aile işleriyle ilgili ifade vermektedir.1972 yapımı ilk filmin devamı niteliğinde, yine yazar Mario Puzo ve yönetmen Francis Ford Coppola'nın yaratıcı ellerinden çıkmış usta işi bir yapım. Eleştirmenler tarafından, önceki filmden daha başarılı bulunan az sayıdaki devam filminden biri olarak kabul ediliyor.
Neden izliyorsunuz?: Baba II'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Baba II, 1974'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Baba II'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8,5'un üzerindeki derecelendirmeler, 7,5 veya 8,0 olarak derecelendirilen filmlerden farklı bir kategoriye girer. Bu sayılar arasındaki fark göründüğünden daha büyük. 8.6'teki Baba II, çağını gerçekten tanımlayan filmlerle birlikte. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Baba II, suç sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Francis Ford Coppola, suç'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Baba II'teki performanslar, Francis Ford Coppola'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Al Pacino, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Baba II'te en zor anlar, Al Pacino'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Baba II, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.6 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Baba II'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Francis Ford Coppola ve Al Pacino işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Baba II ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Francis Ford Coppola, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Baba II'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Kara Şövalye
Batman, Teğmen Jim Gordon ve Bölge Savcısı Harvey Dent’in yardımlarıyla, şehir sokaklarını sarmış olan suç örgütlerinden geriye kalanları temizlemeye girişir. Bu ortaklığın etkili olduğu açıktır, ama ekip kısa süre sonra kendilerini, Joker olarak bilinen ve Gotham şehri sakinlerini daha önce de dehşete boğmuş olan suç dehasının yarattığı karmaşanın ortasında bulurlar.
Neden izliyorsunuz?: Kara Şövalye, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Kara Şövalye için 2008 bağlamı önemlidir. Bu, orijinal fikirlere sahip orta bütçeli filmlerin hala sinemalarda gösterime girdiği bir dönemdi; Kara Şövalye'in temsil ettiği türden bir filmler. Christopher Nolan, bu alanı mevcut pazarın yeşil ışık yakmaya çalışacağı bir şey yapmak için kullandı. Kara Şövalye, her şeyi gören izleyicilerin kullanımına açık olmasına rağmen 8.5 derecelendirmesine sahiptir. Modern izleyicileri etkilemek, önceki çağlardaki izleyicileri etkilemekten daha zordur. Bu filmin hâlâ 8.5 puan alması, kalitesiyle ilgili belirli bir şey söylüyor. Zanaat en çok yönetmenin sakladığı şeylerde görülür. Bilgi stratejik olarak yayınlanıyor, her açıklama daha önce olanı yeniden bağlamlandırıyor. Performanslar kontrollü açıklamaya göre kalibre edilir. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü suç kanonunu açık hale getirirler. 8.5'teki Kara Şövalye, suç sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen suç filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Kara Şövalye'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Christopher Nolan, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Kara Şövalye karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Kara Şövalye'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Kara Şövalye'i ilk kez izleyen izleyiciler, Christopher Nolan'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Kara Şövalye'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Christian Bale, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2008 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Christopher Nolan'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Kara Şövalye'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Christopher Nolan, Kara Şövalye ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Yeşil Yol
Edgecomb, hikayesini anlatırken bir huzurevinde yaşamaktadır ve hapishanedeki görevinin üzerinden yıllar geçmiştir. Hapishanedeki hücrelerinden alınan idam mahkumlarının elektrikli sandalyenin bulunduğu ölüm odasına giderken yürüdükleri, bir millik yeşil yolda yaşananlara her defasında tanık olan Edgecomb, ömrü boyu unutamayacağı olaylara tanık olur. Edgecomb, yıllar boyunca sayısız idam mahkumu nakleder ama hiç birisi onu John Coffey kadar etkilemez. Oldukça iri yarı bir adam olan Coffey, iki küçük kızı öldürmek suçundan idama mahkum olmuştur. Ürkütücü görünümünün aksine oldukça ince, kırılgan ve düşünceli bir yapıya sahip olan Coffey, bazı doğaüstü güçlere sahiptir. Edgecomb'un ona gerçekten suçlu olup olmadığını sorması ile aralarında bir diyalog başlar.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Yeşil Yol, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Yeşil Yol (1999), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Yeşil Yol, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Milyonlarca oy alan bir platformda 8.5'e ulaşmak, her tür izleyicide tutarlılık gerektirir: türün hayranları, eleştirmenler, sıradan izleyiciler ve kendini adamış sinemaseverler. Yeşil Yol hepsine hizmet veriyor ve bu da ortak bir başarı değil. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Frank Darabont'in Yeşil Yol'teki suç'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu suç filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Yeşil Yol'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Frank Darabont, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Yeşil Yol'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Tom Hanks, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Yeşil Yol'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Frank Darabont'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Yeşil Yol, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Tom Hanks'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Yeşil Yol'in ilk 10'da yer alması, neyle rekabet ettiğini düşündüğünüzde çok anlamlıdır. Bu mod ve döneme ait katalogdaki her filmler değerlendirildi ve Yeşil Yol burada sıralandı çünkü derecelendirme kalitesi ve seçmen hacminin birleşimi, onu seçimdeki diğer her şeyin üstünde tutuyordu. Frank Darabont, Yeşil Yol'te onu aynı kategorideki alternatiflerden (aynı zamanda iyi filmler olan alternatiflerden) ayıran seçimler yaptı. İlk on ile ilk yirmi arasındaki fark, mutlak derecelendirme açısından göründüğünden daha küçük ancak izleyici deneyiminin gerçekte sunduğu şey açısından önemli.
Ucuz Roman
Jules Winnfield ve Vincent Vega, mafya babası patronları Marsellus Wallace’tan çalınan bir çantayı geri almaya giden iki profesyonel tetikçidir. Wallace aynı zamanda Vincent’a, kendisi birkaç gün sonra şehir dışındayken karısını dışarı çıkarmasını söyler. Butch Coolidge, bir sonraki maçını kaybetmesi için Wallace’tan para alan yaşlı bir boksördür. Honey Bunny ve Pumpkin, yer değişikliğine ihtiyaçları olduğuna karar veren soyguncu bir çifttir. Görünüşte birbirleriyle alakası olmayan bu insanların hayatları, hem heyecanlı hem de eğlendirici bir sinema filmi macerasında nefes kesici bir şekilde birleşecektir.
Neden izliyorsunuz?: Ucuz Roman bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1994'te gösterime giren Ucuz Roman, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Quentin Tarantino hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.5 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Ucuz Roman için 8.5 derecelendirmesi hızlı bir şekilde ulaşmadı. Bu seviyedeki derecelendirmeler, yıllar boyunca yeni izleyicilerin filmi keşfetmesi ve bağımsız olarak aynı sonuca ulaşmasıyla oluşur. Bu birikmiş fikir birliği, herhangi bir tekil kritik değerlendirmeden daha güvenilirdir. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. En iyi suç filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Ucuz Roman bu filmlerden biri. Quentin Tarantino, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Ucuz Roman'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Quentin Tarantino, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. Ucuz Roman'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. John Travolta, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
Ucuz Roman, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.5 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Ucuz Roman'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Quentin Tarantino ve John Travolta işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Ucuz Roman ilk on sırasını kültürel itibarı sayesinde değil, izleyicilerin oturup izlediğinde yaşananlar sayesinde kazanıyor. 8.5 derecelendirmesi, bu deneyimi geniş bir bağımsız görüntüleme örneğinde yansıtıyor. Bunun gibi listelerde ilk on durumuna ulaşan filmler, alternatiflere tam erişimi olan ve bu filmi deneyimlerinin en üstünde derecelendirmeyi seçen izleyiciler tarafından test edildi. Quentin Tarantino ve John Travolta bu beklentiyi tutarlı bir şekilde karşılayan bir şey yaptı; sürekli yeni izleyicilerin yeni standartlar getirmesine rağmen reytingin devam etmesinin nedeni de budur.
Sıkı Dostlar
Gerçek bir hayat hikayesinden uyarlanan filmde Henry Hill adında bir gangster, Jimmy Conway ve Tommy De Vito adlı iki arkadaşıyla birlikte bir soyguna kalkışır. Gözleri daha yukarda olan iki arkadaşı soyguna katılan diğerlerini öldürür ve mafya içinde yükselmeye başlarlar. Bu durum Henry'i olumsuz etkilemiştir ve bu konuda birşeyler yapması gerekmektedir. Büyük usta Martin Scorsese'nin başyapıtlarından biri olan Goodfellas, 1991 yılında 6 dalda Oscar'a aday gösterilmiş, en iyi yardımcı erkek oyuncu dalında Joe Pesci'ye ödül kazandırmıştı.
Neden izliyorsunuz?: Sıkı Dostlar'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Sıkı Dostlar, 1990'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Sıkı Dostlar'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.5 ve üzeri olarak derecelendirilen filmler genellikle birden fazla yeniden değerlendirme döngüsünden sağ çıktı. Sıkı Dostlar, onu beğenmeyen izleyicilerin söz sahibi olmasına yetecek kadar uzun süredir mevcut. Derecelendirme tüm bunlardan sonra geriye kalanları yansıtıyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Sıkı Dostlar, bu suç sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Sıkı Dostlar'in her sahnesinde görülüyor.
Sıkı Dostlar'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Martin Scorsese, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Robert De Niro, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Sıkı Dostlar'te en çok görülür.
Sıkı Dostlar'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Sıkı Dostlar'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Sıkı Dostlar'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Martin Scorsese'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Robert De Niro'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Sıkı Dostlar'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.5 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve Sıkı Dostlar bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Martin Scorsese'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Tanrı Kent
1960’larda inşa edilmiş ve 80’lerin başında Rio De Janeiro’nun en tehlikeli mahallelerinden birine dönüşmüş, sosyal konutlardan oluşan “Tanrıkent”te organize suçun destansı tarihi. Film 60’larda iki kenar mahalle çocuğunun seçtiği iki ayrı yolu takip eder.Fotoğrafçı olma hayalleri kurar ama fotoğraf makinesi alacak parası yoktur. Öte yandan, Küçük Ze çocukluğundan beri tam bir suçlu özellikleri taşır; acımasız, akıllı ve hırslıdır. Küçük yaşta planladığı bir genelev soygunu sırasında öldürmenin tadını alır, gün geçtikçe bu konudaki iştahı giderek artar. 70’lerde Ze, sakin ve becerikli Bee’nin desteğiyle, favela’nın (mahallenin) uyuşturucu ticareti üzerindeki kontrolünü sağlamlaştırır. 80’lerin başlarında “Tanrıkent”i çetelerarası savaş sarar ve amansız genç suçlulardan oluşan yeni bir kuşak çıkıp “eskilerin” yerini almaya çalışırken, artık bir fotoğraf makinesine sahip olan Rocket, onu bu bitmek tükenmek bilmez katliam döngüsünü belgelemede kullanır...
Neden izliyorsunuz?: Tanrı Kent, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Tanrı Kent için 2002 bağlamı önemlidir. Bu, orijinal fikirlere sahip orta bütçeli filmlerin hala sinemalarda gösterime girdiği bir dönemdi; Tanrı Kent'in temsil ettiği türden bir filmler. Fernando Meirelles, bu alanı mevcut pazarın yeşil ışık yakmaya çalışacağı bir şey yapmak için kullandı. 8.4 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Tanrı Kent'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Tanrı Kent bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Tanrı Kent'i bu suç listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Fernando Meirelles burada çoğu suç filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Tanrı Kent'teki performanslar, Fernando Meirelles'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Alexandre Rodrigues, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Tanrı Kent'te en zor anlar, Alexandre Rodrigues'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Tanrı Kent, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Fernando Meirelles, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Tanrı Kent'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.4 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Alexandre Rodrigues - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Tanrı Kent'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Tanrı Kent'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Fernando Meirelles, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. Alexandre Rodrigues'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
Yedi
Se7en, seri cinayetler işleyen bir katilin peşine düşen iki dedektifin hikayesini anlatıyor. Bir seri katil 7 ölümcül günahı işleyenleri kendi yöntemleriyle öldürmektedir. Yedi ölümcül günah, hıristiyanlık inançlarına göre kibir, açgözlülük, şehvet düşkünlüğü, kıskançlık, oburluk, yıkıcılık ve tembelliktir.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Yedi, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Yedi (1995), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Yedi, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 8.4 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Yedi de bir istisna değildir. Yönetmen filmi bilgi asimetrisi etrafında inşa ediyor: Seyirci karakterlerden daha fazlasını veya daha azını biliyor ve filmler her iki durumu da hassasiyetle yönetiyor. Oyuncu kadrosu gerilimi yoğunluktan ziyade kısıtlama yoluyla iletiyor. suç türünde Yedi özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi suç filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Yedi'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. David Fincher, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Yedi karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Yedi'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Yedi, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.4 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Yedi'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. David Fincher ve Morgan Freeman işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Yedi ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. David Fincher, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Yedi'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Bir Zamanlar Amerika
David 'Noodles' Aaronson ve arkadaşları 20'lerin New York'un da beraber büyümüşlerdir. 30'larda gangster dünyasında fırtına gibi esen sıkı dostlar zamanla dağılırlar. Fakat 60'ların sonunda Aaronson New York'a geri dönecek ve geçmişiyle yüzleşecektir.Birlikte büyüyen bir grup Yahudi arkadaşın, gangster dünyasına adım atmasıyla geçirdiği aşamaları ve sonrasını konu edinen film, Spagetti Western'lerle ünlü Sergio Leone'nin çoğu İtalyan bir ekiple, bir çok sahnesini Avrupa'da çektiği bir yapım. Hollywood'un yazılı olmayan kurallarının işlemediği, ahlak muhasebesi ve dersler içermeyen, duygusal olabildiği kadar sert de olabilen bir film. Nihayetinde unutulmaz müzikleri ve Robert de Niro'lu kadrosuyla da çoktan klasikler arasında yerini almış durumda.
Neden izliyorsunuz?: Bir Zamanlar Amerika bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1984'te gösterime giren Bir Zamanlar Amerika, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Sergio Leone hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.4 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Bir Zamanlar Amerika'in 8.4 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Sergio Leone, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. suç türü yüzlerce filmler üretti. 8.4 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Bir Zamanlar Amerika'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Sergio Leone, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Bir Zamanlar Amerika'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Robert De Niro, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Bir Zamanlar Amerika'i ilk kez izleyen izleyiciler, Sergio Leone'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Bir Zamanlar Amerika'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Robert De Niro, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1984 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Sergio Leone'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Bir Zamanlar Amerika'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Sergio Leone, Bir Zamanlar Amerika ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Sinema önemli hikayelerle ilgilidir. Bu bölümdeki filmler bu prensibi kanıtlıyor.
Kuzuların Sessizliği
Akademiden başarıyla mezun olmuş genç FBI ajanı Clarice Starling, kurbanlarının derilerini yüzen sapık bir katilin elinden bir kadını kurtarmaya çalışır. Clarice, katile ulaşmak için başka bir psikopat olan ünlü doktor Hannibal Lecter ile yakınlaşır. Lecter'dan bilgi alabilmesi için önce onun güvenini kazanması gerekmektedir.1992 yılında 7 dalda Oscar'a aday olan film, yönetmeni ve başrol oyuncularına altın heykelciği getirirken en iyi film ve en iyi senaryo uyarlaması dalında da ödüle hak kazanmıştı.
Neden izliyorsunuz?: Kuzuların Sessizliği'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Kuzuların Sessizliği, 1991'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Kuzuların Sessizliği'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.3'te Kuzuların Sessizliği, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Kuzuların Sessizliği herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Bu, gerilimin fiziksel olmaktan ziyade psikolojik olduğu gerilim kategorisine aittir. Yönetmen izleyicinin açık bir tehlike gösterilmeden baskı hissedeceğine güveniyor. Sonuç, geleneksel gerilim mekaniğinden daha rahatsız edici. Kuzuların Sessizliği, suç sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Jonathan Demme, suç'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Kuzuların Sessizliği'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Jonathan Demme, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. Kuzuların Sessizliği'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Jodie Foster, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
Kuzuların Sessizliği'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Jonathan Demme'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Kuzuların Sessizliği, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Jodie Foster'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Kuzuların Sessizliği, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Jodie Foster'in performansının ve Jonathan Demme'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Leon: Sevginin Gücü
Mathilda, New York’ta yaşayan ailesi dağılmış 12 yaşında küçük bir kızdır. Ailesini sevmeyen Mathilda için en değerli varlığı küçük kardeşidir. Babası uyuşturucu işlerine bulaşınca mafya ailenin tüm bireylerini öldürür. O sırada alışverişte olan Mathilda ise olaydan kılpayı kurtulur ve Leon’un kaldığı daireye saklanır. Leon ise çok soğukkanlı bir katildir. Ancak Mathilda’ya karşı içten bir sevgi besler ve ona kol kanat gerer. Aslında babalık, arkadaşlık gibi kavramlar ona çok yabancıdır.
Neden izliyorsunuz?: Leon: Sevginin Gücü, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Leon: Sevginin Gücü'in 1994 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Leon: Sevginin Gücü'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Leon: Sevginin Gücü'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.3'teki Leon: Sevginin Gücü, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Luc Besson, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü suç kanonunu açık hale getirirler. 8.3'teki Leon: Sevginin Gücü, suç sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen suç filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Leon: Sevginin Gücü'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Luc Besson, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Jean Reno, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Leon: Sevginin Gücü'te en çok görülür.
Leon: Sevginin Gücü, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.3 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Leon: Sevginin Gücü'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Luc Besson ve Jean Reno işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Leon: Sevginin Gücü'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.3 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Leon: Sevginin Gücü'e yüksek puan verme kararları, Luc Besson'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Leon: Sevginin Gücü genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Otomatik Portakal
Alex (Malcolm McDowell), huzur dolu fütürist evinde tüm gün uyuyan ve de geceleri arkadaşları ile masum insanlara sokaklarda ve evlerinde saldıran acımasız genç bir hayduttur. Sonunda polis tarafından yakalanınca Alex rehabilitasyona gönderilir. Bu istek azaltma formunda olan rehabilitasyonda yaptıklarının kat ve kat fazlası şiddet içeren ve insanı dehşete düşüren bir zaman geçirir.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Otomatik Portakal, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Otomatik Portakal (1971), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Otomatik Portakal, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.2 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Otomatik Portakal, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen, insan olmanın ne anlama geldiğine dair sorular sormak için bilim kurgu önermesini kullanıyor. Spekülatif teknoloji, olağanüstü baskı altındaki karakteri keşfetmeye yönelik bir çerçevedir. Stanley Kubrick'in Otomatik Portakal'teki suç'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu suç filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Otomatik Portakal'teki performanslar, Stanley Kubrick'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Malcolm McDowell, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Otomatik Portakal'te en zor anlar, Malcolm McDowell'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Otomatik Portakal'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Otomatik Portakal'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Otomatik Portakal'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Stanley Kubrick'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Malcolm McDowell'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Otomatik Portakal, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Otomatik Portakal, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Stanley Kubrick'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Otomatik Portakal'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Olağan Şüpheliler
Polis San Pedro'da patlayan bir tekneyi araştırdığında 27 ceset ve 91 milyon dolarlık uyuşturucu parası bulur. Olaydan kurtulan iki kişi, yanıklarla dolu vücuduyla korkmuş bir Macar terörist ve Verbal Kint adında bir tetikçidir. Polisteki sorgusunda Kint, 6 hafta öncesinden başlayarak olayları anlatır.
Neden izliyorsunuz?: Olağan Şüpheliler bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1995'te gösterime giren Olağan Şüpheliler, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Bryan Singer hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.2 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Olağan Şüpheliler için 8.2 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Olağan Şüpheliler'in yaptığı da tam olarak bu. Bryan Singer bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. En iyi suç filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Olağan Şüpheliler bu filmlerden biri. Bryan Singer, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Olağan Şüpheliler'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Bryan Singer, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Olağan Şüpheliler karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Olağan Şüpheliler'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Olağan Şüpheliler, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Bryan Singer, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Olağan Şüpheliler'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.2 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Stephen Baldwin - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Olağan Şüpheliler bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Bryan Singer, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.2 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Bryan Singer'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Olağan Şüpheliler'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Köstebek
Güney Boston’da büyümüş olan genç çaylak Billy Costigan’a, Costello’nun çetesine sızma görevi verilir. Billy, Costello’nun güvenini kazanmaya çalışırken, “Güney Yakası”nın sokaklarından gelen bir başka genç polis Colin Sullivan da eyalet polis teşkilatında basamakları hızla tırmanmaktadır. Üstlerinin bilmediği şey, Colin’in Costello için çalıştığı ve suç patronunun polisin hep bir adım önünde olmasını sağladığıdır. Her iki adam da, içine sızdıkları organizasyonun planları ve karşı planları hakkında bilgi toplarken, sürdürdükleri çifte yaşamları yüzünden oldukça zorlanmaktadırlar. Ama hem gangsterler hem polisler aralarında bir köstebek olduğunu anlayınca, Billy ve Colin sürekli olarak düşman tarafından yakalanma tehlikesiyle karşı karşıya kalırlar.
Neden izliyorsunuz?: Köstebek'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
2006 sineması çağdaş filmlerden farklı baskılar altında işliyordu. Köstebek, modern prodüksiyonları şekillendiren algoritmik geri bildirim döngüleri olmadan yapıldı. Martin Scorsese'in burada yarattığı şey verilerden ziyade inançtan geldi. 8.2'teki Köstebek, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Bu, gerilimin fiziksel olmaktan ziyade psikolojik olduğu gerilim kategorisine aittir. Yönetmen izleyicinin açık bir tehlike gösterilmeden baskı hissedeceğine güveniyor. Sonuç, geleneksel gerilim mekaniğinden daha rahatsız edici. Köstebek, bu suç sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Köstebek'in her sahnesinde görülüyor.
Köstebek'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Martin Scorsese, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Köstebek'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Leonardo DiCaprio, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Köstebek, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.2 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Köstebek'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Martin Scorsese ve Leonardo DiCaprio işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Köstebek'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Martin Scorsese filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.2 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Köstebek tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Yaralı Yüz
Tony Montana isimli Kübalı suçlu, Miami'ye gelip uyuşturucu lordu Robert Loggia'nın emrinde çalışmaya başlar. Montana'nın hırsı ve öfkesi basamaklaı hızla tırmanıp büyük bir suç şebekesinin başı olmasını sağlar. Film, uyuşturucu dünyasının gizli kapılar ardında dönen çarklarından başlayarak suç dünyasını gözler önüne serer.
Neden izliyorsunuz?: Yaralı Yüz, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Yaralı Yüz'in 1983 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Yaralı Yüz'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Yaralı Yüz'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.2 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Yaralı Yüz'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Yaralı Yüz bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Yaralı Yüz'i bu suç listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Brian De Palma burada çoğu suç filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Yaralı Yüz'in görsel dili, 1983'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Brian De Palma, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Yaralı Yüz'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Yaralı Yüz'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Yaralı Yüz'i ilk kez izleyen izleyiciler, Brian De Palma'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Yaralı Yüz'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Al Pacino, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1983 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Brian De Palma'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Yaralı Yüz, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Brian De Palma'in Yaralı Yüz'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Joker
Joker, başarısız bir komedyen olan Arthur Fleck'in hayatına odaklanıyor. Toplum tarafından dışlanan bir adam olan Arthur, hayatta yapayalnızdır. Sürekli bir bağ kurma arayışında olan Arthur, yaşamını taktığı iki maske ile geçirir. Gündüzleri, geçimini sağlamak için palyaço maskesini yüzüne takan Arthur, geceleri ise asla üzerinden silip atamayacağı bir maske takar. Babasız büyüyen Arthur’u en yakın arkadaşı olan annesi Happy adıyla çağırır. Bu lakap, Arthur’un içindeki acıyı gizlemesine yardımcı olur. Ancak maruz kaldığı zorbalıklar, onun gitgide toluma aykırı bir adam haline gelmesine neden olur. Yavaş yavaş psikolojik olarak tekinsiz sulara yelken açılan Arthur, bir süre sonra kendisini Gotham Şehri’nde suç ve kaosun içinde bulur. Arthur, zamanla kendi kimliğinden uzaklaşıp Joker karakterine bürünür.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Joker, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Joker, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Todd Phillips gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. 8.1 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Joker de bir istisna değildir. Yönetmen filmi bilgi asimetrisi etrafında inşa ediyor: Seyirci karakterlerden daha fazlasını veya daha azını biliyor ve filmler her iki durumu da hassasiyetle yönetiyor. Oyuncu kadrosu gerilimi yoğunluktan ziyade kısıtlama yoluyla iletiyor. suç türünde Joker özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi suç filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Joker'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Todd Phillips, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Joaquin Phoenix, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Joker'te en çok görülür.
Joker, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Todd Phillips kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.1 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Joker ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Joker'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Joker, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Joaquin Phoenix'in performansının ve Todd Phillips'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Taksi Şoförü
Hem Martin Scorsese’nin hem de Robert De Niro’nun filmografilerindeki belki de bu en çarpıcı filmde, 70’lerin Manhattan gecelerinde taksicilik yapan Vietnam gazisi Travis’le birlikte sokaklardayız.Hikaye boyunca etrafındaki hayatla ve yolunun kesişeceği "toplumun pisliğiyle" (bir çocuk fahişe, güzel bir sarışın, başkan adayı bir senatör, gözü dönmüş bir kadın satıcısı) bir türlü iletişim kuramayacak olan Travis, en nihayetinde ipleri eline alacaktır. Üstelik gündüzleri izlemeye gittiği belden aşağı filmlerdeki "vahşi" bir stilde...Sadece eşsiz senaryosu ve oyunculuklarıyla değil, sıradışı sinematografisiyle de tüm zamanların en etkili filmlerinden biri...
Neden izliyorsunuz?: Taksi Şoförü bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1976'te gösterime giren Taksi Şoförü, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Martin Scorsese hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.1 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Taksi Şoförü'in 8.1 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Martin Scorsese, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. suç türü yüzlerce filmler üretti. 8.1 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Taksi Şoförü'teki performanslar, Martin Scorsese'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Robert De Niro, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Taksi Şoförü'te en zor anlar, Robert De Niro'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Taksi Şoförü, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Taksi Şoförü'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Martin Scorsese ve Robert De Niro işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Taksi Şoförü'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.1 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Taksi Şoförü'e yüksek puan verme kararları, Martin Scorsese'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Taksi Şoförü genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Rezervuar Köpekleri
Bir grup suçlu, bir mücevher deposunu soyarlar. Polis o kadar çabuk peşlerine düşer ki aralarında bir muhbir olduğundan şüphelenirler. Soygundan hemen sonrasıyla başlayan film, olayın öncesine dönüp soygunun planlanması aşamasını anlatıyor. Ünlü karakter oyuncularından oluşan kadroyu da bu bölümde tanıyoruz.Bol aksiyon, kan ve şiddet içeren, klasikleşmiş bir Tarantino yapımı...
Neden izliyorsunuz?: Rezervuar Köpekleri'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Rezervuar Köpekleri, 1992'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Rezervuar Köpekleri'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.1'te Rezervuar Köpekleri, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Rezervuar Köpekleri herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Bu, gerilimin fiziksel olmaktan ziyade psikolojik olduğu gerilim kategorisine aittir. Yönetmen izleyicinin açık bir tehlike gösterilmeden baskı hissedeceğine güveniyor. Sonuç, geleneksel gerilim mekaniğinden daha rahatsız edici. Rezervuar Köpekleri, suç sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Quentin Tarantino, suç'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Rezervuar Köpekleri'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Quentin Tarantino, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Rezervuar Köpekleri karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Rezervuar Köpekleri'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Rezervuar Köpekleri'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Rezervuar Köpekleri'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Rezervuar Köpekleri'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Quentin Tarantino'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Harvey Keitel'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Rezervuar Köpekleri, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Rezervuar Köpekleri, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Quentin Tarantino'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Rezervuar Köpekleri'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Tutsak
Çocuğunuzu korumak için neler yaparsınız? Keller Dover her anne babanın en kötü kabusuyla karşı karşıya. Altı yaşındaki kızı Anna arkadaşı Joy ile kaybolmuştur. Saatler geçtikçe panik gittikçe artar. Tek ipucu sokaklarına çok önce park etmiş döküntü bir karavandır. Soruşturmayı yöneten Detektif Loki arabanın sürücüsü Alex Jones'u tutuklar fakat kanıt yetersizliği nedeniyle şüpheliyi salmak zorunda kalır. Çocuğunun hayatının tehlikede olduğunu bilen çıldırmış Dover durumu kendi ellerine almaktan başka bir seçeneği olmadığını fark eder. Çaresiz baba kızları bulmak için her şeyi yapacaktır. Ancak bunları yaparken kendini kaybedebilir ve şu soruyla boğuşabilir: Adaleti aramakla suçlu olmak arasındaki sınırı ne zaman geçersin?
Neden izliyorsunuz?: Tutsak, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2013'te, Denis Villeneuve, Tutsak'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Tutsak'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.1'teki Tutsak, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Denis Villeneuve, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Zanaat en çok yönetmenin sakladığı şeylerde görülür. Bilgi stratejik olarak yayınlanıyor, her açıklama daha önce olanı yeniden bağlamlandırıyor. Performanslar kontrollü açıklamaya göre kalibre edilir. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü suç kanonunu açık hale getirirler. 8.1'teki Tutsak, suç sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen suç filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Tutsak'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Denis Villeneuve, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Tutsak'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Hugh Jackman, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Tutsak, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Denis Villeneuve, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Tutsak'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.1 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Hugh Jackman - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Tutsak bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Denis Villeneuve, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.1 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Denis Villeneuve'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Tutsak'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Harika filmler kendi kategorilerinin ötesine geçer. Zanaat olağanüstü olduğu için çalışıyorlar.
Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana
Sevimli sokak serserisi Eddy hayatının kumarına üç arkadaşı ile zar zor kazandıkları 100 000 paundu yatıracaktır. Tom, Bacon ve Soap aralarında onu seçmişlerdi. Masadaki en kurt oyuncu oydu. Ama ne yazık ki tüm oyun önceden ayarlanmış bir düzenden başka bir şey değildir. Oyunun sonunda Hatchet Harry’e yarım milyon paund borçlanarak masadan kalkar. Harry Eddy’e bocunu ödemesi için bir hafta süre tanır. Aksi halde para yerine parmaklarını alacaklardır. Eddy ve arkadaşları gerekli parayı acilen bulabilmek için türlü yollara başvururlar. Bunlardan biri Eddy’nin babasının antika tüfeği ile hırsızlığa bile yeltenmektir. Hepsi başarısızlıkla sonuçlanır. Oysaki ellerindekinin kıymetini bilmemektedirler...
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana (1998), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.1 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Filmin komedi gibi çalışmasını sağlayan şey, yönetmenin mizahın nerede olduğunu belirtmeyi reddetmesidir. Şakalar karakter ve durumdan kaynaklanıyor; bu da, dikkat eden izleyicilerin, gülmeleri gerektiğinin söylenmesini bekleyen izleyicilerden daha fazlasını bulduğu anlamına geliyor. Guy Ritchie'in Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana'teki suç'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu suç filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Guy Ritchie, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Vinnie Jones, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Guy Ritchie özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 8.1 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Guy Ritchie filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.1 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Ateşten Kalbe, Akıldan Dumana tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Çifte Tazminat
Büyük bir sigorta şirketinde çalışan Walter, sondaj işinde çalışan zengin kocası sürekli seyahat ettiği için yalnız yaşayan genç ve güzel Phyllis'in evine gider ve genç kadına kapsamlı bir sigorta paketi satmaya çalışır. Sondaj işinin tehlikelerini bilen Phyllis'in sahte korkularının altında yatan hain düşünceleri fark eden Walter, genç kadının evini terk eder. Sigorta şirketlerinden para alabilmek için çevrilen dolapların ince noktalarını dahi bilen Walter, genç kadına olan hislerine yenik düşer ve Phyllis ile kapsamlı bir cinayet planı hazırlar. Plana göre, Phyllis'in kocası sigortalanacaktır ve şirketin onay vermesi sonrasında bir tren kazasında hayatını kaybedecektir. Walter'in ustaca kurduğu bu plan yolunda giderse, Phyllis'in kocası öldükten sonra sigorta şirketi bir değil, iki tazminat ödeyecektir...
Neden izliyorsunuz?: Çifte Tazminat bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1944'te gösterime giren Çifte Tazminat, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Billy Wilder hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.1 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Çifte Tazminat için 8.1 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Çifte Tazminat'in yaptığı da tam olarak bu. Billy Wilder bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. En iyi suç filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Çifte Tazminat bu filmlerden biri. Billy Wilder, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Çifte Tazminat'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Billy Wilder, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Fred MacMurray, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Çifte Tazminat'te en çok görülür.
Çifte Tazminat'i ilk kez izleyen izleyiciler, Billy Wilder'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Çifte Tazminat'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Fred MacMurray, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1944 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Billy Wilder'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Çifte Tazminat, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Billy Wilder'in Çifte Tazminat'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Sessiz Kalma
Aşırı yoksul bir bölgede büyüyen 16 yaşındaki Starr artık banliyödeki özel bir hazırlık okuluna gitmektedir. Bir gün en yakın arkadaşı Khalil (Algee Smith) suçsuz yere bir polis cinayetine kurban gider. Toplumun her kesiminden baskı görmeye başlayan Starr, kendi sesine kulak vermeli ve doğru olduğunu düşündüğü şeyi savunmalıdır.
Neden izliyorsunuz?: Sessiz Kalma'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Sessiz Kalma (2018), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. George Tillman Jr., bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.1'teki Sessiz Kalma, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Sessiz Kalma, bu suç sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Sessiz Kalma'in her sahnesinde görülüyor.
Sessiz Kalma'teki performanslar, George Tillman Jr.'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Amandla Stenberg, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Sessiz Kalma'te en zor anlar, Amandla Stenberg'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Sessiz Kalma, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. George Tillman Jr. kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.1 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Sessiz Kalma ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Sessiz Kalma'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Sessiz Kalma, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Amandla Stenberg'in performansının ve George Tillman Jr.'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Bazıları Sıcak Sever
İki işsiz komedyen Joe ve Jerry, tesadüfen mafyanın sevgililer gününde yaptığı bir katliama tanık olurlar. Arkasında şahit bırakmak istemeyen gangsterler ikilinin peşine düşer. Canlarını kurtarmak için yollara düşen ikili, Miami'ye turneye gitmekte olan ve tamamı kadınlardan oluşan bir müzik grubuna katılırlar. Kadın kılığında grupla yola çıkarlar ancak her ikisi de grubun solisti sarışın bomba Sugar Kane'e aşık olurlar ancak kimlikleri ortaya çıkmasın diye güzel kadına karşı duygularını belli edememektedirler. Bunun üzerine Joe, üçüncü bir kimlik yaratarak utangaç bir milyoner olarak Kane'e yaklaşmayı dener. Öte yandan Jerry'nin de başı, kadın kimliğine aşık olan bir milyonerle derttedir.
Neden izliyorsunuz?: Bazıları Sıcak Sever, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Bazıları Sıcak Sever'in 1959 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Bazıları Sıcak Sever'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Bazıları Sıcak Sever'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.1 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Bazıları Sıcak Sever'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Bazıları Sıcak Sever bundan faydalanıyor. Filmin bir komedi olarak tutarlılığı tutarlılıktan geliyor. Yönetmen dünyanın kurallarını ve karakterlerin bu kurallar içindeki davranışlarını belirliyor ve mizah, bu karakterlerin bir durumu nasıl yönlendirdiğinden ortaya çıkıyor. Bazıları Sıcak Sever'i bu suç listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Billy Wilder burada çoğu suç filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Bazıları Sıcak Sever'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Billy Wilder, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Bazıları Sıcak Sever karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Bazıları Sıcak Sever'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Bazıları Sıcak Sever, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Bazıları Sıcak Sever'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Billy Wilder ve Tony Curtis işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Bazıları Sıcak Sever'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.1 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Bazıları Sıcak Sever'e yüksek puan verme kararları, Billy Wilder'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Bazıları Sıcak Sever genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
M - Bir Şehir Katilini Arıyor
Usta yönetmen Fritz Lang’ın kült suç filminde Berlin sokaklarında amansız bir mücadeleye sebep olan bir seri katil hikayesi konu edilir. Sadece çocukları öldüren bu psikopat seri katili durdurmak için çalışmaya başlayan şehrin polis teşkilatı, sokakları sıkı bir denetim altına alır. Katilin yakalanmamasından fazlasıyla tedirgin olan halkın yanısıra, bu baskıdan şikayetçi olan başka bir grup daha vardır. Polisin sıkı denetimi yüzünden yakalanmaktan korkan diğer sokak suçluları ve dilenceler de kendi aralarında organize olarak bu operasyonun bir an önce sona ermesi için katilin peşine düşer. Artık polislerin yanısıra suçlunun peşinde olan yasadışı bir oluşum...
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. M - Bir Şehir Katilini Arıyor, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
M - Bir Şehir Katilini Arıyor (1931), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve M - Bir Şehir Katilini Arıyor, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 8.1 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve M - Bir Şehir Katilini Arıyor de bir istisna değildir. Yönetmen filmi bilgi asimetrisi etrafında inşa ediyor: Seyirci karakterlerden daha fazlasını veya daha azını biliyor ve filmler her iki durumu da hassasiyetle yönetiyor. Oyuncu kadrosu gerilimi yoğunluktan ziyade kısıtlama yoluyla iletiyor. suç türünde M - Bir Şehir Katilini Arıyor özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi suç filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
M - Bir Şehir Katilini Arıyor'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Fritz Lang, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. M - Bir Şehir Katilini Arıyor'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Peter Lorre, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
M - Bir Şehir Katilini Arıyor'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. M - Bir Şehir Katilini Arıyor'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, M - Bir Şehir Katilini Arıyor'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Fritz Lang'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Peter Lorre'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan M - Bir Şehir Katilini Arıyor, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: M - Bir Şehir Katilini Arıyor, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Fritz Lang'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. M - Bir Şehir Katilini Arıyor'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Özel Tim
1997 yılında papa Brezilya'ya bir ziyaret yapacaktır. Özel Polis Harekatları Birliği BOPE'ye Papa'nın ziyaretinden önce favelalardaki bir mahallenin temizlenmesi görevi verilir. Bu operasyonu yürütmekle görevli Yüzbaşı Nascimento, karısının hamile olduğunu öğrenince birliğinden ayrılmaya karar verir, ama önce kendi yerine geçmeye layık birini bulmalıdır.
Neden izliyorsunuz?: Özel Tim bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2007'te vizyona giren Özel Tim, sinemadaki bir geçiş döneminden geliyor; akışın dağıtımı değiştirmesinden önce, ancak dijital araçlar prodüksiyonu değiştirdikten sonra. Özel Tim'te görünen işçilik, tiyatro dönemi standartlarını yansıtıyor. Özel Tim'in 8.1 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. José Padilha, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. suç türü yüzlerce filmler üretti. 8.1 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Özel Tim'teki görsel yaklaşım, José Padilha'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Özel Tim'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Wagner Moura, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Özel Tim'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Özel Tim, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. José Padilha, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Özel Tim'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.1 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Wagner Moura - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Özel Tim bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. José Padilha, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.1 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri José Padilha'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Özel Tim'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Cinayet Günlüğü
Askeri diktatörlük ile yönetilen, soğuk savaşın son yıllarının yaşandığı Güney Kore'de halk, sürekli olarak tatbikatlar ve Kuzey Kore tehdidi ile korkutulmakta, rejimin baskısı protestolara ve isyanlara neden olmaktadır. Bu esnada, Seul'e yakın bir kasabada, cinayetler işlenmeye başlanır. Kadınlar bağlanarak öldürülmekte, tecavüze uğramaktadırlar. İlk başlarda, yerel bir dedektif olan Park Doo-Man olayı kendi yöntemleri ile çözmeye çalışır. Olayı çözmekte yetersiz kalınca, Seul'dan mektepli bir dedektif Seo Tae-Yoon da ekibe katılır. Tae-Yoon modern yöntemler ve analizler ile olayı çözmeye çalışırken, cinayetler devam edecek, polis teşkilatı yetersiz kalacak ve kasabada kargaşa artacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Cinayet Günlüğü'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
2003 sineması çağdaş filmlerden farklı baskılar altında işliyordu. Cinayet Günlüğü, modern prodüksiyonları şekillendiren algoritmik geri bildirim döngüleri olmadan yapıldı. Bong Joon Ho'in burada yarattığı şey verilerden ziyade inançtan geldi. 8.1'te Cinayet Günlüğü, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Cinayet Günlüğü herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Bu, gerilimin fiziksel olmaktan ziyade psikolojik olduğu gerilim kategorisine aittir. Yönetmen izleyicinin açık bir tehlike gösterilmeden baskı hissedeceğine güveniyor. Sonuç, geleneksel gerilim mekaniğinden daha rahatsız edici. Cinayet Günlüğü, suç sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Bong Joon Ho, suç'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Cinayet Günlüğü'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Bong Joon Ho, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Song Kang-ho, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Cinayet Günlüğü'te en çok görülür.
Cinayet Günlüğü, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Cinayet Günlüğü'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Bong Joon Ho ve Song Kang-ho işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Cinayet Günlüğü'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Bong Joon Ho filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.1 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Cinayet Günlüğü tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri
Film, kızı bir süre önce evlerine yakın bir yerde tecavüz edilerek katledilen Mildred Hayes’in öfkeli, saldırgan hallerini yansıtıyor. Kızının cinayet davasında bir suçlu bulunmadan aylar geçer ve Mildred bunun üzerine cesur bir hamle yapar. Karayoluna yakın bir yerden üç reklam panosu kiralar ve kentin saygıdeğer polis şefi William "Bill" Willoughby'ye yönelik meydan okuyan mesajlar karalar. Mildred bu işten vazgeçmesi için yapılan bütün baskı ve zulümlere göğüs gerer ve herkese tek başına meydan okur.
Neden izliyorsunuz?: Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2017'te, Martin McDonagh, Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.1'teki Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Martin McDonagh, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü suç kanonunu açık hale getirirler. 8.1'teki Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri, suç sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen suç filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri'teki performanslar, Martin McDonagh'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Frances McDormand, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri'te en zor anlar, Frances McDormand'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri'i ilk kez izleyen izleyiciler, Martin McDonagh'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Frances McDormand, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2017 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Martin McDonagh'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Martin McDonagh'in Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Raşomon
Ormanda devriye gezen polisler tarafından, öldürülmüş bir adamın cesedi bulunur. Adamın karısı da tecavüze uğramıştır. Olaya tanıklık eden üç kişi vardır: Bir gezgin, oduncu ve bir haydut. İzleyici olarak mahkeme bizizdir ve tanıkların hikayelerini dinleriz. Tecavüze uğramış kadın da dahil, hepsinin anlattığı hikayeler birbirinden farklıdır. Öldürülen adamın da olaya tanıklığını izlediğimiz filmde çözülmesi zor bir bulmacayla karşı karşıyayızdır: İçlerinden birileri yalan söylemektedir ancak kim ve neden? Film, 20. yy.'ın başlarında yaşamış yazar Ryunosuke Akutagawa'nın Ormanın Sıklığı isimli kitabının uyarlaması. Ancak, toplam süresi 60 dakikayı pek geçmeyine yazarın diğer kitabı Rashômon'dan alınan kestilerin eklenmesiyle film son halini almış. Japon sinemasının ustalarından Kurosawa'nın bu filmi pek ödüllendirilmemişse de oldukça başarılı. Rashômon insan psikolojisi üzerinde duran ve yalanın sınırlarını zorlayan bir Japon draması.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Raşomon, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Raşomon (1950), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Raşomon, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.0 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Raşomon, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Akira Kurosawa'in Raşomon'teki suç'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu suç filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Raşomon'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Akira Kurosawa, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Raşomon karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Raşomon'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Raşomon'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Akira Kurosawa'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Raşomon, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Toshirō Mifune'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Raşomon, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Toshirō Mifune'in performansının ve Akira Kurosawa'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Para Avcısı
Jordan Belfort 24 yaşında genç ve hırslı bir adamdır. Para kazanma arzusuyla Wall Street borsasında önce komisyoncu ve ardından Stratton Oakmont adında bir yatırımcı firmasında zengin olmak için her şeyi yapmaya hazır bir CEO olur. 90’ların en hızlı günleridir ve New York işlem salonunda her şey olabilmektedir. Önemsiz tahvillerle birçok yatırımcıyı aldatarak Belfort kısa zamanda bir para makinasına ve aynı zamanda bir harcama makinasına dönüşür. Bir günde hesapları milyon dolarlarla doldururken o gece hepsini aynı hızda harcayabilir. Profesyonel hayatının yanı sıra uyuşturucu, fahişeler, son derece pahalı lüks fantezilerle dolu kirli bir oyunun içindedir. Bu karakterin hayatındaki her şey abartılı bir şekilde devam ederken çöküş ise çok uzakta değildir.
Neden izliyorsunuz?: Para Avcısı bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2013'te üretilen Para Avcısı, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.0 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Para Avcısı için 8.0 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Para Avcısı'in yaptığı da tam olarak bu. Martin Scorsese bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. En iyi suç filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Para Avcısı bu filmlerden biri. Martin Scorsese, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Para Avcısı'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Martin Scorsese, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Para Avcısı'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Leonardo DiCaprio, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Para Avcısı, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Para Avcısı'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Martin Scorsese ve Leonardo DiCaprio işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Para Avcısı'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.0 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Para Avcısı'e yüksek puan verme kararları, Martin Scorsese'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Para Avcısı genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
En iyi sinema dikkatinizi ödüllendirir. Buradaki her filmler ihtiyaç duyduğu zamanı kazandı.
Belalılar
Chicago'da dolandırıcılık yaparak yaşayan Johnny Hooker ve Luther Coleman arasında usta-çırak ilişkisi vardır. Deyim yerindeyse Luther Coleman, Johnny Hooker'ı üçkâğıtçılık konusunda eğitmektedir. Ancak Luther, kendisinden daha güçlü bir suç patronu olan Doyle Lonnegan tarafından öldürülür.
Neden izliyorsunuz?: Belalılar'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Belalılar, 1973'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Belalılar'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.0'teki Belalılar, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Belalılar, bu suç sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Belalılar'in her sahnesinde görülüyor.
Belalılar'in görsel dili, 1973'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. George Roy Hill, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Belalılar'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Belalılar'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Belalılar'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Belalılar'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Belalılar'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. George Roy Hill'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Paul Newman'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Belalılar, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Belalılar, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. George Roy Hill'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Belalılar'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Bir Rüya İçin Ağıt
Uyuşturucu bağımlısı bir genç, televizyon bağımlısı annesi ve aralarında günden güne yükselen bir uçurum... Uyuşturucu batağı içerisindeki Harry’nin hayattaki tek amacı daha fazla uyuşturucuyken; umutsuz annesini hayata bağlayan tek şey en sevdiği yarışma programıdır. Bir gün bu yarışmaya katılmaya hak kazandığında tek derdi, ödül olan kırmızı elbiseye girebilmek olacaktır. Yaşlı ve mutsuz kadın zayıflama hapları kullanmaya başlar...
Neden izliyorsunuz?: Bir Rüya İçin Ağıt, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Bir Rüya İçin Ağıt için 2000 bağlamı önemlidir. Bu, orijinal fikirlere sahip orta bütçeli filmlerin hala sinemalarda gösterime girdiği bir dönemdi; Bir Rüya İçin Ağıt'in temsil ettiği türden bir filmler. Darren Aronofsky, bu alanı mevcut pazarın yeşil ışık yakmaya çalışacağı bir şey yapmak için kullandı. 8.0 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Bir Rüya İçin Ağıt'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Bir Rüya İçin Ağıt bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Bir Rüya İçin Ağıt'i bu suç listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Darren Aronofsky burada çoğu suç filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Bir Rüya İçin Ağıt'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Darren Aronofsky, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Ellen Burstyn, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Bir Rüya İçin Ağıt'te en çok görülür.
Bir Rüya İçin Ağıt, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Darren Aronofsky, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Bir Rüya İçin Ağıt'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.0 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Ellen Burstyn - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Bir Rüya İçin Ağıt bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Darren Aronofsky, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.0 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Darren Aronofsky'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Bir Rüya İçin Ağıt'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Cinayet Var
Alfred Hitchcock, Frederick Knott'un beğenilen oyunu Dial M for Murder'ı Grace Kelly, Ray Milland ve Robert Cummings'in dahil olduğu bir aşk üçgenini şüphenin mükemmel bir karışımı ile anlatıyor... Kelly, buradaki rolü ve beğenilen diğer iki 1954 performansları ile New York Film Eleştirmenleri ve National Board of Reviewk'in En İyi Kadın oyuncu ödüllerini kazandı. O, Cummings'i sever, kocası Milland onu öldürme planları kurar. Fakat planını anlatmak için yanlış bir numarayı arar, ve doğru numarada yanlış cevap alır ve parlak makaslar ölümcül bir silaha dönüşür. Mükemmel bir gerilim için "M"yi çevirin...
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Cinayet Var, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Cinayet Var (1954), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Cinayet Var, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 8.0 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Cinayet Var de bir istisna değildir. Yönetmen filmi bilgi asimetrisi etrafında inşa ediyor: Seyirci karakterlerden daha fazlasını veya daha azını biliyor ve filmler her iki durumu da hassasiyetle yönetiyor. Oyuncu kadrosu gerilimi yoğunluktan ziyade kısıtlama yoluyla iletiyor. suç türünde Cinayet Var özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi suç filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Cinayet Var'teki performanslar, Alfred Hitchcock'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Ray Milland, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Cinayet Var'te en zor anlar, Ray Milland'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Cinayet Var, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Cinayet Var'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Alfred Hitchcock ve Ray Milland işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Cinayet Var'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Alfred Hitchcock filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.0 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Cinayet Var tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Casino
Ace Rothstein, 1970'lerin Las Vegas'ında bir kumarhane işletmecisidir. İşini korumak için gereken her yola başvuran Ace, işletmesinin bol miktardaki kârının büyük kısmını patronlarıyla paylaşmaktadır. En iyi dostu Nicky Ace'in işletmenin çalışanlarına ve zaman zaman da müşterilere göz kulak olmasına yardım etmeye başlar. Ace'in amacı gelirini belli bir seviyede tutmak, patronlarla başını belaya sokmamak ve kumarhanesinin güvenilir ve sevilen bir yer olarak kalmasını sağlamaktır fakat Nicky işletmeye adımını attığı günden itibaren tüm kumar piyasasını eline geçirmeyi ve Vegas'ın kralı olmayı hayal etmektedir.
Neden izliyorsunuz?: Casino bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1995'te gösterime giren Casino, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Martin Scorsese hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.0 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Casino'in 8.0 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Martin Scorsese, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. suç türü yüzlerce filmler üretti. 8.0 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Casino'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Martin Scorsese, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Casino karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Casino'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Casino'i ilk kez izleyen izleyiciler, Martin Scorsese'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Casino'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Robert De Niro, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1995 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Martin Scorsese'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Casino, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Martin Scorsese'in Casino'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Sıkıysa Yakala
FBI’ın ünlü “En Çok Arananlar” listesinde yer alan en genç dolandırıcısının gerçek yaşam öyküsü. Frank Abagnale Jr. henüz 18 yaşına gelmeden doktorluk, avukatlık ve büyük bir hava yolu şirketinde pilot yardımcılığı yaptı. Kılık değiştirme ustası olan Abagnale, aynı zamanda son derece zeki bir dolandırıcıydı. 16 yaşındayken başladığı çek sahtekarlığını 26 ülkede sürdürerek 2,5 milyon dolar çapında dolandırıcılık yaptı. ABD tarihinin en başarılı banka soygununu gerçekleştirdi.
Neden izliyorsunuz?: Sıkıysa Yakala'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
2002 sineması çağdaş filmlerden farklı baskılar altında işliyordu. Sıkıysa Yakala, modern prodüksiyonları şekillendiren algoritmik geri bildirim döngüleri olmadan yapıldı. Steven Spielberg'in burada yarattığı şey verilerden ziyade inançtan geldi. 8.0'te Sıkıysa Yakala, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Sıkıysa Yakala herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Sıkıysa Yakala, suç sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Steven Spielberg, suç'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Sıkıysa Yakala'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Steven Spielberg, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Sıkıysa Yakala'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Leonardo DiCaprio, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Sıkıysa Yakala, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Steven Spielberg kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.0 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Sıkıysa Yakala ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Sıkıysa Yakala'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Sıkıysa Yakala, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Leonardo DiCaprio'in performansının ve Steven Spielberg'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Kill Bill: Vol. 1
Sıra dışı yazar ve yönetmen Quentin Tarantino'nun büyük beğeni kazanan dördüncü filmi olan, acımasız bir ihaneti ve destansı bir kan davasını konu alan heyecan ve gerilimi yüksek Kill Bill: Volume 1'de başrollerde Uma Thurman (Pulp Fiction), Lucy Liu (Charlie's Angels, Chicago) ve Vivica A Fox' u (Two Can Play That Game) izleyeceksiniz. Kendi nikah töreninde başına bir kurşun isabet ettikten dört yıl sonra, Gelin (Thurman) komadan çıkar ve intikam alma vakti geldiğine karar verir! Eski patronu Bill (David Carradine) ve onun ölümcül uluslararası suikast ekibi tarafından vurulduğu göz önüne alınırsa artık kendisinin başlatmadığı ancak bitirmeye kararlı olduğu bir ölüm kalım savaşı onu beklemektedir. Tüm dünyada ses getiren aksiyon dolu nükteli bu film, mutlaka görülmesi gereken bir yapım.
Neden izliyorsunuz?: Kill Bill: Vol. 1, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Kill Bill: Vol. 1 için 2003 bağlamı önemlidir. Bu, orijinal fikirlere sahip orta bütçeli filmlerin hala sinemalarda gösterime girdiği bir dönemdi; Kill Bill: Vol. 1'in temsil ettiği türden bir filmler. Quentin Tarantino, bu alanı mevcut pazarın yeşil ışık yakmaya çalışacağı bir şey yapmak için kullandı. 8.0'teki Kill Bill: Vol. 1, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Quentin Tarantino, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Aksiyon hikaye anlatıcılığının yerine geçmekten ziyade onun altındadır. Yönetmen yalnızca daha önce gelenler sayesinde işe yarayan sekanslar oluşturuyor. İzleyicinin karakterlere ve riske yaptığı yatırım, aksiyonun gerçekleşip gerçekleşmeyeceğini belirler. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü suç kanonunu açık hale getirirler. 8.0'teki Kill Bill: Vol. 1, suç sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen suç filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Kill Bill: Vol. 1'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Quentin Tarantino, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. Kill Bill: Vol. 1'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Uma Thurman, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
Kill Bill: Vol. 1, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Kill Bill: Vol. 1'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Quentin Tarantino ve Uma Thurman işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Kill Bill: Vol. 1'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.0 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Kill Bill: Vol. 1'e yüksek puan verme kararları, Quentin Tarantino'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Kill Bill: Vol. 1 genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Cruella
1970’li yıllarda Londra’sında asi ve kendine has genç bir kadın olan Estella, zeki olduğu kadar yaratıcıdır ve en büyük hayali kendi adına bir moda markası yaratmaktır. Talihsizlikler sonucu Londra’da beş parasız, yetim ve yalnız kalan Estella, Jasper ve Horace adında iki hırsız ile arkadaş olur. Bir şeyler aşırarak hayatlarını sürdürürler ancak Estella katiyen moda tutkusundan vazgeçmez. Estella’nın bu tutkusu ve tarzı sayesinde yolu ünlü bir moda tasarımcısı olan narsisist Baroness von Hellman ile kesişir. Baroness’in yanında çalışmaya başlayan Estella, bir gün kendisi ile ilgili korkunç bir sırrı keşfetmesi ile birlikte intikam ateşiyle dolu Cruella de Vil’ı ortaya çıkarır.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Cruella, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Cruella, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Craig Gillespie gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.0 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Cruella, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Craig Gillespie'in Cruella'teki suç'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu suç filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Cruella'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Craig Gillespie, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Emma Stone, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Cruella'te en çok görülür.
Cruella'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Cruella'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Cruella'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Craig Gillespie'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Emma Stone'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Cruella, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Cruella, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Craig Gillespie'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Cruella'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Trainspotting
Kült klasiği filmde Ewan McGregor, eroini ve ‘kötü arkadaş’ları ardında bırakmak isteyen Mark Renton’u oynuyor. Renton, zor da olsa (akıllardan silinmeyecek bir sahne sonunda) temizlenir ve Londra’ya gider. Ama geçmişten kurtulmak o kadar kolay değildir, hele eski arkadaşları kapısında bitiverirse!
Neden izliyorsunuz?: Trainspotting bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1996'te gösterime giren Trainspotting, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Danny Boyle hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.0 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Trainspotting için 8.0 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Trainspotting'in yaptığı da tam olarak bu. Danny Boyle bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. En iyi suç filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Trainspotting bu filmlerden biri. Danny Boyle, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Trainspotting'teki performanslar, Danny Boyle'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Ewan McGregor, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Trainspotting'te en zor anlar, Ewan McGregor'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Trainspotting, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Danny Boyle, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Trainspotting'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.0 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Ewan McGregor - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Trainspotting bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Danny Boyle, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.0 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Danny Boyle'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Trainspotting'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
İhtiyarlara Yer Yok
Kötü giden bir uyuşturucu işi ve bir çanta dolusu para masum bir avcının, emektar bir şerifin ve acımasız bir kiralık katilin yolunu ıssız Batı Teksas çölünde kesiştirir.
Neden izliyorsunuz?: İhtiyarlara Yer Yok'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
2007 sineması çağdaş filmlerden farklı baskılar altında işliyordu. İhtiyarlara Yer Yok, modern prodüksiyonları şekillendiren algoritmik geri bildirim döngüleri olmadan yapıldı. Joel Coen'in burada yarattığı şey verilerden ziyade inançtan geldi. 8.0'teki İhtiyarlara Yer Yok, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Bu, gerilimin fiziksel olmaktan ziyade psikolojik olduğu gerilim kategorisine aittir. Yönetmen izleyicinin açık bir tehlike gösterilmeden baskı hissedeceğine güveniyor. Sonuç, geleneksel gerilim mekaniğinden daha rahatsız edici. İhtiyarlara Yer Yok, bu suç sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark İhtiyarlara Yer Yok'in her sahnesinde görülüyor.
İhtiyarlara Yer Yok'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Joel Coen, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. İhtiyarlara Yer Yok karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, İhtiyarlara Yer Yok'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
İhtiyarlara Yer Yok, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. İhtiyarlara Yer Yok'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Joel Coen ve Javier Bardem işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
İhtiyarlara Yer Yok'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Joel Coen filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.0 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. İhtiyarlara Yer Yok tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Büyük Hesaplaşma
İnatçı bir Los Angeles emniyet müdürlüğü komiseri acımasız ve ölümcül bir profesyonel hırsızın ve onun suç ortaklarının peşine amansız bir şekilde düşer.
Neden izliyorsunuz?: Michael Mann, Büyük Hesaplaşma'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Büyük Hesaplaşma'in 1995 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Büyük Hesaplaşma'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Büyük Hesaplaşma'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.9 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Büyük Hesaplaşma'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Büyük Hesaplaşma bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Büyük Hesaplaşma'i bu suç listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Michael Mann burada çoğu suç filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Büyük Hesaplaşma'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Michael Mann, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Büyük Hesaplaşma'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Al Pacino, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Büyük Hesaplaşma'i ilk kez izleyen izleyiciler, Michael Mann'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Büyük Hesaplaşma'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Al Pacino, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1995 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Michael Mann'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Büyük Hesaplaşma, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Michael Mann'in Büyük Hesaplaşma'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Harika filmler izlemek dünyaya bakışınızı değiştirir. Bu yüzden onları dikkatle seçiyoruz.
Ölüm Kararı
Aynı evde yaşayan iki parlak üniversite öğrencisi Philip ve Brandon 'kusursuz cinayet'in var olduğunu kanıtlamak ve böylecekkendi zekalarını ispatlamak için eski sınıf arkadaşları David Kentley'i iple boğarak öldürürler. Cesedi evdeki eski bir sandığın içine saklayan Brandon ve Philip son derece soğuk kanlı bir şekilde bir akşam yemeği daveti verirler. Üstelik bu yemekte yer alan davetliler arasında, öğretmenleri, Kentley'in ailesi ve nişanlısı gibi isimler vardır. Hiçbir şeyden haberi olmayan davetliler tüm olağanlıkla yemeklerini bitirirken misafirler arasından bir kişi bir şeylerin yolunda gitmediğinden şüphelenmeye başlar.
Neden izliyorsunuz?: Gerilimi hassasiyetle inşa eden bir gerilim filmi. Alfred Hitchcock, üretilmiş şoklar yerine mantık yoluyla ivme kazanıyor.
Ölüm Kararı (1948), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Ölüm Kararı, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.9 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Ölüm Kararı de bir istisna değildir. Yönetmen filmi bilgi asimetrisi etrafında inşa ediyor: Seyirci karakterlerden daha fazlasını veya daha azını biliyor ve filmler her iki durumu da hassasiyetle yönetiyor. Oyuncu kadrosu gerilimi yoğunluktan ziyade kısıtlama yoluyla iletiyor. suç türünde Ölüm Kararı özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi suç filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Ölüm Kararı'in görsel dili, 1948'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Alfred Hitchcock, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Ölüm Kararı'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Ölüm Kararı'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Ölüm Kararı'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Alfred Hitchcock'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Ölüm Kararı, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. James Stewart'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Ölüm Kararı, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, James Stewart'in performansının ve Alfred Hitchcock'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Özgürlük Yazarları
Birbirlerinden farklı ama ortak olarak hayattan beklentileri olmayan karakterle dolu koca bir sınıf öğrencinin arasında idealist duygularla öğretmenlik yapmaya yeni başlayan Erin'in işi, sandığından da zordur. Farklı ırk ve toplum katmanlarından gelen öğrenciler için okul, sadece yaşları gereği orada bulunmaya katlanmaları gereken bir yerdir.Erin, kendince yöntemlerle onlara yakınlaşmaya çalışsa da bu niyeti daha da büyük tepkilere yol açar. Çünkü öğrenciler, hayatta yüzleştikleri ırksal ve toplumsal acı gerçekleri farkına vararak öğretmenlerinin saf idealizmi bırakmasını isterler. Zaman içinde onlarla iletişim kurmayı başaran Erin, herbiri birbirinden farklı hikayesi olan bu gençleri, kendi hikayelerini yazmaları ve bunu da birbirleri ile paylaşmaları konusunda cesaretlendirir. Basit bir günlük işlevi görmenin ötesine geçen bu yazılar, öğrencilerin hayata tutunmalarını sağlayan bir araca dönüşecektir.
Neden izliyorsunuz?: Özgürlük Yazarları sessizliğe güvenen bir drama. Richard LaGravenese, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
2007'te vizyona giren Özgürlük Yazarları, sinemadaki bir geçiş döneminden geliyor; akışın dağıtımı değiştirmesinden önce, ancak dijital araçlar prodüksiyonu değiştirdikten sonra. Özgürlük Yazarları'te görünen işçilik, tiyatro dönemi standartlarını yansıtıyor. Özgürlük Yazarları'in 7.9 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Richard LaGravenese, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. suç türü yüzlerce filmler üretti. 7.9 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Özgürlük Yazarları'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Richard LaGravenese, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Hilary Swank, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Özgürlük Yazarları'te en çok görülür.
Özgürlük Yazarları, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Özgürlük Yazarları'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Richard LaGravenese ve Hilary Swank işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Özgürlük Yazarları'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.9 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Özgürlük Yazarları'e yüksek puan verme kararları, Richard LaGravenese'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Özgürlük Yazarları genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Çin Mahallesi
Roman Polanski'nin en ünlü ve başarılı filmlerinden birisi olan "Çin Mahallesi", zengin ve saygın bir toprak sahibi olan Hollis Mulwray'in (Darrell Zwerling) araştırılmasıyla başlayan gizemi anlatıyor. Mulwray'in karısı Evelyn Cross Mulwray (Faye Dunaway), özel dedektif Jake Gittes'den (Jack Nicholson) kocasının diğer kadınlarla olan ilişkisini araştırmasını istiyor. Mulwray'in başka kadınlarla fotoğraflarını çeken Gittes, bir süre sonra kendini korkunç bir komplonun ve sıradışı bir ilişkiler ağının içerisinde buluyor.
Neden izliyorsunuz?: Gerilim sanatı en iyi haliyle izleyicinin açık bir şey olmadan önce dehşete düşmesi anlamına gelir. Roman Polanski, Çin Mahallesi'te bunu bilgi ve zamanlamanın kontrolü yoluyla başarıyor.
Çin Mahallesi, 1974'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Çin Mahallesi'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.9'te Çin Mahallesi, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Çin Mahallesi herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Bu, gerilimin fiziksel olmaktan ziyade psikolojik olduğu gerilim kategorisine aittir. Yönetmen izleyicinin açık bir tehlike gösterilmeden baskı hissedeceğine güveniyor. Sonuç, geleneksel gerilim mekaniğinden daha rahatsız edici. Çin Mahallesi, suç sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Roman Polanski, suç'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Çin Mahallesi'teki performanslar, Roman Polanski'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Jack Nicholson, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Çin Mahallesi'te en zor anlar, Jack Nicholson'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Çin Mahallesi'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Çin Mahallesi'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Çin Mahallesi'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Roman Polanski'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Jack Nicholson'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Çin Mahallesi, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Çin Mahallesi, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Roman Polanski'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Çin Mahallesi'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Günaha Davet
Küçük oğlu ve karısı ile birlikte Bronx'da son derece ırkçı bir mahallede yaşayan Lorenzo Anello, maddi durumu iyi olmasa da pis işlere bulaşmadan dürüst bir hayat sürdürmektedir. Bir gün Lorenzo'nun oğlu Calogero, Sonny isimli bir gangsterin, bir adamı sırf park yeri yüzünden öldürdüğünü görür fakat onu polise ihbar etmeyince Sonny ile Calogero arkadaş olurlar. Lorenzo, oğlunun bir gansterle görüşmesine karşı çıkmasına rağmen Calogero git gide Sonny ile daha da yakınlaşacak ve babasının onu yetiştirmeye çalıştığı değerlerden uzaklaşıp kendisini suç dünyasının ortasında bulacaktır. 60?larda geçen bir gangster hikayesi anlatan Günaha Davet, Robert de Niro'nun ilk yönetmenlik denemesi. Sonny rolünde ise filmin uyarlandığı aynı isimli oyunu da yazan Chazz Palminteri'yi görüyoruz.
Neden izliyorsunuz?: Robert De Niro, Günaha Davet'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Günaha Davet'in 1993 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Günaha Davet'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Günaha Davet'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.9'teki Günaha Davet, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Robert De Niro, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü suç kanonunu açık hale getirirler. 7.9'teki Günaha Davet, suç sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen suç filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Günaha Davet'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Robert De Niro, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Günaha Davet karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Günaha Davet'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Günaha Davet, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Robert De Niro, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Günaha Davet'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 7.9 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Robert De Niro - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Günaha Davet bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Robert De Niro, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.9 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Robert De Niro'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Günaha Davet'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Kill Bill: Vol. 2
Sıra dışı yönetmen Quentin Tarantino'nun büyük beğeni kazanan dördüncü filmi olan, acımasız bir ihaneti ve destansı bir kan davasını konu alan heyecan ve gerilimi yüksek Kill Bill: Volume 2'de Gelin (Uma Thurman, Pulp Fiction), intikamına kaldığı yerden devam etmektedir... Çoktan listesinde ki beş isimin ikisini haklayan Gelin'in onur mücadelesi son hızıyla sürmekte ve artık kendisinin başlatmadığı ancak bitirmeye kararlı olduğu bu ölüm kalım savaşının sonlanması gerekmektedir. Tüm dünyada ses getiren aksiyon dolu nükteli bu film, mutlaka görülmesi gereken bir yapım.
Neden izliyorsunuz?: Gerilimi hassasiyetle inşa eden bir gerilim filmi. Quentin Tarantino, üretilmiş şoklar yerine mantık yoluyla ivme kazanıyor.
Kill Bill: Vol. 2, tiyatro sinemasının ilgi çekmek için ilk internet ve DVD ile rekabet ettiği 2004'te yapıldı. Quentin Tarantino o zaman da ilgiyi çeken bir şey yaptı ve şimdi de tutuyor. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.9 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Kill Bill: Vol. 2, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen filmi bilgi asimetrisi etrafında inşa ediyor: Seyirci karakterlerden daha fazlasını veya daha azını biliyor ve filmler her iki durumu da hassasiyetle yönetiyor. Oyuncu kadrosu gerilimi yoğunluktan ziyade kısıtlama yoluyla iletiyor. Quentin Tarantino'in Kill Bill: Vol. 2'teki suç'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu suç filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Kill Bill: Vol. 2'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Quentin Tarantino, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Kill Bill: Vol. 2'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Uma Thurman, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Kill Bill: Vol. 2, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Kill Bill: Vol. 2'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Quentin Tarantino ve Uma Thurman işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Kill Bill: Vol. 2'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Quentin Tarantino filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.9 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Kill Bill: Vol. 2 tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Just Mercy
Genç avukat Bryan Stevenson, adaletin yerini bulması için büyük bir mücadeleye girişir. Harvard'dan mezun olduktan sonra Bryan'ın para kazandıran işlerde yer alması beklenir. Ancak o, Alabama'da haksız yere mahkum edilen bir adamın peşinden gider. Yerel avukat Eva Ansley'in de yardımıyla, 1987 yılında ölüme mahkum edilen bir adamın suçsuzluğunu kanıtlamaya çalışacaklardır. Walter McMillan, 18 yaşındaki genç bir kızın ölümünden sorumlu tutuluyordur. Ancak onun sorumlu tutulması için hiçbir kanıt bulunmamasına arağmen McMillan ölüme mahkum edilmiştir. Bryan, Walter'ın suçsuzluğunu kanıtlamaya çalışırken, ilerleyen zamanlarda aslında ırkçılığa karşı savaş vermeye başladığını anlayacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Just Mercy sessizliğe güvenen bir drama. Destin Daniel Cretton, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
2019'te üretilen Just Mercy, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 7.9 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Just Mercy için 7.9 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Just Mercy'in yaptığı da tam olarak bu. Destin Daniel Cretton bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. En iyi suç filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Just Mercy bu filmlerden biri. Destin Daniel Cretton, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Just Mercy'teki görsel yaklaşım, Destin Daniel Cretton'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Just Mercy'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Michael B. Jordan, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Just Mercy'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Just Mercy'i ilk kez izleyen izleyiciler, Destin Daniel Cretton'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Just Mercy'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Michael B. Jordan, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2019 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Destin Daniel Cretton'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Just Mercy, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Destin Daniel Cretton'in Just Mercy'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Fargo
Jerry Lundegaard borçları olan bir sahtekârdır. İhtiyaç duyduğu meblağda parayı acilen edinmeli ve borçlarını temizlemelidir. Karısının babası oldukça zengin bir adamdır; ancak gamsız bir sahtekar olan Jerry’ye yardım etmesi imkansız gibi görünmektedir. Jerry’nin aklına şeytani bir fikir gelir. Jerry, karısını kaçırmak ve kayınpederinden fidye istemek üzere iki adam kiralar. Lakin hiçbir şey planlandığı gibi ilerlemeyecektir. Sinemalarının ilk döneminden bu yana çizgilerini hiç bozmadan ilerleyen Coen Kardeşler’e büyük bir şöhret kazandıran Fargo, orijinal senaryo ve en iyi kadın oyuncu dallarında Oscar kazanmıştı.
Neden izliyorsunuz?: Gerilim sanatı en iyi haliyle izleyicinin açık bir şey olmadan önce dehşete düşmesi anlamına gelir. Joel Coen, Fargo'te bunu bilgi ve zamanlamanın kontrolü yoluyla başarıyor.
Fargo, 1996'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Fargo'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.8'teki Fargo, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Bu, gerilimin fiziksel olmaktan ziyade psikolojik olduğu gerilim kategorisine aittir. Yönetmen izleyicinin açık bir tehlike gösterilmeden baskı hissedeceğine güveniyor. Sonuç, geleneksel gerilim mekaniğinden daha rahatsız edici. Fargo, bu suç sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Fargo'in her sahnesinde görülüyor.
Fargo'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Joel Coen, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Frances McDormand, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Fargo'te en çok görülür.
Fargo'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Joel Coen'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Fargo, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Frances McDormand'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Fargo, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Frances McDormand'in performansının ve Joel Coen'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Köpeklerin Günü
22 Ağustos 1972 tarihinde John Wojtowicz ve Salvatore Naturile bir Brooklyn bankasında yaptığı soygundan esinlenen filmde, Sonny ve Salvatore, Brooklyn'deki bir Tasarruf Bankası'nı soymaya kalkışırlar. Hızla kötüye giden ve bir rehine krizine dönüşen durumuna polis müdahale eder. Sonny'in kısa sürede bitirmeyi planladığı soygun bir medya sirkine dönüşecektir.
Neden izliyorsunuz?: Köpeklerin Günü, en iyi gerilim filmlerinin kısıtlama yoluyla çalıştığını gösteriyor. Sidney Lumet, mümkün olduğu kadar uzun süre boyunca, mümkün olduğu kadar fazlasını tutar ve sonuç, geleneksel yükseltmeden daha etkilidir.
Köpeklerin Günü'in 1975 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Köpeklerin Günü'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Köpeklerin Günü'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.8 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Köpeklerin Günü'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Köpeklerin Günü bundan faydalanıyor. Zanaat en çok yönetmenin sakladığı şeylerde görülür. Bilgi stratejik olarak yayınlanıyor, her açıklama daha önce olanı yeniden bağlamlandırıyor. Performanslar kontrollü açıklamaya göre kalibre edilir. Köpeklerin Günü'i bu suç listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Sidney Lumet burada çoğu suç filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Köpeklerin Günü'teki performanslar, Sidney Lumet'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Al Pacino, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Köpeklerin Günü'te en zor anlar, Al Pacino'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Köpeklerin Günü, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Köpeklerin Günü'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Sidney Lumet ve Al Pacino işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Köpeklerin Günü'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.8 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Köpeklerin Günü'e yüksek puan verme kararları, Sidney Lumet'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Köpeklerin Günü genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Karanlıkta Dans
10 yaşındaki oğlu Gene ile bir karavanda yaşayan Çek göçmeni Selma Jezkova kalıtsal bir hastalık yüzünden kör olmak üzeredir. Bu hastalığını oğlunu da etkileyeceğini bilen Selma, çelik fabrikasında canla başla çalışarak biriktirdiği parayla oğlunu ameliyat ettirme arzusu içerisindedir. Ancak gelişen olaylar Selma'yı işin içinden çıkamaz hale getirir.
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. Lars von Trier, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Karanlıkta Dans, tiyatro sinemasının ilgi çekmek için ilk internet ve DVD ile rekabet ettiği 2000'te yapıldı. Lars von Trier o zaman da ilgiyi çeken bir şey yaptı ve şimdi de tutuyor. 7.8 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Karanlıkta Dans de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. suç türünde Karanlıkta Dans özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi suç filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Karanlıkta Dans'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Lars von Trier, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Karanlıkta Dans karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Karanlıkta Dans'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Karanlıkta Dans'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Karanlıkta Dans'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Karanlıkta Dans'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Lars von Trier'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Björk'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Karanlıkta Dans, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Karanlıkta Dans, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Lars von Trier'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Karanlıkta Dans'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Bıçaklar Çekildi
Tanınmış polisiye yazarı Harlan Thrombey 85. doğum günü partisinden hemen sonra malikanesinde ölü bulunduğunda meraklı ve neşeli bir dedektif olan Benoit Blanc, cinayeti çözmesi için gizemli biri tarafından işe alınır. Blanc, Harlan'ın ilişkileri kopuk ailesinden sadık personeline kadar Harlan'ın zamansız ölümünün ardındaki gerçeği ortaya çıkarmak için anlamsız kandırmacalar ve yalanlardan oluşan bir yılan hikâyesini çözmeye çalışacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Bıçaklar Çekildi yeniden izlenmeye devam eden bir komedi çünkü espriler can alıcı nokta etrafında tasarlanmış durumlardan ziyade bu insanların kim olduğundan kaynaklanıyor.
2019'te üretilen Bıçaklar Çekildi, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 7.8 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Bıçaklar Çekildi'in 7.8 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Rian Johnson, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Film izleyicinin komik zamanlama anlayışına güveniyor. Yönetmen ritmi kuruyor ve ardından mizahın yaşadığı yerlerde duraklamalara izin veriyor. Performanslar, kısıtlamanın vurgu yapmaktan daha eğlenceli olduğunu anlıyor. suç türü yüzlerce filmler üretti. 7.8 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Bıçaklar Çekildi'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Rian Johnson, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Bıçaklar Çekildi'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Daniel Craig, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Bıçaklar Çekildi, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. Bıçaklar Çekildi'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. Bıçaklar Çekildi'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. Rian Johnson'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
Bıçaklar Çekildi bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Rian Johnson, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.8 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Rian Johnson'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Bıçaklar Çekildi'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Bu suç Filmlerini Nasıl Sıraladık?
Bu sayfadaki her film, Film Veritabanı API'sinden alınan veriler kullanılarak seçilmiştir ve kalite tutarlılığını sağlamak amacıyla minimum oy eşiklerine göre filtrelenmiştir. Süreç, bu kategorideki tüm filmlerin oy ortalamasına göre azalan sırada sıralanmasıyla başlar, ardından gereken sayıdan daha az oy alan filmleri hariç tutacak şekilde filtrelenir.
Bu daha büyük listedeki her girişin doğruluğu manuel olarak doğrulandı. Yüksek derecelendirme, otomatik olarak izlenebilirlik anlamına gelmez. Son haberler nedeniyle trend olan bir film, gerçekten iyi olduğu için trend olan bir filmle aynı değildir. Her girişteki editoryal analiz, kültürel gürültüden ziyade gerçek film kalitesini yansıtıyor.
Seçim, erişilebilirlik ve derinlik arasında bir denge sağlar. Buradaki filmler, çağdaş gösterimlerden yeniden keşfedilmeyi hak eden katalog başlıklarına kadar çeşitlilik göstermektedir. Hepsi ustalık ve niyetle yapıldı. Tüm ödül görüntüleme.
Türe Göre En İyi suç Filmleri
Bu sayfadaki 50 filmleri birden fazla türü ve alt türü kapsar. Tür bir filtre olarak kullanışlıdır ancak kesin bir kategori olarak kullanışlı değildir. Drama etiketli bir film, Gerilim etiketli bir film kadar merak uyandırıcı olabilir. Aksiyon etiketli bir film, Drama etiketli bir film kadar duygusal açıdan zeki olabilir. Türü resmin tamamı olarak değil, başlangıç noktası olarak kullanın.
Her filmdeki tür etiketleri, filmin kategorik olarak nerede bulunduğunu gösterir. suç'te en çok ilginizi çeken türleri bulmak için filtreleri kullanın.
Derecelendirmeye Göre En İyi suç Filmleri
Bu sayfadaki filmler üç derecelendirme aşamasına ayrılmıştır. 8,5'in üzerindeki filmler her açıdan olağanüstüdür ve bu kategorideki en iyi sinemayı temsil eder. 7,5'ten 8,4'e kadar olan filmler tutarlı bir işçilik gösterir ve güvenilir bir şekilde güçlüdür. 7.0'dan 7.4'e kadar olan filmler, biraz daha geniş bir kalite aralığını temsil etseler de hala mükemmel ve izlenmeye değerdir.
TMDB'de 8,0 puan, istatistiksel olarak güvenilir olması için yeterince geniş bir seçmen tabanını gerektirir. Zaman içinde test edilen gerçek izleyici beğenisini yansıtır.
Runtime'a göre En İyi suç Filmleri
Çalışma zamanı, ne izleneceğini seçerken en kullanışlı ve en az kullanılan filtrelerden biridir. 90 dakikanın altındaki filmler, kusursuz deneyimler sunar. 90 ila 120 dakika arasındaki filmler çoğu izleme durumu için en uygun uzunluktur. 120 dakikanın üzerindeki filmler bağlılık gerektirir ancak ödüllendirir.
Beklenenden çok daha uzun süren bir şeye gece geç saatlerde başlamak yerine, doğru filmi bulmak için mevcut zamanınızı kullanın.
Bulunmaya Değer Gizli Mücevherler
Her suç seçkisi, en üst görünürlük sıralamasının altında yer alan ancak olağanüstü bir şey sunan filmleri içerir. Bunlar, franchise'ın tanınmaması veya yakın zamanda basında yer almaması nedeniyle algoritmanın hafife aldığı filmlerdir. Belirsiz oldukları için gizli değiller. Platformlar en gürültülü seçenekleri ilk önce ortaya çıkardığı için gizlenirler.
Explore Crime From Different Eras
The crime genre spans decades. Below are ways to explore crime through time and across other filters.
Sıkça Sorulan Sorular
Tüm zamanların en iyi suç filmleri nelerdir?
En iyi suç filmleri bu sayfada tam olarak sıralanmış ve listelenmiştir. Bu liste, tutarlılığı sağlamak için suç türündeki filmler filtrelenerek, Film Veritabanından kritik derecelendirmelere ve seçmen sayısına göre sıralanarak oluşturulmuştur.
En yüksek puan alan suç filmi hangisi?
En yüksek puan alan suç filmleri bu sayfanın derecelendirme kademesi bölümünde listelenir. 8,5 ve üzeri filmler, suç kategorisinde olağanüstü çalışmaları temsil eder ve her türdeki herhangi bir film kadar başarılıdır.
Şu anda yayındaki en iyi suç filmleri hangileri?
Mevcut kullanılabilirlik için JustWatch'u veya platformunuzun arama işlevini kontrol edin. Bu listedeki filmler, mevcut platform dağıtımından bağımsız olarak suç kategorisindeki en iyi çalışmaları temsil etmektedir.
1990'ların en iyi suç filmleri hangileri?
1990'lar suç'in en iyi çalışmalarından bazılarını üretti. Bu sayfanın on yıllık bölümlerine göz atın ve özellikle suç tür etiketlerine sahip 1990'lardaki filmlere bakın.
2000'li yılların en iyi suç filmleri nelerdir?
2000'li yıllar suç'in nasıl üretildiği konusunda önemli gelişmelere tanık oldu. Bu listede yer alan bu on yılın filmleri, türün tarihindeki belirli bir yaratıcı anı temsil ediyor.
Bir suç filmini harika yapan şey nedir?
Bu sayfadaki filmler, suç'in yapmaya çalıştığı şeyin özünü anladıkları ve bunu ustalık ve niyetle hayata geçirdikleri için seçildi. Harika suç sineması, kısayollar veya formüller yerine gerçek bir şeyler inşa ederek çalışır.
Bilmem gereken küçümsenen suç filmleri var mı?
Bu sayfadaki Gizli Mücevher bölümü, 6,5 ile 7,4 arasında puan alan suç filmlerini tanımlar. Bunlar, mevcut görünürlüklerinin sağladığından daha fazla ilgiyi hak eden filmlerdir.
Herkes en az bir kez hangi suç filmlerini izlemeli?
Bu sayfadaki 8.0 ve üzeri puan alan herhangi bir filmle başlayın. Bunlar, suç sinemasının en iyi şekilde neler yapabileceğine dair en güçlü fikir birliğini temsil ediyor.
suç sineması zaman içinde nasıl değişti?
Bu sayfada farklı yıllardaki filmleri karşılaştırdığınızda türün nasıl geliştiğini göreceksiniz. suç sinemasında şu anda işe yarayan şey, 1970'lerde işe yarayandan, 1990'larda işe yarayandan farklı.
Genelde suç'i beğenmiyorsam en iyi suç filmleri hangileridir?
suç bölümünden 8,5 ve üzeri puan alan filmlerle başlayın. Bunlar, türü aşan ve tipik tercihleri ne olursa olsun izleyicilerin işine yarayan filmlerdir.
ABD dışından izlemem gereken suç filmleri var mı?
Evet. Bu listedeki uluslararası suç filmleri, dünya çapındaki en iyi suç sinemasının neye benzediğini temsil ediyor. Dünya sineması genellikle türe Hollywood'dan farklı yaklaşıyor.
Son zamanların en iyi suç filmleri hangileri?
Bu listede yer alan son 5 ila 10 yılın filmleri, türün şu anda nasıl göründüğünü gösteriyor. Bunlar suç'in nasıl yapılması gerektiğine dair en son düşünceleri temsil ediyor.
Mükemmel suç ile iyi suç arasındaki fark nedir?
Büyük suç niyetle bir şeyler yapar. Bir şey söylemek veya başka yollarla yaratılamayacak bir şey yaratmak için türü kullanır. İyi suç türün ritimlerini yakalıyor. Harika suç bunları aşıyor.
suç filmlerini belirli bir sırayla mı izlemeliyim?
Hayır. En çok hangi yönetmenlerin veya dönemlerin ilginizi çektiğine bağlı olarak bu listede herhangi bir yerden başlayabilirsiniz. Filmler birbirine bağımlı değildir. İlk önce ilginizi çekeni izleyin.
Neden bazı ünlü suç filmleri bu listede yok?
Bu liste, Film Veritabanı derecelendirmeleri ve seçmen sayıları birincil kriter olarak kullanılarak oluşturulmuştur. Çok ünlü bir suç filmi dahil edilmezse, muhtemelen istatistiksel olarak güvenilir olmak için gereken minimum oy eşiğini karşılamamıştır. Bu, listenin kültürel hafızadan ziyade gerçek izleyici beğenisini yansıtmasını sağlar.