Ruhların Kaçışı
Film, küçük Chihiro ve ailesinin yeni bir kasabaya taşınmalarıyla açılır. Yolculuk esnasında yolda gördükleri bir tünele dikkat eden aile, tünelin içerisinden geçtiklerinde karşılaştıkları fantastik dünyanın içerisinde büyülenirler. Ancak bu kasabada yolunda gitmeyen bir şeyler vardır, bu büyü kısa bir zaman sonra bozulacaktır. Ailesini kaybeden küçük Chihiro, babasını kurtarmak için korku dolu bir maceraya atılacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Ruhların Kaçışı, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Ruhların Kaçışı, tiyatro sinemasının ilgi çekmek için ilk internet ve DVD ile rekabet ettiği 2001'te yapıldı. Hayao Miyazaki o zaman da ilgiyi çeken bir şey yaptı ve şimdi de tutuyor. Film Veritabanında 8.5 derecelendirmesi istatistiksel olarak nadirdir. Bireysel görüşlerin ortalamasını alacak kadar geniş bir seçmen tabanı gerektirir ve geriye yalnızca farklı izleyicilere tutarlı bir şekilde ulaştırılan filmler kalır. Ruhların Kaçışı bu fikir birliğine sahip. Film, animasyonun, canlı aksiyonun ulaşamayacağı duygusal seviyelere ulaşmak için bir araç olduğunu gösteriyor. Yönetmen, animasyon biçimine özgü anlar yaratmak için ortamın biçimsel olanaklarını kullanıyor. fantezi türünde Ruhların Kaçışı özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi fantezi filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Ruhların Kaçışı'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Hayao Miyazaki, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. Ruhların Kaçışı'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Rumi Hiiragi, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
Ruhların Kaçışı'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Ruhların Kaçışı'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Ruhların Kaçışı'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Hayao Miyazaki'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Rumi Hiiragi'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Ruhların Kaçışı'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.5 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve Ruhların Kaçışı bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Hayao Miyazaki'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Yeşil Yol
Edgecomb, hikayesini anlatırken bir huzurevinde yaşamaktadır ve hapishanedeki görevinin üzerinden yıllar geçmiştir. Hapishanedeki hücrelerinden alınan idam mahkumlarının elektrikli sandalyenin bulunduğu ölüm odasına giderken yürüdükleri, bir millik yeşil yolda yaşananlara her defasında tanık olan Edgecomb, ömrü boyu unutamayacağı olaylara tanık olur. Edgecomb, yıllar boyunca sayısız idam mahkumu nakleder ama hiç birisi onu John Coffey kadar etkilemez. Oldukça iri yarı bir adam olan Coffey, iki küçük kızı öldürmek suçundan idama mahkum olmuştur. Ürkütücü görünümünün aksine oldukça ince, kırılgan ve düşünceli bir yapıya sahip olan Coffey, bazı doğaüstü güçlere sahiptir. Edgecomb'un ona gerçekten suçlu olup olmadığını sorması ile aralarında bir diyalog başlar.
Neden izliyorsunuz?: Yeşil Yol bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1999'te gösterime giren Yeşil Yol, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Frank Darabont hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.5 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Yeşil Yol için 8.5 puanı, tek bir sayıya indirgenmiş binlerce bireysel görüntüleme kararını temsil eder. Bu sayı gerçek bir şeyi yansıtıyor: Bu filmi izleyen insanlar bunun olağanüstü olduğunu düşündü ve yeterli sayıda kişi derecelendirmeyi anlamlı kılmayı kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. fantezi türü yüzlerce filmler üretti. 8.5 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Yeşil Yol'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Frank Darabont, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Tom Hanks, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Yeşil Yol'te en çok görülür.
Yeşil Yol, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Frank Darabont, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Yeşil Yol'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.5 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Tom Hanks - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Yeşil Yol'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Yeşil Yol'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Frank Darabont, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. Tom Hanks'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
Yüzüklerin Efendisi: Kralın Dönüşü
Karanlığın bütün güçleri son savaş için bir araya gelirken Gandalf, Gondor'un yaralı ordusunu toparlamak için hazırlıklara başlar. Thoden, tarihin bu en büyük savaşı için tüm savaşçılarını seferber eder. İçlerinde saklanan Eowyn ve Merry ile birlikte insanlar, tüm cesaretlerine rağmen Gondor'u kuşatan düşmanlar karşısında güçsüzdür. Yinede Yüzük Taşıyıcısı'nın yolculuğunu tamamlamasini için hayatlarının en zor savaşında birbirlerine kenetlenirler.
Neden izliyorsunuz?: Yüzüklerin Efendisi: Kralın Dönüşü'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
2003 sineması çağdaş filmlerden farklı baskılar altında işliyordu. Yüzüklerin Efendisi: Kralın Dönüşü, modern prodüksiyonları şekillendiren algoritmik geri bildirim döngüleri olmadan yapıldı. Peter Jackson'in burada yarattığı şey verilerden ziyade inançtan geldi. 8,5'un üzerindeki derecelendirmeler, 7,5 veya 8,0 olarak derecelendirilen filmlerden farklı bir kategoriye girer. Bu sayılar arasındaki fark göründüğünden daha büyük. 8.5'teki Yüzüklerin Efendisi: Kralın Dönüşü, çağını gerçekten tanımlayan filmlerle birlikte. Yönetmen aksiyonu kamera gösterisinden ziyade insan ölçeğine göre çekiyor. Karakterler tutarlı bir alanı kaplar ve vücutları bu alanda okunabilir bir amaç doğrultusunda hareket eder. Sonuç, anlık adrenalin üretmek yerine etkiyi artıran bir eylemdir. Yüzüklerin Efendisi: Kralın Dönüşü, fantezi sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Peter Jackson, fantezi'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Yüzüklerin Efendisi: Kralın Dönüşü'teki performanslar, Peter Jackson'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Elijah Wood, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Yüzüklerin Efendisi: Kralın Dönüşü'te en zor anlar, Elijah Wood'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Yüzüklerin Efendisi: Kralın Dönüşü, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.5 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Yüzüklerin Efendisi: Kralın Dönüşü'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Peter Jackson ve Elijah Wood işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Yüzüklerin Efendisi: Kralın Dönüşü ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Peter Jackson, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Yüzüklerin Efendisi: Kralın Dönüşü'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Yüzüklerin Efendisi: Yüzük Kardeşliği
İyiyle kötü arasındaki mücadelenin epik bir anlatımı olan bu filmde, dünyanın kaderini değişterecek olan bir yüzükten kurtulmak için verilen mücadele anlatılıyor. Yıllar önce üretilen ve Orta Dünya topraklarına kandan başka hiçbir şey getirmeyen yüzüklerin sonuncusu, üretiminden yüz yıllar sonra ortaya çıkar. Amcasının kendisine emanet ettiği yüzüğün nelere kadir olduğundan habersiz olan Frodo, büyücü Gandalf'ın anlattıkları sonrasında dehşete kapılır. Bu yüzükten ve savaşlardan kurtulmanın, gücünü toplamaya çalışan Sauron'u engellemenin tek yolu yüzüğü yok etmektir. Yüzüğü yok edilebileceği tek yer olan Mordor'a götürmek için kendini feda eden savaşçılardan oluşan bir ekip oluşturulur. Çok uzun ve çetin geçecek olan yolculuk başlar. Orta Dünya'nın kaderi, bu insanların ellerindedir.
Neden izliyorsunuz?: Yüzüklerin Efendisi: Yüzük Kardeşliği, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Yüzüklerin Efendisi: Yüzük Kardeşliği için 2001 bağlamı önemlidir. Bu, orijinal fikirlere sahip orta bütçeli filmlerin hala sinemalarda gösterime girdiği bir dönemdi; Yüzüklerin Efendisi: Yüzük Kardeşliği'in temsil ettiği türden bir filmler. Peter Jackson, bu alanı mevcut pazarın yeşil ışık yakmaya çalışacağı bir şey yapmak için kullandı. 8.4'teki Yüzüklerin Efendisi: Yüzük Kardeşliği, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Peter Jackson, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Aksiyon hikaye anlatıcılığının yerine geçmekten ziyade onun altındadır. Yönetmen yalnızca daha önce gelenler sayesinde işe yarayan sekanslar oluşturuyor. İzleyicinin karakterlere ve riske yaptığı yatırım, aksiyonun gerçekleşip gerçekleşmeyeceğini belirler. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü fantezi kanonunu açık hale getirirler. 8.4'teki Yüzüklerin Efendisi: Yüzük Kardeşliği, fantezi sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen fantezi filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Yüzüklerin Efendisi: Yüzük Kardeşliği'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Peter Jackson, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Yüzüklerin Efendisi: Yüzük Kardeşliği karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Yüzüklerin Efendisi: Yüzük Kardeşliği'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Yüzüklerin Efendisi: Yüzük Kardeşliği'i ilk kez izleyen izleyiciler, Peter Jackson'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Yüzüklerin Efendisi: Yüzük Kardeşliği'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Elijah Wood, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2001 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Peter Jackson'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Yüzüklerin Efendisi: Yüzük Kardeşliği'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Peter Jackson, Yüzüklerin Efendisi: Yüzük Kardeşliği ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Yüzüklerin Efendisi: İki Kule
Yollarını kaybetmiş Hobbitler Frodo ve Sam, esrarengiz Gollum'un kendilerini takip ettiğini farkederler ve onu yakalarlar. Bir zamanlar bir Hobbit olan ve beş yüz yıl sahip olduğu Yüzük tarafından bozulup bir yaratığa dönüştürülen Gollum, kendisini serbest bırakmaları karşılığında, Hobbitleri Mordor'un Kara Kapıları'na götürmeye söz verir. Sam, yeni yol arkadaşına güvenmezken Frodo ise bir zamanlar kendisi gibi bu yüzüğü taşıyan Gollum'a acır. Başka şansı kalmadığı için Gollum'u takip eder.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Yüzüklerin Efendisi: İki Kule, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Yüzüklerin Efendisi: İki Kule, tiyatro sinemasının ilgi çekmek için ilk internet ve DVD ile rekabet ettiği 2002'te yapıldı. Peter Jackson o zaman da ilgiyi çeken bir şey yaptı ve şimdi de tutuyor. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.4 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Yüzüklerin Efendisi: İki Kule, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen aksiyon sinemasının temel sorununu çözüyor: Aksiyonu size göstermeden önce sonucu önemsemenizi sağlıyor. Sıralamalar işe yarıyor çünkü coğrafi netlik, kimin nerede olduğunu ve başarının neleri gerektirdiğini her zaman bilmeniz anlamına geliyor. Peter Jackson'in Yüzüklerin Efendisi: İki Kule'teki fantezi'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu fantezi filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Yüzüklerin Efendisi: İki Kule'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Peter Jackson, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Yüzüklerin Efendisi: İki Kule'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Elijah Wood, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Yüzüklerin Efendisi: İki Kule, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Peter Jackson kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.4 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Yüzüklerin Efendisi: İki Kule ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Yüzüklerin Efendisi: İki Kule'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Yüzüklerin Efendisi: İki Kule'in ilk 10'da yer alması, neyle rekabet ettiğini düşündüğünüzde çok anlamlıdır. Bu mod ve döneme ait katalogdaki her filmler değerlendirildi ve Yüzüklerin Efendisi: İki Kule burada sıralandı çünkü derecelendirme kalitesi ve seçmen hacminin birleşimi, onu seçimdeki diğer her şeyin üstünde tutuyordu. Peter Jackson, Yüzüklerin Efendisi: İki Kule'te onu aynı kategorideki alternatiflerden (aynı zamanda iyi filmler olan alternatiflerden) ayıran seçimler yaptı. İlk on ile ilk yirmi arasındaki fark, mutlak derecelendirme açısından göründüğünden daha küçük ancak izleyici deneyiminin gerçekte sunduğu şey açısından önemli.
Yürüyen Şato
Sıradan bir genç kız olan Sophie şeytani bir cadı tarafından büyüyle doksan yaşında bir kadına dönüşür. Sophie artık fazlasıyla yaşlanmış ve çevresi tarafından tanınmaz bir görünüme bürünmüştür. Bu yüzden büyük bir umutsuzluğa kapılan ve yaşadığı yeri terk etmek zorunda kalan Sophie, Howl isimli yürüyen bir şatoda yaşayan bir büyücünün yanına yerleşir. Bu şatoda yaşayan cinlerden biri de Sophie ile aynı kaderi paylaşmaktadır. Aynı amaç etrafında buluşan ikili kendilerine yapılan kara büyünün etkisini yok etmeye çalışacaklardır. Bu sırada şatonun dışında patlak veren savaş ülkenin birlik ve beraberliğini tehdit etmektedir. İkili artık hem kendileri için hem de ülkeleri için canları pahasına savaşmak zorunda kalacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Yürüyen Şato bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2004'te vizyona giren Yürüyen Şato, sinemadaki bir geçiş döneminden geliyor; akışın dağıtımı değiştirmesinden önce, ancak dijital araçlar prodüksiyonu değiştirdikten sonra. Yürüyen Şato'te görünen işçilik, tiyatro dönemi standartlarını yansıtıyor. Yürüyen Şato için 8.4 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Yürüyen Şato'in yaptığı da tam olarak bu. Hayao Miyazaki bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmi animasyon olarak farklı kılan, yönetmenin formun tasarım yoluyla içselliği aktarabileceğini anlamasıdır. Hareket, renk ve kompozisyon karakterin diyalogdan önce veya diyalog yerine ne hissettiğini iletir. En iyi fantezi filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Yürüyen Şato bu filmlerden biri. Hayao Miyazaki, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Yürüyen Şato'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Hayao Miyazaki, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. Yürüyen Şato'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Chieko Baisho, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
Yürüyen Şato, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.4 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Yürüyen Şato'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Hayao Miyazaki ve Chieko Baisho işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Yürüyen Şato ilk on sırasını kültürel itibarı sayesinde değil, izleyicilerin oturup izlediğinde yaşananlar sayesinde kazanıyor. 8.4 derecelendirmesi, bu deneyimi geniş bir bağımsız görüntüleme örneğinde yansıtıyor. Bunun gibi listelerde ilk on durumuna ulaşan filmler, alternatiflere tam erişimi olan ve bu filmi deneyimlerinin en üstünde derecelendirmeyi seçen izleyiciler tarafından test edildi. Hayao Miyazaki ve Chieko Baisho bu beklentiyi tutarlı bir şekilde karşılayan bir şey yaptı; sürekli yeni izleyicilerin yeni standartlar getirmesine rağmen reytingin devam etmesinin nedeni de budur.
Prenses Mononoke
Köyünde huzur dolu bir yaşamı olan Ashitaka, bir gün ormandan kötü bir varlığın gelmekte olduğu fark eder. Ormanın sınırından hızla çıkan Orman Tanrısı, değdiği her şeyi yok ederek ilerlemektedir. Köyünden küçük bir kızı kurtarmak için, canavara dönüşmüş olan Orman Tanrısı'na saldıran Ashitaka, mücadele sonunda canavarı öldürür ama ölümcül bir yara alarak lanetlenir.Bu lanetten kurtulmak için bir yol aramak üzere köyden ayrılan Ashitaka, kendisine yardım edebileceğini umduğu Ormanın Ruhu'nu aramaya başlar. Ancak Ormanın Ruhu'nu arayan başkaları da vardır: Lady Eboshi ve Irontown sakinleri. Lady Eboshi ve Prenses Mononoke arasındaki savaşta kazanan olmadığını ve hem insanların hem de doğanın zarar gördüğünü fark eden Ashitaka, onları durdurmaya çalışacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Prenses Mononoke'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Prenses Mononoke, 1997'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Prenses Mononoke'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.3'teki Prenses Mononoke, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Yönetmen filme, animasyonun gerektirdiği türden bilinçli bir zanaatla yatırım yapıyor. Her kare hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair niyeti yansıtıyor; bu da filmin sadece anlatıdan ziyade bireysel anlar düzeyinde çalıştığı anlamına geliyor. Prenses Mononoke, bu fantezi sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Prenses Mononoke'in her sahnesinde görülüyor.
Prenses Mononoke'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Hayao Miyazaki, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Yoji Matsuda, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Prenses Mononoke'te en çok görülür.
Prenses Mononoke'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Prenses Mononoke'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Prenses Mononoke'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Hayao Miyazaki'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Yoji Matsuda'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Prenses Mononoke'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.3 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve Prenses Mononoke bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Hayao Miyazaki'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Şahane Hayat
İflasın eşiğine gelen George Bailey (James Stewart) bir Noel gecesinde kendini nehre atarak intihar etmek üzeredir. Doğduğundan bu yana aynı küçük kasabada yaşayan Bailey kendisini buraya ve insanlarına adamış, hoşgörülü, güvenilir ve yardımsever bir insandır. Büyük bunalım'ı hasarsız atlatmış,babasından devraldığı konut ve finans şirketi aracılığı ile kasabalıların neredeyse tamamını konut sahibi yapmıştır. Bu arada para kazanmayı, mimar olma fırsatını,dünyayı gezmeyi, kısaca tüm hayallerini ertelemek zorunda kalmıştır. Kasabaya yaptığı bunca iyilik kötü yürekli banker Henry F. Potter (Lionel Barrymore)'ın çıkarları ile çakışır. Potter, Bailey'in sürekli peşindedir artık.Birgün aradığı fırsat çıkar ve Finans şirketine ait önemli bir miktarda para Bailey'in alkolik ve yaşlı amcası Billy Bailey (Thomas Mitchell)'in dalgınlığı sonucunda Potter'ın eline geçer. Banka müfettişlerinin yaptığı bir denetlemeden sonra şirketin açığı ortaya çıkar. Bu iflas ve tutuklanma anlamına gelmektedir...
Neden izliyorsunuz?: Şahane Hayat, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Şahane Hayat'in 1946 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Şahane Hayat'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Şahane Hayat'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.3 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Şahane Hayat'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Şahane Hayat bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Şahane Hayat'i bu fantezi listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Frank Capra burada çoğu fantezi filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Şahane Hayat'teki performanslar, Frank Capra'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. James Stewart, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Şahane Hayat'te en zor anlar, James Stewart'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Şahane Hayat, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Frank Capra, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Şahane Hayat'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.3 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle James Stewart - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Şahane Hayat'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Şahane Hayat'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Frank Capra, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. James Stewart'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
Kurt Çocuklar Ame ve Yuki
Film, üniversite öğrencisi Hana’nın, bir gün sınıfta gördüğü gizemli bir adama aşık olmasıyla başlar. Bu adamın aslında yaşayan son kurt adam olduğunu öğrenmesine rağmen aşkından vazgeçmez. Birlikte iki çocukları olur. Abla Yuki (karda doğduğu için "Kar") ve küçük kardeş Ame (yağmurda doğduğu için "Yağmur"). Ancak babalarının ani ölümüyle Hana, yarı kurt yarı insan olan çocuklarını şehir hayatının zorluklarından korumak için kırsala taşınmaya karar verir.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Kurt Çocuklar Ame ve Yuki, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Kurt Çocuklar Ame ve Yuki, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Mamoru Hosoda gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. 8.2 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Kurt Çocuklar Ame ve Yuki de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. fantezi türünde Kurt Çocuklar Ame ve Yuki özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi fantezi filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Mamoru Hosoda, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Kurt Çocuklar Ame ve Yuki karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Kurt Çocuklar Ame ve Yuki, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.2 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Mamoru Hosoda ve Aoi Miyazaki işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Kurt Çocuklar Ame ve Yuki ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Mamoru Hosoda, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Demon Slayer: Mugen Treni
Film ailesi acımasızca öldürülen Tanjiro Kamado'nun hikayesini anlatıyor.Tanjiro Kamado, ailesi acımasızca öldürüp, kız kardeşinin bir çeşit iblise dönüştürülmesinden sonra, iblis avcılığına başlar. Tanjiro ve arkadaşları, umutsuzluğa çıkan yolda Mugen Treni'nin peşine düşer.
Neden izliyorsunuz?: Demon Slayer: Mugen Treni bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2020'te üretilen Demon Slayer: Mugen Treni, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.2 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Demon Slayer: Mugen Treni'in 8.2 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Haruo Sotozaki, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Aksiyon sineması, mekansal mantık çöktüğünde ve sekanslar soyut bir gösteriye dönüştüğünde başarısız olur. Bu filmler bu başarısızlığı önlüyor. Yönetmen storyboard'ları sadece etki için değil, anlaşılması için de hazırlıyor. Seyirci her anın risklerini her zaman anlar. fantezi türü yüzlerce filmler üretti. 8.2 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Demon Slayer: Mugen Treni'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Haruo Sotozaki, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Demon Slayer: Mugen Treni'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Natsuki Hanae, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Demon Slayer: Mugen Treni'i ilk kez izleyen izleyiciler, Haruo Sotozaki'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Demon Slayer: Mugen Treni'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Natsuki Hanae, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2020 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Haruo Sotozaki'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Demon Slayer: Mugen Treni'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Haruo Sotozaki, Demon Slayer: Mugen Treni ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Sinema önemli hikayelerle ilgilidir. Bu bölümdeki filmler bu prensibi kanıtlıyor.
Çizmeli Kedi: Son Dilek
Herkesin sevgilisi, korkusuz kedi geri dönüyor. Çizmeli Kedi tehlike tutkusunun ve güvenliği ihmal etmesinin zarar verdiğini keşfediyor ve kötülüğüyle nam salmış, efsanevi Dilek Yıldızı’nı bulmak için Kara Orman’a doğru destansı bir yolculuğa çıkıyor. Ancak sadece tek bir canı kalan Çizmeli Kedi’nin boyun eğmesi, eski ortağı ve düşmanı olan çekici Yumuşak Pati Kitty’den yardım istemesi gerekecektir.
Neden izliyorsunuz?: Çizmeli Kedi: Son Dilek'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Çizmeli Kedi: Son Dilek (2022), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Joel Crawford, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.2'te Çizmeli Kedi: Son Dilek, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Çizmeli Kedi: Son Dilek herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Yönetmen filme, animasyonun gerektirdiği türden bilinçli bir zanaatla yatırım yapıyor. Her kare hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair niyeti yansıtıyor; bu da filmin sadece anlatıdan ziyade bireysel anlar düzeyinde çalıştığı anlamına geliyor. Çizmeli Kedi: Son Dilek, fantezi sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Joel Crawford, fantezi'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Çizmeli Kedi: Son Dilek'teki görsel yaklaşım, Joel Crawford'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Çizmeli Kedi: Son Dilek'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Antonio Banderas, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Çizmeli Kedi: Son Dilek'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Çizmeli Kedi: Son Dilek, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Joel Crawford kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.2 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Çizmeli Kedi: Son Dilek ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Çizmeli Kedi: Son Dilek'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Çizmeli Kedi: Son Dilek, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Antonio Banderas'in performansının ve Joel Crawford'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Yedinci Mühür
Ortaçağ'da Haçlı Seferleri'nden dönen bir şövalye savaşlar sırasında hep ölümle burun buruna gelse de, hayatta kalmayı başarmıştır. Ancak tam huzura kavuşacağını düşünürken, karşısına onun hayatını almaya gelmiş olan ölüm çıkar. Ölümle pazarlığa oturan savaşçı, onu bir satranç oyununa davet eder. Yolculuğu sırasında kendisine eşlik eden ölümle bir taraftan oyun oynayan şövalye, yol boyunca çok farklı insanlara ve durumlara tanık olacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Yedinci Mühür, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Yedinci Mühür'in 1957 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Yedinci Mühür'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Yedinci Mühür'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.2'teki Yedinci Mühür, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Ingmar Bergman, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü fantezi kanonunu açık hale getirirler. 8.2'teki Yedinci Mühür, fantezi sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen fantezi filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Yedinci Mühür'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Ingmar Bergman, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Gunnar Björnstrand, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Yedinci Mühür'te en çok görülür.
Yedinci Mühür, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.2 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Yedinci Mühür'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Ingmar Bergman ve Gunnar Björnstrand işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Yedinci Mühür'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.2 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Yedinci Mühür'e yüksek puan verme kararları, Ingmar Bergman'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Yedinci Mühür genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Soul
Küçük bir yanlış adım, şehrin en iyi caz kulübünde çalmak üzere hayatının şansını yakalayan ortaokul müzik öğretmeni Joe Gardner'nı New York sokaklarından, yeni ruhların dünyaya gitmeden önce kişiliklerini, tuhaflıklarını ve ilgi alanlarını edindikleri fantastik bir yer olan Önceki Dünya’ya götürür. Joe, insan olmanın cazibesini hiç kavrayamamış olan, erken büyümüş ruh 22’nin yardımıyla dünyadaki hayatına geri dönmeye çalışacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Soul, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Soul, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Pete Docter gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.1 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Soul, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Pete Docter'in Soul'teki fantezi'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu fantezi filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Soul'teki performanslar, Pete Docter'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Jamie Foxx, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Soul'te en zor anlar, Jamie Foxx'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Soul'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Soul'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Soul'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Pete Docter'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Jamie Foxx'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Soul, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Soul, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Pete Docter'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Soul'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Zack Snyder'ın Adalet Birliği
Süpermen’in nihai fedakarlığının boşuna olmamasını sağlamaya kararlı olan Bruce Wayne, dünyayı felaket oranlarının yaklaşan bir tehdidinden korumak için bir meta insan ekibi oluşturma planlarıyla Diana Prince ile güçlerini birleştirir.
Neden izliyorsunuz?: Zack Snyder'ın Adalet Birliği bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2021'te üretilen Zack Snyder'ın Adalet Birliği, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.1 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Zack Snyder'ın Adalet Birliği için 8.1 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Zack Snyder'ın Adalet Birliği'in yaptığı da tam olarak bu. Zack Snyder bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Aksiyon sineması, mekansal mantık çöktüğünde ve sekanslar soyut bir gösteriye dönüştüğünde başarısız olur. Bu filmler bu başarısızlığı önlüyor. Yönetmen storyboard'ları sadece etki için değil, anlaşılması için de hazırlıyor. Seyirci her anın risklerini her zaman anlar. En iyi fantezi filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Zack Snyder'ın Adalet Birliği bu filmlerden biri. Zack Snyder, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Zack Snyder'ın Adalet Birliği'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Zack Snyder, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Zack Snyder'ın Adalet Birliği karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Zack Snyder'ın Adalet Birliği'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Zack Snyder'ın Adalet Birliği, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Zack Snyder'ın Adalet Birliği'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Zack Snyder ve Ben Affleck işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Zack Snyder'ın Adalet Birliği bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Zack Snyder, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.1 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Zack Snyder'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Zack Snyder'ın Adalet Birliği'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Flow: Bir Kedinin Yolculuğu
Kedi, yalnız bir hayvandır. Evi büyük bir sel tarafından yerle bir edilince çeşitli hayvan türlerinin yaşadığı bir teknede sığınak bulur ve farklılıklarına rağmen onlarla iş birliği yapmak zorunda kalır.
Neden izliyorsunuz?: Flow: Bir Kedinin Yolculuğu'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Flow: Bir Kedinin Yolculuğu (2024), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Gints Zilbalodis, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.1'teki Flow: Bir Kedinin Yolculuğu, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Yönetmen filme, animasyonun gerektirdiği türden bilinçli bir zanaatla yatırım yapıyor. Her kare hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair niyeti yansıtıyor; bu da filmin sadece anlatıdan ziyade bireysel anlar düzeyinde çalıştığı anlamına geliyor. Flow: Bir Kedinin Yolculuğu, bu fantezi sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Flow: Bir Kedinin Yolculuğu'in her sahnesinde görülüyor.
Flow: Bir Kedinin Yolculuğu'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Gints Zilbalodis, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Flow: Bir Kedinin Yolculuğu'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. the lead, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Flow: Bir Kedinin Yolculuğu, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Flow: Bir Kedinin Yolculuğu'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Gints Zilbalodis ve the lead performance işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Flow: Bir Kedinin Yolculuğu'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Gints Zilbalodis filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.1 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Flow: Bir Kedinin Yolculuğu tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2
Lord Voldemort'un ruhunun parçalarının bir kısmını bulup yok eden Harry, Ron ve Hermione, Dumbledore'un verdiği görevi tamamlamak için arayışlarını sürdürürlerken Ölüm Yiyenler'le bir ölüm kalım savaşına çıkacaklardır. Voldemort artık iyice güçlenmiş olsa da, hem Lord'dan kaçmak hem de Ölüm Yiyenler'i etkisiz hale getirip Hortkuluklar'ı da yok etmek zorunda kalacak ekip, Ölüm Yadigârları'nın sırrına erişmek için ellerinden geleni yapacaklardır.Serinin en görkemli savaşı başlamaktadır, artık hiçbir şey ve hiçbir yer güvenli değildir. Sona yaklaşılmıştır. İki tarafın da tüm güçlerini ortaya serecekleri bu savaşta Harry Potter da geçmişiyle ilgili pek çok şeyi öğreneceği kadar, en büyük fedakarlığı da yapmak zorundadır.
Neden izliyorsunuz?: Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2011'te, David Yates, Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.1 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2 bundan faydalanıyor. Fantezi karakter sonuçlarına dayanır. Yönetmen bu türü, dünyanın farklı kurallar altında işlemesi durumunda insanların başına neler geleceğini keşfetmek için kullanıyor. Duygusal riskler gösteriden değil karakterden gelir. Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2'i bu fantezi listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. David Yates burada çoğu fantezi filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2'teki görsel yaklaşım, David Yates'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Daniel Radcliffe, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2'i ilk kez izleyen izleyiciler, David Yates'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Daniel Radcliffe, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2011 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey David Yates'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. David Yates'in Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Komşum Totoro
İki sevimli kız kardeş olan Satsuke ve Mei, babaları ile birlikte hastanede yatan annelerine daha yakın olabilmek için hastanenin yakınındaki bir köy evine taşınırlar. Yeni evlerine alışmaya çalışırlarken inanılmaz bir gerçeğin farkına varırlar. Evlerinin yakınındaki ormanda Totoro isminde, son derece sevimli ve büyülü yaratıklar yaşamaktadır. Bu sevimli yaratıklarla kısa zamanda arkadaş olan Satsuke ve Mei için şehrin telaşından uzakta yepyeni büyülü bir dünyanın kapıları açılacaktır. Yaz zamanının kaygısızlığı üzerine kurulmuş bir aile filmi olarak tasarlanan Komşum Totoro ile Miyazaki'nin unutulmaz karakterleriyle zenginleştirilmiş hayalgücü ve arkadaşlığın bir masalını yaratıyor. Çocukluğun perimasalı dünyasının ve yokolan kırsal alanların yasını tutuyor...
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Komşum Totoro, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Komşum Totoro (1988), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Komşum Totoro, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 8.1 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Komşum Totoro de bir istisna değildir. Film, animasyonun, canlı aksiyonun ulaşamayacağı duygusal seviyelere ulaşmak için bir araç olduğunu gösteriyor. Yönetmen, animasyon biçimine özgü anlar yaratmak için ortamın biçimsel olanaklarını kullanıyor. fantezi türünde Komşum Totoro özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi fantezi filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Komşum Totoro'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Hayao Miyazaki, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Noriko Hidaka, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Komşum Totoro'te en çok görülür.
Komşum Totoro'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Hayao Miyazaki'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Komşum Totoro, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Noriko Hidaka'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Komşum Totoro, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Noriko Hidaka'in performansının ve Hayao Miyazaki'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
K-Pop: İblis Avcıları
K-pop süperstarları Rumi, Mira ve Zoey, stadyumlarda kapalı gişe konserler vermedikleri zamanlarda hayranlarını doğaüstü bir tehditten korumak için gizli güçlerini kullanır.
Neden izliyorsunuz?: K-Pop: İblis Avcıları bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2025'te üretilen K-Pop: İblis Avcıları, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.0 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. K-Pop: İblis Avcıları'in 8.0 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Chris Appelhans, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Film izleyicinin komik zamanlama anlayışına güveniyor. Yönetmen ritmi kuruyor ve ardından mizahın yaşadığı yerlerde duraklamalara izin veriyor. Performanslar, kısıtlamanın vurgu yapmaktan daha eğlenceli olduğunu anlıyor. fantezi türü yüzlerce filmler üretti. 8.0 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
K-Pop: İblis Avcıları'teki performanslar, Chris Appelhans'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Arden Cho, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. K-Pop: İblis Avcıları'te en zor anlar, Arden Cho'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
K-Pop: İblis Avcıları, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. K-Pop: İblis Avcıları'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Chris Appelhans ve Arden Cho işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
K-Pop: İblis Avcıları'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.0 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. K-Pop: İblis Avcıları'e yüksek puan verme kararları, Chris Appelhans'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. K-Pop: İblis Avcıları genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Guillermo del Toro sunar: Pinokyo
Mussolini'nin İtalya'sında, faşizmin yükselişi sırasında geçen filmde, babasının beklentilerini karşılamaya çalışan kukla çocuk Pinokyo’nun aşk ve itaatsizlik hikayesi anlatılıyor. Gerçek bir çocuk olmayı hayal eden tahta kukla hakkındaki ünlü Carlo Collodi masalının karanlık, çarpık bir yeniden anlatımı.
Neden izliyorsunuz?: Guillermo del Toro sunar: Pinokyo'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Guillermo del Toro sunar: Pinokyo (2022), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Mark Gustafson, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.0'te Guillermo del Toro sunar: Pinokyo, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Guillermo del Toro sunar: Pinokyo herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Yönetmen filme, animasyonun gerektirdiği türden bilinçli bir zanaatla yatırım yapıyor. Her kare hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair niyeti yansıtıyor; bu da filmin sadece anlatıdan ziyade bireysel anlar düzeyinde çalıştığı anlamına geliyor. Guillermo del Toro sunar: Pinokyo, fantezi sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Mark Gustafson, fantezi'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Guillermo del Toro sunar: Pinokyo'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Mark Gustafson, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Guillermo del Toro sunar: Pinokyo karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Guillermo del Toro sunar: Pinokyo'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Guillermo del Toro sunar: Pinokyo'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Guillermo del Toro sunar: Pinokyo'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Guillermo del Toro sunar: Pinokyo'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Mark Gustafson'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Ewan McGregor'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Guillermo del Toro sunar: Pinokyo, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Guillermo del Toro sunar: Pinokyo, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Mark Gustafson'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Guillermo del Toro sunar: Pinokyo'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Harry Potter ve Azkaban Tutsağı
Harry Potter, akrabaları ile zor zamanlar geçirmektedir. Ailesine kötü davranan, Vernon Amca’nın kız kardeşi Marge’a büyü yapıp kaçar. Okul dışında büyü yaptığı için korksa da cezalandırılmadığını fark edince çok şaşırır. Ancak çok geçmeden, tehlikeli bir suçlu olan Lord Voldemort’un yardımcısı Sirius Black’in Azkaban hapishanesinden kaçtığını öğrenir. Dark Lord’un intikamını almak için Harry’i öldürmek istemektedir. Hapishanedeki büyük suçlulardan sorumlu, Ruh Emiciler etrafa huzursuzluk saçmaktadırlar. Öte yandan Lupin’in de sakladığı bir sır var gibi görünmektedir...
Neden izliyorsunuz?: Harry Potter ve Azkaban Tutsağı, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Harry Potter ve Azkaban Tutsağı için 2004 bağlamı önemlidir. Bu, orijinal fikirlere sahip orta bütçeli filmlerin hala sinemalarda gösterime girdiği bir dönemdi; Harry Potter ve Azkaban Tutsağı'in temsil ettiği türden bir filmler. Alfonso Cuarón, bu alanı mevcut pazarın yeşil ışık yakmaya çalışacağı bir şey yapmak için kullandı. 8.0'teki Harry Potter ve Azkaban Tutsağı, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Alfonso Cuarón, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Fantezi karakter sonuçlarına dayanır. Yönetmen bu türü, dünyanın farklı kurallar altında işlemesi durumunda insanların başına neler geleceğini keşfetmek için kullanıyor. Duygusal riskler gösteriden değil karakterden gelir. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü fantezi kanonunu açık hale getirirler. 8.0'teki Harry Potter ve Azkaban Tutsağı, fantezi sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen fantezi filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Harry Potter ve Azkaban Tutsağı'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Alfonso Cuarón, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Harry Potter ve Azkaban Tutsağı'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Daniel Radcliffe, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Harry Potter ve Azkaban Tutsağı, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Harry Potter ve Azkaban Tutsağı'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Alfonso Cuarón ve Daniel Radcliffe işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Harry Potter ve Azkaban Tutsağı bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Alfonso Cuarón, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.0 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Alfonso Cuarón'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Harry Potter ve Azkaban Tutsağı'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Harika filmler kendi kategorilerinin ötesine geçer. Zanaat olağanüstü olduğu için çalışıyorlar.
Yağmurda Seninle
Lise öğrencisi Hodaka Morishima, izole bir adada bulunan evini terk edip Tokyo'ya yerleşir ama çok geçmeden buna pişman olur. Günlerini herkesten soyutlanarak geçiren Hodaka, nihayet gizemli bir dergide yazarlık yapmaya başlar. İşine başladıktan sonra, hava günden güne giderek daha yağışlı bir hal alır. Kalabalık ve yoğun şehrin bir köşesinde, Hodaka, küçük kardeşi ile birlikte yaşayan, ancak neşeli ve azimli bir yaşam süren Hina Amano adında genç bir kadınla tanışır. Hina'nın bir yeteneği bulunmaktadır: Yağmuru durdurma ve gökyüzünü temizleme gücü.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Yağmurda Seninle, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Yağmurda Seninle, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Makoto Shinkai gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.0 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Yağmurda Seninle, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Makoto Shinkai'in Yağmurda Seninle'teki fantezi'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu fantezi filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Yağmurda Seninle'teki görsel yaklaşım, Makoto Shinkai'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Yağmurda Seninle'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Kotaro Daigo, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Yağmurda Seninle'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Yağmurda Seninle, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Yağmurda Seninle'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Makoto Shinkai ve Kotaro Daigo işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Yağmurda Seninle'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Makoto Shinkai filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.0 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Yağmurda Seninle tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Gökteki Kale
Özel olarak görevlendirilmiş bir devlet kuruluşu tarafından hava gemisinde esir tutulan kız Sheeta, geminin korsanlar tarafından saldırıya uğradığı anda bir fırsatını bulup kaçmaya kalkar ama gemiden aşağıya düşer. Bulutlar arasında hızla düşerken, bilincini kaybeden Sheeta'nın boynundaki mavi taşlı kristal bir kolye ansızın çevreye ışık saçar ve Sheeta bu mavi taş sayesinde yavaşça yere doğru inmeye başlar. Maden kasabasında işçi olarak çalışan Pazu adlı bir çocuk, gökyüzünden iniş yapan Sheeta'yı tesadüfen görerek kurtarır ve kendi evinde saklar… İki çocuk bundan sonra, gökte uçan "Laputa" adlı efsanevi son kaleyi bulmak ve kötülerin oyununu bozmak zorundadırlar.
Neden izliyorsunuz?: Gökteki Kale bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1986'te gösterime giren Gökteki Kale, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Hayao Miyazaki hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.0 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Gökteki Kale için 8.0 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Gökteki Kale'in yaptığı da tam olarak bu. Hayao Miyazaki bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmi animasyon olarak farklı kılan, yönetmenin formun tasarım yoluyla içselliği aktarabileceğini anlamasıdır. Hareket, renk ve kompozisyon karakterin diyalogdan önce veya diyalog yerine ne hissettiğini iletir. En iyi fantezi filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Gökteki Kale bu filmlerden biri. Hayao Miyazaki, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Gökteki Kale'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Hayao Miyazaki, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Keiko Yokozawa, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Gökteki Kale'te en çok görülür.
Gökteki Kale'i ilk kez izleyen izleyiciler, Hayao Miyazaki'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Gökteki Kale'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Keiko Yokozawa, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1986 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Hayao Miyazaki'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Gökteki Kale, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Hayao Miyazaki'in Gökteki Kale'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Rüzgârlı Vadi
Dünya "Ateşin Yedi Günü" isimli yıkıcı bir savaşın ardından yaşanmaz bir yerleşim yerine dönüşmüştür. Savaş sonrası ortaya çıkan zehirli bir gaz sebebiyle tüm doğal yaşam sona ermiş, insanoğlu da yok olma tehlikesiyle karşı karşıya kalmıştır. Çok az sayıdaki insan kolonileri bu gazdan arındırılan irili ufaklı adalarda yaşamaktadır. Prenses Naushika'nın halkı da bu insan topluluklarından biridir. Prenses Naushika, zehirli gaz ormanlarındaki canlılardan olan 'Ohmu'larla konuşup anlaşabilme yeteneğine sahiptir. O, bu zehirli gaz dolu ormanlara ve burada yaşayan Ohmu'lara karşı halen daha umutludur ve bir kurtuluş yolu bulabileceği inancını taşır.
Neden izliyorsunuz?: Rüzgârlı Vadi'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Rüzgârlı Vadi, 1984'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Rüzgârlı Vadi'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.0'teki Rüzgârlı Vadi, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Yönetmen filme, animasyonun gerektirdiği türden bilinçli bir zanaatla yatırım yapıyor. Her kare hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair niyeti yansıtıyor; bu da filmin sadece anlatıdan ziyade bireysel anlar düzeyinde çalıştığı anlamına geliyor. Rüzgârlı Vadi, bu fantezi sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Rüzgârlı Vadi'in her sahnesinde görülüyor.
Rüzgârlı Vadi'teki performanslar, Hayao Miyazaki'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Sumi Shimamoto, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Rüzgârlı Vadi'te en zor anlar, Sumi Shimamoto'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Rüzgârlı Vadi'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Hayao Miyazaki'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Rüzgârlı Vadi, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Sumi Shimamoto'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Rüzgârlı Vadi, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Sumi Shimamoto'in performansının ve Hayao Miyazaki'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Ejderhanı Nasıl Eğitirsin
Vikingler ve ejderhaların nesiller boyu amansız düşmanlar olduğu Berk adasında Hıçkıdık farklı bir duruş sergiliyor. Vast Şefi Stoick’in yaratıcı ama göz ardı edilen oğlu Hıçkıdık, korkulan bir Gecenin Öfkesi ejderhası olan Dişsiz ile arkadaş olduğunda yüzyıllardır süregelen geleneklere meydan okur. Aralarındaki alışılmadık bağ, ejderhaların gerçek doğasını ortaya çıkararak Viking toplumunun temellerine karşı gelir. Azimli ve hırslı Astrid ve köyün tuhaf demircisi Gobber ile birlikte Hıçkıdık, korku ve yanlış anlamalarla dolu bir dünyayla yüzleşir. Hem Vikingleri hem de ejderhaları tehlikeye atan kadim bir tehdit ortaya çıkarken, Hıçkıdık’ın Dişsiz ile olan dostluğu yeni bir gelecek kurmanın anahtarı haline gelir. Birlikte, dünyalarının sınırlarının ötesine uçarak ve bir kahraman ve lider olmanın ne anlama geldiğini yeniden tanımlayarak barışa giden hassas yolda ilerlemeleri gerekir.
Neden izliyorsunuz?: Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'teki eylem planlanmak yerine kazanıldı. Dean DeBlois her diziye doğru gelişir, bu nedenle geldiğinde gösterinin ötesinde bir ağırlık taşır.
2025'te, Dean DeBlois, Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 7.9 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin bundan faydalanıyor. Aksiyon hikaye anlatıcılığının yerine geçmekten ziyade onun altındadır. Yönetmen yalnızca daha önce gelenler sayesinde işe yarayan sekanslar oluşturuyor. İzleyicinin karakterlere ve riske yaptığı yatırım, aksiyonun gerçekleşip gerçekleşmeyeceğini belirler. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'i bu fantezi listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Dean DeBlois burada çoğu fantezi filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Dean DeBlois, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Ejderhanı Nasıl Eğitirsin, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Dean DeBlois ve Mason Thames işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.9 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'e yüksek puan verme kararları, Dean DeBlois'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Zamanda Aşk
21 yaşına basan Tim Lake, ailesindeki tüm erkeklerin sahip olduğu gizli bir yeteneğinin olduğunu öğrenir. Lake ailesinin tüm erkekleri zamanda seyahat etme yeteneğine sahiptir ve Tim de artık bunu kullanabilecektir. Bunu fırsat bilen Tim geçmişindeki utanç verici anlara gidip olayları değiştirmeye başlar. Kısa bir süre sonra Londra'ya taşınır ve son derece çekici bir kadın olan Mary'e aşık olur. Tim herkesten gizlediği yeteneğini ilişkilerine de yeni bir 'boyut' getirmesi için kullanmaya başlar ve bu sayede her adımı hatasız atlatmayı planlar. Ancak bir süre sonra her sorunu bu şekilde çözemeyeceğini ve hataların da hayatın gerekli birer parçası olduğunu fark eder.
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. Richard Curtis, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Zamanda Aşk, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Richard Curtis gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. 7.9 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Zamanda Aşk de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. fantezi türünde Zamanda Aşk özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi fantezi filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Zamanda Aşk'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Richard Curtis, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Zamanda Aşk'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Domhnall Gleeson, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Zamanda Aşk'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Zamanda Aşk'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Zamanda Aşk'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Richard Curtis'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Domhnall Gleeson'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Zamanda Aşk, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Zamanda Aşk, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Richard Curtis'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Zamanda Aşk'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Koralin ve Gizli Dünya
Coraline eski bir eve taşındığında canı çok sıkılır ve ailesi tarafından da ihmal edilir. Bir gün dar bir geçide uzanan gizli bir kapı bulur ve geçitten geçmeye karar verir. Orada paralel bir hayat keşfeder. O hayatta insanların hepsinin gözlerinin yerinde düğmeler vardır, aileleri çocukları ile çok ilgilidirler ve herkesin hayalleri gerçek olur. Oranın annesi Coraline’i kendileri ile birlikte sonsuza dek yaşamak üzere davet edince, Coraline bunu reddeder. Sonra da bu alternatif gerçekliğin sadece bir tuzak olduğunu keşfeder.
Neden izliyorsunuz?: Koralin ve Gizli Dünya, canlı aksiyonun ulaşamayacağı duygusal ve görsel kayıtlara ulaşmak için animasyonu kullanıyor. Henry Selick, biçimi bir sınırlamadan ziyade sinemanın bir uzantısı olarak ele alıyor.
2009'te vizyona giren Koralin ve Gizli Dünya, sinemadaki bir geçiş döneminden geliyor; akışın dağıtımı değiştirmesinden önce, ancak dijital araçlar prodüksiyonu değiştirdikten sonra. Koralin ve Gizli Dünya'te görünen işçilik, tiyatro dönemi standartlarını yansıtıyor. Koralin ve Gizli Dünya'in 7.9 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Henry Selick, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Filmi animasyon olarak farklı kılan, yönetmenin formun tasarım yoluyla içselliği aktarabileceğini anlamasıdır. Hareket, renk ve kompozisyon karakterin diyalogdan önce veya diyalog yerine ne hissettiğini iletir. fantezi türü yüzlerce filmler üretti. 7.9 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Koralin ve Gizli Dünya'teki görsel yaklaşım, Henry Selick'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Koralin ve Gizli Dünya'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Dakota Fanning, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Koralin ve Gizli Dünya'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Koralin ve Gizli Dünya, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Koralin ve Gizli Dünya'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Henry Selick ve Dakota Fanning işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Koralin ve Gizli Dünya bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Henry Selick, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.9 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Henry Selick'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Koralin ve Gizli Dünya'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Harry Potter ve Felsefe Taşı
Harry Potter, muggle (büyücü yada cadı olmayan insanlar) amcası ve halasıyla sıradan ve zorluklarla dolu bir hayatı yaşarken, yılanlarla konuşabildiğinin, kızgınlık öfkesi sırasında eşyaları hareket ettirebildiğinin farkına varacaktır. Hogwarts Büyücülük ve Cadılık Okulu'ndan kabul edildiğini belirten mektup ise hayatının sıradanlığını değiştirecektir. Artık o bir büyücü adayıdır.
Neden izliyorsunuz?: Chris Columbus, Harry Potter ve Felsefe Taşı boyunca net seçimler yapıyor; ne gösterilecek, ne saklanacak, ne zaman kesilecek. Bu kararlılık, işe yarayan filmleri neredeyse işe yarayan filmlerden ayıran şeydir.
2001 sineması çağdaş filmlerden farklı baskılar altında işliyordu. Harry Potter ve Felsefe Taşı, modern prodüksiyonları şekillendiren algoritmik geri bildirim döngüleri olmadan yapıldı. Chris Columbus'in burada yarattığı şey verilerden ziyade inançtan geldi. 7.9'te Harry Potter ve Felsefe Taşı, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Harry Potter ve Felsefe Taşı herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Yönetmen malzemeye fantazinin hak ettiği ciddiyetle yaklaşıyor. Sıra dışı öğeler, diğer hikaye öğeleriyle aynı dramatik ağırlıkta işleniyor; bu da onların yeniliğin ötesinde anlam taşıdıkları anlamına geliyor. Harry Potter ve Felsefe Taşı, fantezi sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Chris Columbus, fantezi'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Harry Potter ve Felsefe Taşı'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Chris Columbus, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Daniel Radcliffe, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Harry Potter ve Felsefe Taşı'te en çok görülür.
Harry Potter ve Felsefe Taşı, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Harry Potter ve Felsefe Taşı'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Chris Columbus ve Daniel Radcliffe işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Harry Potter ve Felsefe Taşı'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Chris Columbus filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.9 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Harry Potter ve Felsefe Taşı tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Ejderhanı Nasıl Eğitirsin
Ejderhalar Berk Adası'nı kendilerine mesken seçmişlerdir. Senelerce acımasız mahlukat tarafından yağmalanan talihsiz adanın biçare yerlileri için hayvanlarını çalıp evlerini yakan bu ejderhaları tepelemek bir nevi namus borcudur. Yetişkinlik çağına erişen genç erkeklerin yapması gereken tek şey bir ejderhayı öldürmektir. Zamanı geldiğinde köyün şefinin tuhaf oğlu Hiccup, icat ettiği tuhaf mekanizmalı silahı bir yaratığa doğrultarak onu öldürmeye yeltenir. Nadir bir türe ait olan bu ejderhayı bir türlü öldüremeyen Hiccup, hayvanı ormana götürerek serbest bırakır. Sonrasında ise aralarında sadakat ve içtenlik barındıran bir arkadaşlık gelişir.
Neden izliyorsunuz?: Verimlilikten ziyade niyetle yapılan animasyonlar farklı görünüyor. Chris Sanders, Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'in bireysel kareler düzeyinde farklı hissettirmesini sağlıyor ve bir bütün halinde birleşiyor.
2010'te, Chris Sanders, Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 7.9'teki Ejderhanı Nasıl Eğitirsin, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Chris Sanders, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Animasyon, teknik yeteneğin gösterilmesinden ziyade hikaye anlatımına hizmet ediyor. Yönetmen bu formu, anlatılan spesifik hikayeye hizmet edecek duygusal ve anlatısal etkiler elde etmek için kullanıyor. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü fantezi kanonunu açık hale getirirler. 7.9'teki Ejderhanı Nasıl Eğitirsin, fantezi sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen fantezi filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'teki performanslar, Chris Sanders'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Jay Baruchel, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'te en zor anlar, Jay Baruchel'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'i ilk kez izleyen izleyiciler, Chris Sanders'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Jay Baruchel, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2010 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Chris Sanders'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Chris Sanders'in Ejderhanı Nasıl Eğitirsin'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Sevimli Canavarlar
Canavarlar Dünyası isimli kendilerine ait bir dünyada yaşayan ve yaşayabilmek için insanlara ihtiyaç duyan ilginç ve sevimli canavarların dünyasının insanlarla karıştığı an ortaya çıkan trajikomik hikayeyi anlatır. Bu dünyada canavarlar yaşayabilmek için insanlara muhtaçtır çünkü insanları korkuttukları an duydukları çığlık onlar için enerji kaynağı gibidir. Bu ilginç dünyaya yanlışıkla küçük bir kız çocuğunun yolu düşünce işler çığrından çıkar. Çünkü insanlar bu tuhaf yaratıklara ters etki yapmaktadır ve dehşete kapılan canavarlar salgın bir hastalığın yayılacağını düşünüyorlardır. Bu küçük kız zannettikleri gibi onların yaşamını tehdit ediyor mudur?
Neden izliyorsunuz?: Sadece bir tane olarak pazarlanmak yerine gerçekten komik bir filmler. Sevimli Canavarlar'teki mizah düzenden değil karakterden geliyor.
Sevimli Canavarlar, tiyatro sinemasının ilgi çekmek için ilk internet ve DVD ile rekabet ettiği 2001'te yapıldı. Pete Docter o zaman da ilgiyi çeken bir şey yaptı ve şimdi de tutuyor. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.8 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Sevimli Canavarlar, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Filmin komedi gibi çalışmasını sağlayan şey, yönetmenin mizahın nerede olduğunu belirtmeyi reddetmesidir. Şakalar karakter ve durumdan kaynaklanıyor; bu da, dikkat eden izleyicilerin, gülmeleri gerektiğinin söylenmesini bekleyen izleyicilerden daha fazlasını bulduğu anlamına geliyor. Pete Docter'in Sevimli Canavarlar'teki fantezi'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu fantezi filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Sevimli Canavarlar'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Pete Docter, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Sevimli Canavarlar karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Sevimli Canavarlar'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Sevimli Canavarlar, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Pete Docter kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 7.8 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Sevimli Canavarlar ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Sevimli Canavarlar'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Sevimli Canavarlar, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, John Goodman'in performansının ve Pete Docter'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Ratatuy
Şişman fare Remy, yemeğe olan düşkünlüğü nedeniyle tek bir hayale sahiptir: Aşçı olabilmek! Bu idealini gerçekleştirmek için Paris'in yolunu tutan sevimli fare kaza eseri kendisini şehrin en iyi restoranının kanalizasyonunda bulur. Restoranın yeni çöpçüsüyle ilginç bir anlaşma yapan Remy, tüm hünerlerini sergileyebileceği büyülü mutfağa ulaşmIştır. Ancak bu tek hayalini gerçekleştirmek, farelerden iğrenen bir insanlığın var olduğu bir dünyada pek kolay olmayacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Ratatuy yeniden izlenmeye devam eden bir komedi çünkü espriler can alıcı nokta etrafında tasarlanmış durumlardan ziyade bu insanların kim olduğundan kaynaklanıyor.
2007'te vizyona giren Ratatuy, sinemadaki bir geçiş döneminden geliyor; akışın dağıtımı değiştirmesinden önce, ancak dijital araçlar prodüksiyonu değiştirdikten sonra. Ratatuy'te görünen işçilik, tiyatro dönemi standartlarını yansıtıyor. Ratatuy için 7.8 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Ratatuy'in yaptığı da tam olarak bu. Brad Bird bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Film izleyicinin komik zamanlama anlayışına güveniyor. Yönetmen ritmi kuruyor ve ardından mizahın yaşadığı yerlerde duraklamalara izin veriyor. Performanslar, kısıtlamanın vurgu yapmaktan daha eğlenceli olduğunu anlıyor. En iyi fantezi filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Ratatuy bu filmlerden biri. Brad Bird, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Ratatuy'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Brad Bird, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Ratatuy'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Patton Oswalt, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Ratatuy, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Ratatuy'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Brad Bird ve Patton Oswalt işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Ratatuy'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.8 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Ratatuy'e yüksek puan verme kararları, Brad Bird'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Ratatuy genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
En iyi sinema dikkatinizi ödüllendirir. Buradaki her filmler ihtiyaç duyduğu zamanı kazandı.
Küçük Cadı Kiki
Kiki 13 yaşında bir cadıdır. Geleneklere göre tam bir cadı olabilmesi için bir yıl kendi seçeceği bir şehirde ailesinden ayrı yaşaması gerekmektedir. Kiki, kedisi Jiji ile annesinin hediye ettigi süpürgeye binerek evinden ayrılır ve başka cadısı olmayan bir şehirde karar kılar. Kiki, şehirde uçma yeteneğinden faydalanacağı bir kurye servisi açmak istemektedir. Şehirdeki ilk gününde tanıştığı birinin fırınında ona yardımcı olurken aynı zamanda hayalini kurduğu işi yapmaya başlar ve zamanla cadılık yeteneklerini kaybettiğini fark eder. Yeteneklerini tekrar kazanmaya çalışırken bir arkadaşının da hayatını kurtarması gerekir.
Neden izliyorsunuz?: Küçük Cadı Kiki'teki her görsel karar (renk, hareket, kompozisyon) sıfırdan icat edilmiştir. Hayao Miyazaki, hiçbir canlı aksiyon filminin taklit edemeyeceği bir şey yaratmak için bu tam kontrolü kullanıyor.
Küçük Cadı Kiki, 1989'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Küçük Cadı Kiki'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.8'teki Küçük Cadı Kiki, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Yönetmen filme, animasyonun gerektirdiği türden bilinçli bir zanaatla yatırım yapıyor. Her kare hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair niyeti yansıtıyor; bu da filmin sadece anlatıdan ziyade bireysel anlar düzeyinde çalıştığı anlamına geliyor. Küçük Cadı Kiki, bu fantezi sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Küçük Cadı Kiki'in her sahnesinde görülüyor.
Küçük Cadı Kiki'in görsel dili, 1989'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Hayao Miyazaki, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Küçük Cadı Kiki'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Küçük Cadı Kiki'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Küçük Cadı Kiki'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Küçük Cadı Kiki'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Küçük Cadı Kiki'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Hayao Miyazaki'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Minami Takayama'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Küçük Cadı Kiki, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Küçük Cadı Kiki, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Hayao Miyazaki'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Küçük Cadı Kiki'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Noel Gecesi Kabusu
Balkabağı Kral Jack Skellington, Halloweentown'ı yönetmektedir. Kabuslardan fırlamış bir kasabayı andıran Halloweentown, cinler, ruhlar ve yarasalardan oluşan bir nüfusa sahiptir. Jack, bir gün Christmastown'a bir ziyaret yapar ve orada gördüklerini kıskanarak kendi şehrini de oraya benzetmek için Santa Claus'u kaçırır. Santa'nın yerine geçen Jack, çocuklara kendince alternatif hediyeler dağıtmaya başlar. Çılgın dahi Tim Burton'ın konseptini yarattığı ve yapımcılığını üstlendiği film, en iyi özel efekt dalında Oscar'a aday olmuştu...
Neden izliyorsunuz?: Verimlilikten ziyade niyetle yapılan animasyonlar farklı görünüyor. Henry Selick, Noel Gecesi Kabusu'in bireysel kareler düzeyinde farklı hissettirmesini sağlıyor ve bir bütün halinde birleşiyor.
Noel Gecesi Kabusu'in 1993 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Noel Gecesi Kabusu'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Noel Gecesi Kabusu'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.8 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Noel Gecesi Kabusu'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Noel Gecesi Kabusu bundan faydalanıyor. Animasyon, teknik yeteneğin gösterilmesinden ziyade hikaye anlatımına hizmet ediyor. Yönetmen bu formu, anlatılan spesifik hikayeye hizmet edecek duygusal ve anlatısal etkiler elde etmek için kullanıyor. Noel Gecesi Kabusu'i bu fantezi listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Henry Selick burada çoğu fantezi filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Noel Gecesi Kabusu'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Henry Selick, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Danny Elfman, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Noel Gecesi Kabusu'te en çok görülür.
Noel Gecesi Kabusu, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Noel Gecesi Kabusu'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Henry Selick ve Danny Elfman işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Noel Gecesi Kabusu bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Henry Selick, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.8 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Henry Selick'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Noel Gecesi Kabusu'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Karayip Korsanları: Siyah İnci'nin Laneti
Kaptan Jack Sparrow, özgür ve çılgın bir hayat süren sevimli fakat üçkağıtçı bir korsandır. Ancak, düşmanı kurnaz Kaptan Barbossa, Jack'in gemisi olan Siyah İnci'yi çaldığında, Jack'in korsanlık yaşamı altüst olur. Bu da yetmezmiş gibi, Barbossa, Port Royal kasabasına saldırır ve belediye başkanının güzeller güzeli kızı Elizabeth Swann'ı kaçırır. Elizabeth'i kurtarmak ve Siyah İnci'yi geri almak için Elizabeth'in çocukluk arkadaşı Will Turner ve Jack güçlerini birleştirirler. Ancak Will'in bilmediği, lanetli bir hazinenin Barbossa'nın ve mürettebatının kaderini sonsuza kadar ölümsüz olarak değiştirdiğidir. Laneti bozmak için hazinenin tamamının geri dönmesi gerekmektedir, yoksa Barbossa ve mürettebatı birer iskelete dönüşeceklerdir.
Neden izliyorsunuz?: Coğrafyanın netliğiyle hazırlanmış aksiyon. Gore Verbinski, en iyi dizilerin işe yaradığını biliyor çünkü her zaman herkesin nerede olduğunu biliyorsunuz.
Karayip Korsanları: Siyah İnci'nin Laneti, tiyatro sinemasının ilgi çekmek için ilk internet ve DVD ile rekabet ettiği 2003'te yapıldı. Gore Verbinski o zaman da ilgiyi çeken bir şey yaptı ve şimdi de tutuyor. 7.8 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Karayip Korsanları: Siyah İnci'nin Laneti de bir istisna değildir. Yönetmen aksiyon sinemasının temel sorununu çözüyor: Aksiyonu size göstermeden önce sonucu önemsemenizi sağlıyor. Sıralamalar işe yarıyor çünkü coğrafi netlik, kimin nerede olduğunu ve başarının neleri gerektirdiğini her zaman bilmeniz anlamına geliyor. fantezi türünde Karayip Korsanları: Siyah İnci'nin Laneti özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi fantezi filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Karayip Korsanları: Siyah İnci'nin Laneti'teki performanslar, Gore Verbinski'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Johnny Depp, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Karayip Korsanları: Siyah İnci'nin Laneti'te en zor anlar, Johnny Depp'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Karayip Korsanları: Siyah İnci'nin Laneti, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Karayip Korsanları: Siyah İnci'nin Laneti'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Gore Verbinski ve Johnny Depp işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Karayip Korsanları: Siyah İnci'nin Laneti'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Gore Verbinski filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.8 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Karayip Korsanları: Siyah İnci'nin Laneti tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Raya ve Son Ejderha
Uzun zaman önce Kumandra'nın fantastik dünyasında insanlar ve ejderhalar bir arada uyum içinde yaşadılar. Ancak, Druun olarak bilinen uğursuz canavarlar toprağı tehdit ettiğinde, ejderhalar insanlığı kurtarmak için kendilerini feda ettiler. 500 yıl sonra, aynı canavarlar geri döndü. Artık hem son ejderhayı bulmak hem de Druun'ları sonsuza dek durdurmak yalnız bir savaşçıya, Raya’ya kalmıştır.
Neden izliyorsunuz?: Raya ve Son Ejderha, aksiyon sinemasının temel sorununu çözüyor: aksiyonu size göstermeden önce ilgilenmenizi sağlamak. Sekanslar iniş yapıyor çünkü önceki sahneler neden önemli olduklarını ortaya koyuyor.
2021'te üretilen Raya ve Son Ejderha, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 7.8 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Raya ve Son Ejderha'in 7.8 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Carlos López Estrada, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Aksiyon sineması, mekansal mantık çöktüğünde ve sekanslar soyut bir gösteriye dönüştüğünde başarısız olur. Bu filmler bu başarısızlığı önlüyor. Yönetmen storyboard'ları sadece etki için değil, anlaşılması için de hazırlıyor. Seyirci her anın risklerini her zaman anlar. fantezi türü yüzlerce filmler üretti. 7.8 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Raya ve Son Ejderha'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Carlos López Estrada, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Raya ve Son Ejderha karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Raya ve Son Ejderha'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Raya ve Son Ejderha'i ilk kez izleyen izleyiciler, Carlos López Estrada'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Raya ve Son Ejderha'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Kelly Marie Tran, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2021 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Carlos López Estrada'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Raya ve Son Ejderha, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Carlos López Estrada'in Raya ve Son Ejderha'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Monty Python ve Kutsal Kâse
Kral Arthur ve şövalyeleri, Kutsal Kâse'yi aramak için ilahi bir görev alırlar. Ancak bu yolculukta karşılarına türlü düşmanlar çıkar: kötü niyetli rakip şövalyeler, yalnızca çizgi film olarak görülebilen kanlı canavarlar, İngiltere'de bir kaleye sığınmış küstah Fransız şövalyeleri, cadılar, şeytani kahinler, Scotland Yard ve hatta bir katil tavşan! Neyse ki bu ölümcül tavşanı alt etmek için Haçlı Seferleri’nden getirilen komik bir kutsal emanetleri vardır: "Antakya’nın Kutsal El Bombası!"
Neden izliyorsunuz?: Terry Jones, Monty Python ve Kutsal Kâse'in komedisini gerçek karakter gözleminden yola çıkarak oluşturuyor. Film ilerledikçe kahkahalar artıyor çünkü insanları daha iyi tanıyorsunuz.
Monty Python ve Kutsal Kâse, 1975'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Monty Python ve Kutsal Kâse'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.8'te Monty Python ve Kutsal Kâse, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Monty Python ve Kutsal Kâse herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Karakter komedisi, yönetmenin ve oyuncu kadrosunun en komik anların abartıdan ziyade gerçeklerden geldiğini anlamasını gerektirir. Film işe yarıyor çünkü karakterlerin yaptıkları, kim olduklarına göre anlamlı. Monty Python ve Kutsal Kâse, fantezi sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Terry Jones, fantezi'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Monty Python ve Kutsal Kâse'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Terry Jones, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Monty Python ve Kutsal Kâse'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Graham Chapman, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Monty Python ve Kutsal Kâse'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Terry Jones'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Monty Python ve Kutsal Kâse, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Graham Chapman'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Monty Python ve Kutsal Kâse, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Graham Chapman'in performansının ve Terry Jones'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Harry Potter ve Ateş Kadehi
Harry anlaşılmaz bir şekilde, prestijli Üçbüyücü Turnuvası’na katılmak üzere seçilmesinden mutlu olmalıdır. Ama bu heyecan verici uluslararası yarışma, Harry’yi Hogwarts’ın yanı sıra, Avrupa’daki iki rakip büyücülük okulunun da daha büyük ve deneyimli öğrencileriyle karşı karşıya getirecektir.
Neden izliyorsunuz?: Harry Potter ve Ateş Kadehi, önermelerinin önerdiğinden daha iyi filmler kategorisine giriyor. Mike Newell, talep ettiği ilgiyi ödüllendiren malzemeye zanaat ve niyet katıyor.
Harry Potter ve Ateş Kadehi için 2005 bağlamı önemlidir. Bu, orijinal fikirlere sahip orta bütçeli filmlerin hala sinemalarda gösterime girdiği bir dönemdi; Harry Potter ve Ateş Kadehi'in temsil ettiği türden bir filmler. Mike Newell, bu alanı mevcut pazarın yeşil ışık yakmaya çalışacağı bir şey yapmak için kullandı. 7.8'teki Harry Potter ve Ateş Kadehi, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Mike Newell, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Fantezi karakter sonuçlarına dayanır. Yönetmen bu türü, dünyanın farklı kurallar altında işlemesi durumunda insanların başına neler geleceğini keşfetmek için kullanıyor. Duygusal riskler gösteriden değil karakterden gelir. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü fantezi kanonunu açık hale getirirler. 7.8'teki Harry Potter ve Ateş Kadehi, fantezi sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen fantezi filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Harry Potter ve Ateş Kadehi'teki görsel yaklaşım, Mike Newell'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Harry Potter ve Ateş Kadehi'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Daniel Radcliffe, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Harry Potter ve Ateş Kadehi'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Harry Potter ve Ateş Kadehi, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Harry Potter ve Ateş Kadehi'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Mike Newell ve Daniel Radcliffe işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Harry Potter ve Ateş Kadehi'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.8 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Harry Potter ve Ateş Kadehi'e yüksek puan verme kararları, Mike Newell'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Harry Potter ve Ateş Kadehi genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Kırmızı Kanatlar
1920'lerin Adriyatik Denizi'nde sadece bir tek pilot göklerin hakimidir: Porco Rosso, büyülü güçler tarafından domuza çevirilmiş yetenekli pilot. Porco, uçakları gökyüzündeki diğer çete uçaklarından koruduğu yalnız bir hayat sürmektedir. Hayatını kendine ait bir adada yaşayarak ve otel sahibi güzel arkadaşı Gina'yı ziyaret ederek geçirmektedir. Ancak bir gün Porco'yu ve uçağını vurarak kendi ününü yaratmak isteyen bir pilot adaya gelir. Bunun üzerine Porco genç mühendis arkadaşından uçağını bu büyük savaşa hazır hale getirmesini ister...
Neden izliyorsunuz?: Animasyon, zanaatın tek başına izlenmeye değer olduğu düzeyde. Kırmızı Kanatlar'in her karesi kasıtlı bir sanatsal seçimdir.
Kırmızı Kanatlar (1992), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Kırmızı Kanatlar, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.8 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Kırmızı Kanatlar, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Film, animasyonun, canlı aksiyonun ulaşamayacağı duygusal seviyelere ulaşmak için bir araç olduğunu gösteriyor. Yönetmen, animasyon biçimine özgü anlar yaratmak için ortamın biçimsel olanaklarını kullanıyor. Hayao Miyazaki'in Kırmızı Kanatlar'teki fantezi'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu fantezi filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Kırmızı Kanatlar'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Hayao Miyazaki, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Shūichirō Moriyama, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Kırmızı Kanatlar'te en çok görülür.
Kırmızı Kanatlar'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Kırmızı Kanatlar'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Kırmızı Kanatlar'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Hayao Miyazaki'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Shūichirō Moriyama'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Kırmızı Kanatlar, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Kırmızı Kanatlar, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Hayao Miyazaki'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Kırmızı Kanatlar'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Luka
Film, İtalyan Riviera’sında yaşayan Luca adlı küçük bir çocuğun hikâyesini anlatıyor. Luca’nın yaz aylarındaki macerasını anlatan film, bizi karanlık bir sırla baş başa bırakıyor. O da Luca’nın deniz yüzeyinin altındaki dünyadan gelen bir deniz canavarı olması.
Neden izliyorsunuz?: Luka sessizliğe güvenen bir drama. Enrico Casarosa, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
2021'te üretilen Luka, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 7.8 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Luka için 7.8 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Luka'in yaptığı da tam olarak bu. Enrico Casarosa bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. En iyi fantezi filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Luka bu filmlerden biri. Enrico Casarosa, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Luka'teki performanslar, Enrico Casarosa'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Jacob Tremblay, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Luka'te en zor anlar, Jacob Tremblay'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Luka, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. Luka'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. Luka'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. Enrico Casarosa'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
Luka bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Enrico Casarosa, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.8 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Enrico Casarosa'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Luka'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Zamanda Sıçrayan Kız
Makoto Konno, Chiaki Mamiya ve Kousuke Tsuda aynı sınıfta okuyan çok yakın üç arkadaştır. Sürekli beraber takılan ve zamanlarını çoğunlukla beyzbol oynayarak geçiren bu üç arkadaştan Makoto, kimya laboratuvarında üstüne düştüğü garip bir nesne sayesinde hayal edemeyeceği bir güce sahip olur: Zamanda sıçrama. Yeni keşfettiği gücü sayesinde canı ne isterse yapmaya başlayan Makoto, gücünü kullanıp geçmişini değiştirerek geleceğine yön vermeye çalışır ancak zamanla oynamanın sandığından daha tehlikeli olduğunu ve zamanın kimse için beklemediğini fark edecektir.
Neden izliyorsunuz?: Zamanda Sıçrayan Kız'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Mamoru Hosoda'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
2006 sineması çağdaş filmlerden farklı baskılar altında işliyordu. Zamanda Sıçrayan Kız, modern prodüksiyonları şekillendiren algoritmik geri bildirim döngüleri olmadan yapıldı. Mamoru Hosoda'in burada yarattığı şey verilerden ziyade inançtan geldi. 7.8'teki Zamanda Sıçrayan Kız, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Zamanda Sıçrayan Kız, bu fantezi sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Zamanda Sıçrayan Kız'in her sahnesinde görülüyor.
Zamanda Sıçrayan Kız'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Mamoru Hosoda, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Zamanda Sıçrayan Kız karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Zamanda Sıçrayan Kız'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Zamanda Sıçrayan Kız, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Zamanda Sıçrayan Kız'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Mamoru Hosoda ve Riisa Naka işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Zamanda Sıçrayan Kız'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Mamoru Hosoda filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.8 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Zamanda Sıçrayan Kız tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Pan'ın Labirenti
1944 yılı İspanya'sında, sivil savaş kargaşası sona ermiş görünse de, Navarra'nın kuzeyindeki dağlık bölgelerde çatışmalar sürmektedir. Kendi hayal dünyasında yaşayan 10 yaşındaki Ofelia, hamile annesi Carmen'le birlikte, Navarra'ya, üvey babası Kaptan Vidal'in yanına gider. Kaptan Vidal, faşist yönetimin emrinde çalışan ve sınırları isyancılardan temizlemekle görevli bir memurdur. Sert mizacı ve otoriter tavrı nedeniyle üvey babasıyla en ufak bir yakınlık kuramayan Ofelia, bir gün arka bahçelerinde, esrarengiz bir labirent keşfeder. Bu labirentin içinde tanıştığı, gövdesinin yarısı insan yarısı yaratık olan Pan'la yaşayacakları, Ofelia'nın bütün yaşamını değiştirecektir.
Neden izliyorsunuz?: Guillermo del Toro, Pan'ın Labirenti'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Pan'ın Labirenti için 2006 bağlamı önemlidir. Bu, orijinal fikirlere sahip orta bütçeli filmlerin hala sinemalarda gösterime girdiği bir dönemdi; Pan'ın Labirenti'in temsil ettiği türden bir filmler. Guillermo del Toro, bu alanı mevcut pazarın yeşil ışık yakmaya çalışacağı bir şey yapmak için kullandı. 7.8 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Pan'ın Labirenti'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Pan'ın Labirenti bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Pan'ın Labirenti'i bu fantezi listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Guillermo del Toro burada çoğu fantezi filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Pan'ın Labirenti'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Guillermo del Toro, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Pan'ın Labirenti'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Ivana Baquero, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Pan'ın Labirenti'i ilk kez izleyen izleyiciler, Guillermo del Toro'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Pan'ın Labirenti'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Ivana Baquero, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2006 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Guillermo del Toro'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Pan'ın Labirenti, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Guillermo del Toro'in Pan'ın Labirenti'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Harika filmler izlemek dünyaya bakışınızı değiştirir. Bu yüzden onları dikkatle seçiyoruz.
Karanlık Yolculuk
80’lerin sonunda geçen öyküde, Donnie Darko adında 16 yaşında bir genç bazı gerçek olmayan görüntüler görmeye başlar. Özellikle de tavşan kostümlü bir adam sık sık belirir. Çevresiyle uyum sorunu yaşayan genç, ailesinin ve okulun kendisi için çizdiği yoldan ayrılıp esrarengiz misafirinin izinden gider.
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. Richard Kelly, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Karanlık Yolculuk, tiyatro sinemasının ilgi çekmek için ilk internet ve DVD ile rekabet ettiği 2001'te yapıldı. Richard Kelly o zaman da ilgiyi çeken bir şey yaptı ve şimdi de tutuyor. 7.8 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Karanlık Yolculuk de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. fantezi türünde Karanlık Yolculuk özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi fantezi filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Karanlık Yolculuk'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Richard Kelly, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. Karanlık Yolculuk'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Jake Gyllenhaal, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
Karanlık Yolculuk, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Richard Kelly kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 7.8 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Karanlık Yolculuk ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Karanlık Yolculuk'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Karanlık Yolculuk, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Jake Gyllenhaal'in performansının ve Richard Kelly'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Şrek
Şrek, oldukça korkutucu bir görünüme sahip, devasa, yeşil bir troldür. Yalnızlığın getirisiyle, hayatının geri kalanını beraber geçirebileceği, en az kendisi kadar çirkin bir yaratık bulmanın hevesindedir. Bir kahin, kehanetini açıklar. Şrek ile güzeller güzeli bir prenses olan Fiona arasında duygusal bir ilişki cereyan edecektir. Ancak Şrek ne kadar çirkinse Fiona bir o kadar güzeldir. Oldukça garip durumlar ve vaziyetler peyda olmak üzeredir.
Neden izliyorsunuz?: Şrek yeniden izlenmeye devam eden bir komedi çünkü espriler can alıcı nokta etrafında tasarlanmış durumlardan ziyade bu insanların kim olduğundan kaynaklanıyor.
2001'te vizyona giren Şrek, sinemadaki bir geçiş döneminden geliyor; akışın dağıtımı değiştirmesinden önce, ancak dijital araçlar prodüksiyonu değiştirdikten sonra. Şrek'te görünen işçilik, tiyatro dönemi standartlarını yansıtıyor. Şrek'in 7.8 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Andrew Adamson, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Film izleyicinin komik zamanlama anlayışına güveniyor. Yönetmen ritmi kuruyor ve ardından mizahın yaşadığı yerlerde duraklamalara izin veriyor. Performanslar, kısıtlamanın vurgu yapmaktan daha eğlenceli olduğunu anlıyor. fantezi türü yüzlerce filmler üretti. 7.8 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Şrek'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Andrew Adamson, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Mike Myers, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Şrek'te en çok görülür.
Şrek, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Şrek'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Andrew Adamson ve Mike Myers işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Şrek'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.8 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Şrek'e yüksek puan verme kararları, Andrew Adamson'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Şrek genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Büyük Balık
William, babası amansız bir hastalık nedeniyle ölüm döşeğinde olduğu için, evine geri döner. Babasını yakından tanımak için, renkli bir kişiliği olan adamın gençliğinde yaşadıklarına dair öyküler toplamaya başlar. Babasının, gençliğinde gezgin bir satıcıyken yaşadıkları bir bulmacanın parçaları gibi yerine oturacak ve anlaşılması güç olan adamın yaşamını en masalsı yönüyle zaferleri ve zaaflarıyla ortaya çıkaracaktır.
Neden izliyorsunuz?: Büyük Balık'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Tim Burton'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
2003 sineması çağdaş filmlerden farklı baskılar altında işliyordu. Büyük Balık, modern prodüksiyonları şekillendiren algoritmik geri bildirim döngüleri olmadan yapıldı. Tim Burton'in burada yarattığı şey verilerden ziyade inançtan geldi. 7.8'te Büyük Balık, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Büyük Balık herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Büyük Balık, fantezi sinemasının neden önemli olduğunu gösteriyor: Başka hiçbir türün bu kadar etkili bir şekilde yapamayacağı şeyleri yapıyor. Tim Burton, fantezi'in özel mekanizmalarını anlıyor ve bunları diğer hikaye anlatımı modlarında imkansız olan efektleri yaratmak için kullanıyor.
Büyük Balık'teki performanslar, Tim Burton'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Ewan McGregor, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Büyük Balık'te en zor anlar, Ewan McGregor'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Büyük Balık'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Büyük Balık'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Büyük Balık'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Tim Burton'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Ewan McGregor'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Büyük Balık, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Büyük Balık, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Tim Burton'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Büyük Balık'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Küçük Deniz Kızı Ponyo
Okyanus kralının kızı olan Ponyo, sıradan bir balık değildir. Denizin tüm sihri emrine amadedir. Ponyo, yaşadığı denize yakın bir yerde oturan beş yaşındaki Sosuke ile arkadaş olduğunda aralarında özel bir bağ oluşur ve Ponyo insan olmak ister. Sosuke ile arkadaşlığını karada da sürdürmek isteyen Ponyo, hayallerini gerçekleştirir ama bu sefer de doğanın dengesiyle oynamış olur. Bu dengeyi yeniden sağlamak için büyük fedakarlıklar yapması gerekecektir.
Neden izliyorsunuz?: Verimlilikten ziyade niyetle yapılan animasyonlar farklı görünüyor. Hayao Miyazaki, Küçük Deniz Kızı Ponyo'in bireysel kareler düzeyinde farklı hissettirmesini sağlıyor ve bir bütün halinde birleşiyor.
Küçük Deniz Kızı Ponyo için 2008 bağlamı önemlidir. Bu, orijinal fikirlere sahip orta bütçeli filmlerin hala sinemalarda gösterime girdiği bir dönemdi; Küçük Deniz Kızı Ponyo'in temsil ettiği türden bir filmler. Hayao Miyazaki, bu alanı mevcut pazarın yeşil ışık yakmaya çalışacağı bir şey yapmak için kullandı. 7.8'teki Küçük Deniz Kızı Ponyo, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Hayao Miyazaki, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Animasyon, teknik yeteneğin gösterilmesinden ziyade hikaye anlatımına hizmet ediyor. Yönetmen bu formu, anlatılan spesifik hikayeye hizmet edecek duygusal ve anlatısal etkiler elde etmek için kullanıyor. Bunun gibi tür sıralamaları kısmen faydalıdır çünkü fantezi kanonunu açık hale getirirler. 7.8'teki Küçük Deniz Kızı Ponyo, fantezi sinemasının başardıklarıyla ilgili her türlü ciddi tartışmanın içinde yer alıyor. Bunu diğer en çok beğenilen fantezi filmleriyle birlikte izlemek, türün içerdiği çeşitliliği ortaya çıkarır.
Küçük Deniz Kızı Ponyo'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Hayao Miyazaki, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Küçük Deniz Kızı Ponyo karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Küçük Deniz Kızı Ponyo'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Küçük Deniz Kızı Ponyo, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Küçük Deniz Kızı Ponyo'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Hayao Miyazaki ve Yuria Kozuki işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Küçük Deniz Kızı Ponyo bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Hayao Miyazaki, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.8 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Hayao Miyazaki'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Küçük Deniz Kızı Ponyo'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 1
Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 1, Harry, Ron ve Hermione’nin Voldemort’un ölümsüzlük sırrını barındıran Hortkuluklar’ın izini sürmek ve yoketmek görevini üstlenerek yola çıkmaları ile başlıyor. Profesörlerinin yönlendirmelerive Profesör Dumbledore’un koruması olmaksızın, tek başlarına yola çıkan üç arkadaş şimdi herzamankinden daha fazla birbirlerine güvenmek zorundadır. Ancak, onları tehdit ederek ayrı düşmelerini sağlamak isteyen Karanlık Güçler de aralarındadır.Bu arada, büyücülük dünyası Karanlık Lord’un tüm düşmanları için tehlikeli bir yer haline gelmiştir. Uzun zamandır korkulan savaş başlamış ve Voldemort’un Ölüm Yiyicileri Büyü Bakanlığı’nın kotrolünü zorla ele geçirerek terör estirmekte ve kendilerine karşı olabilecek herkesi tutukulamaktadırlar. Ama, Voldemort için en değerli olan ganimeti; Harry Potter’ı hala bulamamışlardır.
Neden izliyorsunuz?: Hastanın dikkatini ödüllendiren bir filmler. David Yates tek bir sahneyi bile israf etmiyor ve Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 1'e yapılan yatırım tamamen haklı görünüyor.
Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 1, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. David Yates gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.7 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 1, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Film kendini tamamen dünya inşasına adamıştır. Yönetmen dünyanın kurallarını koyuyor ve izleyicinin bu kuralları kabul edeceğine güveniyor. Hikaye o dünyanın içinde, iç mantığı bozulmadan gelişiyor. David Yates'in Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 1'teki fantezi'e yaklaşımı öğreticidir: tür kuralları otomatik olarak değil bilinçli olarak kullanılır. Sonuç olarak, çoğu fantezi filminin yapmadığı şeyleri yaparken, türün vaatlerini yerine getiren bir filmler ortaya çıktı.
Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 1'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. David Yates, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 1'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Daniel Radcliffe, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 1, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.7 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 1'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. David Yates ve Daniel Radcliffe işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 1'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. David Yates filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.7 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 1 tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Güzel ve Çirkin
Tüm zamanların en mükemmel animasyonlarından biri olan Film, ayaklarınızı yerden kesecek! Kendini esrarengiz bir yaratığa dönüşen prensin şatosunda bulan Belle’in maceralarına göz atın. Belle hayatının en önemli dersini alacak ve asıl güzelliğin insanın içinde olduğunu keşfedecek. Dijital oarak yeniden düzenlenmiş versiyonu herzamankinden daha sihirli! Misafirimiz olun ve müziğin ve sıcacık karakterlerin sizleri hiç olmadığı kadar büyülemesine izin verin.
Neden izliyorsunuz?: Güzel ve Çirkin her iki karaktere de ilişkinin ötesinde kimlikler verir. Gary Trousdale, sizden onlara birlikte inanmanızı istemeden önce, iki kişiyi kendi açılarından ilginç kılıyor.
1991'te gösterime giren Güzel ve Çirkin, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Gary Trousdale hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.7 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Güzel ve Çirkin için 7.7 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Güzel ve Çirkin'in yaptığı da tam olarak bu. Gary Trousdale bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmin romantik bir filmler olmasını sağlayan şey, yönetmenin özgüllüğe verdiği önemdir. Karakterlerin belirli konuşma, hareket etme ve dünyayı anlama yolları vardır. Aralarındaki bağlantı, bu özelliklerin nasıl etkileşimde bulunduğundan ortaya çıkar. En iyi fantezi filmleri gerçek bir şeye erişmek için kendi türünün mekaniğini kullanır. Güzel ve Çirkin bu filmlerden biri. Gary Trousdale, hangi geleneklerin materyale hizmet ettiğini ve hangilerinin bir kenara bırakılması gerektiğini bilecek kadar türü yeterince derinlemesine anladı.
Güzel ve Çirkin'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Gary Trousdale, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. Güzel ve Çirkin'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Paige O'Hara, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
Güzel ve Çirkin'i ilk kez izleyen izleyiciler, Gary Trousdale'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Güzel ve Çirkin'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Paige O'Hara, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1991 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Gary Trousdale'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Güzel ve Çirkin, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Gary Trousdale'in Güzel ve Çirkin'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Makas Eller
Bir zamanlar yüksek bir tepedeki kalede, en büyük icadının adı Edward olan bir mucit yaşıyordu. Edward, dayanılmaz bir çekiciliği olmasına rağmen mükemmel değildi. Mucidin ani ölümü onun yarıda kalmasına yol açtı: Elleri yerine uzun, keskin metal parçaları vardı. Edward, merhametli bir Avon hanımefendisinin, onu ailesiyle beraber yaşamak üzere evine götürene kadar karanlıkta yalnız yaşadı. Böylece Edward'ın Suburbia adlı pastek cennetteki fantastik maceraları başladı.
Neden izliyorsunuz?: Makas Eller'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Tim Burton'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
Makas Eller, 1990'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Makas Eller'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.7'teki Makas Eller, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Makas Eller, bu fantezi sıralamasında en üstte yer alıyor çünkü bir yönetmenin onu ticari bir kategoriden ziyade sanatsal bir çerçeve olarak ciddiye alması durumunda türün neler başardığını gösteriyor. Fark Makas Eller'in her sahnesinde görülüyor.
Makas Eller'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Tim Burton, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Johnny Depp, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Makas Eller'te en çok görülür.
Makas Eller'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Tim Burton'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Makas Eller, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Johnny Depp'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Makas Eller, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Johnny Depp'in performansının ve Tim Burton'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Harry Potter ve Sırlar Odası
Hogwarts Cadılık ve Büyücülük okulundaki ikinci yılına başlarken Harry Potter, ev cini Dobby tarafından okula dönmesinin kendisi için tehlikeli olacağı konusunda uyarılır. Bunun yanında Profesör Snape ondan halen hoşlanmamaktadır, Draco Malfoy da ondan hala nefret eder. Bu ortamda Harry en iyi arkadaşları Ron ve Hermione ile birlikte yeni bir okul yılına başlar. Ünlü yazar Gilderoy Lockhart da bu yıl Hogwarts'a katılmıştır. Ancak Hogwarts öğrencileri garip bir şekilde taşa dönüşmektedirler. Bunu kimin yaptığıysa gizemini korumaktadır.
Neden izliyorsunuz?: Harry Potter ve Sırlar Odası, önermelerinin önerdiğinden daha iyi filmler kategorisine giriyor. Chris Columbus, talep ettiği ilgiyi ödüllendiren malzemeye zanaat ve niyet katıyor.
Harry Potter ve Sırlar Odası için 2002 bağlamı önemlidir. Bu, orijinal fikirlere sahip orta bütçeli filmlerin hala sinemalarda gösterime girdiği bir dönemdi; Harry Potter ve Sırlar Odası'in temsil ettiği türden bir filmler. Chris Columbus, bu alanı mevcut pazarın yeşil ışık yakmaya çalışacağı bir şey yapmak için kullandı. 7.7 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Harry Potter ve Sırlar Odası'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Harry Potter ve Sırlar Odası bundan faydalanıyor. Fantezi karakter sonuçlarına dayanır. Yönetmen bu türü, dünyanın farklı kurallar altında işlemesi durumunda insanların başına neler geleceğini keşfetmek için kullanıyor. Duygusal riskler gösteriden değil karakterden gelir. Harry Potter ve Sırlar Odası'i bu fantezi listesindeki diğer girişlerle birlikte izlemek, türün en iyi çalışmasını ortalama çıktısından ayıran şeyin ne olduğunu ortaya koyuyor. Chris Columbus burada çoğu fantezi filminin kaçındığı seçimler yaptı çünkü bu seçimler izleyicinin güvenini gerektiriyor.
Harry Potter ve Sırlar Odası'teki performanslar, Chris Columbus'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Daniel Radcliffe, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Harry Potter ve Sırlar Odası'te en zor anlar, Daniel Radcliffe'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Harry Potter ve Sırlar Odası, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.7 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Harry Potter ve Sırlar Odası'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Chris Columbus ve Daniel Radcliffe işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Harry Potter ve Sırlar Odası'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.7 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Harry Potter ve Sırlar Odası'e yüksek puan verme kararları, Chris Columbus'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Harry Potter ve Sırlar Odası genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Düğün Çiçeği
Büyükbaba, yatağın ucunda torununa, babadan oğula geçen bir masalı anlatmaktadır. O anlatmaya devam ettikçe masal canlanmaya başlar. Prens Humperdinck, güzel prenses Buttercup ile evlenmek istemektedir. Ancak prensesin bu kötü kalpli prenste gönlü yoktur. Bunun üzerine Buttercup kaçırılır. Onu kurtacak kişi çocukluğunda prensese aşık, şimdi ise aranan bir korsan olan Westley'dir. Westley prensesin izinden giderken kötü kalpli şövalyeler, devler ve süper güçlere sahip yaratıklarla savaşmak zorunda kalacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Sadece bir tane olarak pazarlanmak yerine gerçekten komik bir filmler. Düğün Çiçeği'teki mizah düzenden değil karakterden geliyor.
Düğün Çiçeği (1987), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Düğün Çiçeği, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.7 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Düğün Çiçeği de bir istisna değildir. Filmin komedi gibi çalışmasını sağlayan şey, yönetmenin mizahın nerede olduğunu belirtmeyi reddetmesidir. Şakalar karakter ve durumdan kaynaklanıyor; bu da, dikkat eden izleyicilerin, gülmeleri gerektiğinin söylenmesini bekleyen izleyicilerden daha fazlasını bulduğu anlamına geliyor. fantezi türünde Düğün Çiçeği özel bir konuma sahiptir: Bir yönetmenin tür geleneklerini bir plan yerine bir başlangıç noktası olarak kullanması durumunda nelerin mümkün olduğunu gösterir. En iyi fantezi filmleri türün yapabileceklerini genişletir.
Düğün Çiçeği'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Rob Reiner, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Düğün Çiçeği karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Düğün Çiçeği'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Düğün Çiçeği'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Düğün Çiçeği'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Düğün Çiçeği'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Rob Reiner'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Cary Elwes'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Düğün Çiçeği, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Düğün Çiçeği, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Rob Reiner'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Düğün Çiçeği'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Ejderhanı Nasıl Eğitirsin 2
Berk Adası'nda ejderha ve vikinglerin birleşmesinin üstünden beş yıl geçmiştir ve adada tam bir barış ve huzur atmosferi hakimdir. Astrid ve ekibi artık boş zamanlarını adanın yeni gözde oyunu olan ejderha yarışlarıyla geçirmekte ve kahramanlar yeni keşif gezilerine adım atmaktadırlar. Bu yolculuklardan birinde çok eski zamanlardan kalma buzdan gizli bir mağara keşfederler ve mağaranın içinde yaşayan yüzlerce vahşi ejderhayı böylece uyandırmış olurlar. Gizemli Dragon Rider'ın da büyük bir tehlike yarattığı bir savaş başladığında, iki kahramanımız Hiccup ve Toothless'a düşen barışı koruyup inandıkları şeyi savunmaları olur.
Neden izliyorsunuz?: Ejderhanı Nasıl Eğitirsin 2, aksiyon sinemasının temel sorununu çözüyor: aksiyonu size göstermeden önce ilgilenmenizi sağlamak. Sekanslar iniş yapıyor çünkü önceki sahneler neden önemli olduklarını ortaya koyuyor.
2014'te üretilen Ejderhanı Nasıl Eğitirsin 2, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 7.7 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin 2'in 7.7 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Dean DeBlois, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Aksiyon sineması, mekansal mantık çöktüğünde ve sekanslar soyut bir gösteriye dönüştüğünde başarısız olur. Bu filmler bu başarısızlığı önlüyor. Yönetmen storyboard'ları sadece etki için değil, anlaşılması için de hazırlıyor. Seyirci her anın risklerini her zaman anlar. fantezi türü yüzlerce filmler üretti. 7.7 ve üzerinde sıralananlar, yönetmenin türün izleyiciyle yapılan bir sözleşme olduğunu, neyin ifade edilebileceğine dair bir kısıtlama olmadığını anladığı filmlerdir.
Ejderhanı Nasıl Eğitirsin 2'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Dean DeBlois, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin 2'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Jay Baruchel, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Ejderhanı Nasıl Eğitirsin 2, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.7 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Ejderhanı Nasıl Eğitirsin 2'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Dean DeBlois ve Jay Baruchel işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Ejderhanı Nasıl Eğitirsin 2 bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Dean DeBlois, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.7 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Dean DeBlois'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Ejderhanı Nasıl Eğitirsin 2'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Bu fantezi Filmlerini Nasıl Sıraladık?
Bu sayfadaki her film, Film Veritabanı API'sinden alınan veriler kullanılarak seçilmiştir ve kalite tutarlılığını sağlamak amacıyla minimum oy eşiklerine göre filtrelenmiştir. Süreç, bu kategorideki tüm filmlerin oy ortalamasına göre azalan sırada sıralanmasıyla başlar, ardından gereken sayıdan daha az oy alan filmleri hariç tutacak şekilde filtrelenir.
Bu daha büyük listedeki her girişin doğruluğu manuel olarak doğrulandı. Yüksek derecelendirme, otomatik olarak izlenebilirlik anlamına gelmez. Son haberler nedeniyle trend olan bir film, gerçekten iyi olduğu için trend olan bir filmle aynı değildir. Her girişteki editoryal analiz, kültürel gürültüden ziyade gerçek film kalitesini yansıtıyor.
Seçim, erişilebilirlik ve derinlik arasında bir denge sağlar. Buradaki filmler, çağdaş gösterimlerden yeniden keşfedilmeyi hak eden katalog başlıklarına kadar çeşitlilik göstermektedir. Hepsi ustalık ve niyetle yapıldı. Tüm ödül görüntüleme.
Türe Göre En İyi fantezi Filmleri
Bu sayfadaki 50 filmleri birden fazla türü ve alt türü kapsar. Tür bir filtre olarak kullanışlıdır ancak kesin bir kategori olarak kullanışlı değildir. Drama etiketli bir film, Gerilim etiketli bir film kadar merak uyandırıcı olabilir. Aksiyon etiketli bir film, Drama etiketli bir film kadar duygusal açıdan zeki olabilir. Türü resmin tamamı olarak değil, başlangıç noktası olarak kullanın.
Her filmdeki tür etiketleri, filmin kategorik olarak nerede bulunduğunu gösterir. fantezi'te en çok ilginizi çeken türleri bulmak için filtreleri kullanın.
Derecelendirmeye Göre En İyi fantezi Filmleri
Bu sayfadaki filmler üç derecelendirme aşamasına ayrılmıştır. 8,5'in üzerindeki filmler her açıdan olağanüstüdür ve bu kategorideki en iyi sinemayı temsil eder. 7,5'ten 8,4'e kadar olan filmler tutarlı bir işçilik gösterir ve güvenilir bir şekilde güçlüdür. 7.0'dan 7.4'e kadar olan filmler, biraz daha geniş bir kalite aralığını temsil etseler de hala mükemmel ve izlenmeye değerdir.
TMDB'de 8,0 puan, istatistiksel olarak güvenilir olması için yeterince geniş bir seçmen tabanını gerektirir. Zaman içinde test edilen gerçek izleyici beğenisini yansıtır.
Runtime'a göre En İyi fantezi Filmleri
Çalışma zamanı, ne izleneceğini seçerken en kullanışlı ve en az kullanılan filtrelerden biridir. 90 dakikanın altındaki filmler, kusursuz deneyimler sunar. 90 ila 120 dakika arasındaki filmler çoğu izleme durumu için en uygun uzunluktur. 120 dakikanın üzerindeki filmler bağlılık gerektirir ancak ödüllendirir.
Beklenenden çok daha uzun süren bir şeye gece geç saatlerde başlamak yerine, doğru filmi bulmak için mevcut zamanınızı kullanın.
Bulunmaya Değer Gizli Mücevherler
Her fantezi seçkisi, en üst görünürlük sıralamasının altında yer alan ancak olağanüstü bir şey sunan filmleri içerir. Bunlar, franchise'ın tanınmaması veya yakın zamanda basında yer almaması nedeniyle algoritmanın hafife aldığı filmlerdir. Belirsiz oldukları için gizli değiller. Platformlar en gürültülü seçenekleri ilk önce ortaya çıkardığı için gizlenirler.
Explore Fantasy From Different Eras
The fantasy genre spans decades. Below are ways to explore fantasy through time and across other filters.
Sıkça Sorulan Sorular
Tüm zamanların en iyi fantezi filmleri nelerdir?
En iyi fantezi filmleri bu sayfada tam olarak sıralanmış ve listelenmiştir. Bu liste, tutarlılığı sağlamak için fantezi türündeki filmler filtrelenerek, Film Veritabanından kritik derecelendirmelere ve seçmen sayısına göre sıralanarak oluşturulmuştur.
En yüksek puan alan fantezi filmi hangisi?
En yüksek puan alan fantezi filmleri bu sayfanın derecelendirme kademesi bölümünde listelenir. 8,5 ve üzeri filmler, fantezi kategorisinde olağanüstü çalışmaları temsil eder ve her türdeki herhangi bir film kadar başarılıdır.
Şu anda yayındaki en iyi fantezi filmleri hangileri?
Mevcut kullanılabilirlik için JustWatch'u veya platformunuzun arama işlevini kontrol edin. Bu listedeki filmler, mevcut platform dağıtımından bağımsız olarak fantezi kategorisindeki en iyi çalışmaları temsil etmektedir.
1990'ların en iyi fantezi filmleri hangileri?
1990'lar fantezi'in en iyi çalışmalarından bazılarını üretti. Bu sayfanın on yıllık bölümlerine göz atın ve özellikle fantezi tür etiketlerine sahip 1990'lardaki filmlere bakın.
2000'li yılların en iyi fantezi filmleri nelerdir?
2000'li yıllar fantezi'in nasıl üretildiği konusunda önemli gelişmelere tanık oldu. Bu listede yer alan bu on yılın filmleri, türün tarihindeki belirli bir yaratıcı anı temsil ediyor.
Bir fantezi filmini harika yapan şey nedir?
Bu sayfadaki filmler, fantezi'in yapmaya çalıştığı şeyin özünü anladıkları ve bunu ustalık ve niyetle hayata geçirdikleri için seçildi. Harika fantezi sineması, kısayollar veya formüller yerine gerçek bir şeyler inşa ederek çalışır.
Bilmem gereken küçümsenen fantezi filmleri var mı?
Bu sayfadaki Gizli Mücevher bölümü, 6,5 ile 7,4 arasında puan alan fantezi filmlerini tanımlar. Bunlar, mevcut görünürlüklerinin sağladığından daha fazla ilgiyi hak eden filmlerdir.
Herkes en az bir kez hangi fantezi filmlerini izlemeli?
Bu sayfadaki 8.0 ve üzeri puan alan herhangi bir filmle başlayın. Bunlar, fantezi sinemasının en iyi şekilde neler yapabileceğine dair en güçlü fikir birliğini temsil ediyor.
fantezi sineması zaman içinde nasıl değişti?
Bu sayfada farklı yıllardaki filmleri karşılaştırdığınızda türün nasıl geliştiğini göreceksiniz. fantezi sinemasında şu anda işe yarayan şey, 1970'lerde işe yarayandan, 1990'larda işe yarayandan farklı.
Genelde fantezi'i beğenmiyorsam en iyi fantezi filmleri hangileridir?
fantezi bölümünden 8,5 ve üzeri puan alan filmlerle başlayın. Bunlar, türü aşan ve tipik tercihleri ne olursa olsun izleyicilerin işine yarayan filmlerdir.
ABD dışından izlemem gereken fantezi filmleri var mı?
Evet. Bu listedeki uluslararası fantezi filmleri, dünya çapındaki en iyi fantezi sinemasının neye benzediğini temsil ediyor. Dünya sineması genellikle türe Hollywood'dan farklı yaklaşıyor.
Son zamanların en iyi fantezi filmleri hangileri?
Bu listede yer alan son 5 ila 10 yılın filmleri, türün şu anda nasıl göründüğünü gösteriyor. Bunlar fantezi'in nasıl yapılması gerektiğine dair en son düşünceleri temsil ediyor.
Mükemmel fantezi ile iyi fantezi arasındaki fark nedir?
Büyük fantezi niyetle bir şeyler yapar. Bir şey söylemek veya başka yollarla yaratılamayacak bir şey yaratmak için türü kullanır. İyi fantezi türün ritimlerini yakalıyor. Harika fantezi bunları aşıyor.
fantezi filmlerini belirli bir sırayla mı izlemeliyim?
Hayır. En çok hangi yönetmenlerin veya dönemlerin ilginizi çektiğine bağlı olarak bu listede herhangi bir yerden başlayabilirsiniz. Filmler birbirine bağımlı değildir. İlk önce ilginizi çekeni izleyin.
Neden bazı ünlü fantezi filmleri bu listede yok?
Bu liste, Film Veritabanı derecelendirmeleri ve seçmen sayıları birincil kriter olarak kullanılarak oluşturulmuştur. Çok ünlü bir fantezi filmi dahil edilmezse, muhtemelen istatistiksel olarak güvenilir olmak için gereken minimum oy eşiğini karşılamamıştır. Bu, listenin kültürel hafızadan ziyade gerçek izleyici beğenisini yansıtmasını sağlar.