Metropolis
In a futuristic city sharply divided between the rich and the poor, the son of the city's mastermind meets a prophet who predicts the coming of a savior to mediate their differences.
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। Metropolis ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
Metropolis (1927) इंटरनेट द्वारा हर फिल्म को तुरंत हर जगह उपलब्ध कराने से पहले आया था। दर्शकों तक पहुँचने के लिए वास्तविक मौखिक प्रचार की आवश्यकता होती है, और Metropolis ने उस मौखिक प्रचार का निर्माण किया क्योंकि इसने कुछ वास्तविक प्रस्तुत किया। 8.1 रेटिंग एक साथ सुसंगत स्तरों पर निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन को दर्शाती है। इस श्रेणी में स्कोर करने वाली फिल्में शायद ही किसी एक आयाम में महत्वपूर्ण रूप से असफल होती हैं, और Metropolis कोई अपवाद नहीं है। निर्देशक इतने धैर्य से काम करता है कि अधिकांश समकालीन नाटक वहन नहीं कर सकते। दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे चलने की अनुमति दी जाती है, ताकि वे जो कहने आए थे उसे कहने के बाद पात्र क्या करते हैं, उसमें सच्चाई का पता लगाया जा सके। कलाकार इस लय को समझते हैं। german सिनेमा के रूप में, Metropolis विशिष्ट दृश्य और कथात्मक संवेदनशीलता रखता है जो राष्ट्रीय सिनेमा को अंतरराष्ट्रीय समकक्षों से अलग करता है। गति, चरित्र और कहानी संरचना का दृष्टिकोण सांस्कृतिक संदर्भ को दर्शाता है जो देखने के अनुभव को समृद्ध करता है।
Metropolis की दृश्य भाषा 1927 के फिल्म निर्माण को सबसे अधिक प्रतिबिंबित करती है। Fritz Lang ने तकनीकी बाधाओं के भीतर काम किया, जिसके लिए भावनात्मक भार वहन करने के लिए संरचना और प्रकाश व्यवस्था की आवश्यकता होती है, जिसे आधुनिक प्रस्तुतियां पोस्ट-प्रोडक्शन के लिए लोड करती हैं। Metropolis में प्रत्येक फ़्रेम को समायोजित करने के बजाय डिज़ाइन किया गया था। परिणाम एक दृश्य सुसंगतता है जिसे समकालीन फिल्में, अपने असीमित पोस्ट-प्रोडक्शन विकल्पों के साथ, शायद ही कभी हासिल कर पाती हैं। Metropolis को इस बात पर ध्यान देने के साथ देखने पर कि शॉट्स की रचना कैसे की जाती है, एक फिल्म निर्माता को पता चलता है जो समझता है कि कैमरा सिर्फ कुछ रिकॉर्ड नहीं कर रहा है, वह इसे देखने के तरीके के बारे में बहस कर रहा है।
Metropolis के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Metropolis को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Metropolis दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Fritz Lang के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Gustav Fröhlich के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची के शीर्ष दस में Metropolis की रैंकिंग के लिए किसी विशेष तर्क की आवश्यकता नहीं है। यह तर्क है कि मतदाता आधार से 8.1 रेटिंग इतनी बड़ी है कि यह सांख्यिकीय रूप से सार्थक है। किसी भी गंभीर सूची में शीर्ष दस में फिल्में उस स्थान पर रहती हैं क्योंकि वे लगातार दर्शकों की व्यापक रेंज तक पहुंचती हैं, और Metropolis ने ऐसा हर जनसांख्यिकीय वर्ग के लिए किया है जिसने इसका सामना किया है। Fritz Lang का काम यहां उस स्तर पर चल रहा है जहां व्यक्तिगत दृश्य की गुणवत्ता कुछ ऐसी चीज़ में बदल जाती है जो पूरी फिल्म के स्तर पर बनी रहती है, जो सुनने में दुर्लभ है।
Das Boot
A German submarine hunts allied ships during the Second World War, but it soon becomes the hunted. The crew tries to survive below the surface, while stretching both the boat and themselves to their limits.
क्यों देखें?: Das Boot इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
1981 में रिलीज़, Das Boot उस युग में बनाई गई थी जब नाटकीय प्रदर्शन यह निर्धारित करते थे कि कोई फिल्म जीवित रहेगी या नहीं। Wolfgang Petersen ने कुछ ऐसा बनाया जो जीवित रहा, और आज की 8.1 रेटिंग उस टिके रहने की शक्ति का प्रमाण है। Das Boot के लिए 8.1 स्कोर इसे उन फिल्मों में रखता है जो महत्वपूर्ण कमजोरियों के बिना अपने आधार पर काम करती हैं। Wolfgang Petersen ने कुछ ऐसा बनाया जो पूरी तरह से उद्देश्य के अनुसार काम करता है, जो सुनने में जितना आम लगता है उससे कम है। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। Das Boot उसका प्रतिनिधि है जो german सिनेमा विशिष्ट रूप से करता है। इस फिल्म में बनाई गई कहानी कहने की धारणाएं पश्चिमी सिनेमा से इस मायने में भिन्न हैं कि जैसे ही आप उन पर ध्यान देना शुरू करते हैं, वे दिखाई देने लगती हैं। वह अंतर विशेष रूप से german फिल्में देखने का मूल्य है।
Das Boot की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Wolfgang Petersen ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Jürgen Prochnow ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Das Boot में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Das Boot उन शामों के लिए उपयुक्त है जब आप किसी ऐसी चीज़ के बजाय वास्तविक सामग्री के साथ कुछ देखना चाहते हैं जो केवल समय भरती हो। यह एक पृष्ठभूमि फिल्म नहीं है और यह एक निष्क्रिय अनुभव नहीं है। Wolfgang Petersen ने कुछ ऐसा बनाया है जो आपका ध्यान आकर्षित करता है और इसे सामान्य के बजाय विशेष रूप से पुरस्कृत करता है। जो दर्शक अन्य काम करते हुए Das Boot देखते हैं, उन्हें फिल्म का एक ऐसा संस्करण मिलेगा जो उस व्यक्ति के लिए उपलब्ध संस्करण से काफी कम है जो इस पर अपना पूरा ध्यान देता है। 8.1 रेटिंग पूरे ध्यान से देखने के अनुभव को दर्शाती है। कास्ट - Jürgen Prochnow विशेष रूप से - प्रदर्शन विवरण प्रदान करता है जो केंद्रित देखने में दर्ज होता है और विचलित देखने में गायब हो जाता है।
इस सूची में Das Boot की शीर्ष दस स्थिति कुछ ऐसी चीज़ को दर्शाती है जिसे बनाना कठिन है: निरंतर उत्कृष्टता जिसे नए दर्शक खोजते रहते हैं और उच्च रेटिंग देते हैं। अधिकांश फिल्में अपने शुरुआती दर्शकों के बाद गति खो देती हैं। Das Boot नहीं है. जो दर्शक रिलीज़ के वर्षों या दशकों बाद इसका सामना करते हैं, वे इसे शुरुआती दर्शकों की तरह ही उच्च रेटिंग देते हैं। Wolfgang Petersen ने कुछ ऐसा बनाया जो उस सांस्कृतिक क्षण से स्वतंत्र रूप से काम करता है जहां से यह आया है, जो स्थायी गुणवत्ता की परिभाषा है। Jürgen Prochnow का प्रदर्शन उस स्थायित्व का हिस्सा है - इसे पीरियड एक्टिंग के रूप में नहीं पढ़ा जाता है।
M - Eine Stadt sucht einen Mörder
In this classic German thriller, Hans Beckert, a serial killer who preys on children, becomes the focus of a massive Berlin police manhunt. Beckert's heinous crimes are so repellant and disruptive to city life that he is even targeted by others in the seedy underworld network. With both cops and criminals in pursuit, the murderer soon realizes that people are on his trail, sending him into a tense, panicked attempt to escape justice.
क्यों देखें?: M - Eine Stadt sucht einen Mörder के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
M - Eine Stadt sucht einen Mörder की तारीख 1931 से है, जिसका अर्थ है कि इसे दर्शकों की कई पीढ़ियों द्वारा परीक्षण किया गया है। तथ्य यह है कि M - Eine Stadt sucht einen Mörder अभी भी उच्च रैंक पर है, पुरानी यादों के बजाय वास्तविक शिल्प को दर्शाता है। 8.1 पर, M - Eine Stadt sucht einen Mörder उस श्रेणी में आता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने उच्च-रेटेड शीर्षकों की व्यापक सहमति हासिल नहीं की है। वह संकीर्ण आम सहमति अक्सर एक विशिष्ट अपील को दर्शाती है - M - Eine Stadt sucht einen Mörder हर किसी के लिए नहीं है, लेकिन सही दर्शक के लिए यह उत्कृष्ट है। यह थ्रिलर की श्रेणी में आता है जहां तनाव शारीरिक के बजाय मनोवैज्ञानिक होता है। निर्देशक को भरोसा है कि दर्शक स्पष्ट खतरा दिखाए बिना दबाव महसूस करेंगे। परिणाम पारंपरिक थ्रिलर यांत्रिकी की तुलना में अधिक परेशान करने वाला है। यह समझने के लिए कि M - Eine Stadt sucht einen Mörder सर्वश्रेष्ठ german फिल्मों की सूची में क्यों है, राष्ट्रीय सिनेमा के मूल्यों पर ध्यान देने की आवश्यकता है। Fritz Lang उन मूल्यों के भीतर और विरुद्ध उन तरीकों से काम करता है जो इस पृष्ठ पर अन्य german फिल्मों की तुलना में सबसे अधिक दिखाई देते हैं।
M - Eine Stadt sucht einen Mörder में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Fritz Lang ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Peter Lorre ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। M - Eine Stadt sucht einen Mörder में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Peter Lorre एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
M - Eine Stadt sucht einen Mörder उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.1 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक M - Eine Stadt sucht einen Mörder को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Fritz Lang और Peter Lorre कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
M - Eine Stadt sucht einen Mörder शीर्ष दस में शामिल है क्योंकि यह कुछ ऐसा करता है जिसे अधिकांश फिल्में करने का प्रयास करती हैं और कुछ ही इसे हासिल कर पाती हैं: यह पहली बार देखने पर उत्कृष्ट है और दोबारा देखने पर अतिरिक्त परतें दिखाता है। पहली बार आने वाले दर्शकों और वापस आने वाले दर्शकों को अलग-अलग अनुभव हो रहे हैं और दोनों अनुभव मजबूत हैं। Fritz Lang ने एक साथ कई स्तरों पर काम करके फिल्म में इस गहराई का निर्माण किया - सतही कहानी प्रदान करती है, और इसके नीचे शिल्प निर्णयों की एक परत होती है जो केवल तभी पूरी तरह से दिखाई देती है जब आप जानते हैं कि सब कुछ कहाँ जा रहा है। वह दो-स्तरीय संरचना ही M - Eine Stadt sucht einen Mörder को अगले स्तर के बजाय शीर्ष दस में रखती है।
Das Leben der Anderen
In 1984 East Berlin, dedicated Stasi officer Gerd Wiesler begins spying on a famous playwright and his actress-lover Christa-Maria. Wiesler becomes unexpectedly sympathetic to the couple, and faces conflicting loyalties when his superior takes a liking to Christa-Maria.
क्यों देखें?: Das Leben der Anderen ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
Das Leben der Anderen के लिए 2006 संदर्भ मायने रखता है। यह वह दौर था जब मूल विचारों वाली मध्य-बजट फिल्मों को अभी भी नाटकीय रिलीज मिलती थी - जिस तरह की फिल्म Das Leben der Anderen प्रतिनिधित्व करती है। Florian Henckel von Donnersmarck ने उस स्थान का उपयोग कुछ ऐसा बनाने के लिए किया जिसे मौजूदा बाज़ार हरी झंडी देने के लिए संघर्ष करेगा। 8.0 पर Das Leben der Anderen इस सूची के विश्वसनीय स्तर का प्रतिनिधित्व करता है। ये वो फिल्में हैं जो निराश नहीं करतीं. Florian Henckel von Donnersmarck ने समझा कि फिल्म को क्या चाहिए और बिना किसी समझौते के इसे निष्पादित किया। निर्देशक जो छिपाकर रखता है उसमें शिल्प सबसे ज्यादा झलकता है। सूचना रणनीतिक रूप से जारी की जाती है, प्रत्येक रहस्योद्घाटन जो पहले आया था उसे पुनः संदर्भित करता है। प्रदर्शनों को नियंत्रित प्रकटीकरण के अनुसार अंशांकित किया जाता है। Das Leben der Anderen इस तर्क में योगदान देता है कि german सिनेमा ने अंतर्राष्ट्रीय महत्व का काम किया है। वैश्विक दर्शकों से प्राप्त 8.0 रेटिंग इस बात की पुष्टि करती है कि फिल्म के गुण सांस्कृतिक रूप से विशिष्ट नहीं हैं - वे अनुवाद करते हैं।
Das Leben der Anderen की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Florian Henckel von Donnersmarck ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Das Leben der Anderen चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Das Leben der Anderen को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
पहली बार Das Leben der Anderen देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Florian Henckel von Donnersmarck दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। Das Leben der Anderen में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Martina Gedeck इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2006 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Florian Henckel von Donnersmarck का इरादा है।
मूवी डेटाबेस रेटिंग से निर्मित रैंक सूची में शीर्ष दस स्थान एक वास्तविक आलोचनात्मक सहमति का प्रतिनिधित्व करता है। यह कोई लोकप्रियता प्रतियोगिता नहीं है - उन फिल्मों के लिए मतदाता सीमा फ़िल्टर जिन्हें पर्याप्त लोगों ने देखा और मूल्यांकित किया है, जिससे व्यक्तिगत बाहरी राय औसत हो जाती है। इस स्थिति में Das Leben der Anderen का मतलब है कि विभिन्न देशों और अलग-अलग देखने की आदतों के विविध दर्शकों ने स्वतंत्र रूप से निष्कर्ष निकाला कि यह फिल्म उत्कृष्ट थी। Florian Henckel von Donnersmarck ने Das Leben der Anderen के साथ कुछ हासिल किया जो सांस्कृतिक विविधता के प्रति प्रतिरोधी है। यहां इस्तेमाल किया गया विशिष्ट कहानी कहने का दृष्टिकोण संदर्भों में अनुवाद करता है।
Das Cabinet des Dr. Caligari
Francis, a young man, recalls in his memory the horrible experiences he and his fiancée Jane recently went through. Francis and his friend Alan visit The Cabinet of Dr. Caligari, an exhibit where the mysterious doctor shows the somnambulist Cesare, and awakens him for some moments from his death-like sleep.
क्यों देखें?: एक थ्रिलर जो सटीकता के साथ तनाव पैदा करती है। Robert Wiene निर्मित झटकों के बजाय तर्क के माध्यम से गति बनाता है।
Das Cabinet des Dr. Caligari (1920) इंटरनेट द्वारा हर फिल्म को तुरंत हर जगह उपलब्ध कराने से पहले आया था। दर्शकों तक पहुँचने के लिए वास्तविक मौखिक प्रचार की आवश्यकता होती है, और Das Cabinet des Dr. Caligari ने उस मौखिक प्रचार का निर्माण किया क्योंकि इसने कुछ वास्तविक प्रस्तुत किया। एक बड़े मतदाता समूह से 7.9 रेटिंग का मतलब है कि फिल्म में वास्तविक ताकतें हैं जो दर्शकों द्वारा पाई गई सभी कमजोरियों पर भारी पड़ती हैं। Das Cabinet des Dr. Caligari अपने केंद्रीय वादे को पूरा करता है, जो कि न्यूनतम मानक है जिसे किसी भी फिल्म को पूरा करना चाहिए और रिलीज की संख्या की तुलना में कम उपलब्धि हासिल होती है। निर्देशक सूचना विषमता के इर्द-गिर्द फिल्म का निर्माण करता है: दर्शक पात्रों से अधिक या कम जानते हैं, और फिल्म दोनों स्थितियों को सटीकता के साथ नियंत्रित करती है। कलाकार तीव्रता के बजाय संयम के माध्यम से तनाव को दूर करते हैं। german सिनेमा का कहानी संरचना, चरित्र की आंतरिकता और दृश्य भाषा के साथ एक विशिष्ट संबंध है। Das Cabinet des Dr. Caligari उन भेदों को स्पष्ट रूप से प्रदर्शित करता है। german सिनेमा में नए दर्शकों को यह फिल्म एक उपयोगी अभिविन्यास बिंदु लगेगी।
Das Cabinet des Dr. Caligari का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Robert Wiene समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Das Cabinet des Dr. Caligari में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Werner Krauss इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
जिन दर्शकों ने Das Cabinet des Dr. Caligari से प्रभावित फिल्में देखी हैं, उन्हें मूल फिल्म देखने का अनुभव किसी समकालीन फिल्म को देखने से अलग अनुभव होगा। जो तकनीकें परिचित लगती हैं क्योंकि उन्हें बड़े पैमाने पर कॉपी किया गया है, वे यहां अपने मूल रूप में दिखाई देती हैं, जिससे अक्सर पता चलता है कि प्रतियां Robert Wiene ने जो किया उसके पीछे के तर्क को समझे बिना सतह को समझ लिया। Das Cabinet des Dr. Caligari विशिष्ट कहानी कहने के लक्ष्यों की सेवा में अपने शैलीगत विकल्पों का उपयोग करता है। बाद की फिल्मों ने उन विकल्पों को उधार लिया और अक्सर उन्हें फ़ंक्शन के बिना शैली के रूप में उपयोग किया। मूल को देखने से स्पष्ट होता है कि वास्तव में क्या पूरा किया जा रहा था। यहां Werner Krauss के काम में एक विशिष्टता भी है कि इससे प्रेरित कई प्रदर्शनों में कमी है - नकल ने उस आंतरिकता के बिना तरीके को पकड़ लिया जिसने तरीके को कुछ अर्थपूर्ण बना दिया।
Das Cabinet des Dr. Caligari की शीर्ष दस स्थिति सबसे सार्थक है जब आप इस बात पर विचार करते हैं कि इसने किसके साथ प्रतिस्पर्धा की। इस विधा और युग के लिए कैटलॉग में प्रत्येक फिल्म का मूल्यांकन किया गया था, और Das Cabinet des Dr. Caligari को यहां स्थान दिया गया क्योंकि रेटिंग गुणवत्ता और मतदाता मात्रा के संयोजन ने इसे चयन में बाकी सभी चीजों से ऊपर रखा। Robert Wiene ने Das Cabinet des Dr. Caligari में ऐसे विकल्प चुने जो इसे उसी श्रेणी के विकल्पों से अलग करते हैं - ऐसे विकल्प जो अच्छी फिल्में भी हैं। शीर्ष दस और शीर्ष बीस के बीच का अंतर निरपेक्ष रेटिंग के संदर्भ में जितना दिखता है उससे कम है, लेकिन दर्शक वास्तव में जो अनुभव प्रदान करता है उसके संदर्भ में महत्वपूर्ण है।
Der Untergang
In April of 1945, Germany stands at the brink of defeat with the Russian Army closing in from the east and the Allied Expeditionary Force attacking from the west. In Berlin, capital of the Third Reich, Adolf Hitler proclaims that Germany will still achieve victory and orders his generals and advisers to fight to the last man. When the end finally does come, and Hitler lies dead by his own hand, what is left of his military must find a way to end the killing that is the Battle of Berlin, and lay down their arms in surrender.
क्यों देखें?: Der Untergang वह नाटक है जो मौन पर भरोसा करता है। Oliver Hirschbiegel दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे बढ़ने के लिए जगह देता है, जब पात्र प्रदर्शन करना बंद कर देते हैं तो वे क्या करते हैं, इसमें कुछ सच्चाई ढूंढती है।
2004 में रिलीज़, Der Untergang सिनेमा में एक संक्रमणकालीन अवधि से आता है - स्ट्रीमिंग से वितरण बदलने से पहले लेकिन डिजिटल उपकरणों के बाद उत्पादन बदल गया। Der Untergang में दिखाई देने वाली शिल्प कौशल नाटकीय युग के मानकों को दर्शाती है। Der Untergang के लिए 7.9 स्कोर उन दर्शकों से बनाया गया है जिनके पास विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। यह विकल्प एक ऐसी फिल्म को दर्शाता है जिसने स्पष्ट रूप से अपना पक्ष रखा - जो कि Der Untergang बिल्कुल यही करता है। Oliver Hirschbiegel ने तर्क दिया और दर्शकों ने इसे स्वीकार कर लिया। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। अंतर्राष्ट्रीय दर्शकों से Der Untergang के लिए 7.9 रेटिंग यहां महत्वपूर्ण तथ्य है। german सांस्कृतिक संदर्भ में निहित एक फिल्म, उस संदर्भ के बाहर के लोगों द्वारा इसे उच्च रेटिंग दी गई है, इसका मतलब है कि फिल्म के गुण सांस्कृतिक साक्षरता पर निर्भर नहीं हैं।
Der Untergang में सिनेमैटोग्राफी फिल्म प्रौद्योगिकी में एक संक्रमणकालीन अवधि को दर्शाती है, जब डिजिटल उपकरण उपलब्ध थे लेकिन फिल्म निर्माता अभी भी इस बात पर बहस कर रहे थे कि उनका उपयोग किया जाए या नहीं। Oliver Hirschbiegel ने दृश्य शैली के बारे में ऐसे विकल्प चुने जो डिफ़ॉल्ट के बजाय जानबूझकर थे। Der Untergang को जिस तरह से जलाया जाता है, फ्रेम किया जाता है और काटा जाता है, वह उद्योग सम्मेलन के बजाय एक विशिष्ट दृश्य बुद्धिमत्ता को दर्शाता है। Bruno Ganz उस दृश्य ढांचे के भीतर उन तरीकों से काम करता है जो सबसे अधिक तब दिखाई देते हैं जब आप फिल्म देखते हैं, इस बात पर ध्यान देते हैं कि वे क्या कर रहे हैं इसके बजाय उन्हें फ्रेम में कैसे रखा गया है।
Der Untergang उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 7.9 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Der Untergang को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Oliver Hirschbiegel और Bruno Ganz कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
Der Untergang सांस्कृतिक प्रतिष्ठा के माध्यम से नहीं बल्कि जब दर्शक बैठकर इसे देखते हैं तो क्या होता है, इसके माध्यम से शीर्ष दस में स्थान अर्जित करता है। 7.9 रेटिंग स्वतंत्र दृश्यों के एक बड़े नमूने में उस अनुभव को कैप्चर करती है। इस तरह की सूची में शीर्ष दस की स्थिति तक पहुंचने वाली फिल्मों का परीक्षण उन दर्शकों द्वारा किया गया है जिनके पास विकल्पों तक पूरी पहुंच थी और उन्होंने इसे अपने अनुभव के शीर्ष पर रेटिंग देने का फैसला किया। Oliver Hirschbiegel और Bruno Ganz ने कुछ ऐसा बनाया है जो लगातार उस उम्मीद पर खरा उतरता है, यही कारण है कि लगातार नए दर्शकों द्वारा नए मानक लाने के बावजूद रेटिंग कायम है।
Dem Horizont so nah
Jessica knows exactly what her life is supposed to look like and where it takes her. But then she meets Danny. He has a complicated past and could confuse all their plans. Jessica has to decide.
क्यों देखें?: जो चीज़ Dem Horizont so nah को नाटक के रूप में काम करती है, वह है Tim Trachte द्वारा यह समझाने से इनकार करना कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। भावनात्मक रजिस्टर बनाया जाता है, संकेत नहीं दिया जाता।
Dem Horizont so nah (2019) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Tim Trachte ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 7.8 पर Dem Horizont so nah एक ऐसी फिल्म है जहां शिल्प कई आयामों में लगातार औसत से ऊपर है। कोई भी एक तत्व दूसरे को वहन नहीं करता। निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन सभी एक ही दिशा में खींच रहे हैं। फिल्म दर्शाती है कि नाटक वह क्या कर सकता है जो अन्य शैलियाँ नहीं कर सकतीं: सामान्य मानव व्यवहार को दबाव में रखना और प्रतिक्रिया के माध्यम से चरित्र को प्रकट करना। निर्देशक उन परिस्थितियों का निर्माण करता है और कलाकार उन्हें वास्तविक विश्वास के साथ निभाते हैं। Dem Horizont so nah में Tim Trachte की पसंद german फिल्म निर्माण परंपराओं द्वारा आकार ली गई है जिनका अपना इतिहास और तर्क है। वे परंपराएँ हॉलीवुड मॉडल की तुलना में भिन्न परिणाम उत्पन्न करती हैं। अंतर को समझना german सिनेमा की पेशकश का हिस्सा है।
Dem Horizont so nah की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Tim Trachte ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Luna Wedler ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Dem Horizont so nah में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Dem Horizont so nah के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Dem Horizont so nah को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Dem Horizont so nah दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Tim Trachte के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Luna Wedler के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची के शीर्ष दस में Dem Horizont so nah की रैंकिंग के लिए किसी विशेष तर्क की आवश्यकता नहीं है। यह तर्क है कि मतदाता आधार से 7.8 रेटिंग इतनी बड़ी है कि यह सांख्यिकीय रूप से सार्थक है। किसी भी गंभीर सूची में शीर्ष दस में फिल्में उस स्थान पर रहती हैं क्योंकि वे लगातार दर्शकों की व्यापक रेंज तक पहुंचती हैं, और Dem Horizont so nah ने ऐसा हर जनसांख्यिकीय वर्ग के लिए किया है जिसने इसका सामना किया है। Tim Trachte का काम यहां उस स्तर पर चल रहा है जहां व्यक्तिगत दृश्य की गुणवत्ता कुछ ऐसी चीज़ में बदल जाती है जो पूरी फिल्म के स्तर पर बनी रहती है, जो सुनने में दुर्लभ है।
Der Himmel über Berlin
Two angels, Damiel and Cassiel, glide through the streets of Berlin, observing the bustling population, providing invisible rays of hope to the distressed but never interacting with them. When Damiel falls in love with lonely trapeze artist Marion, the angel longs to experience life in the physical world, and finds — with some words of wisdom from actor Peter Falk — that it might be possible for him to take human form.
क्यों देखें?: Wim Wenders Der Himmel über Berlin को उस धैर्य के साथ पेश करता है जिसकी अच्छे नाटक को आवश्यकता होती है और जो शायद ही कभी मिलता है। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जो अपने भावनात्मक क्षणों को शेड्यूल करने के बजाय अर्जित करती है।
Der Himmel über Berlin की 1987 रिलीज पूरी तरह से स्ट्रीमिंग युग से पहले की है। Der Himmel über Berlin रेटिंग देने वाले प्रत्येक दर्शक ने जानबूझकर प्रयास के माध्यम से इसे खोजा - नाटकीय स्क्रीनिंग, भौतिक मीडिया, या अनुशंसा। Der Himmel über Berlin के लिए वह ऑडियंस सहभागिता के लिए स्व-चयन कर रही है। 7.8 रेंज की फिल्में अक्सर सूची में उनकी स्थिति से अधिक दिलचस्प होती हैं। उन्होंने उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है, जिसका अर्थ है कि Der Himmel über Berlin को पूर्व धारणाओं के बिना प्राप्त करना आसान है। Der Himmel über Berlin को उससे लाभ होता है। इसे नाटक के रूप में जो अलग करता है वह यह है कि निर्देशक ने यह बताने से इंकार कर दिया कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। फिल्म भावनात्मक भार वाली स्थितियाँ बनाती है और फिर दर्शकों पर भरोसा करती है कि वे स्वयं उस भार को वहन करेंगे। प्रदर्शन अति-संकेतन के बिना भावनात्मक रजिस्टर प्रदान करते हैं। Der Himmel über Berlin, german सिनेमा के किसी भी गंभीर खाते से संबंधित है क्योंकि यह दर्शाता है कि राष्ट्रीय सिनेमा अपने सर्वोत्तम स्तर पर क्या हासिल करता है। यहां दिखाई देने वाली विशिष्ट चिंताएं और दृष्टिकोण ही german फिल्मों के अंतर्राष्ट्रीय दर्शक वर्ग का कारण हैं।
Der Himmel über Berlin में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Wim Wenders ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Bruno Ganz ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Der Himmel über Berlin में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Bruno Ganz एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Der Himmel über Berlin उन शामों के लिए उपयुक्त है जब आप किसी ऐसी चीज़ के बजाय वास्तविक सामग्री के साथ कुछ देखना चाहते हैं जो केवल समय भरती हो। यह एक पृष्ठभूमि फिल्म नहीं है और यह एक निष्क्रिय अनुभव नहीं है। Wim Wenders ने कुछ ऐसा बनाया है जो आपका ध्यान आकर्षित करता है और इसे सामान्य के बजाय विशेष रूप से पुरस्कृत करता है। जो दर्शक अन्य काम करते हुए Der Himmel über Berlin देखते हैं, उन्हें फिल्म का एक ऐसा संस्करण मिलेगा जो उस व्यक्ति के लिए उपलब्ध संस्करण से काफी कम है जो इस पर अपना पूरा ध्यान देता है। 7.8 रेटिंग पूरे ध्यान से देखने के अनुभव को दर्शाती है। कास्ट - Bruno Ganz विशेष रूप से - प्रदर्शन विवरण प्रदान करता है जो केंद्रित देखने में दर्ज होता है और विचलित देखने में गायब हो जाता है।
इस सूची में Der Himmel über Berlin की शीर्ष दस स्थिति कुछ ऐसी चीज़ को दर्शाती है जिसे बनाना कठिन है: निरंतर उत्कृष्टता जिसे नए दर्शक खोजते रहते हैं और उच्च रेटिंग देते हैं। अधिकांश फिल्में अपने शुरुआती दर्शकों के बाद गति खो देती हैं। Der Himmel über Berlin नहीं है. जो दर्शक रिलीज़ के वर्षों या दशकों बाद इसका सामना करते हैं, वे इसे शुरुआती दर्शकों की तरह ही उच्च रेटिंग देते हैं। Wim Wenders ने कुछ ऐसा बनाया जो उस सांस्कृतिक क्षण से स्वतंत्र रूप से काम करता है जहां से यह आया है, जो स्थायी गुणवत्ता की परिभाषा है। Bruno Ganz का प्रदर्शन उस स्थायित्व का हिस्सा है - इसे पीरियड एक्टिंग के रूप में नहीं पढ़ा जाता है।
Werk ohne Autor
German artist Kurt Barnert has escaped East Germany and now lives in West Germany, but is tormented by his childhood under the Nazis and the GDR regime.
क्यों देखें?: उस तरह का ड्रामा जो क्रेडिट के बाद भी आपके साथ रहता है। Florian Henckel von Donnersmarck सामग्री में धैर्य लाता है जो इसे मानक किराये से ऊपर उठाता है।
Werk ohne Autor समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Florian Henckel von Donnersmarck ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। 7.7 रेटिंग एक साथ सुसंगत स्तरों पर निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन को दर्शाती है। इस श्रेणी में स्कोर करने वाली फिल्में शायद ही किसी एक आयाम में महत्वपूर्ण रूप से असफल होती हैं, और Werk ohne Autor कोई अपवाद नहीं है। निर्देशक इतने धैर्य से काम करता है कि अधिकांश समकालीन नाटक वहन नहीं कर सकते। दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे चलने की अनुमति दी जाती है, ताकि वे जो कहने आए थे उसे कहने के बाद पात्र क्या करते हैं, उसमें सच्चाई का पता लगाया जा सके। कलाकार इस लय को समझते हैं। german सिनेमा के रूप में, Werk ohne Autor विशिष्ट दृश्य और कथात्मक संवेदनशीलता रखता है जो राष्ट्रीय सिनेमा को अंतरराष्ट्रीय समकक्षों से अलग करता है। गति, चरित्र और कहानी संरचना का दृष्टिकोण सांस्कृतिक संदर्भ को दर्शाता है जो देखने के अनुभव को समृद्ध करता है।
Werk ohne Autor की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Florian Henckel von Donnersmarck ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Werk ohne Autor चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Werk ohne Autor को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
Werk ohne Autor उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 7.7 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Werk ohne Autor को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Florian Henckel von Donnersmarck और Tom Schilling कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
Werk ohne Autor शीर्ष दस में शामिल है क्योंकि यह कुछ ऐसा करता है जिसे अधिकांश फिल्में करने का प्रयास करती हैं और कुछ ही इसे हासिल कर पाती हैं: यह पहली बार देखने पर उत्कृष्ट है और दोबारा देखने पर अतिरिक्त परतें दिखाता है। पहली बार आने वाले दर्शकों और वापस आने वाले दर्शकों को अलग-अलग अनुभव हो रहे हैं और दोनों अनुभव मजबूत हैं। Florian Henckel von Donnersmarck ने एक साथ कई स्तरों पर काम करके फिल्म में इस गहराई का निर्माण किया - सतही कहानी प्रदान करती है, और इसके नीचे शिल्प निर्णयों की एक परत होती है जो केवल तभी पूरी तरह से दिखाई देती है जब आप जानते हैं कि सब कुछ कहाँ जा रहा है। वह दो-स्तरीय संरचना ही Werk ohne Autor को अगले स्तर के बजाय शीर्ष दस में रखती है।
Im Westen nichts Neues
Paul Baumer and his friends Albert and Muller, egged on by romantic dreams of heroism, voluntarily enlist in the German army. Full of excitement and patriotic fervour, the boys enthusiastically march into a war they believe in. But once on the Western Front, they discover the soul-destroying horror of World War I.
क्यों देखें?: Im Westen nichts Neues वह नाटक है जो मौन पर भरोसा करता है। Edward Berger दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे बढ़ने के लिए जगह देता है, जब पात्र प्रदर्शन करना बंद कर देते हैं तो वे क्या करते हैं, इसमें कुछ सच्चाई ढूंढती है।
2022 में निर्मित, Im Westen nichts Neues स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 7.7 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Im Westen nichts Neues के लिए 7.7 स्कोर इसे उन फिल्मों में रखता है जो महत्वपूर्ण कमजोरियों के बिना अपने आधार पर काम करती हैं। Edward Berger ने कुछ ऐसा बनाया जो पूरी तरह से उद्देश्य के अनुसार काम करता है, जो सुनने में जितना आम लगता है उससे कम है। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। Im Westen nichts Neues उसका प्रतिनिधि है जो german सिनेमा विशिष्ट रूप से करता है। इस फिल्म में बनाई गई कहानी कहने की धारणाएं पश्चिमी सिनेमा से इस मायने में भिन्न हैं कि जैसे ही आप उन पर ध्यान देना शुरू करते हैं, वे दिखाई देने लगती हैं। वह अंतर विशेष रूप से german फिल्में देखने का मूल्य है।
Im Westen nichts Neues का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Edward Berger समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Im Westen nichts Neues में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Felix Kammerer इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
पहली बार Im Westen nichts Neues देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Edward Berger दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। Im Westen nichts Neues में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Felix Kammerer इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2022 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Edward Berger का इरादा है।
मूवी डेटाबेस रेटिंग से निर्मित रैंक सूची में शीर्ष दस स्थान एक वास्तविक आलोचनात्मक सहमति का प्रतिनिधित्व करता है। यह कोई लोकप्रियता प्रतियोगिता नहीं है - उन फिल्मों के लिए मतदाता सीमा फ़िल्टर जिन्हें पर्याप्त लोगों ने देखा और मूल्यांकित किया है, जिससे व्यक्तिगत बाहरी राय औसत हो जाती है। इस स्थिति में Im Westen nichts Neues का मतलब है कि विभिन्न देशों और अलग-अलग देखने की आदतों के विविध दर्शकों ने स्वतंत्र रूप से निष्कर्ष निकाला कि यह फिल्म उत्कृष्ट थी। Edward Berger ने Im Westen nichts Neues के साथ कुछ हासिल किया जो सांस्कृतिक विविधता के प्रति प्रतिरोधी है। यहां इस्तेमाल किया गया विशिष्ट कहानी कहने का दृष्टिकोण संदर्भों में अनुवाद करता है।
सिनेमा उन कहानियों के बारे में है जो मायने रखती हैं। इस खंड की फिल्में उस सिद्धांत को साबित करती हैं।
Knockin' on Heaven's Door
Two young men, Martin and Rudi, both suffering from terminal cancer, get to know each other in a hospital room. They drown their desperation in tequila and decide to take one last trip to the sea. Drunk and still in pajamas they steal the first fancy car they find, a 60's Mercedes convertible. The car happens to belong to a bunch of gangsters, which immediately start to chase it, since it contains more than the pistol Martin finds in the glove box.
क्यों देखें?: Thomas Jahn केवल प्रभाव के बजाय समझ के लिए Knockin' on Heaven's Door में कार्रवाई को शूट करता है। स्थानिक तर्क को हर जगह बनाए रखा जाता है, जो कि जितना होना चाहिए उससे कहीं अधिक दुर्लभ है।
Knockin' on Heaven's Door की तारीख 1997 से है, जिसका अर्थ है कि इसे दर्शकों की कई पीढ़ियों द्वारा परीक्षण किया गया है। तथ्य यह है कि Knockin' on Heaven's Door अभी भी उच्च रैंक पर है, पुरानी यादों के बजाय वास्तविक शिल्प को दर्शाता है। 7.7 पर, Knockin' on Heaven's Door उस श्रेणी में आता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने उच्च-रेटेड शीर्षकों की व्यापक सहमति हासिल नहीं की है। वह संकीर्ण आम सहमति अक्सर एक विशिष्ट अपील को दर्शाती है - Knockin' on Heaven's Door हर किसी के लिए नहीं है, लेकिन सही दर्शक के लिए यह उत्कृष्ट है। निर्देशक कैमरे के तमाशे के बजाय मानवीय पैमाने पर एक्शन शूट करता है। पात्र सुसंगत स्थान घेरते हैं और उनके शरीर सुपाठ्य उद्देश्य के साथ उस स्थान से गुजरते हैं। परिणाम वह क्रिया है जो क्षणिक एड्रेनालाईन उत्पन्न करने के बजाय प्रभाव जमा करती है। यह समझने के लिए कि Knockin' on Heaven's Door सर्वश्रेष्ठ german फिल्मों की सूची में क्यों है, राष्ट्रीय सिनेमा के मूल्यों पर ध्यान देने की आवश्यकता है। Thomas Jahn उन मूल्यों के भीतर और विरुद्ध उन तरीकों से काम करता है जो इस पृष्ठ पर अन्य german फिल्मों की तुलना में सबसे अधिक दिखाई देते हैं।
Knockin' on Heaven's Door में सिनेमैटोग्राफी फिल्म प्रौद्योगिकी में एक संक्रमणकालीन अवधि को दर्शाती है, जब डिजिटल उपकरण उपलब्ध थे लेकिन फिल्म निर्माता अभी भी इस बात पर बहस कर रहे थे कि उनका उपयोग किया जाए या नहीं। Thomas Jahn ने दृश्य शैली के बारे में ऐसे विकल्प चुने जो डिफ़ॉल्ट के बजाय जानबूझकर थे। Knockin' on Heaven's Door को जिस तरह से जलाया जाता है, फ्रेम किया जाता है और काटा जाता है, वह उद्योग सम्मेलन के बजाय एक विशिष्ट दृश्य बुद्धिमत्ता को दर्शाता है। Til Schweiger उस दृश्य ढांचे के भीतर उन तरीकों से काम करता है जो सबसे अधिक तब दिखाई देते हैं जब आप फिल्म देखते हैं, इस बात पर ध्यान देते हैं कि वे क्या कर रहे हैं इसके बजाय उन्हें फ्रेम में कैसे रखा गया है।
जिन दर्शकों ने Knockin' on Heaven's Door से प्रभावित फिल्में देखी हैं, उन्हें मूल फिल्म देखने का अनुभव किसी समकालीन फिल्म को देखने से अलग अनुभव होगा। जो तकनीकें परिचित लगती हैं क्योंकि उन्हें बड़े पैमाने पर कॉपी किया गया है, वे यहां अपने मूल रूप में दिखाई देती हैं, जिससे अक्सर पता चलता है कि प्रतियां Thomas Jahn ने जो किया उसके पीछे के तर्क को समझे बिना सतह को समझ लिया। Knockin' on Heaven's Door विशिष्ट कहानी कहने के लक्ष्यों की सेवा में अपने शैलीगत विकल्पों का उपयोग करता है। बाद की फिल्मों ने उन विकल्पों को उधार लिया और अक्सर उन्हें फ़ंक्शन के बिना शैली के रूप में उपयोग किया। मूल को देखने से स्पष्ट होता है कि वास्तव में क्या पूरा किया जा रहा था। यहां Til Schweiger के काम में एक विशिष्टता भी है कि इससे प्रेरित कई प्रदर्शनों में कमी है - नकल ने उस आंतरिकता के बिना तरीके को पकड़ लिया जिसने तरीके को कुछ अर्थपूर्ण बना दिया।
सूची में इस स्थान पर Knockin' on Heaven's Door एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Til Schweiger का प्रदर्शन और Thomas Jahn का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
Nosferatu, eine Symphonie des Grauens
The mysterious Count Orlok summons a happily married real estate agent to his castle, located up in the Transylvanian mountains, to finalise a terrifying deal.
क्यों देखें?: Nosferatu, eine Symphonie des Grauens डरावनी श्रेणी से संबंधित है जो कायम रहती है। इससे पैदा होने वाली बेचैनी निहितार्थ और माहौल से आती है, जो सदमे के क्षणों की तरह खत्म नहीं होती है।
Nosferatu, eine Symphonie des Grauens की 1922 रिलीज पूरी तरह से स्ट्रीमिंग युग से पहले की है। Nosferatu, eine Symphonie des Grauens रेटिंग देने वाले प्रत्येक दर्शक ने जानबूझकर प्रयास के माध्यम से इसे खोजा - नाटकीय स्क्रीनिंग, भौतिक मीडिया, या अनुशंसा। Nosferatu, eine Symphonie des Grauens के लिए वह ऑडियंस सहभागिता के लिए स्व-चयन कर रही है। 7.7 पर Nosferatu, eine Symphonie des Grauens इस सूची के विश्वसनीय स्तर का प्रतिनिधित्व करता है। ये वो फिल्में हैं जो निराश नहीं करतीं. F. W. Murnau ने समझा कि फिल्म को क्या चाहिए और बिना किसी समझौते के इसे निष्पादित किया। भयावहता में ऐसे जोखिम हैं जो अस्तित्व से परे तक फैले हुए हैं। निर्देशक डर को किसी वास्तविक चीज़ से जोड़ता है - चरित्र, संबंध, या नैतिकता। डराना मायने रखता है क्योंकि जिस बात की धमकी दी जा रही है वह मायने रखती है। Nosferatu, eine Symphonie des Grauens इस तर्क में योगदान देता है कि german सिनेमा ने अंतर्राष्ट्रीय महत्व का काम किया है। वैश्विक दर्शकों से प्राप्त 7.7 रेटिंग इस बात की पुष्टि करती है कि फिल्म के गुण सांस्कृतिक रूप से विशिष्ट नहीं हैं - वे अनुवाद करते हैं।
Nosferatu, eine Symphonie des Grauens की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। F. W. Murnau ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Max Schreck ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Nosferatu, eine Symphonie des Grauens में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Nosferatu, eine Symphonie des Grauens उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 7.7 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Nosferatu, eine Symphonie des Grauens को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। F. W. Murnau और Max Schreck कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
7.7 रेटिंग जो Nosferatu, eine Symphonie des Grauens को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। Nosferatu, eine Symphonie des Grauens को उच्च अंक देने का उनका निर्णय F. W. Murnau ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। Nosferatu, eine Symphonie des Grauens मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
Freier Fall
A promising career with the police, a baby on the way... Marc's life seems to be right on track. Then he meets fellow policeman Kay and during their regular jogs Marc experiences a never-before-felt sense of ease and effortlessness – and what it means to fall in love with another man.
क्यों देखें?: उस तरह का ड्रामा जो क्रेडिट के बाद भी आपके साथ रहता है। Stephan Lacant सामग्री में धैर्य लाता है जो इसे मानक किराये से ऊपर उठाता है।
Freier Fall समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Stephan Lacant ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। एक बड़े मतदाता समूह से 7.7 रेटिंग का मतलब है कि फिल्म में वास्तविक ताकतें हैं जो दर्शकों द्वारा पाई गई सभी कमजोरियों पर भारी पड़ती हैं। Freier Fall अपने केंद्रीय वादे को पूरा करता है, जो कि न्यूनतम मानक है जिसे किसी भी फिल्म को पूरा करना चाहिए और रिलीज की संख्या की तुलना में कम उपलब्धि हासिल होती है। निर्देशक इतने धैर्य से काम करता है कि अधिकांश समकालीन नाटक वहन नहीं कर सकते। दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे चलने की अनुमति दी जाती है, ताकि वे जो कहने आए थे उसे कहने के बाद पात्र क्या करते हैं, उसमें सच्चाई का पता लगाया जा सके। कलाकार इस लय को समझते हैं। german सिनेमा का कहानी संरचना, चरित्र की आंतरिकता और दृश्य भाषा के साथ एक विशिष्ट संबंध है। Freier Fall उन भेदों को स्पष्ट रूप से प्रदर्शित करता है। german सिनेमा में नए दर्शकों को यह फिल्म एक उपयोगी अभिविन्यास बिंदु लगेगी।
Freier Fall में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Stephan Lacant ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Hanno Koffler ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Freier Fall में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Hanno Koffler एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Freier Fall के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Freier Fall को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Freier Fall दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Stephan Lacant के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Hanno Koffler के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, Freier Fall उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: Freier Fall अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Stephan Lacant का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो Freier Fall को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
Fitzcarraldo
Fitzcarraldo is a dreamer who plans to build an opera house in Iquitos, in the Peruvian Amazon, so, in order to finance his project, he embarks on an epic adventure to collect rubber, a very profitable product, in a remote and unexplored region of the rainforest.
क्यों देखें?: Fitzcarraldo वह नाटक है जो मौन पर भरोसा करता है। Werner Herzog दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे बढ़ने के लिए जगह देता है, जब पात्र प्रदर्शन करना बंद कर देते हैं तो वे क्या करते हैं, इसमें कुछ सच्चाई ढूंढती है।
1982 में रिलीज़, Fitzcarraldo उस युग में बनाई गई थी जब नाटकीय प्रदर्शन यह निर्धारित करते थे कि कोई फिल्म जीवित रहेगी या नहीं। Werner Herzog ने कुछ ऐसा बनाया जो जीवित रहा, और आज की 7.6 रेटिंग उस टिके रहने की शक्ति का प्रमाण है। Fitzcarraldo के लिए 7.6 स्कोर उन दर्शकों से बनाया गया है जिनके पास विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। यह विकल्प एक ऐसी फिल्म को दर्शाता है जिसने स्पष्ट रूप से अपना पक्ष रखा - जो कि Fitzcarraldo बिल्कुल यही करता है। Werner Herzog ने तर्क दिया और दर्शकों ने इसे स्वीकार कर लिया। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। अंतर्राष्ट्रीय दर्शकों से Fitzcarraldo के लिए 7.6 रेटिंग यहां महत्वपूर्ण तथ्य है। german सांस्कृतिक संदर्भ में निहित एक फिल्म, उस संदर्भ के बाहर के लोगों द्वारा इसे उच्च रेटिंग दी गई है, इसका मतलब है कि फिल्म के गुण सांस्कृतिक साक्षरता पर निर्भर नहीं हैं।
Fitzcarraldo की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Werner Herzog ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Fitzcarraldo चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Fitzcarraldo को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
Fitzcarraldo उन शामों के लिए उपयुक्त है जब आप किसी ऐसी चीज़ के बजाय वास्तविक सामग्री के साथ कुछ देखना चाहते हैं जो केवल समय भरती हो। यह एक पृष्ठभूमि फिल्म नहीं है और यह एक निष्क्रिय अनुभव नहीं है। Werner Herzog ने कुछ ऐसा बनाया है जो आपका ध्यान आकर्षित करता है और इसे सामान्य के बजाय विशेष रूप से पुरस्कृत करता है। जो दर्शक अन्य काम करते हुए Fitzcarraldo देखते हैं, उन्हें फिल्म का एक ऐसा संस्करण मिलेगा जो उस व्यक्ति के लिए उपलब्ध संस्करण से काफी कम है जो इस पर अपना पूरा ध्यान देता है। 7.6 रेटिंग पूरे ध्यान से देखने के अनुभव को दर्शाती है। कास्ट - Klaus Kinski विशेष रूप से - प्रदर्शन विवरण प्रदान करता है जो केंद्रित देखने में दर्ज होता है और विचलित देखने में गायब हो जाता है।
Fitzcarraldo इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Werner Herzog ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 7.6 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Werner Herzog के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर Fitzcarraldo को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
Victoria
A young Spanish woman who has newly moved to Berlin finds her flirtation with a local guy turn potentially deadly as their night out with his friends reveals a dangerous secret.
क्यों देखें?: थ्रिलर शिल्प का सर्वोत्तम अर्थ यह है कि दर्शकों को कुछ भी स्पष्ट घटित होने से पहले भय महसूस होता है। Sebastian Schipper सूचना और समय के नियंत्रण के माध्यम से Victoria में इसे प्राप्त करता है।
Victoria (2015) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Sebastian Schipper ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 7.6 पर Victoria एक ऐसी फिल्म है जहां शिल्प कई आयामों में लगातार औसत से ऊपर है। कोई भी एक तत्व दूसरे को वहन नहीं करता। निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन सभी एक ही दिशा में खींच रहे हैं। यह थ्रिलर की श्रेणी में आता है जहां तनाव शारीरिक के बजाय मनोवैज्ञानिक होता है। निर्देशक को भरोसा है कि दर्शक स्पष्ट खतरा दिखाए बिना दबाव महसूस करेंगे। परिणाम पारंपरिक थ्रिलर यांत्रिकी की तुलना में अधिक परेशान करने वाला है। Victoria में Sebastian Schipper की पसंद german फिल्म निर्माण परंपराओं द्वारा आकार ली गई है जिनका अपना इतिहास और तर्क है। वे परंपराएँ हॉलीवुड मॉडल की तुलना में भिन्न परिणाम उत्पन्न करती हैं। अंतर को समझना german सिनेमा की पेशकश का हिस्सा है।
Victoria का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Sebastian Schipper समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Victoria में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Laia Costa इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
Victoria उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 7.6 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Victoria को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Sebastian Schipper और Laia Costa कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
सूची के इस भाग में Victoria की स्थिति एक ऐसी फिल्म को दर्शाती है जो सभी के लिए सब कुछ बनने की इच्छा किए बिना विश्वसनीय रूप से अपने विशिष्ट गुण प्रदान करती है। Sebastian Schipper ने समझा कि फिल्म क्या थी और इसे शिल्प के उच्च स्तर पर बनाया। 7.6 रेटिंग उन दर्शकों का प्रतिनिधित्व करती है जो उन शर्तों पर फिल्म से जुड़े रहे और इसे अत्यधिक रेटिंग के लायक पाया। अलग-अलग उम्मीदें लेकर आने वाले दर्शकों को कभी-कभी फिल्म रेटिंग से कम संतोषजनक लगती है - जो कि फिल्म की नहीं बल्कि उम्मीद की कमजोरी है। Victoria बिल्कुल वैसा ही है, जिसे कुशलता से बनाया गया है, और इसे रेटिंग देने वाले मतदाता उस पर प्रतिक्रिया दे रहे थे।
Who Am I – Kein System ist sicher
Benjamin, a young German computer whiz, is invited to join a subversive hacker group that wants to be noticed on the world's stage.
क्यों देखें?: Who Am I – Kein System ist sicher दर्शाता है कि सर्वश्रेष्ठ थ्रिलर संयम के माध्यम से काम करते हैं। Baran bo Odar यथासंभव लंबे समय तक रोक लगाता है और परिणाम पारंपरिक वृद्धि से अधिक प्रभावी होता है।
2014 में, जब Baran bo Odar ने Who Am I – Kein System ist sicher बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। Who Am I – Kein System ist sicher को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 7.6 रेंज की फिल्में अक्सर सूची में उनकी स्थिति से अधिक दिलचस्प होती हैं। उन्होंने उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है, जिसका अर्थ है कि Who Am I – Kein System ist sicher को पूर्व धारणाओं के बिना प्राप्त करना आसान है। Who Am I – Kein System ist sicher को उससे लाभ होता है। निर्देशक जो छिपाकर रखता है उसमें शिल्प सबसे ज्यादा झलकता है। सूचना रणनीतिक रूप से जारी की जाती है, प्रत्येक रहस्योद्घाटन जो पहले आया था उसे पुनः संदर्भित करता है। प्रदर्शनों को नियंत्रित प्रकटीकरण के अनुसार अंशांकित किया जाता है। Who Am I – Kein System ist sicher, german सिनेमा के किसी भी गंभीर खाते से संबंधित है क्योंकि यह दर्शाता है कि राष्ट्रीय सिनेमा अपने सर्वोत्तम स्तर पर क्या हासिल करता है। यहां दिखाई देने वाली विशिष्ट चिंताएं और दृष्टिकोण ही german फिल्मों के अंतर्राष्ट्रीय दर्शक वर्ग का कारण हैं।
Who Am I – Kein System ist sicher में दृश्य दृष्टिकोण Baran bo Odar की समझ को दर्शाता है कि शैली और पदार्थ एक ही चीज़ हैं। Who Am I – Kein System ist sicher का कैमरा प्लेसमेंट, रंग ग्रेडिंग और संपादन लय सजावटी निर्णय नहीं हैं। वे इस बारे में तर्क हैं कि कहानी का अनुभव कैसे किया जाना चाहिए। Tom Schilling को इस तरह से शूट किया गया है कि किसी शब्द के बोलने से पहले ही उसके चरित्र का संचार हो जाता है। जो दर्शक दृश्य व्याकरण पर ध्यान देकर Who Am I – Kein System ist sicher को दूसरी बार देखते हैं, उन्हें अर्थ की एक परत मिलेगी जो संवाद और कथानक से स्वतंत्र रूप से संचालित होती है।
पहली बार Who Am I – Kein System ist sicher देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Baran bo Odar दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। Who Am I – Kein System ist sicher में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Tom Schilling इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2014 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Baran bo Odar का इरादा है।
इस तरह की सूचियों में ग्यारह से पच्चीस श्रेणी में स्थित फिल्में अक्सर सबसे उपयोगी खोज होती हैं क्योंकि वे सांस्कृतिक भार के बिना शीर्ष दस की गुणवत्ता रखती हैं। Who Am I – Kein System ist sicher इस स्थिति में है, इसलिए नहीं कि यह इसके ऊपर की प्रविष्टियों की तुलना में काफी खराब है, बल्कि इसलिए कि इसकी अपील अधिक केंद्रित है। Who Am I – Kein System ist sicher में Baran bo Odar जो कर रहा है, उससे जुड़ने वाले दर्शक इसे इस सूची की किसी भी फिल्म के समान ही उच्च रेटिंग देते हैं। व्यापक मतदाता आधार का औसत इसे यहीं रखता है। जिन दर्शकों के पास यह सोचने के विशिष्ट कारण हैं कि यह फिल्म उनके लिए है - शैली की प्राथमिकता, निर्देशक की रुचि या युग के आधार पर - उन्हें इससे ऊपर रैंक वाली कई प्रविष्टियों पर इसे प्राथमिकता देनी चाहिए।
Good Bye, Lenin!
Alex Kerner's mother was in a coma while the Berlin wall fell. When she wakes up he must try to keep her from learning what happened (as she was an avid communist supporter) to avoid shocking her which could lead to another heart attack.
क्यों देखें?: उस तरह का ड्रामा जो क्रेडिट के बाद भी आपके साथ रहता है। Wolfgang Becker सामग्री में धैर्य लाता है जो इसे मानक किराये से ऊपर उठाता है।
Good Bye, Lenin! को 2003 में बनाया गया था, जब नाटकीय सिनेमा ध्यान आकर्षित करने के लिए शुरुआती इंटरनेट और डीवीडी के साथ प्रतिस्पर्धा कर रहा था। Wolfgang Becker ने कुछ ऐसा बनाया जिसने तब ध्यान आकर्षित किया और अब भी ध्यान आकर्षित किया है। 7.5 रेटिंग एक साथ सुसंगत स्तरों पर निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन को दर्शाती है। इस श्रेणी में स्कोर करने वाली फिल्में शायद ही किसी एक आयाम में महत्वपूर्ण रूप से असफल होती हैं, और Good Bye, Lenin! कोई अपवाद नहीं है। निर्देशक इतने धैर्य से काम करता है कि अधिकांश समकालीन नाटक वहन नहीं कर सकते। दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे चलने की अनुमति दी जाती है, ताकि वे जो कहने आए थे उसे कहने के बाद पात्र क्या करते हैं, उसमें सच्चाई का पता लगाया जा सके। कलाकार इस लय को समझते हैं। german सिनेमा के रूप में, Good Bye, Lenin! विशिष्ट दृश्य और कथात्मक संवेदनशीलता रखता है जो राष्ट्रीय सिनेमा को अंतरराष्ट्रीय समकक्षों से अलग करता है। गति, चरित्र और कहानी संरचना का दृष्टिकोण सांस्कृतिक संदर्भ को दर्शाता है जो देखने के अनुभव को समृद्ध करता है।
Good Bye, Lenin! की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Wolfgang Becker ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Daniel Brühl ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Good Bye, Lenin! में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Good Bye, Lenin! अपनी शैली के इतिहास में एक विशिष्ट स्थान पर है: इसे तब बनाया गया था जब यह जिन परंपराओं के साथ काम करता था वे स्थापित होने के बजाय अभी भी विकसित हो रहे थे। Wolfgang Becker किसी सिद्ध फार्मूले को लागू नहीं कर रहा था बल्कि कुछ ऐसा निर्माण कर रहा था जिसकी प्रभावशीलता की गारंटी नहीं थी। 7.5 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिन्होंने वास्तविक रचनात्मक जोखिम की उन परिस्थितियों में किए गए काम पर प्रतिक्रिया दी। उसी स्थान पर समसामयिक फिल्मों को यह जानने का लाभ है कि क्या काम करता है क्योंकि Good Bye, Lenin! और इसके जैसी फिल्मों ने इसे प्रदर्शित किया है। उस संदर्भ में Good Bye, Lenin! को देखना - सिद्ध परंपरा के सुरक्षा जाल के बिना किए गए रचनात्मक कार्य के रूप में - देखने के अनुभव में एक आयाम जोड़ता है जो परंपरा स्थापित होने के बाद बनी फिल्मों को देखने से उपलब्ध नहीं होता है।
सूची में इस स्थान पर Good Bye, Lenin! एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Daniel Brühl का प्रदर्शन और Wolfgang Becker का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
Gegen die Wand
With the intention to break free from the strict familial restrictions, a suicidal young woman sets up a marriage of convenience with a forty-year-old addict, an act that will lead to an outburst of envious love.
क्यों देखें?: Gegen die Wand वह नाटक है जो मौन पर भरोसा करता है। Fatih Akin दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे बढ़ने के लिए जगह देता है, जब पात्र प्रदर्शन करना बंद कर देते हैं तो वे क्या करते हैं, इसमें कुछ सच्चाई ढूंढती है।
2004 में रिलीज़, Gegen die Wand सिनेमा में एक संक्रमणकालीन अवधि से आता है - स्ट्रीमिंग से वितरण बदलने से पहले लेकिन डिजिटल उपकरणों के बाद उत्पादन बदल गया। Gegen die Wand में दिखाई देने वाली शिल्प कौशल नाटकीय युग के मानकों को दर्शाती है। Gegen die Wand के लिए 7.5 स्कोर इसे उन फिल्मों में रखता है जो महत्वपूर्ण कमजोरियों के बिना अपने आधार पर काम करती हैं। Fatih Akin ने कुछ ऐसा बनाया जो पूरी तरह से उद्देश्य के अनुसार काम करता है, जो सुनने में जितना आम लगता है उससे कम है। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। Gegen die Wand उसका प्रतिनिधि है जो german सिनेमा विशिष्ट रूप से करता है। इस फिल्म में बनाई गई कहानी कहने की धारणाएं पश्चिमी सिनेमा से इस मायने में भिन्न हैं कि जैसे ही आप उन पर ध्यान देना शुरू करते हैं, वे दिखाई देने लगती हैं। वह अंतर विशेष रूप से german फिल्में देखने का मूल्य है।
Gegen die Wand में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Fatih Akin ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Sibel Kekilli ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Gegen die Wand में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Sibel Kekilli एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Gegen die Wand उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 7.5 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Gegen die Wand को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Fatih Akin और Sibel Kekilli कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
7.5 रेटिंग जो Gegen die Wand को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। Gegen die Wand को उच्च अंक देने का उनका निर्णय Fatih Akin ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। Gegen die Wand मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
Die Welle
A school teacher discusses types of government with his class. His students find it too boring to repeatedly go over national socialism and believe that dictatorship cannot be established in modern Germany. He starts an experiment to show how easily the masses can become manipulated.
क्यों देखें?: थ्रिलर शिल्प का सर्वोत्तम अर्थ यह है कि दर्शकों को कुछ भी स्पष्ट घटित होने से पहले भय महसूस होता है। Dennis Gansel सूचना और समय के नियंत्रण के माध्यम से Die Welle में इसे प्राप्त करता है।
2008 सिनेमा समसामयिक रिलीज़ों की तुलना में भिन्न दबावों में संचालित होता है। Die Welle आधुनिक उत्पादन को आकार देने वाले एल्गोरिथम फीडबैक लूप के बिना बनाया गया था। यहां Dennis Gansel ने जो बनाया वह डेटा के बजाय दृढ़ विश्वास से आया है। 7.5 पर, Die Welle उस श्रेणी में आता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने उच्च-रेटेड शीर्षकों की व्यापक सहमति हासिल नहीं की है। वह संकीर्ण आम सहमति अक्सर एक विशिष्ट अपील को दर्शाती है - Die Welle हर किसी के लिए नहीं है, लेकिन सही दर्शक के लिए यह उत्कृष्ट है। यह थ्रिलर की श्रेणी में आता है जहां तनाव शारीरिक के बजाय मनोवैज्ञानिक होता है। निर्देशक को भरोसा है कि दर्शक स्पष्ट खतरा दिखाए बिना दबाव महसूस करेंगे। परिणाम पारंपरिक थ्रिलर यांत्रिकी की तुलना में अधिक परेशान करने वाला है। यह समझने के लिए कि Die Welle सर्वश्रेष्ठ german फिल्मों की सूची में क्यों है, राष्ट्रीय सिनेमा के मूल्यों पर ध्यान देने की आवश्यकता है। Dennis Gansel उन मूल्यों के भीतर और विरुद्ध उन तरीकों से काम करता है जो इस पृष्ठ पर अन्य german फिल्मों की तुलना में सबसे अधिक दिखाई देते हैं।
Die Welle की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Dennis Gansel ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Die Welle चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Die Welle को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
Die Welle के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Die Welle को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Die Welle दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Dennis Gansel के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Jürgen Vogel के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, Die Welle उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: Die Welle अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Dennis Gansel का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो Die Welle को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
Das weiße Band - Eine deutsche Kindergeschichte
An aged tailor recalls his life as the schoolteacher of a small village in Northern Germany that was struck by a series of strange events in the year leading up to WWI.
क्यों देखें?: Michael Haneke Das weiße Band - Eine deutsche Kindergeschichte को उस धैर्य के साथ पेश करता है जिसकी अच्छे नाटक को आवश्यकता होती है और जो शायद ही कभी मिलता है। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जो अपने भावनात्मक क्षणों को शेड्यूल करने के बजाय अर्जित करती है।
Das weiße Band - Eine deutsche Kindergeschichte के लिए 2009 संदर्भ मायने रखता है। यह वह दौर था जब मूल विचारों वाली मध्य-बजट फिल्मों को अभी भी नाटकीय रिलीज मिलती थी - जिस तरह की फिल्म Das weiße Band - Eine deutsche Kindergeschichte प्रतिनिधित्व करती है। Michael Haneke ने उस स्थान का उपयोग कुछ ऐसा बनाने के लिए किया जिसे मौजूदा बाज़ार हरी झंडी देने के लिए संघर्ष करेगा। 7.5 पर Das weiße Band - Eine deutsche Kindergeschichte इस सूची के विश्वसनीय स्तर का प्रतिनिधित्व करता है। ये वो फिल्में हैं जो निराश नहीं करतीं. Michael Haneke ने समझा कि फिल्म को क्या चाहिए और बिना किसी समझौते के इसे निष्पादित किया। इसे नाटक के रूप में जो अलग करता है वह यह है कि निर्देशक ने यह बताने से इंकार कर दिया कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। फिल्म भावनात्मक भार वाली स्थितियाँ बनाती है और फिर दर्शकों पर भरोसा करती है कि वे स्वयं उस भार को वहन करेंगे। प्रदर्शन अति-संकेतन के बिना भावनात्मक रजिस्टर प्रदान करते हैं। Das weiße Band - Eine deutsche Kindergeschichte इस तर्क में योगदान देता है कि german सिनेमा ने अंतर्राष्ट्रीय महत्व का काम किया है। वैश्विक दर्शकों से प्राप्त 7.5 रेटिंग इस बात की पुष्टि करती है कि फिल्म के गुण सांस्कृतिक रूप से विशिष्ट नहीं हैं - वे अनुवाद करते हैं।
Das weiße Band - Eine deutsche Kindergeschichte का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Michael Haneke समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Das weiße Band - Eine deutsche Kindergeschichte में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Christian Friedel इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
Das weiße Band - Eine deutsche Kindergeschichte उन शामों के लिए उपयुक्त है जब आप किसी ऐसी चीज़ के बजाय वास्तविक सामग्री के साथ कुछ देखना चाहते हैं जो केवल समय भरती हो। यह एक पृष्ठभूमि फिल्म नहीं है और यह एक निष्क्रिय अनुभव नहीं है। Michael Haneke ने कुछ ऐसा बनाया है जो आपका ध्यान आकर्षित करता है और इसे सामान्य के बजाय विशेष रूप से पुरस्कृत करता है। जो दर्शक अन्य काम करते हुए Das weiße Band - Eine deutsche Kindergeschichte देखते हैं, उन्हें फिल्म का एक ऐसा संस्करण मिलेगा जो उस व्यक्ति के लिए उपलब्ध संस्करण से काफी कम है जो इस पर अपना पूरा ध्यान देता है। 7.5 रेटिंग पूरे ध्यान से देखने के अनुभव को दर्शाती है। कास्ट - Christian Friedel विशेष रूप से - प्रदर्शन विवरण प्रदान करता है जो केंद्रित देखने में दर्ज होता है और विचलित देखने में गायब हो जाता है।
Das weiße Band - Eine deutsche Kindergeschichte इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Michael Haneke ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 7.5 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Michael Haneke के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर Das weiße Band - Eine deutsche Kindergeschichte को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
महान फिल्में अपनी श्रेणी से आगे निकल जाती हैं। वे काम करते हैं क्योंकि शिल्प असाधारण है।
Aguirre, der Zorn Gottes
A few decades after the destruction of the Inca Empire, a Spanish expedition led by the infamous Aguirre leaves the mountains of Peru and goes down the Amazon River in search of the lost city of El Dorado. When great difficulties arise, Aguirre’s men start to wonder whether their quest will lead them to prosperity or certain death.
क्यों देखें?: उस तरह का ड्रामा जो क्रेडिट के बाद भी आपके साथ रहता है। Werner Herzog सामग्री में धैर्य लाता है जो इसे मानक किराये से ऊपर उठाता है।
Aguirre, der Zorn Gottes (1972) इंटरनेट द्वारा हर फिल्म को तुरंत हर जगह उपलब्ध कराने से पहले आया था। दर्शकों तक पहुँचने के लिए वास्तविक मौखिक प्रचार की आवश्यकता होती है, और Aguirre, der Zorn Gottes ने उस मौखिक प्रचार का निर्माण किया क्योंकि इसने कुछ वास्तविक प्रस्तुत किया। एक बड़े मतदाता समूह से 7.4 रेटिंग का मतलब है कि फिल्म में वास्तविक ताकतें हैं जो दर्शकों द्वारा पाई गई सभी कमजोरियों पर भारी पड़ती हैं। Aguirre, der Zorn Gottes अपने केंद्रीय वादे को पूरा करता है, जो कि न्यूनतम मानक है जिसे किसी भी फिल्म को पूरा करना चाहिए और रिलीज की संख्या की तुलना में कम उपलब्धि हासिल होती है। निर्देशक इतने धैर्य से काम करता है कि अधिकांश समकालीन नाटक वहन नहीं कर सकते। दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे चलने की अनुमति दी जाती है, ताकि वे जो कहने आए थे उसे कहने के बाद पात्र क्या करते हैं, उसमें सच्चाई का पता लगाया जा सके। कलाकार इस लय को समझते हैं। german सिनेमा का कहानी संरचना, चरित्र की आंतरिकता और दृश्य भाषा के साथ एक विशिष्ट संबंध है। Aguirre, der Zorn Gottes उन भेदों को स्पष्ट रूप से प्रदर्शित करता है। german सिनेमा में नए दर्शकों को यह फिल्म एक उपयोगी अभिविन्यास बिंदु लगेगी।
Aguirre, der Zorn Gottes की दृश्य भाषा 1972 के फिल्म निर्माण को सबसे अधिक प्रतिबिंबित करती है। Werner Herzog ने तकनीकी बाधाओं के भीतर काम किया, जिसके लिए भावनात्मक भार वहन करने के लिए संरचना और प्रकाश व्यवस्था की आवश्यकता होती है, जिसे आधुनिक प्रस्तुतियां पोस्ट-प्रोडक्शन के लिए लोड करती हैं। Aguirre, der Zorn Gottes में प्रत्येक फ़्रेम को समायोजित करने के बजाय डिज़ाइन किया गया था। परिणाम एक दृश्य सुसंगतता है जिसे समकालीन फिल्में, अपने असीमित पोस्ट-प्रोडक्शन विकल्पों के साथ, शायद ही कभी हासिल कर पाती हैं। Aguirre, der Zorn Gottes को इस बात पर ध्यान देने के साथ देखने पर कि शॉट्स की रचना कैसे की जाती है, एक फिल्म निर्माता को पता चलता है जो समझता है कि कैमरा सिर्फ कुछ रिकॉर्ड नहीं कर रहा है, वह इसे देखने के तरीके के बारे में बहस कर रहा है।
Aguirre, der Zorn Gottes उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 7.4 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Aguirre, der Zorn Gottes को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Werner Herzog और Klaus Kinski कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
सूची के इस भाग में Aguirre, der Zorn Gottes की स्थिति एक ऐसी फिल्म को दर्शाती है जो सभी के लिए सब कुछ बनने की इच्छा किए बिना विश्वसनीय रूप से अपने विशिष्ट गुण प्रदान करती है। Werner Herzog ने समझा कि फिल्म क्या थी और इसे शिल्प के उच्च स्तर पर बनाया। 7.4 रेटिंग उन दर्शकों का प्रतिनिधित्व करती है जो उन शर्तों पर फिल्म से जुड़े रहे और इसे अत्यधिक रेटिंग के लायक पाया। अलग-अलग उम्मीदें लेकर आने वाले दर्शकों को कभी-कभी फिल्म रेटिंग से कम संतोषजनक लगती है - जो कि फिल्म की नहीं बल्कि उम्मीद की कमजोरी है। Aguirre, der Zorn Gottes बिल्कुल वैसा ही है, जिसे कुशलता से बनाया गया है, और इसे रेटिंग देने वाले मतदाता उस पर प्रतिक्रिया दे रहे थे।
Das Experiment
20 volunteers agree to take part in a seemingly well-paid experiment advertised by the university. It is supposed to be about aggressive behavior in an artificial prison situation. A journalist senses a story behind the ad and smuggles himself in among the test subjects. They are randomly divided into prisoners and guards. What seems like a game at the beginning soon turns into bloody seriousness.
क्यों देखें?: Das Experiment अपना तनाव ईमानदारी से अर्जित करता है - दबाव कृत्रिम आश्चर्य के बजाय स्थिति और चरित्र से आता है। Oliver Hirschbiegel दर्शकों पर दांव को महसूस करने का भरोसा करता है।
2001 में रिलीज़, Das Experiment सिनेमा में एक संक्रमणकालीन अवधि से आता है - स्ट्रीमिंग से वितरण बदलने से पहले लेकिन डिजिटल उपकरणों के बाद उत्पादन बदल गया। Das Experiment में दिखाई देने वाली शिल्प कौशल नाटकीय युग के मानकों को दर्शाती है। Das Experiment के लिए 7.4 स्कोर उन दर्शकों से बनाया गया है जिनके पास विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। यह विकल्प एक ऐसी फिल्म को दर्शाता है जिसने स्पष्ट रूप से अपना पक्ष रखा - जो कि Das Experiment बिल्कुल यही करता है। Oliver Hirschbiegel ने तर्क दिया और दर्शकों ने इसे स्वीकार कर लिया। जो चीज़ फिल्म को थ्रिलर के रूप में काम करती है वह यह समझ है कि दांव पर निवेश की आवश्यकता होती है। दबाव आने से पहले पहला कार्य चरित्र का निर्माण करता है। जब तक तनाव बढ़ता है, आपके पास परिणाम की परवाह करने के कारण होते हैं। अंतर्राष्ट्रीय दर्शकों से Das Experiment के लिए 7.4 रेटिंग यहां महत्वपूर्ण तथ्य है। german सांस्कृतिक संदर्भ में निहित एक फिल्म, उस संदर्भ के बाहर के लोगों द्वारा इसे उच्च रेटिंग दी गई है, इसका मतलब है कि फिल्म के गुण सांस्कृतिक साक्षरता पर निर्भर नहीं हैं।
Das Experiment की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Oliver Hirschbiegel ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Moritz Bleibtreu ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Das Experiment में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
पहली बार Das Experiment देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Oliver Hirschbiegel दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। Das Experiment में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Moritz Bleibtreu इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2001 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Oliver Hirschbiegel का इरादा है।
इस तरह की सूचियों में ग्यारह से पच्चीस श्रेणी में स्थित फिल्में अक्सर सबसे उपयोगी खोज होती हैं क्योंकि वे सांस्कृतिक भार के बिना शीर्ष दस की गुणवत्ता रखती हैं। Das Experiment इस स्थिति में है, इसलिए नहीं कि यह इसके ऊपर की प्रविष्टियों की तुलना में काफी खराब है, बल्कि इसलिए कि इसकी अपील अधिक केंद्रित है। Das Experiment में Oliver Hirschbiegel जो कर रहा है, उससे जुड़ने वाले दर्शक इसे इस सूची की किसी भी फिल्म के समान ही उच्च रेटिंग देते हैं। व्यापक मतदाता आधार का औसत इसे यहीं रखता है। जिन दर्शकों के पास यह सोचने के विशिष्ट कारण हैं कि यह फिल्म उनके लिए है - शैली की प्राथमिकता, निर्देशक की रुचि या युग के आधार पर - उन्हें इससे ऊपर रैंक वाली कई प्रविष्टियों पर इसे प्राथमिकता देनी चाहिए।
3096 Tage
A young Austrian girl is kidnapped and held in captivity for eight years. Based on the real-life case of Natascha Kampusch.
क्यों देखें?: जो चीज़ 3096 Tage को नाटक के रूप में काम करती है, वह है Sherry Hormann द्वारा यह समझाने से इनकार करना कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। भावनात्मक रजिस्टर बनाया जाता है, संकेत नहीं दिया जाता।
3096 Tage (2013) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Sherry Hormann ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 7.4 पर 3096 Tage एक ऐसी फिल्म है जहां शिल्प कई आयामों में लगातार औसत से ऊपर है। कोई भी एक तत्व दूसरे को वहन नहीं करता। निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन सभी एक ही दिशा में खींच रहे हैं। फिल्म दर्शाती है कि नाटक वह क्या कर सकता है जो अन्य शैलियाँ नहीं कर सकतीं: सामान्य मानव व्यवहार को दबाव में रखना और प्रतिक्रिया के माध्यम से चरित्र को प्रकट करना। निर्देशक उन परिस्थितियों का निर्माण करता है और कलाकार उन्हें वास्तविक विश्वास के साथ निभाते हैं। 3096 Tage में Sherry Hormann की पसंद german फिल्म निर्माण परंपराओं द्वारा आकार ली गई है जिनका अपना इतिहास और तर्क है। वे परंपराएँ हॉलीवुड मॉडल की तुलना में भिन्न परिणाम उत्पन्न करती हैं। अंतर को समझना german सिनेमा की पेशकश का हिस्सा है।
3096 Tage में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Sherry Hormann ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Antonia Campbell-Hughes ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। 3096 Tage में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Antonia Campbell-Hughes एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
3096 Tage अपनी शैली के इतिहास में एक विशिष्ट स्थान पर है: इसे तब बनाया गया था जब यह जिन परंपराओं के साथ काम करता था वे स्थापित होने के बजाय अभी भी विकसित हो रहे थे। Sherry Hormann किसी सिद्ध फार्मूले को लागू नहीं कर रहा था बल्कि कुछ ऐसा निर्माण कर रहा था जिसकी प्रभावशीलता की गारंटी नहीं थी। 7.4 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिन्होंने वास्तविक रचनात्मक जोखिम की उन परिस्थितियों में किए गए काम पर प्रतिक्रिया दी। उसी स्थान पर समसामयिक फिल्मों को यह जानने का लाभ है कि क्या काम करता है क्योंकि 3096 Tage और इसके जैसी फिल्मों ने इसे प्रदर्शित किया है। उस संदर्भ में 3096 Tage को देखना - सिद्ध परंपरा के सुरक्षा जाल के बिना किए गए रचनात्मक कार्य के रूप में - देखने के अनुभव में एक आयाम जोड़ता है जो परंपरा स्थापित होने के बाद बनी फिल्मों को देखने से उपलब्ध नहीं होता है।
सूची में इस स्थान पर 3096 Tage एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Antonia Campbell-Hughes का प्रदर्शन और Sherry Hormann का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
Die Fälscher
The story of Jewish counterfeiter Salomon Sorowitsch, who was coerced into assisting the Nazi operation of the Sachsenhausen concentration camp during World War II.
क्यों देखें?: Stefan Ruzowitzky Die Fälscher को उस धैर्य के साथ पेश करता है जिसकी अच्छे नाटक को आवश्यकता होती है और जो शायद ही कभी मिलता है। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जो अपने भावनात्मक क्षणों को शेड्यूल करने के बजाय अर्जित करती है।
Die Fälscher के लिए 2007 संदर्भ मायने रखता है। यह वह दौर था जब मूल विचारों वाली मध्य-बजट फिल्मों को अभी भी नाटकीय रिलीज मिलती थी - जिस तरह की फिल्म Die Fälscher प्रतिनिधित्व करती है। Stefan Ruzowitzky ने उस स्थान का उपयोग कुछ ऐसा बनाने के लिए किया जिसे मौजूदा बाज़ार हरी झंडी देने के लिए संघर्ष करेगा। 7.4 रेंज की फिल्में अक्सर सूची में उनकी स्थिति से अधिक दिलचस्प होती हैं। उन्होंने उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है, जिसका अर्थ है कि Die Fälscher को पूर्व धारणाओं के बिना प्राप्त करना आसान है। Die Fälscher को उससे लाभ होता है। इसे नाटक के रूप में जो अलग करता है वह यह है कि निर्देशक ने यह बताने से इंकार कर दिया कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। फिल्म भावनात्मक भार वाली स्थितियाँ बनाती है और फिर दर्शकों पर भरोसा करती है कि वे स्वयं उस भार को वहन करेंगे। प्रदर्शन अति-संकेतन के बिना भावनात्मक रजिस्टर प्रदान करते हैं। Die Fälscher, german सिनेमा के किसी भी गंभीर खाते से संबंधित है क्योंकि यह दर्शाता है कि राष्ट्रीय सिनेमा अपने सर्वोत्तम स्तर पर क्या हासिल करता है। यहां दिखाई देने वाली विशिष्ट चिंताएं और दृष्टिकोण ही german फिल्मों के अंतर्राष्ट्रीय दर्शक वर्ग का कारण हैं।
Die Fälscher की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Stefan Ruzowitzky ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Die Fälscher चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Die Fälscher को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
Die Fälscher उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 7.4 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Die Fälscher को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Stefan Ruzowitzky और Karl Markovics कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
7.4 रेटिंग जो Die Fälscher को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। Die Fälscher को उच्च अंक देने का उनका निर्णय Stefan Ruzowitzky ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। Die Fälscher मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo
A teen girl in 1970s Berlin becomes addicted to heroin. Everything in her life slowly begins to distort and disappear as she befriends a small crew of junkies and falls in love with a drug-abusing male prostitute.
क्यों देखें?: उस तरह का ड्रामा जो क्रेडिट के बाद भी आपके साथ रहता है। Uli Edel सामग्री में धैर्य लाता है जो इसे मानक किराये से ऊपर उठाता है।
Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo (1981) इंटरनेट द्वारा हर फिल्म को तुरंत हर जगह उपलब्ध कराने से पहले आया था। दर्शकों तक पहुँचने के लिए वास्तविक मौखिक प्रचार की आवश्यकता होती है, और Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo ने उस मौखिक प्रचार का निर्माण किया क्योंकि इसने कुछ वास्तविक प्रस्तुत किया। 7.3 रेटिंग एक साथ सुसंगत स्तरों पर निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन को दर्शाती है। इस श्रेणी में स्कोर करने वाली फिल्में शायद ही किसी एक आयाम में महत्वपूर्ण रूप से असफल होती हैं, और Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo कोई अपवाद नहीं है। निर्देशक इतने धैर्य से काम करता है कि अधिकांश समकालीन नाटक वहन नहीं कर सकते। दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे चलने की अनुमति दी जाती है, ताकि वे जो कहने आए थे उसे कहने के बाद पात्र क्या करते हैं, उसमें सच्चाई का पता लगाया जा सके। कलाकार इस लय को समझते हैं। german सिनेमा के रूप में, Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo विशिष्ट दृश्य और कथात्मक संवेदनशीलता रखता है जो राष्ट्रीय सिनेमा को अंतरराष्ट्रीय समकक्षों से अलग करता है। गति, चरित्र और कहानी संरचना का दृष्टिकोण सांस्कृतिक संदर्भ को दर्शाता है जो देखने के अनुभव को समृद्ध करता है।
Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Uli Edel समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Natja Brunckhorst इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Uli Edel के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Natja Brunckhorst के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Uli Edel का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो Christiane F. - Wir Kinder vom Bahnhof Zoo को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
Stalingrad
A German Platoon is explored through the brutal fighting of the Battle of Stalingrad. After half of their number is wiped out and they're placed under the command of a sadistic captain, the platoon lieutenant leads his men to desert. The platoon members attempt escape from the city, now surrounded by the Soviet Army.
क्यों देखें?: Stalingrad वह नाटक है जो मौन पर भरोसा करता है। Joseph Vilsmaier दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे बढ़ने के लिए जगह देता है, जब पात्र प्रदर्शन करना बंद कर देते हैं तो वे क्या करते हैं, इसमें कुछ सच्चाई ढूंढती है।
1993 में रिलीज़, Stalingrad उस युग में बनाई गई थी जब नाटकीय प्रदर्शन यह निर्धारित करते थे कि कोई फिल्म जीवित रहेगी या नहीं। Joseph Vilsmaier ने कुछ ऐसा बनाया जो जीवित रहा, और आज की 7.3 रेटिंग उस टिके रहने की शक्ति का प्रमाण है। Stalingrad के लिए 7.3 स्कोर इसे उन फिल्मों में रखता है जो महत्वपूर्ण कमजोरियों के बिना अपने आधार पर काम करती हैं। Joseph Vilsmaier ने कुछ ऐसा बनाया जो पूरी तरह से उद्देश्य के अनुसार काम करता है, जो सुनने में जितना आम लगता है उससे कम है। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। Stalingrad उसका प्रतिनिधि है जो german सिनेमा विशिष्ट रूप से करता है। इस फिल्म में बनाई गई कहानी कहने की धारणाएं पश्चिमी सिनेमा से इस मायने में भिन्न हैं कि जैसे ही आप उन पर ध्यान देना शुरू करते हैं, वे दिखाई देने लगती हैं। वह अंतर विशेष रूप से german फिल्में देखने का मूल्य है।
Stalingrad में सिनेमैटोग्राफी फिल्म प्रौद्योगिकी में एक संक्रमणकालीन अवधि को दर्शाती है, जब डिजिटल उपकरण उपलब्ध थे लेकिन फिल्म निर्माता अभी भी इस बात पर बहस कर रहे थे कि उनका उपयोग किया जाए या नहीं। Joseph Vilsmaier ने दृश्य शैली के बारे में ऐसे विकल्प चुने जो डिफ़ॉल्ट के बजाय जानबूझकर थे। Stalingrad को जिस तरह से जलाया जाता है, फ्रेम किया जाता है और काटा जाता है, वह उद्योग सम्मेलन के बजाय एक विशिष्ट दृश्य बुद्धिमत्ता को दर्शाता है। Dominique Horwitz उस दृश्य ढांचे के भीतर उन तरीकों से काम करता है जो सबसे अधिक तब दिखाई देते हैं जब आप फिल्म देखते हैं, इस बात पर ध्यान देते हैं कि वे क्या कर रहे हैं इसके बजाय उन्हें फ्रेम में कैसे रखा गया है।
Stalingrad उन शामों के लिए उपयुक्त है जब आप किसी ऐसी चीज़ के बजाय वास्तविक सामग्री के साथ कुछ देखना चाहते हैं जो केवल समय भरती हो। यह एक पृष्ठभूमि फिल्म नहीं है और यह एक निष्क्रिय अनुभव नहीं है। Joseph Vilsmaier ने कुछ ऐसा बनाया है जो आपका ध्यान आकर्षित करता है और इसे सामान्य के बजाय विशेष रूप से पुरस्कृत करता है। जो दर्शक अन्य काम करते हुए Stalingrad देखते हैं, उन्हें फिल्म का एक ऐसा संस्करण मिलेगा जो उस व्यक्ति के लिए उपलब्ध संस्करण से काफी कम है जो इस पर अपना पूरा ध्यान देता है। 7.3 रेटिंग पूरे ध्यान से देखने के अनुभव को दर्शाती है। कास्ट - Dominique Horwitz विशेष रूप से - प्रदर्शन विवरण प्रदान करता है जो केंद्रित देखने में दर्ज होता है और विचलित देखने में गायब हो जाता है।
Stalingrad इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Joseph Vilsmaier ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 7.3 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Joseph Vilsmaier के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर Stalingrad को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
Funny Games
Two psychotic young men take a mother, father, and son hostage in their vacation cabin and force them to play sadistic "games" with one another for their own amusement.
क्यों देखें?: थ्रिलर शिल्प का सर्वोत्तम अर्थ यह है कि दर्शकों को कुछ भी स्पष्ट घटित होने से पहले भय महसूस होता है। Michael Haneke सूचना और समय के नियंत्रण के माध्यम से Funny Games में इसे प्राप्त करता है।
Funny Games की तारीख 1997 से है, जिसका अर्थ है कि इसे दर्शकों की कई पीढ़ियों द्वारा परीक्षण किया गया है। तथ्य यह है कि Funny Games अभी भी उच्च रैंक पर है, पुरानी यादों के बजाय वास्तविक शिल्प को दर्शाता है। 7.3 पर, Funny Games उस श्रेणी में आता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने उच्च-रेटेड शीर्षकों की व्यापक सहमति हासिल नहीं की है। वह संकीर्ण आम सहमति अक्सर एक विशिष्ट अपील को दर्शाती है - Funny Games हर किसी के लिए नहीं है, लेकिन सही दर्शक के लिए यह उत्कृष्ट है। यह थ्रिलर की श्रेणी में आता है जहां तनाव शारीरिक के बजाय मनोवैज्ञानिक होता है। निर्देशक को भरोसा है कि दर्शक स्पष्ट खतरा दिखाए बिना दबाव महसूस करेंगे। परिणाम पारंपरिक थ्रिलर यांत्रिकी की तुलना में अधिक परेशान करने वाला है। यह समझने के लिए कि Funny Games सर्वश्रेष्ठ german फिल्मों की सूची में क्यों है, राष्ट्रीय सिनेमा के मूल्यों पर ध्यान देने की आवश्यकता है। Michael Haneke उन मूल्यों के भीतर और विरुद्ध उन तरीकों से काम करता है जो इस पृष्ठ पर अन्य german फिल्मों की तुलना में सबसे अधिक दिखाई देते हैं।
Funny Games की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Michael Haneke ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Susanne Lothar ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Funny Games में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Funny Games उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 7.3 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Funny Games को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Michael Haneke और Susanne Lothar कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
सूची के इस भाग में Funny Games की स्थिति एक ऐसी फिल्म को दर्शाती है जो सभी के लिए सब कुछ बनने की इच्छा किए बिना विश्वसनीय रूप से अपने विशिष्ट गुण प्रदान करती है। Michael Haneke ने समझा कि फिल्म क्या थी और इसे शिल्प के उच्च स्तर पर बनाया। 7.3 रेटिंग उन दर्शकों का प्रतिनिधित्व करती है जो उन शर्तों पर फिल्म से जुड़े रहे और इसे अत्यधिक रेटिंग के लायक पाया। अलग-अलग उम्मीदें लेकर आने वाले दर्शकों को कभी-कभी फिल्म रेटिंग से कम संतोषजनक लगती है - जो कि फिल्म की नहीं बल्कि उम्मीद की कमजोरी है। Funny Games बिल्कुल वैसा ही है, जिसे कुशलता से बनाया गया है, और इसे रेटिंग देने वाले मतदाता उस पर प्रतिक्रिया दे रहे थे।
Lola rennt
Lola receives a phone call from her boyfriend Manni. He lost 100,000 DM in a subway train that belongs to a very bad guy. She has 20 minutes to raise this amount and meet Manni. Otherwise, he will rob a store to get the money. Three different alternatives may happen depending on some minor event along Lola's run.
क्यों देखें?: Lola rennt दर्शाता है कि सर्वश्रेष्ठ थ्रिलर संयम के माध्यम से काम करते हैं। Tom Tykwer यथासंभव लंबे समय तक रोक लगाता है और परिणाम पारंपरिक वृद्धि से अधिक प्रभावी होता है।
Lola rennt की 1998 रिलीज पूरी तरह से स्ट्रीमिंग युग से पहले की है। Lola rennt रेटिंग देने वाले प्रत्येक दर्शक ने जानबूझकर प्रयास के माध्यम से इसे खोजा - नाटकीय स्क्रीनिंग, भौतिक मीडिया, या अनुशंसा। Lola rennt के लिए वह ऑडियंस सहभागिता के लिए स्व-चयन कर रही है। 7.3 पर Lola rennt इस सूची के विश्वसनीय स्तर का प्रतिनिधित्व करता है। ये वो फिल्में हैं जो निराश नहीं करतीं. Tom Tykwer ने समझा कि फिल्म को क्या चाहिए और बिना किसी समझौते के इसे निष्पादित किया। निर्देशक जो छिपाकर रखता है उसमें शिल्प सबसे ज्यादा झलकता है। सूचना रणनीतिक रूप से जारी की जाती है, प्रत्येक रहस्योद्घाटन जो पहले आया था उसे पुनः संदर्भित करता है। प्रदर्शनों को नियंत्रित प्रकटीकरण के अनुसार अंशांकित किया जाता है। Lola rennt इस तर्क में योगदान देता है कि german सिनेमा ने अंतर्राष्ट्रीय महत्व का काम किया है। वैश्विक दर्शकों से प्राप्त 7.3 रेटिंग इस बात की पुष्टि करती है कि फिल्म के गुण सांस्कृतिक रूप से विशिष्ट नहीं हैं - वे अनुवाद करते हैं।
Lola rennt में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Tom Tykwer ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Franka Potente ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Lola rennt में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Franka Potente एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
पहली बार Lola rennt देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Tom Tykwer दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। Lola rennt में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Franka Potente इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 1998 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Tom Tykwer का इरादा है।
इस तरह की सूचियों में ग्यारह से पच्चीस श्रेणी में स्थित फिल्में अक्सर सबसे उपयोगी खोज होती हैं क्योंकि वे सांस्कृतिक भार के बिना शीर्ष दस की गुणवत्ता रखती हैं। Lola rennt इस स्थिति में है, इसलिए नहीं कि यह इसके ऊपर की प्रविष्टियों की तुलना में काफी खराब है, बल्कि इसलिए कि इसकी अपील अधिक केंद्रित है। Lola rennt में Tom Tykwer जो कर रहा है, उससे जुड़ने वाले दर्शक इसे इस सूची की किसी भी फिल्म के समान ही उच्च रेटिंग देते हैं। व्यापक मतदाता आधार का औसत इसे यहीं रखता है। जिन दर्शकों के पास यह सोचने के विशिष्ट कारण हैं कि यह फिल्म उनके लिए है - शैली की प्राथमिकता, निर्देशक की रुचि या युग के आधार पर - उन्हें इससे ऊपर रैंक वाली कई प्रविष्टियों पर इसे प्राथमिकता देनी चाहिए।
Sissi
The young Bavarian princess Elisabeth, who all call Sissi, goes with her mother and older sister Néné to Austria where Néné will be wed to an emperor named Franz Joseph, Yet unexpectedly Franz runs into Sissi while out fishing and they fall in love.
क्यों देखें?: उस तरह का ड्रामा जो क्रेडिट के बाद भी आपके साथ रहता है। Ernst Marischka सामग्री में धैर्य लाता है जो इसे मानक किराये से ऊपर उठाता है।
Sissi (1955) इंटरनेट द्वारा हर फिल्म को तुरंत हर जगह उपलब्ध कराने से पहले आया था। दर्शकों तक पहुँचने के लिए वास्तविक मौखिक प्रचार की आवश्यकता होती है, और Sissi ने उस मौखिक प्रचार का निर्माण किया क्योंकि इसने कुछ वास्तविक प्रस्तुत किया। एक बड़े मतदाता समूह से 7.3 रेटिंग का मतलब है कि फिल्म में वास्तविक ताकतें हैं जो दर्शकों द्वारा पाई गई सभी कमजोरियों पर भारी पड़ती हैं। Sissi अपने केंद्रीय वादे को पूरा करता है, जो कि न्यूनतम मानक है जिसे किसी भी फिल्म को पूरा करना चाहिए और रिलीज की संख्या की तुलना में कम उपलब्धि हासिल होती है। निर्देशक इतने धैर्य से काम करता है कि अधिकांश समकालीन नाटक वहन नहीं कर सकते। दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे चलने की अनुमति दी जाती है, ताकि वे जो कहने आए थे उसे कहने के बाद पात्र क्या करते हैं, उसमें सच्चाई का पता लगाया जा सके। कलाकार इस लय को समझते हैं। german सिनेमा का कहानी संरचना, चरित्र की आंतरिकता और दृश्य भाषा के साथ एक विशिष्ट संबंध है। Sissi उन भेदों को स्पष्ट रूप से प्रदर्शित करता है। german सिनेमा में नए दर्शकों को यह फिल्म एक उपयोगी अभिविन्यास बिंदु लगेगी।
Sissi की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Ernst Marischka ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Sissi चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Sissi को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
जिन दर्शकों ने Sissi से प्रभावित फिल्में देखी हैं, उन्हें मूल फिल्म देखने का अनुभव किसी समकालीन फिल्म को देखने से अलग अनुभव होगा। जो तकनीकें परिचित लगती हैं क्योंकि उन्हें बड़े पैमाने पर कॉपी किया गया है, वे यहां अपने मूल रूप में दिखाई देती हैं, जिससे अक्सर पता चलता है कि प्रतियां Ernst Marischka ने जो किया उसके पीछे के तर्क को समझे बिना सतह को समझ लिया। Sissi विशिष्ट कहानी कहने के लक्ष्यों की सेवा में अपने शैलीगत विकल्पों का उपयोग करता है। बाद की फिल्मों ने उन विकल्पों को उधार लिया और अक्सर उन्हें फ़ंक्शन के बिना शैली के रूप में उपयोग किया। मूल को देखने से स्पष्ट होता है कि वास्तव में क्या पूरा किया जा रहा था। यहां Romy Schneider के काम में एक विशिष्टता भी है कि इससे प्रेरित कई प्रदर्शनों में कमी है - नकल ने उस आंतरिकता के बिना तरीके को पकड़ लिया जिसने तरीके को कुछ अर्थपूर्ण बना दिया।
सूची में इस स्थान पर Sissi एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Romy Schneider का प्रदर्शन और Ernst Marischka का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
Nosferatu - Phantom der Nacht
A real estate agent leaves behind his beautiful wife to go to Transylvania to visit the mysterious Count Dracula and formalize the purchase of a property in Wismar.
क्यों देखें?: Nosferatu - Phantom der Nacht वह नाटक है जो मौन पर भरोसा करता है। Werner Herzog दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे बढ़ने के लिए जगह देता है, जब पात्र प्रदर्शन करना बंद कर देते हैं तो वे क्या करते हैं, इसमें कुछ सच्चाई ढूंढती है।
1979 में रिलीज़, Nosferatu - Phantom der Nacht उस युग में बनाई गई थी जब नाटकीय प्रदर्शन यह निर्धारित करते थे कि कोई फिल्म जीवित रहेगी या नहीं। Werner Herzog ने कुछ ऐसा बनाया जो जीवित रहा, और आज की 7.3 रेटिंग उस टिके रहने की शक्ति का प्रमाण है। Nosferatu - Phantom der Nacht के लिए 7.3 स्कोर उन दर्शकों से बनाया गया है जिनके पास विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। यह विकल्प एक ऐसी फिल्म को दर्शाता है जिसने स्पष्ट रूप से अपना पक्ष रखा - जो कि Nosferatu - Phantom der Nacht बिल्कुल यही करता है। Werner Herzog ने तर्क दिया और दर्शकों ने इसे स्वीकार कर लिया। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। अंतर्राष्ट्रीय दर्शकों से Nosferatu - Phantom der Nacht के लिए 7.3 रेटिंग यहां महत्वपूर्ण तथ्य है। german सांस्कृतिक संदर्भ में निहित एक फिल्म, उस संदर्भ के बाहर के लोगों द्वारा इसे उच्च रेटिंग दी गई है, इसका मतलब है कि फिल्म के गुण सांस्कृतिक साक्षरता पर निर्भर नहीं हैं।
Nosferatu - Phantom der Nacht का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Werner Herzog समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Nosferatu - Phantom der Nacht में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Klaus Kinski इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
Nosferatu - Phantom der Nacht उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 7.3 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Nosferatu - Phantom der Nacht को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Werner Herzog और Klaus Kinski कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
7.3 रेटिंग जो Nosferatu - Phantom der Nacht को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। Nosferatu - Phantom der Nacht को उच्च अंक देने का उनका निर्णय Werner Herzog ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। Nosferatu - Phantom der Nacht मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
सर्वश्रेष्ठ सिनेमा आपका ध्यान आकर्षित करता है। यहां हर फिल्म ने उतना समय कमाया है जितना उसे चाहिए।
Colonia Dignidad – Es gibt kein Zurück
A young woman's desperate search for her abducted boyfriend draws her into the infamous Colonia Dignidad, a sect nobody ever escaped from.
क्यों देखें?: जो चीज़ Colonia Dignidad – Es gibt kein Zurück को नाटक के रूप में काम करती है, वह है Florian Gallenberger द्वारा यह समझाने से इनकार करना कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। भावनात्मक रजिस्टर बनाया जाता है, संकेत नहीं दिया जाता।
Colonia Dignidad – Es gibt kein Zurück (2016) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Florian Gallenberger ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 7.3 पर Colonia Dignidad – Es gibt kein Zurück एक ऐसी फिल्म है जहां शिल्प कई आयामों में लगातार औसत से ऊपर है। कोई भी एक तत्व दूसरे को वहन नहीं करता। निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन सभी एक ही दिशा में खींच रहे हैं। फिल्म दर्शाती है कि नाटक वह क्या कर सकता है जो अन्य शैलियाँ नहीं कर सकतीं: सामान्य मानव व्यवहार को दबाव में रखना और प्रतिक्रिया के माध्यम से चरित्र को प्रकट करना। निर्देशक उन परिस्थितियों का निर्माण करता है और कलाकार उन्हें वास्तविक विश्वास के साथ निभाते हैं। Colonia Dignidad – Es gibt kein Zurück में Florian Gallenberger की पसंद german फिल्म निर्माण परंपराओं द्वारा आकार ली गई है जिनका अपना इतिहास और तर्क है। वे परंपराएँ हॉलीवुड मॉडल की तुलना में भिन्न परिणाम उत्पन्न करती हैं। अंतर को समझना german सिनेमा की पेशकश का हिस्सा है।
Colonia Dignidad – Es gibt kein Zurück में दृश्य दृष्टिकोण Florian Gallenberger की समझ को दर्शाता है कि शैली और पदार्थ एक ही चीज़ हैं। Colonia Dignidad – Es gibt kein Zurück का कैमरा प्लेसमेंट, रंग ग्रेडिंग और संपादन लय सजावटी निर्णय नहीं हैं। वे इस बारे में तर्क हैं कि कहानी का अनुभव कैसे किया जाना चाहिए। Emma Watson को इस तरह से शूट किया गया है कि किसी शब्द के बोलने से पहले ही उसके चरित्र का संचार हो जाता है। जो दर्शक दृश्य व्याकरण पर ध्यान देकर Colonia Dignidad – Es gibt kein Zurück को दूसरी बार देखते हैं, उन्हें अर्थ की एक परत मिलेगी जो संवाद और कथानक से स्वतंत्र रूप से संचालित होती है।
Colonia Dignidad – Es gibt kein Zurück के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Colonia Dignidad – Es gibt kein Zurück को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Colonia Dignidad – Es gibt kein Zurück दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Florian Gallenberger के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Emma Watson के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, Colonia Dignidad – Es gibt kein Zurück उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: Colonia Dignidad – Es gibt kein Zurück अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Florian Gallenberger का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो Colonia Dignidad – Es gibt kein Zurück को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
Vampyr - Der Traum des Allan Grey
Allan Gray, a young man fascinated by the supernatural, goes to a small village where he feels a sinister force descending upon him. There, Allan meets an old man who asks him to protect his two daughters, for one of them has been bitten by a vampire.
क्यों देखें?: Vampyr - Der Traum des Allan Grey डरावनी श्रेणी से संबंधित है जो कायम रहती है। इससे पैदा होने वाली बेचैनी निहितार्थ और माहौल से आती है, जो सदमे के क्षणों की तरह खत्म नहीं होती है।
Vampyr - Der Traum des Allan Grey की 1932 रिलीज पूरी तरह से स्ट्रीमिंग युग से पहले की है। Vampyr - Der Traum des Allan Grey रेटिंग देने वाले प्रत्येक दर्शक ने जानबूझकर प्रयास के माध्यम से इसे खोजा - नाटकीय स्क्रीनिंग, भौतिक मीडिया, या अनुशंसा। Vampyr - Der Traum des Allan Grey के लिए वह ऑडियंस सहभागिता के लिए स्व-चयन कर रही है। 7.3 रेंज की फिल्में अक्सर सूची में उनकी स्थिति से अधिक दिलचस्प होती हैं। उन्होंने उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है, जिसका अर्थ है कि Vampyr - Der Traum des Allan Grey को पूर्व धारणाओं के बिना प्राप्त करना आसान है। Vampyr - Der Traum des Allan Grey को उससे लाभ होता है। भयावहता में ऐसे जोखिम हैं जो अस्तित्व से परे तक फैले हुए हैं। निर्देशक डर को किसी वास्तविक चीज़ से जोड़ता है - चरित्र, संबंध, या नैतिकता। डराना मायने रखता है क्योंकि जिस बात की धमकी दी जा रही है वह मायने रखती है। Vampyr - Der Traum des Allan Grey, german सिनेमा के किसी भी गंभीर खाते से संबंधित है क्योंकि यह दर्शाता है कि राष्ट्रीय सिनेमा अपने सर्वोत्तम स्तर पर क्या हासिल करता है। यहां दिखाई देने वाली विशिष्ट चिंताएं और दृष्टिकोण ही german फिल्मों के अंतर्राष्ट्रीय दर्शक वर्ग का कारण हैं।
Vampyr - Der Traum des Allan Grey की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Carl Theodor Dreyer ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Nicolas de Gunzburg ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Vampyr - Der Traum des Allan Grey में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Vampyr - Der Traum des Allan Grey को उन स्थितियों में सबसे अच्छा देखा जाता है जो वातावरण को कार्य करने की अनुमति देती हैं: कम रोशनी, न्यूनतम रुकावट, और आदर्श रूप से उन विशिष्ट क्षणों के पूर्व ज्ञान के बिना जो सांस्कृतिक रूप से प्रसिद्ध हो गए हैं। जब दर्शकों को ठीक-ठीक पता होता है कि क्या होने वाला है तो हॉरर अपनी प्रभावशीलता खो देता है, और Vampyr - Der Traum des Allan Grey की इतनी चर्चा हो चुकी है कि इसके कुछ प्रमुख दृश्यों से वे लोग भी परिचित हैं जिन्होंने फिल्म नहीं देखी है। यदि आप सीमित पूर्व ज्ञान के साथ इस तक पहुंच सकते हैं, तो ऐसा करें। Carl Theodor Dreyer ने Vampyr - Der Traum des Allan Grey में जिस वायुमंडलीय शिल्प का निर्माण किया है, वह दर्शकों के वास्तविक अनिश्चितता की स्थिति पर निर्भर करता है। 7.3 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जो इसे देखते समय उसी स्थिति में थे।
Vampyr - Der Traum des Allan Grey इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Carl Theodor Dreyer ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 7.3 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Carl Theodor Dreyer के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर Vampyr - Der Traum des Allan Grey को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
Das Lehrerzimmer
When one of her students is suspected of theft, teacher Carla Nowak decides to get to the bottom of the matter. Caught between her ideals and the school system, the consequences of her actions threaten to break her.
क्यों देखें?: उस तरह का ड्रामा जो क्रेडिट के बाद भी आपके साथ रहता है। İlker Çatak सामग्री में धैर्य लाता है जो इसे मानक किराये से ऊपर उठाता है।
Das Lehrerzimmer समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। İlker Çatak ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। 7.2 रेटिंग एक साथ सुसंगत स्तरों पर निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन को दर्शाती है। इस श्रेणी में स्कोर करने वाली फिल्में शायद ही किसी एक आयाम में महत्वपूर्ण रूप से असफल होती हैं, और Das Lehrerzimmer कोई अपवाद नहीं है। निर्देशक इतने धैर्य से काम करता है कि अधिकांश समकालीन नाटक वहन नहीं कर सकते। दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे चलने की अनुमति दी जाती है, ताकि वे जो कहने आए थे उसे कहने के बाद पात्र क्या करते हैं, उसमें सच्चाई का पता लगाया जा सके। कलाकार इस लय को समझते हैं। german सिनेमा के रूप में, Das Lehrerzimmer विशिष्ट दृश्य और कथात्मक संवेदनशीलता रखता है जो राष्ट्रीय सिनेमा को अंतरराष्ट्रीय समकक्षों से अलग करता है। गति, चरित्र और कहानी संरचना का दृष्टिकोण सांस्कृतिक संदर्भ को दर्शाता है जो देखने के अनुभव को समृद्ध करता है।
Das Lehrerzimmer में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे İlker Çatak ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Leonie Benesch ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Das Lehrerzimmer में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Leonie Benesch एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Das Lehrerzimmer उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 7.2 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Das Lehrerzimmer को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। İlker Çatak और Leonie Benesch कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
सूची के इस भाग में Das Lehrerzimmer की स्थिति एक ऐसी फिल्म को दर्शाती है जो सभी के लिए सब कुछ बनने की इच्छा किए बिना विश्वसनीय रूप से अपने विशिष्ट गुण प्रदान करती है। İlker Çatak ने समझा कि फिल्म क्या थी और इसे शिल्प के उच्च स्तर पर बनाया। 7.2 रेटिंग उन दर्शकों का प्रतिनिधित्व करती है जो उन शर्तों पर फिल्म से जुड़े रहे और इसे अत्यधिक रेटिंग के लायक पाया। अलग-अलग उम्मीदें लेकर आने वाले दर्शकों को कभी-कभी फिल्म रेटिंग से कम संतोषजनक लगती है - जो कि फिल्म की नहीं बल्कि उम्मीद की कमजोरी है। Das Lehrerzimmer बिल्कुल वैसा ही है, जिसे कुशलता से बनाया गया है, और इसे रेटिंग देने वाले मतदाता उस पर प्रतिक्रिया दे रहे थे।
The NeverEnding Story
While hiding from bullies in his school's attic, a young boy discovers the extraordinary land of Fantasia, through a magical book called The Neverending Story. The book tells the tale of Atreyu, a young warrior who, with the help of a luck dragon named Falkor, must save Fantasia from the destruction of The Nothing.
क्यों देखें?: The NeverEnding Story एक ऐसी फिल्म है जहां हर दृश्य कुछ खास कर रहा है। Wolfgang Petersen उद्देश्य की गंभीरता लाता है जिसे एक छोटा फिल्म निर्माता वैकल्पिक मानता है।
1984 में रिलीज़, The NeverEnding Story उस युग में बनाई गई थी जब नाटकीय प्रदर्शन यह निर्धारित करते थे कि कोई फिल्म जीवित रहेगी या नहीं। Wolfgang Petersen ने कुछ ऐसा बनाया जो जीवित रहा, और आज की 7.2 रेटिंग उस टिके रहने की शक्ति का प्रमाण है। The NeverEnding Story के लिए 7.2 स्कोर इसे उन फिल्मों में रखता है जो महत्वपूर्ण कमजोरियों के बिना अपने आधार पर काम करती हैं। Wolfgang Petersen ने कुछ ऐसा बनाया जो पूरी तरह से उद्देश्य के अनुसार काम करता है, जो सुनने में जितना आम लगता है उससे कम है। निर्देशक की यह समझ कि विश्व-निर्माण के लिए विशिष्टता की आवश्यकता होती है, फिल्म को फंतासी के रूप में प्रदर्शित करती है। सामान्य फंतासी तत्व अनूठे विवरणों को रास्ता देते हैं जो दुनिया को अपने तर्क के भीतर जीवंत और वास्तविक महसूस कराते हैं। The NeverEnding Story उसका प्रतिनिधि है जो german सिनेमा विशिष्ट रूप से करता है। इस फिल्म में बनाई गई कहानी कहने की धारणाएं पश्चिमी सिनेमा से इस मायने में भिन्न हैं कि जैसे ही आप उन पर ध्यान देना शुरू करते हैं, वे दिखाई देने लगती हैं। वह अंतर विशेष रूप से german फिल्में देखने का मूल्य है।
The NeverEnding Story की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Wolfgang Petersen ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। The NeverEnding Story चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे The NeverEnding Story को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
पहली बार The NeverEnding Story देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Wolfgang Petersen दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। The NeverEnding Story में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Noah Hathaway इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 1984 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Wolfgang Petersen का इरादा है।
इस तरह की सूचियों में ग्यारह से पच्चीस श्रेणी में स्थित फिल्में अक्सर सबसे उपयोगी खोज होती हैं क्योंकि वे सांस्कृतिक भार के बिना शीर्ष दस की गुणवत्ता रखती हैं। The NeverEnding Story इस स्थिति में है, इसलिए नहीं कि यह इसके ऊपर की प्रविष्टियों की तुलना में काफी खराब है, बल्कि इसलिए कि इसकी अपील अधिक केंद्रित है। The NeverEnding Story में Wolfgang Petersen जो कर रहा है, उससे जुड़ने वाले दर्शक इसे इस सूची की किसी भी फिल्म के समान ही उच्च रेटिंग देते हैं। व्यापक मतदाता आधार का औसत इसे यहीं रखता है। जिन दर्शकों के पास यह सोचने के विशिष्ट कारण हैं कि यह फिल्म उनके लिए है - शैली की प्राथमिकता, निर्देशक की रुचि या युग के आधार पर - उन्हें इससे ऊपर रैंक वाली कई प्रविष्टियों पर इसे प्राथमिकता देनी चाहिए।
Im Labyrinth des Schweigens
A young prosecutor in postwar West Germany investigates a massive conspiracy to cover up the Nazi pasts of prominent public figures.
क्यों देखें?: जो चीज़ Im Labyrinth des Schweigens को नाटक के रूप में काम करती है, वह है Giulio Ricciarelli द्वारा यह समझाने से इनकार करना कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। भावनात्मक रजिस्टर बनाया जाता है, संकेत नहीं दिया जाता।
Im Labyrinth des Schweigens (2014) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Giulio Ricciarelli ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 7.2 पर, Im Labyrinth des Schweigens उस श्रेणी में आता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने उच्च-रेटेड शीर्षकों की व्यापक सहमति हासिल नहीं की है। वह संकीर्ण आम सहमति अक्सर एक विशिष्ट अपील को दर्शाती है - Im Labyrinth des Schweigens हर किसी के लिए नहीं है, लेकिन सही दर्शक के लिए यह उत्कृष्ट है। फिल्म दर्शाती है कि नाटक वह क्या कर सकता है जो अन्य शैलियाँ नहीं कर सकतीं: सामान्य मानव व्यवहार को दबाव में रखना और प्रतिक्रिया के माध्यम से चरित्र को प्रकट करना। निर्देशक उन परिस्थितियों का निर्माण करता है और कलाकार उन्हें वास्तविक विश्वास के साथ निभाते हैं। यह समझने के लिए कि Im Labyrinth des Schweigens सर्वश्रेष्ठ german फिल्मों की सूची में क्यों है, राष्ट्रीय सिनेमा के मूल्यों पर ध्यान देने की आवश्यकता है। Giulio Ricciarelli उन मूल्यों के भीतर और विरुद्ध उन तरीकों से काम करता है जो इस पृष्ठ पर अन्य german फिल्मों की तुलना में सबसे अधिक दिखाई देते हैं।
Im Labyrinth des Schweigens का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Giulio Ricciarelli समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Im Labyrinth des Schweigens में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Alexander Fehling इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
Im Labyrinth des Schweigens अपनी शैली के इतिहास में एक विशिष्ट स्थान पर है: इसे तब बनाया गया था जब यह जिन परंपराओं के साथ काम करता था वे स्थापित होने के बजाय अभी भी विकसित हो रहे थे। Giulio Ricciarelli किसी सिद्ध फार्मूले को लागू नहीं कर रहा था बल्कि कुछ ऐसा निर्माण कर रहा था जिसकी प्रभावशीलता की गारंटी नहीं थी। 7.2 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिन्होंने वास्तविक रचनात्मक जोखिम की उन परिस्थितियों में किए गए काम पर प्रतिक्रिया दी। उसी स्थान पर समसामयिक फिल्मों को यह जानने का लाभ है कि क्या काम करता है क्योंकि Im Labyrinth des Schweigens और इसके जैसी फिल्मों ने इसे प्रदर्शित किया है। उस संदर्भ में Im Labyrinth des Schweigens को देखना - सिद्ध परंपरा के सुरक्षा जाल के बिना किए गए रचनात्मक कार्य के रूप में - देखने के अनुभव में एक आयाम जोड़ता है जो परंपरा स्थापित होने के बाद बनी फिल्मों को देखने से उपलब्ध नहीं होता है।
सूची में इस स्थान पर Im Labyrinth des Schweigens एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Alexander Fehling का प्रदर्शन और Giulio Ricciarelli का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
Saphirblau
Gwen has just discovered, that she's the final member of the secret time-traveling Circle of Twelve. Now she has to juggle with constant trips to the past, her relationships with Gideon and figuring out dark secrets surrounding the Circle.
क्यों देखें?: Felix Fuchssteiner Saphirblau को उस धैर्य के साथ पेश करता है जिसकी अच्छे नाटक को आवश्यकता होती है और जो शायद ही कभी मिलता है। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जो अपने भावनात्मक क्षणों को शेड्यूल करने के बजाय अर्जित करती है।
2014 में, जब Felix Fuchssteiner ने Saphirblau बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। Saphirblau को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 7.1 पर Saphirblau इस सूची के विश्वसनीय स्तर का प्रतिनिधित्व करता है। ये वो फिल्में हैं जो निराश नहीं करतीं. Felix Fuchssteiner ने समझा कि फिल्म को क्या चाहिए और बिना किसी समझौते के इसे निष्पादित किया। इसे नाटक के रूप में जो अलग करता है वह यह है कि निर्देशक ने यह बताने से इंकार कर दिया कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। फिल्म भावनात्मक भार वाली स्थितियाँ बनाती है और फिर दर्शकों पर भरोसा करती है कि वे स्वयं उस भार को वहन करेंगे। प्रदर्शन अति-संकेतन के बिना भावनात्मक रजिस्टर प्रदान करते हैं। Saphirblau इस तर्क में योगदान देता है कि german सिनेमा ने अंतर्राष्ट्रीय महत्व का काम किया है। वैश्विक दर्शकों से प्राप्त 7.1 रेटिंग इस बात की पुष्टि करती है कि फिल्म के गुण सांस्कृतिक रूप से विशिष्ट नहीं हैं - वे अनुवाद करते हैं।
Saphirblau में दृश्य दृष्टिकोण Felix Fuchssteiner की समझ को दर्शाता है कि शैली और पदार्थ एक ही चीज़ हैं। Saphirblau का कैमरा प्लेसमेंट, रंग ग्रेडिंग और संपादन लय सजावटी निर्णय नहीं हैं। वे इस बारे में तर्क हैं कि कहानी का अनुभव कैसे किया जाना चाहिए। Maria Ehrich को इस तरह से शूट किया गया है कि किसी शब्द के बोलने से पहले ही उसके चरित्र का संचार हो जाता है। जो दर्शक दृश्य व्याकरण पर ध्यान देकर Saphirblau को दूसरी बार देखते हैं, उन्हें अर्थ की एक परत मिलेगी जो संवाद और कथानक से स्वतंत्र रूप से संचालित होती है।
Saphirblau उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 7.1 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Saphirblau को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Felix Fuchssteiner और Maria Ehrich कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
7.1 रेटिंग जो Saphirblau को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। Saphirblau को उच्च अंक देने का उनका निर्णय Felix Fuchssteiner ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। Saphirblau मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
Fack ju Göhte
Ex-con Zeki Müller goes undercover as a teacher at a below average Gymnasium to find money he'd stashed prior to incarceration.
क्यों देखें?: एक ऐसी फिल्म जो वास्तव में मज़ेदार है न कि केवल एक फिल्म के रूप में प्रचारित की गई है। Fack ju Göhte में हास्य चरित्र से आता है, सेटअप से नहीं।
Fack ju Göhte समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Bora Dağtekin ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। एक बड़े मतदाता समूह से 7.0 रेटिंग का मतलब है कि फिल्म में वास्तविक ताकतें हैं जो दर्शकों द्वारा पाई गई सभी कमजोरियों पर भारी पड़ती हैं। Fack ju Göhte अपने केंद्रीय वादे को पूरा करता है, जो कि न्यूनतम मानक है जिसे किसी भी फिल्म को पूरा करना चाहिए और रिलीज की संख्या की तुलना में कम उपलब्धि हासिल होती है। जो चीज़ फिल्म को कॉमेडी के रूप में काम करती है वह यह है कि निर्देशक ने यह संकेत देने से इनकार कर दिया है कि हास्य कहाँ है। चुटकुले चरित्र और स्थिति से आते हैं, जिसका अर्थ है कि जो दर्शक ध्यान दे रहे हैं वे उन दर्शकों की तुलना में अधिक पाते हैं जो यह कहे जाने की प्रतीक्षा कर रहे हैं कि उन्हें हंसना चाहिए। german सिनेमा का कहानी संरचना, चरित्र की आंतरिकता और दृश्य भाषा के साथ एक विशिष्ट संबंध है। Fack ju Göhte उन भेदों को स्पष्ट रूप से प्रदर्शित करता है। german सिनेमा में नए दर्शकों को यह फिल्म एक उपयोगी अभिविन्यास बिंदु लगेगी।
Fack ju Göhte की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Bora Dağtekin ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Elyas M'Barek ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Fack ju Göhte में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Fack ju Göhte के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Fack ju Göhte को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Fack ju Göhte दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Bora Dağtekin के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Elyas M'Barek के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, Fack ju Göhte उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: Fack ju Göhte अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Bora Dağtekin का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो Fack ju Göhte को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
Smaragdgrün
Emerald Green is the stunning conclusion to Kerstin Gier's Ruby Red Trilogy, picking up where Sapphire Blue left off, reaching new heights of intrigue and romance as Gwen finally uncovers the secrets of the time-traveling society and learns her fate.
क्यों देखें?: Smaragdgrün एक्शन सिनेमा की केंद्रीय समस्या का समाधान करता है: आपको एक्शन दिखाने से पहले आपका ध्यान रखना। अनुक्रम ज़मीन पर उतरते हैं क्योंकि पहले के दृश्यों ने स्थापित किया कि वे क्यों मायने रखते हैं।
2016 में निर्मित, Smaragdgrün स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 7.0 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Smaragdgrün के लिए 7.0 स्कोर उन दर्शकों से बनाया गया है जिनके पास विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। यह विकल्प एक ऐसी फिल्म को दर्शाता है जिसने स्पष्ट रूप से अपना पक्ष रखा - जो कि Smaragdgrün बिल्कुल यही करता है। Katharina Schöde ने तर्क दिया और दर्शकों ने इसे स्वीकार कर लिया। एक्शन सिनेमा तब विफल हो जाता है जब स्थानिक तर्क टूट जाता है और दृश्य अमूर्त तमाशा बन जाते हैं। यह फिल्म उस असफलता से बचती है। निर्देशक स्टोरीबोर्ड केवल प्रभाव के लिए नहीं, बल्कि समझ के लिए भी बनाते हैं। दर्शक हमेशा हर पल के दांव को समझते हैं। अंतर्राष्ट्रीय दर्शकों से Smaragdgrün के लिए 7.0 रेटिंग यहां महत्वपूर्ण तथ्य है। german सांस्कृतिक संदर्भ में निहित एक फिल्म, उस संदर्भ के बाहर के लोगों द्वारा इसे उच्च रेटिंग दी गई है, इसका मतलब है कि फिल्म के गुण सांस्कृतिक साक्षरता पर निर्भर नहीं हैं।
Smaragdgrün में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Katharina Schöde ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Maria Ehrich ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Smaragdgrün में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Maria Ehrich एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Smaragdgrün उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 7.0 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Smaragdgrün को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Katharina Schöde और Maria Ehrich कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
Smaragdgrün इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Katharina Schöde ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 7.0 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Katharina Schöde के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर Smaragdgrün को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
Toni Erdmann
Convinced that his daughter has forgotten how to laugh, a father shows up unannounced while she's living abroad and bombards her with outrageous jokes.
क्यों देखें?: जो चीज़ Toni Erdmann को नाटक के रूप में काम करती है, वह है Maren Ade द्वारा यह समझाने से इनकार करना कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। भावनात्मक रजिस्टर बनाया जाता है, संकेत नहीं दिया जाता।
Toni Erdmann (2016) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Maren Ade ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 7.0 पर Toni Erdmann एक ऐसी फिल्म है जहां शिल्प कई आयामों में लगातार औसत से ऊपर है। कोई भी एक तत्व दूसरे को वहन नहीं करता। निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन सभी एक ही दिशा में खींच रहे हैं। फिल्म दर्शाती है कि नाटक वह क्या कर सकता है जो अन्य शैलियाँ नहीं कर सकतीं: सामान्य मानव व्यवहार को दबाव में रखना और प्रतिक्रिया के माध्यम से चरित्र को प्रकट करना। निर्देशक उन परिस्थितियों का निर्माण करता है और कलाकार उन्हें वास्तविक विश्वास के साथ निभाते हैं। Toni Erdmann में Maren Ade की पसंद german फिल्म निर्माण परंपराओं द्वारा आकार ली गई है जिनका अपना इतिहास और तर्क है। वे परंपराएँ हॉलीवुड मॉडल की तुलना में भिन्न परिणाम उत्पन्न करती हैं। अंतर को समझना german सिनेमा की पेशकश का हिस्सा है।
Toni Erdmann की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Maren Ade ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Toni Erdmann चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Toni Erdmann को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
Toni Erdmann उन दर्शकों के लिए एक विश्वसनीय अनुशंसा है जो किसी फिल्म को अन्यत्र से लाई गई अपेक्षाओं के अनुरूप करने की आवश्यकता के बजाय अपनी शर्तों पर मिलने के इच्छुक हैं। इसमें इस श्रेणी में उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक सर्वव्यापकता नहीं है, जिसका अर्थ है कि यह अनिवार्य देखने के भार के बिना आता है। जो दर्शक बिना बताए Toni Erdmann की खोज करते हैं, उन्हें इसे अवश्य देखना चाहिए, वे अक्सर उन लोगों की तुलना में अधिक दृढ़ता से प्रतिक्रिया करते हैं जो इसे एक दायित्व के रूप में देखते हैं। Maren Ade ने एक विशिष्ट अपील के साथ कुछ बनाया - यह हर किसी के लिए सब कुछ बनने की कोशिश नहीं कर रहा है। जो दर्शक Toni Erdmann से जुड़ते हैं, वे इसे 7.0 रेटिंग से काफी बेहतर पाते हैं, यही कारण है कि सीमित मार्केटिंग दृश्यता के बावजूद यह उस रेटिंग को बरकरार रखता है।
सूची के इस भाग में Toni Erdmann की स्थिति एक ऐसी फिल्म को दर्शाती है जो सभी के लिए सब कुछ बनने की इच्छा किए बिना विश्वसनीय रूप से अपने विशिष्ट गुण प्रदान करती है। Maren Ade ने समझा कि फिल्म क्या थी और इसे शिल्प के उच्च स्तर पर बनाया। 7.0 रेटिंग उन दर्शकों का प्रतिनिधित्व करती है जो उन शर्तों पर फिल्म से जुड़े रहे और इसे अत्यधिक रेटिंग के लायक पाया। अलग-अलग उम्मीदें लेकर आने वाले दर्शकों को कभी-कभी फिल्म रेटिंग से कम संतोषजनक लगती है - जो कि फिल्म की नहीं बल्कि उम्मीद की कमजोरी है। Toni Erdmann बिल्कुल वैसा ही है, जिसे कुशलता से बनाया गया है, और इसे रेटिंग देने वाले मतदाता उस पर प्रतिक्रिया दे रहे थे।
Der Baader Meinhof Komplex
When German police viciously quell a protest against the shah of Iran, popular journalist Ulrike Meinhof rebels against her dishonest marriage, walks away from her children and joins radical anarchist Andreas Baader. Together with Baader's girlfriend, Gudrun Ensslin, they form the violent Red Faction Army, and together perpetrate a slew of terrorist attacks as a way of disrupting the fabric of what they see as an increasingly fascist state.
क्यों देखें?: Uli Edel Der Baader Meinhof Komplex को उस धैर्य के साथ पेश करता है जिसकी अच्छे नाटक को आवश्यकता होती है और जो शायद ही कभी मिलता है। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जो अपने भावनात्मक क्षणों को शेड्यूल करने के बजाय अर्जित करती है।
Der Baader Meinhof Komplex के लिए 2008 संदर्भ मायने रखता है। यह वह दौर था जब मूल विचारों वाली मध्य-बजट फिल्मों को अभी भी नाटकीय रिलीज मिलती थी - जिस तरह की फिल्म Der Baader Meinhof Komplex प्रतिनिधित्व करती है। Uli Edel ने उस स्थान का उपयोग कुछ ऐसा बनाने के लिए किया जिसे मौजूदा बाज़ार हरी झंडी देने के लिए संघर्ष करेगा। 7.0 रेंज की फिल्में अक्सर सूची में उनकी स्थिति से अधिक दिलचस्प होती हैं। उन्होंने उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है, जिसका अर्थ है कि Der Baader Meinhof Komplex को पूर्व धारणाओं के बिना प्राप्त करना आसान है। Der Baader Meinhof Komplex को उससे लाभ होता है। इसे नाटक के रूप में जो अलग करता है वह यह है कि निर्देशक ने यह बताने से इंकार कर दिया कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। फिल्म भावनात्मक भार वाली स्थितियाँ बनाती है और फिर दर्शकों पर भरोसा करती है कि वे स्वयं उस भार को वहन करेंगे। प्रदर्शन अति-संकेतन के बिना भावनात्मक रजिस्टर प्रदान करते हैं। Der Baader Meinhof Komplex, german सिनेमा के किसी भी गंभीर खाते से संबंधित है क्योंकि यह दर्शाता है कि राष्ट्रीय सिनेमा अपने सर्वोत्तम स्तर पर क्या हासिल करता है। यहां दिखाई देने वाली विशिष्ट चिंताएं और दृष्टिकोण ही german फिल्मों के अंतर्राष्ट्रीय दर्शक वर्ग का कारण हैं।
Der Baader Meinhof Komplex का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Uli Edel समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Der Baader Meinhof Komplex में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Martina Gedeck इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
पहली बार Der Baader Meinhof Komplex देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Uli Edel दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। Der Baader Meinhof Komplex में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Martina Gedeck इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2008 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Uli Edel का इरादा है।
इस तरह की सूचियों में ग्यारह से पच्चीस श्रेणी में स्थित फिल्में अक्सर सबसे उपयोगी खोज होती हैं क्योंकि वे सांस्कृतिक भार के बिना शीर्ष दस की गुणवत्ता रखती हैं। Der Baader Meinhof Komplex इस स्थिति में है, इसलिए नहीं कि यह इसके ऊपर की प्रविष्टियों की तुलना में काफी खराब है, बल्कि इसलिए कि इसकी अपील अधिक केंद्रित है। Der Baader Meinhof Komplex में Uli Edel जो कर रहा है, उससे जुड़ने वाले दर्शक इसे इस सूची की किसी भी फिल्म के समान ही उच्च रेटिंग देते हैं। व्यापक मतदाता आधार का औसत इसे यहीं रखता है। जिन दर्शकों के पास यह सोचने के विशिष्ट कारण हैं कि यह फिल्म उनके लिए है - शैली की प्राथमिकता, निर्देशक की रुचि या युग के आधार पर - उन्हें इससे ऊपर रैंक वाली कई प्रविष्टियों पर इसे प्राथमिकता देनी चाहिए।
बेहतरीन फिल्में देखने से दुनिया को देखने का आपका नजरिया बदल जाता है। इसीलिए हम इनका चयन सावधानी से करते हैं।
Die Blechtrommel
In 1924, Oskar Matzerath is born in the Free City of Danzig. At age three, he falls down a flight of stairs and stops growing. In 1939, World War II breaks out.
क्यों देखें?: उस तरह का ड्रामा जो क्रेडिट के बाद भी आपके साथ रहता है। Volker Schlöndorff सामग्री में धैर्य लाता है जो इसे मानक किराये से ऊपर उठाता है।
Die Blechtrommel (1979) इंटरनेट द्वारा हर फिल्म को तुरंत हर जगह उपलब्ध कराने से पहले आया था। दर्शकों तक पहुँचने के लिए वास्तविक मौखिक प्रचार की आवश्यकता होती है, और Die Blechtrommel ने उस मौखिक प्रचार का निर्माण किया क्योंकि इसने कुछ वास्तविक प्रस्तुत किया। 7.0 रेटिंग एक साथ सुसंगत स्तरों पर निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन को दर्शाती है। इस श्रेणी में स्कोर करने वाली फिल्में शायद ही किसी एक आयाम में महत्वपूर्ण रूप से असफल होती हैं, और Die Blechtrommel कोई अपवाद नहीं है। निर्देशक इतने धैर्य से काम करता है कि अधिकांश समकालीन नाटक वहन नहीं कर सकते। दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे चलने की अनुमति दी जाती है, ताकि वे जो कहने आए थे उसे कहने के बाद पात्र क्या करते हैं, उसमें सच्चाई का पता लगाया जा सके। कलाकार इस लय को समझते हैं। german सिनेमा के रूप में, Die Blechtrommel विशिष्ट दृश्य और कथात्मक संवेदनशीलता रखता है जो राष्ट्रीय सिनेमा को अंतरराष्ट्रीय समकक्षों से अलग करता है। गति, चरित्र और कहानी संरचना का दृष्टिकोण सांस्कृतिक संदर्भ को दर्शाता है जो देखने के अनुभव को समृद्ध करता है।
Die Blechtrommel की दृश्य भाषा 1979 के फिल्म निर्माण को सबसे अधिक प्रतिबिंबित करती है। Volker Schlöndorff ने तकनीकी बाधाओं के भीतर काम किया, जिसके लिए भावनात्मक भार वहन करने के लिए संरचना और प्रकाश व्यवस्था की आवश्यकता होती है, जिसे आधुनिक प्रस्तुतियां पोस्ट-प्रोडक्शन के लिए लोड करती हैं। Die Blechtrommel में प्रत्येक फ़्रेम को समायोजित करने के बजाय डिज़ाइन किया गया था। परिणाम एक दृश्य सुसंगतता है जिसे समकालीन फिल्में, अपने असीमित पोस्ट-प्रोडक्शन विकल्पों के साथ, शायद ही कभी हासिल कर पाती हैं। Die Blechtrommel को इस बात पर ध्यान देने के साथ देखने पर कि शॉट्स की रचना कैसे की जाती है, एक फिल्म निर्माता को पता चलता है जो समझता है कि कैमरा सिर्फ कुछ रिकॉर्ड नहीं कर रहा है, वह इसे देखने के तरीके के बारे में बहस कर रहा है।
जिन दर्शकों ने Die Blechtrommel से प्रभावित फिल्में देखी हैं, उन्हें मूल फिल्म देखने का अनुभव किसी समकालीन फिल्म को देखने से अलग अनुभव होगा। जो तकनीकें परिचित लगती हैं क्योंकि उन्हें बड़े पैमाने पर कॉपी किया गया है, वे यहां अपने मूल रूप में दिखाई देती हैं, जिससे अक्सर पता चलता है कि प्रतियां Volker Schlöndorff ने जो किया उसके पीछे के तर्क को समझे बिना सतह को समझ लिया। Die Blechtrommel विशिष्ट कहानी कहने के लक्ष्यों की सेवा में अपने शैलीगत विकल्पों का उपयोग करता है। बाद की फिल्मों ने उन विकल्पों को उधार लिया और अक्सर उन्हें फ़ंक्शन के बिना शैली के रूप में उपयोग किया। मूल को देखने से स्पष्ट होता है कि वास्तव में क्या पूरा किया जा रहा था। यहां Mario Adorf के काम में एक विशिष्टता भी है कि इससे प्रेरित कई प्रदर्शनों में कमी है - नकल ने उस आंतरिकता के बिना तरीके को पकड़ लिया जिसने तरीके को कुछ अर्थपूर्ण बना दिया।
सूची में इस स्थान पर Die Blechtrommel एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Mario Adorf का प्रदर्शन और Volker Schlöndorff का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
Der Goldene Handschuh
A serial killer strikes fear in the hearts of residents of Hamburg during the early 1970s.
क्यों देखें?: Der Goldene Handschuh अपना तनाव ईमानदारी से अर्जित करता है - दबाव कृत्रिम आश्चर्य के बजाय स्थिति और चरित्र से आता है। Fatih Akin दर्शकों पर दांव को महसूस करने का भरोसा करता है।
2019 में निर्मित, Der Goldene Handschuh स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 6.9 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Der Goldene Handschuh के लिए 6.9 स्कोर इसे उन फिल्मों में रखता है जो महत्वपूर्ण कमजोरियों के बिना अपने आधार पर काम करती हैं। Fatih Akin ने कुछ ऐसा बनाया जो पूरी तरह से उद्देश्य के अनुसार काम करता है, जो सुनने में जितना आम लगता है उससे कम है। जो चीज़ फिल्म को थ्रिलर के रूप में काम करती है वह यह समझ है कि दांव पर निवेश की आवश्यकता होती है। दबाव आने से पहले पहला कार्य चरित्र का निर्माण करता है। जब तक तनाव बढ़ता है, आपके पास परिणाम की परवाह करने के कारण होते हैं। Der Goldene Handschuh उसका प्रतिनिधि है जो german सिनेमा विशिष्ट रूप से करता है। इस फिल्म में बनाई गई कहानी कहने की धारणाएं पश्चिमी सिनेमा से इस मायने में भिन्न हैं कि जैसे ही आप उन पर ध्यान देना शुरू करते हैं, वे दिखाई देने लगती हैं। वह अंतर विशेष रूप से german फिल्में देखने का मूल्य है।
Der Goldene Handschuh की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Fatih Akin ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Jonas Dassler ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Der Goldene Handschuh में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Der Goldene Handschuh उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 6.9 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Der Goldene Handschuh को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Fatih Akin और Jonas Dassler कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
6.9 रेटिंग जो Der Goldene Handschuh को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। Der Goldene Handschuh को उच्च अंक देने का उनका निर्णय Fatih Akin ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। Der Goldene Handschuh मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
Rubinrot
On her 16th birthday, Gwendolyn Shepherd finds out that instead of her cousin, she has inherited a rare gene that allows her to travel through time.
क्यों देखें?: जो चीज़ Rubinrot को नाटक के रूप में काम करती है, वह है Felix Fuchssteiner द्वारा यह समझाने से इनकार करना कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। भावनात्मक रजिस्टर बनाया जाता है, संकेत नहीं दिया जाता।
Rubinrot (2013) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Felix Fuchssteiner ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 6.9 पर, Rubinrot उस श्रेणी में आता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने उच्च-रेटेड शीर्षकों की व्यापक सहमति हासिल नहीं की है। वह संकीर्ण आम सहमति अक्सर एक विशिष्ट अपील को दर्शाती है - Rubinrot हर किसी के लिए नहीं है, लेकिन सही दर्शक के लिए यह उत्कृष्ट है। फिल्म दर्शाती है कि नाटक वह क्या कर सकता है जो अन्य शैलियाँ नहीं कर सकतीं: सामान्य मानव व्यवहार को दबाव में रखना और प्रतिक्रिया के माध्यम से चरित्र को प्रकट करना। निर्देशक उन परिस्थितियों का निर्माण करता है और कलाकार उन्हें वास्तविक विश्वास के साथ निभाते हैं। यह समझने के लिए कि Rubinrot सर्वश्रेष्ठ german फिल्मों की सूची में क्यों है, राष्ट्रीय सिनेमा के मूल्यों पर ध्यान देने की आवश्यकता है। Felix Fuchssteiner उन मूल्यों के भीतर और विरुद्ध उन तरीकों से काम करता है जो इस पृष्ठ पर अन्य german फिल्मों की तुलना में सबसे अधिक दिखाई देते हैं।
Rubinrot में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Felix Fuchssteiner ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Maria Ehrich ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Rubinrot में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Maria Ehrich एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Rubinrot के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Rubinrot को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Rubinrot दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Felix Fuchssteiner के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Maria Ehrich के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, Rubinrot उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: Rubinrot अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Felix Fuchssteiner का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो Rubinrot को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
Isi & Ossi
Isi and Ossi couldn't be any more different: She's a billionaire's daughter from Heidelberg, he's a struggling boxer from the nearby town of Mannheim. But when Isi meets Ossi, the two quickly realize that they can take advantage of one another: She dates the broke boxer to provoke her parents and get them to fund a long-desired chef training in New York. He tries to rip off the rich daughter to finance his first professional boxing match. Their plans soon develop into emotional chaos that challenges everything the two believe to know about money, career and love.
क्यों देखें?: कॉमेडी को कायम रखना सबसे कठिन विधा है। Oliver Kienle Isi & Ossi को सहज बनाता है, जो कि उल्लेखनीय शिल्प का प्रतीक है जिसे अधिकांश दर्शक जानबूझकर पंजीकृत नहीं करते हैं।
2020 में, जब Oliver Kienle ने Isi & Ossi बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। Isi & Ossi को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 6.9 पर Isi & Ossi इस सूची के विश्वसनीय स्तर का प्रतिनिधित्व करता है। ये वो फिल्में हैं जो निराश नहीं करतीं. Oliver Kienle ने समझा कि फिल्म को क्या चाहिए और बिना किसी समझौते के इसे निष्पादित किया। कॉमेडी के रूप में फिल्म की सुसंगतता निरंतरता से आती है। निर्देशक दुनिया के नियमों और उसके भीतर पात्रों के व्यवहार को स्थापित करता है, और वे पात्र किसी स्थिति को कैसे पार करते हैं, उससे हास्य उभरता है। Isi & Ossi इस तर्क में योगदान देता है कि german सिनेमा ने अंतर्राष्ट्रीय महत्व का काम किया है। वैश्विक दर्शकों से प्राप्त 6.9 रेटिंग इस बात की पुष्टि करती है कि फिल्म के गुण सांस्कृतिक रूप से विशिष्ट नहीं हैं - वे अनुवाद करते हैं।
Isi & Ossi की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Oliver Kienle ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Isi & Ossi चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Isi & Ossi को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
Isi & Ossi उन दुर्लभ फिल्मों में से एक है जो एकल और समूह दोनों संदर्भों में देखने पर काम करती है, जो कि अधिकांश कॉमेडीज़ के लिए सच नहीं है। ऐसी फिल्में जो सेटअप के बजाय चरित्र से हास्य प्राप्त करती हैं, कमरे में कौन है इसकी परवाह किए बिना अच्छा प्रदर्शन करती हैं, क्योंकि हंसी सामूहिक अनुमति के बजाय मान्यता से आती है। Isi & Ossi को अकेले देखने से आप चरित्र अवलोकन के उन शांत क्षणों को पकड़ सकते हैं जो समूह देखने से चूक सकते हैं। फिल्म को जानने वाले किसी अन्य व्यक्ति के साथ इसे देखने से कुछ ऐसी बातें साझा करने का विशेष आनंद मिलता है जिनके बारे में आप जानते हैं कि यह काम करती है। Isi & Ossi का रनटाइम इसे शाम के लिए एक व्यावहारिक विकल्प बनाता है जब आप वास्तविक गुणवत्ता वाला कुछ चाहते हैं जिसके लिए लंबी फिल्म की प्रतिबद्धता की आवश्यकता नहीं होती है। Oliver Kienle की गति का मतलब है कि फिल्म बिना रुके अपना रनटाइम अर्जित करती है।
Isi & Ossi इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Oliver Kienle ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 6.9 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Oliver Kienle के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर Isi & Ossi को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
Aus dem Nichts
Katja's life collapses after the deaths of her husband and son in a bomb attack. After a time of mourning and injustice, Katja seeks revenge.
क्यों देखें?: उस तरह का ड्रामा जो क्रेडिट के बाद भी आपके साथ रहता है। Fatih Akin सामग्री में धैर्य लाता है जो इसे मानक किराये से ऊपर उठाता है।
Aus dem Nichts समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Fatih Akin ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। एक बड़े मतदाता समूह से 6.9 रेटिंग का मतलब है कि फिल्म में वास्तविक ताकतें हैं जो दर्शकों द्वारा पाई गई सभी कमजोरियों पर भारी पड़ती हैं। Aus dem Nichts अपने केंद्रीय वादे को पूरा करता है, जो कि न्यूनतम मानक है जिसे किसी भी फिल्म को पूरा करना चाहिए और रिलीज की संख्या की तुलना में कम उपलब्धि हासिल होती है। निर्देशक इतने धैर्य से काम करता है कि अधिकांश समकालीन नाटक वहन नहीं कर सकते। दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे चलने की अनुमति दी जाती है, ताकि वे जो कहने आए थे उसे कहने के बाद पात्र क्या करते हैं, उसमें सच्चाई का पता लगाया जा सके। कलाकार इस लय को समझते हैं। german सिनेमा का कहानी संरचना, चरित्र की आंतरिकता और दृश्य भाषा के साथ एक विशिष्ट संबंध है। Aus dem Nichts उन भेदों को स्पष्ट रूप से प्रदर्शित करता है। german सिनेमा में नए दर्शकों को यह फिल्म एक उपयोगी अभिविन्यास बिंदु लगेगी।
Aus dem Nichts का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Fatih Akin समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Aus dem Nichts में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Diane Kruger इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
Aus dem Nichts उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 6.9 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Aus dem Nichts को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Fatih Akin और Diane Kruger कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
सूची के इस भाग में Aus dem Nichts की स्थिति एक ऐसी फिल्म को दर्शाती है जो सभी के लिए सब कुछ बनने की इच्छा किए बिना विश्वसनीय रूप से अपने विशिष्ट गुण प्रदान करती है। Fatih Akin ने समझा कि फिल्म क्या थी और इसे शिल्प के उच्च स्तर पर बनाया। 6.9 रेटिंग उन दर्शकों का प्रतिनिधित्व करती है जो उन शर्तों पर फिल्म से जुड़े रहे और इसे अत्यधिक रेटिंग के लायक पाया। अलग-अलग उम्मीदें लेकर आने वाले दर्शकों को कभी-कभी फिल्म रेटिंग से कम संतोषजनक लगती है - जो कि फिल्म की नहीं बल्कि उम्मीद की कमजोरी है। Aus dem Nichts बिल्कुल वैसा ही है, जिसे कुशलता से बनाया गया है, और इसे रेटिंग देने वाले मतदाता उस पर प्रतिक्रिया दे रहे थे।
Soul Kitchen
In Hamburg, German-Greek chef Zinos unknowingly disturbs the peace in his locals-only restaurant by hiring a more talented chef.
क्यों देखें?: Soul Kitchen वह नाटक है जो मौन पर भरोसा करता है। Fatih Akin दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे बढ़ने के लिए जगह देता है, जब पात्र प्रदर्शन करना बंद कर देते हैं तो वे क्या करते हैं, इसमें कुछ सच्चाई ढूंढती है।
2009 में रिलीज़, Soul Kitchen सिनेमा में एक संक्रमणकालीन अवधि से आता है - स्ट्रीमिंग से वितरण बदलने से पहले लेकिन डिजिटल उपकरणों के बाद उत्पादन बदल गया। Soul Kitchen में दिखाई देने वाली शिल्प कौशल नाटकीय युग के मानकों को दर्शाती है। Soul Kitchen के लिए 6.9 स्कोर उन दर्शकों से बनाया गया है जिनके पास विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। यह विकल्प एक ऐसी फिल्म को दर्शाता है जिसने स्पष्ट रूप से अपना पक्ष रखा - जो कि Soul Kitchen बिल्कुल यही करता है। Fatih Akin ने तर्क दिया और दर्शकों ने इसे स्वीकार कर लिया। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। अंतर्राष्ट्रीय दर्शकों से Soul Kitchen के लिए 6.9 रेटिंग यहां महत्वपूर्ण तथ्य है। german सांस्कृतिक संदर्भ में निहित एक फिल्म, उस संदर्भ के बाहर के लोगों द्वारा इसे उच्च रेटिंग दी गई है, इसका मतलब है कि फिल्म के गुण सांस्कृतिक साक्षरता पर निर्भर नहीं हैं।
Soul Kitchen में दृश्य दृष्टिकोण Fatih Akin की समझ को दर्शाता है कि शैली और पदार्थ एक ही चीज़ हैं। Soul Kitchen का कैमरा प्लेसमेंट, रंग ग्रेडिंग और संपादन लय सजावटी निर्णय नहीं हैं। वे इस बारे में तर्क हैं कि कहानी का अनुभव कैसे किया जाना चाहिए। Adam Bousdoukos को इस तरह से शूट किया गया है कि किसी शब्द के बोलने से पहले ही उसके चरित्र का संचार हो जाता है। जो दर्शक दृश्य व्याकरण पर ध्यान देकर Soul Kitchen को दूसरी बार देखते हैं, उन्हें अर्थ की एक परत मिलेगी जो संवाद और कथानक से स्वतंत्र रूप से संचालित होती है।
पहली बार Soul Kitchen देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Fatih Akin दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। Soul Kitchen में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Adam Bousdoukos इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2009 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Fatih Akin का इरादा है।
इस तरह की सूचियों में ग्यारह से पच्चीस श्रेणी में स्थित फिल्में अक्सर सबसे उपयोगी खोज होती हैं क्योंकि वे सांस्कृतिक भार के बिना शीर्ष दस की गुणवत्ता रखती हैं। Soul Kitchen इस स्थिति में है, इसलिए नहीं कि यह इसके ऊपर की प्रविष्टियों की तुलना में काफी खराब है, बल्कि इसलिए कि इसकी अपील अधिक केंद्रित है। Soul Kitchen में Fatih Akin जो कर रहा है, उससे जुड़ने वाले दर्शक इसे इस सूची की किसी भी फिल्म के समान ही उच्च रेटिंग देते हैं। व्यापक मतदाता आधार का औसत इसे यहीं रखता है। जिन दर्शकों के पास यह सोचने के विशिष्ट कारण हैं कि यह फिल्म उनके लिए है - शैली की प्राथमिकता, निर्देशक की रुचि या युग के आधार पर - उन्हें इससे ऊपर रैंक वाली कई प्रविष्टियों पर इसे प्राथमिकता देनी चाहिए।
Der Schuh des Manitu
Abahachi, Chief of the Apache Indians, and his blood brother Ranger maintain peace and justice in the Wild West. One day, Abahachi needs to take up a credit from the Shoshone Indians to finance his tribe's new saloon. Unfortunately Santa Maria, who sold the saloon, betrays Abahachi, takes the money and leaves. Soon, the Shoshones are on the warpath to get their money back, and Abahachi is forced to organize it quickly.
क्यों देखें?: Michael Herbig वास्तविक चरित्र अवलोकन से Der Schuh des Manitu की कॉमेडी बनाता है। जैसे-जैसे फिल्म आगे बढ़ती है हंसी बढ़ती जाती है क्योंकि आप लोगों को बेहतर जानते हैं।
2001 सिनेमा समसामयिक रिलीज़ों की तुलना में भिन्न दबावों में संचालित होता है। Der Schuh des Manitu आधुनिक उत्पादन को आकार देने वाले एल्गोरिथम फीडबैक लूप के बिना बनाया गया था। यहां Michael Herbig ने जो बनाया वह डेटा के बजाय दृढ़ विश्वास से आया है। 6.8 पर Der Schuh des Manitu एक ऐसी फिल्म है जहां शिल्प कई आयामों में लगातार औसत से ऊपर है। कोई भी एक तत्व दूसरे को वहन नहीं करता। निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन सभी एक ही दिशा में खींच रहे हैं। चरित्र कॉमेडी के लिए निर्देशक और कलाकारों को यह समझने की आवश्यकता है कि सबसे मजेदार क्षण अतिशयोक्ति के बजाय सच्चाई से आते हैं। फ़िल्म इसलिए चलती है क्योंकि पात्र जो करते हैं उससे यह समझ आता है कि वे कौन हैं। Der Schuh des Manitu में Michael Herbig की पसंद german फिल्म निर्माण परंपराओं द्वारा आकार ली गई है जिनका अपना इतिहास और तर्क है। वे परंपराएँ हॉलीवुड मॉडल की तुलना में भिन्न परिणाम उत्पन्न करती हैं। अंतर को समझना german सिनेमा की पेशकश का हिस्सा है।
Der Schuh des Manitu की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Michael Herbig ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Michael Herbig ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Der Schuh des Manitu में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Der Schuh des Manitu अपनी शैली के इतिहास में एक विशिष्ट स्थान पर है: इसे तब बनाया गया था जब यह जिन परंपराओं के साथ काम करता था वे स्थापित होने के बजाय अभी भी विकसित हो रहे थे। Michael Herbig किसी सिद्ध फार्मूले को लागू नहीं कर रहा था बल्कि कुछ ऐसा निर्माण कर रहा था जिसकी प्रभावशीलता की गारंटी नहीं थी। 6.8 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिन्होंने वास्तविक रचनात्मक जोखिम की उन परिस्थितियों में किए गए काम पर प्रतिक्रिया दी। उसी स्थान पर समसामयिक फिल्मों को यह जानने का लाभ है कि क्या काम करता है क्योंकि Der Schuh des Manitu और इसके जैसी फिल्मों ने इसे प्रदर्शित किया है। उस संदर्भ में Der Schuh des Manitu को देखना - सिद्ध परंपरा के सुरक्षा जाल के बिना किए गए रचनात्मक कार्य के रूप में - देखने के अनुभव में एक आयाम जोड़ता है जो परंपरा स्थापित होने के बाद बनी फिल्मों को देखने से उपलब्ध नहीं होता है।
सूची में इस स्थान पर Der Schuh des Manitu एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Michael Herbig का प्रदर्शन और Michael Herbig का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
Er ist wieder da
When Adolf Hitler reawakens at the site of his former bunker in present-day Berlin, he is mistaken for a comedian and quickly becomes a media phenomenon.
क्यों देखें?: कॉमेडी को कायम रखना सबसे कठिन विधा है। David Wnendt Er ist wieder da को सहज बनाता है, जो कि उल्लेखनीय शिल्प का प्रतीक है जिसे अधिकांश दर्शक जानबूझकर पंजीकृत नहीं करते हैं।
2015 में, जब David Wnendt ने Er ist wieder da बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। Er ist wieder da को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 6.8 रेंज की फिल्में अक्सर सूची में उनकी स्थिति से अधिक दिलचस्प होती हैं। उन्होंने उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है, जिसका अर्थ है कि Er ist wieder da को पूर्व धारणाओं के बिना प्राप्त करना आसान है। Er ist wieder da को उससे लाभ होता है। कॉमेडी के रूप में फिल्म की सुसंगतता निरंतरता से आती है। निर्देशक दुनिया के नियमों और उसके भीतर पात्रों के व्यवहार को स्थापित करता है, और वे पात्र किसी स्थिति को कैसे पार करते हैं, उससे हास्य उभरता है। Er ist wieder da, german सिनेमा के किसी भी गंभीर खाते से संबंधित है क्योंकि यह दर्शाता है कि राष्ट्रीय सिनेमा अपने सर्वोत्तम स्तर पर क्या हासिल करता है। यहां दिखाई देने वाली विशिष्ट चिंताएं और दृष्टिकोण ही german फिल्मों के अंतर्राष्ट्रीय दर्शक वर्ग का कारण हैं।
Er ist wieder da में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे David Wnendt ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Oliver Masucci ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Er ist wieder da में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Oliver Masucci एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Er ist wieder da उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 6.8 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Er ist wieder da को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। David Wnendt और Oliver Masucci कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
6.8 रेटिंग जो Er ist wieder da को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। Er ist wieder da को उच्च अंक देने का उनका निर्णय David Wnendt ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। Er ist wieder da मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
Blood Red Sky
A woman with a mysterious illness is forced into action when a group of terrorists attempt to hijack a transatlantic overnight flight. In order to protect her son she will have to reveal a dark secret, and unleash the inner monster she has fought to hide.
क्यों देखें?: एक थ्रिलर जो सटीकता के साथ तनाव पैदा करती है। Peter Thorwarth निर्मित झटकों के बजाय तर्क के माध्यम से गति बनाता है।
Blood Red Sky समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Peter Thorwarth ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। 6.8 रेटिंग एक साथ सुसंगत स्तरों पर निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन को दर्शाती है। इस श्रेणी में स्कोर करने वाली फिल्में शायद ही किसी एक आयाम में महत्वपूर्ण रूप से असफल होती हैं, और Blood Red Sky कोई अपवाद नहीं है। निर्देशक सूचना विषमता के इर्द-गिर्द फिल्म का निर्माण करता है: दर्शक पात्रों से अधिक या कम जानते हैं, और फिल्म दोनों स्थितियों को सटीकता के साथ नियंत्रित करती है। कलाकार तीव्रता के बजाय संयम के माध्यम से तनाव को दूर करते हैं। german सिनेमा के रूप में, Blood Red Sky विशिष्ट दृश्य और कथात्मक संवेदनशीलता रखता है जो राष्ट्रीय सिनेमा को अंतरराष्ट्रीय समकक्षों से अलग करता है। गति, चरित्र और कहानी संरचना का दृष्टिकोण सांस्कृतिक संदर्भ को दर्शाता है जो देखने के अनुभव को समृद्ध करता है।
Blood Red Sky की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Peter Thorwarth ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Blood Red Sky चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Blood Red Sky को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
Blood Red Sky के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Blood Red Sky को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Blood Red Sky दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Peter Thorwarth के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Peri Baumeister के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, Blood Red Sky उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: Blood Red Sky अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Peter Thorwarth का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो Blood Red Sky को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
Sixty Minutes
अपनी बेटी की कस्टडी बचाए रखने को बेताब एक मिक्स्ड मार्शल आर्ट फ़ाइटर, एक बड़े मैच को छोड़कर अपनी बेटी के बर्थडे पार्टी में शामिल होने के लिए पूरे बर्लिन की खाक छानता है.
क्यों देखें?: Sixty Minutes एक्शन सिनेमा की केंद्रीय समस्या का समाधान करता है: आपको एक्शन दिखाने से पहले आपका ध्यान रखना। अनुक्रम ज़मीन पर उतरते हैं क्योंकि पहले के दृश्यों ने स्थापित किया कि वे क्यों मायने रखते हैं।
2024 में निर्मित, Sixty Minutes स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 6.8 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Sixty Minutes के लिए 6.8 स्कोर इसे उन फिल्मों में रखता है जो महत्वपूर्ण कमजोरियों के बिना अपने आधार पर काम करती हैं। Oliver Kienle ने कुछ ऐसा बनाया जो पूरी तरह से उद्देश्य के अनुसार काम करता है, जो सुनने में जितना आम लगता है उससे कम है। एक्शन सिनेमा तब विफल हो जाता है जब स्थानिक तर्क टूट जाता है और दृश्य अमूर्त तमाशा बन जाते हैं। यह फिल्म उस असफलता से बचती है। निर्देशक स्टोरीबोर्ड केवल प्रभाव के लिए नहीं, बल्कि समझ के लिए भी बनाते हैं। दर्शक हमेशा हर पल के दांव को समझते हैं। Sixty Minutes उसका प्रतिनिधि है जो german सिनेमा विशिष्ट रूप से करता है। इस फिल्म में बनाई गई कहानी कहने की धारणाएं पश्चिमी सिनेमा से इस मायने में भिन्न हैं कि जैसे ही आप उन पर ध्यान देना शुरू करते हैं, वे दिखाई देने लगती हैं। वह अंतर विशेष रूप से german फिल्में देखने का मूल्य है।
Sixty Minutes का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Oliver Kienle समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Sixty Minutes में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Emilio Sakraya इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
Sixty Minutes उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 6.8 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Sixty Minutes को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Oliver Kienle और Emilio Sakraya कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
Sixty Minutes इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Oliver Kienle ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 6.8 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Oliver Kienle के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर Sixty Minutes को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
हमने इन German फिल्मों को कैसे रैंक किया
इस पृष्ठ पर प्रत्येक फिल्म को मूवी डेटाबेस एपीआई के डेटा का उपयोग करके चुना गया था, गुणवत्ता स्थिरता सुनिश्चित करने के लिए न्यूनतम वोट सीमा के लिए फ़िल्टर किया गया था। प्रक्रिया इस श्रेणी की सभी फिल्मों से शुरू होती है, वोट औसत के आधार पर अवरोही क्रम में क्रमबद्ध किया जाता है, फिर आवश्यक संख्या से कम वोट वाली फिल्मों को बाहर करने के लिए फ़िल्टर किया जाता है।
उस बड़ी सूची से, सटीकता के लिए प्रत्येक प्रविष्टि को मैन्युअल रूप से सत्यापित किया गया था। एक उच्च रेटिंग स्वचालित रूप से देखने योग्य नहीं होती है। एक फिल्म जो हाल की खबरों के कारण ट्रेंड में है, वह उस फिल्म के समान नहीं है जो ट्रेंड में है क्योंकि वह वास्तव में अच्छी है। प्रत्येक प्रविष्टि पर संपादकीय विश्लेषण सांस्कृतिक शोर के बजाय वास्तविक फिल्म की गुणवत्ता को दर्शाता है।
चयन पहुंच और गहराई के बीच संतुलन बनाए रखता है। यहां फिल्में समसामयिक रिलीज से लेकर कैटलॉग शीर्षक तक हैं जो पुनः खोज के लायक हैं। सभी शिल्प और इरादे से बनाए गए थे। सभी पुरस्कार देखना.
शैली के अनुसार सर्वश्रेष्ठ German फिल्में
इस पृष्ठ पर 50 फिल्में कई शैलियों और उपशैलियों में फैली हुई हैं। शैली एक फिल्टर के रूप में उपयोगी है लेकिन एक निश्चित श्रेणी के रूप में नहीं। ड्रामा टैग वाली फिल्म उतनी ही रहस्यपूर्ण हो सकती है, जितनी थ्रिलर टैग वाली फिल्म। एक्शन टैग वाली फिल्म भावनात्मक रूप से उतनी ही बुद्धिमान हो सकती है, जितनी ड्रामा टैग की गई फिल्म। शैली को आरंभिक बिंदु के रूप में उपयोग करें, संपूर्ण चित्र के रूप में नहीं।
प्रत्येक फिल्म पर शैली टैग आपको दिखाते हैं कि फिल्म स्पष्ट रूप से कहां बैठती है। German के भीतर उन शैलियों को ढूंढने के लिए फ़िल्टर का उपयोग करें जिनमें आपकी सबसे अधिक रुचि है।
रेटिंग के अनुसार सर्वश्रेष्ठ German फिल्में
इस पृष्ठ पर फिल्मों को तीन रेटिंग स्तरों में विभाजित किया गया है। 8.5 से ऊपर की फिल्में किसी भी पैमाने पर असाधारण हैं और इस श्रेणी में बिल्कुल बेहतरीन सिनेमा का प्रतिनिधित्व करती हैं। 7.5 से 8.4 तक की फिल्में लगातार शिल्प दिखाती हैं और विश्वसनीय रूप से मजबूत होती हैं। 7.0 से 7.4 तक की फिल्में अभी भी उत्कृष्ट और देखने लायक हैं, हालांकि वे गुणवत्ता की थोड़ी व्यापक श्रेणी का प्रतिनिधित्व करती हैं।
टीएमडीबी पर 8.0 की रेटिंग के लिए सांख्यिकीय रूप से विश्वसनीय होने के लिए पर्याप्त बड़े मतदाता आधार की आवश्यकता होती है। यह समय के साथ परीक्षण की गई वास्तविक दर्शकों की सराहना को दर्शाता है।
रनटाइम के अनुसार सर्वश्रेष्ठ German फिल्में
क्या देखना है यह चुनते समय रनटाइम सबसे उपयोगी फ़िल्टर में से एक है और सबसे कम उपयोग किए जाने वाले फ़िल्टर में से एक है। 90 मिनट से कम अवधि की फिल्में सटीकता के साथ संपूर्ण अनुभव प्रदान करती हैं। अधिकांश देखने की स्थितियों के लिए 90 से 120 मिनट की फिल्में इष्टतम लंबाई हैं। 120 मिनट से अधिक की फिल्मों के लिए प्रतिबद्धता की आवश्यकता होती है लेकिन इसके लिए पुरस्कार की आवश्यकता होती है।
अपने उपलब्ध समय का उपयोग देर रात में कोई ऐसी फिल्म शुरू करने के बजाय सही फिल्म खोजने में करें जो अपेक्षा से अधिक लंबी चलती हो।
खोजने लायक छिपे हुए रत्न
प्रत्येक German चयन में ऐसी फिल्में शामिल होती हैं जो शीर्ष दृश्यता रैंकिंग से नीचे होती हैं लेकिन कुछ असाधारण प्रदान करती हैं। ये ऐसी फिल्में हैं जिन्हें एल्गोरिथम कम महत्व देता है क्योंकि उनमें फ्रैंचाइज़ी मान्यता या हालिया प्रेस कवरेज का अभाव है। वे छुपे हुए नहीं हैं क्योंकि वे अस्पष्ट हैं। वे छिपे हुए हैं क्योंकि प्लेटफ़ॉर्म पर सबसे ऊंचे विकल्प सबसे पहले सामने आते हैं।
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अक्सर पूछे जाने वाले प्रश्नों
सर्वश्रेष्ठ German फिल्में कौन सी हैं?
सभी सर्वोत्तम रेटिंग वाली German फिल्में इस पृष्ठ पर सूचीबद्ध और रैंक की गई हैं। विश्वसनीयता सुनिश्चित करने के लिए न्यूनतम वोट सीमा के साथ, मूवी डेटाबेस से महत्वपूर्ण रेटिंग के आधार पर फिल्मों को क्रमबद्ध किया जाता है।
मुझे German सिनेमा क्यों देखना चाहिए?
German सिनेमा कहानी कहने को हॉलीवुड की तुलना में अलग तरीके से पेश करता है। इस पृष्ठ की फिल्में दर्शाती हैं कि राष्ट्रीय सिनेमा विशिष्ट रूप से क्या करता है और क्या चीज़ इसे खोजने लायक बनाती है।
सबसे ज्यादा रेटिंग वाली German फिल्म कौन सी है?
इस सूची में सबसे अधिक रेटिंग वाली German मूवी पृष्ठ के शीर्ष पर दिखाई गई है। यह रेटिंग सांख्यिकीय रूप से सार्थक होने के लिए पर्याप्त बड़े दर्शकों से निरंतर सराहना को दर्शाती है।
क्या German फिल्मों को समझना कठिन है?
नहीं, इस पृष्ठ पर फिल्मों का चयन इसलिए किया गया क्योंकि वे फिल्मों के रूप में काम करती हैं, इसलिए नहीं कि वे बौद्धिक रूप से चुनौतीपूर्ण हैं। 8.0 और उससे अधिक रेटिंग वाली किसी भी चीज़ से शुरुआत करें और आपको सुलभ सिनेमा मिलेगा।
क्या मुझे German फिल्में देखने के लिए उपशीर्षक पढ़ने की आवश्यकता है?
हाँ, जब तक आप German नहीं बोलते। इस पृष्ठ पर अधिकांश फिल्में अंग्रेजी उपशीर्षक के साथ German भाषा में हैं। कुछ मिनट देखने के बाद उपशीर्षक अदृश्य हो जाते हैं।
German सिनेमा को क्या विशिष्ट बनाता है?
इस पृष्ठ पर फिल्में देखें और आप दृश्य भाषा, गति और चरित्र के प्रति एक दृष्टिकोण देखेंगे जो German सिनेमा को अमेरिकी सिनेमा से अलग करता है। विशिष्टता इस बात का हिस्सा है कि यह देखने लायक क्यों है।
क्या ऐसी कोई कम रेटिंग वाली German फिल्में हैं जिनके बारे में मुझे जानना चाहिए?
इस पृष्ठ पर हिडन जेम्स अनुभाग 6.5 और 7.4 के बीच स्कोर करने वाली German फिल्मों की पहचान करता है। ये फिल्में अपनी वर्तमान दृश्यता की तुलना में अधिक ध्यान देने योग्य हैं।
कौन सी German फिल्में हर किसी को कम से कम एक बार देखनी चाहिए?
इस पृष्ठ से 8.5 और उससे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों से शुरुआत करें। ये इस बात पर सबसे मजबूत आम सहमति का प्रतिनिधित्व करते हैं कि German सिनेमा अपने सर्वोत्तम रूप में क्या करने में सक्षम है।
German सिनेमा की तुलना अमेरिकी सिनेमा से कैसे की जाती है?
वे कहानी सुनाने का दृष्टिकोण अलग ढंग से रखते हैं। अमेरिकी सिनेमा अक्सर एक्शन और कथानक को प्राथमिकता देता है। German सिनेमा अक्सर चरित्र और दृश्य भाषा को प्राथमिकता देता है। दोनों ही वैध दृष्टिकोण हैं और दोनों ही बेहतरीन फिल्में बनाते हैं।
क्या German फिल्में केवल उन लोगों के लिए हैं जो विदेशी फिल्में पसंद करते हैं?
नहीं, इस पेज की फिल्में उन लोगों के लिए काम करती हैं जो अच्छी फिल्म निर्माण की सराहना करते हैं। उच्चतम रेटिंग वाली फिल्मों से शुरुआत करें और आपको शिल्प और इरादे के साथ बताई गई सार्वभौमिक मानवीय कहानियां मिलेंगी।
मैं German फिल्में कहां देख सकता हूं?
वर्तमान उपलब्धता के लिए जस्टवॉच की जाँच करें। German फिल्में अधिकांश प्रमुख स्ट्रीमिंग प्लेटफॉर्म पर उपलब्ध हैं, हालांकि उपलब्धता नियमित रूप से बदलती रहती है।
हाल की सर्वश्रेष्ठ German फिल्में कौन सी हैं?
इस पृष्ठ पर पिछले 5 से 10 वर्षों की फिल्में दिखाती हैं कि समकालीन German सिनेमा कैसा दिखता है। ये राष्ट्रीय सिनेमा में नवीनतम सोच का प्रतिनिधित्व करते हैं।
क्या मुझे German फिल्में किसी विशेष क्रम में देखनी चाहिए?
नहीं, आप कहीं भी शुरुआत कर सकते हैं, यह इस बात पर निर्भर करता है कि किस निर्देशक या शैली में आपकी रुचि है। फिल्में एक दूसरे पर निर्भर नहीं हैं.
German सिनेमा अंतरराष्ट्रीय स्तर पर अधिक लोकप्रिय क्यों नहीं है?
गुणवत्ता से अधिक महत्व वितरण और विपणन का है। महान German फ़िल्मों को कभी-कभी अंतर्राष्ट्रीय थियेटर रिलीज़ नहीं मिलती है। स्ट्रीमिंग ने खोज को आसान बना दिया है। ये फिल्में खोजने के प्रयास के लायक हैं।
क्या ऐसे कोई German निदेशक हैं जिनके बारे में मुझे जानना चाहिए?
हाँ। प्रत्येक फिल्म के संपादकीय नोट्स में निर्देशक का उल्लेख होता है। इस बात पर ध्यान दें कि कौन से निर्देशक इस सूची में कई बार आते हैं। वे निर्देशक German सिनेमा में प्रमुख रचनात्मक आवाज़ हैं।