İyi, Kötü ve Çirkin
Ortak bir hedefe doğru değişik nedenlerle yol almakta olan üç silah arkadaşı aslında kader açısından yolları kesişmiş insanlardır. İsimleri İyi, Kötü ve Çirkin olan bu kişiler için o dönemdeki Amerikan İç Savaşı bir araçtır. İyi ile Çirkin’in risk barındıran ancak iyi para getiren işleri mevcuttur. Çirkin, aranan azılı bir suçlu olduğu için İyi onu adalete teslim edip önce ödülünü alıyor sonra da darağacından riskli bir metot ile kurtarıp bir sonraki işe kadar sağ kalmasını sağlamaktadır. Bir gün gizli bir hazinenin ortaya çıkmasıyla ikilinin araları bozulur. Onlar birbirleriyle didişirken ortaya üçüncü bir hazine avcısı çıkar; o da Kötü adındaki kişidir. Artık her şeyin başka türlü yaşanma zamanıdır...
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. İyi, Kötü ve Çirkin, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
İyi, Kötü ve Çirkin (1966), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve İyi, Kötü ve Çirkin, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Film Veritabanında 8.5 derecelendirmesi istatistiksel olarak nadirdir. Bireysel görüşlerin ortalamasını alacak kadar geniş bir seçmen tabanı gerektirir ve geriye yalnızca farklı izleyicilere tutarlı bir şekilde ulaştırılan filmler kalır. İyi, Kötü ve Çirkin bu fikir birliğine sahip. Film, yönetmenin zanaat anlayışını gösteriyor: sahnelerin nasıl oluşturulacağı, bilginin hızının nasıl ayarlanacağı, izleyicinin önemsediği risklerin nasıl yaratılacağı. italian sineması olarak İyi, Kötü ve Çirkin, ulusal sinemayı uluslararası benzerlerinden ayıran kendine özgü görsel ve anlatı duyarlılığını taşıyor. Hız, karakter ve hikaye yapısına yönelik yaklaşım, izleme deneyimini zenginleştiren kültürel bağlamı yansıtıyor.
İyi, Kötü ve Çirkin'in görsel dili, 1966'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Sergio Leone, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. İyi, Kötü ve Çirkin'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. İyi, Kötü ve Çirkin'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
İyi, Kötü ve Çirkin'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. İyi, Kötü ve Çirkin'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, İyi, Kötü ve Çirkin'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Sergio Leone'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Clint Eastwood'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
İyi, Kötü ve Çirkin'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.5 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve İyi, Kötü ve Çirkin bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Sergio Leone'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Hayat Güzeldir
1930’ların İtalya’sında geçen filmde hayat dolu bir Yahudi muhasebeci olan Guido Orefice (Roberto Benigni), güzeller güzeli öğretmen Dora’ya (Nicoletta Braschi) vurulur ve tüm engellere rağmen evlenirler. Ardından bir de çocuk sahibi olan çiftin hayatlarındaki tüm pürüzler ortadan kalktığında İkinci Dünya Savaşı patlak verir ve Almanlar İtalya’yı esir alır. Yahudi oldukları için toplama kampına götürüldüklerinde Guido, oğlu Giosué’ye (Giorgio Cantarini) esir kampının ve savaşın bir oyun olarak söyleyecek; oğlu, oyunu başarıyla tamamlarsa ödül olarak çok istediği bir oyuncak tankı hediye edecektir.
Neden izliyorsunuz?: Hayat Güzeldir bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1997'te gösterime giren Hayat Güzeldir, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Roberto Benigni hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.4 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Hayat Güzeldir'in 8.4 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Roberto Benigni, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Hayat Güzeldir, italian sinemasının farklı bir şekilde yaptığı şeyin temsilcisidir. Bu filmde yer alan hikaye anlatımı varsayımları, Batı sinemasından, onları fark etmeye başladığınızda fark edebileceğiniz açılardan farklılık gösteriyor. Bu fark özellikle italian filmlerini izlemenin değeridir.
Hayat Güzeldir'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Roberto Benigni, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Roberto Benigni, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Hayat Güzeldir'te en çok görülür.
Hayat Güzeldir, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. Hayat Güzeldir'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. Hayat Güzeldir'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. Roberto Benigni'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
Hayat Güzeldir'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Hayat Güzeldir'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Roberto Benigni, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. Roberto Benigni'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
Cennet Sineması
Artık ünlü bir yönetmen olmuş Salvatore, 30 yıl sonra bir arkadaşının öldüğü haberi üzerine doğduğu kasabaya geri döner. Kasabaya geldiğinde eski anıları canlanan Salvatore, Cinema Paradiso adlı sinemada projeksiyoncu olarak çalışan Alfred ile ilişkilerini hatırlar. Küçük bir çocuk olan Salvatore, günlerini Alfred'in yanında geçirmekte, filmlerle ilgili konuşmakta ve Alfred'in sinema konusunda deneyim ve bilgilerinden yararlanmaktadır. Babacan tavırlarıyla Salvatore'nin hayatında önemli bir yere sahip olacak Alfred sayesinde sinemaya olan aşkını ve tutkusu keşfedecektir.
Neden izliyorsunuz?: Cennet Sineması'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Cennet Sineması, 1988'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Cennet Sineması'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.4'te Cennet Sineması, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Cennet Sineması herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Cennet Sineması'in neden en iyi italian filmleri listesinde yer aldığını anlamak, ulusal sinemanın değerlerine dikkat etmeyi gerektiriyor. Giuseppe Tornatore, bu sayfadaki diğer italian filmleriyle karşılaştırıldığında en görünür şekilde bu değerlerin içinde ve karşısında çalışır.
Cennet Sineması'teki performanslar, Giuseppe Tornatore'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Philippe Noiret, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Cennet Sineması'te en zor anlar, Philippe Noiret'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Cennet Sineması, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.4 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Cennet Sineması'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Giuseppe Tornatore ve Philippe Noiret işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Cennet Sineması ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Giuseppe Tornatore, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Cennet Sineması'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Birbirimizi Öyle Çok Sevmiştik Ki
Gianni, Nicola ve Antonio 1944'te Nazi'lere karşı savaşırken dost olmuşlardır. Hayallerle doldurdukları savaşın sonunda normal hayatlarına dönerler. Film bu üç idealistin hayat hikayelerini ve hayatın kaçınılmaz gerçekleriyle nasıl başa çıktıklarını anlatmaktadır.
Neden izliyorsunuz?: Birbirimizi Öyle Çok Sevmiştik Ki, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Birbirimizi Öyle Çok Sevmiştik Ki'in 1974 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Birbirimizi Öyle Çok Sevmiştik Ki'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Birbirimizi Öyle Çok Sevmiştik Ki'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.3'teki Birbirimizi Öyle Çok Sevmiştik Ki, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Ettore Scola, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Birbirimizi Öyle Çok Sevmiştik Ki, italian sinemasının uluslararası öneme sahip işler ürettiği iddiasına katkıda bulunuyor. Küresel izleyiciden alınan 8.3 derecelendirmesi, filmin niteliklerinin kültüre özgü olmadığını, tercüme edildiğini doğruluyor.
Birbirimizi Öyle Çok Sevmiştik Ki'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Ettore Scola, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Birbirimizi Öyle Çok Sevmiştik Ki karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Birbirimizi Öyle Çok Sevmiştik Ki'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Birbirimizi Öyle Çok Sevmiştik Ki'i ilk kez izleyen izleyiciler, Ettore Scola'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Birbirimizi Öyle Çok Sevmiştik Ki'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Nino Manfredi, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1974 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Ettore Scola'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Birbirimizi Öyle Çok Sevmiştik Ki'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Ettore Scola, Birbirimizi Öyle Çok Sevmiştik Ki ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Batıda Kan Var
Kanun dışı işler yapan ve acımasız biri olan Frank ve adamları yaşadıkları bölgede süren demiryolu projesi ile ilgili cinayet işlerler. Öldürdükleri Brett McBain'in eşi Jill bölgede kalmaya karar verir. Frank ile eskiden bir hesabı olan Harmonica, Jill ve başka bir kanun kaçağı olan Cheyenne ile beraber Frank ve adamlarına karşı gelmeye karar verirler.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Batıda Kan Var, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Batıda Kan Var (1968), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Batıda Kan Var, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.3 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Batıda Kan Var, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. italian sinemasının hikaye yapısı, karakter içselliği ve görsel dil ile belirgin bir ilişkisi var. Batıda Kan Var bu ayrımları açıkça göstermektedir. italian sinemasına yeni başlayan izleyiciler bu filmi faydalı bir yönlendirme noktası olarak görecektir.
Batıda Kan Var'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Sergio Leone, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Batıda Kan Var'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Claude Cardinale, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Batıda Kan Var'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Sergio Leone'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Batıda Kan Var, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Claude Cardinale'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Batıda Kan Var'in ilk 10'da yer alması, neyle rekabet ettiğini düşündüğünüzde çok anlamlıdır. Bu mod ve döneme ait katalogdaki her filmler değerlendirildi ve Batıda Kan Var burada sıralandı çünkü derecelendirme kalitesi ve seçmen hacminin birleşimi, onu seçimdeki diğer her şeyin üstünde tutuyordu. Sergio Leone, Batıda Kan Var'te onu aynı kategorideki alternatiflerden (aynı zamanda iyi filmler olan alternatiflerden) ayıran seçimler yaptı. İlk on ile ilk yirmi arasındaki fark, mutlak derecelendirme açısından göründüğünden daha küçük ancak izleyici deneyiminin gerçekte sunduğu şey açısından önemli.
1900 Efsanesi
Virginian adındaki transatlantikte görev yapan Danny Boodman, 1900 yılının ilk haftasında balo salonunda üstünde T.D. Lemons yazan bir kutunun içinde yeni doğmuş bir bebek bulur. Bebeği herkesten gizleyen Danny, onu evladı gibi görmeye başlar. Ona, kendi adını, bulduğu kutunun üstünde yazanları ve bulduğu yıl olan 1900 (Novecento) ismini koyar. Yasal yollarla elinden alınır korkusuyla Novecentoyu asla gemiden indirmez. Fakat Novecento 8 yaşındayken, Danny makine dairesindeki bir kaza yüzünden ölünce yetim kalır. Bir gece piyano çalmaya başlayan Novecento gemideki herkesi kendine hayran bırakır; piyano çalmaktan vazgeçmeyen Novecento, yayılan ününe rağmen, doğup büyüdüğü gemiyi asla terk etmeyecek, arkadaşlığı, aşkı ve hayatı da burada tanıyacaktır.
Neden izliyorsunuz?: 1900 Efsanesi bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1998'te gösterime giren 1900 Efsanesi, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Giuseppe Tornatore hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.2 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. 1900 Efsanesi için 8.2 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; 1900 Efsanesi'in yaptığı da tam olarak bu. Giuseppe Tornatore bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. 1900 Efsanesi'in uluslararası izleyici kitlesinden aldığı 8.2 puanı buradaki en önemli gerçektir. Kökleri bu kadar italian kültürel bağlamına dayanan bir filmler, bu bağlamın dışındaki kişiler tarafından bu kadar yüksek puan almışsa, filmin niteliklerinin hissedilecek kültürel okuryazarlığa bağlı olmadığı anlamına gelir.
1900 Efsanesi'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Giuseppe Tornatore, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. 1900 Efsanesi'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Tim Roth, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
1900 Efsanesi, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.2 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. 1900 Efsanesi'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Giuseppe Tornatore ve Tim Roth işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
1900 Efsanesi ilk on sırasını kültürel itibarı sayesinde değil, izleyicilerin oturup izlediğinde yaşananlar sayesinde kazanıyor. 8.2 derecelendirmesi, bu deneyimi geniş bir bağımsız görüntüleme örneğinde yansıtıyor. Bunun gibi listelerde ilk on durumuna ulaşan filmler, alternatiflere tam erişimi olan ve bu filmi deneyimlerinin en üstünde derecelendirmeyi seçen izleyiciler tarafından test edildi. Giuseppe Tornatore ve Tim Roth bu beklentiyi tutarlı bir şekilde karşılayan bir şey yaptı; sürekli yeni izleyicilerin yeni standartlar getirmesine rağmen reytingin devam etmesinin nedeni de budur.
Gamsız Hayat
Bruno, tatlı hayatların temsilcisiyken; Roberto ise genç bir hukuk öğrencisidir. Bruno, hedonist (içki, sigara, biri eşi olmak üzere güzel kadınlar…) ve rahat bir karakterken; Roberto ise mahçup ve tutuktur. Sıcak bir yaz gününde geçen öykü, hayalet şehre benzeyen Roma’da bir tesadüf sonucu tanışan ayrı dünyaların insanı bu iki adamın “yolculuğu” etrafında şekillenir: Bruno’nun arabasıyla çıktıkları Toscana yolunda çeşitli “kesimden” insanlarla karşılaşırlar; muhtelif konular üzerine hafif sohbetlerde bulunurlar; birbirlerinin ailelerini ziyaret etme fırsatı yakalarlar.
Neden izliyorsunuz?: Gamsız Hayat'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Gamsız Hayat, 1962'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Gamsız Hayat'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.2'teki Gamsız Hayat, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Dino Risi'in Gamsız Hayat'teki seçimleri, kendi tarihi ve mantığı olan italian filmler yapımı gelenekleri tarafından şekilleniyor. Bu gelenekler Hollywood modelinden farklı sonuçlar üretiyor. Farkı anlamak italian sinemasının sunduğu şeylerin bir parçasıdır.
Gamsız Hayat'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Dino Risi, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Vittorio Gassman, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Gamsız Hayat'te en çok görülür.
Gamsız Hayat'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Gamsız Hayat'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Gamsız Hayat'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Dino Risi'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Vittorio Gassman'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Gamsız Hayat'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.2 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve Gamsız Hayat bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Dino Risi'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Her Türlü Kuşkunun Ötesinde Bir Vatandaş Üstüne Soruşturma
Bir polis metresini öldürür; ipuçlarının izinin sürülmesini de kendisi yönlendirir; güçlü karakterinin yanı sıra, mesleğindeki konumu da düşünüldüğünde meslektaşları onu suçlu bulmakta aciz kalmaktadırlar. Kendisini suçlamaları yönünde teşvik mi etmektedir onları? Yoksa sadece gücünü göstererek gösteriş mi yapmaktadır, ya da nihayet kendi gerçek yüzünün ortaya çıkarılmasını mı hayal etmektedir?
Neden izliyorsunuz?: Her Türlü Kuşkunun Ötesinde Bir Vatandaş Üstüne Soruşturma, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Her Türlü Kuşkunun Ötesinde Bir Vatandaş Üstüne Soruşturma'in 1970 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Her Türlü Kuşkunun Ötesinde Bir Vatandaş Üstüne Soruşturma'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Her Türlü Kuşkunun Ötesinde Bir Vatandaş Üstüne Soruşturma'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.2 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Her Türlü Kuşkunun Ötesinde Bir Vatandaş Üstüne Soruşturma'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Her Türlü Kuşkunun Ötesinde Bir Vatandaş Üstüne Soruşturma bundan faydalanıyor. Zanaat en çok yönetmenin sakladığı şeylerde görülür. Bilgi stratejik olarak yayınlanıyor, her açıklama daha önce olanı yeniden bağlamlandırıyor. Performanslar kontrollü açıklamaya göre kalibre edilir. Her Türlü Kuşkunun Ötesinde Bir Vatandaş Üstüne Soruşturma, italian sinemasının herhangi bir ciddi açıklamasına aittir çünkü ulusal sinemanın en iyi şekilde neyi başardığını göstermektedir. Burada görülen spesifik kaygılar ve yaklaşımlar, italian filmlerinin uluslararası bir izleyici kitlesine sahip olmasının nedenidir.
Her Türlü Kuşkunun Ötesinde Bir Vatandaş Üstüne Soruşturma'teki performanslar, Elio Petri'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Gian Maria Volonté, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Her Türlü Kuşkunun Ötesinde Bir Vatandaş Üstüne Soruşturma'te en zor anlar, Gian Maria Volonté'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Her Türlü Kuşkunun Ötesinde Bir Vatandaş Üstüne Soruşturma, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Elio Petri, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Her Türlü Kuşkunun Ötesinde Bir Vatandaş Üstüne Soruşturma'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.2 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Gian Maria Volonté - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Her Türlü Kuşkunun Ötesinde Bir Vatandaş Üstüne Soruşturma'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Her Türlü Kuşkunun Ötesinde Bir Vatandaş Üstüne Soruşturma'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Elio Petri, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. Gian Maria Volonté'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
Bisiklet Hırsızları
İkinci Dünya Savaşı sonrasında geçen hikaye, fakir bir babanın ve oğlunun dramını anlatıyor. Uzun süredir işsiz olan Antonio, sonunda para kazanabileceği bir iş bulur. Bisikletle dolaşıp duvarlara film afişleri asacaktır. İşinin ilk gününde bisikletini çaldıran Antonio, son ekmek kapısı olan bu bisikleti bir hırsıza kaptırmayacak ve oğluyla birlikte hırsızın peşine düşecektir.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Bisiklet Hırsızları, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Bisiklet Hırsızları (1948), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Bisiklet Hırsızları, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 8.2 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Bisiklet Hırsızları de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. italian sineması olarak Bisiklet Hırsızları, ulusal sinemayı uluslararası benzerlerinden ayıran kendine özgü görsel ve anlatı duyarlılığını taşıyor. Hız, karakter ve hikaye yapısına yönelik yaklaşım, izleme deneyimini zenginleştiren kültürel bağlamı yansıtıyor.
Bisiklet Hırsızları'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Vittorio De Sica, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Bisiklet Hırsızları karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Bisiklet Hırsızları'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Bisiklet Hırsızları, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.2 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Bisiklet Hırsızları'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Vittorio De Sica ve Lamberto Maggiorani işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Bisiklet Hırsızları ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Vittorio De Sica, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Bisiklet Hırsızları'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Arkadaşlarım
Necchi (bir bar sahibi), Perozzi (bir gazeteci), Melandri (mimar) ve Mascetti (kırık bir soylu) Floransa'da yaşıyor. En genç yaşlarından beri arkadaş oldular ve karşılaştıkları tüm insanlara karmaşık ve korkunç şakalar düzenleyerek ya da sadece Toskana çevresinde dolaşırken her boş zamanı birlikte geçirdiler. Bu çılgın gezilerden biri askeri-profesör Sassaroli tarafından işletilen hastanede sona eriyor. Melandri karısına aşık olur ve onu kocasından, hatta Sassaroli'nin kendisinin zevkine kadar çalar. İlişki sürmeyecek, ancak Profesör arkadaş takımının beşinci üyesi olacak ve şakalar daha da karmaşık ve güçlü hale geliyor.
Neden izliyorsunuz?: Arkadaşlarım bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1975'te gösterime giren Arkadaşlarım, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Mario Monicelli hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.1 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Arkadaşlarım'in 8.1 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Mario Monicelli, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Film izleyicinin komik zamanlama anlayışına güveniyor. Yönetmen ritmi kuruyor ve ardından mizahın yaşadığı yerlerde duraklamalara izin veriyor. Performanslar, kısıtlamanın vurgu yapmaktan daha eğlenceli olduğunu anlıyor. Arkadaşlarım, italian sinemasının farklı bir şekilde yaptığı şeyin temsilcisidir. Bu filmde yer alan hikaye anlatımı varsayımları, Batı sinemasından, onları fark etmeye başladığınızda fark edebileceğiniz açılardan farklılık gösteriyor. Bu fark özellikle italian filmlerini izlemenin değeridir.
Arkadaşlarım'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Mario Monicelli, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Arkadaşlarım'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Ugo Tognazzi, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Arkadaşlarım'i ilk kez izleyen izleyiciler, Mario Monicelli'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Arkadaşlarım'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Ugo Tognazzi, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1975 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Mario Monicelli'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Arkadaşlarım'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Mario Monicelli, Arkadaşlarım ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Sinema önemli hikayelerle ilgilidir. Bu bölümdeki filmler bu prensibi kanıtlıyor.
Sekiz Buçuk
Guido Anselmi son filminin hazırlıkları ile uğraşan bir yönetmendir. Herkes onun eski işlerine bakmakta ve ondan büyük bir iş beklemektedir. Çevresindekilerden bir huzur bulamayan Guido yeni filmi için parlak bir fikir de bulamamaktadır. Tüm bunlar yetmezmiş gibi hayatındaki kadınlar da ona rahat vermez. Guido giderek boğulduğunu hissetmektedir.
Neden izliyorsunuz?: Sekiz Buçuk'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Sekiz Buçuk, 1963'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Sekiz Buçuk'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.1'te Sekiz Buçuk, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Sekiz Buçuk herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Sekiz Buçuk'in neden en iyi italian filmleri listesinde yer aldığını anlamak, ulusal sinemanın değerlerine dikkat etmeyi gerektiriyor. Federico Fellini, bu sayfadaki diğer italian filmleriyle karşılaştırıldığında en görünür şekilde bu değerlerin içinde ve karşısında çalışır.
Sekiz Buçuk'in görsel dili, 1963'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Federico Fellini, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Sekiz Buçuk'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Sekiz Buçuk'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Sekiz Buçuk'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Federico Fellini'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Sekiz Buçuk, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Marcello Mastroianni'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Sekiz Buçuk, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Marcello Mastroianni'in performansının ve Federico Fellini'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Toto Gangster
Cosimo, bir araba çalmaya çalışırken polise yakalanır. Hapisten erken çıkmak için dışarıdaki suç ortaklarından kendisine bir "günah keçisi" bulmalarını ister - hapse onun yerine girecek birini. Pepe adında, başarısız bir boksör çıkagelir ve hapishane müdürüne suçu üstlendiğini söyler. Ancak müdür akıllıca bir hamle yapar: ikisini de hapse atar! Hapisteyken, Cosimo Pepe'ye "kusursuz" vurgun planını anlatır. Bu planı, hapisten çıktıktan sonra kendisi gerçekleştirmeyi düşünmektedir. Ancak işler ters gider: Pepe beklenenden erken tahliye olur ve Cosimo'nun ortaklarıyla birlikte vurgunu kendi başına yapmaya kalkar!
Neden izliyorsunuz?: Toto Gangster, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Toto Gangster'in 1958 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Toto Gangster'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Toto Gangster'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.1'teki Toto Gangster, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Mario Monicelli, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Filmin bir komedi olarak tutarlılığı tutarlılıktan geliyor. Yönetmen dünyanın kurallarını ve karakterlerin bu kurallar içindeki davranışlarını belirliyor ve mizah, bu karakterlerin bir durumu nasıl yönlendirdiğinden ortaya çıkıyor. Toto Gangster, italian sinemasının uluslararası öneme sahip işler ürettiği iddiasına katkıda bulunuyor. Küresel izleyiciden alınan 8.1 derecelendirmesi, filmin niteliklerinin kültüre özgü olmadığını, tercüme edildiğini doğruluyor.
Toto Gangster'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Mario Monicelli, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Vittorio Gassman, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Toto Gangster'te en çok görülür.
Toto Gangster, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Toto Gangster'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Mario Monicelli ve Vittorio Gassman işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Toto Gangster'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.1 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Toto Gangster'e yüksek puan verme kararları, Mario Monicelli'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Toto Gangster genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
C'è ancora domani
In postwar Rome, a working-class woman dreams of a better future for herself and her daughter while facing abuse at the hands of her domineering husband. When a mysterious letter arrives, she discovers the courage to change the circumstances of her life.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. C'è ancora domani, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
C'è ancora domani, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Paola Cortellesi gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.1 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. C'è ancora domani, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. italian sinemasının hikaye yapısı, karakter içselliği ve görsel dil ile belirgin bir ilişkisi var. C'è ancora domani bu ayrımları açıkça göstermektedir. italian sinemasına yeni başlayan izleyiciler bu filmi faydalı bir yönlendirme noktası olarak görecektir.
C'è ancora domani'teki performanslar, Paola Cortellesi'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Paola Cortellesi, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. C'è ancora domani'te en zor anlar, Paola Cortellesi'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
C'è ancora domani'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. C'è ancora domani'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, C'è ancora domani'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Paola Cortellesi'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Paola Cortellesi'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan C'è ancora domani, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: C'è ancora domani, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Paola Cortellesi'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. C'è ancora domani'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Özel Bir Gün
Yıl 1938. Hitler ile Mussolini Roma"da büyük bir törenle buluşurlar. Şehirdeki hayat durur, halk bu tarihi olaya tanıklık etmek için tören alanına akın eder. Boğucu bir evliliği olan ev kadını Antonietta (Sophia Loren) da o gün kocası ve çocuklarını törene uğurlamıştır. Apartmanda yalnız kaldığını düşündüğü bir anda, kendisi gibi törene katılmayan Gabriele (Marcello Mastroianni) ile tanışır. Çok geçmeden Gabriele"nin cinsel tercihi ve antifaşist tutumu yüzünden işini kaybettiğini öğrenecek, kendisinden çok farklı bu erkeğin çekimine kapılacaktır. Alışılmadık ilişki üzerinden son derece başarılı bir faşizm eleştirisi yapan Özel Bir Gün, İtalyan sinemasının iki ünlü oyuncusunun benzersiz performansı ile akıllarda yer ediyor.
Neden izliyorsunuz?: Özel Bir Gün bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1977'te gösterime giren Özel Bir Gün, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Ettore Scola hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.1 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Özel Bir Gün için 8.1 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Özel Bir Gün'in yaptığı da tam olarak bu. Ettore Scola bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Özel Bir Gün'in uluslararası izleyici kitlesinden aldığı 8.1 puanı buradaki en önemli gerçektir. Kökleri bu kadar italian kültürel bağlamına dayanan bir filmler, bu bağlamın dışındaki kişiler tarafından bu kadar yüksek puan almışsa, filmin niteliklerinin hissedilecek kültürel okuryazarlığa bağlı olmadığı anlamına gelir.
Özel Bir Gün'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Ettore Scola, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Özel Bir Gün karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Özel Bir Gün'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Özel Bir Gün, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Ettore Scola, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Özel Bir Gün'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.1 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Sophia Loren - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Özel Bir Gün bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Ettore Scola, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.1 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Ettore Scola'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Özel Bir Gün'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Gençliğin En İyisi
1960’lardan 2000’lere kadar iki erkek kardeşin hayatını beyazperdeye taşıyan İtalyan yapımı epik bir film... 1966'da üniversite çağında olan Nicola ve Matteo, akıl hastanesinde kötü muamele gören Giorgia isimli kız ile karşılaştıklarında, hayatlarının dönüm noktasına gelmişlerdir. Genç kız için yapılacak fazla bir şey yoktur ve her ikisi de bu adaletsizliğe karşı kızgındır. Nicola düzene karşı çıkarak önce hippilerin arasına karışır ve ardından Giorgia gibilere yardım etmek için psikoloji okumaya karar verir. Matteo ise eşitsizlikleri giderebilmek için kanun adamı olma yolunu seçer ve önce orduya ardından da polis akademisine kaydolur.
Neden izliyorsunuz?: Gençliğin En İyisi'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
2003 sineması çağdaş filmlerden farklı baskılar altında işliyordu. Gençliğin En İyisi, modern prodüksiyonları şekillendiren algoritmik geri bildirim döngüleri olmadan yapıldı. Marco Tullio Giordana'in burada yarattığı şey verilerden ziyade inançtan geldi. 8.0'teki Gençliğin En İyisi, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Marco Tullio Giordana'in Gençliğin En İyisi'teki seçimleri, kendi tarihi ve mantığı olan italian filmler yapımı gelenekleri tarafından şekilleniyor. Bu gelenekler Hollywood modelinden farklı sonuçlar üretiyor. Farkı anlamak italian sinemasının sunduğu şeylerin bir parçasıdır.
Gençliğin En İyisi'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Marco Tullio Giordana, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Gençliğin En İyisi'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Luigi Lo Cascio, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Gençliğin En İyisi, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Gençliğin En İyisi'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Marco Tullio Giordana ve Luigi Lo Cascio işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Gençliğin En İyisi'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Marco Tullio Giordana filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.0 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Gençliğin En İyisi tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Tatlı Hayat
Tatlı Hayat, Roma şehir yaşantısının modern yozluğunu ve sofistike ahlak çöküntüsünü yüksek sosyetenin peşinde koşan bir gazetecinin gözünden anlatır. Genç gazeteci Marcello Rubini gerçek bir eser yaratmanın düşüyle yaşar; ancak çalıştığı bulvar gazetesinin ona sağladığı para ve prestijden de vazgeçemez. Filmde Marcello'nun yedi günü ve gecesini, birlikte olduğu farklı kadınlarla ilişkilerini, arka planda 1960'ların gençlik ve heyecanıyla kaynayan Roma sokakları ve sosyete yaşantısından kesitlerle izleriz. Marcello seks, içki, partiler ve alemlerle dolu bir dünyada savrulurken bile aslında haz almadığı bu "tatlı hayat"ı sonuna kadar yaşamaya devam eder. Onunki ruhsuz ve heyecansız bir varoluştur. İtalyan sinemasının ilk 3,5 saatlik filmi olan "Tatlı Hayat" gösterime girmesiyle birlikte büyük skandallara ve polemiklere yol açmış, Vatikan tarafından yasaklanmaya çalışılmış, halk tarafından kucaklanmıştır * Yapılmış en muhteşem İtalyan filmi.
Neden izliyorsunuz?: Tatlı Hayat, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Tatlı Hayat'in 1960 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Tatlı Hayat'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Tatlı Hayat'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.0 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Tatlı Hayat'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Tatlı Hayat bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Tatlı Hayat, italian sinemasının herhangi bir ciddi açıklamasına aittir çünkü ulusal sinemanın en iyi şekilde neyi başardığını göstermektedir. Burada görülen spesifik kaygılar ve yaklaşımlar, italian filmlerinin uluslararası bir izleyici kitlesine sahip olmasının nedenidir.
Tatlı Hayat'in görsel dili, 1960'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Federico Fellini, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Tatlı Hayat'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Tatlı Hayat'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Tatlı Hayat'i ilk kez izleyen izleyiciler, Federico Fellini'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Tatlı Hayat'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Marcello Mastroianni, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1960 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Federico Fellini'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Tatlı Hayat, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Federico Fellini'in Tatlı Hayat'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Birkaç Dolar İçin
Indio adındaki bir kanun kaçağını yakalamak için iki kelle avcısı işbirliği yaparlar. Monco'nun kazanacağı para dışında dert ettiği bir şey yoktur. Ancak Mortimer'in kimsenin bilmediği bir sırrı vardır ve hesaplaşmak için büyük günün gelmesini beklemektedir. İki adamı da durduracak bir şey yoktur ve önlerine çıkan her şeyi yok etmeye hazırdırlar * Sert erkeklerin, hızla kılıfından çıkan silahların ve Hollywood'un birtakım ahlaki gerekçeleriyle ortaya çıkardığı western mitine inat eğlencelik şiddetin sahne aldığı "Bir Kaç Dolar İçin" türün meraklıları için bulunmaz fırsat
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Birkaç Dolar İçin, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Birkaç Dolar İçin (1965), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Birkaç Dolar İçin, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 8.0 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Birkaç Dolar İçin de bir istisna değildir. Film, yönetmenin zanaat anlayışını gösteriyor: sahnelerin nasıl oluşturulacağı, bilginin hızının nasıl ayarlanacağı, izleyicinin önemsediği risklerin nasıl yaratılacağı. italian sineması olarak Birkaç Dolar İçin, ulusal sinemayı uluslararası benzerlerinden ayıran kendine özgü görsel ve anlatı duyarlılığını taşıyor. Hız, karakter ve hikaye yapısına yönelik yaklaşım, izleme deneyimini zenginleştiren kültürel bağlamı yansıtıyor.
Birkaç Dolar İçin'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Sergio Leone, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Clint Eastwood, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Birkaç Dolar İçin'te en çok görülür.
Birkaç Dolar İçin'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Sergio Leone'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Birkaç Dolar İçin, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Clint Eastwood'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Birkaç Dolar İçin, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Clint Eastwood'in performansının ve Sergio Leone'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Sulla mia pelle
The incredible true story behind the most controversial Italian court cases in recent years. Stefano Cucchi was arrested for a minor crime and mysteriously found dead during his detention. In one week's time, a family is changed forever.
Neden izliyorsunuz?: Sulla mia pelle bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2018'te üretilen Sulla mia pelle, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.0 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Sulla mia pelle'in 8.0 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Alessio Cremonini, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Sulla mia pelle, italian sinemasının farklı bir şekilde yaptığı şeyin temsilcisidir. Bu filmde yer alan hikaye anlatımı varsayımları, Batı sinemasından, onları fark etmeye başladığınızda fark edebileceğiniz açılardan farklılık gösteriyor. Bu fark özellikle italian filmlerini izlemenin değeridir.
Sulla mia pelle'teki performanslar, Alessio Cremonini'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Alessandro Borghi, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Sulla mia pelle'te en zor anlar, Alessandro Borghi'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Sulla mia pelle, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Sulla mia pelle'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Alessio Cremonini ve Alessandro Borghi işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Sulla mia pelle'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.0 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Sulla mia pelle'e yüksek puan verme kararları, Alessio Cremonini'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Sulla mia pelle genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Roma, Açık Şehir
2.Dünya Savaşı 'nın sonlarına doğru 1944 yılında Nazi işgali altındaki Roma şehrinde yaşayan bir grup insanın hikayesi anlatılır.Gestapo Nazilere karşı yapılan direniş hareketinin lideri olan Giorgio Manfredi (Marcello Pagliero) 'nin peşine düşmüştür.Yakın arkadaşı Francesco (Francesco Grandjacquet),Francesco'nun evlenmek üzere olduğu dul Pina (Anna Magnani)ve Rahip Don Pietro Pellegrini (Aldo Fabrizi) birlikte Giorgio'nun bir an önce Roma'dan ayrılabilmesi için yeni bir kimlik edinmesine yardımcı olurlar.
Neden izliyorsunuz?: Roma, Açık Şehir'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Roma, Açık Şehir, 1945'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Roma, Açık Şehir'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.0'te Roma, Açık Şehir, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Roma, Açık Şehir herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Roma, Açık Şehir'in neden en iyi italian filmleri listesinde yer aldığını anlamak, ulusal sinemanın değerlerine dikkat etmeyi gerektiriyor. Roberto Rossellini, bu sayfadaki diğer italian filmleriyle karşılaştırıldığında en görünür şekilde bu değerlerin içinde ve karşısında çalışır.
Roma, Açık Şehir'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Roberto Rossellini, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Roma, Açık Şehir karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Roma, Açık Şehir'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Roma, Açık Şehir'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Roma, Açık Şehir'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Roma, Açık Şehir'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Roberto Rossellini'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Aldo Fabrizi'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Roma, Açık Şehir, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Roma, Açık Şehir, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Roberto Rossellini'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Roma, Açık Şehir'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Rocco e i suoi fratelli
When a impoverished widow’s family moves to the big city, two of her five sons become romantic rivals with deadly results.
Neden izliyorsunuz?: Rocco e i suoi fratelli, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Rocco e i suoi fratelli'in 1960 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Rocco e i suoi fratelli'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Rocco e i suoi fratelli'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.0'teki Rocco e i suoi fratelli, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Luchino Visconti, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Rocco e i suoi fratelli, italian sinemasının uluslararası öneme sahip işler ürettiği iddiasına katkıda bulunuyor. Küresel izleyiciden alınan 8.0 derecelendirmesi, filmin niteliklerinin kültüre özgü olmadığını, tercüme edildiğini doğruluyor.
Rocco e i suoi fratelli'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Luchino Visconti, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Rocco e i suoi fratelli'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Alain Delon, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Rocco e i suoi fratelli, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Luchino Visconti, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Rocco e i suoi fratelli'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.0 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Alain Delon - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Rocco e i suoi fratelli bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Luchino Visconti, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.0 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Luchino Visconti'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Rocco e i suoi fratelli'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Harika filmler kendi kategorilerinin ötesine geçer. Zanaat olağanüstü olduğu için çalışıyorlar.
Cabiria'nın Geceleri
Orta yaşlı gariban bir fahişe olan saf ve alıngan 'Cabiria' (Giulietta Masina) Roma 'nın pejmürde semtlerinden Ostia 'da 'iş tutmaktadır'. Fakir semtlerden birinde de kendine ait küçücük bir evi, bankada bir miktar parası ve kocaman hayalleri vardır. Cabiria takma ismini 1914 tarihli bir İtalyan filminden almıştır. Sürekli olarak gerçek aşkı arayan Cabiria, her seferinde ihanete ve hayal kırıklığına uğrar; hatta bir keresinde gerçek aşkını bulduğunu sandığı bir anda, erkek arkadaşı parasını alıp kaçar ve onu suda ölüme terk eder. Sürekli olarak benzer olaylarla aşağılanan ve hırpalanan Cabiria incinir ama asla yıkılmaz. Cabiria'nın minik bedeni ve tavırları biraz Charlie Chaplin'in canlandırdığı 'Küçük Serseri' yi anımsatır. Cesur ve gözü pektir; ama bir o kadar da naiftir, kırılgan ve savunmasızdır. Benzersiz iyimserliği, özgürlüğüne ve bağımsızlığına olan aşırı tutkusu ile 'altın kalpli fahişe' mitinin ete kemiğe bürünmüş halidir. Islah olmayı kabullenmez ama suçluluk da duymaz.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Cabiria'nın Geceleri, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Cabiria'nın Geceleri (1957), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Cabiria'nın Geceleri, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.0 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Cabiria'nın Geceleri, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. italian sinemasının hikaye yapısı, karakter içselliği ve görsel dil ile belirgin bir ilişkisi var. Cabiria'nın Geceleri bu ayrımları açıkça göstermektedir. italian sinemasına yeni başlayan izleyiciler bu filmi faydalı bir yönlendirme noktası olarak görecektir.
Cabiria'nın Geceleri'in görsel dili, 1957'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Federico Fellini, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Cabiria'nın Geceleri'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Cabiria'nın Geceleri'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Cabiria'nın Geceleri, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Cabiria'nın Geceleri'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Federico Fellini özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Cabiria'nın Geceleri ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 8.0 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Cabiria'nın Geceleri'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Federico Fellini filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.0 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Cabiria'nın Geceleri tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Üç Adam ve Bir Bacak
Üç arkadaşın Çılgın yolculuğu...Üç arkadaşın ilginç bir özelliği vardır. İkisi evlidir ve eşleri kardeştir. Bekar olan üçüncü kardeş de, eşlerin diğer kardeşiyle evlenmeye hazırlanmaktadır. Üç arkadaş arabayla Milan'dan ayrılıp bir yolculuğa çıkar. Bu çılgın komedi filminde arkadaşların başına gelmeyen kalmayacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Üç Adam ve Bir Bacak bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1997'te gösterime giren Üç Adam ve Bir Bacak, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Aldo Baglio hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.0 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Üç Adam ve Bir Bacak için 8.0 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Üç Adam ve Bir Bacak'in yaptığı da tam olarak bu. Aldo Baglio bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Film izleyicinin komik zamanlama anlayışına güveniyor. Yönetmen ritmi kuruyor ve ardından mizahın yaşadığı yerlerde duraklamalara izin veriyor. Performanslar, kısıtlamanın vurgu yapmaktan daha eğlenceli olduğunu anlıyor. Üç Adam ve Bir Bacak'in uluslararası izleyici kitlesinden aldığı 8.0 puanı buradaki en önemli gerçektir. Kökleri bu kadar italian kültürel bağlamına dayanan bir filmler, bu bağlamın dışındaki kişiler tarafından bu kadar yüksek puan almışsa, filmin niteliklerinin hissedilecek kültürel okuryazarlığa bağlı olmadığı anlamına gelir.
Üç Adam ve Bir Bacak'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Aldo Baglio, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Aldo Baglio, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Üç Adam ve Bir Bacak'te en çok görülür.
Üç Adam ve Bir Bacak'i ilk kez izleyen izleyiciler, Aldo Baglio'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Üç Adam ve Bir Bacak'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Aldo Baglio, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1997 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Aldo Baglio'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Üç Adam ve Bir Bacak, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Aldo Baglio'in Üç Adam ve Bir Bacak'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Gece
Tanınmış bir yazar ve eşi, on yıllık evliliklerinin ardından ilişkilerinin bitme noktasına geldiğini farketmeye başlarlar. Kadın bu evlilikten sıkılmıştır. Bir aile dostuyla olan evlilik dışı ilişkisi, adamın aniden ölmesiyle kadını iyice umutsuzluğa itmiştir.Film bir günü ve bir geceyi anlatır. Şafak sökmeye başladığında, çiftin katılmış olduğu parti de bitmektedir ve alışkanlıklar, korku, yalnızlık ve acı, çifti son kez bir araya getirir...
Neden izliyorsunuz?: Gece'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Michelangelo Antonioni'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
Gece, 1961'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Gece'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.9'teki Gece, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Michelangelo Antonioni'in Gece'teki seçimleri, kendi tarihi ve mantığı olan italian filmler yapımı gelenekleri tarafından şekilleniyor. Bu gelenekler Hollywood modelinden farklı sonuçlar üretiyor. Farkı anlamak italian sinemasının sunduğu şeylerin bir parçasıdır.
Gece'teki performanslar, Michelangelo Antonioni'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Marcello Mastroianni, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Gece'te en zor anlar, Marcello Mastroianni'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Gece'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Michelangelo Antonioni'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Gece, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Marcello Mastroianni'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Gece, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Marcello Mastroianni'in performansının ve Michelangelo Antonioni'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Postacı
1950'lerde İtalya'daki küçük bir adadayız. Dünyaca ünlü Şilili komünist şair Pablo Neruda, siyasi sebeplerle ülkesi dışında yaşamak zorunda kaldığı sürenin küçük bir kısmını burada geçirir. Mektuplarını taşımakla görevli postacı naif Mario, Neruda'yla kısa zamanda mesafeli bir dostluk kurar. Usta ozanın verdiği tüyolarla hem içindeki şairi ortaya çıkarır hem de esmer güzeli Beatrice'nin kalbini kazanır. Neruda genç adama sosyalist fikirlerini aşılar ve kendini gerçekleştirmesine yardımcı olduğu Mario'nun gözünde giderek ilahlaşır. Ama usta ozanın peşindeki siyasi rakipleri bir yerde çok uzun süre kalmasına engel olmaktadır. Ayrılık vakti yaklaşır.
Neden izliyorsunuz?: Michael Radford, Postacı'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Postacı'in 1994 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Postacı'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Postacı'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.9 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Postacı'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Postacı bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Postacı, italian sinemasının herhangi bir ciddi açıklamasına aittir çünkü ulusal sinemanın en iyi şekilde neyi başardığını göstermektedir. Burada görülen spesifik kaygılar ve yaklaşımlar, italian filmlerinin uluslararası bir izleyici kitlesine sahip olmasının nedenidir.
Postacı'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Michael Radford, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Postacı karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Postacı'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Postacı, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Postacı'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Michael Radford ve Massimo Troisi işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Postacı'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.9 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Postacı'e yüksek puan verme kararları, Michael Radford'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Postacı genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Sonsuz Sokaklar
Karnavallarda gösteri yapan ikinci sınıf vücutçu Zampano, tuhaf bir köylü kızı olan Gelsomina’yı, fakirlikten çaresiz annesinden “satın alır” ve ikisi birlikte yola koyulurlar. Merhametsiz ve suskun Zampano, (Fellini’nin karısı Giulietta Masina’nın; Buster Keaton, Charlie Chaplin ve Marcel Marceau’nunkilerle karşılaştırılmış garip bir pandomimci uslûbuyla canlandırdığı) masum ve çocuksu Gelsomina’ya, zincir kırma numarası sırasında şapkayı dolaştırmasını, davul çalmasını ve biraz soytarılık etmesini öğretir. Kızı baştan çıkarır, ona köle muamelesi eder ve kaçmaya çalıştığında da döver. Bir taşra sirkine katıldıklarında, Gelsomina nükteci ip cambazı, soytarı Matto’yla tanışır. Zampano ona amansızca sataşan Matto’dan nefret eder. Bir seferinde tahrik üzerine bıçağını çekince tutuklanıp bir geceliğine hapse atılır. Gelsomina, Zampano’yu terk etmek ister ama Matto kızı onunla kalması için ikna eder...
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. Federico Fellini, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Sonsuz Sokaklar (1954), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Sonsuz Sokaklar, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.9 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Sonsuz Sokaklar de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. italian sineması olarak Sonsuz Sokaklar, ulusal sinemayı uluslararası benzerlerinden ayıran kendine özgü görsel ve anlatı duyarlılığını taşıyor. Hız, karakter ve hikaye yapısına yönelik yaklaşım, izleme deneyimini zenginleştiren kültürel bağlamı yansıtıyor.
Sonsuz Sokaklar'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Federico Fellini, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Sonsuz Sokaklar'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Giulietta Masina, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Sonsuz Sokaklar'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Sonsuz Sokaklar'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Sonsuz Sokaklar'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Federico Fellini'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Giulietta Masina'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Sonsuz Sokaklar, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Sonsuz Sokaklar, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Federico Fellini'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Sonsuz Sokaklar'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Cezayir Savaşı
1950'lerin ikinci yarısında geçen film, Cezayir'in Fransa sömürgesi altından kurtuluşunun öyküsünü anlatıyor. Fransa tarafından terör örgütü olarak kabul edilen Cezayir direniş örgütü FLN'nin dört yöneticisinin yakalanması etrafında dönen hikayede, işgal altındaki bir ulusun direnişi resmediliyor. Direnişin biçimi terörizm şeklini alırken, yönetmen Pontecorvo silahlı mücadelenin meşrutiyetini ispatlamaya girişiyor * Belgesel tarzda çekilen ve Fransa'da uzun yıllar yasaklı kalan film, ABD ve İngiltere gibi ülkelerde işkence sahneleri makaslanarak gösterime girebilmişti. Oscar tarihinde bir ilke imza atan "La Battaglia di Algeri" hem 1966'da hem de 1968'de ayrı dallarda ödüle aday gösterilmişti. * bir halkın özgürlük arzusunu ve mücadelesini içinizde hissettirecek mükemmel sahneleri bulunan başarılı ve gerçek film. özellikle son sahnesi unutulmaz.
Neden izliyorsunuz?: Cezayir Savaşı sessizliğe güvenen bir drama. Gillo Pontecorvo, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
1966'te gösterime giren Cezayir Savaşı, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Gillo Pontecorvo hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.9 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Cezayir Savaşı'in 7.9 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Gillo Pontecorvo, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Cezayir Savaşı, italian sinemasının farklı bir şekilde yaptığı şeyin temsilcisidir. Bu filmde yer alan hikaye anlatımı varsayımları, Batı sinemasından, onları fark etmeye başladığınızda fark edebileceğiniz açılardan farklılık gösteriyor. Bu fark özellikle italian filmlerini izlemenin değeridir.
Cezayir Savaşı'in görsel dili, 1966'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Gillo Pontecorvo, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Cezayir Savaşı'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Cezayir Savaşı'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Cezayir Savaşı, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Gillo Pontecorvo, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Cezayir Savaşı'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 7.9 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Brahim Hadjadj - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Cezayir Savaşı bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Gillo Pontecorvo, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.9 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Gillo Pontecorvo'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Cezayir Savaşı'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
İtalyan Usulü Boşanma
Zengin ve sıkıntılı baron Fefè Cefalù, zilli ve genç kuzenine göz koymuştur. Ancak İtalya'da evliliğin kutsallığı ve Fefè'nin evli bir adam olması sebebiyle, bu gizli tutkunun önü kesilmiştir. Sonunda baronun aklına müthiş bir fikir gelir: Talepkâr, sekse aç, çekicilikten gayet uzak karısını eski bir sevgilisinin kollarına itecek ve onu zinayla suçlayarak öldürecektir. Sonunda da mahkemeye çıkıp bir "namus cinayeti" işlediği için yargıcın merhametine güvenerek, tamamen sembolik, hafif bir ceza almayı garantileyecektir.
Neden izliyorsunuz?: Pietro Germi, İtalyan Usulü Boşanma'in komedisini gerçek karakter gözleminden yola çıkarak oluşturuyor. Film ilerledikçe kahkahalar artıyor çünkü insanları daha iyi tanıyorsunuz.
İtalyan Usulü Boşanma, 1961'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. İtalyan Usulü Boşanma'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.9'te İtalyan Usulü Boşanma, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; İtalyan Usulü Boşanma herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Karakter komedisi, yönetmenin ve oyuncu kadrosunun en komik anların abartıdan ziyade gerçeklerden geldiğini anlamasını gerektirir. Film işe yarıyor çünkü karakterlerin yaptıkları, kim olduklarına göre anlamlı. İtalyan Usulü Boşanma'in neden en iyi italian filmleri listesinde yer aldığını anlamak, ulusal sinemanın değerlerine dikkat etmeyi gerektiriyor. Pietro Germi, bu sayfadaki diğer italian filmleriyle karşılaştırıldığında en görünür şekilde bu değerlerin içinde ve karşısında çalışır.
İtalyan Usulü Boşanma'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Pietro Germi, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Marcello Mastroianni, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde İtalyan Usulü Boşanma'te en çok görülür.
İtalyan Usulü Boşanma, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. İtalyan Usulü Boşanma'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Pietro Germi özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. İtalyan Usulü Boşanma ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 7.9 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
İtalyan Usulü Boşanma'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Pietro Germi filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.9 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. İtalyan Usulü Boşanma tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Umberto D.
İtalyada 2. Dünya savaşı zamanlarında geçer hikayemiz. Umberto Domenico Ferrari 30 yılını devlete vermiş bir emeklidir, Umberto D. pansiyon sahibesi tarafından 20 yıldır kaldığı odadan çıkarılmak istenir ama direnir ve de belli bir süre onunla savaşır. Hikayemizin ana karekteri Umberto D. kadar köpeği Flick de bize bu hikayede yol gösterici rolünü üstlenmiştir. İki canlı bir oda da sonunda barınamaz hale gelirler ve de sonunda Umberto D. anlayacaktır ki bu dünya artık o eski dünya değildir herşey değişmiş ve de vefasızlaşmıştır...
Neden izliyorsunuz?: Vittorio De Sica, Umberto D.'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Umberto D.'in 1952 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Umberto D.'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Umberto D.'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.9'teki Umberto D., bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Vittorio De Sica, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Umberto D., italian sinemasının uluslararası öneme sahip işler ürettiği iddiasına katkıda bulunuyor. Küresel izleyiciden alınan 7.9 derecelendirmesi, filmin niteliklerinin kültüre özgü olmadığını, tercüme edildiğini doğruluyor.
Umberto D.'teki performanslar, Vittorio De Sica'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Carlo Battisti, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Umberto D.'te en zor anlar, Carlo Battisti'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Umberto D.'i ilk kez izleyen izleyiciler, Vittorio De Sica'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Umberto D.'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Carlo Battisti, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1952 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Vittorio De Sica'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Umberto D., yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Vittorio De Sica'in Umberto D.'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Hatırlıyorum
Büyük beğeni kazanan bir yarı otobiyografi olan Amarcord, 1930larda Mussolini hakimiyetinden hemen önce küçük bir Adriyatik köyündeki yaşam üzerine odaklanmaktadır. Bahar geldiğinde köyde bir festival düzenlenir ve yeni yaşamı kutlamak için sembolik bir şenlik ateşi yakılır. Meydandaki bu buluşma, film boyunca gerçekleşecek birçok buluşmanın ilkidir. Her bir araya geldiklerinde, topluluğun renkli üyeleri kendilerini bütünüyle ortaya koyup tuhaf kişiliklerinden övünç duyarlar. Fesat hâkim olur her yerde. Filme yayılan kaotik hava filmde açık bir olay örgüsü görülmesini zorlaştırır. Amarcord gerçeküstü birkaç sekansa bölünür ve bunlardan birkaçı rengârenk köy ortamında oradan oraya dolaşıp duran Titta adlı genç bir adamın çevresinde gelişir. Siyaset ve aile ilişkileri grotesk bir uyumsuzluk ortamında birbirine karışır. Amarcord 1975 yılındaki En İyi Yabancı Film Akademi Ödülü de dahil tam 13 ödül kazandı.
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. Federico Fellini, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Hatırlıyorum (1973), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Hatırlıyorum, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.9 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Hatırlıyorum, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. italian sinemasının hikaye yapısı, karakter içselliği ve görsel dil ile belirgin bir ilişkisi var. Hatırlıyorum bu ayrımları açıkça göstermektedir. italian sinemasına yeni başlayan izleyiciler bu filmi faydalı bir yönlendirme noktası olarak görecektir.
Hatırlıyorum'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Federico Fellini, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Hatırlıyorum karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Hatırlıyorum'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Hatırlıyorum'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Federico Fellini'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Hatırlıyorum, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Pupella Maggio'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Hatırlıyorum, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Pupella Maggio'in performansının ve Federico Fellini'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Mükemmel Yabancılar
Çok samimi bir grup arkadaş uzun zaman sonra bir araya gelirler. "Birbirimizden saklayacak bir şeyimiz yok! " deyip telefonlarını masaya koyarlar. Bu güzel ve masum başlar, ama saatler geçtikçe gerçek sırları ortaya çıkmaya başlar. Günümüzde sırlarımızın tümü telefonda saklı gibi görünüyor, Bir kod veya parmak izi ile yeterince güvende hissettiriyor. Ama bu gerçekten doğru mu?
Neden izliyorsunuz?: Mükemmel Yabancılar sessizliğe güvenen bir drama. Paolo Genovese, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
2016'te üretilen Mükemmel Yabancılar, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 7.9 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Mükemmel Yabancılar için 7.9 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Mükemmel Yabancılar'in yaptığı da tam olarak bu. Paolo Genovese bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Mükemmel Yabancılar'in uluslararası izleyici kitlesinden aldığı 7.9 puanı buradaki en önemli gerçektir. Kökleri bu kadar italian kültürel bağlamına dayanan bir filmler, bu bağlamın dışındaki kişiler tarafından bu kadar yüksek puan almışsa, filmin niteliklerinin hissedilecek kültürel okuryazarlığa bağlı olmadığı anlamına gelir.
Mükemmel Yabancılar'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Paolo Genovese, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Mükemmel Yabancılar'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Giuseppe Battiston, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Mükemmel Yabancılar, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Mükemmel Yabancılar'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Paolo Genovese ve Giuseppe Battiston işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Mükemmel Yabancılar'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.9 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Mükemmel Yabancılar'e yüksek puan verme kararları, Paolo Genovese'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Mükemmel Yabancılar genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
En iyi sinema dikkatinizi ödüllendirir. Buradaki her filmler ihtiyaç duyduğu zamanı kazandı.
Bir Avuç Dolar
'İyi, Kötü, Çirkin' ve 'Bir Avuç Dolar İçin"in tanınmış yönetmeninden, Clint Eastwood'un efsaneleşmiş 'isimsiz' karakterinin beyaz perdeye ilk defa çıktığı bu nefes kesici ve aksiyonla örülmüş western macerası sizi koltuklarınıza çivileyecek. Heyecanlı çatışma sahneleri, dinamik performanslar ve mükemmel görüntüleri ile türünün tartışmasız klasiklerinden biri. Gizemli bir silahşör (Eastwood) iki rakip kaçakçılık çetesinin korku saldığı kasvetli ve eski bir sınır kasabası olan San Miguel'e gelir ve macera başlar.
Neden izliyorsunuz?: Sergio Leone, Bir Avuç Dolar boyunca net seçimler yapıyor; ne gösterilecek, ne saklanacak, ne zaman kesilecek. Bu kararlılık, işe yarayan filmleri neredeyse işe yarayan filmlerden ayıran şeydir.
Bir Avuç Dolar, 1964'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Bir Avuç Dolar'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.8'teki Bir Avuç Dolar, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, yönetmenin çekimler başlamadan önce tamamıyla anlaşılan materyalle çalıştığını gösteriyor. Ekranda görünen seçimler, üretim sırasındaki keşiften ziyade bu anlayışı yansıtıyor. Sergio Leone'in Bir Avuç Dolar'teki seçimleri, kendi tarihi ve mantığı olan italian filmler yapımı gelenekleri tarafından şekilleniyor. Bu gelenekler Hollywood modelinden farklı sonuçlar üretiyor. Farkı anlamak italian sinemasının sunduğu şeylerin bir parçasıdır.
Bir Avuç Dolar'in görsel dili, 1964'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Sergio Leone, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Bir Avuç Dolar'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Bir Avuç Dolar'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Bir Avuç Dolar'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Bir Avuç Dolar'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Bir Avuç Dolar'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Sergio Leone'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Clint Eastwood'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Bir Avuç Dolar, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Bir Avuç Dolar, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Sergio Leone'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Bir Avuç Dolar'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Kızım ve Ben
Cesira Roma’da yaşayan güzel ve başarılı, bir bakkal sahibidir. İkinci Dünya Savaşı şiddetlenmektedir ve günlük bombalamaların ortasında 13 yaşındaki kızı Rosetta için korkmaktadır. Cesira, daha güvende olacaklarını düşünerek kızını da alarak doğduğu köye gider. Burada genç bir entelektüel olan Michele, Cesira’ya aşık olur. Bu sırada müttefikler ilerler, Cesira Roma’ya dönmeye karar verir ve sonunda savaşın dehşetiyle karşılaşır.
Neden izliyorsunuz?: Vittorio De Sica, Kızım ve Ben'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Kızım ve Ben'in 1960 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Kızım ve Ben'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Kızım ve Ben'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.8 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Kızım ve Ben'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Kızım ve Ben bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Kızım ve Ben, italian sinemasının herhangi bir ciddi açıklamasına aittir çünkü ulusal sinemanın en iyi şekilde neyi başardığını göstermektedir. Burada görülen spesifik kaygılar ve yaklaşımlar, italian filmlerinin uluslararası bir izleyici kitlesine sahip olmasının nedenidir.
Kızım ve Ben'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Vittorio De Sica, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Sophia Loren, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Kızım ve Ben'te en çok görülür.
Kızım ve Ben, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Vittorio De Sica, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Kızım ve Ben'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 7.8 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Sophia Loren - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Kızım ve Ben bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Vittorio De Sica, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.8 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Vittorio De Sica'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Kızım ve Ben'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Fantozzi
A good-natured but unlucky Italian is constantly going on a difficult situations, but never lose his mood.
Neden izliyorsunuz?: Sadece bir tane olarak pazarlanmak yerine gerçekten komik bir filmler. Fantozzi'teki mizah düzenden değil karakterden geliyor.
Fantozzi (1975), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Fantozzi, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.8 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Fantozzi de bir istisna değildir. Filmin komedi gibi çalışmasını sağlayan şey, yönetmenin mizahın nerede olduğunu belirtmeyi reddetmesidir. Şakalar karakter ve durumdan kaynaklanıyor; bu da, dikkat eden izleyicilerin, gülmeleri gerektiğinin söylenmesini bekleyen izleyicilerden daha fazlasını bulduğu anlamına geliyor. italian sineması olarak Fantozzi, ulusal sinemayı uluslararası benzerlerinden ayıran kendine özgü görsel ve anlatı duyarlılığını taşıyor. Hız, karakter ve hikaye yapısına yönelik yaklaşım, izleme deneyimini zenginleştiren kültürel bağlamı yansıtıyor.
Fantozzi'teki performanslar, Luciano Salce'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Paolo Villaggio, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Fantozzi'te en zor anlar, Paolo Villaggio'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Fantozzi, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Fantozzi'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Luciano Salce özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Fantozzi ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 7.8 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Fantozzi'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Luciano Salce filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.8 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Fantozzi tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
En İyi Teklif
İtalya'nın en tanınmış müzayede şirketlerinden birinin sahibi olan Virgil Oldman, antika alanının en iyilerinden olmasının yanı sıra çok değerli bir kişisel koleksiyona sahiptir. Ancak günün birinde Claire Ibbetson adında genç ve çok zengin, ancak oldukça tuhaf davranışları olan bir kadının, evindeki antikaları Virgil aracılığıyla satmak istemesi sonucu hayatı değişir. Claire'i daha yakından tanımak isteyen Virgil'in en büyük yardımcısı, genç bir saat tamircisi olan Robert olacaktır.
Neden izliyorsunuz?: En İyi Teklif sessizliğe güvenen bir drama. Giuseppe Tornatore, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
2013'te üretilen En İyi Teklif, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 7.8 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. En İyi Teklif'in 7.8 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Giuseppe Tornatore, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. En İyi Teklif, italian sinemasının farklı bir şekilde yaptığı şeyin temsilcisidir. Bu filmde yer alan hikaye anlatımı varsayımları, Batı sinemasından, onları fark etmeye başladığınızda fark edebileceğiniz açılardan farklılık gösteriyor. Bu fark özellikle italian filmlerini izlemenin değeridir.
En İyi Teklif'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Giuseppe Tornatore, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. En İyi Teklif karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, En İyi Teklif'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
En İyi Teklif'i ilk kez izleyen izleyiciler, Giuseppe Tornatore'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. En İyi Teklif'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Geoffrey Rush, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2013 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Giuseppe Tornatore'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. En İyi Teklif, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Giuseppe Tornatore'in En İyi Teklif'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Kaptan Benim
Film, Dakar'dan Avrupa'ya giden iki gencin hikayesini merkezine alıyor. Matteo Garrone'a Venedik Film Festivali'nde 'En İyi Yönetmen' dahil toplam 12 ödül kazandıran "Kaptan Benim!" dünyayı gezip rap yıldızı olma hayali kuran iki genç erkeğin Senegal'den Avrupa'ya gitme çabalarını konu alıyor. Giriştikleri bu zorlu yolculuk, çağdaş bir Odisseia gibi, çöldeki zorlu aşamadan Libya'daki işkence dolu ceza kamplarına ve ardından uçsuz bucaksız denizlere kadar uzanıyor. Venedik'teki ödül töreninde, Matteo Garrone mikrofonu hikayenin ilham kaynağı olan aktivist Kouassi Pli Adama Mamadou'ya teslim etti; Mamadou ise ödülü "ulaşamayanlara" adadı. İtalya'nın Oscar adayı olan bu film, göçmenlerin yaşadığı zorlukları onların gözünden aktarmak adına bu çileyi yaşamış bireylerle görüşülerek yazıldı ve olaylar, varış noktasından ziyade yol boyunca başlarına gelenleri onların bakış açısıyla izleyiciye yansıtmayı amaçlıyor.
Neden izliyorsunuz?: Kaptan Benim'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Matteo Garrone'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
Kaptan Benim (2023), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Matteo Garrone, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 7.8'te Kaptan Benim, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Kaptan Benim herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Kaptan Benim'in neden en iyi italian filmleri listesinde yer aldığını anlamak, ulusal sinemanın değerlerine dikkat etmeyi gerektiriyor. Matteo Garrone, bu sayfadaki diğer italian filmleriyle karşılaştırıldığında en görünür şekilde bu değerlerin içinde ve karşısında çalışır.
Kaptan Benim'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Matteo Garrone, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Kaptan Benim'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Seydou Sarr, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Kaptan Benim, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Matteo Garrone kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 7.8 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Kaptan Benim ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Kaptan Benim'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Kaptan Benim, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Seydou Sarr'in performansının ve Matteo Garrone'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
I cento passi
Peppino Impastato is a quick-witted lad growing up in 1970s Sicily. Despite hailing from a family with Mafia ties and living just one hundred steps from the house of local boss Tano Badalamenti, Peppino decides to expose the Mafia by using a pirate radio station to broadcast his political pronouncements in the form of ironic humour.
Neden izliyorsunuz?: Marco Tullio Giordana, I cento passi'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
I cento passi için 2000 bağlamı önemlidir. Bu, orijinal fikirlere sahip orta bütçeli filmlerin hala sinemalarda gösterime girdiği bir dönemdi; I cento passi'in temsil ettiği türden bir filmler. Marco Tullio Giordana, bu alanı mevcut pazarın yeşil ışık yakmaya çalışacağı bir şey yapmak için kullandı. 7.8'teki I cento passi, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Marco Tullio Giordana, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. I cento passi, italian sinemasının uluslararası öneme sahip işler ürettiği iddiasına katkıda bulunuyor. Küresel izleyiciden alınan 7.8 derecelendirmesi, filmin niteliklerinin kültüre özgü olmadığını, tercüme edildiğini doğruluyor.
I cento passi'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Marco Tullio Giordana, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. I cento passi'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Luigi Lo Cascio, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
I cento passi, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. I cento passi'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Marco Tullio Giordana ve Luigi Lo Cascio işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
I cento passi'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.8 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. I cento passi'e yüksek puan verme kararları, Marco Tullio Giordana'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. I cento passi genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
1900
“...1900'ün yalnızca siyasal bir film olarak anılmasını istemem. Bu, daha geniş olarak yaşam, yazgı, aşk ve siyaset üzerine bir filmdir. Çünkü siyaset de gündelik yaşamımızın bir parçasıdır...” - Bernardo Bertolucci Mekan, 19. Yüzyılın sonunda siyasi birliğini sağlamayı ancak başarabilmiş, bu nedenle de sömürgecilik yarışında geri kalmış İtalya. İtalya’nın en ünlü toprak sahiplerinden Berlinghieri ailesinin oğlu Alfredo ve babası çiftçi olan Olmo, 1900 yılında aynı gün doğarlar. Adaletsizliklerle ve ekonomik sıkıntılarla dolu olan 20. Yüzyıl İtalyası’nda iki yakın arkadaş olan Alfredo ve Olmo’nun arasındaki ilişki, yaşları büyüdükçe keskinleşen sınıf farklılıkları ve ülke içi-dışında yaşanan siyasi sorunlar nedeniyle arkadaşlıktan düşmanlığa dönüşür. Savaşa gidip gelen Alfredo, artık Marksist Olmo’nun gözünde, yok edilmesi gereken faşist bir liderden başka bir şey değildir.
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. Bernardo Bertolucci, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
1900 (1976), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve 1900, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.8 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. 1900, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. italian sinemasının hikaye yapısı, karakter içselliği ve görsel dil ile belirgin bir ilişkisi var. 1900 bu ayrımları açıkça göstermektedir. italian sinemasına yeni başlayan izleyiciler bu filmi faydalı bir yönlendirme noktası olarak görecektir.
1900'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Bernardo Bertolucci, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Robert De Niro, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde 1900'te en çok görülür.
1900'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. 1900'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, 1900'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Bernardo Bertolucci'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Robert De Niro'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan 1900, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: 1900, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Bernardo Bertolucci'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. 1900'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Huysuzluğu Bırak
Vittorio ve Cesare, birbirlerini uyuşturucu, alkol ve araba sevdasıyla harmanlayan, uçlarda sürünen iki yakın arkadaştır. Hayattan beklentileri bu marjinal ikiliye pahalıya patlamıştır. Günün birinde Vittorio, Linda ile tanışır ve Cesare’den uzaklaşır. Cesare’nin hayatı dibe vurunca Vittorio, ona tekrar destek olur. Uzak kaldıkları süre zarfında aralarındaki bağın daha da kuvvetlendiğini anlamışlardır ve beraber daha parlak bir gelecek geçireceklerini farkederler. Başarılı oyunculuklarla dikkat çeken bu trajikomik öykü, bu yıl İtalya’da en çok ses getiren filmlerden biri oldu.
Neden izliyorsunuz?: Huysuzluğu Bırak sessizliğe güvenen bir drama. Claudio Caligari, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
2015'te üretilen Huysuzluğu Bırak, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 7.8 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Huysuzluğu Bırak için 7.8 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Huysuzluğu Bırak'in yaptığı da tam olarak bu. Claudio Caligari bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Huysuzluğu Bırak'in uluslararası izleyici kitlesinden aldığı 7.8 puanı buradaki en önemli gerçektir. Kökleri bu kadar italian kültürel bağlamına dayanan bir filmler, bu bağlamın dışındaki kişiler tarafından bu kadar yüksek puan almışsa, filmin niteliklerinin hissedilecek kültürel okuryazarlığa bağlı olmadığı anlamına gelir.
Huysuzluğu Bırak'teki performanslar, Claudio Caligari'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Luca Marinelli, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Huysuzluğu Bırak'te en zor anlar, Luca Marinelli'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Huysuzluğu Bırak, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Claudio Caligari, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Huysuzluğu Bırak'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 7.8 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Luca Marinelli - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Huysuzluğu Bırak bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Claudio Caligari, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.8 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Claudio Caligari'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Huysuzluğu Bırak'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Non ci resta che piangere
Two 20th-century friends accidentally stumble into the year 1492, where they meet a charming teen and try to alter history.
Neden izliyorsunuz?: Roberto Benigni, Non ci resta che piangere'in komedisini gerçek karakter gözleminden yola çıkarak oluşturuyor. Film ilerledikçe kahkahalar artıyor çünkü insanları daha iyi tanıyorsunuz.
Non ci resta che piangere, 1984'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Non ci resta che piangere'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.7'teki Non ci resta che piangere, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Karakter komedisi, yönetmenin ve oyuncu kadrosunun en komik anların abartıdan ziyade gerçeklerden geldiğini anlamasını gerektirir. Film işe yarıyor çünkü karakterlerin yaptıkları, kim olduklarına göre anlamlı. Roberto Benigni'in Non ci resta che piangere'teki seçimleri, kendi tarihi ve mantığı olan italian filmler yapımı gelenekleri tarafından şekilleniyor. Bu gelenekler Hollywood modelinden farklı sonuçlar üretiyor. Farkı anlamak italian sinemasının sunduğu şeylerin bir parçasıdır.
Non ci resta che piangere'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Roberto Benigni, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Non ci resta che piangere karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Non ci resta che piangere'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Non ci resta che piangere, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Non ci resta che piangere'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Roberto Benigni özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Non ci resta che piangere ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 7.7 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Non ci resta che piangere'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Roberto Benigni filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.7 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Non ci resta che piangere tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Dilenci
Hayatında tek bir gün el emeğiyle çalışmamış Vittorio Accattone, himayesindeki kadınları sömürerek parasını kazanır. Elindeki en başarılı seks işçisi Maddalena hapse düşünce, Accattone’nin talihi tersine dönmeye başlar ve kendiyle yüzleşmek zorunda kalır.
Neden izliyorsunuz?: Pier Paolo Pasolini, Dilenci'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Dilenci'in 1961 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Dilenci'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Dilenci'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.7 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Dilenci'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Dilenci bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Dilenci, italian sinemasının herhangi bir ciddi açıklamasına aittir çünkü ulusal sinemanın en iyi şekilde neyi başardığını göstermektedir. Burada görülen spesifik kaygılar ve yaklaşımlar, italian filmlerinin uluslararası bir izleyici kitlesine sahip olmasının nedenidir.
Dilenci'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Pier Paolo Pasolini, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Dilenci'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Franco Citti, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Dilenci'i ilk kez izleyen izleyiciler, Pier Paolo Pasolini'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Dilenci'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Franco Citti, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1961 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Pier Paolo Pasolini'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Dilenci, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Pier Paolo Pasolini'in Dilenci'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Harika filmler izlemek dünyaya bakışınızı değiştirir. Bu yüzden onları dikkatle seçiyoruz.
Derin Kırmızı
Caz piyanisti ve müzik hocası Marcus Daly, kanlı bir cinayete şahit olduktan sonra, cinayetin ardındaki gizemi araştırmaya başlar. Zamanla cinayetlerin sayısı artmaya başlar ve Daly cinayetlerle kendisi arasındaki bağlantıdan yola çıkarak, katilin kim olduğunu bulmaya çalışır. Katile giden yol, sırlarla dolu bir bulmacayı andırmaktadır.
Neden izliyorsunuz?: Gerilimi hassasiyetle inşa eden bir gerilim filmi. Dario Argento, üretilmiş şoklar yerine mantık yoluyla ivme kazanıyor.
Derin Kırmızı (1975), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Derin Kırmızı, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.7 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Derin Kırmızı de bir istisna değildir. Yönetmen filmi bilgi asimetrisi etrafında inşa ediyor: Seyirci karakterlerden daha fazlasını veya daha azını biliyor ve filmler her iki durumu da hassasiyetle yönetiyor. Oyuncu kadrosu gerilimi yoğunluktan ziyade kısıtlama yoluyla iletiyor. italian sineması olarak Derin Kırmızı, ulusal sinemayı uluslararası benzerlerinden ayıran kendine özgü görsel ve anlatı duyarlılığını taşıyor. Hız, karakter ve hikaye yapısına yönelik yaklaşım, izleme deneyimini zenginleştiren kültürel bağlamı yansıtıyor.
Derin Kırmızı'in görsel dili, 1975'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Dario Argento, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Derin Kırmızı'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Derin Kırmızı'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Derin Kırmızı'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Dario Argento'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Derin Kırmızı, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. David Hemmings'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Derin Kırmızı, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, David Hemmings'in performansının ve Dario Argento'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Leopar
Filmde, 1860’ların İtalyası’nın hızla değişen toplumsal yapısına uyum sağlamaya çalışan yaşlı bir prensi canlandıran Burt Lancaster, statüsünü ve yaşam tarzını sağlama alma çabasıyla yeğeni Tancredi’nin (Alain Delon) zengin bir tüccarın kızı olan Angela’yla (Claudia Cardinale) evliliğini ayarlar; ve filmin final bölümünü oluşturan neredeyse bir saate yakın balo sahnesi boyunca, hem ait olduğu toplumsal sınıf hem de kendi geçmişiyle bugünü üzerine derin düşüncelere dalar. Birey ve toplum arasındaki etkileşimi büyüleyici ve görkemli bir dille anlatan böyle bir filmi, ancak Visconti gibi aristokrat kökenli bir Marksist yönetebilirdi. (Lancaster, rolünü Visconti’nin karakterinden yola çıkarak canlandırdığını söylemiştir). Aristokratların artık gücün yeni zenginlerin eline geçtiğini kabullendikleri balo sahnesi, haklı olarak sinema tarihinin en ustaca çekilmiş sahnelerinden biri olarak kabul edilir.
Neden izliyorsunuz?: Leopar sessizliğe güvenen bir drama. Luchino Visconti, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
1963'te gösterime giren Leopar, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Luchino Visconti hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.7 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Leopar'in 7.7 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Luchino Visconti, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Leopar, italian sinemasının farklı bir şekilde yaptığı şeyin temsilcisidir. Bu filmde yer alan hikaye anlatımı varsayımları, Batı sinemasından, onları fark etmeye başladığınızda fark edebileceğiniz açılardan farklılık gösteriyor. Bu fark özellikle italian filmlerini izlemenin değeridir.
Leopar'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Luchino Visconti, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Burt Lancaster, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Leopar'te en çok görülür.
Leopar, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.7 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Leopar'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Luchino Visconti ve Burt Lancaster işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Leopar'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.7 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Leopar'e yüksek puan verme kararları, Luchino Visconti'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Leopar genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
İtalyan Usulü Evlilik
On yedi yaşındayken bir randevu evinde Domenico ile tanışan Filumena, sonraki yirmi yıl boyunca adamın işlerini ve evini idare eder, annesine ölünceye dek bakar. Bir gün çapkın Domenico"nun genç bir kızla evlenmeye kalktığını öğrenen Filumena, bir yolunu bulup bu evliliği engeller. Ancak kandırıldığını anlayan Domenico"nun tepkisi karşısında, Filumena son kozunu oynamak zorunda kalacaktır...
Neden izliyorsunuz?: İtalyan Usulü Evlilik'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Vittorio De Sica'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
İtalyan Usulü Evlilik, 1964'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. İtalyan Usulü Evlilik'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.7'te İtalyan Usulü Evlilik, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; İtalyan Usulü Evlilik herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. İtalyan Usulü Evlilik'in neden en iyi italian filmleri listesinde yer aldığını anlamak, ulusal sinemanın değerlerine dikkat etmeyi gerektiriyor. Vittorio De Sica, bu sayfadaki diğer italian filmleriyle karşılaştırıldığında en görünür şekilde bu değerlerin içinde ve karşısında çalışır.
İtalyan Usulü Evlilik'teki performanslar, Vittorio De Sica'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Sophia Loren, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. İtalyan Usulü Evlilik'te en zor anlar, Sophia Loren'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
İtalyan Usulü Evlilik'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. İtalyan Usulü Evlilik'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, İtalyan Usulü Evlilik'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Vittorio De Sica'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Sophia Loren'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan İtalyan Usulü Evlilik, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: İtalyan Usulü Evlilik, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Vittorio De Sica'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. İtalyan Usulü Evlilik'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Batan Güneş
Roma 'nın banliyösünde yaşayan çevirmen Vittoria (Monica Vitti),sorunlarla geçen bir geceden sonra yazar olan nişanlısı Ricardo (Francisco Rabal)'dan ayrılır ve Roma'ya bir borsa bağımlısı olan annesini ziyarete gider.Burada borsa simsarı Piero (Alain Delon) ile tanışırlar.Bir materyalist olan Piero ile mutsuz ve boşvermiş Vittoria arasında başlayan yakınlaşma ikisinin de yanlızlıklarına son vermez.
Neden izliyorsunuz?: Michelangelo Antonioni, Batan Güneş'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Batan Güneş'in 1962 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Batan Güneş'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Batan Güneş'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.7'teki Batan Güneş, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Michelangelo Antonioni, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Batan Güneş, italian sinemasının uluslararası öneme sahip işler ürettiği iddiasına katkıda bulunuyor. Küresel izleyiciden alınan 7.7 derecelendirmesi, filmin niteliklerinin kültüre özgü olmadığını, tercüme edildiğini doğruluyor.
Batan Güneş'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Michelangelo Antonioni, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Batan Güneş karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Batan Güneş'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Batan Güneş, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Michelangelo Antonioni, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Batan Güneş'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 7.7 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Alain Delon - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Batan Güneş bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Michelangelo Antonioni, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.7 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Michelangelo Antonioni'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Batan Güneş'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Yabandan Gelen Adam
Meksika Devrimi sırasında geçen film, patlayıcı madde ustası bir İrlandalı asker ile onun bu maharetini banka soymakta değerlendirmek isteyen bir başka paralı askerin başlarından geçenleri anlatıyor. Bir grup politik mahkumun kurtulmasına da sebep olan Sean Mallory bir anda halk kahramanı olur. Tek amacı çok paraya ve biraz şöhrete konmak olmasına rağmen, devrim kahramanlığı pek beklemediği bir şeydir. Bir zaman sonra tüm kontrolü yitirir ve ok yaydan çıkmış olur.
Neden izliyorsunuz?: Hastanın dikkatini ödüllendiren bir filmler. Sergio Leone tek bir sahneyi bile israf etmiyor ve Yabandan Gelen Adam'e yapılan yatırım tamamen haklı görünüyor.
Yabandan Gelen Adam (1971), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Yabandan Gelen Adam, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.7 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Yabandan Gelen Adam, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Film, yönetmenin zanaat anlayışını gösteriyor: sahnelerin nasıl oluşturulacağı, bilginin hızının nasıl ayarlanacağı, izleyicinin önemsediği risklerin nasıl yaratılacağı. italian sinemasının hikaye yapısı, karakter içselliği ve görsel dil ile belirgin bir ilişkisi var. Yabandan Gelen Adam bu ayrımları açıkça göstermektedir. italian sinemasına yeni başlayan izleyiciler bu filmi faydalı bir yönlendirme noktası olarak görecektir.
Yabandan Gelen Adam'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Sergio Leone, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Yabandan Gelen Adam'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Rod Steiger, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Yabandan Gelen Adam, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.7 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Yabandan Gelen Adam'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Sergio Leone ve Rod Steiger işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Yabandan Gelen Adam'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Sergio Leone filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.7 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Yabandan Gelen Adam tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Chiedimi se sono felice
Aspiring thespians Aldo, Giovanni and Giacomo work dead-end jobs while nurturing their dream production of Cyrano de Bergerac, until love for the same woman tears their friendship apart. Three years later, Giovanni and Giacomo reunite after learning that Aldo is dying.
Neden izliyorsunuz?: Chiedimi se sono felice yeniden izlenmeye devam eden bir komedi çünkü espriler can alıcı nokta etrafında tasarlanmış durumlardan ziyade bu insanların kim olduğundan kaynaklanıyor.
2000'te vizyona giren Chiedimi se sono felice, sinemadaki bir geçiş döneminden geliyor; akışın dağıtımı değiştirmesinden önce, ancak dijital araçlar prodüksiyonu değiştirdikten sonra. Chiedimi se sono felice'te görünen işçilik, tiyatro dönemi standartlarını yansıtıyor. Chiedimi se sono felice için 7.7 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Chiedimi se sono felice'in yaptığı da tam olarak bu. Giacomo Poretti bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Film izleyicinin komik zamanlama anlayışına güveniyor. Yönetmen ritmi kuruyor ve ardından mizahın yaşadığı yerlerde duraklamalara izin veriyor. Performanslar, kısıtlamanın vurgu yapmaktan daha eğlenceli olduğunu anlıyor. Chiedimi se sono felice'in uluslararası izleyici kitlesinden aldığı 7.7 puanı buradaki en önemli gerçektir. Kökleri bu kadar italian kültürel bağlamına dayanan bir filmler, bu bağlamın dışındaki kişiler tarafından bu kadar yüksek puan almışsa, filmin niteliklerinin hissedilecek kültürel okuryazarlığa bağlı olmadığı anlamına gelir.
Chiedimi se sono felice'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Giacomo Poretti, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. Chiedimi se sono felice'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Aldo Baglio, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
Chiedimi se sono felice'i ilk kez izleyen izleyiciler, Giacomo Poretti'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Chiedimi se sono felice'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Aldo Baglio, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2000 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Giacomo Poretti'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Chiedimi se sono felice, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Giacomo Poretti'in Chiedimi se sono felice'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Aylaklar
Konusu yönetmenin doğduğu yer olan Rimini'de geçen (ama film orada çevrilmemiştir) "Aylaklar", Adriyatik Denizi kıyısındaki kasabalarında günlerini tembellik ederek geçiren işsiz güçsüz takımından beş gencin öyküsünü anlatır. Taşranın dışına bile çıkmamış bu gençler yeterince olgunlaştıklarını sanarak kendilerinin önemli kişiler olarak görmektedirler, ancak zamanla sadece kendilerini kandırmış olduklarını anlayacaklardır. Zaten filmin özgün adı olan "I Vitelloni" fazla irileşmiş, büyümüş ancak halâ verim alınamayan dana anlamına gelmektedir ve bu filmden sonra İtalyanca argosuna girmiş bir kelimedir. Filmdeki gençlerin de, aslında yaşları hayli ilerlemiş olmasına rağmen ortada henüz ürettikleri bir şey yoktur.
Neden izliyorsunuz?: Aylaklar'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Federico Fellini'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
Aylaklar, 1953'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Aylaklar'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.7'teki Aylaklar, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Federico Fellini'in Aylaklar'teki seçimleri, kendi tarihi ve mantığı olan italian filmler yapımı gelenekleri tarafından şekilleniyor. Bu gelenekler Hollywood modelinden farklı sonuçlar üretiyor. Farkı anlamak italian sinemasının sunduğu şeylerin bir parçasıdır.
Aylaklar'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Federico Fellini, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Franco Interlenghi, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Aylaklar'te en çok görülür.
Aylaklar'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Federico Fellini'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Aylaklar, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Franco Interlenghi'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Aylaklar, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Franco Interlenghi'in performansının ve Federico Fellini'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Hain - The Traitor
ll Traditore, iki dünyanın patronu olarak adlandırılan mafya babası Tommaso Buscetta’nın hayat hikayesini konu ediyor. Sicilya’da yaşayan Buscetta, genç yaşta mafyaya dahil olur. Yeraltı dünyasından kısa sürede sivrilen Buscetta, birçok kenti egemenliği altına alır. Girdiği karanlık dünyanın iç hesaplaşmaları, Buscetta’nın iki oğlunu, üç yeğenini ve altı akrabasını kaybetmesine neden olur.
Neden izliyorsunuz?: Hain - The Traitor, en iyi gerilim filmlerinin kısıtlama yoluyla çalıştığını gösteriyor. Marco Bellocchio, mümkün olduğu kadar uzun süre boyunca, mümkün olduğu kadar fazlasını tutar ve sonuç, geleneksel yükseltmeden daha etkilidir.
2019'te, Marco Bellocchio, Hain - The Traitor'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Hain - The Traitor'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 7.6 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Hain - The Traitor'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Hain - The Traitor bundan faydalanıyor. Zanaat en çok yönetmenin sakladığı şeylerde görülür. Bilgi stratejik olarak yayınlanıyor, her açıklama daha önce olanı yeniden bağlamlandırıyor. Performanslar kontrollü açıklamaya göre kalibre edilir. Hain - The Traitor, italian sinemasının herhangi bir ciddi açıklamasına aittir çünkü ulusal sinemanın en iyi şekilde neyi başardığını göstermektedir. Burada görülen spesifik kaygılar ve yaklaşımlar, italian filmlerinin uluslararası bir izleyici kitlesine sahip olmasının nedenidir.
Hain - The Traitor'teki performanslar, Marco Bellocchio'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Pierfrancesco Favino, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Hain - The Traitor'te en zor anlar, Pierfrancesco Favino'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Hain - The Traitor, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.6 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Hain - The Traitor'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Marco Bellocchio ve Pierfrancesco Favino işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Hain - The Traitor'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.6 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Hain - The Traitor'e yüksek puan verme kararları, Marco Bellocchio'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Hain - The Traitor genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Lucky and Zorba
Bir martı, batan bir petrol gemisinin kara suları tarafından yakalandı. İç bölüme uçmayı başarıyor ve bir kedi tarafından bir bahçeye düşüyor. Moribund, kediyi üç sözü yerine getirmesini ister: yumurtasını bıraktığında yememesi gerekir; Kapatılana kadar ona bakması gerektiğini; Yenidoğana nasıl uçacağını öğretmesini.
Neden izliyorsunuz?: Animasyon, zanaatın tek başına izlenmeye değer olduğu düzeyde. Lucky and Zorba'in her karesi kasıtlı bir sanatsal seçimdir.
Lucky and Zorba (1998), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Lucky and Zorba, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.6 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Lucky and Zorba de bir istisna değildir. Film, animasyonun, canlı aksiyonun ulaşamayacağı duygusal seviyelere ulaşmak için bir araç olduğunu gösteriyor. Yönetmen, animasyon biçimine özgü anlar yaratmak için ortamın biçimsel olanaklarını kullanıyor. italian sineması olarak Lucky and Zorba, ulusal sinemayı uluslararası benzerlerinden ayıran kendine özgü görsel ve anlatı duyarlılığını taşıyor. Hız, karakter ve hikaye yapısına yönelik yaklaşım, izleme deneyimini zenginleştiren kültürel bağlamı yansıtıyor.
Lucky and Zorba'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Enzo D'Alò, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Lucky and Zorba karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Lucky and Zorba'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Lucky and Zorba'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Lucky and Zorba'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Lucky and Zorba'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Enzo D'Alò'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Carlo Verdone'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Lucky and Zorba, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Lucky and Zorba, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Enzo D'Alò'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Lucky and Zorba'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Konformist
Mussolini'nin faşist hükümetini sorgusuz sualsiz kabullenen Marcello gizli polise katılır ve yeni bir eşi de kapsayan yeni bir yaşama başlar. Ama çıktıkları balayının gizli bir amacı vardır. Antifaşist hareketin öncülerinden yaşlı bir profesörü öldürecektir. Ancak Marcello bastırılmış çocukluk anılarının da etkisiyle görevinin meşruluğundan kuşku duymaya başlar.
Neden izliyorsunuz?: Konformist sessizliğe güvenen bir drama. Bernardo Bertolucci, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
1971'te gösterime giren Konformist, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Bernardo Bertolucci hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.6 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Konformist'in 7.6 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Bernardo Bertolucci, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Konformist, italian sinemasının farklı bir şekilde yaptığı şeyin temsilcisidir. Bu filmde yer alan hikaye anlatımı varsayımları, Batı sinemasından, onları fark etmeye başladığınızda fark edebileceğiniz açılardan farklılık gösteriyor. Bu fark özellikle italian filmlerini izlemenin değeridir.
Konformist'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Bernardo Bertolucci, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Konformist'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Jean-Louis Trintignant, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Konformist, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Bernardo Bertolucci, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Konformist'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 7.6 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Jean-Louis Trintignant - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Konformist bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Bernardo Bertolucci, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.6 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Bernardo Bertolucci'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Konformist'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Bu Italian Filmlerini Nasıl Sıraladık?
Bu sayfadaki her film, Film Veritabanı API'sinden alınan veriler kullanılarak seçilmiştir ve kalite tutarlılığını sağlamak amacıyla minimum oy eşiklerine göre filtrelenmiştir. Süreç, bu kategorideki tüm filmlerin oy ortalamasına göre azalan sırada sıralanmasıyla başlar, ardından gereken sayıdan daha az oy alan filmleri hariç tutacak şekilde filtrelenir.
Bu daha büyük listedeki her girişin doğruluğu manuel olarak doğrulandı. Yüksek derecelendirme, otomatik olarak izlenebilirlik anlamına gelmez. Son haberler nedeniyle trend olan bir film, gerçekten iyi olduğu için trend olan bir filmle aynı değildir. Her girişteki editoryal analiz, kültürel gürültüden ziyade gerçek film kalitesini yansıtıyor.
Seçim, erişilebilirlik ve derinlik arasında bir denge sağlar. Buradaki filmler, çağdaş gösterimlerden yeniden keşfedilmeyi hak eden katalog başlıklarına kadar çeşitlilik göstermektedir. Hepsi ustalık ve niyetle yapıldı. Tüm ödül görüntüleme.
Türe Göre En İyi Italian Filmleri
Bu sayfadaki 50 filmleri birden fazla türü ve alt türü kapsar. Tür bir filtre olarak kullanışlıdır ancak kesin bir kategori olarak kullanışlı değildir. Drama etiketli bir film, Gerilim etiketli bir film kadar merak uyandırıcı olabilir. Aksiyon etiketli bir film, Drama etiketli bir film kadar duygusal açıdan zeki olabilir. Türü resmin tamamı olarak değil, başlangıç noktası olarak kullanın.
Her filmdeki tür etiketleri, filmin kategorik olarak nerede bulunduğunu gösterir. Italian'te en çok ilginizi çeken türleri bulmak için filtreleri kullanın.
Derecelendirmeye Göre En İyi Italian Filmleri
Bu sayfadaki filmler üç derecelendirme aşamasına ayrılmıştır. 8,5'in üzerindeki filmler her açıdan olağanüstüdür ve bu kategorideki en iyi sinemayı temsil eder. 7,5'ten 8,4'e kadar olan filmler tutarlı bir işçilik gösterir ve güvenilir bir şekilde güçlüdür. 7.0'dan 7.4'e kadar olan filmler, biraz daha geniş bir kalite aralığını temsil etseler de hala mükemmel ve izlenmeye değerdir.
TMDB'de 8,0 puan, istatistiksel olarak güvenilir olması için yeterince geniş bir seçmen tabanını gerektirir. Zaman içinde test edilen gerçek izleyici beğenisini yansıtır.
Runtime'a göre En İyi Italian Filmleri
Çalışma zamanı, ne izleneceğini seçerken en kullanışlı ve en az kullanılan filtrelerden biridir. 90 dakikanın altındaki filmler, kusursuz deneyimler sunar. 90 ila 120 dakika arasındaki filmler çoğu izleme durumu için en uygun uzunluktur. 120 dakikanın üzerindeki filmler bağlılık gerektirir ancak ödüllendirir.
Beklenenden çok daha uzun süren bir şeye gece geç saatlerde başlamak yerine, doğru filmi bulmak için mevcut zamanınızı kullanın.
Bulunmaya Değer Gizli Mücevherler
Her Italian seçkisi, en üst görünürlük sıralamasının altında yer alan ancak olağanüstü bir şey sunan filmleri içerir. Bunlar, franchise'ın tanınmaması veya yakın zamanda basında yer almaması nedeniyle algoritmanın hafife aldığı filmlerdir. Belirsiz oldukları için gizli değiller. Platformlar en gürültülü seçenekleri ilk önce ortaya çıkardığı için gizlenirler.
Explore Other National Cinemas
Italian cinema is part of a global conversation. Below are other national cinemas worth discovering alongside Italian movies.
Sıkça Sorulan Sorular
En iyi Italian filmleri nelerdir?
En iyi puan alan Italian filmlerinin tümü bu sayfada listelenir ve sıralanır. Filmler, güvenilirliği sağlamak için minimum oy eşiğiyle Film Veritabanındaki kritik derecelendirmeye göre sıralanır.
Neden Italian sinemasını izlemeliyim?
Italian sineması hikaye anlatıcılığına Hollywood'dan farklı yaklaşıyor. Bu sayfadaki filmler ulusal sinemanın farklı yaptıklarını ve onu keşfedilmeye değer kılan şeyleri temsil ediyor.
En yüksek puan alan Italian filmi hangisi?
Bu listedeki en yüksek puan alan Italian filmi sayfanın üst kısmında gösterilir. Bu derecelendirme, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar geniş bir kitlenin sürekli takdirini yansıtır.
Italian filmlerini anlamak zor mu?
Hayır. Bu sayfadaki filmler entelektüel açıdan zorlayıcı oldukları için değil, film olarak işe yaradıkları için seçilmiştir. 8.0 ve üzeri puan alan herhangi bir şeyle başlayın ve erişilebilir sinemayı bulacaksınız.
Italian filmlerini izlemek için altyazıları okumam gerekiyor mu?
Evet, Italian konuşmadığınız sürece. Bu sayfadaki filmlerin çoğu Italian dilinde olup İngilizce altyazılıdır. Altyazılar birkaç dakika izledikten sonra görünmez oluyor.
Italian sinemasını farklı kılan nedir?
Bu sayfadaki filmlere baktığınızda Italian sinemasını Amerikan sinemasından ayıran görsel dili, tempoyu ve karakter yaklaşımını göreceksiniz. Ayırt edici özelliği, izlemeye değer olmasının bir parçasıdır.
Bilmem gereken küçümsenen Italian filmleri var mı?
Bu sayfadaki Gizli Mücevher bölümü, 6,5 ile 7,4 arasında puan alan Italian filmlerini tanımlar. Bu filmler mevcut görünürlüklerinin sağladığından daha fazla ilgiyi hak ediyor.
Herkes en az bir kez hangi Italian filmlerini izlemeli?
Bu sayfadan 8,5 ve üzeri puan alan filmlerle başlayın. Bunlar, Italian sinemasının en iyi şekilde neler yapabileceğine dair en güçlü fikir birliğini temsil ediyor.
Italian sineması Amerikan sinemasıyla nasıl karşılaştırılır?
Hikaye anlatıcılığına farklı yaklaşıyorlar. Amerikan sineması genellikle aksiyon ve olay örgüsüne öncelik verir. Italian sineması genellikle karaktere ve görsel dile öncelik verir. Her ikisi de geçerli yaklaşımlardır ve her ikisi de harika filmler üretir.
Italian filmleri yalnızca yabancı filmlerden hoşlananlar için mi?
Hayır. Bu sayfadaki filmler iyi film yapımını takdir eden herkesin işine yarar. En yüksek puan alan filmlerle başlayın; zanaat ve niyetle anlatılan evrensel insan hikayelerini bulacaksınız.
Italian filmlerini nerede izleyebilirim?
Mevcut kullanılabilirlik için JustWatch'u kontrol edin. Italian filmleri çoğu büyük yayın platformunda mevcuttur, ancak kullanılabilirlik düzenli olarak değişmektedir.
Son zamanların en iyi Italian filmleri hangileri?
Bu sayfadaki son 5 ila 10 yıla ait filmler, çağdaş Italian sinemasının neye benzediğini gösteriyor. Bunlar ulusal sinemadaki en son düşünceyi temsil ediyor.
Italian filmlerini belirli bir sırayla mı izlemeliyim?
Hayır. Hangi yönetmenin veya türün ilginizi çektiğine bağlı olarak istediğiniz yerden başlayabilirsiniz. Filmler birbirine bağımlı değildir.
Italian sineması neden uluslararası alanda daha popüler değil?
Dağıtım ve pazarlama kaliteden daha önemlidir. Harika Italian filmleri bazen uluslararası sinemalarda gösterime girmiyor. Akış, keşfetmeyi kolaylaştırdı. Bu filmleri bulmak için gösterdiğiniz çabaya değer.
Bilmem gereken Italian yöneticileri var mı?
Evet. Her filmin editoryal notlarında yönetmenden bahsediliyor. Bu listede hangi yönetmenlerin birden çok kez göründüğüne dikkat edin. Bu yönetmenler Italian sinemasının en önemli yaratıcı sesleridir.