Ruhların Kaçışı
Film, küçük Chihiro ve ailesinin yeni bir kasabaya taşınmalarıyla açılır. Yolculuk esnasında yolda gördükleri bir tünele dikkat eden aile, tünelin içerisinden geçtiklerinde karşılaştıkları fantastik dünyanın içerisinde büyülenirler. Ancak bu kasabada yolunda gitmeyen bir şeyler vardır, bu büyü kısa bir zaman sonra bozulacaktır. Ailesini kaybeden küçük Chihiro, babasını kurtarmak için korku dolu bir maceraya atılacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Ruhların Kaçışı, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Ruhların Kaçışı, tiyatro sinemasının ilgi çekmek için ilk internet ve DVD ile rekabet ettiği 2001'te yapıldı. Hayao Miyazaki o zaman da ilgiyi çeken bir şey yaptı ve şimdi de tutuyor. Film Veritabanında 8.5 derecelendirmesi istatistiksel olarak nadirdir. Bireysel görüşlerin ortalamasını alacak kadar geniş bir seçmen tabanı gerektirir ve geriye yalnızca farklı izleyicilere tutarlı bir şekilde ulaştırılan filmler kalır. Ruhların Kaçışı bu fikir birliğine sahip. Film, animasyonun, canlı aksiyonun ulaşamayacağı duygusal seviyelere ulaşmak için bir araç olduğunu gösteriyor. Yönetmen, animasyon biçimine özgü anlar yaratmak için ortamın biçimsel olanaklarını kullanıyor. japanese sineması olarak Ruhların Kaçışı, ulusal sinemayı uluslararası benzerlerinden ayıran kendine özgü görsel ve anlatı duyarlılığını taşıyor. Hız, karakter ve hikaye yapısına yönelik yaklaşım, izleme deneyimini zenginleştiren kültürel bağlamı yansıtıyor.
Ruhların Kaçışı'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Hayao Miyazaki, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. Ruhların Kaçışı'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Rumi Hiiragi, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
Ruhların Kaçışı'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Ruhların Kaçışı'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Ruhların Kaçışı'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Hayao Miyazaki'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Rumi Hiiragi'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Ruhların Kaçışı'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.5 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve Ruhların Kaçışı bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Hayao Miyazaki'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Senin Adın
Senin Adın (Kimi no Na wa), kaderleri ve rüyaları kozmik bir döngüyle birbirine bağlanan iki yabancının, zamanı ve mekânı aşan arayışını konu alır. Tokyo'da yaşayan Taki ile kırsalda bunalan Mitsuha, nedeni belirsiz bir şekilde birbirlerinin bedenlerinde uyanmaya başlarlar. Bu gizemli alışveriş, yerini derin bir bağa bırakırken, yaklaşmakta olan bir kuyruklu yıldız felaketi her ikisinin de varoluşunu ve hafızasını tehdit eden zamana karşı trajik bir yarışa dönüşür.
Neden izliyorsunuz?: Senin Adın bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2016'te üretilen Senin Adın, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.5 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Senin Adın için 8.5 puanı, tek bir sayıya indirgenmiş binlerce bireysel görüntüleme kararını temsil eder. Bu sayı gerçek bir şeyi yansıtıyor: Bu filmi izleyen insanlar bunun olağanüstü olduğunu düşündü ve yeterli sayıda kişi derecelendirmeyi anlamlı kılmayı kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Senin Adın, japanese sinemasının farklı bir şekilde yaptığı şeyin temsilcisidir. Bu filmde yer alan hikaye anlatımı varsayımları, Batı sinemasından, onları fark etmeye başladığınızda fark edebileceğiniz açılardan farklılık gösteriyor. Bu fark özellikle japanese filmlerini izlemenin değeridir.
Senin Adın'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Makoto Shinkai, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Ryunosuke Kamiki, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Senin Adın'te en çok görülür.
Senin Adın, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Makoto Shinkai, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Senin Adın'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.5 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Ryunosuke Kamiki - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Senin Adın'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Senin Adın'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Makoto Shinkai, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. Ryunosuke Kamiki'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
Yedi Samuray
Usta Samuray Kambei'nin cesareti ve fedakarlığına şahit olan bir grup köylü ondan sürekli olarak haydutların baskınlarına uğrayan köylerini korumasını isterler. Kambei bu isteği herhangi bir çıkarı olmamasına rağmen kabul eder ve ilk olarak kısa süre sonra müridi olan genç samuray Katsushiro'yu, ardından da güç kullanmaya meraklı bir samuray olarak görünen fakat sonradan bir çiftçinin oğlu olduğu ortaya çıkan Kikuchiyo'yu yanına alır. Takımına dört yeni samuray daha ekleyerek köyü savunmaya girişen Kambei köylüler tarafından sevinçle karşılanır ve herkesin sevgisini kazanır; bir süre sonra onlara kendilerini savunmayı öğretmeye başlar. Bu arada haydutlar köyün sınırlarında dolaşmakta ve yeni saldırıları için uygun bir zaman kollamaktadırlar...
Neden izliyorsunuz?: Yedi Samuray'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Yedi Samuray, 1954'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Yedi Samuray'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8,5'un üzerindeki derecelendirmeler, 7,5 veya 8,0 olarak derecelendirilen filmlerden farklı bir kategoriye girer. Bu sayılar arasındaki fark göründüğünden daha büyük. 8.5'teki Yedi Samuray, çağını gerçekten tanımlayan filmlerle birlikte. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Yedi Samuray'in neden en iyi japanese filmleri listesinde yer aldığını anlamak, ulusal sinemanın değerlerine dikkat etmeyi gerektiriyor. Akira Kurosawa, bu sayfadaki diğer japanese filmleriyle karşılaştırıldığında en görünür şekilde bu değerlerin içinde ve karşısında çalışır.
Yedi Samuray'teki performanslar, Akira Kurosawa'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Toshirō Mifune, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Yedi Samuray'te en zor anlar, Toshirō Mifune'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Yedi Samuray, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.5 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Yedi Samuray'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Akira Kurosawa ve Toshirō Mifune işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Yedi Samuray ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Akira Kurosawa, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Yedi Samuray'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Ateşböceklerinin Mezarı
2. Dünya Savaşı sırasında Japonya'da hayatta kalmaya çalışan iki öksüz çocuk, Seita ve küçük kız kardeşi Setsuko, acımasız toplumda yiyecek bulmak ve savaşın neden olduğu zorluklardan kaçmak için mücadele eder.
Neden izliyorsunuz?: Ateşböceklerinin Mezarı, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Ateşböceklerinin Mezarı'in 1988 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Ateşböceklerinin Mezarı'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Ateşböceklerinin Mezarı'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.4'teki Ateşböceklerinin Mezarı, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Isao Takahata, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Ateşböceklerinin Mezarı, japanese sinemasının uluslararası öneme sahip işler ürettiği iddiasına katkıda bulunuyor. Küresel izleyiciden alınan 8.4 derecelendirmesi, filmin niteliklerinin kültüre özgü olmadığını, tercüme edildiğini doğruluyor.
Ateşböceklerinin Mezarı'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Isao Takahata, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Ateşböceklerinin Mezarı karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Ateşböceklerinin Mezarı'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Ateşböceklerinin Mezarı'i ilk kez izleyen izleyiciler, Isao Takahata'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Ateşböceklerinin Mezarı'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Tsutomu Tatsumi, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1988 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Isao Takahata'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Ateşböceklerinin Mezarı'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Isao Takahata, Ateşböceklerinin Mezarı ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Harakiri
17. yüzyıl Japonya'sında savaş yılları geride kalınca samuraylar da işsiz kalmıştır. Monarşik düzenin öğüttüğü Ronin'ler, barış zamanında birer posa olarak görülmekte ve birer birer harakiri yapmaktadırlar. Hatta açlık yüzünden onurlarından bile vazgeçip, otorite sahiplerinden para istemekte ve aksi taktirde kapılarının önünde harakiri yapmakla tehdit etmektedirler. Böyle bir ortamda yine eski bir samuray olan Hanshiro, yerel bir lordun huzuruna çıkar ve seppuku töreni için izin ister.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Harakiri, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Harakiri (1962), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Harakiri, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.4 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Harakiri, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. japanese sinemasının hikaye yapısı, karakter içselliği ve görsel dil ile belirgin bir ilişkisi var. Harakiri bu ayrımları açıkça göstermektedir. japanese sinemasına yeni başlayan izleyiciler bu filmi faydalı bir yönlendirme noktası olarak görecektir.
Harakiri'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Masaki Kobayashi, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Harakiri'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Tatsuya Nakadai, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Harakiri'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Masaki Kobayashi'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Harakiri, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Tatsuya Nakadai'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Harakiri'in ilk 10'da yer alması, neyle rekabet ettiğini düşündüğünüzde çok anlamlıdır. Bu mod ve döneme ait katalogdaki her filmler değerlendirildi ve Harakiri burada sıralandı çünkü derecelendirme kalitesi ve seçmen hacminin birleşimi, onu seçimdeki diğer her şeyin üstünde tutuyordu. Masaki Kobayashi, Harakiri'te onu aynı kategorideki alternatiflerden (aynı zamanda iyi filmler olan alternatiflerden) ayıran seçimler yaptı. İlk on ile ilk yirmi arasındaki fark, mutlak derecelendirme açısından göründüğünden daha küçük ancak izleyici deneyiminin gerçekte sunduğu şey açısından önemli.
Yürüyen Şato
Sıradan bir genç kız olan Sophie şeytani bir cadı tarafından büyüyle doksan yaşında bir kadına dönüşür. Sophie artık fazlasıyla yaşlanmış ve çevresi tarafından tanınmaz bir görünüme bürünmüştür. Bu yüzden büyük bir umutsuzluğa kapılan ve yaşadığı yeri terk etmek zorunda kalan Sophie, Howl isimli yürüyen bir şatoda yaşayan bir büyücünün yanına yerleşir. Bu şatoda yaşayan cinlerden biri de Sophie ile aynı kaderi paylaşmaktadır. Aynı amaç etrafında buluşan ikili kendilerine yapılan kara büyünün etkisini yok etmeye çalışacaklardır. Bu sırada şatonun dışında patlak veren savaş ülkenin birlik ve beraberliğini tehdit etmektedir. İkili artık hem kendileri için hem de ülkeleri için canları pahasına savaşmak zorunda kalacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Yürüyen Şato bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2004'te vizyona giren Yürüyen Şato, sinemadaki bir geçiş döneminden geliyor; akışın dağıtımı değiştirmesinden önce, ancak dijital araçlar prodüksiyonu değiştirdikten sonra. Yürüyen Şato'te görünen işçilik, tiyatro dönemi standartlarını yansıtıyor. Yürüyen Şato için 8.4 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Yürüyen Şato'in yaptığı da tam olarak bu. Hayao Miyazaki bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmi animasyon olarak farklı kılan, yönetmenin formun tasarım yoluyla içselliği aktarabileceğini anlamasıdır. Hareket, renk ve kompozisyon karakterin diyalogdan önce veya diyalog yerine ne hissettiğini iletir. Yürüyen Şato'in uluslararası izleyici kitlesinden aldığı 8.4 puanı buradaki en önemli gerçektir. Kökleri bu kadar japanese kültürel bağlamına dayanan bir filmler, bu bağlamın dışındaki kişiler tarafından bu kadar yüksek puan almışsa, filmin niteliklerinin hissedilecek kültürel okuryazarlığa bağlı olmadığı anlamına gelir.
Yürüyen Şato'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Hayao Miyazaki, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. Yürüyen Şato'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Chieko Baisho, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
Yürüyen Şato, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.4 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Yürüyen Şato'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Hayao Miyazaki ve Chieko Baisho işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Yürüyen Şato ilk on sırasını kültürel itibarı sayesinde değil, izleyicilerin oturup izlediğinde yaşananlar sayesinde kazanıyor. 8.4 derecelendirmesi, bu deneyimi geniş bir bağımsız görüntüleme örneğinde yansıtıyor. Bunun gibi listelerde ilk on durumuna ulaşan filmler, alternatiflere tam erişimi olan ve bu filmi deneyimlerinin en üstünde derecelendirmeyi seçen izleyiciler tarafından test edildi. Hayao Miyazaki ve Chieko Baisho bu beklentiyi tutarlı bir şekilde karşılayan bir şey yaptı; sürekli yeni izleyicilerin yeni standartlar getirmesine rağmen reytingin devam etmesinin nedeni de budur.
Sesin Şekli
Sesleri duyabilen Ishida Shouya ve onun aksine sesleri duyamayan sağır nakil öğrenci Nishimiya Shoko… İkili uğursuz bir günde tanışır ve sınıfın liderlerinden diyebileceğimiz Shouya, Shoko’ya zorbalık etmeye başlar. Ama çok geçmeden sınıf hedefini Shoko’dan kabadayılık yapan Shouya’ya çevirir. Aradan yıllar geçer ve Shouya bir kez daha Shoko ile buluşması gerektiğini hisseder.
Neden izliyorsunuz?: Sesin Şekli'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Sesin Şekli (2016), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Naoko Yamada, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.4'teki Sesin Şekli, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Naoko Yamada'in Sesin Şekli'teki seçimleri, kendi tarihi ve mantığı olan japanese filmler yapımı gelenekleri tarafından şekilleniyor. Bu gelenekler Hollywood modelinden farklı sonuçlar üretiyor. Farkı anlamak japanese sinemasının sunduğu şeylerin bir parçasıdır.
Sesin Şekli'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Naoko Yamada, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Miyu Irino, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Sesin Şekli'te en çok görülür.
Sesin Şekli'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Sesin Şekli'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Sesin Şekli'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Naoko Yamada'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Miyu Irino'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Sesin Şekli'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.4 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve Sesin Şekli bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Naoko Yamada'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Yüksek ve Alçak
Bay Gondo ulusal ayakkabıcılık şirketinde payı olan bir iş adamıdır. Bir gün şirketteki payını arttırıp şirketteki en büyük söz sahibi olmak için alnının teriyle biriktirdiği her şeyi şirket hisseleri için yatırır ve evini ipotek ettirir. Aynı dönemde çocuğu kaçırılır fakat çocuk bay Gondo nun değil onun hizmetinde çalışan başka bir şahsa aittir. Çocuğu kaçıran kişi ise bu yanlışı fark eder ve daha önce istediği fidyeyi yine bay Gondo dan ister. Bay Gondo parayı verip vermemesi konusunda teredütte kalır.
Neden izliyorsunuz?: Yüksek ve Alçak, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Yüksek ve Alçak'in 1963 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Yüksek ve Alçak'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Yüksek ve Alçak'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.4 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Yüksek ve Alçak'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Yüksek ve Alçak bundan faydalanıyor. Zanaat en çok yönetmenin sakladığı şeylerde görülür. Bilgi stratejik olarak yayınlanıyor, her açıklama daha önce olanı yeniden bağlamlandırıyor. Performanslar kontrollü açıklamaya göre kalibre edilir. Yüksek ve Alçak, japanese sinemasının herhangi bir ciddi açıklamasına aittir çünkü ulusal sinemanın en iyi şekilde neyi başardığını göstermektedir. Burada görülen spesifik kaygılar ve yaklaşımlar, japanese filmlerinin uluslararası bir izleyici kitlesine sahip olmasının nedenidir.
Yüksek ve Alçak'teki performanslar, Akira Kurosawa'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Toshirō Mifune, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Yüksek ve Alçak'te en zor anlar, Toshirō Mifune'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Yüksek ve Alçak, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Akira Kurosawa, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Yüksek ve Alçak'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.4 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Toshirō Mifune - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Yüksek ve Alçak'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Yüksek ve Alçak'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Akira Kurosawa, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. Toshirō Mifune'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
Chainsaw Man - The Movie: Reze Arc
İblisler, avcılar ve gizli düşmanlar arasında süren acımasız bir savaşta, Reze adında gizemli bir kız Denji'nin dünyasına adım atar ve Denji, hayatta kalmanın kural tanımadığı bir dünyada, aşkla beslenen en ölümcül savaşıyla karşı karşıya kalır.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Chainsaw Man - The Movie: Reze Arc, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Chainsaw Man - The Movie: Reze Arc, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Tatsuya Yoshihara gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. 8.4 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Chainsaw Man - The Movie: Reze Arc de bir istisna değildir. Yönetmen aksiyon sinemasının temel sorununu çözüyor: Aksiyonu size göstermeden önce sonucu önemsemenizi sağlıyor. Sıralamalar işe yarıyor çünkü coğrafi netlik, kimin nerede olduğunu ve başarının neleri gerektirdiğini her zaman bilmeniz anlamına geliyor. japanese sineması olarak Chainsaw Man - The Movie: Reze Arc, ulusal sinemayı uluslararası benzerlerinden ayıran kendine özgü görsel ve anlatı duyarlılığını taşıyor. Hız, karakter ve hikaye yapısına yönelik yaklaşım, izleme deneyimini zenginleştiren kültürel bağlamı yansıtıyor.
Chainsaw Man - The Movie: Reze Arc'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Tatsuya Yoshihara, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Chainsaw Man - The Movie: Reze Arc karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Chainsaw Man - The Movie: Reze Arc'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Chainsaw Man - The Movie: Reze Arc, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.4 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Chainsaw Man - The Movie: Reze Arc'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Tatsuya Yoshihara ve Kikunosuke Toya işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Chainsaw Man - The Movie: Reze Arc ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Tatsuya Yoshihara, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Chainsaw Man - The Movie: Reze Arc'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Prenses Mononoke
Köyünde huzur dolu bir yaşamı olan Ashitaka, bir gün ormandan kötü bir varlığın gelmekte olduğu fark eder. Ormanın sınırından hızla çıkan Orman Tanrısı, değdiği her şeyi yok ederek ilerlemektedir. Köyünden küçük bir kızı kurtarmak için, canavara dönüşmüş olan Orman Tanrısı'na saldıran Ashitaka, mücadele sonunda canavarı öldürür ama ölümcül bir yara alarak lanetlenir.Bu lanetten kurtulmak için bir yol aramak üzere köyden ayrılan Ashitaka, kendisine yardım edebileceğini umduğu Ormanın Ruhu'nu aramaya başlar. Ancak Ormanın Ruhu'nu arayan başkaları da vardır: Lady Eboshi ve Irontown sakinleri. Lady Eboshi ve Prenses Mononoke arasındaki savaşta kazanan olmadığını ve hem insanların hem de doğanın zarar gördüğünü fark eden Ashitaka, onları durdurmaya çalışacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Prenses Mononoke bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1997'te gösterime giren Prenses Mononoke, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Hayao Miyazaki hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.3 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Prenses Mononoke'in 8.3 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Hayao Miyazaki, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Filmi animasyon olarak farklı kılan, yönetmenin formun tasarım yoluyla içselliği aktarabileceğini anlamasıdır. Hareket, renk ve kompozisyon karakterin diyalogdan önce veya diyalog yerine ne hissettiğini iletir. Prenses Mononoke, japanese sinemasının farklı bir şekilde yaptığı şeyin temsilcisidir. Bu filmde yer alan hikaye anlatımı varsayımları, Batı sinemasından, onları fark etmeye başladığınızda fark edebileceğiniz açılardan farklılık gösteriyor. Bu fark özellikle japanese filmlerini izlemenin değeridir.
Prenses Mononoke'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Hayao Miyazaki, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Prenses Mononoke'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Yoji Matsuda, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Prenses Mononoke'i ilk kez izleyen izleyiciler, Hayao Miyazaki'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Prenses Mononoke'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Yoji Matsuda, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1997 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Hayao Miyazaki'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Prenses Mononoke'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Hayao Miyazaki, Prenses Mononoke ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Sinema önemli hikayelerle ilgilidir. Bu bölümdeki filmler bu prensibi kanıtlıyor.
Yaşamak
30 yılını bir masanın başında mühür basarak ve hiçbir iş yapmayarak geçirmiş olan Bay Watanabe 1 yıldan az ömrü kaldığını öğrenince, o güne dek hiç yaşamamış olduğunu hisseder. Ancak yaşama duygusunu kolay kaybetmeye niyetli değildir.
Neden izliyorsunuz?: Yaşamak'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Yaşamak, 1952'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Yaşamak'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.3'te Yaşamak, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Yaşamak herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Yaşamak'in neden en iyi japanese filmleri listesinde yer aldığını anlamak, ulusal sinemanın değerlerine dikkat etmeyi gerektiriyor. Akira Kurosawa, bu sayfadaki diğer japanese filmleriyle karşılaştırıldığında en görünür şekilde bu değerlerin içinde ve karşısında çalışır.
Yaşamak'in görsel dili, 1952'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Akira Kurosawa, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Yaşamak'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Yaşamak'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Yaşamak'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Akira Kurosawa'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Yaşamak, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Takashi Shimura'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Yaşamak, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Takashi Shimura'in performansının ve Akira Kurosawa'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Mükemmel Mavi
"CHAM!" isimli popüler müzik grubunun üyesi olan Mima Kirigoe, yeni bir kariyere adım atmak için şarkıcılığı bırakır ve oyunculuğa başlar. Mima’nın bu kararı hayranlarının bir kısmını rahatsız eder. Oynadığı filmdeki rolden ve dergilere çıplak pozlar vermesinden sonra Me-Mania lakaplı hayranının tacizleriyle Mima'nın kariyeri ve özel yaşamı parçalanmaya başlar. Hayatı iyice çekilmez hale gelen, sürekli rahatsız edilen Mima, bir süre sonra aklını yitirmeye başlayacak ve gerçekle hayal arasındaki ayrımı yapamaz hale gelecektir * Black Swan, komple bu filmden aparılmış adeta * Satoshi Kon zihinlerin ırzına geçmeye devam ediyor * Paprika, Tokyo Godfathers gibi başarılı işlere imza atmış olan Satoshi Kon'un çektiği ilk film olma özelliğini taşıyan Perfect Blue, anime türü içinde en başarılı gerilim filmlerinden biri.
Neden izliyorsunuz?: Mükemmel Mavi, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Mükemmel Mavi'in 1998 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Mükemmel Mavi'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Mükemmel Mavi'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.3'teki Mükemmel Mavi, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Satoshi Kon, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Zanaat en çok yönetmenin sakladığı şeylerde görülür. Bilgi stratejik olarak yayınlanıyor, her açıklama daha önce olanı yeniden bağlamlandırıyor. Performanslar kontrollü açıklamaya göre kalibre edilir. Mükemmel Mavi, japanese sinemasının uluslararası öneme sahip işler ürettiği iddiasına katkıda bulunuyor. Küresel izleyiciden alınan 8.3 derecelendirmesi, filmin niteliklerinin kültüre özgü olmadığını, tercüme edildiğini doğruluyor.
Mükemmel Mavi'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Satoshi Kon, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Junko Iwao, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Mükemmel Mavi'te en çok görülür.
Mükemmel Mavi, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.3 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Mükemmel Mavi'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Satoshi Kon ve Junko Iwao işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Mükemmel Mavi'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.3 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Mükemmel Mavi'e yüksek puan verme kararları, Satoshi Kon'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Mükemmel Mavi genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Violet Evergarden: Film
Bir savaşın sonrasında, savaşta "araç" olarak kullanılan genç bir kız yaşamayı öğrenir. Yanık izleriyle, Binbaşı'nın "seni seviyorum" sözünün altındaki gerçek duygularını hissetmek için geçmişine geri döner.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Violet Evergarden: Film, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Violet Evergarden: Film, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Taichi Ishidate gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.3 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Violet Evergarden: Film, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. japanese sinemasının hikaye yapısı, karakter içselliği ve görsel dil ile belirgin bir ilişkisi var. Violet Evergarden: Film bu ayrımları açıkça göstermektedir. japanese sinemasına yeni başlayan izleyiciler bu filmi faydalı bir yönlendirme noktası olarak görecektir.
Violet Evergarden: Film'teki performanslar, Taichi Ishidate'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Yui Ishikawa, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Violet Evergarden: Film'te en zor anlar, Yui Ishikawa'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Violet Evergarden: Film'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Violet Evergarden: Film'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Violet Evergarden: Film'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Taichi Ishidate'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Yui Ishikawa'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Violet Evergarden: Film, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Violet Evergarden: Film, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Taichi Ishidate'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Violet Evergarden: Film'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Josee to Tora to Sakana-Tachi
Bir gün, Tsuneo adlı bir öğrencinin basit hayatında, günlerinin çoğunu okuyarak ve çizerek geçiren bir kız belirir. Sınıflar övgüye değer, ancak kendi açıklamaları da var. Aslında, rüya gibi Jose - bu, Francoise Sagan "Sihirli Bulutlar" ın çalışmasından kahramanın görüntüsündeki kızın adı - tekerlekli sandalyeye zincirlenmiş ve sıradan insanların hayatının çoğu ona müsait değil. Hayatı umurunda olmayan José Zuneo ile olan dostluğu sayesinde elindekinin değerini anlamaya başlar. Kız, oğlanın katılımı olmadan değil, sonunda gerçek dünyayla yüzleşme zamanının geldiğine karar verirken. Böylece, kendileri farkında olmadan, ellerinden geldiğince birbirlerine yardım ederler ve sonunda arkadaşlıkları, başkalarının yan görüşlerinin bile gölgeleyemeyeceği başka nüanslar kazanmaya başlar.
Neden izliyorsunuz?: Josee to Tora to Sakana-Tachi bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2020'te üretilen Josee to Tora to Sakana-Tachi, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.3 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Josee to Tora to Sakana-Tachi için 8.3 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Josee to Tora to Sakana-Tachi'in yaptığı da tam olarak bu. Kotaro Tamura bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Josee to Tora to Sakana-Tachi'in uluslararası izleyici kitlesinden aldığı 8.3 puanı buradaki en önemli gerçektir. Kökleri bu kadar japanese kültürel bağlamına dayanan bir filmler, bu bağlamın dışındaki kişiler tarafından bu kadar yüksek puan almışsa, filmin niteliklerinin hissedilecek kültürel okuryazarlığa bağlı olmadığı anlamına gelir.
Josee to Tora to Sakana-Tachi'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Kotaro Tamura, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Josee to Tora to Sakana-Tachi karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Josee to Tora to Sakana-Tachi'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Josee to Tora to Sakana-Tachi, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Kotaro Tamura, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Josee to Tora to Sakana-Tachi'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.3 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Taishi Nakagawa - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Josee to Tora to Sakana-Tachi bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Kotaro Tamura, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.3 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Kotaro Tamura'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Josee to Tora to Sakana-Tachi'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına
Hotaru, yazları büyükbabasının evine kalmaya giden altı yaşında bir kızdır. Bir gün, içinde dağ ruhlarının yaşadığı söylenen ormanda kaybolur. Ne yapacağını bilemezken karşısında Gin adında bir genç belirir. Gin, ona eğer bir insan kendisine dokunursa yok olacağını söyler. Bir insanın dokunuşuyla yok olmaya mahkûm olan maskeli ruh Gin'le Hotaru'nun yıllara yayılan imkansız aşkını anlatan hikaye, fiziksel temasın yasak olduğu bu naif bağın hem ne kadar derin hem de trajik bir vedaya ne kadar yakın olduğunu işler.
Neden izliyorsunuz?: Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına (2011), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Takahiro Omori, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.3'teki Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Yönetmen çoğu filmde romantizmi baltalayan kısayolları reddediyor. Film, montaja sıkıştırılmak veya tamamen atlanmak yerine, bağlantının ortaya çıkma sürecini gösteriyor. Bu süreç duygusal risklerin yaşandığı yerdir. Takahiro Omori'in Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına'teki seçimleri, kendi tarihi ve mantığı olan japanese filmler yapımı gelenekleri tarafından şekilleniyor. Bu gelenekler Hollywood modelinden farklı sonuçlar üretiyor. Farkı anlamak japanese sinemasının sunduğu şeylerin bir parçasıdır.
Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Takahiro Omori, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Izumi Sawada, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.3 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Takahiro Omori ve Izumi Sawada işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Takahiro Omori filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.3 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Neon Genesis Evangelion: Evangelion'un Sonu
Gendo, kontrolü altında Üçüncü Çarpma'yı ve Tamamlama'yı tetikleyemeden önce Seele, Eva'ları yok etmek amacıyla Nerv'e topyekûn saldırı düzenler.
Neden izliyorsunuz?: Neon Genesis Evangelion: Evangelion'un Sonu, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Neon Genesis Evangelion: Evangelion'un Sonu'in 1997 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Neon Genesis Evangelion: Evangelion'un Sonu'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Neon Genesis Evangelion: Evangelion'un Sonu'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.3 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Neon Genesis Evangelion: Evangelion'un Sonu'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Neon Genesis Evangelion: Evangelion'un Sonu bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Neon Genesis Evangelion: Evangelion'un Sonu, japanese sinemasının herhangi bir ciddi açıklamasına aittir çünkü ulusal sinemanın en iyi şekilde neyi başardığını göstermektedir. Burada görülen spesifik kaygılar ve yaklaşımlar, japanese filmlerinin uluslararası bir izleyici kitlesine sahip olmasının nedenidir.
Neon Genesis Evangelion: Evangelion'un Sonu'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Kazuya Tsurumaki, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. Neon Genesis Evangelion: Evangelion'un Sonu'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Megumi Ogata, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
Neon Genesis Evangelion: Evangelion'un Sonu'i ilk kez izleyen izleyiciler, Kazuya Tsurumaki'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Neon Genesis Evangelion: Evangelion'un Sonu'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Megumi Ogata, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1997 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Kazuya Tsurumaki'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Neon Genesis Evangelion: Evangelion'un Sonu, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Kazuya Tsurumaki'in Neon Genesis Evangelion: Evangelion'un Sonu'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Pankreasını Yemek İstiyorum
Hikaye, bir gün hastanede isimsiz kahramanın bir günlük bulmasıyla başlar. Günlük ise pankreasında olan hastalığıyla mücadele etmeye çalışan ve son birkaç ayı kalan sınıf arkadaşı Sakura Yamauchi’ye aittir. Sakura, isimsiz kahramana ailesi dışında kimsenin bunu bilmediğini söyler. İsimsiz kahraman da bu sırrı kimseye söylememek üzere Sakura’ya söz verir. Tamamen zıt kişiliklerine rağmen isimsiz kahraman, Sakura’nın son birkaç ayında onun yanında olmaya karar verir.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Pankreasını Yemek İstiyorum, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Pankreasını Yemek İstiyorum, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Shinichiro Ushijima gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. 8.2 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Pankreasını Yemek İstiyorum de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. japanese sineması olarak Pankreasını Yemek İstiyorum, ulusal sinemayı uluslararası benzerlerinden ayıran kendine özgü görsel ve anlatı duyarlılığını taşıyor. Hız, karakter ve hikaye yapısına yönelik yaklaşım, izleme deneyimini zenginleştiren kültürel bağlamı yansıtıyor.
Pankreasını Yemek İstiyorum'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Shinichiro Ushijima, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Mahiro Takasugi, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Pankreasını Yemek İstiyorum'te en çok görülür.
Pankreasını Yemek İstiyorum, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Shinichiro Ushijima kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.2 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Pankreasını Yemek İstiyorum ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Pankreasını Yemek İstiyorum'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Pankreasını Yemek İstiyorum, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Mahiro Takasugi'in performansının ve Shinichiro Ushijima'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Seishun Buta Yarou wa Yumemiru Shoujo no Yume wo Minai
Göğün parlayıp denizin ışıldadığı Fujisawa'da, Sakuta Azusagawan lisedeki ikinci yılındadır. Kız arkadaşı ve senpaisi olan Mai Sakurajiman ile geçirdiği mutluluk dolu günler, ilk aşkı Shouko Makinohara'nın ortaya çıkmasıyla bölünür. Bilinmeyen sebeplerden dolayı iki Shouko ile karşılaşır: biri ortaokula gitmektedir, diğeriyse çoktan yetişkin olmuştur. Sakuta'nın kendini çaresizce iki Shouko ile yaşarken bulmasıyla, yetişkin Shouko onu parmağında oynatmaya başlar ve Mai Sakurajima ile ilişkileri büyük bir yarık açar.Tüm bunların ortasında, ortaokullu Shouko'nun ciddi bir hastalıkla boğuştuğunu öğrenir ve göğsündeki yara ağrımaya başlar.
Neden izliyorsunuz?: Seishun Buta Yarou wa Yumemiru Shoujo no Yume wo Minai bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2019'te üretilen Seishun Buta Yarou wa Yumemiru Shoujo no Yume wo Minai, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.2 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Seishun Buta Yarou wa Yumemiru Shoujo no Yume wo Minai'in 8.2 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Soichi Masui, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Seishun Buta Yarou wa Yumemiru Shoujo no Yume wo Minai, japanese sinemasının farklı bir şekilde yaptığı şeyin temsilcisidir. Bu filmde yer alan hikaye anlatımı varsayımları, Batı sinemasından, onları fark etmeye başladığınızda fark edebileceğiniz açılardan farklılık gösteriyor. Bu fark özellikle japanese filmlerini izlemenin değeridir.
Seishun Buta Yarou wa Yumemiru Shoujo no Yume wo Minai'teki performanslar, Soichi Masui'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Kaito Ishikawa, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Seishun Buta Yarou wa Yumemiru Shoujo no Yume wo Minai'te en zor anlar, Kaito Ishikawa'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Seishun Buta Yarou wa Yumemiru Shoujo no Yume wo Minai, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.2 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Seishun Buta Yarou wa Yumemiru Shoujo no Yume wo Minai'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Soichi Masui ve Kaito Ishikawa işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Seishun Buta Yarou wa Yumemiru Shoujo no Yume wo Minai'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.2 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Seishun Buta Yarou wa Yumemiru Shoujo no Yume wo Minai'e yüksek puan verme kararları, Soichi Masui'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Seishun Buta Yarou wa Yumemiru Shoujo no Yume wo Minai genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Kurt Çocuklar Ame ve Yuki
Film, üniversite öğrencisi Hana’nın, bir gün sınıfta gördüğü gizemli bir adama aşık olmasıyla başlar. Bu adamın aslında yaşayan son kurt adam olduğunu öğrenmesine rağmen aşkından vazgeçmez. Birlikte iki çocukları olur. Abla Yuki (karda doğduğu için "Kar") ve küçük kardeş Ame (yağmurda doğduğu için "Yağmur"). Ancak babalarının ani ölümüyle Hana, yarı kurt yarı insan olan çocuklarını şehir hayatının zorluklarından korumak için kırsala taşınmaya karar verir.
Neden izliyorsunuz?: Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Kurt Çocuklar Ame ve Yuki (2012), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Mamoru Hosoda, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.2'te Kurt Çocuklar Ame ve Yuki, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Kurt Çocuklar Ame ve Yuki herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'in neden en iyi japanese filmleri listesinde yer aldığını anlamak, ulusal sinemanın değerlerine dikkat etmeyi gerektiriyor. Mamoru Hosoda, bu sayfadaki diğer japanese filmleriyle karşılaştırıldığında en görünür şekilde bu değerlerin içinde ve karşısında çalışır.
Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Mamoru Hosoda, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Kurt Çocuklar Ame ve Yuki karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Mamoru Hosoda'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Aoi Miyazaki'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Kurt Çocuklar Ame ve Yuki, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Kurt Çocuklar Ame ve Yuki, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Mamoru Hosoda'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Kumların Kadını
Böceklerle ilgili araştırmalar yapan bir etimoloğun yolu çöle düşer. Çölde büyük kum tepeleri ve çukurları vardır. Adamımız bir geceliğine köylüler tarafından çukurdaki bir evde misafir edilir. Evdeki yalnız, genç kadın basit bir hayat yaşamakta ve geceleri nemlenen kumu kürekle kovalara doldurup, yukarıya yollamaktadır. Ertesi gün adamımız çukurdaki evi terkedip işine koyulmak ister, ancak aşağıya inmekte kullandığı ip merdiven ortada yoktur... Etimolog birkaç panik ataktan sonra, çukurdan dışarı çıkmak için kafayı çalıştırmaya başlar... * Bu basit yüzeyin altında, bir çeşit sisyphos masalıdır bu film. Hayat, aile, varoluş, konformizm düşündürdükçe düşündürür insanı * Japon edebiyatının usta yazarı Kobo Abe'nin -Kafka, Sartre, Camus, Beckett gibi yazarların eserleriyle kıyaslanan ve dünya çapında tanınmasını sağlayan- muhteşem romanından uyarlanan eşsiz sinema eseri * bittiği an sakat kalmayan var mı merak ediyorum
Neden izliyorsunuz?: Kumların Kadını, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Kumların Kadını'in 1964 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Kumların Kadını'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Kumların Kadını'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.2'teki Kumların Kadını, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Hiroshi Teshigahara, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Zanaat en çok yönetmenin sakladığı şeylerde görülür. Bilgi stratejik olarak yayınlanıyor, her açıklama daha önce olanı yeniden bağlamlandırıyor. Performanslar kontrollü açıklamaya göre kalibre edilir. Kumların Kadını, japanese sinemasının uluslararası öneme sahip işler ürettiği iddiasına katkıda bulunuyor. Küresel izleyiciden alınan 8.2 derecelendirmesi, filmin niteliklerinin kültüre özgü olmadığını, tercüme edildiğini doğruluyor.
Kumların Kadını'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Hiroshi Teshigahara, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Kumların Kadını'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Eiji Okada, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Kumların Kadını, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Hiroshi Teshigahara, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Kumların Kadını'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.2 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Eiji Okada - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Kumların Kadını bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Hiroshi Teshigahara, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.2 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Hiroshi Teshigahara'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Kumların Kadını'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Harika filmler kendi kategorilerinin ötesine geçer. Zanaat olağanüstü olduğu için çalışıyorlar.
Demon Slayer: Mugen Treni
Film ailesi acımasızca öldürülen Tanjiro Kamado'nun hikayesini anlatıyor.Tanjiro Kamado, ailesi acımasızca öldürüp, kız kardeşinin bir çeşit iblise dönüştürülmesinden sonra, iblis avcılığına başlar. Tanjiro ve arkadaşları, umutsuzluğa çıkan yolda Mugen Treni'nin peşine düşer.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Demon Slayer: Mugen Treni, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Demon Slayer: Mugen Treni, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Haruo Sotozaki gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.2 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Demon Slayer: Mugen Treni, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen aksiyon sinemasının temel sorununu çözüyor: Aksiyonu size göstermeden önce sonucu önemsemenizi sağlıyor. Sıralamalar işe yarıyor çünkü coğrafi netlik, kimin nerede olduğunu ve başarının neleri gerektirdiğini her zaman bilmeniz anlamına geliyor. japanese sinemasının hikaye yapısı, karakter içselliği ve görsel dil ile belirgin bir ilişkisi var. Demon Slayer: Mugen Treni bu ayrımları açıkça göstermektedir. japanese sinemasına yeni başlayan izleyiciler bu filmi faydalı bir yönlendirme noktası olarak görecektir.
Demon Slayer: Mugen Treni'teki görsel yaklaşım, Haruo Sotozaki'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Demon Slayer: Mugen Treni'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Natsuki Hanae, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Demon Slayer: Mugen Treni'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Demon Slayer: Mugen Treni, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.2 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Demon Slayer: Mugen Treni'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Haruo Sotozaki ve Natsuki Hanae işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Demon Slayer: Mugen Treni'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Haruo Sotozaki filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.2 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Demon Slayer: Mugen Treni tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Evangelion: Bir Seferde Üç Kez 3.0+1.0
Dördüncü Etki'nin ardından, Evangelion'ları olmadan mahsur kalan Shinji, Asuka ve Rei, harap olmuş Dünya gezegeninde hâlâ var olan ender insanlık ceplerinden birine sığınır. Orada her biri, bir Evangelion pilotu olarak günlerinden çok farklı bir hayat yaşıyor. Ancak, dünya için tehlike henüz geçmiş değil. Ufukta yeni bir etki beliriyor; bu, Evangelion'un gerçek sonu olacak.
Neden izliyorsunuz?: Evangelion: Bir Seferde Üç Kez 3.0+1.0 bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2021'te üretilen Evangelion: Bir Seferde Üç Kez 3.0+1.0, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.2 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Evangelion: Bir Seferde Üç Kez 3.0+1.0 için 8.2 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Evangelion: Bir Seferde Üç Kez 3.0+1.0'in yaptığı da tam olarak bu. Katsuichi Nakayama bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Aksiyon sineması, mekansal mantık çöktüğünde ve sekanslar soyut bir gösteriye dönüştüğünde başarısız olur. Bu filmler bu başarısızlığı önlüyor. Yönetmen storyboard'ları sadece etki için değil, anlaşılması için de hazırlıyor. Seyirci her anın risklerini her zaman anlar. Evangelion: Bir Seferde Üç Kez 3.0+1.0'in uluslararası izleyici kitlesinden aldığı 8.2 puanı buradaki en önemli gerçektir. Kökleri bu kadar japanese kültürel bağlamına dayanan bir filmler, bu bağlamın dışındaki kişiler tarafından bu kadar yüksek puan almışsa, filmin niteliklerinin hissedilecek kültürel okuryazarlığa bağlı olmadığı anlamına gelir.
Evangelion: Bir Seferde Üç Kez 3.0+1.0'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Katsuichi Nakayama, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Megumi Ogata, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Evangelion: Bir Seferde Üç Kez 3.0+1.0'te en çok görülür.
Evangelion: Bir Seferde Üç Kez 3.0+1.0'i ilk kez izleyen izleyiciler, Katsuichi Nakayama'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Evangelion: Bir Seferde Üç Kez 3.0+1.0'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Megumi Ogata, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2021 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Katsuichi Nakayama'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Evangelion: Bir Seferde Üç Kez 3.0+1.0, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Katsuichi Nakayama'in Evangelion: Bir Seferde Üç Kez 3.0+1.0'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Tokyo Hikayesi
Müthiş bir dönüşüm ve modernleşmenin pençesinde bölünmekte olan Japonya'dayız. Taşralı, emekli bir karı-koca, Tokyo'da yaşayan evlenmiş çocuklarını ziyarete giderler. Gençler giderek hızlanmakta olan şehir yaşamının meşguliyeti içerisinde, onlarla ilgilenmektense birbirlerine pas edip kurtulma hafifliğindedirler. Sadece savaşta ölmüş oğullarının dul gelini yaşlı çifte şefkat ve ilgi gösterir. Evlerine döndüklerinde kırgın ve kafaları karışıktır. Çocukların titreyip kendilerine gelmesi için dramatik bir olayın gerçekleşmesi gerekecektir. Ülkesinin 50'li yıllarda geçirdiği kültürel dönüşümün izini sürmekten yorulmayan Japon yönetmen Yasujiro Ozu'nun hem kendi başyapıtı hem de eşsiz ritmiyle, sinema sanatının en güzel filmlerinden biri.
Neden izliyorsunuz?: Tokyo Hikayesi'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Tokyo Hikayesi, 1953'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Tokyo Hikayesi'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.2'teki Tokyo Hikayesi, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Yasujirō Ozu'in Tokyo Hikayesi'teki seçimleri, kendi tarihi ve mantığı olan japanese filmler yapımı gelenekleri tarafından şekilleniyor. Bu gelenekler Hollywood modelinden farklı sonuçlar üretiyor. Farkı anlamak japanese sinemasının sunduğu şeylerin bir parçasıdır.
Tokyo Hikayesi'teki performanslar, Yasujirō Ozu'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Chishū Ryū, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Tokyo Hikayesi'te en zor anlar, Chishū Ryū'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Tokyo Hikayesi'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Yasujirō Ozu'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Tokyo Hikayesi, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Chishū Ryū'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Tokyo Hikayesi, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Chishū Ryū'in performansının ve Yasujirō Ozu'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana wo Kazarou
İorph halkı, beşeriyetten fersahlarca uzakta yaşayan; günlük olayları Hibiol denen bir kumaşa nakşeden bir topluluktur. Yüzyıllarla ifade edilen ömürleri boyunca dış görünüşlerindeki o dinçliği asla kaybetmezler. İorphlu öksüz bir kız olan Maquia, yalnızlığın beraberinde getirdiği o melankoli duygusu eşliğinde; arkadaşlarıyla birlikte mutlu bir hayat sürdürmektedir. Ancak İorph'taki bu sukûnet ortamı Mezarte'nin istilası yüzünden allak bullak olur. İorphlu kanının bahşettiği uzun ömre gıpta ile bakan ejder süvarileri; Maquia'yı arkadaşlarından koparacak, yerinden yurdundan edecektir.
Neden izliyorsunuz?: Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana wo Kazarou, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2018'te, Mari Okada, Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana wo Kazarou'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana wo Kazarou'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.1 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana wo Kazarou'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana wo Kazarou bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana wo Kazarou, japanese sinemasının herhangi bir ciddi açıklamasına aittir çünkü ulusal sinemanın en iyi şekilde neyi başardığını göstermektedir. Burada görülen spesifik kaygılar ve yaklaşımlar, japanese filmlerinin uluslararası bir izleyici kitlesine sahip olmasının nedenidir.
Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana wo Kazarou'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Mari Okada, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana wo Kazarou karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana wo Kazarou'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana wo Kazarou, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana wo Kazarou'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Mari Okada ve Manaka Iwami işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana wo Kazarou'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.1 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana wo Kazarou'e yüksek puan verme kararları, Mari Okada'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Sayonara no Asa ni Yakusoku no Hana wo Kazarou genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
My Hero Academia: Heroes Rising
Profesyonel süper kahraman olmak isteyen bir grup genç, özel yeteneklerle donatılmış insanların yer aldığı bir dünyada zorlu mücadelele girişir. Bu zamana kadar birçok kişi ile savaşak zorunda kalan ekibin karşısında bu sefer zorlu biri vardır. En güçlü kötü adan Nine ile karşı karşıya olan gençler, onu yenebilmek için bu zamana kadar savaştıkları ile aynı tarafta yer almak zorunda kalır.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. My Hero Academia: Heroes Rising, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
My Hero Academia: Heroes Rising, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Kenji Nagasaki gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. 8.1 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve My Hero Academia: Heroes Rising de bir istisna değildir. Yönetmen aksiyon sinemasının temel sorununu çözüyor: Aksiyonu size göstermeden önce sonucu önemsemenizi sağlıyor. Sıralamalar işe yarıyor çünkü coğrafi netlik, kimin nerede olduğunu ve başarının neleri gerektirdiğini her zaman bilmeniz anlamına geliyor. japanese sineması olarak My Hero Academia: Heroes Rising, ulusal sinemayı uluslararası benzerlerinden ayıran kendine özgü görsel ve anlatı duyarlılığını taşıyor. Hız, karakter ve hikaye yapısına yönelik yaklaşım, izleme deneyimini zenginleştiren kültürel bağlamı yansıtıyor.
My Hero Academia: Heroes Rising'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Kenji Nagasaki, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. My Hero Academia: Heroes Rising'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Daiki Yamashita, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
My Hero Academia: Heroes Rising'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. My Hero Academia: Heroes Rising'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, My Hero Academia: Heroes Rising'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Kenji Nagasaki'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Daiki Yamashita'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan My Hero Academia: Heroes Rising, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: My Hero Academia: Heroes Rising, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Kenji Nagasaki'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. My Hero Academia: Heroes Rising'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Jujutsu Kaisen 0
Jujutsu Kaisen 0, son derece güçlü bir Lanetli Ruh'un kontrolünü ele geçirdikten sonra onun gücünü kontrol etmek ve ona göz kulak olmasına yardımcı olmak için Jujutsu Büyücüleri tarafından Tokyo Prefectural Jujutsu Lisesi'ne gönderilen lise öğrencisi Yuto Okkotso’nun hikayesini konu ediyor.
Neden izliyorsunuz?: Jujutsu Kaisen 0 bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2021'te üretilen Jujutsu Kaisen 0, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.1 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Jujutsu Kaisen 0'in 8.1 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Sunghoo Park, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Aksiyon sineması, mekansal mantık çöktüğünde ve sekanslar soyut bir gösteriye dönüştüğünde başarısız olur. Bu filmler bu başarısızlığı önlüyor. Yönetmen storyboard'ları sadece etki için değil, anlaşılması için de hazırlıyor. Seyirci her anın risklerini her zaman anlar. Jujutsu Kaisen 0, japanese sinemasının farklı bir şekilde yaptığı şeyin temsilcisidir. Bu filmde yer alan hikaye anlatımı varsayımları, Batı sinemasından, onları fark etmeye başladığınızda fark edebileceğiniz açılardan farklılık gösteriyor. Bu fark özellikle japanese filmlerini izlemenin değeridir.
Jujutsu Kaisen 0'teki görsel yaklaşım, Sunghoo Park'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Jujutsu Kaisen 0'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Megumi Ogata, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Jujutsu Kaisen 0'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Jujutsu Kaisen 0, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Jujutsu Kaisen 0'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Sunghoo Park ve Megumi Ogata işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Jujutsu Kaisen 0 bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Sunghoo Park, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.1 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Sunghoo Park'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Jujutsu Kaisen 0'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Prenses Kaguya Masalı
Bambu satarak geçimini sağlayan yaşlı bir adam bir gün, bir bambunun içinde parmak kadar bir kız bulur. Bu kız bir bambu kadar hızlı büyümektedir ve orman yaşlı adama bu kız için altınlar, hediyeler sunar. Yaşlı adam küçük kızın bir prenses olduğuna karar verir ve onun için bir malikane yaptırarak prensesliği öğretmeye çalışır. Küçük kıza Kaguya adı verilir. Kaguya büyüdüğünde saygın ailelerden beş genç ona evlenme teklifi eder. Kaguya onlardan, kendisi için hatırlanmaya değer birer evlilik hediyesi bulmalarını ister, ancak bu beş erkek de Kaguya'nın istediğini veremez. Derken bu kez, Japon İmparatoru Kaguya’ya evlenme teklifinde bulunur. Oysa Kaguya’nın istediği prenses olmak değil, köydeki biricik aşkı Sutemaru’ya kavuşabilmektir.
Neden izliyorsunuz?: A movie worth discovering in this country selection.
More information available after watching.
Prenses Kaguya Masalı'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Director TBA, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. the lead, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Prenses Kaguya Masalı'te en çok görülür.
Prenses Kaguya Masalı, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Prenses Kaguya Masalı'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Director TBA ve the lead performance işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Prenses Kaguya Masalı ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Director TBA, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Prenses Kaguya Masalı'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Yojimbo
Serbest çalışan işsiz ve aç bir samuray, bir kasabaya gelir. Kasabanın iki kavgalı çetesi vardır. Samuray, önce bir çeteye, sonra diğer çeteye hizmet sunarak iki tarafı birbirine düşürmeyi ve bu şekilde kasabayı temizlemeyi planlar. Amacı taraf tutmayarak oyunun kurallarını yeniden yazmaktır.
Neden izliyorsunuz?: Yojimbo'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Yojimbo, 1961'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Yojimbo'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.1'te Yojimbo, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Yojimbo herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Bu, gerilimin fiziksel olmaktan ziyade psikolojik olduğu gerilim kategorisine aittir. Yönetmen izleyicinin açık bir tehlike gösterilmeden baskı hissedeceğine güveniyor. Sonuç, geleneksel gerilim mekaniğinden daha rahatsız edici. Yojimbo'in neden en iyi japanese filmleri listesinde yer aldığını anlamak, ulusal sinemanın değerlerine dikkat etmeyi gerektiriyor. Akira Kurosawa, bu sayfadaki diğer japanese filmleriyle karşılaştırıldığında en görünür şekilde bu değerlerin içinde ve karşısında çalışır.
Yojimbo'teki performanslar, Akira Kurosawa'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Toshirō Mifune, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Yojimbo'te en zor anlar, Toshirō Mifune'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Yojimbo'i ilk kez izleyen izleyiciler, Akira Kurosawa'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Yojimbo'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Toshirō Mifune, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1961 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Akira Kurosawa'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Yojimbo, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Akira Kurosawa'in Yojimbo'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Komşum Totoro
İki sevimli kız kardeş olan Satsuke ve Mei, babaları ile birlikte hastanede yatan annelerine daha yakın olabilmek için hastanenin yakınındaki bir köy evine taşınırlar. Yeni evlerine alışmaya çalışırlarken inanılmaz bir gerçeğin farkına varırlar. Evlerinin yakınındaki ormanda Totoro isminde, son derece sevimli ve büyülü yaratıklar yaşamaktadır. Bu sevimli yaratıklarla kısa zamanda arkadaş olan Satsuke ve Mei için şehrin telaşından uzakta yepyeni büyülü bir dünyanın kapıları açılacaktır. Yaz zamanının kaygısızlığı üzerine kurulmuş bir aile filmi olarak tasarlanan Komşum Totoro ile Miyazaki'nin unutulmaz karakterleriyle zenginleştirilmiş hayalgücü ve arkadaşlığın bir masalını yaratıyor. Çocukluğun perimasalı dünyasının ve yokolan kırsal alanların yasını tutuyor...
Neden izliyorsunuz?: Komşum Totoro, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Komşum Totoro'in 1988 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Komşum Totoro'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Komşum Totoro'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.1'teki Komşum Totoro, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Hayao Miyazaki, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Animasyon, teknik yeteneğin gösterilmesinden ziyade hikaye anlatımına hizmet ediyor. Yönetmen bu formu, anlatılan spesifik hikayeye hizmet edecek duygusal ve anlatısal etkiler elde etmek için kullanıyor. Komşum Totoro, japanese sinemasının uluslararası öneme sahip işler ürettiği iddiasına katkıda bulunuyor. Küresel izleyiciden alınan 8.1 derecelendirmesi, filmin niteliklerinin kültüre özgü olmadığını, tercüme edildiğini doğruluyor.
Komşum Totoro'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Hayao Miyazaki, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Komşum Totoro karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Komşum Totoro'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Komşum Totoro'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Hayao Miyazaki'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Komşum Totoro, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Noriko Hidaka'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Komşum Totoro, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Noriko Hidaka'in performansının ve Hayao Miyazaki'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Look Back
Dördüncü sınıfa giden Fujino, okul gazetesinde dört panellik bir manga yayınlamaktadır ve sınıf arkadaşlarının övgü seline tutulur. Ama bir gün öğretmeni ona okulu sürekli asan Kyomoto'nun gazetede kendi mangasını yayınlamak istediğini söyler. İki kızın mangaya duyduğu tutku onları bir araya getirir, ta ki bir olay her şeyi altüst edene dek. Yürek burkan bir ergenlik hikâyesi gözler önüne serilir.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Look Back, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Look Back, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Kiyotaka Oshiyama gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.1 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Look Back, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. japanese sinemasının hikaye yapısı, karakter içselliği ve görsel dil ile belirgin bir ilişkisi var. Look Back bu ayrımları açıkça göstermektedir. japanese sinemasına yeni başlayan izleyiciler bu filmi faydalı bir yönlendirme noktası olarak görecektir.
Look Back'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Kiyotaka Oshiyama, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Look Back'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Yuumi Kawai, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Look Back, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Look Back'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Kiyotaka Oshiyama ve Yuumi Kawai işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Look Back'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.1 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Look Back'e yüksek puan verme kararları, Kiyotaka Oshiyama'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Look Back genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
En iyi sinema dikkatinizi ödüllendirir. Buradaki her filmler ihtiyaç duyduğu zamanı kazandı.
Raşomon
Ormanda devriye gezen polisler tarafından, öldürülmüş bir adamın cesedi bulunur. Adamın karısı da tecavüze uğramıştır. Olaya tanıklık eden üç kişi vardır: Bir gezgin, oduncu ve bir haydut. İzleyici olarak mahkeme bizizdir ve tanıkların hikayelerini dinleriz. Tecavüze uğramış kadın da dahil, hepsinin anlattığı hikayeler birbirinden farklıdır. Öldürülen adamın da olaya tanıklığını izlediğimiz filmde çözülmesi zor bir bulmacayla karşı karşıyayızdır: İçlerinden birileri yalan söylemektedir ancak kim ve neden? Film, 20. yy.'ın başlarında yaşamış yazar Ryunosuke Akutagawa'nın Ormanın Sıklığı isimli kitabının uyarlaması. Ancak, toplam süresi 60 dakikayı pek geçmeyine yazarın diğer kitabı Rashômon'dan alınan kestilerin eklenmesiyle film son halini almış. Japon sinemasının ustalarından Kurosawa'nın bu filmi pek ödüllendirilmemişse de oldukça başarılı. Rashômon insan psikolojisi üzerinde duran ve yalanın sınırlarını zorlayan bir Japon draması.
Neden izliyorsunuz?: Raşomon bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1950'te gösterime giren Raşomon, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Akira Kurosawa hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.0 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Raşomon için 8.0 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Raşomon'in yaptığı da tam olarak bu. Akira Kurosawa bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Raşomon'in uluslararası izleyici kitlesinden aldığı 8.0 puanı buradaki en önemli gerçektir. Kökleri bu kadar japanese kültürel bağlamına dayanan bir filmler, bu bağlamın dışındaki kişiler tarafından bu kadar yüksek puan almışsa, filmin niteliklerinin hissedilecek kültürel okuryazarlığa bağlı olmadığı anlamına gelir.
Raşomon'in görsel dili, 1950'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Akira Kurosawa, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Raşomon'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Raşomon'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Raşomon'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Raşomon'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Raşomon'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Akira Kurosawa'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Toshirō Mifune'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Raşomon, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Raşomon, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Akira Kurosawa'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Raşomon'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
KONOSUBA – God's blessing on this wonderful world! Legend of Crimson
After receiving a warning that Yunyun's hometown is in danger, Kazuma's party is relieved to discover it's only a joke...until it isn't. The Demon King's general has just arrived to obtain The Mage Killer, a weapon with world-ending power.
Neden izliyorsunuz?: KONOSUBA – God's blessing on this wonderful world! Legend of Crimson'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
KONOSUBA – God's blessing on this wonderful world! Legend of Crimson (2019), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Takaomi Kanasaki, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.0'teki KONOSUBA – God's blessing on this wonderful world! Legend of Crimson, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Karakter komedisi, yönetmenin ve oyuncu kadrosunun en komik anların abartıdan ziyade gerçeklerden geldiğini anlamasını gerektirir. Film işe yarıyor çünkü karakterlerin yaptıkları, kim olduklarına göre anlamlı. Takaomi Kanasaki'in KONOSUBA – God's blessing on this wonderful world! Legend of Crimson'teki seçimleri, kendi tarihi ve mantığı olan japanese filmler yapımı gelenekleri tarafından şekilleniyor. Bu gelenekler Hollywood modelinden farklı sonuçlar üretiyor. Farkı anlamak japanese sinemasının sunduğu şeylerin bir parçasıdır.
KONOSUBA – God's blessing on this wonderful world! Legend of Crimson'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Takaomi Kanasaki, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Jun Fukushima, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde KONOSUBA – God's blessing on this wonderful world! Legend of Crimson'te en çok görülür.
KONOSUBA – God's blessing on this wonderful world! Legend of Crimson, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. KONOSUBA – God's blessing on this wonderful world! Legend of Crimson'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. KONOSUBA – God's blessing on this wonderful world! Legend of Crimson'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. Takaomi Kanasaki'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
KONOSUBA – God's blessing on this wonderful world! Legend of Crimson bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Takaomi Kanasaki, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.0 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Takaomi Kanasaki'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle KONOSUBA – God's blessing on this wonderful world! Legend of Crimson'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Ran
Shakespeare’in Kral Lear’inde, 16. yy’ın yaşlı lordu Lear krallığını üç kızı arasında paylaştırmaya karar verir. Her biri ülkenin üç farklı yerindeki kalelerde yaşayarak sadakatlarini kanıtlayacaklardır. Büyük kızları menfaatleri için sahte bir samimiyet içine girerken, babasına duyduğu bağlılıkla en küçük kızı O’nun gerçekleri görmesi için uğraşır. Ran İngiliz edebiyatına ait bu eserinin Japon uyarlaması. Orjinalindeki kız çocuklar erkek olarak değiştirilmiş ve Kral Lear karakteri de Lord Hidetora Ichimonji olarak karşımıza çıkıyor.
Neden izliyorsunuz?: Ran, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Ran'in 1985 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Ran'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Ran'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.0 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Ran'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Ran bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Ran, japanese sinemasının herhangi bir ciddi açıklamasına aittir çünkü ulusal sinemanın en iyi şekilde neyi başardığını göstermektedir. Burada görülen spesifik kaygılar ve yaklaşımlar, japanese filmlerinin uluslararası bir izleyici kitlesine sahip olmasının nedenidir.
Ran'teki performanslar, Akira Kurosawa'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Tatsuya Nakadai, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Ran'te en zor anlar, Tatsuya Nakadai'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Ran, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Ran'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Akira Kurosawa ve Tatsuya Nakadai işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Ran'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Akira Kurosawa filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.0 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Ran tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Ugetsu
In 16th century Japan, peasants Genjuro and Tobei sell their earthenware pots to a group of soldiers in a nearby village, in defiance of a local sage's warning against seeking to profit from warfare. Genjuro's pursuit of both riches and the mysterious Lady Wakasa, as well as Tobei's desire to become a samurai, run the risk of destroying both themselves and their wives, Miyagi and Ohama.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Ugetsu, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Ugetsu (1953), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Ugetsu, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 8.0 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Ugetsu de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. japanese sineması olarak Ugetsu, ulusal sinemayı uluslararası benzerlerinden ayıran kendine özgü görsel ve anlatı duyarlılığını taşıyor. Hız, karakter ve hikaye yapısına yönelik yaklaşım, izleme deneyimini zenginleştiren kültürel bağlamı yansıtıyor.
Ugetsu'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Kenji Mizoguchi, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Ugetsu karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Ugetsu'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Ugetsu'i ilk kez izleyen izleyiciler, Kenji Mizoguchi'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Ugetsu'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Machiko Kyō, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1953 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Kenji Mizoguchi'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Ugetsu, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Kenji Mizoguchi'in Ugetsu'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Kimse Fark Etmiyor
Oğlu Akira'yla birlikte yeni bir eve taşınan Keiko'nun önemli bir sırrı vardır. Bu sır, Keiko'nun her biri başka bir adamdan olmak üzere üç çocuğu daha olduğudur. Bir sabah uyandıklarında annelerini geride bir mektup ve bir zarf dolusu para bırakarak gitmiş bulan çocuklar, yalnız başlarına yaşamanın yollarını bulmaya çalışırlar.
Neden izliyorsunuz?: Kimse Fark Etmiyor bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2004'te vizyona giren Kimse Fark Etmiyor, sinemadaki bir geçiş döneminden geliyor; akışın dağıtımı değiştirmesinden önce, ancak dijital araçlar prodüksiyonu değiştirdikten sonra. Kimse Fark Etmiyor'te görünen işçilik, tiyatro dönemi standartlarını yansıtıyor. Kimse Fark Etmiyor'in 8.0 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Hirokazu Kore-eda, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Kimse Fark Etmiyor, japanese sinemasının farklı bir şekilde yaptığı şeyin temsilcisidir. Bu filmde yer alan hikaye anlatımı varsayımları, Batı sinemasından, onları fark etmeye başladığınızda fark edebileceğiniz açılardan farklılık gösteriyor. Bu fark özellikle japanese filmlerini izlemenin değeridir.
Kimse Fark Etmiyor'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Hirokazu Kore-eda, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Kimse Fark Etmiyor'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Yuya Yagira, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Kimse Fark Etmiyor, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Hirokazu Kore-eda kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.0 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Kimse Fark Etmiyor ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Kimse Fark Etmiyor'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Kimse Fark Etmiyor, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Yuya Yagira'in performansının ve Hirokazu Kore-eda'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Saklı Kale
Feodal Japonya'da, klanlar arasındaki kanlı bir savaş sırasında, yenilmiş bir ordunun askerleri olan iki korkak ve açgözlü köylü, onları dağlarda saklı bir kaleye götüren gizemli bir adama rastlar.
Neden izliyorsunuz?: Saklı Kale'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Saklı Kale, 1958'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Saklı Kale'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.0'te Saklı Kale, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Saklı Kale herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Saklı Kale'in neden en iyi japanese filmleri listesinde yer aldığını anlamak, ulusal sinemanın değerlerine dikkat etmeyi gerektiriyor. Akira Kurosawa, bu sayfadaki diğer japanese filmleriyle karşılaştırıldığında en görünür şekilde bu değerlerin içinde ve karşısında çalışır.
Saklı Kale'in görsel dili, 1958'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Akira Kurosawa, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Saklı Kale'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Saklı Kale'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Saklı Kale, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Saklı Kale'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Akira Kurosawa ve Toshirō Mifune işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Saklı Kale'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.0 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Saklı Kale'e yüksek puan verme kararları, Akira Kurosawa'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Saklı Kale genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Yağmurda Seninle
Lise öğrencisi Hodaka Morishima, izole bir adada bulunan evini terk edip Tokyo'ya yerleşir ama çok geçmeden buna pişman olur. Günlerini herkesten soyutlanarak geçiren Hodaka, nihayet gizemli bir dergide yazarlık yapmaya başlar. İşine başladıktan sonra, hava günden güne giderek daha yağışlı bir hal alır. Kalabalık ve yoğun şehrin bir köşesinde, Hodaka, küçük kardeşi ile birlikte yaşayan, ancak neşeli ve azimli bir yaşam süren Hina Amano adında genç bir kadınla tanışır. Hina'nın bir yeteneği bulunmaktadır: Yağmuru durdurma ve gökyüzünü temizleme gücü.
Neden izliyorsunuz?: Yağmurda Seninle, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2019'te, Makoto Shinkai, Yağmurda Seninle'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Yağmurda Seninle'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.0'teki Yağmurda Seninle, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Makoto Shinkai, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Yağmurda Seninle, japanese sinemasının uluslararası öneme sahip işler ürettiği iddiasına katkıda bulunuyor. Küresel izleyiciden alınan 8.0 derecelendirmesi, filmin niteliklerinin kültüre özgü olmadığını, tercüme edildiğini doğruluyor.
Yağmurda Seninle'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Makoto Shinkai, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Kotaro Daigo, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Yağmurda Seninle'te en çok görülür.
Yağmurda Seninle'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Yağmurda Seninle'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Yağmurda Seninle'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Makoto Shinkai'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Kotaro Daigo'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Yağmurda Seninle, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Yağmurda Seninle, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Makoto Shinkai'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Yağmurda Seninle'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Gökteki Kale
Özel olarak görevlendirilmiş bir devlet kuruluşu tarafından hava gemisinde esir tutulan kız Sheeta, geminin korsanlar tarafından saldırıya uğradığı anda bir fırsatını bulup kaçmaya kalkar ama gemiden aşağıya düşer. Bulutlar arasında hızla düşerken, bilincini kaybeden Sheeta'nın boynundaki mavi taşlı kristal bir kolye ansızın çevreye ışık saçar ve Sheeta bu mavi taş sayesinde yavaşça yere doğru inmeye başlar. Maden kasabasında işçi olarak çalışan Pazu adlı bir çocuk, gökyüzünden iniş yapan Sheeta'yı tesadüfen görerek kurtarır ve kendi evinde saklar… İki çocuk bundan sonra, gökte uçan "Laputa" adlı efsanevi son kaleyi bulmak ve kötülerin oyununu bozmak zorundadırlar.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Gökteki Kale, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Gökteki Kale (1986), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Gökteki Kale, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.0 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Gökteki Kale, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Film, animasyonun, canlı aksiyonun ulaşamayacağı duygusal seviyelere ulaşmak için bir araç olduğunu gösteriyor. Yönetmen, animasyon biçimine özgü anlar yaratmak için ortamın biçimsel olanaklarını kullanıyor. japanese sinemasının hikaye yapısı, karakter içselliği ve görsel dil ile belirgin bir ilişkisi var. Gökteki Kale bu ayrımları açıkça göstermektedir. japanese sinemasına yeni başlayan izleyiciler bu filmi faydalı bir yönlendirme noktası olarak görecektir.
Gökteki Kale'teki performanslar, Hayao Miyazaki'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Keiko Yokozawa, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Gökteki Kale'te en zor anlar, Keiko Yokozawa'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Gökteki Kale, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Gökteki Kale'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Hayao Miyazaki ve Keiko Yokozawa işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Gökteki Kale bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Hayao Miyazaki, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.0 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Hayao Miyazaki'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Gökteki Kale'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Sanjuro
Belediyenin en yüksek mevkisinde bulunan valimsi bir adamın kaçırılacağını ortada komplolardan bahseden 9 samurayı dinleyen bir yabancının devreye girmesiyle başlar. Lakin bu valinin yeğeni olan iori yanındaki 8 samuray ile amcasını kurtarmaya çalışır ve sonradan kendilerine yardımcı olacak Sanjuro'ya rastlarlar. Yorgun samuray Sanjuro, amcası kaçırılan bir genç ile ona amcasını kurtarmakta yardım etmeye kararlı ancak tecrübesiz arkadaşlarına öğretmenlik yapar. Gençler başta Sanjuro'ya güvenmeseler de ondan başka çareleri olmadığının farkındadırlar. Zamanla Sanjuro liderlik ve dövüş yetenekleri ile her bir gencin birer samuray olmasına katkıda bulunur.
Neden izliyorsunuz?: Sanjuro bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1962'te gösterime giren Sanjuro, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Akira Kurosawa hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.0 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Sanjuro için 8.0 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Sanjuro'in yaptığı da tam olarak bu. Akira Kurosawa bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Sanjuro'in uluslararası izleyici kitlesinden aldığı 8.0 puanı buradaki en önemli gerçektir. Kökleri bu kadar japanese kültürel bağlamına dayanan bir filmler, bu bağlamın dışındaki kişiler tarafından bu kadar yüksek puan almışsa, filmin niteliklerinin hissedilecek kültürel okuryazarlığa bağlı olmadığı anlamına gelir.
Sanjuro'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Akira Kurosawa, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Sanjuro karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Sanjuro'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Sanjuro, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Sanjuro'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Akira Kurosawa özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Sanjuro ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 8.0 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Sanjuro'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Akira Kurosawa filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.0 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Sanjuro tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Rüzgârlı Vadi
Dünya "Ateşin Yedi Günü" isimli yıkıcı bir savaşın ardından yaşanmaz bir yerleşim yerine dönüşmüştür. Savaş sonrası ortaya çıkan zehirli bir gaz sebebiyle tüm doğal yaşam sona ermiş, insanoğlu da yok olma tehlikesiyle karşı karşıya kalmıştır. Çok az sayıdaki insan kolonileri bu gazdan arındırılan irili ufaklı adalarda yaşamaktadır. Prenses Naushika'nın halkı da bu insan topluluklarından biridir. Prenses Naushika, zehirli gaz ormanlarındaki canlılardan olan 'Ohmu'larla konuşup anlaşabilme yeteneğine sahiptir. O, bu zehirli gaz dolu ormanlara ve burada yaşayan Ohmu'lara karşı halen daha umutludur ve bir kurtuluş yolu bulabileceği inancını taşır.
Neden izliyorsunuz?: Rüzgârlı Vadi'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Rüzgârlı Vadi, 1984'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Rüzgârlı Vadi'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.0'teki Rüzgârlı Vadi, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Yönetmen filme, animasyonun gerektirdiği türden bilinçli bir zanaatla yatırım yapıyor. Her kare hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair niyeti yansıtıyor; bu da filmin sadece anlatıdan ziyade bireysel anlar düzeyinde çalıştığı anlamına geliyor. Hayao Miyazaki'in Rüzgârlı Vadi'teki seçimleri, kendi tarihi ve mantığı olan japanese filmler yapımı gelenekleri tarafından şekilleniyor. Bu gelenekler Hollywood modelinden farklı sonuçlar üretiyor. Farkı anlamak japanese sinemasının sunduğu şeylerin bir parçasıdır.
Rüzgârlı Vadi'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Hayao Miyazaki, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Rüzgârlı Vadi'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Sumi Shimamoto, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Rüzgârlı Vadi'i ilk kez izleyen izleyiciler, Hayao Miyazaki'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Rüzgârlı Vadi'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Sumi Shimamoto, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1984 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Hayao Miyazaki'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Rüzgârlı Vadi, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Hayao Miyazaki'in Rüzgârlı Vadi'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Harika filmler izlemek dünyaya bakışınızı değiştirir. Bu yüzden onları dikkatle seçiyoruz.
Yüreğinin Sesi
Shizuku Tsukishima, okumayı çok seven bir ortaokul öğrencisidir. Kütüphaneden aldığı her kitapta, içinden çıkan kartta aynı isim yazmaktadır: "Seiji Amasawa". Shizuku, bu kişi hakkında araştırdıkça kendisi ve hayatı hakkında da çok şey öğrenecektir, bu sırada verdiği kararlar hayatına yön verecek kararlardır.
Neden izliyorsunuz?: Yoshifumi Kondo, Yüreğinin Sesi'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Yüreğinin Sesi'in 1995 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Yüreğinin Sesi'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Yüreğinin Sesi'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.9 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Yüreğinin Sesi'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Yüreğinin Sesi bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Yüreğinin Sesi, japanese sinemasının herhangi bir ciddi açıklamasına aittir çünkü ulusal sinemanın en iyi şekilde neyi başardığını göstermektedir. Burada görülen spesifik kaygılar ve yaklaşımlar, japanese filmlerinin uluslararası bir izleyici kitlesine sahip olmasının nedenidir.
Yüreğinin Sesi'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Yoshifumi Kondo, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. Yüreğinin Sesi'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Yoko Honna, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
Yüreğinin Sesi'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Yoshifumi Kondo'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Yüreğinin Sesi, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Yoko Honna'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Yüreğinin Sesi, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Yoko Honna'in performansının ve Yoshifumi Kondo'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Aşka Maruz a.k.a. Love Exposure
Yu Tsunoda ve Yoko pek de alışılmadık koşullar altında karşılaşır. Sonra Yu arkadaşı ile girdiği iddiayı kaybeder o kadın elbisesi giyip şehre gitmeyi ve gördüğü ilk kadını öpmeyi kabul eder. Yu onlarla şehre gider ve arkadaşları ile bir haydut grubu tarafından çevrildiklerinde Yokoadında genç bir kız ile karşılaşırlar. Yoko haydut çetesini döver ve kadın kılığındaki Yu'ya yardım eder. Sonra Yu Yoko'yu öper ve kaçar. Yu ilk defa bir kıza aşık olur ama Yoko sadece Bayan Akrep diye bildiği kadın elbisesi içindeki kadına aşık olmuştur. Bu arada Yu, "Zero Church" denilen tarikat grubunun üyesi Aya Koike tarafından takip edilmektedir. Aya Koike Yu'nun "Zero Church" ailesine girmesi için bir plan hazırlar ama önce Bayan Akrep kılığına girip Yoko'dan tekrar yardım isteyecektir.
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. Sion Sono, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Aşka Maruz a.k.a. Love Exposure, tiyatro sinemasının ilgi çekmek için ilk internet ve DVD ile rekabet ettiği 2008'te yapıldı. Sion Sono o zaman da ilgiyi çeken bir şey yaptı ve şimdi de tutuyor. 7.9 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Aşka Maruz a.k.a. Love Exposure de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. japanese sineması olarak Aşka Maruz a.k.a. Love Exposure, ulusal sinemayı uluslararası benzerlerinden ayıran kendine özgü görsel ve anlatı duyarlılığını taşıyor. Hız, karakter ve hikaye yapısına yönelik yaklaşım, izleme deneyimini zenginleştiren kültürel bağlamı yansıtıyor.
Aşka Maruz a.k.a. Love Exposure'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Sion Sono, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Takahiro Nishijima, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Aşka Maruz a.k.a. Love Exposure'te en çok görülür.
Aşka Maruz a.k.a. Love Exposure, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Aşka Maruz a.k.a. Love Exposure'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Sion Sono ve Takahiro Nishijima işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Aşka Maruz a.k.a. Love Exposure'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.9 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Aşka Maruz a.k.a. Love Exposure'e yüksek puan verme kararları, Sion Sono'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Aşka Maruz a.k.a. Love Exposure genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Akira
Yıl 2019. 3. Dünya Savaşı'ndan 31 yıl sonra. Yıkılan Tokyo yerine yapılan Neo-Tokyo'da kaos hüküm sürmektedir. Polis ve hükümet güçleri yeraltı örgütlerine karşı mücadele etmektedirler. Kaneda ve motosiklet çetesi, otoriteyi hiçe sayarak bildikleri gibi yaşamakta ve zamanalarını serserilik etmekle geçirmektedirler. Birgün çete üyesi Tetsuo, küçük bir çocuğun da bulunduğu bir kazaya karışır ve ağır yaralanır. Olay yerine gelen askeri birlikler Tetsuo'yu da alarak ayrılırlar ve üzerinde bir takım deneyler yaparlar. 3. Dünya Savaşı'na yol açan ve Tokyo'nun yıkılmasına sebep olan Akira Fenomeni nedir? Tetsuo'yu ne bekliyor? Kei ve örgütü neyin peşinde? Gizemler birbiri üzerine gelecek ve cevapları bu görsel şölende kendini gösterecek.
Neden izliyorsunuz?: Akira, aksiyon sinemasının temel sorununu çözüyor: aksiyonu size göstermeden önce ilgilenmenizi sağlamak. Sekanslar iniş yapıyor çünkü önceki sahneler neden önemli olduklarını ortaya koyuyor.
1988'te gösterime giren Akira, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Katsuhiro Otomo hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.9 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Akira'in 7.9 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Katsuhiro Otomo, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Aksiyon sineması, mekansal mantık çöktüğünde ve sekanslar soyut bir gösteriye dönüştüğünde başarısız olur. Bu filmler bu başarısızlığı önlüyor. Yönetmen storyboard'ları sadece etki için değil, anlaşılması için de hazırlıyor. Seyirci her anın risklerini her zaman anlar. Akira, japanese sinemasının farklı bir şekilde yaptığı şeyin temsilcisidir. Bu filmde yer alan hikaye anlatımı varsayımları, Batı sinemasından, onları fark etmeye başladığınızda fark edebileceğiniz açılardan farklılık gösteriyor. Bu fark özellikle japanese filmlerini izlemenin değeridir.
Akira'teki performanslar, Katsuhiro Otomo'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Mitsuo Iwata, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Akira'te en zor anlar, Mitsuo Iwata'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Akira'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Akira'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Akira'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Katsuhiro Otomo'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Mitsuo Iwata'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Akira, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Akira, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Katsuhiro Otomo'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Akira'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Marnie Oradayken
Yazın şehirdeki bir yetimhaneden Hokkaido’da deniz kenarındaki ıssız bir köye gönderilen Anna, günlerini bataklığın içinde geçirmeyi hayal eder. İnsanların çoğunu içine alan sihirli çemberin dışında olduğuna inandığından etrafındakilerle mümkün olduğu kadar az iletişim kurup “sıradan yüzü”nü gösterir. Anna, kendisini olduğu gibi kabul edecek biriyle karşılaşamayacağını düşünür ama bu köyde tanıştığı Marnie, onu haksız çıkartır. Kısa sürede kaynaşıp çok iyi arkadaş olurlar ancak Anna, arkadaşlığın sıcaklığını tattığı kadar yeni arkadaşının geçmişini de merak etmeye başlar…
Neden izliyorsunuz?: Marnie Oradayken'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Hiromasa Yonebayashi'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
Marnie Oradayken (2014), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Hiromasa Yonebayashi, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 7.9'te Marnie Oradayken, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Marnie Oradayken herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Marnie Oradayken'in neden en iyi japanese filmleri listesinde yer aldığını anlamak, ulusal sinemanın değerlerine dikkat etmeyi gerektiriyor. Hiromasa Yonebayashi, bu sayfadaki diğer japanese filmleriyle karşılaştırıldığında en görünür şekilde bu değerlerin içinde ve karşısında çalışır.
Marnie Oradayken'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Hiromasa Yonebayashi, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Marnie Oradayken karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Marnie Oradayken'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Marnie Oradayken, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Hiromasa Yonebayashi, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Marnie Oradayken'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 7.9 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Sara Takatsuki - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Marnie Oradayken bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Hiromasa Yonebayashi, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.9 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Hiromasa Yonebayashi'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Marnie Oradayken'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Tokyo Tanrıları
Tokyo sokaklarında yaşamakta olan üç evsiz bir Noel Arifesi’nde çöplerin içinde bir bebek bulurlar. Hep anne olma hayali kurmuş olan Hana, bebeği o gecelik yanlarında tutmak için diğer ikisini ikna eder. Sonraki gün bebeğin annesini bulmak için Tokyo’nun köhne sokaklarından ışıklı caddelerle dolu zengin semtlerine doğru yola çıkarlar. Bu yolculuksa hayatlarının macerası olur; çünkü üçlü kendi geçmişleriyle de yüzleşmek zorunda kalacaklardır. Perfect Blue’nun yaratıcısı Satoshi Kon’un diğer filmlerine göre daha kolay izlenebilir bir hikaye sunduğu Tokyo Godfathers, hem komik hem hüzünlü hikayesiyle yönetmenin en başarılı çalışmalarından biri.
Neden izliyorsunuz?: Satoshi Kon, Tokyo Tanrıları'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Tokyo Tanrıları için 2003 bağlamı önemlidir. Bu, orijinal fikirlere sahip orta bütçeli filmlerin hala sinemalarda gösterime girdiği bir dönemdi; Tokyo Tanrıları'in temsil ettiği türden bir filmler. Satoshi Kon, bu alanı mevcut pazarın yeşil ışık yakmaya çalışacağı bir şey yapmak için kullandı. 7.9'teki Tokyo Tanrıları, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Satoshi Kon, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Tokyo Tanrıları, japanese sinemasının uluslararası öneme sahip işler ürettiği iddiasına katkıda bulunuyor. Küresel izleyiciden alınan 7.9 derecelendirmesi, filmin niteliklerinin kültüre özgü olmadığını, tercüme edildiğini doğruluyor.
Tokyo Tanrıları'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Satoshi Kon, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Tokyo Tanrıları'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Aya Okamoto, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Tokyo Tanrıları, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Tokyo Tanrıları'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Satoshi Kon özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Tokyo Tanrıları ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 7.9 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Tokyo Tanrıları'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Satoshi Kon filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.9 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Tokyo Tanrıları tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Kabuktaki Hayalet
Yıl 2029. Dünya, Net sayesinde sınırsız hale geldi ve insanlar artık sanal dünyada yaşamaya başladılar. Düzen, süper güçlü ve istedikleri yere download olabilen polisler tarafından sağlanıyor. Japonya'da, Dışişleri Bakanlığı tarafından yaratılmış ve net ortamında istediği gibi hareket edebilen Project 2501 kod adlı bir süper ajan, bilgi denizinde kazandığı bilinçle kendisine bir beden arayışına başlar. The Puppet Master (Kuklacı) olarak kendisini tanıtan ajan, onun varlığından habersiz hükümet istihbarat birimleri tarafından bir güvenlik tehditi olarak görülür ve yakalanması için peşine iki ajan takılır. Yarı sibernetik yarı insan olan iki ajandan son derece iyi eğitimli kadın ajan Albay Motoko Kusanagi, Kuklacı'ya ulaşınca onunla aynı bedende buluşmak isteyecektir.
Neden izliyorsunuz?: Coğrafyanın netliğiyle hazırlanmış aksiyon. Mamoru Oshii, en iyi dizilerin işe yaradığını biliyor çünkü her zaman herkesin nerede olduğunu biliyorsunuz.
Kabuktaki Hayalet (1995), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Kabuktaki Hayalet, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.9 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Kabuktaki Hayalet, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen aksiyon sinemasının temel sorununu çözüyor: Aksiyonu size göstermeden önce sonucu önemsemenizi sağlıyor. Sıralamalar işe yarıyor çünkü coğrafi netlik, kimin nerede olduğunu ve başarının neleri gerektirdiğini her zaman bilmeniz anlamına geliyor. japanese sinemasının hikaye yapısı, karakter içselliği ve görsel dil ile belirgin bir ilişkisi var. Kabuktaki Hayalet bu ayrımları açıkça göstermektedir. japanese sinemasına yeni başlayan izleyiciler bu filmi faydalı bir yönlendirme noktası olarak görecektir.
Kabuktaki Hayalet'teki sinematografi, filmler teknolojisinde dijital araçların mevcut olduğu ancak filmler yapımcılarının hâlâ bunları kullanıp kullanmamayı tartıştığı bir geçiş dönemini yansıtıyor. Mamoru Oshii, görsel stil konusunda varsayılan yerine kasıtlı seçimler yaptı. Kabuktaki Hayalet'in aydınlatılma, çerçevelenme ve kesilme biçimi endüstri geleneğinden ziyade belirli bir görsel zekayı yansıtıyor. Atsuko Tanaka, filmi yalnızca ne yaptıklarından ziyade çerçeveye nasıl yerleştirildiklerine dikkat ederek izlediğinizde en görünür şekilde bu görsel çerçeve içerisinde çalışır.
Kabuktaki Hayalet'i ilk kez izleyen izleyiciler, Mamoru Oshii'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Kabuktaki Hayalet'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Atsuko Tanaka, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1995 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Mamoru Oshii'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Kabuktaki Hayalet, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Mamoru Oshii'in Kabuktaki Hayalet'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Dragon Ball Super: Broly
Dünya, Güç Turnuvası'nın ardından barışçıldır. Evrenlerin hala daha çok güçlü insanı görmeye devam ettiklerini fark eden Goku, tüm günlerini antrenmanlarını daha da yükseğe çıkarmak için harcıyor. Sonra bir gün, Goku ve Vegeta, daha önce hiç görmedikleri bir “Salak” adlı Saiyan ile karşı karşıya. Şeytanlar Gezegen Vegeta'nın yok edilmesinde neredeyse tamamen silinmiş olmalıydı, bu yüzden bu dünyada ne yapıyor? Tamamen farklı kaderleri takip eden üç Saiyalı arasındaki bu karşılaşma, fena halde yakalanan Frieza (Cehennemden gelen) ile muazzam bir savaşa dönüşür.
Neden izliyorsunuz?: Dragon Ball Super: Broly, aksiyon sinemasının temel sorununu çözüyor: aksiyonu size göstermeden önce ilgilenmenizi sağlamak. Sekanslar iniş yapıyor çünkü önceki sahneler neden önemli olduklarını ortaya koyuyor.
2018'te üretilen Dragon Ball Super: Broly, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 7.9 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Dragon Ball Super: Broly için 7.9 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Dragon Ball Super: Broly'in yaptığı da tam olarak bu. Tatsuya Nagamine bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Aksiyon sineması, mekansal mantık çöktüğünde ve sekanslar soyut bir gösteriye dönüştüğünde başarısız olur. Bu filmler bu başarısızlığı önlüyor. Yönetmen storyboard'ları sadece etki için değil, anlaşılması için de hazırlıyor. Seyirci her anın risklerini her zaman anlar. Dragon Ball Super: Broly'in uluslararası izleyici kitlesinden aldığı 7.9 puanı buradaki en önemli gerçektir. Kökleri bu kadar japanese kültürel bağlamına dayanan bir filmler, bu bağlamın dışındaki kişiler tarafından bu kadar yüksek puan almışsa, filmin niteliklerinin hissedilecek kültürel okuryazarlığa bağlı olmadığı anlamına gelir.
Dragon Ball Super: Broly'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Tatsuya Nagamine, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Masako Nozawa, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Dragon Ball Super: Broly'te en çok görülür.
Dragon Ball Super: Broly, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Tatsuya Nagamine kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 7.9 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Dragon Ball Super: Broly ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Dragon Ball Super: Broly'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Dragon Ball Super: Broly, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Masako Nozawa'in performansının ve Tatsuya Nagamine'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Kanlı Taht
Shakespeare'in Macbeth'inin ortaçağ Japonya'sına uyarlaması olan film, imparatorluk-derebeylik içindeki hırs mücadelesini işliyor. Lord Washizu ve Lord Miki, büyük bir askeri zaferin ardından Cobweb ormanında kaybolurlar. Burada Washizu'nun geleceğinde görkemli şeyler gören, Miki'nin soyundan gelecekler için daha da görkemli şeyler tahmin eden gizemli bir yaşlı kadınla karşılaşırlar. Hırslı eşinin de kışkırtmasıyla Washizu İmparator'u öldürmek pahasına da olsa bu kehanetin daha da fazlasını gerçekleştirmek için planlar yapmaya girişir.
Neden izliyorsunuz?: Kanlı Taht'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Akira Kurosawa'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
Kanlı Taht, 1957'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Kanlı Taht'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.9'teki Kanlı Taht, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Akira Kurosawa'in Kanlı Taht'teki seçimleri, kendi tarihi ve mantığı olan japanese filmler yapımı gelenekleri tarafından şekilleniyor. Bu gelenekler Hollywood modelinden farklı sonuçlar üretiyor. Farkı anlamak japanese sinemasının sunduğu şeylerin bir parçasıdır.
Kanlı Taht'teki performanslar, Akira Kurosawa'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Toshirō Mifune, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Kanlı Taht'te en zor anlar, Toshirō Mifune'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Kanlı Taht, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Kanlı Taht'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Akira Kurosawa ve Toshirō Mifune işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Kanlı Taht'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.9 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Kanlı Taht'e yüksek puan verme kararları, Akira Kurosawa'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Kanlı Taht genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Dünyanın Bu Köşesinde
Suzu, Hiroshima dışında yaşayan bir aileye gelin gider ve yeni hayatına hızla uyum sağlar. Ta ki hayatta kalma becerisini zorlayan İkinci Dünya Savaşı başlayana kadar.
Neden izliyorsunuz?: Sunao Katabuchi, Dünyanın Bu Köşesinde'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
2016'te, Sunao Katabuchi, Dünyanın Bu Köşesinde'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Dünyanın Bu Köşesinde'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 7.9 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Dünyanın Bu Köşesinde'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Dünyanın Bu Köşesinde bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Dünyanın Bu Köşesinde, japanese sinemasının herhangi bir ciddi açıklamasına aittir çünkü ulusal sinemanın en iyi şekilde neyi başardığını göstermektedir. Burada görülen spesifik kaygılar ve yaklaşımlar, japanese filmlerinin uluslararası bir izleyici kitlesine sahip olmasının nedenidir.
Dünyanın Bu Köşesinde'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Sunao Katabuchi, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Dünyanın Bu Köşesinde karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Dünyanın Bu Köşesinde'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Dünyanın Bu Köşesinde'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Dünyanın Bu Köşesinde'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Dünyanın Bu Köşesinde'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Sunao Katabuchi'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Non'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Dünyanın Bu Köşesinde, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Dünyanın Bu Köşesinde, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Sunao Katabuchi'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Dünyanın Bu Köşesinde'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Canavar
Sıra dışı aileleri filmlerine konu eden Japon usta Kore-eda, bu kez bir kasaba okulunda çıkan olayları, kendi deyimiyle "devasa bir uçurum yaratarak toplumu bölen küçük kıvılcımları" anlatıyor. Oğlu Minato'nun davranışlarından şüphelenen annesi, bu değişimden çocuğun öğretmeninin sorumlu olduğunu öğrenir ve hemen okul yönetiminden hesap sorar. Anne, çocuk ve öğretmenin gözünden hikâyeyi ayrı ayrı izlediğimiz filmin Cannes'da ödül kazanan senaryosunu Yuji Sakamoto yazdı. Kore-eda, filmdeki uçurum "dünya çapında insanlar, ülkeler ve etnik gruplar arasındaki ayrımı yansıtıyor" diyor.
Neden izliyorsunuz?: Gerilimi hassasiyetle inşa eden bir gerilim filmi. Hirokazu Kore-eda, üretilmiş şoklar yerine mantık yoluyla ivme kazanıyor.
Canavar, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Hirokazu Kore-eda gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. 7.9 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Canavar de bir istisna değildir. Yönetmen filmi bilgi asimetrisi etrafında inşa ediyor: Seyirci karakterlerden daha fazlasını veya daha azını biliyor ve filmler her iki durumu da hassasiyetle yönetiyor. Oyuncu kadrosu gerilimi yoğunluktan ziyade kısıtlama yoluyla iletiyor. japanese sineması olarak Canavar, ulusal sinemayı uluslararası benzerlerinden ayıran kendine özgü görsel ve anlatı duyarlılığını taşıyor. Hız, karakter ve hikaye yapısına yönelik yaklaşım, izleme deneyimini zenginleştiren kültürel bağlamı yansıtıyor.
Canavar'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Hirokazu Kore-eda, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Canavar'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Sakura Ando, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Canavar, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Hirokazu Kore-eda, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Canavar'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 7.9 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Sakura Ando - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Canavar bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Hirokazu Kore-eda, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.9 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Hirokazu Kore-eda'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Canavar'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Bu Japanese Filmlerini Nasıl Sıraladık?
Bu sayfadaki her film, Film Veritabanı API'sinden alınan veriler kullanılarak seçilmiştir ve kalite tutarlılığını sağlamak amacıyla minimum oy eşiklerine göre filtrelenmiştir. Süreç, bu kategorideki tüm filmlerin oy ortalamasına göre azalan sırada sıralanmasıyla başlar, ardından gereken sayıdan daha az oy alan filmleri hariç tutacak şekilde filtrelenir.
Bu daha büyük listedeki her girişin doğruluğu manuel olarak doğrulandı. Yüksek derecelendirme, otomatik olarak izlenebilirlik anlamına gelmez. Son haberler nedeniyle trend olan bir film, gerçekten iyi olduğu için trend olan bir filmle aynı değildir. Her girişteki editoryal analiz, kültürel gürültüden ziyade gerçek film kalitesini yansıtıyor.
Seçim, erişilebilirlik ve derinlik arasında bir denge sağlar. Buradaki filmler, çağdaş gösterimlerden yeniden keşfedilmeyi hak eden katalog başlıklarına kadar çeşitlilik göstermektedir. Hepsi ustalık ve niyetle yapıldı. Tüm ödül görüntüleme.
Türe Göre En İyi Japanese Filmleri
Bu sayfadaki 50 filmleri birden fazla türü ve alt türü kapsar. Tür bir filtre olarak kullanışlıdır ancak kesin bir kategori olarak kullanışlı değildir. Drama etiketli bir film, Gerilim etiketli bir film kadar merak uyandırıcı olabilir. Aksiyon etiketli bir film, Drama etiketli bir film kadar duygusal açıdan zeki olabilir. Türü resmin tamamı olarak değil, başlangıç noktası olarak kullanın.
Her filmdeki tür etiketleri, filmin kategorik olarak nerede bulunduğunu gösterir. Japanese'te en çok ilginizi çeken türleri bulmak için filtreleri kullanın.
Derecelendirmeye Göre En İyi Japanese Filmleri
Bu sayfadaki filmler üç derecelendirme aşamasına ayrılmıştır. 8,5'in üzerindeki filmler her açıdan olağanüstüdür ve bu kategorideki en iyi sinemayı temsil eder. 7,5'ten 8,4'e kadar olan filmler tutarlı bir işçilik gösterir ve güvenilir bir şekilde güçlüdür. 7.0'dan 7.4'e kadar olan filmler, biraz daha geniş bir kalite aralığını temsil etseler de hala mükemmel ve izlenmeye değerdir.
TMDB'de 8,0 puan, istatistiksel olarak güvenilir olması için yeterince geniş bir seçmen tabanını gerektirir. Zaman içinde test edilen gerçek izleyici beğenisini yansıtır.
Runtime'a göre En İyi Japanese Filmleri
Çalışma zamanı, ne izleneceğini seçerken en kullanışlı ve en az kullanılan filtrelerden biridir. 90 dakikanın altındaki filmler, kusursuz deneyimler sunar. 90 ila 120 dakika arasındaki filmler çoğu izleme durumu için en uygun uzunluktur. 120 dakikanın üzerindeki filmler bağlılık gerektirir ancak ödüllendirir.
Beklenenden çok daha uzun süren bir şeye gece geç saatlerde başlamak yerine, doğru filmi bulmak için mevcut zamanınızı kullanın.
Bulunmaya Değer Gizli Mücevherler
Her Japanese seçkisi, en üst görünürlük sıralamasının altında yer alan ancak olağanüstü bir şey sunan filmleri içerir. Bunlar, franchise'ın tanınmaması veya yakın zamanda basında yer almaması nedeniyle algoritmanın hafife aldığı filmlerdir. Belirsiz oldukları için gizli değiller. Platformlar en gürültülü seçenekleri ilk önce ortaya çıkardığı için gizlenirler.
Explore Other National Cinemas
Japanese cinema is part of a global conversation. Below are other national cinemas worth discovering alongside Japanese movies.
Sıkça Sorulan Sorular
En iyi Japanese filmleri nelerdir?
En iyi puan alan Japanese filmlerinin tümü bu sayfada listelenir ve sıralanır. Filmler, güvenilirliği sağlamak için minimum oy eşiğiyle Film Veritabanındaki kritik derecelendirmeye göre sıralanır.
Neden Japanese sinemasını izlemeliyim?
Japanese sineması hikaye anlatıcılığına Hollywood'dan farklı yaklaşıyor. Bu sayfadaki filmler ulusal sinemanın farklı yaptıklarını ve onu keşfedilmeye değer kılan şeyleri temsil ediyor.
En yüksek puan alan Japanese filmi hangisi?
Bu listedeki en yüksek puan alan Japanese filmi sayfanın üst kısmında gösterilir. Bu derecelendirme, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar geniş bir kitlenin sürekli takdirini yansıtır.
Japanese filmlerini anlamak zor mu?
Hayır. Bu sayfadaki filmler entelektüel açıdan zorlayıcı oldukları için değil, film olarak işe yaradıkları için seçilmiştir. 8.0 ve üzeri puan alan herhangi bir şeyle başlayın ve erişilebilir sinemayı bulacaksınız.
Japanese filmlerini izlemek için altyazıları okumam gerekiyor mu?
Evet, Japanese konuşmadığınız sürece. Bu sayfadaki filmlerin çoğu Japanese dilinde olup İngilizce altyazılıdır. Altyazılar birkaç dakika izledikten sonra görünmez oluyor.
Japanese sinemasını farklı kılan nedir?
Bu sayfadaki filmlere baktığınızda Japanese sinemasını Amerikan sinemasından ayıran görsel dili, tempoyu ve karakter yaklaşımını göreceksiniz. Ayırt edici özelliği, izlemeye değer olmasının bir parçasıdır.
Bilmem gereken küçümsenen Japanese filmleri var mı?
Bu sayfadaki Gizli Mücevher bölümü, 6,5 ile 7,4 arasında puan alan Japanese filmlerini tanımlar. Bu filmler mevcut görünürlüklerinin sağladığından daha fazla ilgiyi hak ediyor.
Herkes en az bir kez hangi Japanese filmlerini izlemeli?
Bu sayfadan 8,5 ve üzeri puan alan filmlerle başlayın. Bunlar, Japanese sinemasının en iyi şekilde neler yapabileceğine dair en güçlü fikir birliğini temsil ediyor.
Japanese sineması Amerikan sinemasıyla nasıl karşılaştırılır?
Hikaye anlatıcılığına farklı yaklaşıyorlar. Amerikan sineması genellikle aksiyon ve olay örgüsüne öncelik verir. Japanese sineması genellikle karaktere ve görsel dile öncelik verir. Her ikisi de geçerli yaklaşımlardır ve her ikisi de harika filmler üretir.
Japanese filmleri yalnızca yabancı filmlerden hoşlananlar için mi?
Hayır. Bu sayfadaki filmler iyi film yapımını takdir eden herkesin işine yarar. En yüksek puan alan filmlerle başlayın; zanaat ve niyetle anlatılan evrensel insan hikayelerini bulacaksınız.
Japanese filmlerini nerede izleyebilirim?
Mevcut kullanılabilirlik için JustWatch'u kontrol edin. Japanese filmleri çoğu büyük yayın platformunda mevcuttur, ancak kullanılabilirlik düzenli olarak değişmektedir.
Son zamanların en iyi Japanese filmleri hangileri?
Bu sayfadaki son 5 ila 10 yıla ait filmler, çağdaş Japanese sinemasının neye benzediğini gösteriyor. Bunlar ulusal sinemadaki en son düşünceyi temsil ediyor.
Japanese filmlerini belirli bir sırayla mı izlemeliyim?
Hayır. Hangi yönetmenin veya türün ilginizi çektiğine bağlı olarak istediğiniz yerden başlayabilirsiniz. Filmler birbirine bağımlı değildir.
Japanese sineması neden uluslararası alanda daha popüler değil?
Dağıtım ve pazarlama kaliteden daha önemlidir. Harika Japanese filmleri bazen uluslararası sinemalarda gösterime girmiyor. Akış, keşfetmeyi kolaylaştırdı. Bu filmleri bulmak için gösterdiğiniz çabaya değer.
Bilmem gereken Japanese yöneticileri var mı?
Evet. Her filmin editoryal notlarında yönetmenden bahsediliyor. Bu listede hangi yönetmenlerin birden çok kez göründüğüne dikkat edin. Bu yönetmenler Japanese sinemasının en önemli yaratıcı sesleridir.