The Good, the Bad and the Ugly
미국의 남북전쟁이 한창인 때, 블론디는 멕시코인 총잡이 투코와 함께 동업 중이다. 블론디는 현상범 투코를 잡아 현상금을 받고, 투코가 교수형을 당하는 순간 구해주는 역할. 한편 세텐자라 불리우는 범죄자는 엄청나 돈이 묻힌 비밀장소를 추적 중이다. 그런데, 투코와 실랑이를 벌이던 블론디는 돈이 묻힌 장소를 죽어가는 사람에게 듣게 되고, 결국 둘은 돈을 찾아 나서는데...
시청해야 하는 이유: 이번 선정작에서 가장 높은 평가를 받은 영화 중 하나입니다. The Good, the Bad and the Ugly는 여러 세대의 시청자들 사이에서 지속적인 비판적 평가를 통해 명성을 얻었습니다.
The Good, the Bad and the Ugly(1966)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, The Good, the Bad and the Ugly는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. The Movie Database의 8.5 등급은 통계적으로 드물습니다. 다양한 관객에게 지속적으로 전달되는 영화만 남기고 개인 의견의 평균을 낼 수 있을 만큼 충분히 큰 유권자 기반이 필요합니다. The Good, the Bad and the Ugly는 그러한 합의를 가지고 있습니다. 영화는 장면을 구성하는 방법, 정보의 속도를 조정하는 방법, 관객이 관심을 갖는 이해관계를 만드는 방법 등 감독의 공예에 대한 이해를 보여줍니다. 1960s 시네마 전체의 맥락에서 The Good, the Bad and the Ugly는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1960s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
The Good, the Bad and the Ugly의 시각적 언어는 1966의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Sergio Leone는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. The Good, the Bad and the Ugly의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 The Good, the Bad and the Ugly를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
The Good, the Bad and the Ugly를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 The Good, the Bad and the Ugly를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 The Good, the Bad and the Ugly가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Sergio Leone의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Clint Eastwood의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록의 상위 10위 안에 The Good, the Bad and the Ugly 순위를 지정하려면 특별한 인수가 필요하지 않습니다. 통계적으로 의미가 있을 만큼 충분히 큰 유권자 기반의 8.5 등급이 주장입니다. 진지한 목록의 상위 10위 안에 드는 영화는 가장 광범위한 시청자에게 지속적으로 서비스를 제공하기 때문에 그 위치를 차지하고 있으며 The Good, the Bad and the Ugly는 이 영화를 접한 모든 인구 통계에 걸쳐 이를 수행했습니다. 여기서 Sergio Leone의 작업은 개별 장면의 품질이 영화 전체의 수준을 유지하는 수준으로 결합되는 수준에서 작동하고 있는데, 이는 보기보다 드물다.
Harakiri
사소한 잘못으로 상부로부터 할복 명령을 하달받은 사무라이가 그것에 저항하는 이야기. 인습과 전통에 대해 순응하는 일본 사회에 저항하는 메세지를 담은 작품.
시청해야 하는 이유: Harakiri는 이 목록의 예외적인 끝에 위치합니다. 대규모 유권자 기반을 바탕으로 구축된 이 높은 등급은 과대 광고가 아닌 진정한 합의를 반영합니다.
1962에 개봉된 Harakiri는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Masaki Kobayashi는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 8.4 등급은 그 지속력의 증거입니다. Harakiri의 8.4 점수는 큰 약점 없이 전제를 전달하는 영화 중 하나입니다. Masaki Kobayashi는 전체적으로 의도한 대로 작동하는 것을 만들었지만, 생각보다 흔하지 않습니다. 드라마는 보편성보다는 특수성에서 나온다. 감독은 이런 상황에서 등장인물들에게 정확하게 적용되는 선택을 하는데, 이는 역설적으로 일반적인 감정 비트보다 더 보편적인 것을 만들어낸다. 1960s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. Harakiri는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
Harakiri의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Masaki Kobayashi는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Tatsuya Nakadai는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Harakiri에서 가장 잘 드러납니다.
Harakiri는 단순히 시간을 채우는 것보다 진정한 내용을 담고 싶은 저녁 시간에 적합합니다. 그것은 배경 영화도 아니고 수동적인 경험도 아닙니다. Masaki Kobayashi는 여러분의 관심을 끌고 일반적이 아닌 구체적으로 보상하는 무언가를 구성했습니다. 다른 일을 하면서 Harakiri를 시청하는 시청자는 영화에 완전히 집중한 사람이 볼 수 있는 버전보다 훨씬 적은 버전의 영화를 보게 됩니다. 8.4 등급은 집중 시청 경험을 반영합니다. 출연진(구체적으로 Tatsuya Nakadai)은 집중해서 볼 때 기록되고 주의가 산만해지면 사라지는 공연 세부 정보를 제공합니다.
이 목록에서 Harakiri의 상위 10위는 제조하기 어려운 것, 즉 새로운 시청자가 계속해서 발견하고 높은 평가를 하는 지속적인 우수성을 반영합니다. 대부분의 영화는 첫 관객 이후 추진력을 잃습니다. Harakiri는 그렇지 않았습니다. 개봉 후 몇 년 또는 수십 년 후에 이 작품을 접한 시청자는 초기 시청자와 마찬가지로 높은 평가를 받았습니다. Masaki Kobayashi는 문화적 순간과 별개로 작동하는 제품을 만들었습니다. 이것이 바로 지속적인 품질의 정의입니다. Tatsuya Nakadai의 성능은 내구성의 일부입니다. 이는 기간 작용으로 읽히지 않습니다.
Psycho
마리온 크레인은 그녀의 애인 샘과 결혼하길 원하지만 샘은 빚을 갚을 때까지 기다리라고 말한다. 그래서 그녀는 자신이 다니고 있는 회사 사장이 은행에 입금하라고 맡긴 돈을 들고 도망친다. 도주 첫날 밤 묵게 된 도로변의 낡은 모텔 주인인 노만 베이츠는 그녀에게 친절하게 대해주며 자신은 모텔 바로 뒤쪽 저택에서 몸이 불편한 어머니와 함께 살고 있다고 말한다. 잠자리에 들기 전 마리온이 샤워를 하는 도중, 난데없이 검은 형상이 욕실에 나타나고 마리온은 실종된다. 마리온을 찾기 위해 그녀의 언니 릴라와 샘, 그리고 보험회사 측에서 고용한 탐정 등 세 사람이 추적에 나서는데...
시청해야 하는 이유: Psycho 뒤에 있는 숫자는 달성하기 어렵습니다. 수천 명의 독립적인 시청자가 조정 없이 높은 평가를 받았습니다. 이러한 합의는 이용 가능한 가장 신뢰할 수 있는 품질 신호입니다.
Psycho는 1960에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. Psycho가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 8.4에서 Psycho는 품질이 일관된 범위에 있지만 영화는 더 높은 등급 타이틀에 대한 광범위한 합의를 달성하지 못했습니다. 이러한 좁은 합의는 특정 매력을 반영하는 경우가 많습니다. Psycho는 모든 사람을 위한 것은 아니지만 올바른 시청자에게는 탁월합니다. 이것은 긴장이 육체적이기보다는 심리적인 스릴러의 범주에 속합니다. 감독은 관객이 명백한 위험을 보여주지 않고도 압박감을 느낄 것이라고 믿는다. 결과는 기존 스릴러 메커니즘보다 더 불안합니다. 1960s는 특정한 관심과 특정한 미적 접근 방식을 지닌 특정한 문화적 순간이었습니다. Psycho는 이러한 조건을 초월하면서 반영합니다. 감상하기 위해 1960s를 이해할 필요가 없는 1960s영화입니다.
Psycho의 성능은 Alfred Hitchcock가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Anthony Perkins는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Psycho에서 가장 어려운 순간은 Anthony Perkins가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Psycho는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 8.4 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Psycho를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Alfred Hitchcock 및 Anthony Perkins가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
Psycho는 대부분의 영화가 시도하지만 거의 달성하지 못하는 작업을 수행하기 때문에 상위 10위 안에 속합니다. 즉, 처음 볼 때 훌륭하고 다시 볼 때 추가 레이어를 보여줍니다. 처음 관객과 복귀 관객이 서로 다른 경험을 하고 있는데, 두 경험 모두 강렬하다. Alfred Hitchcock는 여러 수준에서 동시에 작업하여 영화에 이러한 깊이를 구축했습니다. 표면적인 스토리가 전달되고 그 아래에는 모든 것이 어디로 가고 있는지 알아야만 완전히 볼 수 있는 공예 결정 계층이 있습니다. 이러한 2단계 구조로 인해 Psycho가 다음 계층이 아닌 상위 10위 안에 들었습니다.
High and Low
신발 제조 회사의 중역인 곤도는 회사의 주도권을 잡기 위해 자신의 전 재산을 회사에 투자한 상태다. 어느 날 그는 자신의 아들이 납치됐으며 범인이 엄청난 몸값을 요구하고 있다는 통보를 받고 회사냐 아들이냐 하는 선택의 기로에 서게 된다. 하지만 정작 납치된 것은 그의 아들이 아니라 그의 운전사의 아들이란 사실이 밝혀지면서 곤도는 또 다른 고민에 빠지게 되는데...
시청해야 하는 이유: High and Low는 점수가 안정적일 만큼 오랫동안 등급을 유지했습니다. 다양한 관객들에게 이렇게 높은 평가를 받은 영화는 단지 좋다기보다는 예외적입니다.
High and Low의 1963 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. High and Low를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. High and Low의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 8.4의 High and Low는 이 목록의 신뢰할 수 있는 계층을 나타냅니다. 실망시키지 않는 영화들입니다. Akira Kurosawa는 영화에 필요한 것이 무엇인지 이해하고 타협 없이 실행했습니다. 기술은 감독이 보류하는 것에서 가장 눈에 띄게 나타납니다. 정보는 전략적으로 공개되며, 각 공개는 이전에 나온 내용을 재구성합니다. 성과는 통제된 공개에 맞춰 조정됩니다. 1960s의 영화 순위를 매기는 것은 부분적으로 살아남은 영화를 식별하는 연습입니다. High and Low가 살아남은 이유는 Akira Kurosawa가 트렌드가 아닌 기술을 기반으로 선택했기 때문입니다. 8.4 등급은 이러한 선택이 여전히 유효하다고 생각하는 시청자를 반영합니다.
High and Low의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Akira Kurosawa는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. High and Low는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 High and Low가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
High and Low를 처음 시청하는 시청자는 Akira Kurosawa가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. High and Low의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Toshirō Mifune는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1963 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Akira Kurosawa가 의도한 것입니다.
영화 데이터베이스 등급을 바탕으로 작성된 순위 목록의 상위 10개 위치는 진정한 비판적 합의를 나타냅니다. 이는 인기 콘테스트가 아닙니다. 유권자 임계값은 개별 특이 의견의 평균이 나올 만큼 충분한 사람들이 보고 평가한 영화를 필터링합니다. 이 위치에 있는 High and Low는 다양한 국가와 시청 습관에 걸쳐 다양한 시청자가 독립적으로 이 영화가 훌륭하다고 결론을 내렸다는 것을 의미합니다. Akira Kurosawa는 High and Low를 통해 문화적 변화에 저항하는 무언가를 달성했습니다. 여기에 사용된 구체적인 스토리텔링 접근 방식은 상황에 따라 해석됩니다.
Once Upon a Time in the West
프랭크가 보낸 세명의 총잡이가 기차역에서 누군가를 기다린다. 드디어 그들이 기다리던 한 남자가 하모니카를 불며 기차역에 도착하고, 그들 세 총잡이는 모두 이름 없는 그 남자의 총에 쓰러진다. 한편, 프랭크와 그 부하들은 아일랜드 출신인 맥베인 일가를 잔인하게 살해하는데, 뉴올리언즈에서 이제 막 도착한 맥베인의 새 아내 질로서는 황망할 수밖에 없다. 두 사람은 한달 전 이미 결혼을 한 상태였다. 다시 뉴올리언즈로 돌아가려던 질은 마음을 고쳐먹고 맥베인과 아이들의 시체만 있는 그 집에서 혼자 생활을 시작한다.
시청해야 하는 이유: 이번 선정작에서 가장 높은 평가를 받은 영화 중 하나입니다. Once Upon a Time in the West는 여러 세대의 시청자들 사이에서 지속적인 비판적 평가를 통해 명성을 얻었습니다.
Once Upon a Time in the West(1968)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Once Upon a Time in the West는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 대규모 유권자 풀의 8.3 등급은 영화가 시청자가 발견한 모든 약점보다 더 큰 장점을 가지고 있음을 의미합니다. Once Upon a Time in the West는 모든 영화가 충족해야 하는 최소 표준이자 개봉 횟수보다 적은 수의 달성이라는 핵심 약속을 이행합니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. Once Upon a Time in the West는 1960s영화에서 그 자리를 차지합니다. 그 이유는 지난 10년 동안 제작되었지만 이후 수십 년 동안 잃어버린 것을 포착하기 때문입니다. 1960s영화 제작의 문화적, 기술적 조건이 Sergio Leone가 여기서 무엇을 만들 수 있는지를 결정했습니다.
Once Upon a Time in the West의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Sergio Leone는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. Once Upon a Time in the West의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Claude Cardinale는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
Once Upon a Time in the West의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Sergio Leone가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. Once Upon a Time in the West는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Claude Cardinale의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
Once Upon a Time in the West의 상위 10위 순위는 경쟁 대상을 고려할 때 가장 의미가 있습니다. 이 모드와 시대에 대한 카탈로그의 모든 영화가 평가되었으며, Once Upon a Time in the West는 평가 품질과 투표자 수의 조합이 선택 항목의 다른 모든 영화보다 우선했기 때문에 여기 순위에 올랐습니다. Sergio Leone는 Once Upon a Time in the West에서 같은 카테고리의 대안, 즉 좋은 영화인 대안과 구별되는 선택을 했습니다. 상위 10위와 상위 20위 사이의 격차는 보이는 것보다 절대 등급 측면에서는 작지만 시청자 경험이 실제로 전달하는 측면에서는 중요합니다.
The Apartment
버드는 소심하지만 성실하고 착한 뉴욕의 종합보험회사 직원이다. 독신인 그는 시내에 조용한 아파트를 얻어서 살고 있는데, 본의 아니게 회사 임원들을 상대로 그 아파트를 빌려주게 된다. 그로 인해 생활에 피해가 많지만, 원래 소심한 성격에다가 상대가 모두 상당한 영향력을 가지고 있는 사람들이라, 회유와 협박에 번번히 집을 내줄 수 밖에 없다. 한편, 그는 엘리베이터 걸인 프랜에게 은근히 마음을 두고 있고, 프랜도 그에게 상당히 호의적이다. 아파트를 빌리는 임원들의 도움으로 그는 승진 후보에 오르고, 인사권자인 쉘드레이크 전무를 만나는데, 뜻밖에도 쉘드레이크 전무는 그의 비밀을 다 알고 있었고, 전무는 그것을 약점으로 잡아서 자기도 버드의 방을 빌린다. 버드는 방을 빌려주는 대가로 받은 뮤지컬 티켓으로 프랜에게 데이트 신청을 하지만 바람만 맞고 만다. 회사의 크리스마스 파티에서 프랜과 화해할 기회가 생겼지만, 우연히 쉘드레이크가 자기 아파트로 데려오는 여자가 프랜이라는 사실을 알고는 다시 그녀로부터 멀어진다.
시청해야 하는 이유: The Apartment는 이 목록의 예외적인 끝에 위치합니다. 대규모 유권자 기반을 바탕으로 구축된 이 높은 등급은 과대 광고가 아닌 진정한 합의를 반영합니다.
1960에 개봉된 The Apartment는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Billy Wilder는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 8.2 등급은 그 지속력의 증거입니다. The Apartment의 8.2 점수는 대안이 있었고 이를 높게 평가한 시청자를 바탕으로 만들어졌습니다. 그 선택은 자신의 주장을 명확하게 밝힌 영화를 반영합니다. 이것이 바로 The Apartment가 하는 일입니다. Billy Wilder가 주장을 펼쳤고 청중은 이를 받아들였습니다. 드라마는 보편성보다는 특수성에서 나온다. 감독은 이런 상황에서 등장인물들에게 정확하게 적용되는 선택을 하는데, 이는 역설적으로 일반적인 감정 비트보다 더 보편적인 것을 만들어낸다. 매 10년마다 그 당시에는 꼭 필요해 보이다가 사라지는 영화를 제작합니다. The Apartment는 더 작은 범주에 속합니다. 1960s영화는 그 시대에 대한 향수가 없는 시청자들에게 여전히 높은 평가를 받고 있습니다. 세대 간 품질이 실제 테스트입니다.
The Apartment의 시각적 언어는 1960의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Billy Wilder는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. The Apartment의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 The Apartment를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
The Apartment는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 8.2 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. The Apartment를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Billy Wilder 및 Jack Lemmon가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
The Apartment는 문화적 평판이 아니라 시청자가 앉아서 시청할 때 일어나는 일을 통해 상위 10위권을 차지합니다. 8.2 등급은 독립적인 시청의 대규모 샘플에서 이러한 경험을 포착합니다. 이와 같은 목록에서 상위 10위권에 도달한 영화는 대안에 대한 전체 액세스 권한을 갖고 이 영화를 최고의 경험으로 평가하기로 선택한 시청자에 의해 테스트되었습니다. Billy Wilder와 Jack Lemmon는 지속적으로 그 기대에 부응하는 작품을 만들었고, 이것이 새로운 기준을 제시하는 지속적인 신규 시청자에도 불구하고 시청률이 유지되는 이유입니다.
Persona
유명 연극배우인 엘리자벳은 연극 <엘렉트라>를 공연하던 중 갑자기 말을 잃게 되고, 신경쇠약으로 병원을 거쳐 요양을 떠나게 된다. 그녀의 요양에 동행한 간호사 알마는 엘리자벳에 대해 간호사로서의 친절과 인간적인 호감, 동경 등을 느끼지만 말이 없는 엘리자벳에게 자기를 털어놓는 과정에서 그녀가 자신을 구경거리로 관찰하고 있다는 사실을 깨닫고 공격적인 비난의 태도를 취하게 된다.
시청해야 하는 이유: Persona 뒤에 있는 숫자는 달성하기 어렵습니다. 수천 명의 독립적인 시청자가 조정 없이 높은 평가를 받았습니다. 이러한 합의는 이용 가능한 가장 신뢰할 수 있는 품질 신호입니다.
Persona는 1966에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. Persona가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 8.1의 Persona는 여러 차원에서 지속적으로 평균 이상의 작품을 보여주는 영화입니다. 단일 요소가 다른 요소를 전달하지 않습니다. 연출, 글쓰기, 퍼포먼스 모두 같은 방향으로 끌려가고 있다. 영화는 다른 장르에서는 할 수 없는 드라마가 무엇을 할 수 있는지 보여줍니다. 평범한 인간의 행동에 압력을 가하고 반응을 통해 성격을 드러내는 것입니다. 감독은 그러한 조건을 만들고 출연진은 진정한 확신을 가지고 그 조건에 적응합니다. Persona에 대한 1960s 컨텍스트는 부수적인 것이 아닙니다. 기술이 허용하는 것, 문화가 요구하는 것 등 지난 10년의 구체적인 미적 조건이 Ingmar Bergman의 선택을 결정했습니다. 그러한 선택은 그 순간과 별개로 유지됩니다.
Persona의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Ingmar Bergman는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Bibi Andersson는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Persona에서 가장 잘 드러납니다.
Persona를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 Persona를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 Persona가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Ingmar Bergman의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Bibi Andersson의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록의 상위 10위 안에 Persona 순위를 지정하려면 특별한 인수가 필요하지 않습니다. 통계적으로 의미가 있을 만큼 충분히 큰 유권자 기반의 8.1 등급이 주장입니다. 진지한 목록의 상위 10위 안에 드는 영화는 가장 광범위한 시청자에게 지속적으로 서비스를 제공하기 때문에 그 위치를 차지하고 있으며 Persona는 이 영화를 접한 모든 인구 통계에 걸쳐 이를 수행했습니다. 여기서 Ingmar Bergman의 작업은 개별 장면의 품질이 영화 전체의 수준을 유지하는 수준으로 결합되는 수준에서 작동하고 있는데, 이는 보기보다 드물다.
미 공군의 잭 리퍼 장군은 공산주의자들이 미국인의 신성한 혈통을 오염시킬 음모를 꾸미고 있다는 망상에 사로잡혀 핵폭격기를 출격시킨다. 미국 대통령은 절대절명의 위기를 해결 하기 위해 자문회를 소집하는데, 그 자리에서 소련 대사는 만일 소련이 핵공격을 당한다면 지구상의 모든 동식물이 파멸되는 운명의 날이 다가오게 될 것이라고 경고한다. 전 나치주의자였던 천재 과학자 스트레인지러브 박사는 핵무기에 지구의 운명이 달려있다는 사실이 너무 명백하므로 핵무기로 상황을 대응할 수 없다는 결론을 내린다. 과연 폭격기는 제 시간에 제거될 수 있을 것인가? 아니면 잭 리퍼 장군이 전세계를 파멸시키는데 성공 할 것인가?
시청해야 하는 이유: Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb는 점수가 안정적일 만큼 오랫동안 등급을 유지했습니다. 다양한 관객들에게 이렇게 높은 평가를 받은 영화는 단지 좋다기보다는 예외적입니다.
Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb의 1964 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 8.1 범위의 영화는 목록에서 제시된 위치보다 더 흥미로운 경우가 많습니다. 그들은 높은 등급의 타이틀에 대한 문화적 포화를 달성하지 못했습니다. 이는 Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb가 선입견 없이 접근하기 더 쉽다는 것을 의미합니다. Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb는 그로부터 이익을 얻습니다. 코미디로서의 영화의 일관성은 일관성에서 나온다. 감독은 세계의 규칙과 그 안에서 인물들의 행동을 설정하고, 인물들이 상황을 헤쳐나가는 방식에서 유머가 나온다. 오늘날에도 여전히 8.1 등급을 받고 있는 1960s의 영화는 동시대 개봉 영화보다 더 오랜 테스트를 거쳐 살아남았습니다. Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb는 그 핵심인 스토리텔링, 퍼포먼스, 공예가 시대를 불문하고 작동하기 때문에 이 테스트를 통과했습니다.
Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb의 성능은 Stanley Kubrick가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Peter Sellers는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb에서 가장 어려운 순간은 Peter Sellers가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb는 솔로 및 그룹 시청 환경 모두에서 작동하는 보기 드문 영화 중 하나인데, 이는 대부분의 코미디에는 해당되지 않습니다. 설정보다는 캐릭터에서 유머를 이끌어내는 영화는 방에 누가 있든 상관없이 잘 재생되는 경향이 있습니다. 왜냐하면 웃음은 집단적 허가보다는 인정에서 나오기 때문입니다. Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb를 혼자 시청하면 단체 시청에서는 놓칠 수 있는 캐릭터 관찰의 조용한 순간을 포착할 수 있습니다. 영화를 아는 다른 사람과 함께 영화를 보는 것은 효과가 있다고 알고 있는 것을 공유하는 특별한 즐거움을 선사합니다. Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb의 런타임은 더 긴 영화를 볼 필요가 없는 진정한 품질의 무언가를 원하는 저녁 시간에 실용적인 선택이 됩니다. Stanley Kubrick의 속도는 영화가 초과하지 않고 런타임을 얻는다는 것을 의미합니다.
이 목록에서 Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb의 상위 10위는 제조하기 어려운 것, 즉 새로운 시청자가 계속해서 발견하고 높은 평가를 하는 지속적인 우수성을 반영합니다. 대부분의 영화는 첫 관객 이후 추진력을 잃습니다. Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb는 그렇지 않았습니다. 개봉 후 몇 년 또는 수십 년 후에 이 작품을 접한 시청자는 초기 시청자와 마찬가지로 높은 평가를 받았습니다. Stanley Kubrick는 문화적 순간과 별개로 작동하는 제품을 만들었습니다. 이것이 바로 지속적인 품질의 정의입니다. Peter Sellers의 성능은 내구성의 일부입니다. 이는 기간 작용으로 읽히지 않습니다.
8½
영화 역사상 가장 위대한 영화 중 하나로 손꼽히는 페데리코 펠리니 감독의 이 영화는 한 남자의 예술적 위기를 영화계의 거대한 서사시로 승화시키는 작품이다. 영화감독 구이도는 어느 날 공중에서 떨어지는 꿈을 꾼다. 정신적, 육체적으로 지쳐있던 그는 요양을 핑계로 온천에 가지만 그곳에서도 생활과 일을 벗어날 수 없는데...
시청해야 하는 이유: 이번 선정작에서 가장 높은 평가를 받은 영화 중 하나입니다. 8½는 여러 세대의 시청자들 사이에서 지속적인 비판적 평가를 통해 명성을 얻었습니다.
8½(1963)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, 8½는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 8.1 등급은 일관된 수준에서 동시에 작동하는 감독, 각본 및 성능을 반영합니다. 이 범위의 점수를 받은 영화는 단일 차원에서 크게 실패하는 경우가 거의 없으며 8½도 예외는 아닙니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. 1960s 시네마 전체의 맥락에서 8½는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1960s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
8½의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Federico Fellini는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. 8½는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 8½가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
8½는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 8.1 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. 8½를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Federico Fellini 및 Marcello Mastroianni가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
8½는 대부분의 영화가 시도하지만 거의 달성하지 못하는 작업을 수행하기 때문에 상위 10위 안에 속합니다. 즉, 처음 볼 때 훌륭하고 다시 볼 때 추가 레이어를 보여줍니다. 처음 관객과 복귀 관객이 서로 다른 경험을 하고 있는데, 두 경험 모두 강렬하다. Federico Fellini는 여러 수준에서 동시에 작업하여 영화에 이러한 깊이를 구축했습니다. 표면적인 스토리가 전달되고 그 아래에는 모든 것이 어디로 가고 있는지 알아야만 완전히 볼 수 있는 공예 결정 계층이 있습니다. 이러한 2단계 구조로 인해 8½가 다음 계층이 아닌 상위 10위 안에 들었습니다.
Yojimbo
떠돌이 무사가 어느 마을의 여인숙에 들린다. 그곳은 두 패로 나뉜 악인의 무리가 세력다툼을 벌여 유령 마을처럼 되어버린 야도바 마을. 무사는 악인의 무리 중에서 돈을 많이 주는 쪽인 비단을 파는 사람들의 요짐보가 되어 일을 해준다. 하지만 술을 파는 무리 중 한 명의 아들인 우노스케가 권총을 갖고 마을로 들어오며 상황은 급변한다. 우노스케는 자신이 속한 파와 적대적인 관계에 있는 무리들을 무차별적으로 죽인다. 운 좋게도 요짐보는 마을 여관주인의 도움으로 마을 밖으로 도망쳐 근처에 있는 절 가까이 숨어 있는다. 하지만 얼마 후 여관주인이 우노스케에 의해 납치당했다는 사실을 알고 다시 마을로 들어오는데...
시청해야 하는 이유: Yojimbo는 이 목록의 예외적인 끝에 위치합니다. 대규모 유권자 기반을 바탕으로 구축된 이 높은 등급은 과대 광고가 아닌 진정한 합의를 반영합니다.
1961에 개봉된 Yojimbo는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Akira Kurosawa는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 8.1 등급은 그 지속력의 증거입니다. Yojimbo의 8.1 점수는 큰 약점 없이 전제를 전달하는 영화 중 하나입니다. Akira Kurosawa는 전체적으로 의도한 대로 작동하는 것을 만들었지만, 생각보다 흔하지 않습니다. 영화를 스릴러로 만드는 것은 스테이크에는 투자가 필요하다는 이해입니다. 첫 번째 막은 압력이 가해지기 전에 성격을 형성합니다. 긴장이 고조될 때쯤에는 결과에 신경을 써야 할 이유가 생깁니다. 1960s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. Yojimbo는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
Yojimbo의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Akira Kurosawa는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. Yojimbo의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Toshirō Mifune는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
Yojimbo를 처음 시청하는 시청자는 Akira Kurosawa가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Yojimbo의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Toshirō Mifune는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1961 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Akira Kurosawa가 의도한 것입니다.
영화 데이터베이스 등급을 바탕으로 작성된 순위 목록의 상위 10개 위치는 진정한 비판적 합의를 나타냅니다. 이는 인기 콘테스트가 아닙니다. 유권자 임계값은 개별 특이 의견의 평균이 나올 만큼 충분한 사람들이 보고 평가한 영화를 필터링합니다. 이 위치에 있는 Yojimbo는 다양한 국가와 시청 습관에 걸쳐 다양한 시청자가 독립적으로 이 영화가 훌륭하다고 결론을 내렸다는 것을 의미합니다. Akira Kurosawa는 Yojimbo를 통해 문화적 변화에 저항하는 무언가를 달성했습니다. 여기에 사용된 구체적인 스토리텔링 접근 방식은 상황에 따라 해석됩니다.
영화는 중요한 이야기에 관한 것입니다. 이 섹션의 영화는 그 원리를 증명합니다.
2001: A Space Odyssey
인류에게 문명의 지혜를 가르쳐 준 검은 돌기둥의 정체를 밝히기 위해서 디스커버리호의 선장 보우만과 승무원 풀은 목성을 향해서 날아간다. 하지만 평온하던 디스커버리호에 갑자기 재난이 찾아온다. 우주선 내부에서 일어난 재난은 컴퓨터 HAL이 반란을 일으킨 것. HAL은 풀을 우주선 밖으로 던져버리고, 보우만까지도 모선 밖으로 끌어내지만 그는 필사의 노력으로 HAL을 제압한다. 보우만은 마침내 목성 궤도에서 문제의 검은 돌기둥을 발견하지만, 그 순간 우주의 급류에 휘말리게 된다. 보우만은 지구로의 귀환을 위해 노력하고, 신비한 시간의 흐름을 경험하는데...
시청해야 하는 이유: 2001: A Space Odyssey 뒤에 있는 숫자는 달성하기 어렵습니다. 수천 명의 독립적인 시청자가 조정 없이 높은 평가를 받았습니다. 이러한 합의는 이용 가능한 가장 신뢰할 수 있는 품질 신호입니다.
2001: A Space Odyssey는 1968에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. 2001: A Space Odyssey가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 8.0에서 2001: A Space Odyssey는 품질이 일관된 범위에 있지만 영화는 더 높은 등급 타이틀에 대한 광범위한 합의를 달성하지 못했습니다. 이러한 좁은 합의는 특정 매력을 반영하는 경우가 많습니다. 2001: A Space Odyssey는 모든 사람을 위한 것은 아니지만 올바른 시청자에게는 탁월합니다. 영화는 공상 과학 소설이 기술적인 광경보다는 인간의 결과에 초점을 맞출 때 가장 잘 작동한다는 것을 보여줍니다. 감독은 발명품과 함께 살아가야 하는 캐릭터들에게 발명품이 무엇을 의미하는지 보여줍니다. 1960s는 특정한 관심과 특정한 미적 접근 방식을 지닌 특정한 문화적 순간이었습니다. 2001: A Space Odyssey는 이러한 조건을 초월하면서 반영합니다. 감상하기 위해 1960s를 이해할 필요가 없는 1960s영화입니다.
2001: A Space Odyssey의 시각적 언어는 1968의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Stanley Kubrick는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. 2001: A Space Odyssey의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 2001: A Space Odyssey를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
2001: A Space Odyssey의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Stanley Kubrick가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. 2001: A Space Odyssey는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Keir Dullea의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 2001: A Space Odyssey는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 Keir Dullea의 성능과 Stanley Kubrick의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
La Dolce Vita
삼류 신문의 사교계 담당 신문기자인 마르첼로는 사치스럽고 방탕한 생활을 하던 중 우연히 한결같이 반복되는 일상사에 진력을 내는 마달레나라는 여인을 만나 사귀게 된다. 마달레나는 마르첼로에게 고혹적인 분위기를 지닌 매춘부, 아르디아나를 소개시켜준다. 스스로도 주체할 수 없는 자신의 방탕한 생활에 회의를 느끼던 그는 어느 날 절친한 친구 스타이너가 자살했다는 소식을 듣고 더욱 실의에 빠지면서 삶의 가치와 의미에 대해 회의를 품게된다.
시청해야 하는 이유: La Dolce Vita는 점수가 안정적일 만큼 오랫동안 등급을 유지했습니다. 다양한 관객들에게 이렇게 높은 평가를 받은 영화는 단지 좋다기보다는 예외적입니다.
La Dolce Vita의 1960 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. La Dolce Vita를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. La Dolce Vita의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 8.0의 La Dolce Vita는 이 목록의 신뢰할 수 있는 계층을 나타냅니다. 실망시키지 않는 영화들입니다. Federico Fellini는 영화에 필요한 것이 무엇인지 이해하고 타협 없이 실행했습니다. 이것이 드라마와 구별되는 점은 감독이 관객이 느낄 수 있는 것을 설명하기를 거부한다는 점이다. 영화는 감정적인 무게를 지닌 상황을 만들어내고 관객들이 그 무게를 스스로 짊어질 것이라고 믿습니다. 공연은 과도한 신호를 보내지 않고 감정적 기록을 제공합니다. 1960s의 영화 순위를 매기는 것은 부분적으로 살아남은 영화를 식별하는 연습입니다. La Dolce Vita가 살아남은 이유는 Federico Fellini가 트렌드가 아닌 기술을 기반으로 선택했기 때문입니다. 8.0 등급은 이러한 선택이 여전히 유효하다고 생각하는 시청자를 반영합니다.
La Dolce Vita의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Federico Fellini는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Marcello Mastroianni는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 La Dolce Vita에서 가장 잘 드러납니다.
La Dolce Vita는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 8.0 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. La Dolce Vita를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Federico Fellini 및 Marcello Mastroianni가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 La Dolce Vita를 배치하는 8.0 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. La Dolce Vita에 높은 점수를 주기로 한 결정은 Federico Fellini가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. La Dolce Vita는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
For a Few Dollars More
감옥을 탈출해 나온 산적 두목이자 은행강도인 현상범 인디오는 부하들과 함께 살인과 강탈을 일삼고 다닌다. 회중시계와 뮤직박스에 병적인 집착을 보이는 그는 누군가를 죽일 때마다 회중시계를 꺼내 보는 버릇이 있다. 그를 잡기 위해 두 명의 사나이가 서부의 작은 도시에 등장한다. 한 명은 이름을 알 수 없는 차갑고 냉정한 총잡이인 '이름없는 자'로 현상금을 목적으로 이 곳에 왔으며, 또 한 명은 육군대장인 몰티머인데, 그는 인디오에게 청산해야할 빚이 있어 그것을 완수하기위해 그를 찾아온다. 이 범죄자는 그의 여동생의 죽음과 관련이 있었다. 인디오가 돈을 얻기위해 엘파소의 은행을 털 것이라는 직감을 갖고 이 두 명의 총잡이는 그곳으로 돌린다. 이들은 서로를 믿지 않았으나 보다 효과적으로 인디오를 잡기위해 '이름 없는 자'가 악당과 한 패가 된 것처럼 가장해 그들의 비밀 소굴로 쳐들어가 인디오를 사로잡기로 하는 기막힌 음모를 꾸미는데...
시청해야 하는 이유: 이번 선정작에서 가장 높은 평가를 받은 영화 중 하나입니다. For a Few Dollars More는 여러 세대의 시청자들 사이에서 지속적인 비판적 평가를 통해 명성을 얻었습니다.
For a Few Dollars More(1965)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, For a Few Dollars More는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 대규모 유권자 풀의 8.0 등급은 영화가 시청자가 발견한 모든 약점보다 더 큰 장점을 가지고 있음을 의미합니다. For a Few Dollars More는 모든 영화가 충족해야 하는 최소 표준이자 개봉 횟수보다 적은 수의 달성이라는 핵심 약속을 이행합니다. 영화는 장면을 구성하는 방법, 정보의 속도를 조정하는 방법, 관객이 관심을 갖는 이해관계를 만드는 방법 등 감독의 공예에 대한 이해를 보여줍니다. For a Few Dollars More는 1960s영화에서 그 자리를 차지합니다. 그 이유는 지난 10년 동안 제작되었지만 이후 수십 년 동안 잃어버린 것을 포착하기 때문입니다. 1960s영화 제작의 문화적, 기술적 조건이 Sergio Leone가 여기서 무엇을 만들 수 있는지를 결정했습니다.
For a Few Dollars More의 성능은 Sergio Leone가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Clint Eastwood는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. For a Few Dollars More에서 가장 어려운 순간은 Clint Eastwood가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
For a Few Dollars More를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 For a Few Dollars More를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 For a Few Dollars More가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Sergio Leone의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Clint Eastwood의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 For a Few Dollars More는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. For a Few Dollars More는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. Sergio Leone의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. For a Few Dollars More를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
To Kill a Mockingbird
베스트셀러 <앵무새 죽이기>를 원작으로 하는 영화. 대공황 이후 암울한 시기, 앨라바마주의 조그만 마을. 백인 처녀 마옐라는 집안 일을 도와주던 흑인 청년 톰을 유혹하다가 아버지에게 들키고, 화가 난 아버지는 '흑인이 백인 여자를 강간하려 했다'며 누명을 씌어 톰을 고소한다. 마을의 존경받는 변호사 애티커스 핀치(그레고리 펙 분)가 누명을 쓴 톰의 변호를 맡지만 인종적 편견이 만연한 마을에서 흑인을 변호하는 일은 쉽지 않다. 톰의 무죄를 믿는 핀치는 마을 사람들의 비난을 무릅쓰고 그를 변호하기 위해 노력하는데..
시청해야 하는 이유: To Kill a Mockingbird는 이 목록의 예외적인 끝에 위치합니다. 대규모 유권자 기반을 바탕으로 구축된 이 높은 등급은 과대 광고가 아닌 진정한 합의를 반영합니다.
1962에 개봉된 To Kill a Mockingbird는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Robert Mulligan는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 8.0 등급은 그 지속력의 증거입니다. To Kill a Mockingbird의 8.0 점수는 대안이 있었고 이를 높게 평가한 시청자를 바탕으로 만들어졌습니다. 그 선택은 자신의 주장을 명확하게 밝힌 영화를 반영합니다. 이것이 바로 To Kill a Mockingbird가 하는 일입니다. Robert Mulligan가 주장을 펼쳤고 청중은 이를 받아들였습니다. 드라마는 보편성보다는 특수성에서 나온다. 감독은 이런 상황에서 등장인물들에게 정확하게 적용되는 선택을 하는데, 이는 역설적으로 일반적인 감정 비트보다 더 보편적인 것을 만들어낸다. 매 10년마다 그 당시에는 꼭 필요해 보이다가 사라지는 영화를 제작합니다. To Kill a Mockingbird는 더 작은 범주에 속합니다. 1960s영화는 그 시대에 대한 향수가 없는 시청자들에게 여전히 높은 평가를 받고 있습니다. 세대 간 품질이 실제 테스트입니다.
To Kill a Mockingbird의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Robert Mulligan는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. To Kill a Mockingbird는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 To Kill a Mockingbird가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
To Kill a Mockingbird는 단순히 시간을 채우는 것보다 진정한 내용을 담고 싶은 저녁 시간에 적합합니다. 그것은 배경 영화도 아니고 수동적인 경험도 아닙니다. Robert Mulligan는 여러분의 관심을 끌고 일반적이 아닌 구체적으로 보상하는 무언가를 구성했습니다. 다른 일을 하면서 To Kill a Mockingbird를 시청하는 시청자는 영화에 완전히 집중한 사람이 볼 수 있는 버전보다 훨씬 적은 버전의 영화를 보게 됩니다. 8.0 등급은 집중 시청 경험을 반영합니다. 출연진(구체적으로 Gregory Peck)은 집중해서 볼 때 기록되고 주의가 산만해지면 사라지는 공연 세부 정보를 제공합니다.
To Kill a Mockingbird는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. Robert Mulligan는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 8.0 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 Robert Mulligan의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 To Kill a Mockingbird가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
Lawrence of Arabia
영국 정보국 소속 장교 로렌스 는 1차대전 중 중동지역의 전투에서 아랍 부족의 지원을 받기 위해 아랍 지역으로 파견된다. 그런데 그는 영국 정부가 바라던 것 이상으로 아랍의 지도자들을 사로 잡고 아랍의 독립을 위해 열심히 싸워 아랍 민족으로 부터 ‘아라비아의 로렌스’라는 영웅적인 칭호를 받게 된다. 그는 아랍 전사들을 이끌고 터키군들과 싸우면서 규율을 잡기 위해 남의 마을의 우물물을 마신 병사를 과감히 처형하는 등 독한 모습을 보여준다. 그러나 그의 그런 용맹성은 터키 군에게 포로로 잡힌 후 그곳에서 받은 성적 학대를 통해 병적으로 발전된다. 그리고 마침내 영국 정부의 소환을 받고 런던으로 돌아오지만 중동으로 보내 줄 것을 요구하면서 사막으로 돌아가길 원한다. 그러나 이미 정치적으로 타결이 된 아라비아 사막은 그를 원치 않았는데.
시청해야 하는 이유: Lawrence of Arabia 뒤에 있는 숫자는 달성하기 어렵습니다. 수천 명의 독립적인 시청자가 조정 없이 높은 평가를 받았습니다. 이러한 합의는 이용 가능한 가장 신뢰할 수 있는 품질 신호입니다.
Lawrence of Arabia는 1962에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. Lawrence of Arabia가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 8.0의 Lawrence of Arabia는 여러 차원에서 지속적으로 평균 이상의 작품을 보여주는 영화입니다. 단일 요소가 다른 요소를 전달하지 않습니다. 연출, 글쓰기, 퍼포먼스 모두 같은 방향으로 끌려가고 있다. 영화는 촬영이 시작되기 전에 이미 충분히 이해된 소재를 가지고 작업하는 감독의 모습을 보여준다. 화면에 표시되는 선택 사항은 제작 중 발견이 아닌 이해를 반영합니다. Lawrence of Arabia에 대한 1960s 컨텍스트는 부수적인 것이 아닙니다. 기술이 허용하는 것, 문화가 요구하는 것 등 지난 10년의 구체적인 미적 조건이 David Lean의 선택을 결정했습니다. 그러한 선택은 그 순간과 별개로 유지됩니다.
Lawrence of Arabia의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. David Lean는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. Lawrence of Arabia의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Peter O'Toole는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
Lawrence of Arabia는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 8.0 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Lawrence of Arabia를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. David Lean 및 Peter O'Toole가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에서 Lawrence of Arabia의 위치는 모든 사람을 위한 모든 것을 열망하지 않고 특정 품질을 안정적으로 전달하는 영화를 반영합니다. David Lean는 영화가 무엇인지 이해하고 높은 수준의 제작으로 만들었습니다. 8.0 등급은 이러한 조건으로 영화에 참여했으며 높은 평가를 받을 가치가 있다고 생각하는 시청자를 나타냅니다. 서로 다른 기대를 품은 관객들은 평점보다 영화가 덜 만족스럽다고 느낄 때도 있는데, 이는 영화의 약점이 아니라 기대감에 있다. Lawrence of Arabia는 바로 그 기술로 만들어졌고, 그것을 평가한 유권자들은 그것에 반응하고 있었습니다.
Don't Look Now... We're Being Shot At!
1941년, 나치 점령하의 프랑스. 임무를 수행하고 돌아가던 영국 공군의 비행기가 독일군 대공포를 맞아 추락한다. 영국군 조종사 레지널드, 피터, 앨런은 낙하산을 타고 간신히 탈출해 목숨을 건진다. 셋은 도장업자 오귀스탱, 인형극을 하는 쥘리에트, 오케스트라 지휘자 스타니슬라스의 도움을 받게 되는데, 독일군 장교 아흐바흐는 이들을 붙잡기 위해 추격을 멈추지 않는다. 나치 점령기를 배경으로 한 코미디로, 오랜 세월 동안 깨지지 않은 흥행 기록을 세우기도 했다.
시청해야 하는 이유: 코미디는 유지하기 가장 어려운 장르입니다. Gérard Oury는 Don't Look Now... We're Being Shot At!를 수월해 보이게 만듭니다. 이는 대부분의 청중이 의식적으로 등록하지 않는 상당한 기술의 표시입니다.
Don't Look Now... We're Being Shot At!의 1966 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Don't Look Now... We're Being Shot At!를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Don't Look Now... We're Being Shot At!의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.9 범위의 영화는 목록에서 제시된 위치보다 더 흥미로운 경우가 많습니다. 그들은 높은 등급의 타이틀에 대한 문화적 포화를 달성하지 못했습니다. 이는 Don't Look Now... We're Being Shot At!가 선입견 없이 접근하기 더 쉽다는 것을 의미합니다. Don't Look Now... We're Being Shot At!는 그로부터 이익을 얻습니다. 코미디로서의 영화의 일관성은 일관성에서 나온다. 감독은 세계의 규칙과 그 안에서 인물들의 행동을 설정하고, 인물들이 상황을 헤쳐나가는 방식에서 유머가 나온다. 오늘날에도 여전히 7.9 등급을 받고 있는 1960s의 영화는 동시대 개봉 영화보다 더 오랜 테스트를 거쳐 살아남았습니다. Don't Look Now... We're Being Shot At!는 그 핵심인 스토리텔링, 퍼포먼스, 공예가 시대를 불문하고 작동하기 때문에 이 테스트를 통과했습니다.
Don't Look Now... We're Being Shot At!의 시각적 언어는 1966의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Gérard Oury는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. Don't Look Now... We're Being Shot At!의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 Don't Look Now... We're Being Shot At!를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
Don't Look Now... We're Being Shot At!를 처음 시청하는 시청자는 Gérard Oury가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Don't Look Now... We're Being Shot At!의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Bourvil는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1966 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Gérard Oury가 의도한 것입니다.
이와 같은 목록에서 11~25위 범위에 위치한 영화는 문화적 비중 없이 상위 10위권의 품질을 전달하기 때문에 가장 유용한 발견인 경우가 많습니다. Don't Look Now... We're Being Shot At!가 이 위치에 있는 것은 위의 항목보다 훨씬 나쁘기 때문이 아니라 매력이 더 집중되어 있기 때문입니다. Don't Look Now... We're Being Shot At!에서 Gérard Oury의 활동을 접한 시청자들은 이 목록에 있는 어떤 영화보다도 높게 평가합니다. 더 넓은 유권자 기반의 평균이 여기에 위치합니다. 장르 선호도, 감독 관심도 또는 시대를 기준으로 이 영화가 자신에게 적합하다고 생각하는 구체적인 이유가 있는 시청자는 그보다 높은 순위의 여러 항목보다 우선순위를 두어야 합니다.
The Great Escape
실화를 바탕으로 만든 영화. 연합군 포로들의 거듭된 탈출 시도에 격분한 독일군은 그들 모두를 철통같은 보안으로 탈출 불가능한 포로 수용소에 몰아 넣는다. 그러나 포로들은 2차대전 역사상 가장 대규모적인 탈출 계획을 세우는데...
시청해야 하는 이유: 크레딧을 받고 나서도 여운이 남는 그런 드라마. John Sturges는 표준 요금보다 높은 수준의 소재에 인내심을 제공합니다.
The Great Escape(1963)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, The Great Escape는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 7.9 등급은 일관된 수준에서 동시에 작동하는 감독, 각본 및 성능을 반영합니다. 이 범위의 점수를 받은 영화는 단일 차원에서 크게 실패하는 경우가 거의 없으며 The Great Escape도 예외는 아닙니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. 1960s 시네마 전체의 맥락에서 The Great Escape는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1960s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
The Great Escape의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. John Sturges는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Steve McQueen는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 The Great Escape에서 가장 잘 드러납니다.
The Great Escape의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 John Sturges가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. The Great Escape는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Steve McQueen의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 The Great Escape는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 Steve McQueen의 성능과 John Sturges의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
What Ever Happened to Baby Jane?
베이비 제인 허드슨은 어린 시절 보드빌 쇼의 유명한 스타였지만 성장한 후에는 배우로서 재능을 인정받지 못한다. 대배우로 성공한 언니 블랜치의 그늘 아래서 술과 향락으로 매일을 보내고 있을 뿐이다. 그러던 어느 날 술 취한 제인과 블랜치가 함께 자동차에 타고 있다 사고가 난다. 블랜치는 다리를 다쳐 반신불수가 되고, 제인은 불만과 질시 속에서도 어쩔 수 없이 언니를 돌보며 살게 된다. 세월이 흐른 후, 블랜치는 알콜중독으로 편집증 상태가 된 제인을 병원으로 보내려 하는데, 이 사실을 안 제인은 온갖 수단으로 블랜치를 학대한다. 제인은 헌신적인 가정부 엘비라를 우발적으로 죽이게 되자 어찌할 바를 모르고 혼란에 빠진다.
시청해야 하는 이유: What Ever Happened to Baby Jane?는 정직하게 긴장감을 얻습니다. 압박감은 인위적인 놀라움보다는 상황과 성격에서 비롯됩니다. Robert Aldrich는 청중이 이해관계를 느낄 것이라고 믿습니다.
1962에 개봉된 What Ever Happened to Baby Jane?는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Robert Aldrich는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.9 등급은 그 지속력의 증거입니다. What Ever Happened to Baby Jane?의 7.9 점수는 큰 약점 없이 전제를 전달하는 영화 중 하나입니다. Robert Aldrich는 전체적으로 의도한 대로 작동하는 것을 만들었지만, 생각보다 흔하지 않습니다. 영화를 스릴러로 만드는 것은 스테이크에는 투자가 필요하다는 이해입니다. 첫 번째 막은 압력이 가해지기 전에 성격을 형성합니다. 긴장이 고조될 때쯤에는 결과에 신경을 써야 할 이유가 생깁니다. 1960s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. What Ever Happened to Baby Jane?는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
What Ever Happened to Baby Jane?의 성능은 Robert Aldrich가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Bette Davis는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. What Ever Happened to Baby Jane?에서 가장 어려운 순간은 Bette Davis가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
What Ever Happened to Baby Jane?는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.9 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. What Ever Happened to Baby Jane?를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Robert Aldrich 및 Bette Davis가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 What Ever Happened to Baby Jane?를 배치하는 7.9 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. What Ever Happened to Baby Jane?에 높은 점수를 주기로 한 결정은 Robert Aldrich가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. What Ever Happened to Baby Jane?는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
La Jetée
한 남자가 세계대전으로 인한 종말 이후 세계의 문제에 대한 해결책을 찾기 위한 실험을 하던 중 자신의 과거와 마주하게 됩니다.
시청해야 하는 이유: La Jetée가 드라마로 작동하는 이유는 Chris Marker가 관객이 느낄 수 있는 감정을 설명하기를 거부하기 때문입니다. 감정 기록은 신호를 받는 것이 아니라 생성되는 것입니다.
La Jetée는 1962에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. La Jetée가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.9에서 La Jetée는 품질이 일관된 범위에 있지만 영화는 더 높은 등급 타이틀에 대한 광범위한 합의를 달성하지 못했습니다. 이러한 좁은 합의는 특정 매력을 반영하는 경우가 많습니다. La Jetée는 모든 사람을 위한 것은 아니지만 올바른 시청자에게는 탁월합니다. 영화는 다른 장르에서는 할 수 없는 드라마가 무엇을 할 수 있는지 보여줍니다. 평범한 인간의 행동에 압력을 가하고 반응을 통해 성격을 드러내는 것입니다. 감독은 그러한 조건을 만들고 출연진은 진정한 확신을 가지고 그 조건에 적응합니다. 1960s는 특정한 관심과 특정한 미적 접근 방식을 지닌 특정한 문화적 순간이었습니다. La Jetée는 이러한 조건을 초월하면서 반영합니다. 감상하기 위해 1960s를 이해할 필요가 없는 1960s영화입니다.
La Jetée의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Chris Marker는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. La Jetée는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 La Jetée가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
La Jetée를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 La Jetée를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 La Jetée가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Chris Marker의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Jean Négroni의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 La Jetée는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. La Jetée는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. Chris Marker의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. La Jetée를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
A Fistful of Dollars
로호 삼형제와 보안관 존 백스터가 주도권 싸움을 하는 멕시코의 한 마을 산 미구엘에 총잡이 조가 나타난다. 양 측은 조를 이용하는 것 처럼 보이지만 조는 그 가운데 자신의 잇속을 챙기려 하는데...
시청해야 하는 이유: A Fistful of Dollars는 전제가 제시하는 것보다 나은 영화 범주에 속합니다. Sergio Leone는 필요한 관심에 보답하는 소재에 기술과 의도를 부여합니다.
A Fistful of Dollars의 1964 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. A Fistful of Dollars를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. A Fistful of Dollars의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.8의 A Fistful of Dollars는 이 목록의 신뢰할 수 있는 계층을 나타냅니다. 실망시키지 않는 영화들입니다. Sergio Leone는 영화에 필요한 것이 무엇인지 이해하고 타협 없이 실행했습니다. 감독은 어떤 장면을 완성해야 하는지, 출연진이 그 장면에 어떻게 참여해야 하는지에 대한 명확한 원칙에 따라 영화를 제작합니다. 그 결과 매 순간이 전체를 이루는 영화가 탄생했습니다. 1960s의 영화 순위를 매기는 것은 부분적으로 살아남은 영화를 식별하는 연습입니다. A Fistful of Dollars가 살아남은 이유는 Sergio Leone가 트렌드가 아닌 기술을 기반으로 선택했기 때문입니다. 7.8 등급은 이러한 선택이 여전히 유효하다고 생각하는 시청자를 반영합니다.
A Fistful of Dollars의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Sergio Leone는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. A Fistful of Dollars의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Clint Eastwood는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
A Fistful of Dollars는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.8 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. A Fistful of Dollars를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Sergio Leone 및 Clint Eastwood가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
A Fistful of Dollars는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. Sergio Leone는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 7.8 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 Sergio Leone의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 A Fistful of Dollars가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
훌륭한 영화는 카테고리를 초월합니다. 기술이 탁월하기 때문에 작동합니다.
The Man Who Shot Liberty Valance
젊은 변호사 랜스는 죽마고우였던 톰의 장례식을 위해 텍사스의 작은 마을인 신본으로 향하고, 가는 도중 회상에 잠긴다. 예전의 신본은 리버티 밸런스라는 무법자 때문에 온 동네가 공포 그 자체였다. 신본에 도착한 랜스는 법으로 리버티를 응징하려고 하지만 무법자에게 법이 통할리 만무하다. 이 때 신본에서 리버티를 대적할 유일한 사람인 톰은 리버티에게 맞설 수 있는 방법은 오직 '총'뿐이라고 말한다. 랜스와 톰은 표면적으로 '법'과 '총'이라는 견해 차이를 보이는데 그 내면에는 할리라는 여인을 차지하고자 하는 마음이 있다. 그러는 사이 리버티의 만행은 갈수록 심해지고 최후의 시간이 다가온다.
시청해야 하는 이유: 환자의 관심에 보답하는 영화. John Ford는 단 한 장면도 낭비하지 않으며 The Man Who Shot Liberty Valance에 대한 투자는 완전히 정당하다고 느껴집니다.
The Man Who Shot Liberty Valance(1962)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, The Man Who Shot Liberty Valance는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 대규모 유권자 풀의 7.8 등급은 영화가 시청자가 발견한 모든 약점보다 더 큰 장점을 가지고 있음을 의미합니다. The Man Who Shot Liberty Valance는 모든 영화가 충족해야 하는 최소 표준이자 개봉 횟수보다 적은 수의 달성이라는 핵심 약속을 이행합니다. 영화는 장면을 구성하는 방법, 정보의 속도를 조정하는 방법, 관객이 관심을 갖는 이해관계를 만드는 방법 등 감독의 공예에 대한 이해를 보여줍니다. The Man Who Shot Liberty Valance는 1960s영화에서 그 자리를 차지합니다. 그 이유는 지난 10년 동안 제작되었지만 이후 수십 년 동안 잃어버린 것을 포착하기 때문입니다. 1960s영화 제작의 문화적, 기술적 조건이 John Ford가 여기서 무엇을 만들 수 있는지를 결정했습니다.
The Man Who Shot Liberty Valance의 시각적 언어는 1962의 영화 제작을 최대한 반영합니다. John Ford는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. The Man Who Shot Liberty Valance의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 The Man Who Shot Liberty Valance를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
The Man Who Shot Liberty Valance는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.8 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. The Man Who Shot Liberty Valance를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. John Ford 및 John Wayne가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에서 The Man Who Shot Liberty Valance의 위치는 모든 사람을 위한 모든 것을 열망하지 않고 특정 품질을 안정적으로 전달하는 영화를 반영합니다. John Ford는 영화가 무엇인지 이해하고 높은 수준의 제작으로 만들었습니다. 7.8 등급은 이러한 조건으로 영화에 참여했으며 높은 평가를 받을 가치가 있다고 생각하는 시청자를 나타냅니다. 서로 다른 기대를 품은 관객들은 평점보다 영화가 덜 만족스럽다고 느낄 때도 있는데, 이는 영화의 약점이 아니라 기대감에 있다. The Man Who Shot Liberty Valance는 바로 그 기술로 만들어졌고, 그것을 평가한 유권자들은 그것에 반응하고 있었습니다.
Rosemary's Baby
로즈메리는 배우인 남편 가이와 맨하탄의 중산층 아파트에 이주한다. 평화로워 보이는 이 아파트에서 이들은 이웃의 친절한 노부부와 가까워져 함께 많은 시간을 보낸다. 그러던 중, 로즈메리가 화장실에서 만났던 한 여자가 의문의 죽음을 당하는 일이 발생하고, 로즈메리는 악몽을 꾼 뒤 임신하게 된다. 그녀가 임신을 하면서 산부인과 의사를 통해 믿기 어려운 사실들을 알게 되는데...
시청해야 하는 이유: Rosemary's Baby는 정직하게 긴장감을 얻습니다. 압박감은 인위적인 놀라움보다는 상황과 성격에서 비롯됩니다. Roman Polanski는 청중이 이해관계를 느낄 것이라고 믿습니다.
1968에 개봉된 Rosemary's Baby는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Roman Polanski는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.8 등급은 그 지속력의 증거입니다. Rosemary's Baby의 7.8 점수는 대안이 있었고 이를 높게 평가한 시청자를 바탕으로 만들어졌습니다. 그 선택은 자신의 주장을 명확하게 밝힌 영화를 반영합니다. 이것이 바로 Rosemary's Baby가 하는 일입니다. Roman Polanski가 주장을 펼쳤고 청중은 이를 받아들였습니다. 영화를 스릴러로 만드는 것은 스테이크에는 투자가 필요하다는 이해입니다. 첫 번째 막은 압력이 가해지기 전에 성격을 형성합니다. 긴장이 고조될 때쯤에는 결과에 신경을 써야 할 이유가 생깁니다. 매 10년마다 그 당시에는 꼭 필요해 보이다가 사라지는 영화를 제작합니다. Rosemary's Baby는 더 작은 범주에 속합니다. 1960s영화는 그 시대에 대한 향수가 없는 시청자들에게 여전히 높은 평가를 받고 있습니다. 세대 간 품질이 실제 테스트입니다.
Rosemary's Baby의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Roman Polanski는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Mia Farrow는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Rosemary's Baby에서 가장 잘 드러납니다.
Rosemary's Baby를 처음 시청하는 시청자는 Roman Polanski가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Rosemary's Baby의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Mia Farrow는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1968 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Roman Polanski가 의도한 것입니다.
이와 같은 목록에서 11~25위 범위에 위치한 영화는 문화적 비중 없이 상위 10위권의 품질을 전달하기 때문에 가장 유용한 발견인 경우가 많습니다. Rosemary's Baby가 이 위치에 있는 것은 위의 항목보다 훨씬 나쁘기 때문이 아니라 매력이 더 집중되어 있기 때문입니다. Rosemary's Baby에서 Roman Polanski의 활동을 접한 시청자들은 이 목록에 있는 어떤 영화보다도 높게 평가합니다. 더 넓은 유권자 기반의 평균이 여기에 위치합니다. 장르 선호도, 감독 관심도 또는 시대를 기준으로 이 영화가 자신에게 적합하다고 생각하는 구체적인 이유가 있는 시청자는 그보다 높은 순위의 여러 항목보다 우선순위를 두어야 합니다.
Le Samouraï
프로 킬러인 제프 코스텔로는 자신만의 법칙을 엄격히 지키며 살고 있으며 의뢰받은 임무에서 실패한 적이 단 한 번도 없다. 그러나 완벽한 알리바이를 꾸며 실행한 나이트클럽 사장 살해 이후, 그는 경찰에 일급용의자로 체포된다. 여자친구의 알리바이 입증으로 경찰에서 풀려나오지만 경찰은 그의 유죄를 확신하고 그의 뒤를 밟는다. 한편 제프가 체포되도록 손을 쓴 고용주들이 그를 살해하기 위해 총잡이를 보낸다. 제프는 이제 경찰과 킬러, 양쪽의 위협에서 자신을 지켜야하는 상황에 부딪히게 된다.
시청해야 하는 이유: 최고의 스릴러 기술은 명백한 일이 일어나기 전에 청중이 두려움을 느낀다는 것을 의미합니다. Jean-Pierre Melville는 정보 및 타이밍 제어를 통해 Le Samouraï에서 이를 달성합니다.
Le Samouraï는 1967에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. Le Samouraï가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.8의 Le Samouraï는 여러 차원에서 지속적으로 평균 이상의 작품을 보여주는 영화입니다. 단일 요소가 다른 요소를 전달하지 않습니다. 연출, 글쓰기, 퍼포먼스 모두 같은 방향으로 끌려가고 있다. 이것은 긴장이 육체적이기보다는 심리적인 스릴러의 범주에 속합니다. 감독은 관객이 명백한 위험을 보여주지 않고도 압박감을 느낄 것이라고 믿는다. 결과는 기존 스릴러 메커니즘보다 더 불안합니다. Le Samouraï에 대한 1960s 컨텍스트는 부수적인 것이 아닙니다. 기술이 허용하는 것, 문화가 요구하는 것 등 지난 10년의 구체적인 미적 조건이 Jean-Pierre Melville의 선택을 결정했습니다. 그러한 선택은 그 순간과 별개로 유지됩니다.
Le Samouraï의 성능은 Jean-Pierre Melville가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Alain Delon는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Le Samouraï에서 가장 어려운 순간은 Alain Delon가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Le Samouraï의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Jean-Pierre Melville가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. Le Samouraï는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Alain Delon의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 Le Samouraï는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 Alain Delon의 성능과 Jean-Pierre Melville의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
Cool Hand Luke
루크 잭슨은 만취하여 물건을 부수는 바람에 흉악범도 아닌데 중노동형을 선고 받았다. 교도소에서 늙은 죄수들의 리더인 덩치 큰 도라는 태도를 빌미로 루크에게 격투를 걸었다. 승패는 누구의 눈에도 명백하였지만 의외로 루크가 이겼고 그는 동료들 사이에서 인기를 얻는다. 한편 어머니의 죽음으로 인해 2번 탈옥하다 다시 체포된 루크의는 간수들에게 심한 고문을 당한다. 이 죽음의 감방에서 루크는 기회 만을 노리는데...
시청해야 하는 이유: Stuart Rosenberg는 좋은 드라마가 요구하지만 거의 얻지 못하는 인내심을 가지고 Cool Hand Luke에 접근합니다. 그 결과 일정을 잡는 것이 아니라 감정적인 순간을 얻는 영화가 탄생했습니다.
Cool Hand Luke의 1967 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Cool Hand Luke를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Cool Hand Luke의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.7 범위의 영화는 목록에서 제시된 위치보다 더 흥미로운 경우가 많습니다. 그들은 높은 등급의 타이틀에 대한 문화적 포화를 달성하지 못했습니다. 이는 Cool Hand Luke가 선입견 없이 접근하기 더 쉽다는 것을 의미합니다. Cool Hand Luke는 그로부터 이익을 얻습니다. 이것이 드라마와 구별되는 점은 감독이 관객이 느낄 수 있는 것을 설명하기를 거부한다는 점이다. 영화는 감정적인 무게를 지닌 상황을 만들어내고 관객들이 그 무게를 스스로 짊어질 것이라고 믿습니다. 공연은 과도한 신호를 보내지 않고 감정적 기록을 제공합니다. 오늘날에도 여전히 7.7 등급을 받고 있는 1960s의 영화는 동시대 개봉 영화보다 더 오랜 테스트를 거쳐 살아남았습니다. Cool Hand Luke는 그 핵심인 스토리텔링, 퍼포먼스, 공예가 시대를 불문하고 작동하기 때문에 이 테스트를 통과했습니다.
Cool Hand Luke의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Stuart Rosenberg는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. Cool Hand Luke는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 Cool Hand Luke가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
Cool Hand Luke는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.7 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Cool Hand Luke를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Stuart Rosenberg 및 Paul Newman가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 Cool Hand Luke를 배치하는 7.7 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. Cool Hand Luke에 높은 점수를 주기로 한 결정은 Stuart Rosenberg가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. Cool Hand Luke는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
The Sound of Music
알프스의 아름다운 자연에 둘러싸인 오스트리아의 잘츠부르크 수도원. 음악을 사랑하는 말괄량이 견습 수녀 마리아는 원장 수녀의 권유로 해군 명문 집안 폰 트랩가의 가정교사가 된다. 마리아는 좀처럼 마음의 문을 열지 않는 폰 트랩가의 일곱 아이들에게 노래를 가르치며 점차 교감하게 되고, 엄격한 폰 트랩 대령 역시 마음의 문을 열게 된다. 그러던 어느 날, 마리아는 자신이 폰 트랩 대령을 사랑하고 있다는 사실을 깨닫게 되고, 자신만의 비밀을 간직한 채 아이들의 곁을 떠나 다시 수녀원에 들어가기로 결심하는데...
시청해야 하는 이유: 크레딧을 받고 나서도 여운이 남는 그런 드라마. Robert Wise는 표준 요금보다 높은 수준의 소재에 인내심을 제공합니다.
The Sound of Music(1965)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, The Sound of Music는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 7.7 등급은 일관된 수준에서 동시에 작동하는 감독, 각본 및 성능을 반영합니다. 이 범위의 점수를 받은 영화는 단일 차원에서 크게 실패하는 경우가 거의 없으며 The Sound of Music도 예외는 아닙니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. 1960s 시네마 전체의 맥락에서 The Sound of Music는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1960s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
The Sound of Music의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Robert Wise는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. The Sound of Music의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Julie Andrews는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
The Sound of Music를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 The Sound of Music를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 The Sound of Music가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Robert Wise의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Julie Andrews의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 The Sound of Music는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. The Sound of Music는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. Robert Wise의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. The Sound of Music를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
The Hustler
도박 당구 내기꾼인 에디('Fast' Eddie Felson: 폴 뉴먼 분)는 후견인 찰리(Charlie Burns: 마이론 맥코믹 분)와 함께 당구 도박으로 떠돌이 생활을 한다. 그러다 미네소타 팻(Minnesota Fats: 잭키 글리슨 분)과 큰 판을 벌이지만 가진 돈을 다 날리고 만다. 돈을 잃었다는 사실보다 그와의 시합에서 졌다는 사실에 실망한 에디는 찰리와 헤어져 도시를 방황하다 버스 터미널에서 우연히 사라 패커드(Sarah Packard: 파이퍼 로리 분)라는 여성을 만나 동거하게 된다. 사라는 어려서 소아마비에 걸린 뒤 집안에서 따돌림을 당하고 아버지가 부쳐주는 돈으로 혼자 살아가는 알콜중독자이다. 그러나 맑은 영혼을 가진 그녀는 에디에게 사랑을 느끼고 그가 도박으로 영혼까지 타락하는 것을 막으려고 노력한다. 하지만 미네소타 팻과 다시 대결하고픈 에디는 버트라는 도박꾼의 꾐에 빠져 다시 내기 당구 도박판에 뛰어든다. 한편 에디 옆에 사라가 있는 것이 못마땅한 버트는 그녀를 에디에게서 떼어놓기 위해 그녀의 신체적 결함을 지적해 온갖 수모를 준다. 그럼에도 불구하고 그녀는 진정으로 사랑하는 에디가 타락하는 것을 막기 위해 노력하나 결국 자살하고 만다. 에디는 자신을 붙잡으려고 노력하는 사라에게 그 역시 진실한 사랑을 느끼고 있었으나, 그 사실을 그녀의 사망 후에 깨닫는다. 에디는 사라를 생각하며 미네소타 팻과의 대결에서 이기고 진정한 당구 실력자임을 인정받는다.
시청해야 하는 이유: The Hustler는 침묵을 믿는 드라마다. Robert Rossen는 장면에 명백한 끝점을 지나 숨을 쉴 수 있는 공간을 제공하여 캐릭터가 수행을 중단할 때 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다.
1961에 개봉된 The Hustler는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Robert Rossen는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.7 등급은 그 지속력의 증거입니다. The Hustler의 7.7 점수는 큰 약점 없이 전제를 전달하는 영화 중 하나입니다. Robert Rossen는 전체적으로 의도한 대로 작동하는 것을 만들었지만, 생각보다 흔하지 않습니다. 드라마는 보편성보다는 특수성에서 나온다. 감독은 이런 상황에서 등장인물들에게 정확하게 적용되는 선택을 하는데, 이는 역설적으로 일반적인 감정 비트보다 더 보편적인 것을 만들어낸다. 1960s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. The Hustler는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
The Hustler의 시각적 언어는 1961의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Robert Rossen는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. The Hustler의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 The Hustler를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
The Hustler는 단순히 시간을 채우는 것보다 진정한 내용을 담고 싶은 저녁 시간에 적합합니다. 그것은 배경 영화도 아니고 수동적인 경험도 아닙니다. Robert Rossen는 여러분의 관심을 끌고 일반적이 아닌 구체적으로 보상하는 무언가를 구성했습니다. 다른 일을 하면서 The Hustler를 시청하는 시청자는 영화에 완전히 집중한 사람이 볼 수 있는 버전보다 훨씬 적은 버전의 영화를 보게 됩니다. 7.7 등급은 집중 시청 경험을 반영합니다. 출연진(구체적으로 Paul Newman)은 집중해서 볼 때 기록되고 주의가 산만해지면 사라지는 공연 세부 정보를 제공합니다.
The Hustler는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. Robert Rossen는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 7.7 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 Robert Rossen의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 The Hustler가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
In the Heat of the Night
60년대에도 여전히 흑인들이 목화 농장에서 노예 취급을 받았던 미국 남부 스파르타에서 한 북부 사업가가 피살된다. 조사에 착수한 보안관이 흑인이라는 이유로 체포한 사람은 바로 가족들을 만나러 온 형사 버질 팁스(시드니 포이티어)다. 무능하고 한심한 수사를 보다 못해 직접 나선 팁스는 사사건건 시비를 거는 백인 보안관 길레스피(로드 스타이거)와 함께 수사를 진행한다. 길레스피와 버질은 함께 사건을 겪으며 서로를 알아가고 차츰 인간적으로 가까워진다.
시청해야 하는 이유: In the Heat of the Night가 드라마로 작동하는 이유는 Norman Jewison가 관객이 느낄 수 있는 감정을 설명하기를 거부하기 때문입니다. 감정 기록은 신호를 받는 것이 아니라 생성되는 것입니다.
In the Heat of the Night는 1967에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. In the Heat of the Night가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.7에서 In the Heat of the Night는 품질이 일관된 범위에 있지만 영화는 더 높은 등급 타이틀에 대한 광범위한 합의를 달성하지 못했습니다. 이러한 좁은 합의는 특정 매력을 반영하는 경우가 많습니다. In the Heat of the Night는 모든 사람을 위한 것은 아니지만 올바른 시청자에게는 탁월합니다. 영화는 다른 장르에서는 할 수 없는 드라마가 무엇을 할 수 있는지 보여줍니다. 평범한 인간의 행동에 압력을 가하고 반응을 통해 성격을 드러내는 것입니다. 감독은 그러한 조건을 만들고 출연진은 진정한 확신을 가지고 그 조건에 적응합니다. 1960s는 특정한 관심과 특정한 미적 접근 방식을 지닌 특정한 문화적 순간이었습니다. In the Heat of the Night는 이러한 조건을 초월하면서 반영합니다. 감상하기 위해 1960s를 이해할 필요가 없는 1960s영화입니다.
In the Heat of the Night의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Norman Jewison는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Sidney Poitier는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 In the Heat of the Night에서 가장 잘 드러납니다.
In the Heat of the Night는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.7 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. In the Heat of the Night를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Norman Jewison 및 Sidney Poitier가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에서 In the Heat of the Night의 위치는 모든 사람을 위한 모든 것을 열망하지 않고 특정 품질을 안정적으로 전달하는 영화를 반영합니다. Norman Jewison는 영화가 무엇인지 이해하고 높은 수준의 제작으로 만들었습니다. 7.7 등급은 이러한 조건으로 영화에 참여했으며 높은 평가를 받을 가치가 있다고 생각하는 시청자를 나타냅니다. 서로 다른 기대를 품은 관객들은 평점보다 영화가 덜 만족스럽다고 느낄 때도 있는데, 이는 영화의 약점이 아니라 기대감에 있다. In the Heat of the Night는 바로 그 기술로 만들어졌고, 그것을 평가한 유권자들은 그것에 반응하고 있었습니다.
Charade
레지나의 남편이 어느 날 살해된다. 장례식이 있던 날 그녀는 경찰로부터 남편이 현금 도난 사건에 연루되었으며 함께 범죄에 참가했던 사람들이 그 돈을 찾고 있다는 말을 듣는다. 그녀는 곧 세 명의 남자들로부터 계속 추적을 받는다. 그리고 조슈아라는 남자가 그녀를 도와주겠다고 한다. 돈의 행방은 묘연하고, 조슈아는 자신의 신분과 이름을 계속 바꾸는데, 그 와중에서 추적자들은 하나씩 살해된다.
시청해야 하는 이유: 코미디는 유지하기 가장 어려운 장르입니다. Stanley Donen는 Charade를 수월해 보이게 만듭니다. 이는 대부분의 청중이 의식적으로 등록하지 않는 상당한 기술의 표시입니다.
Charade의 1963 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Charade를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Charade의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.7의 Charade는 이 목록의 신뢰할 수 있는 계층을 나타냅니다. 실망시키지 않는 영화들입니다. Stanley Donen는 영화에 필요한 것이 무엇인지 이해하고 타협 없이 실행했습니다. 코미디로서의 영화의 일관성은 일관성에서 나온다. 감독은 세계의 규칙과 그 안에서 인물들의 행동을 설정하고, 인물들이 상황을 헤쳐나가는 방식에서 유머가 나온다. 1960s의 영화 순위를 매기는 것은 부분적으로 살아남은 영화를 식별하는 연습입니다. Charade가 살아남은 이유는 Stanley Donen가 트렌드가 아닌 기술을 기반으로 선택했기 때문입니다. 7.7 등급은 이러한 선택이 여전히 유효하다고 생각하는 시청자를 반영합니다.
Charade의 성능은 Stanley Donen가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Cary Grant는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Charade에서 가장 어려운 순간은 Cary Grant가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Charade를 처음 시청하는 시청자는 Stanley Donen가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Charade의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Cary Grant는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1963 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Stanley Donen가 의도한 것입니다.
이와 같은 목록에서 11~25위 범위에 위치한 영화는 문화적 비중 없이 상위 10위권의 품질을 전달하기 때문에 가장 유용한 발견인 경우가 많습니다. Charade가 이 위치에 있는 것은 위의 항목보다 훨씬 나쁘기 때문이 아니라 매력이 더 집중되어 있기 때문입니다. Charade에서 Stanley Donen의 활동을 접한 시청자들은 이 목록에 있는 어떤 영화보다도 높게 평가합니다. 더 넓은 유권자 기반의 평균이 여기에 위치합니다. 장르 선호도, 감독 관심도 또는 시대를 기준으로 이 영화가 자신에게 적합하다고 생각하는 구체적인 이유가 있는 시청자는 그보다 높은 순위의 여러 항목보다 우선순위를 두어야 합니다.
Planet of the Apes
지구 시각 2673년 3월 26일, 삭막해진 세상에 모든 미련을 버린 테일러 일행을 태운 우주선이 1년 6개월만에 어느 행성의 바다에 불시착한다. 그들은 이곳이 지구에서 320광년 떨어져 있고, 오리온좌의 태양 주위를 돌고 있는 어느 이름 모를 행성으로 추측한다. 행성의 생명체 유무를 위해 사막 위의 긴나긴 탐사 여행을 하던 그들은 곧 원시인의 무리를 발견하지만, 곧 말을 타고 총을 쏘아대는 원숭이들 무리에 쫓기게 된다. 이 행성은 바로 원숭이들의 지배 하에 있었고, 인간의 모습과 거의 비슷한 원시인들은 야생 동물처럼 살고 있었다.
시청해야 하는 이유: 크레딧을 받고 나서도 여운이 남는 그런 드라마. Franklin J. Schaffner는 표준 요금보다 높은 수준의 소재에 인내심을 제공합니다.
Planet of the Apes(1968)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Planet of the Apes는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 대규모 유권자 풀의 7.7 등급은 영화가 시청자가 발견한 모든 약점보다 더 큰 장점을 가지고 있음을 의미합니다. Planet of the Apes는 모든 영화가 충족해야 하는 최소 표준이자 개봉 횟수보다 적은 수의 달성이라는 핵심 약속을 이행합니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. Planet of the Apes는 1960s영화에서 그 자리를 차지합니다. 그 이유는 지난 10년 동안 제작되었지만 이후 수십 년 동안 잃어버린 것을 포착하기 때문입니다. 1960s영화 제작의 문화적, 기술적 조건이 Franklin J. Schaffner가 여기서 무엇을 만들 수 있는지를 결정했습니다.
Planet of the Apes의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Franklin J. Schaffner는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. Planet of the Apes는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 Planet of the Apes가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
Planet of the Apes의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Franklin J. Schaffner가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. Planet of the Apes는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Charlton Heston의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 Planet of the Apes는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 Charlton Heston의 성능과 Franklin J. Schaffner의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
The Graduate
이스턴 대학을 우수한 성적으로 졸업하고 귀가한 벤저민은 주변 사람들로부터 기대를 한 몸에 받고 있지만 졸업 후 자신이 무엇을 해야 할 지에 대해선 아무런 계획이나 이상도 갖고 있지 못한 인물. 그는 파티석상에서부터 시작된 미세스 로빈슨의 끈질긴 유혹에 걸려들어 마침내 무질서한 생활에 빠져든다. 그녀의 조카 엘레인을 로빈슨으로부터 소개받은 벤은 미세스 로빈슨의 강요로 엘레인을 따돌리려 하나, 그녀의 진실을 깨닫게 되어 둘은 사랑에 빠진다. 그러나 이모와의 불륜을 알게 되어 고민하던 엘레인은 학교로 돌아가 의대생인 칼 스미스와의 결혼을 생각하게 된다.
시청해야 하는 이유: The Graduate는 침묵을 믿는 드라마다. Mike Nichols는 장면에 명백한 끝점을 지나 숨을 쉴 수 있는 공간을 제공하여 캐릭터가 수행을 중단할 때 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다.
1967에 개봉된 The Graduate는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Mike Nichols는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.6 등급은 그 지속력의 증거입니다. The Graduate의 7.6 점수는 대안이 있었고 이를 높게 평가한 시청자를 바탕으로 만들어졌습니다. 그 선택은 자신의 주장을 명확하게 밝힌 영화를 반영합니다. 이것이 바로 The Graduate가 하는 일입니다. Mike Nichols가 주장을 펼쳤고 청중은 이를 받아들였습니다. 드라마는 보편성보다는 특수성에서 나온다. 감독은 이런 상황에서 등장인물들에게 정확하게 적용되는 선택을 하는데, 이는 역설적으로 일반적인 감정 비트보다 더 보편적인 것을 만들어낸다. 매 10년마다 그 당시에는 꼭 필요해 보이다가 사라지는 영화를 제작합니다. The Graduate는 더 작은 범주에 속합니다. 1960s영화는 그 시대에 대한 향수가 없는 시청자들에게 여전히 높은 평가를 받고 있습니다. 세대 간 품질이 실제 테스트입니다.
The Graduate의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Mike Nichols는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. The Graduate의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Dustin Hoffman는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
The Graduate는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.6 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. The Graduate를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Mike Nichols 및 Dustin Hoffman가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 The Graduate를 배치하는 7.6 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. The Graduate에 높은 점수를 주기로 한 결정은 Mike Nichols가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. The Graduate는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
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Breakfast at Tiffany's
1940년대 초 뉴욕, 검은 선글라스에 화려한 장신구로 치장한 한 여성이 택시에서 내려 보석상 티파니 앞을 활보한다. 그녀는 뉴욕의 한 아파트에서 홀로 살아가며 부유한 남자들과의 만남을 통해 화려한 신분 상승을 꿈꾸는 홀리. 어느 날 같은 아파트에 폴이라는 별 볼 일 없는 작가가 이사를 오면서 이들의 만남이 시작된다. 폴은 이웃에 사는 우아하고 귀여운 홀리를 보고 매료당하고, 센트럴 파크에서 둘이서 승마를 타기도 하는 등 점점 친해진다. 하지만 그녀는 가난한 현실을 벗어나 꿈같은 상류 사회, 부와 풍요를 동경한다. 신분 상승을 꿈꾸는 그녀에게 폴은 말이 통하는 좋은 친구일 뿐...
시청해야 하는 이유: Breakfast at Tiffany's가 드라마로 작동하는 이유는 Blake Edwards가 관객이 느낄 수 있는 감정을 설명하기를 거부하기 때문입니다. 감정 기록은 신호를 받는 것이 아니라 생성되는 것입니다.
Breakfast at Tiffany's는 1961에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. Breakfast at Tiffany's가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.6의 Breakfast at Tiffany's는 여러 차원에서 지속적으로 평균 이상의 작품을 보여주는 영화입니다. 단일 요소가 다른 요소를 전달하지 않습니다. 연출, 글쓰기, 퍼포먼스 모두 같은 방향으로 끌려가고 있다. 영화는 다른 장르에서는 할 수 없는 드라마가 무엇을 할 수 있는지 보여줍니다. 평범한 인간의 행동에 압력을 가하고 반응을 통해 성격을 드러내는 것입니다. 감독은 그러한 조건을 만들고 출연진은 진정한 확신을 가지고 그 조건에 적응합니다. Breakfast at Tiffany's에 대한 1960s 컨텍스트는 부수적인 것이 아닙니다. 기술이 허용하는 것, 문화가 요구하는 것 등 지난 10년의 구체적인 미적 조건이 Blake Edwards의 선택을 결정했습니다. 그러한 선택은 그 순간과 별개로 유지됩니다.
Breakfast at Tiffany's의 시각적 언어는 1961의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Blake Edwards는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. Breakfast at Tiffany's의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 Breakfast at Tiffany's를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
Breakfast at Tiffany's를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 Breakfast at Tiffany's를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 Breakfast at Tiffany's가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Blake Edwards의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Audrey Hepburn의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 Breakfast at Tiffany's는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. Breakfast at Tiffany's는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. Blake Edwards의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. Breakfast at Tiffany's를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
Butch Cassidy and the Sundance Kid
1890년대 미국 서부. 부치 캐시디와 선댄스 키드는 갱단을 이끌고 은행만 전문적으로 터는 은행 강도들로, 사람들을 해치는 것을 최대한으로 피하는 양심적인 강도들이다. 보스인 부치는 머리 회전이 빠르고 인심은 좋지만 총솜씨는 별로 없고 반면, 선댄스는 부치와는 정반대로 구변은 별로 없지만 총솜씨는 당해낼 사람이 없다. 미래에 대한 희망도 없이 돈이 생기면 써버리고 없으면 은행을 터는 그들이지만 세상을 바라보는 눈은 매우 낙천적이며 낭만적이기도 하다. 그러다 모처럼 몇차례 열차를 턴 것이 화근이 되어 추적을 받게 된 부치와 선댄스, 선댄스의 애인 에타는 하는 수 없이 볼리비아로 간다. 하지만 볼리비아는 그들이 생각했던 것보다 가난한 나라로 영어가 통하지 않아 부치와 선댄스는 에타에게서 스페인어를 배운다. 볼리비아에서도 털고 도망치고를 반복하는 은행 털이가 순조롭게 이어지는데..
시청해야 하는 이유: 이 수준의 범죄 영화에서는 범죄 세계를 양식화되기보다는 실제처럼 느껴지도록 만들어야 합니다. George Roy Hill는 구체적성(사물이 실제로 어떻게 작동하는지에 대한 세부 사항)을 통해 Butch Cassidy and the Sundance Kid에서 이를 달성합니다.
Butch Cassidy and the Sundance Kid의 1969 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Butch Cassidy and the Sundance Kid를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Butch Cassidy and the Sundance Kid의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.6 범위의 영화는 목록에서 제시된 위치보다 더 흥미로운 경우가 많습니다. 그들은 높은 등급의 타이틀에 대한 문화적 포화를 달성하지 못했습니다. 이는 Butch Cassidy and the Sundance Kid가 선입견 없이 접근하기 더 쉽다는 것을 의미합니다. Butch Cassidy and the Sundance Kid는 그로부터 이익을 얻습니다. 범죄는 특정한 세계 논리에 근거합니다. 감독은 범죄 세계를 지배하는 규칙을 이해하고 그 규칙을 중심으로 이야기를 구성하기보다는 그 안에서 이야기를 구성합니다. 오늘날에도 여전히 7.6 등급을 받고 있는 1960s의 영화는 동시대 개봉 영화보다 더 오랜 테스트를 거쳐 살아남았습니다. Butch Cassidy and the Sundance Kid는 그 핵심인 스토리텔링, 퍼포먼스, 공예가 시대를 불문하고 작동하기 때문에 이 테스트를 통과했습니다.
Butch Cassidy and the Sundance Kid의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. George Roy Hill는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Paul Newman는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Butch Cassidy and the Sundance Kid에서 가장 잘 드러납니다.
Butch Cassidy and the Sundance Kid는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.6 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Butch Cassidy and the Sundance Kid를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. George Roy Hill 및 Paul Newman가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
Butch Cassidy and the Sundance Kid는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. George Roy Hill는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 7.6 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 George Roy Hill의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 Butch Cassidy and the Sundance Kid가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
Night of the Living Dead
남매인 조니와 바바라는 죽은 아빠의 무덤을 찾아간다. 그 때 어디선가 나타난 좀비들의 습격에 오빠 조니가 죽고, 바바라만 외딴 집으로 도망을 친다. 겁에 질린 바바라가 정신을 차려보니, 그 집은 좀비를 피해 사람들이 숨어있는 곳이였는데...
시청해야 하는 이유: 정밀하게 긴장감을 구축하는 스릴러. George A. Romero는 제조된 충격보다는 논리를 통해 추진력을 구축합니다.
Night of the Living Dead(1968)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Night of the Living Dead는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 7.6 등급은 일관된 수준에서 동시에 작동하는 감독, 각본 및 성능을 반영합니다. 이 범위의 점수를 받은 영화는 단일 차원에서 크게 실패하는 경우가 거의 없으며 Night of the Living Dead도 예외는 아닙니다. 감독은 정보 비대칭성을 중심으로 영화를 구성합니다. 관객은 등장인물보다 더 많거나 더 적게 알고 있으며, 영화는 두 상태를 모두 정밀하게 조작합니다. 출연진은 강렬함보다는 절제를 통해 긴장감을 전달한다. 1960s 시네마 전체의 맥락에서 Night of the Living Dead는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1960s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
Night of the Living Dead의 성능은 George A. Romero가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Judith O'Dea는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Night of the Living Dead에서 가장 어려운 순간은 Judith O'Dea가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Night of the Living Dead는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.6 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Night of the Living Dead를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. George A. Romero 및 Judith O'Dea가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에서 Night of the Living Dead의 위치는 모든 사람을 위한 모든 것을 열망하지 않고 특정 품질을 안정적으로 전달하는 영화를 반영합니다. George A. Romero는 영화가 무엇인지 이해하고 높은 수준의 제작으로 만들었습니다. 7.6 등급은 이러한 조건으로 영화에 참여했으며 높은 평가를 받을 가치가 있다고 생각하는 시청자를 나타냅니다. 서로 다른 기대를 품은 관객들은 평점보다 영화가 덜 만족스럽다고 느낄 때도 있는데, 이는 영화의 약점이 아니라 기대감에 있다. Night of the Living Dead는 바로 그 기술로 만들어졌고, 그것을 평가한 유권자들은 그것에 반응하고 있었습니다.
The Longest Day
2차 대전 말, 연합군은 미 사령관 아이젠 하워의 지휘하에 독일과의 전쟁을 종결시킬 작전을 구상한다. 그것은 유럽의 중심지이자 프랑스의 해안지방인 노르망디에 극비의 상륙작전을 개시하는 것. 이러한 연합군의 작전 계획을 염탐한 독일군은 2차대전 최대의 격전지인 프랑스 노르망디를 사수하고자 경계를 더욱 강화한다. 치밀한 작전 계획을 준비한 연합군은 작전 성공을 위해 비가 오는 악천후 속에서도 훈련을 거듭하고 병사들 사이에서는 서서히 긴장감이 감돌기 시작한다. 1944년 6월 6일 새벽, 드디어 런던의 연합군 최고 사령부는 노르망디 상륙작전의 개시를 알리는데...
시청해야 하는 이유: The Longest Day는 침묵을 믿는 드라마다. Ken Annakin는 장면에 명백한 끝점을 지나 숨을 쉴 수 있는 공간을 제공하여 캐릭터가 수행을 중단할 때 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다.
1962에 개봉된 The Longest Day는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Ken Annakin는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.6 등급은 그 지속력의 증거입니다. The Longest Day의 7.6 점수는 큰 약점 없이 전제를 전달하는 영화 중 하나입니다. Ken Annakin는 전체적으로 의도한 대로 작동하는 것을 만들었지만, 생각보다 흔하지 않습니다. 드라마는 보편성보다는 특수성에서 나온다. 감독은 이런 상황에서 등장인물들에게 정확하게 적용되는 선택을 하는데, 이는 역설적으로 일반적인 감정 비트보다 더 보편적인 것을 만들어낸다. 1960s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. The Longest Day는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
The Longest Day의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Ken Annakin는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. The Longest Day는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 The Longest Day가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
The Longest Day를 처음 시청하는 시청자는 Ken Annakin가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. The Longest Day의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. John Wayne는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1962 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Ken Annakin가 의도한 것입니다.
이와 같은 목록에서 11~25위 범위에 위치한 영화는 문화적 비중 없이 상위 10위권의 품질을 전달하기 때문에 가장 유용한 발견인 경우가 많습니다. The Longest Day가 이 위치에 있는 것은 위의 항목보다 훨씬 나쁘기 때문이 아니라 매력이 더 집중되어 있기 때문입니다. The Longest Day에서 Ken Annakin의 활동을 접한 시청자들은 이 목록에 있는 어떤 영화보다도 높게 평가합니다. 더 넓은 유권자 기반의 평균이 여기에 위치합니다. 장르 선호도, 감독 관심도 또는 시대를 기준으로 이 영화가 자신에게 적합하다고 생각하는 구체적인 이유가 있는 시청자는 그보다 높은 순위의 여러 항목보다 우선순위를 두어야 합니다.
The Dirty Dozen
연합군과 독일 나치스군 사이에 치열한 접전이 벌어지고 있을 때 미 육군 당국은 군형무소에서 사형 집행을 기다리고 있는 12명의 흉악범을 석방하고, 이들에게 독일 나찌에 대항하는 위험한 임무를 수행할 수 있는 고도의 살인 훈련을 시킨다. 살인특공대의 대장은 리 마빈. 임무를 완수하면 석방될 수도 있는 작전에 12명의 성난 사형수는 목숨을 걸고 나찌스군과 처절한 전투를 벌인다.
시청해야 하는 이유: Robert Aldrich는 단순히 충격이 아닌 이해를 위해 The Dirty Dozen의 액션을 촬영합니다. 공간 논리는 전체적으로 유지되는데, 이는 필요한 것보다 더 드뭅니다.
The Dirty Dozen는 1967에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. The Dirty Dozen가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.6에서 The Dirty Dozen는 품질이 일관된 범위에 있지만 영화는 더 높은 등급 타이틀에 대한 광범위한 합의를 달성하지 못했습니다. 이러한 좁은 합의는 특정 매력을 반영하는 경우가 많습니다. The Dirty Dozen는 모든 사람을 위한 것은 아니지만 올바른 시청자에게는 탁월합니다. 감독은 카메라 스펙타클보다는 휴먼 스케일로 액션을 촬영합니다. 캐릭터는 일관된 공간을 차지하고 그들의 몸은 읽을 수 있는 목적을 가지고 그 공간을 통해 움직입니다. 그 결과는 순간적인 아드레날린을 생성하기보다는 임팩트를 축적하는 액션이다. 1960s는 특정한 관심과 특정한 미적 접근 방식을 지닌 특정한 문화적 순간이었습니다. The Dirty Dozen는 이러한 조건을 초월하면서 반영합니다. 감상하기 위해 1960s를 이해할 필요가 없는 1960s영화입니다.
The Dirty Dozen의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Robert Aldrich는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. The Dirty Dozen의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Lee Marvin는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
The Dirty Dozen의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Robert Aldrich가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. The Dirty Dozen는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Lee Marvin의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 The Dirty Dozen는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 Lee Marvin의 성능과 Robert Aldrich의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
The Wild Bunch
1913년 멕시코. 범죄를 일삼는 8명의 악당들은 그들을 추적하는 인간 사냥꾼들에게 포위된다. 무고한 사람들까지 죽음을 당할 정도의 격렬한 총격전 끝에 악당 5명은 끝내 추격의 올가미를 빠져 나간다. 리더인 파이크 비숍, 충성스런 더치, 불만투성이의 소치 형제와 이들의 앙숙인 멕시코 출신의 앤젤. 여기에 왕년에 총잡이로 이름을 떨치던 시키즈까지 가세해 여섯명이 된 일행은 추격자들의 끈질긴 추격을 역시 끈질기게 피해간다. 이들 일행에게 악당 두목 아파치는 무기를 수송하는 기차를 털라고 사주를 한다. 와일드 번치 일당이 감행한 이 작전은 성공을 거두지만 아파치는 앤젤을 인질로 잡는다. 무기를 인도하는 과정에서 앤젤이 무기를 빼돌렸다는 것이다. 파이크를 비롯한 나머지 와일드 번치 일당은 동료 앤젤을 구하기 위해 결과가 뻔한 싸움을 감행한다.
시청해야 하는 이유: The Wild Bunch는 전제가 제시하는 것보다 나은 영화 범주에 속합니다. Sam Peckinpah는 필요한 관심에 보답하는 소재에 기술과 의도를 부여합니다.
The Wild Bunch의 1969 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. The Wild Bunch를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. The Wild Bunch의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.6의 The Wild Bunch는 이 목록의 신뢰할 수 있는 계층을 나타냅니다. 실망시키지 않는 영화들입니다. Sam Peckinpah는 영화에 필요한 것이 무엇인지 이해하고 타협 없이 실행했습니다. 감독은 어떤 장면을 완성해야 하는지, 출연진이 그 장면에 어떻게 참여해야 하는지에 대한 명확한 원칙에 따라 영화를 제작합니다. 그 결과 매 순간이 전체를 이루는 영화가 탄생했습니다. 1960s의 영화 순위를 매기는 것은 부분적으로 살아남은 영화를 식별하는 연습입니다. The Wild Bunch가 살아남은 이유는 Sam Peckinpah가 트렌드가 아닌 기술을 기반으로 선택했기 때문입니다. 7.6 등급은 이러한 선택이 여전히 유효하다고 생각하는 시청자를 반영합니다.
The Wild Bunch의 시각적 언어는 1969의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Sam Peckinpah는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. The Wild Bunch의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 The Wild Bunch를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
The Wild Bunch는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.6 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. The Wild Bunch를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Sam Peckinpah 및 William Holden가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 The Wild Bunch를 배치하는 7.6 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. The Wild Bunch에 높은 점수를 주기로 한 결정은 Sam Peckinpah가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. The Wild Bunch는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
Doctor Zhivago
고아 유리 지바고(오마 샤리프)는 그로메코가(家)에 입양되어 성장한다. 그는 크렘린 궁성 앞에서 노동자와 학생들이 기마병에게 살해되는 것을 보고 큰 충격을 받고, 의학을 공부해 빈곤한 사람들을 돕고자 꿈꾼다. 열심히 의학실습에 몰두하던 중 운명의 여인 라라(줄리 크리스티)와 마주친다. 1차대전에 군의관으로 참전한 그는 우연히 종군간호부로 변신한 라라와 재회한다. 1917년 혁명정부가 수립된 러시아에서 유리는 숙청을 피해 우랄 산맥의 오지로 숨어든다. 궁핍하지만 평화가 감도는 전원 생활을 보내던 그는 우연히 그 근처로 이주해온 라라와 다시 운명적으로 만나게 되는데...
시청해야 하는 이유: 크레딧을 받고 나서도 여운이 남는 그런 드라마. David Lean는 표준 요금보다 높은 수준의 소재에 인내심을 제공합니다.
Doctor Zhivago(1965)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Doctor Zhivago는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 대규모 유권자 풀의 7.5 등급은 영화가 시청자가 발견한 모든 약점보다 더 큰 장점을 가지고 있음을 의미합니다. Doctor Zhivago는 모든 영화가 충족해야 하는 최소 표준이자 개봉 횟수보다 적은 수의 달성이라는 핵심 약속을 이행합니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. Doctor Zhivago는 1960s영화에서 그 자리를 차지합니다. 그 이유는 지난 10년 동안 제작되었지만 이후 수십 년 동안 잃어버린 것을 포착하기 때문입니다. 1960s영화 제작의 문화적, 기술적 조건이 David Lean가 여기서 무엇을 만들 수 있는지를 결정했습니다.
Doctor Zhivago의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. David Lean는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Omar Sharif는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Doctor Zhivago에서 가장 잘 드러납니다.
Doctor Zhivago를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 Doctor Zhivago를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 Doctor Zhivago가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. David Lean의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Omar Sharif의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 Doctor Zhivago는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. Doctor Zhivago는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. David Lean의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. Doctor Zhivago를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
Jules and Jim
1912년 파리, 금발의 귀여운 독일인 쥴과 까만 머리에 콧수염이 매력적인 프랑스인 짐은 우연히 접한 매혹적인 조각상과 똑 닮은 신비로운 여인 카트린을 만나고, 동시에 사랑에 빠지게 된다. 이 때부터 쥴과 짐 그리고 마성녀 카트린의 인생은 예측할 수 없는 방향으로 흘러간다. 적극적인 애정 공세로 카트린과의 결혼에 성공한 쥴. 하지만 쥴과의 사이에서 권태를 느끼던 카트린은 오랜만에 그들을 찾아온 짐과 불 같은 사랑에 빠지고, 급기야 이들 세 사람은 기묘한 동거에 들어간다. 하지만 영원히 쿨할 것만 같던 이들 사이에 질투와 집착이 비집고 들어오는데...
시청해야 하는 이유: Jules and Jim는 침묵을 믿는 드라마다. François Truffaut는 장면에 명백한 끝점을 지나 숨을 쉴 수 있는 공간을 제공하여 캐릭터가 수행을 중단할 때 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다.
1962에 개봉된 Jules and Jim는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. François Truffaut는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.5 등급은 그 지속력의 증거입니다. Jules and Jim의 7.5 점수는 대안이 있었고 이를 높게 평가한 시청자를 바탕으로 만들어졌습니다. 그 선택은 자신의 주장을 명확하게 밝힌 영화를 반영합니다. 이것이 바로 Jules and Jim가 하는 일입니다. François Truffaut가 주장을 펼쳤고 청중은 이를 받아들였습니다. 드라마는 보편성보다는 특수성에서 나온다. 감독은 이런 상황에서 등장인물들에게 정확하게 적용되는 선택을 하는데, 이는 역설적으로 일반적인 감정 비트보다 더 보편적인 것을 만들어낸다. 매 10년마다 그 당시에는 꼭 필요해 보이다가 사라지는 영화를 제작합니다. Jules and Jim는 더 작은 범주에 속합니다. 1960s영화는 그 시대에 대한 향수가 없는 시청자들에게 여전히 높은 평가를 받고 있습니다. 세대 간 품질이 실제 테스트입니다.
Jules and Jim의 성능은 François Truffaut가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Jeanne Moreau는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Jules and Jim에서 가장 어려운 순간은 Jeanne Moreau가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Jules and Jim는 단순히 시간을 채우는 것보다 진정한 내용을 담고 싶은 저녁 시간에 적합합니다. 그것은 배경 영화도 아니고 수동적인 경험도 아닙니다. François Truffaut는 여러분의 관심을 끌고 일반적이 아닌 구체적으로 보상하는 무언가를 구성했습니다. 다른 일을 하면서 Jules and Jim를 시청하는 시청자는 영화에 완전히 집중한 사람이 볼 수 있는 버전보다 훨씬 적은 버전의 영화를 보게 됩니다. 7.5 등급은 집중 시청 경험을 반영합니다. 출연진(구체적으로 Jeanne Moreau)은 집중해서 볼 때 기록되고 주의가 산만해지면 사라지는 공연 세부 정보를 제공합니다.
Jules and Jim는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. François Truffaut는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 7.5 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 François Truffaut의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 Jules and Jim가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
Mary Poppins
영국 런던의 브리티쉬 뱅크에 다니고 있는 조지 뱅크스, 여성 참정권을 주장하고 다니는 그의 아내 위니프레드 뱅크스, 그리고 매번 유모들을 쫓아내다시피 하는 말썽꾸러기 아이들 제인과 마이클. 그 날도 아이들은 유모 몰래 사라져 버리고 유모는 더 이상 못 참겠다며 가방을 싸들고 집을 나선다. 집으로 돌아오던 뱅크스 부인은 유모를 말려보지만 소용이 없다. 결국 유모는 뱅크스댁을 떠나게 되고, 그제서야 아이들이 돌아온다. 뱅크스씨는 신문에 유모를 구한다는 기사를 내려하고, 아이들은 자신들이 원하는 유모의 조건을 적어가지고 온다. 붉은 뺨을 하고 있어야 하고, 재미있는 놀이를 많이 알고 있는 유모를 원한다는 것이다. 그러나 뱅크스씨는 이 종이를 찢어버린다. 다음날, 면접을 보러 많은 사람들이 몰려오지만, 우산을 타고 내려온 메리 포핀스의 바람에 모두들 날아가 버린다. 어떨결에 메리 포핀스를 유모로 정하게 된 뱅크스씨. 아이들은 가방에서 옷걸이며, 화분이며 이것 저것을 꺼내는 메리 포핀스를 보며 신기해 한다. 메리 포핀스와 노래를 부르며 방을 치우고 굴뚝 청소부 버트와 함께 그림속 축제가 열리는 마을로 여행도 가고, 웃으면 붕 뜨는 알버트를 만나 함께 웃으며 즐거운 시간을 보낸다. 어느날 아이들은 아버지를 따라 브리티쉬 은행에 가게 되는데, 그곳에서 마이클이 가진 2펜스 때문에 소동이 벌어지는데...
시청해야 하는 이유: Robert Stevenson는 진정한 캐릭터 관찰을 통해 Mary Poppins의 코미디를 구축합니다. 사람들을 더 잘 알기 때문에 영화가 진행됨에 따라 웃음이 더해집니다.
Mary Poppins는 1964에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. Mary Poppins가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.5의 Mary Poppins는 여러 차원에서 지속적으로 평균 이상의 작품을 보여주는 영화입니다. 단일 요소가 다른 요소를 전달하지 않습니다. 연출, 글쓰기, 퍼포먼스 모두 같은 방향으로 끌려가고 있다. 캐릭터 코미디는 감독과 출연진이 가장 재미있는 순간은 과장이 아닌 진실에서 나온다는 점을 이해해야 합니다. 영화는 캐릭터가 하는 일이 그들이 누구인지에 대해 의미가 있기 때문에 효과가 있습니다. Mary Poppins에 대한 1960s 컨텍스트는 부수적인 것이 아닙니다. 기술이 허용하는 것, 문화가 요구하는 것 등 지난 10년의 구체적인 미적 조건이 Robert Stevenson의 선택을 결정했습니다. 그러한 선택은 그 순간과 별개로 유지됩니다.
Mary Poppins의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Robert Stevenson는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. Mary Poppins는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 Mary Poppins가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
Mary Poppins는 다른 곳에서 가져온 기대에 부응하기보다는 영화 그 자체로 만나고 싶은 시청자에게 믿을 수 있는 추천작입니다. 이 카테고리에서 더 높은 등급의 타이틀이 문화적 편재성을 갖고 있지 않습니다. 즉, 의무적으로 시청해야 하는 부담 없이 도착한다는 의미입니다. Mary Poppins를 보아야 한다는 말을 듣지 않고 발견한 청중은 그것을 의무적으로 접근하는 사람들보다 더 강력하게 반응하는 경우가 많습니다. Robert Stevenson는 특별한 매력을 지닌 무언가를 만들었습니다. 모든 사람에게 모든 것이 되려고 노력하는 것은 아닙니다. Mary Poppins에 연결하는 시청자는 7.5 등급이 제시하는 것보다 훨씬 더 좋다고 생각하는 경향이 있으며, 이는 제한된 마케팅 가시성에도 불구하고 해당 등급을 유지하는 이유입니다.
목록의 이 섹션에서 Mary Poppins의 위치는 모든 사람을 위한 모든 것을 열망하지 않고 특정 품질을 안정적으로 전달하는 영화를 반영합니다. Robert Stevenson는 영화가 무엇인지 이해하고 높은 수준의 제작으로 만들었습니다. 7.5 등급은 이러한 조건으로 영화에 참여했으며 높은 평가를 받을 가치가 있다고 생각하는 시청자를 나타냅니다. 서로 다른 기대를 품은 관객들은 평점보다 영화가 덜 만족스럽다고 느낄 때도 있는데, 이는 영화의 약점이 아니라 기대감에 있다. Mary Poppins는 바로 그 기술로 만들어졌고, 그것을 평가한 유권자들은 그것에 반응하고 있었습니다.
Spartacus
트라키아 출신의 노예 스팔타커스(커크 더글러스)는 검투사를 훈련하는 바티아투스(피터 유스티노프)에게 팔려가게 된다. 경기장에서 훈련을 받던 스팔타커스는 동료 검투사를 이끌고 반란을 주도한다. 반란은 마을에서 마을로 퍼져가고 도망친 노예들이 합류하며 커다란 세력이 된다. 노예들은 스팔타커스를 따라 바다 건너 고향으로 돌아가기 위해 남하를 계속한다. 한편 수도 로마에서는 대립하는 두 원로원이 반란군을 각기 자신의 정치적인 입지를 강화하는 데 이용하려 한다.
시청해야 하는 이유: Stanley Kubrick는 좋은 드라마가 요구하지만 거의 얻지 못하는 인내심을 가지고 Spartacus에 접근합니다. 그 결과 일정을 잡는 것이 아니라 감정적인 순간을 얻는 영화가 탄생했습니다.
Spartacus의 1960 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Spartacus를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Spartacus의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.5 범위의 영화는 목록에서 제시된 위치보다 더 흥미로운 경우가 많습니다. 그들은 높은 등급의 타이틀에 대한 문화적 포화를 달성하지 못했습니다. 이는 Spartacus가 선입견 없이 접근하기 더 쉽다는 것을 의미합니다. Spartacus는 그로부터 이익을 얻습니다. 이것이 드라마와 구별되는 점은 감독이 관객이 느낄 수 있는 것을 설명하기를 거부한다는 점이다. 영화는 감정적인 무게를 지닌 상황을 만들어내고 관객들이 그 무게를 스스로 짊어질 것이라고 믿습니다. 공연은 과도한 신호를 보내지 않고 감정적 기록을 제공합니다. 오늘날에도 여전히 7.5 등급을 받고 있는 1960s의 영화는 동시대 개봉 영화보다 더 오랜 테스트를 거쳐 살아남았습니다. Spartacus는 그 핵심인 스토리텔링, 퍼포먼스, 공예가 시대를 불문하고 작동하기 때문에 이 테스트를 통과했습니다.
Spartacus의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Stanley Kubrick는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. Spartacus의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Kirk Douglas는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
Spartacus를 처음 시청하는 시청자는 Stanley Kubrick가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Spartacus의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Kirk Douglas는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1960 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Stanley Kubrick가 의도한 것입니다.
이와 같은 목록에서 11~25위 범위에 위치한 영화는 문화적 비중 없이 상위 10위권의 품질을 전달하기 때문에 가장 유용한 발견인 경우가 많습니다. Spartacus가 이 위치에 있는 것은 위의 항목보다 훨씬 나쁘기 때문이 아니라 매력이 더 집중되어 있기 때문입니다. Spartacus에서 Stanley Kubrick의 활동을 접한 시청자들은 이 목록에 있는 어떤 영화보다도 높게 평가합니다. 더 넓은 유권자 기반의 평균이 여기에 위치합니다. 장르 선호도, 감독 관심도 또는 시대를 기준으로 이 영화가 자신에게 적합하다고 생각하는 구체적인 이유가 있는 시청자는 그보다 높은 순위의 여러 항목보다 우선순위를 두어야 합니다.
좋은 영화를 보면 세상을 보는 방식이 달라집니다. 그렇기 때문에 우리는 신중하게 선택합니다.
Midnight Cowboy
출세에 목을 맨 텍사스 촌뜨기 존은 접시 닦이 일을 그만두고 뉴욕으로 짐을 싼다. 하지만 그의 야심찬 포부는 폐병 환자 사기꾼 라쏘를 만나면서 무참히 부서진다. 조는 가진 돈 전부를 라쏘에게 사기당하고 빈털터리가 되어 그를 찾아 나선다. 하지만 돈은 커녕 눈에 보이는 거라고는 폐병으로 죽어가는 참혹한 라쏘의 모습 뿐이다. 이들 사이에 묘한 우정이 싹트고, 도시 생활에 지쳐버린 존은 병들어 죽어가는 라쏘의 소원대로 따뜻한 마이애미로 떠나기로 하는데...
시청해야 하는 이유: 크레딧을 받고 나서도 여운이 남는 그런 드라마. John Schlesinger는 표준 요금보다 높은 수준의 소재에 인내심을 제공합니다.
Midnight Cowboy(1969)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Midnight Cowboy는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 7.5 등급은 일관된 수준에서 동시에 작동하는 감독, 각본 및 성능을 반영합니다. 이 범위의 점수를 받은 영화는 단일 차원에서 크게 실패하는 경우가 거의 없으며 Midnight Cowboy도 예외는 아닙니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. 1960s 시네마 전체의 맥락에서 Midnight Cowboy는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1960s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
Midnight Cowboy의 시각적 언어는 1969의 영화 제작을 최대한 반영합니다. John Schlesinger는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. Midnight Cowboy의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 Midnight Cowboy를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
Midnight Cowboy의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 John Schlesinger가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. Midnight Cowboy는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Dustin Hoffman의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 Midnight Cowboy는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 Dustin Hoffman의 성능과 John Schlesinger의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
The Birds
부유하고 제멋대로인 아가씨 멜라니 다니엘스는 샌프란시스코에 있는 한 새 가게에서 젊은 변호사 미치 브레너를 만난다. 미치에게 매력을 느낀 멜라니는 그냥 가버린 미치를 대신해 그의 어린 여동생 캐시에게 줄 생일선물로 잉꼬 한 쌍을 사서 그의 아파트를 찾아간다. 하지만 주말이면 보데가 만의 집으로 간다는 이웃의 말을 들고 멜라니는 다시 보데가 만으로 향한다. 잉꼬를 전한 뒤 모터보트를 빌려 타고 선착장에 가까이 갈 때 갈매기 한 마리가 날아와 돌연 그녀의 이마에 상처를 낸다. 멜라니는 그 지역 초등학교 교사인 애니 헤이워드와 함께 그날 밤을 보내게 되고 애니는 미치의 어머니에 대해 말해준다. 다음날 캐시의 야외 생일 파티장에서 갈매기들이 아이들을 공격하고 그날 저녁엔 수 백 마리의 참새 떼들이 벽난로 굴뚝으로 급습하는 일이 생긴다. 다음날 아침, 브레너 부인은 근처에 있는 농부의 집을 방문했다가 주인남자가 눈이 파 먹힌 채 죽어 있는 것을 발견하는데..
시청해야 하는 이유: The Birds는 정직하게 긴장감을 얻습니다. 압박감은 인위적인 놀라움보다는 상황과 성격에서 비롯됩니다. Alfred Hitchcock는 청중이 이해관계를 느낄 것이라고 믿습니다.
1963에 개봉된 The Birds는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Alfred Hitchcock는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.5 등급은 그 지속력의 증거입니다. The Birds의 7.5 점수는 큰 약점 없이 전제를 전달하는 영화 중 하나입니다. Alfred Hitchcock는 전체적으로 의도한 대로 작동하는 것을 만들었지만, 생각보다 흔하지 않습니다. 영화를 스릴러로 만드는 것은 스테이크에는 투자가 필요하다는 이해입니다. 첫 번째 막은 압력이 가해지기 전에 성격을 형성합니다. 긴장이 고조될 때쯤에는 결과에 신경을 써야 할 이유가 생깁니다. 1960s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. The Birds는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
The Birds의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Alfred Hitchcock는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Tippi Hedren는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 The Birds에서 가장 잘 드러납니다.
The Birds는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.5 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. The Birds를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Alfred Hitchcock 및 Tippi Hedren가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 The Birds를 배치하는 7.5 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. The Birds에 높은 점수를 주기로 한 결정은 Alfred Hitchcock가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. The Birds는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
The Magnificent Seven
미국과 멕시코의 국경 지대에 있는 가난한 마을에 매년 칼베라(Calvera: 엘리 월라치 분)란 도적떼가 나타나 수확한 양식을 빼앗아 가자 마침내 마을 사람들은 도적떼와 싸우기로 결심하고 총잡이를 구하러 도시로 온다. 대가도 너무 싸고 싸움에 승산이 없다는 걸 알면서도 그들을 딱하게 여긴 크리스(Chris Adams: 율 브리너 분)라는 총잡이가 다섯 명의 일류 총잡이들을 설득한다. 드디어 여섯 명의 총잡이가 마을로 향해가고 있는데 젊은 청년 치코가 그들을 쫓아오며 자신도 끼워달라고 떼를 쓴다. 결국 그의 끈질김에 감탄하여 그들은 치코를 끼워주기로 한다. 마을에 도착한 7인의 총잡이들은 마을 사람들에게 총 쏘는 법을 훈련시키고 함정을 만들며 칼베라와 싸울 준비 태세를 갖춘다. 처음엔 총잡이들이 무서워 피하기만 하던 마을 사람들도 그들을 믿고 따르게 된다. 드디어 칼베라 일당이 후퇴를 한다. 그러나 칼베라가 완전히 도망간 게 아니고 끝까지 싸울 계획임을 알게 되자 마을 사람들은 지금이라도 항복하자는 패와 끝까지 싸우자는 패로 나뉜다. 결국 항복을 주장하던 마을 사람 하나가 칼베라를 마을에 몰래 끌어들여 7인의 총잡이들을 잡게 한다. 목숨만 구한 채 마을에서 쫓겨난 그들은 죽을 걸 알면서도 마을로 되돌아가 싸우기로 한다. 목숨을 걸고 싸우고 있는 그들의 모습에 마을 사람들도 두려움을 떨치고 합세하여 칼베라 일당을 모조리 죽인다. 그러나 7인의 총잡이 중 셋만이 살아남는다. 그 중 치코는 사랑하는 마을 처녀 옆에 남기로 하고 두 명만이 마을을 떠나 다시 황야로 향한다.
시청해야 하는 이유: John Sturges는 단순히 충격이 아닌 이해를 위해 The Magnificent Seven의 액션을 촬영합니다. 공간 논리는 전체적으로 유지되는데, 이는 필요한 것보다 더 드뭅니다.
The Magnificent Seven는 1960에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. The Magnificent Seven가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.5에서 The Magnificent Seven는 품질이 일관된 범위에 있지만 영화는 더 높은 등급 타이틀에 대한 광범위한 합의를 달성하지 못했습니다. 이러한 좁은 합의는 특정 매력을 반영하는 경우가 많습니다. The Magnificent Seven는 모든 사람을 위한 것은 아니지만 올바른 시청자에게는 탁월합니다. 감독은 카메라 스펙타클보다는 휴먼 스케일로 액션을 촬영합니다. 캐릭터는 일관된 공간을 차지하고 그들의 몸은 읽을 수 있는 목적을 가지고 그 공간을 통해 움직입니다. 그 결과는 순간적인 아드레날린을 생성하기보다는 임팩트를 축적하는 액션이다. 1960s는 특정한 관심과 특정한 미적 접근 방식을 지닌 특정한 문화적 순간이었습니다. The Magnificent Seven는 이러한 조건을 초월하면서 반영합니다. 감상하기 위해 1960s를 이해할 필요가 없는 1960s영화입니다.
The Magnificent Seven의 성능은 John Sturges가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Yul Brynner는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. The Magnificent Seven에서 가장 어려운 순간은 Yul Brynner가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
The Magnificent Seven를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 The Magnificent Seven를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 The Magnificent Seven가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. John Sturges의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Yul Brynner의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 The Magnificent Seven는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. The Magnificent Seven는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. John Sturges의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. The Magnificent Seven를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
How the Grinch Stole Christmas!
후빌 마을의 크리스마스를 훔치려고 하는 심술궂은 그린치의 이야기.
시청해야 하는 이유: 코미디는 유지하기 가장 어려운 장르입니다. Chuck Jones는 How the Grinch Stole Christmas!를 수월해 보이게 만듭니다. 이는 대부분의 청중이 의식적으로 등록하지 않는 상당한 기술의 표시입니다.
How the Grinch Stole Christmas!의 1966 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. How the Grinch Stole Christmas!를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. How the Grinch Stole Christmas!의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.5의 How the Grinch Stole Christmas!는 이 목록의 신뢰할 수 있는 계층을 나타냅니다. 실망시키지 않는 영화들입니다. Chuck Jones는 영화에 필요한 것이 무엇인지 이해하고 타협 없이 실행했습니다. 코미디로서의 영화의 일관성은 일관성에서 나온다. 감독은 세계의 규칙과 그 안에서 인물들의 행동을 설정하고, 인물들이 상황을 헤쳐나가는 방식에서 유머가 나온다. 1960s의 영화 순위를 매기는 것은 부분적으로 살아남은 영화를 식별하는 연습입니다. How the Grinch Stole Christmas!가 살아남은 이유는 Chuck Jones가 트렌드가 아닌 기술을 기반으로 선택했기 때문입니다. 7.5 등급은 이러한 선택이 여전히 유효하다고 생각하는 시청자를 반영합니다.
How the Grinch Stole Christmas!의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Chuck Jones는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. How the Grinch Stole Christmas!는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 How the Grinch Stole Christmas!가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
How the Grinch Stole Christmas!는 솔로 및 그룹 시청 환경 모두에서 작동하는 보기 드문 영화 중 하나인데, 이는 대부분의 코미디에는 해당되지 않습니다. 설정보다는 캐릭터에서 유머를 이끌어내는 영화는 방에 누가 있든 상관없이 잘 재생되는 경향이 있습니다. 왜냐하면 웃음은 집단적 허가보다는 인정에서 나오기 때문입니다. How the Grinch Stole Christmas!를 혼자 시청하면 단체 시청에서는 놓칠 수 있는 캐릭터 관찰의 조용한 순간을 포착할 수 있습니다. 영화를 아는 다른 사람과 함께 영화를 보는 것은 효과가 있다고 알고 있는 것을 공유하는 특별한 즐거움을 선사합니다. How the Grinch Stole Christmas!의 런타임은 더 긴 영화를 볼 필요가 없는 진정한 품질의 무언가를 원하는 저녁 시간에 실용적인 선택이 됩니다. Chuck Jones의 속도는 영화가 초과하지 않고 런타임을 얻는다는 것을 의미합니다.
How the Grinch Stole Christmas!는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. Chuck Jones는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 7.5 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 Chuck Jones의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 How the Grinch Stole Christmas!가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
My Fair Lady
런던의 한 극장 앞에서 남루한 복장과 품위 없는 말투로 꽃을 팔고 있는 일라이자(오드리 햅번)를 본 언어학자 히긴스 교수(렉스 해리슨)와 그의 친구 피거링 대령이 이 여인을 데려다가 세련되고 우아한 귀부인으로 만들 수 있을 지 없을 지 내기를 한다. 그 후 일라이자는 히긴스 교수의 집에서 귀부인이 되기 위한 걸음걸이, 식사예절, 말하는 법 등의 특별훈련을 받는다. 드디어 그녀는 교육을 받은 효과가 나타나기 시작하고 히긴스 교수는 여왕이 참석하는 무도회에 일라이자를 데리고 간다. 이 무도회에서 그녀는 다른 어떤 여인들 보다 아름답고 세련된 완벽한 숙녀가 되어 있었다. 그러나 자신이 변할 수 있을지를 두고 히긴스와 피거링이 내기를 했다는 사실을 알게 되는데...
시청해야 하는 이유: 단순히 홍보된 영화라기보다 정말 재미있는 영화입니다. My Fair Lady의 유머는 설정이 아닌 캐릭터에서 나옵니다.
My Fair Lady(1964)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, My Fair Lady는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 대규모 유권자 풀의 7.5 등급은 영화가 시청자가 발견한 모든 약점보다 더 큰 장점을 가지고 있음을 의미합니다. My Fair Lady는 모든 영화가 충족해야 하는 최소 표준이자 개봉 횟수보다 적은 수의 달성이라는 핵심 약속을 이행합니다. 영화를 코미디로 만드는 이유는 감독이 유머가 어디에 있는지 알려주기를 거부하기 때문입니다. 농담은 성격과 상황에서 나오는데, 이는 웃어야 한다는 말을 기다리는 시청자보다 주의를 기울이는 시청자가 더 많은 것을 발견한다는 것을 의미합니다. My Fair Lady는 1960s영화에서 그 자리를 차지합니다. 그 이유는 지난 10년 동안 제작되었지만 이후 수십 년 동안 잃어버린 것을 포착하기 때문입니다. 1960s영화 제작의 문화적, 기술적 조건이 George Cukor가 여기서 무엇을 만들 수 있는지를 결정했습니다.
My Fair Lady의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. George Cukor는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. My Fair Lady의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Audrey Hepburn는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
My Fair Lady는 다른 곳에서 가져온 기대에 부응하기보다는 영화 그 자체로 만나고 싶은 시청자에게 믿을 수 있는 추천작입니다. 이 카테고리에서 더 높은 등급의 타이틀이 문화적 편재성을 갖고 있지 않습니다. 즉, 의무적으로 시청해야 하는 부담 없이 도착한다는 의미입니다. My Fair Lady를 보아야 한다는 말을 듣지 않고 발견한 청중은 그것을 의무적으로 접근하는 사람들보다 더 강력하게 반응하는 경우가 많습니다. George Cukor는 특별한 매력을 지닌 무언가를 만들었습니다. 모든 사람에게 모든 것이 되려고 노력하는 것은 아닙니다. My Fair Lady에 연결하는 시청자는 7.5 등급이 제시하는 것보다 훨씬 더 좋다고 생각하는 경향이 있으며, 이는 제한된 마케팅 가시성에도 불구하고 해당 등급을 유지하는 이유입니다.
목록의 이 섹션에서 My Fair Lady의 위치는 모든 사람을 위한 모든 것을 열망하지 않고 특정 품질을 안정적으로 전달하는 영화를 반영합니다. George Cukor는 영화가 무엇인지 이해하고 높은 수준의 제작으로 만들었습니다. 7.5 등급은 이러한 조건으로 영화에 참여했으며 높은 평가를 받을 가치가 있다고 생각하는 시청자를 나타냅니다. 서로 다른 기대를 품은 관객들은 평점보다 영화가 덜 만족스럽다고 느낄 때도 있는데, 이는 영화의 약점이 아니라 기대감에 있다. My Fair Lady는 바로 그 기술로 만들어졌고, 그것을 평가한 유권자들은 그것에 반응하고 있었습니다.
Bonnie and Clyde
클라이드는 차를 훔치려 하지만 차 임자인 여자가 자기를 쳐다보고 있는 것을 신경쓰지 못했다. 그녀의 이름은 보니. 보니는 클라이드에게 매섭게 달려들고 클라이드는 이런 그녀에게 오히려 매력을 느낀다. 보니 역시 당돌하고 어두운 개성을 가진 클라이드에게 점점 이끌린다. 두 사람은 범죄를 함꼐 저지르며 급속도로 가까와진다. 그 후 그들은 돌아다니면서 작은 은행을 터는 등의 객기를 부리고 클라이드의 형 부부와 우연히 알게된 프랭크 등이 합류하면서 대담한 강도 행각을 벌인다. 그러나 그들은 경찰의 추격이 가까워질수록 서로를 믿지 못하는데...
시청해야 하는 이유: Bonnie and Clyde는 침묵을 믿는 드라마다. Arthur Penn는 장면에 명백한 끝점을 지나 숨을 쉴 수 있는 공간을 제공하여 캐릭터가 수행을 중단할 때 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다.
1967에 개봉된 Bonnie and Clyde는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Arthur Penn는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.5 등급은 그 지속력의 증거입니다. Bonnie and Clyde의 7.5 점수는 대안이 있었고 이를 높게 평가한 시청자를 바탕으로 만들어졌습니다. 그 선택은 자신의 주장을 명확하게 밝힌 영화를 반영합니다. 이것이 바로 Bonnie and Clyde가 하는 일입니다. Arthur Penn가 주장을 펼쳤고 청중은 이를 받아들였습니다. 드라마는 보편성보다는 특수성에서 나온다. 감독은 이런 상황에서 등장인물들에게 정확하게 적용되는 선택을 하는데, 이는 역설적으로 일반적인 감정 비트보다 더 보편적인 것을 만들어낸다. 매 10년마다 그 당시에는 꼭 필요해 보이다가 사라지는 영화를 제작합니다. Bonnie and Clyde는 더 작은 범주에 속합니다. 1960s영화는 그 시대에 대한 향수가 없는 시청자들에게 여전히 높은 평가를 받고 있습니다. 세대 간 품질이 실제 테스트입니다.
Bonnie and Clyde의 시각적 언어는 1967의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Arthur Penn는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. Bonnie and Clyde의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 Bonnie and Clyde를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
Bonnie and Clyde를 처음 시청하는 시청자는 Arthur Penn가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Bonnie and Clyde의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Warren Beatty는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1967 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Arthur Penn가 의도한 것입니다.
이와 같은 목록에서 11~25위 범위에 위치한 영화는 문화적 비중 없이 상위 10위권의 품질을 전달하기 때문에 가장 유용한 발견인 경우가 많습니다. Bonnie and Clyde가 이 위치에 있는 것은 위의 항목보다 훨씬 나쁘기 때문이 아니라 매력이 더 집중되어 있기 때문입니다. Bonnie and Clyde에서 Arthur Penn의 활동을 접한 시청자들은 이 목록에 있는 어떤 영화보다도 높게 평가합니다. 더 넓은 유권자 기반의 평균이 여기에 위치합니다. 장르 선호도, 감독 관심도 또는 시대를 기준으로 이 영화가 자신에게 적합하다고 생각하는 구체적인 이유가 있는 시청자는 그보다 높은 순위의 여러 항목보다 우선순위를 두어야 합니다.
Breathless
기자 지망생 ‘파트리시아’는 샹젤리제에서 신문을 팔다 마주친 ‘미셸’과 시간을 보내다 신문에 실린 사진으로 그의 정체를 알게 된다.
시청해야 하는 이유: Breathless가 드라마로 작동하는 이유는 Jean-Luc Godard가 관객이 느낄 수 있는 감정을 설명하기를 거부하기 때문입니다. 감정 기록은 신호를 받는 것이 아니라 생성되는 것입니다.
Breathless는 1960에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. Breathless가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.5의 Breathless는 여러 차원에서 지속적으로 평균 이상의 작품을 보여주는 영화입니다. 단일 요소가 다른 요소를 전달하지 않습니다. 연출, 글쓰기, 퍼포먼스 모두 같은 방향으로 끌려가고 있다. 영화는 다른 장르에서는 할 수 없는 드라마가 무엇을 할 수 있는지 보여줍니다. 평범한 인간의 행동에 압력을 가하고 반응을 통해 성격을 드러내는 것입니다. 감독은 그러한 조건을 만들고 출연진은 진정한 확신을 가지고 그 조건에 적응합니다. Breathless에 대한 1960s 컨텍스트는 부수적인 것이 아닙니다. 기술이 허용하는 것, 문화가 요구하는 것 등 지난 10년의 구체적인 미적 조건이 Jean-Luc Godard의 선택을 결정했습니다. 그러한 선택은 그 순간과 별개로 유지됩니다.
Breathless의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Jean-Luc Godard는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Jean-Paul Belmondo는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Breathless에서 가장 잘 드러납니다.
Breathless의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Jean-Luc Godard가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. Breathless는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Jean-Paul Belmondo의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 Breathless는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 Jean-Paul Belmondo의 성능과 Jean-Luc Godard의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
Repulsion
피부관리실에서 일하는 캐롤은 침울한 성격의 소유자로, 언니 헬렌과 함께 아파트에 살고 있다. 성적 결벽증이 있는 그녀는 언니가 마이클과 동거하는 것을 못마땅해 하고, 자신에게 구애하는 콜린도 받아들이지 못한다. 그러던 어느 날 헬렌이 밀린 집세를 캐롤에게 맡기고 마이클과 함께 여행을 떠나자 캐롤은 강간을 당하는 환각 증세에 사로잡힌다. 결국 그녀는 집에 찾아온 남자들을 살해하는데...
시청해야 하는 이유: Repulsion는 최고의 스릴러가 절제를 통해 작동한다는 것을 보여줍니다. Roman Polanski는 최대한 오랫동안 보류하며 결과는 기존 에스컬레이션보다 더 효과적입니다.
Repulsion의 1965 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Repulsion를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Repulsion의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.4 범위의 영화는 목록에서 제시된 위치보다 더 흥미로운 경우가 많습니다. 그들은 높은 등급의 타이틀에 대한 문화적 포화를 달성하지 못했습니다. 이는 Repulsion가 선입견 없이 접근하기 더 쉽다는 것을 의미합니다. Repulsion는 그로부터 이익을 얻습니다. 기술은 감독이 보류하는 것에서 가장 눈에 띄게 나타납니다. 정보는 전략적으로 공개되며, 각 공개는 이전에 나온 내용을 재구성합니다. 성과는 통제된 공개에 맞춰 조정됩니다. 오늘날에도 여전히 7.4 등급을 받고 있는 1960s의 영화는 동시대 개봉 영화보다 더 오랜 테스트를 거쳐 살아남았습니다. Repulsion는 그 핵심인 스토리텔링, 퍼포먼스, 공예가 시대를 불문하고 작동하기 때문에 이 테스트를 통과했습니다.
Repulsion의 성능은 Roman Polanski가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Catherine Deneuve는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Repulsion에서 가장 어려운 순간은 Catherine Deneuve가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Repulsion는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.4 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Repulsion를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Roman Polanski 및 Catherine Deneuve가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 Repulsion를 배치하는 7.4 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. Repulsion에 높은 점수를 주기로 한 결정은 Roman Polanski가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. Repulsion는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
Goldfinger
영국 국적의 골드핑거는 정식 금매매업자이며 국제 보석상이다. 그가 보유하고 있는 상당량의 금을 외국으로 반출시킨다는 정보를 입수한 영국 은행. 하지만 물증이 없는 영국 은행은 M을 통해 007에게 증거를 찾도록 임무를 내린다. 007은 그에게 접근하고 금전적 손실을 입히지만 그 대가로 매스터슨 자매가 죽음을 당한다. 제네바까지 쫓아간 007은 골드핑거가 고급승용차인 롤스로이스 팬텀 3의 차체를 금으로 만들어 밀수한다는 사실을 알아낸다. 하지만 그 와중에 007은 잡히게 되고 레이저의 위협도 받게 되는데...
시청해야 하는 이유: 정밀하게 긴장감을 구축하는 스릴러. Guy Hamilton는 제조된 충격보다는 논리를 통해 추진력을 구축합니다.
Goldfinger(1964)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Goldfinger는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 7.4 등급은 일관된 수준에서 동시에 작동하는 감독, 각본 및 성능을 반영합니다. 이 범위의 점수를 받은 영화는 단일 차원에서 크게 실패하는 경우가 거의 없으며 Goldfinger도 예외는 아닙니다. 감독은 정보 비대칭성을 중심으로 영화를 구성합니다. 관객은 등장인물보다 더 많거나 더 적게 알고 있으며, 영화는 두 상태를 모두 정밀하게 조작합니다. 출연진은 강렬함보다는 절제를 통해 긴장감을 전달한다. 1960s 시네마 전체의 맥락에서 Goldfinger는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1960s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
Goldfinger의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Guy Hamilton는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. Goldfinger는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 Goldfinger가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
Goldfinger를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 Goldfinger를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 Goldfinger가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Guy Hamilton의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Sean Connery의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 Goldfinger는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. Goldfinger는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. Guy Hamilton의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. Goldfinger를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
Blow-Up
사진 스튜디오를 경영하는 프로 사진작가 토마스는 조금은 거칠다 싶을 정도로 편집증적인 성격을 갖고있다. 늘 새로운 사진을 위하여 동분서주하던 토마스는 크리이언트인 론이 의뢰한 책의 화보의 앤딩 부분의 구상을 준비하러 공원으로 나가서 무작위로 이것 저것 사진을 찍다 연인처럼 보이는 한쌍의 연인을 발견하고 숨어서 그들의 포옹 장면 등 많은 포즈들을 찍는다. 그러다 이를 발견한 여자가 쫓아와서 필름을 내놓으라고 강요한다. 그는 자신이 사진작가임을 내세워 나중에 사진을 보내주겠다고 제의하는데, 그때까지만 해도 집요하게 필름을 요구하던 여자가 갑자기 도망치듯 사라져 버린다. 토마스는 론을 만나서 확보의 컷들을 합의하고 집으로 돌아오는데 공원에서 만난 그 여자가 집앞에 와 있었다. 집을 가르쳐준 적도 없는데 찾아온 여자를 수상하게 여긴 토마스는 엉뚱한 필름을 넘겨주고 곧 현상작업에 들어가는데...
시청해야 하는 이유: Blow-Up는 정직하게 긴장감을 얻습니다. 압박감은 인위적인 놀라움보다는 상황과 성격에서 비롯됩니다. Michelangelo Antonioni는 청중이 이해관계를 느낄 것이라고 믿습니다.
1966에 개봉된 Blow-Up는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Michelangelo Antonioni는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.3 등급은 그 지속력의 증거입니다. Blow-Up의 7.3 점수는 큰 약점 없이 전제를 전달하는 영화 중 하나입니다. Michelangelo Antonioni는 전체적으로 의도한 대로 작동하는 것을 만들었지만, 생각보다 흔하지 않습니다. 영화를 스릴러로 만드는 것은 스테이크에는 투자가 필요하다는 이해입니다. 첫 번째 막은 압력이 가해지기 전에 성격을 형성합니다. 긴장이 고조될 때쯤에는 결과에 신경을 써야 할 이유가 생깁니다. 1960s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. Blow-Up는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
Blow-Up의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Michelangelo Antonioni는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. Blow-Up의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. David Hemmings는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
Blow-Up는 단순히 시간을 채우는 것보다 진정한 내용을 담고 싶은 저녁 시간에 적합합니다. 그것은 배경 영화도 아니고 수동적인 경험도 아닙니다. Michelangelo Antonioni는 여러분의 관심을 끌고 일반적이 아닌 구체적으로 보상하는 무언가를 구성했습니다. 다른 일을 하면서 Blow-Up를 시청하는 시청자는 영화에 완전히 집중한 사람이 볼 수 있는 버전보다 훨씬 적은 버전의 영화를 보게 됩니다. 7.3 등급은 집중 시청 경험을 반영합니다. 출연진(구체적으로 David Hemmings)은 집중해서 볼 때 기록되고 주의가 산만해지면 사라지는 공연 세부 정보를 제공합니다.
Blow-Up는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. Michelangelo Antonioni는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 7.3 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 Michelangelo Antonioni의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 Blow-Up가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
1960s 영화의 순위를 매긴 방법
이 페이지의 모든 영화는 영화 데이터베이스 API의 데이터를 사용하여 선택되었으며 품질 일관성을 보장하기 위해 최소 투표 기준으로 필터링되었습니다. 이 프로세스는 이 카테고리의 모든 영화로 시작하여 투표 평균을 기준으로 내림차순으로 정렬된 다음 필터링하여 필요한 투표 수보다 적은 영화를 제외합니다.
더 큰 목록에서 각 항목의 정확성을 수동으로 확인했습니다. 높은 평점이 자동으로 시청 가능성으로 해석되는 것은 아닙니다. 최근 뉴스 때문에 인기 급상승 중인 영화는 정말 좋기 때문에 인기 급상승 중인 영화와는 다릅니다. 각 항목에 대한 편집 분석은 문화적 소음보다는 실제 영화 품질을 반영합니다.
선택은 접근성과 깊이 사이의 균형을 유지합니다. 여기에 있는 영화는 현대 개봉작부터 재발견할 가치가 있는 카탈로그 타이틀까지 다양합니다. 모두 기술과 의도로 만들어졌습니다. 모든 보상보기.
장르별 최고의 1960s 영화
이 페이지의 50 영화는 다양한 장르와 하위 장르에 걸쳐 있습니다. 장르는 필터로는 유용하지만 최종 카테고리로는 유용하지 않습니다. 드라마 태그가 붙은 영화는 스릴러 태그가 붙은 영화만큼 긴장감을 느낄 수 있습니다. 액션 태그가 붙은 영화는 드라마 태그가 붙은 영화만큼 정서적으로 지능적일 수 있습니다. 장르를 전체 그림이 아닌 출발점으로 활용하세요.
각 영화의 장르 태그는 영화의 위치를 범주별로 보여줍니다. 필터를 사용하여 1960s 내에서 가장 관심 있는 장르를 찾으세요.
등급별 최고의 1960s 영화
이 페이지의 영화는 세 가지 등급으로 구분됩니다. 8.5 이상의 영화는 모든 측면에서 예외적이며 이 카테고리에서 가장 뛰어난 영화를 나타냅니다. 7.5에서 8.4까지의 영화는 일관된 기술을 보여주며 안정적으로 강력합니다. 7.0에서 7.4까지의 영화는 약간 더 넓은 품질 범위를 나타내지만 여전히 훌륭하고 볼만한 가치가 있습니다.
TMDB에서 8.0 등급을 받으려면 통계적으로 신뢰할 수 있을 만큼 충분히 큰 유권자 기반이 필요합니다. 이는 시간이 지남에 따라 테스트된 진정한 청중 감사를 반영합니다.
Runtime 최고의 1960s 영화
런타임은 시청할 항목을 선택할 때 가장 유용한 필터 중 하나이며 가장 적게 사용되는 필터 중 하나입니다. 90분 미만의 영화는 정밀하게 완벽한 경험을 제공합니다. 대부분의 시청 상황에 가장 적합한 영화 길이는 90~120분입니다. 120분이 넘는 영화는 헌신이 필요하지만 그에 대한 보상을 제공합니다.
예상보다 훨씬 오래 걸리는 일을 밤늦게 시작하기보다는 여유 시간을 활용하여 적합한 영화를 찾으세요.
찾을 가치가 있는 숨겨진 보석
모든 1960s 선택 항목에는 최고 가시성 순위보다 낮지만 뛰어난 내용을 제공하는 영화가 포함되어 있습니다. 프랜차이즈 인지도나 최근 언론 보도가 부족하기 때문에 알고리즘이 과소평가하는 영화입니다. 모호하다고 해서 숨겨지는 것이 아닙니다. 플랫폼에서 가장 큰 옵션이 먼저 표시되기 때문에 숨겨져 있습니다.
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The 1960s is best understood through multiple lenses. Below are related ways to explore movies from this decade and era.
자주 묻는 질문
1960s의 최고의 영화는 무엇입니까?
1960s의 최고의 영화는 이 페이지에 순위가 매겨져 있으며 전체 목록이 나열되어 있습니다. 이 목록은 향수보다는 진정한 청중의 감사를 반영합니다. 모든 영화는 충분히 많은 관객의 지속적인 긍정적인 반응을 통해 그 자리를 차지했습니다.
1960s의 최고 평점을 받은 영화는 무엇인가요?
1960s의 최고 등급 영화가 이 페이지 상단에 나열되어 있습니다. 등급이 8.5 이상인 영화는 이후 제작된 모든 콘텐츠에 액세스할 수 있었던 시청자의 평가를 받았기 때문에 등급이 수치만으로 제시되는 것보다 더 의미가 있습니다.
최고의 1960s 스릴러는 무엇입니까?
1960s의 스릴러는 이 페이지 전체에서 장르 태그로 식별됩니다. 스릴러 또는 범죄 스릴러 태그가 붙은 영화를 찾아보세요. 최고의 1960s 스릴러는 조작된 충격보다는 캐릭터 투자를 통해 긴장감을 조성합니다.
1960s 드라마 중 최고의 드라마는 무엇인가요?
1960s의 드라마 영화는 이 시대의 가장 지속적인 작품을 대표합니다. 최고의 1960s 드라마는 시청자가 밑줄을 긋지 않고 감정 정보를 등록하고 출시 후에도 수십 년 동안 시청에 대한 보상을 계속할 것이라고 신뢰했습니다.
최고의 1960s 액션 영화는 무엇입니까?
액션 영화는 1960s 기간 동안 크게 발전했습니다. 액션이라는 태그가 붙은 이 페이지의 영화는 이해가 먼저이고 충격이 두 번째로 이어지는 시퀀스를 통해 이러한 진화의 최고를 나타냅니다.
최고의 1960s 코미디는 무엇입니까?
최고의 1960s 코미디는 설정과 펀치라인 메커니즘보다는 캐릭터에서 유머를 이끌어 냈습니다. 원래의 문화적 참조가 희미해진 경우에도 캐릭터가 구체적이고 알아볼 수 있기 때문에 여전히 재미있습니다.
최고의 1960s 공포 영화는 무엇입니까?
최고의 1960s 공포 영화는 충격보다 분위기가 더 오래 지속되며 공포에는 캐릭터에 대한 사전 투자가 필요하다는 점을 이해했습니다. 명시적인 내용보다는 대기 공예 및 구조적 지능을 위해 선택되었습니다.
최고의 1960s SF 영화는 무엇입니까?
최고의 1960s 공상과학 영화는 볼거리보다는 인간의 질문을 탐구하기 위해 추측적 전제를 사용했습니다. 이 장르는 실제 아이디어를 담은 프로젝트가 제작되어 극장에서 개봉될 정도로 진지하게 받아들여졌습니다.
최고의 1960s 범죄 영화는 무엇입니까?
1960s의 범죄 영화는 해당 장르가 제작한 가장 강력한 작품 중 일부를 대표합니다. 이 영화들은 도덕적 모호함을 해결하지 못한 채 다루었고, 낭만주의 없이 범죄 생활의 대가를 보여주었습니다.
1960s의 최고의 외국영화는 무엇인가요?
1960s의 국제 영화가 이 목록 전체에 표시됩니다. 이 시대에는 몇몇 국립 영화관이 창작의 정점에 있었습니다. 자막 회의론자는 이 페이지에서 등급 8.5 이상인 외국어 영화부터 시작해야 합니다.
1960s의 가장 과소평가된 영화는 무엇인가요?
이 페이지의 숨겨진 보석 섹션에서는 의미 있는 유권자 기반에서 6.5~7.4점 사이의 점수를 얻은 1960s 영화를 식별합니다. 이 영화들은 모호해서가 아니라 프랜차이즈 인지도나 최근 언론 보도가 부족하기 때문에 과소평가됩니다.
누구나 한 번쯤은 봐야 할 1960s 영화는 무엇일까요?
이 목록에서 등급 8.0 이상인 영화는 협상할 수 없는 1960s 시청을 나타냅니다. 이는 여러 세대의 시청자들 사이에서 진정한 비판적 합의를 달성했으며 계속해서 새로운 시청자에게 전달됩니다.
일반적으로 오래된 영화를 보지 않는 사람을 위한 최고의 1960s 영화는 무엇입니까?
이 페이지에서 등급이 8.5 이상인 영화부터 시작하세요. 품질은 노화되지 않습니다. 장르 태그를 사용하여 좋아하는 장르의 1960s 영화를 찾고 거기서 시작하세요.
1960s 영화는 현대 영화와 어떻게 다릅니까?
1960s는 다양한 제약과 다양한 야망을 가지고 영화를 제작했습니다. 예산 구조 덕분에 독창적인 전제를 갖춘 중급 영화가 극장 개봉을 할 수 있었습니다. 감독에게는 현재 일반적인 것보다 스튜디오에 비해 더 많은 창의적인 통제권이 주어졌습니다.
1960s 영화는 오늘날에도 여전히 볼 가치가 있나요?
네, 자격이 없습니다. 이 목록에 있는 영화는 역사적으로 흥미로워서가 아니라 지속력이 있기 때문에 선택되었습니다. 훌륭한 영화 제작은 기술이나 패션이 늙어가는 것처럼 늙어가는 것이 아닙니다. 현대 관객들은 이 영화들을 계속해서 높게 평가하고 있습니다.