İyi, Kötü ve Çirkin
Ortak bir hedefe doğru değişik nedenlerle yol almakta olan üç silah arkadaşı aslında kader açısından yolları kesişmiş insanlardır. İsimleri İyi, Kötü ve Çirkin olan bu kişiler için o dönemdeki Amerikan İç Savaşı bir araçtır. İyi ile Çirkin’in risk barındıran ancak iyi para getiren işleri mevcuttur. Çirkin, aranan azılı bir suçlu olduğu için İyi onu adalete teslim edip önce ödülünü alıyor sonra da darağacından riskli bir metot ile kurtarıp bir sonraki işe kadar sağ kalmasını sağlamaktadır. Bir gün gizli bir hazinenin ortaya çıkmasıyla ikilinin araları bozulur. Onlar birbirleriyle didişirken ortaya üçüncü bir hazine avcısı çıkar; o da Kötü adındaki kişidir. Artık her şeyin başka türlü yaşanma zamanıdır...
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. İyi, Kötü ve Çirkin, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
İyi, Kötü ve Çirkin (1966), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve İyi, Kötü ve Çirkin, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Film Veritabanında 8.5 derecelendirmesi istatistiksel olarak nadirdir. Bireysel görüşlerin ortalamasını alacak kadar geniş bir seçmen tabanı gerektirir ve geriye yalnızca farklı izleyicilere tutarlı bir şekilde ulaştırılan filmler kalır. İyi, Kötü ve Çirkin bu fikir birliğine sahip. Film, yönetmenin zanaat anlayışını gösteriyor: sahnelerin nasıl oluşturulacağı, bilginin hızının nasıl ayarlanacağı, izleyicinin önemsediği risklerin nasıl yaratılacağı. Genel olarak 1960s sineması bağlamında, İyi, Kötü ve Çirkin, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1960s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
İyi, Kötü ve Çirkin'in görsel dili, 1966'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Sergio Leone, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. İyi, Kötü ve Çirkin'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. İyi, Kötü ve Çirkin'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
İyi, Kötü ve Çirkin'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. İyi, Kötü ve Çirkin'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, İyi, Kötü ve Çirkin'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Sergio Leone'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Clint Eastwood'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
İyi, Kötü ve Çirkin'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.5 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve İyi, Kötü ve Çirkin bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Sergio Leone'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Harakiri
17. yüzyıl Japonya'sında savaş yılları geride kalınca samuraylar da işsiz kalmıştır. Monarşik düzenin öğüttüğü Ronin'ler, barış zamanında birer posa olarak görülmekte ve birer birer harakiri yapmaktadırlar. Hatta açlık yüzünden onurlarından bile vazgeçip, otorite sahiplerinden para istemekte ve aksi taktirde kapılarının önünde harakiri yapmakla tehdit etmektedirler. Böyle bir ortamda yine eski bir samuray olan Hanshiro, yerel bir lordun huzuruna çıkar ve seppuku töreni için izin ister.
Neden izliyorsunuz?: Harakiri bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1962'te gösterime giren Harakiri, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Masaki Kobayashi hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.4 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Harakiri'in 8.4 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Masaki Kobayashi, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. 1960s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Harakiri kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Harakiri'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Masaki Kobayashi, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Tatsuya Nakadai, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Harakiri'te en çok görülür.
Harakiri, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Masaki Kobayashi, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Harakiri'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.4 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Tatsuya Nakadai - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Harakiri'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Harakiri'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Masaki Kobayashi, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. Tatsuya Nakadai'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
Sapık
Marion Crane’e patronuyla iş yapan zengin bir adam 40 bin dolar emanet eder ve Marion parayı bankaya yatırmak yerine yanına alıp şehirden ayrılır. Bir polis Marion’un şüpheli davranışları üzerine peşine takılır. Ancak Marion’un peşine takılan sadece polis değildir. Sevgilisi ile buluşmayı planlayan Marion şiddetli yağmur yüzünden geceyi bir otelde geçirmeye karar verir. Otelden içeri girer girmez garip şeyler olduğunun farkına varan Marion uyumadan önce otel sahibi Norman Bates ile biraz sohbet eder. Norman’ın kişiliğinde sorunlar olduğunu, annesine ve kuşlara karşı bir takıntısı olduğunu öğrenen Marion, sohbeti kısa kesip odasına giderek duş almaya karar verir ve olaylar gelişir.
Neden izliyorsunuz?: Sapık'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Sapık, 1960'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Sapık'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.4'te Sapık, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Sapık herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Bu, gerilimin fiziksel olmaktan ziyade psikolojik olduğu gerilim kategorisine aittir. Yönetmen izleyicinin açık bir tehlike gösterilmeden baskı hissedeceğine güveniyor. Sonuç, geleneksel gerilim mekaniğinden daha rahatsız edici. 1960s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Sapık bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 1960s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 1960s filmi.
Sapık'teki performanslar, Alfred Hitchcock'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Anthony Perkins, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Sapık'te en zor anlar, Anthony Perkins'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Sapık, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.4 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Sapık'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Alfred Hitchcock ve Anthony Perkins işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Sapık ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Alfred Hitchcock, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Sapık'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Yüksek ve Alçak
Bay Gondo ulusal ayakkabıcılık şirketinde payı olan bir iş adamıdır. Bir gün şirketteki payını arttırıp şirketteki en büyük söz sahibi olmak için alnının teriyle biriktirdiği her şeyi şirket hisseleri için yatırır ve evini ipotek ettirir. Aynı dönemde çocuğu kaçırılır fakat çocuk bay Gondo nun değil onun hizmetinde çalışan başka bir şahsa aittir. Çocuğu kaçıran kişi ise bu yanlışı fark eder ve daha önce istediği fidyeyi yine bay Gondo dan ister. Bay Gondo parayı verip vermemesi konusunda teredütte kalır.
Neden izliyorsunuz?: Yüksek ve Alçak, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Yüksek ve Alçak'in 1963 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Yüksek ve Alçak'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Yüksek ve Alçak'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.4'teki Yüksek ve Alçak, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Akira Kurosawa, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Zanaat en çok yönetmenin sakladığı şeylerde görülür. Bilgi stratejik olarak yayınlanıyor, her açıklama daha önce olanı yeniden bağlamlandırıyor. Performanslar kontrollü açıklamaya göre kalibre edilir. 1960s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Yüksek ve Alçak hayatta kaldı çünkü Akira Kurosawa trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 8.4 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Yüksek ve Alçak'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Akira Kurosawa, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Yüksek ve Alçak karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Yüksek ve Alçak'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Yüksek ve Alçak'i ilk kez izleyen izleyiciler, Akira Kurosawa'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Yüksek ve Alçak'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Toshirō Mifune, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1963 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Akira Kurosawa'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Yüksek ve Alçak'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Akira Kurosawa, Yüksek ve Alçak ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Batıda Kan Var
Kanun dışı işler yapan ve acımasız biri olan Frank ve adamları yaşadıkları bölgede süren demiryolu projesi ile ilgili cinayet işlerler. Öldürdükleri Brett McBain'in eşi Jill bölgede kalmaya karar verir. Frank ile eskiden bir hesabı olan Harmonica, Jill ve başka bir kanun kaçağı olan Cheyenne ile beraber Frank ve adamlarına karşı gelmeye karar verirler.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Batıda Kan Var, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Batıda Kan Var (1968), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Batıda Kan Var, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.3 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Batıda Kan Var, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Batıda Kan Var, 1960s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 1960s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, Sergio Leone'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Batıda Kan Var'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Sergio Leone, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Batıda Kan Var'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Claude Cardinale, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Batıda Kan Var'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Sergio Leone'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Batıda Kan Var, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Claude Cardinale'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Batıda Kan Var'in ilk 10'da yer alması, neyle rekabet ettiğini düşündüğünüzde çok anlamlıdır. Bu mod ve döneme ait katalogdaki her filmler değerlendirildi ve Batıda Kan Var burada sıralandı çünkü derecelendirme kalitesi ve seçmen hacminin birleşimi, onu seçimdeki diğer her şeyin üstünde tutuyordu. Sergio Leone, Batıda Kan Var'te onu aynı kategorideki alternatiflerden (aynı zamanda iyi filmler olan alternatiflerden) ayıran seçimler yaptı. İlk on ile ilk yirmi arasındaki fark, mutlak derecelendirme açısından göründüğünden daha küçük ancak izleyici deneyiminin gerçekte sunduğu şey açısından önemli.
Garsoniyer
"Garsoniyer - The Apartment" büyük bir şirkette çalışan ve yükselmek amacıyla, evini garsoniyer olarak kullanması için patronuna vermekte sakınca görmeyen ve bu arada patronun metreslerinden birine aşık olan adamın komik hikayesini konu alıyor... Sevgisine karşılık bulduğundan emin olamadığı için bir süre sesini çıkarmasa da, her şey olacağına varıyor. Kadının güzelliği aklını başından alıyor ve işini kaybetmek pahasına da olsa mücadele etmeye karar veriyor. Fakat adam, genç kadının kimi sevdiği ile ilgili şüpheleri son adımı atmaktan onu hep alıkoyuyor...
Neden izliyorsunuz?: Garsoniyer bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1960'te gösterime giren Garsoniyer, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Billy Wilder hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.2 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Garsoniyer için 8.2 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Garsoniyer'in yaptığı da tam olarak bu. Billy Wilder bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Garsoniyer daha küçük bir kategoriye ait; 1960s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Garsoniyer'in görsel dili, 1960'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Billy Wilder, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Garsoniyer'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Garsoniyer'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Garsoniyer, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.2 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Garsoniyer'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Billy Wilder ve Jack Lemmon işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Garsoniyer ilk on sırasını kültürel itibarı sayesinde değil, izleyicilerin oturup izlediğinde yaşananlar sayesinde kazanıyor. 8.2 derecelendirmesi, bu deneyimi geniş bir bağımsız görüntüleme örneğinde yansıtıyor. Bunun gibi listelerde ilk on durumuna ulaşan filmler, alternatiflere tam erişimi olan ve bu filmi deneyimlerinin en üstünde derecelendirmeyi seçen izleyiciler tarafından test edildi. Billy Wilder ve Jack Lemmon bu beklentiyi tutarlı bir şekilde karşılayan bir şey yaptı; sürekli yeni izleyicilerin yeni standartlar getirmesine rağmen reytingin devam etmesinin nedeni de budur.
Persona
Dönemin en gözde tiyatro oyuncusu güzeller güzeli Elisabet Vogler (Liv Ullmann), önemli bir piyes sırasında aniden susar. Şaşkına dönen insanlar ne olup bittiğini anlayabilmek için ellerinden geleni yapsalar da Vogler konuşmamaya devam eder. Son çare olarak bir kliniğe yatırılan kadın burada da dilsizliğine devam eder. Bedeninde tıbbi olarak hiçbir problem bulunamayan Vogler, doktorun tavsiyesiyle gözlerden uzak bir yazlığa gönderilir. Vogler’a genç bir hemşire olan Alma (Bibi Andersson) eşlik eder. Yazlıkta da Vogler'in ağzını bıçak açmaz. Vogler sustukça Alma konuşur. Alma saatlerce, günlerce kendi hikayesini anlatır. Sonunda meydana gelen şey ise psikoloji biliminin en ilginç vakalarından birini oluşturacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Persona'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Persona, 1966'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Persona'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.1'teki Persona, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Persona için 1960s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Ingmar Bergman'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Persona'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Ingmar Bergman, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Bibi Andersson, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Persona'te en çok görülür.
Persona'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Persona'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Persona'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Ingmar Bergman'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Bibi Andersson'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Persona'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.1 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve Persona bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Ingmar Bergman'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Dr. Garipaşk
Soğuk Savaş döneminde Ruslara saldırmak için bahane aramakta olan çılgın general Jack D. Ripper, Rusların 'Amerikan halkının vücut sıvılarını kirlettiği' gerekçesiyle SSCB'ye sürpriz bir nükleer saldırı yapmaya karar verir. Nükleer silahlarla yüklü bir Amerikan uçağı Rus sınırına yakın bir bölgede Soğuk Savaş döneminin tipik devriye uçuşlarından birini yapmaktayken mürettebat Ripper'dan SSCB'ye saldırı emrini alır. Fakat Rus büyükelçisi DeSadesky, Amerikan makamlarına Rus savunma teknolojisinin geldiği son noktanın ürünü olan 'Doomsday Device'dan bahsettiğinde ve başkanın danışmanlarından eski Nazi bilimadamı Dr. Strangelove, buluşun olduğunu doğruladığında durum daha da tehlikeli bir hal alır. 'Doomsday Device', SSCB'ye yapılacak herhangi bir nükleer saldırıda dünyadaki tüm canlıların yok olmasına sebep olacak bir silahtır.
Neden izliyorsunuz?: Dr. Garipaşk, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Dr. Garipaşk'in 1964 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Dr. Garipaşk'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Dr. Garipaşk'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.1 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Dr. Garipaşk'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Dr. Garipaşk bundan faydalanıyor. Filmin bir komedi olarak tutarlılığı tutarlılıktan geliyor. Yönetmen dünyanın kurallarını ve karakterlerin bu kurallar içindeki davranışlarını belirliyor ve mizah, bu karakterlerin bir durumu nasıl yönlendirdiğinden ortaya çıkıyor. Bugün hala 8.1 olarak derecelendirilen 1960s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Dr. Garipaşk bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Dr. Garipaşk'teki performanslar, Stanley Kubrick'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Peter Sellers, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Dr. Garipaşk'te en zor anlar, Peter Sellers'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Dr. Garipaşk, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. Dr. Garipaşk'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. Dr. Garipaşk'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. Stanley Kubrick'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
Dr. Garipaşk'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Dr. Garipaşk'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Stanley Kubrick, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. Peter Sellers'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
Sekiz Buçuk
Guido Anselmi son filminin hazırlıkları ile uğraşan bir yönetmendir. Herkes onun eski işlerine bakmakta ve ondan büyük bir iş beklemektedir. Çevresindekilerden bir huzur bulamayan Guido yeni filmi için parlak bir fikir de bulamamaktadır. Tüm bunlar yetmezmiş gibi hayatındaki kadınlar da ona rahat vermez. Guido giderek boğulduğunu hissetmektedir.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Sekiz Buçuk, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Sekiz Buçuk (1963), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Sekiz Buçuk, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 8.1 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Sekiz Buçuk de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Genel olarak 1960s sineması bağlamında, Sekiz Buçuk, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1960s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Sekiz Buçuk'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Federico Fellini, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Sekiz Buçuk karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Sekiz Buçuk'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Sekiz Buçuk, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Sekiz Buçuk'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Federico Fellini ve Marcello Mastroianni işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Sekiz Buçuk ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Federico Fellini, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Sekiz Buçuk'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Yojimbo
Serbest çalışan işsiz ve aç bir samuray, bir kasabaya gelir. Kasabanın iki kavgalı çetesi vardır. Samuray, önce bir çeteye, sonra diğer çeteye hizmet sunarak iki tarafı birbirine düşürmeyi ve bu şekilde kasabayı temizlemeyi planlar. Amacı taraf tutmayarak oyunun kurallarını yeniden yazmaktır.
Neden izliyorsunuz?: Yojimbo bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1961'te gösterime giren Yojimbo, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Akira Kurosawa hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.1 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Yojimbo'in 8.1 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Akira Kurosawa, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. 1960s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Yojimbo kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Yojimbo'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Akira Kurosawa, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Yojimbo'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Toshirō Mifune, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Yojimbo'i ilk kez izleyen izleyiciler, Akira Kurosawa'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Yojimbo'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Toshirō Mifune, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1961 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Akira Kurosawa'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Yojimbo'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Akira Kurosawa, Yojimbo ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Sinema önemli hikayelerle ilgilidir. Bu bölümdeki filmler bu prensibi kanıtlıyor.
2001: Uzay Yolu Macerası
Stanley Kubrick, klasik bilim kurgu başyapıtı olan insanlığın doğası üzerine bir yorum niteliğindeki 2001: Uzay Macerası ile film yapımının sınırlarını yeniden tanımladı. Taş Devri Dünyası: Yanı başlarında beliren esrarengiz siyah bir taş, primatların ilk defa alet kullanmasını sağlayarak akıl için ilk adımlar atılmıştır. 1999: Dünya’nın ay astronotları başka bir esrarengiz siyah taş ortaya çıkarırlar. 2001: Dünya ve Jüpiter arasında, uzay aracının akıllı bilgisayarı, insan ekibinin çoğunu öldüren bir hata yapar ve ardından hatasını gizlemek için öldürmeye devam eder. Zamanın Ötesi: Jüpiter’e yapılan yolculuktan tek sağ kalan, bir sonraki insanlık düzeyine yükselir.
Neden izliyorsunuz?: 2001: Uzay Yolu Macerası'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
2001: Uzay Yolu Macerası, 1968'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. 2001: Uzay Yolu Macerası'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.0'te 2001: Uzay Yolu Macerası, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; 2001: Uzay Yolu Macerası herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, bilim kurgunun teknolojik gösteriden ziyade insani sonuçlara odaklandığında en iyi sonucu verdiğini gösteriyor. Yönetmen, buluşun onunla yaşamak zorunda kalan karakterler için ne anlama geldiğini gösteriyor. 1960s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. 2001: Uzay Yolu Macerası bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 1960s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 1960s filmi.
2001: Uzay Yolu Macerası'in görsel dili, 1968'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Stanley Kubrick, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. 2001: Uzay Yolu Macerası'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. 2001: Uzay Yolu Macerası'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
2001: Uzay Yolu Macerası'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Stanley Kubrick'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. 2001: Uzay Yolu Macerası, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Keir Dullea'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki 2001: Uzay Yolu Macerası, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Keir Dullea'in performansının ve Stanley Kubrick'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Tatlı Hayat
Tatlı Hayat, Roma şehir yaşantısının modern yozluğunu ve sofistike ahlak çöküntüsünü yüksek sosyetenin peşinde koşan bir gazetecinin gözünden anlatır. Genç gazeteci Marcello Rubini gerçek bir eser yaratmanın düşüyle yaşar; ancak çalıştığı bulvar gazetesinin ona sağladığı para ve prestijden de vazgeçemez. Filmde Marcello'nun yedi günü ve gecesini, birlikte olduğu farklı kadınlarla ilişkilerini, arka planda 1960'ların gençlik ve heyecanıyla kaynayan Roma sokakları ve sosyete yaşantısından kesitlerle izleriz. Marcello seks, içki, partiler ve alemlerle dolu bir dünyada savrulurken bile aslında haz almadığı bu "tatlı hayat"ı sonuna kadar yaşamaya devam eder. Onunki ruhsuz ve heyecansız bir varoluştur. İtalyan sinemasının ilk 3,5 saatlik filmi olan "Tatlı Hayat" gösterime girmesiyle birlikte büyük skandallara ve polemiklere yol açmış, Vatikan tarafından yasaklanmaya çalışılmış, halk tarafından kucaklanmıştır * Yapılmış en muhteşem İtalyan filmi.
Neden izliyorsunuz?: Tatlı Hayat, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Tatlı Hayat'in 1960 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Tatlı Hayat'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Tatlı Hayat'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.0'teki Tatlı Hayat, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Federico Fellini, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. 1960s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Tatlı Hayat hayatta kaldı çünkü Federico Fellini trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 8.0 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Tatlı Hayat'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Federico Fellini, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Marcello Mastroianni, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Tatlı Hayat'te en çok görülür.
Tatlı Hayat, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Tatlı Hayat'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Federico Fellini ve Marcello Mastroianni işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Tatlı Hayat'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.0 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Tatlı Hayat'e yüksek puan verme kararları, Federico Fellini'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Tatlı Hayat genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Birkaç Dolar İçin
Indio adındaki bir kanun kaçağını yakalamak için iki kelle avcısı işbirliği yaparlar. Monco'nun kazanacağı para dışında dert ettiği bir şey yoktur. Ancak Mortimer'in kimsenin bilmediği bir sırrı vardır ve hesaplaşmak için büyük günün gelmesini beklemektedir. İki adamı da durduracak bir şey yoktur ve önlerine çıkan her şeyi yok etmeye hazırdırlar * Sert erkeklerin, hızla kılıfından çıkan silahların ve Hollywood'un birtakım ahlaki gerekçeleriyle ortaya çıkardığı western mitine inat eğlencelik şiddetin sahne aldığı "Bir Kaç Dolar İçin" türün meraklıları için bulunmaz fırsat
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Birkaç Dolar İçin, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Birkaç Dolar İçin (1965), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Birkaç Dolar İçin, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.0 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Birkaç Dolar İçin, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Film, yönetmenin zanaat anlayışını gösteriyor: sahnelerin nasıl oluşturulacağı, bilginin hızının nasıl ayarlanacağı, izleyicinin önemsediği risklerin nasıl yaratılacağı. Birkaç Dolar İçin, 1960s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 1960s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, Sergio Leone'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Birkaç Dolar İçin'teki performanslar, Sergio Leone'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Clint Eastwood, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Birkaç Dolar İçin'te en zor anlar, Clint Eastwood'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Birkaç Dolar İçin'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Birkaç Dolar İçin'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Birkaç Dolar İçin'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Sergio Leone'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Clint Eastwood'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Birkaç Dolar İçin, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Birkaç Dolar İçin, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Sergio Leone'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Birkaç Dolar İçin'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Bülbülü Öldürmek
Tecavüzle suçlanan bir zenciyi savunan güneyli bir avukatın çevresindekilerin tepkilerine rağmen asılsız bir iddia ile suçlanan genci savunma hikayesini anlatıyor.
Neden izliyorsunuz?: Bülbülü Öldürmek bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1962'te gösterime giren Bülbülü Öldürmek, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Robert Mulligan hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.0 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Bülbülü Öldürmek için 8.0 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Bülbülü Öldürmek'in yaptığı da tam olarak bu. Robert Mulligan bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Bülbülü Öldürmek daha küçük bir kategoriye ait; 1960s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Bülbülü Öldürmek'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Robert Mulligan, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Bülbülü Öldürmek karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Bülbülü Öldürmek'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Bülbülü Öldürmek, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Robert Mulligan, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Bülbülü Öldürmek'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.0 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Gregory Peck - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Bülbülü Öldürmek bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Robert Mulligan, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.0 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Robert Mulligan'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Bülbülü Öldürmek'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Arabistanlı Lawrence
T.E. Lawrence, Kuzey Afrika’da konuşlanmış İngiliz ordusunda görevli genç bir teğmendir. İstihbarat bölümünün harita kısmındaki pozisyonundan mutsuz olan Lawrence, bugün Suudi Arabistan olan bölgede araştırma görevi teklif edilince heyecanla kabul eder. Bölgede savaşmakta olan Arap ordusunun komutanı olan Prens Feisal’ı gözlemlemekte olan Lawrence, bir süre sonra bölgede kalarak Prens’e yardım etmeye karar verir. Tarihin en ünlü casuslarından biri olan Lawrence, Araplar’ı Osmanlılar’a karşı kışkırtıp, Arap topraklarına batılı medeniyetlerin girmesine ön ayak olmuştu.
Neden izliyorsunuz?: Arabistanlı Lawrence'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Arabistanlı Lawrence, 1962'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Arabistanlı Lawrence'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.0'teki Arabistanlı Lawrence, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, yönetmenin çekimler başlamadan önce tamamıyla anlaşılan materyalle çalıştığını gösteriyor. Ekranda görünen seçimler, üretim sırasındaki keşiften ziyade bu anlayışı yansıtıyor. Arabistanlı Lawrence için 1960s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) David Lean'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Arabistanlı Lawrence'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. David Lean, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Arabistanlı Lawrence'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Peter O'Toole, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Arabistanlı Lawrence, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Arabistanlı Lawrence'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. David Lean ve Peter O'Toole işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Arabistanlı Lawrence'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. David Lean filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.0 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Arabistanlı Lawrence tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Şahane Oyun
II. Dünya Savaşı sırasında, bir müttefik bombardıman uçağı işgal altındaki Paris üzerinde iken Almanların açtığı ateş sonucunda vurularak düşer. Uçuş komutanı Sir Reginald ve diğer mürettebat paraşütle atlamak zorunda kalırlar. İndikleri bölgede bazı sivil Fransızlardan yardım görürler. Bunlardan boya ustası Augustin Bouvet ve huysuz orkestra şefi Stanislas LeFort İngiliz mürettebatı önce saklarlar sonra da Fransa'nın güneyine, henüz Almanların işgal etmediği özgür bölgeye kaçmalarına yardım ederler.
Neden izliyorsunuz?: Komedi sürdürülmesi en zor türdür. Gérard Oury, Şahane Oyun'in zahmetsiz görünmesini sağlar; bu, çoğu izleyicinin bilinçli olarak fark etmediği önemli bir zanaatın işaretidir.
Şahane Oyun'in 1966 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Şahane Oyun'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Şahane Oyun'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.9 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Şahane Oyun'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Şahane Oyun bundan faydalanıyor. Filmin bir komedi olarak tutarlılığı tutarlılıktan geliyor. Yönetmen dünyanın kurallarını ve karakterlerin bu kurallar içindeki davranışlarını belirliyor ve mizah, bu karakterlerin bir durumu nasıl yönlendirdiğinden ortaya çıkıyor. Bugün hala 7.9 olarak derecelendirilen 1960s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Şahane Oyun bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Şahane Oyun'in görsel dili, 1966'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Gérard Oury, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Şahane Oyun'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Şahane Oyun'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Şahane Oyun'i ilk kez izleyen izleyiciler, Gérard Oury'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Şahane Oyun'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Bourvil, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1966 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Gérard Oury'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Şahane Oyun, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Gérard Oury'in Şahane Oyun'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Büyük Firar
Bir grup müttefik kaçışa imkan vermeyecek şekilde tasarlanmış özel bir kampa hapsedilir. Üç farklı tünel kazarak kurtulmayı planlayan İngiliz asker (Richard Attenborough), usta Amerikalı hırsız (James Garner) ve Polonya’lı hendek kazıcısının (Charles Brosnon) bu planı başarılı olur. Ne var ki, bu 70 tutuklunun kaçışları burayla sınırlı kalmayacaktır...Film iki bölümden oluşuyor. İlk yarıda kaçış planları ve hazırlıklarını, ikinci bölümde ise Alman hükümeti ile esir Avrupa’nın sınırlarından dışarı çıkmaya çalışan kahramanların kovalamacasını izliyoruz.
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. John Sturges, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Büyük Firar (1963), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Büyük Firar, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.9 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Büyük Firar de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Genel olarak 1960s sineması bağlamında, Büyük Firar, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1960s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Büyük Firar'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. John Sturges, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Steve McQueen, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Büyük Firar'te en çok görülür.
Büyük Firar'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, John Sturges'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Büyük Firar, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Steve McQueen'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Büyük Firar, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Steve McQueen'in performansının ve John Sturges'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Küçük Bebeğe Ne Oldu?
Giderek yaşlanan iki kardeş film aktrisi Hollywood’ta aynı evde beraber yaşamaktadırlar. Jane Hudson, şöhreti çocuk yaşta kazanmış bir film yıldızıdır. Kardeşi Blanche ise şöhretini kardeşine kaptırmış “kaybeden” eski bir yıldızdır.Jane sakat kardeşi Blanche’a bakmak zorunda kalmıştır. Baş başa kalan iki kız kardeş tüm nefretlerini, sakladıkları gerçekleri ortaya dökmeye ve birbirlerinden geçmişin hesabını sormaya başlayacaklardır.
Neden izliyorsunuz?: Küçük Bebeğe Ne Oldu? gerilimini dürüstçe kazanıyor; baskı, yapay sürprizden ziyade durum ve karakterden kaynaklanıyor. Robert Aldrich, riskleri hissedecekleri konusunda izleyiciye güveniyor.
1962'te gösterime giren Küçük Bebeğe Ne Oldu?, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Robert Aldrich hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.9 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Küçük Bebeğe Ne Oldu?'in 7.9 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Robert Aldrich, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. 1960s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Küçük Bebeğe Ne Oldu? kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Küçük Bebeğe Ne Oldu?'teki performanslar, Robert Aldrich'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Bette Davis, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Küçük Bebeğe Ne Oldu?'te en zor anlar, Bette Davis'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Küçük Bebeğe Ne Oldu?, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Küçük Bebeğe Ne Oldu?'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Robert Aldrich ve Bette Davis işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Küçük Bebeğe Ne Oldu?'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.9 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Küçük Bebeğe Ne Oldu?'e yüksek puan verme kararları, Robert Aldrich'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Küçük Bebeğe Ne Oldu? genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
La Jetée
Bir adam, kıyamet sonrası dünyanın sorunlarına çözüm bulmak için bir deney yaparken geçmişiyle yüzleşir.
Neden izliyorsunuz?: La Jetée'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Chris Marker'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
La Jetée, 1962'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. La Jetée'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.9'te La Jetée, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; La Jetée herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. 1960s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. La Jetée bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 1960s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 1960s filmi.
La Jetée'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Chris Marker, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. La Jetée karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, La Jetée'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
La Jetée'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. La Jetée'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, La Jetée'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Chris Marker'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Jean Négroni'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan La Jetée, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: La Jetée, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Chris Marker'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. La Jetée'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Bir Avuç Dolar
'İyi, Kötü, Çirkin' ve 'Bir Avuç Dolar İçin"in tanınmış yönetmeninden, Clint Eastwood'un efsaneleşmiş 'isimsiz' karakterinin beyaz perdeye ilk defa çıktığı bu nefes kesici ve aksiyonla örülmüş western macerası sizi koltuklarınıza çivileyecek. Heyecanlı çatışma sahneleri, dinamik performanslar ve mükemmel görüntüleri ile türünün tartışmasız klasiklerinden biri. Gizemli bir silahşör (Eastwood) iki rakip kaçakçılık çetesinin korku saldığı kasvetli ve eski bir sınır kasabası olan San Miguel'e gelir ve macera başlar.
Neden izliyorsunuz?: Bir Avuç Dolar, önermelerinin önerdiğinden daha iyi filmler kategorisine giriyor. Sergio Leone, talep ettiği ilgiyi ödüllendiren malzemeye zanaat ve niyet katıyor.
Bir Avuç Dolar'in 1964 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Bir Avuç Dolar'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Bir Avuç Dolar'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.8'teki Bir Avuç Dolar, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Sergio Leone, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Yönetmen filmi, hangi sahnelerin başarılması gerektiğine ve oyuncu kadrosunun bu sahnelerde nasıl yer alması gerektiğine dair net ilkeler üzerine inşa ediyor. Sonuç, her anın bütüne hizmet ettiği bir filmler. 1960s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Bir Avuç Dolar hayatta kaldı çünkü Sergio Leone trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 7.8 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Bir Avuç Dolar'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Sergio Leone, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Bir Avuç Dolar'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Clint Eastwood, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Bir Avuç Dolar, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Bir Avuç Dolar'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Sergio Leone ve Clint Eastwood işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Bir Avuç Dolar bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Sergio Leone, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.8 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Sergio Leone'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Bir Avuç Dolar'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Harika filmler kendi kategorilerinin ötesine geçer. Zanaat olağanüstü olduğu için çalışıyorlar.
Kahramanın Sonu
Senatör Ranse Stoddard, Vahşi Batı’da bulunan Shinbone şehrine, arkadaşı Tom Doniphon’un cenazesi için geri döner. Shinbone’da senatörün ne yaptığını merak eden bir gazeteciye, kariyerinin “Liberty Valance’ı vuran adam” olarak nasıl başladığını anlatır. Silahların hukuk kurallarının yerine geçtiği Shinbone’a, Batı'ya kanunu getirme amacı bulunan bir avukat olarak gelir. Bir posta arabası kanundışı şekilde zapt edildiğinde Rense, Liberty Valance tarafından vahşice dövülür. Ranse, Valance’ı adalete getirmenin bir yolunu bulmaya çalışırken Shinbone halkına okuma yazma da öğretir. Sonunda bir silah alarak Valance’ın karşısına dikilir.
Neden izliyorsunuz?: Hastanın dikkatini ödüllendiren bir filmler. John Ford tek bir sahneyi bile israf etmiyor ve Kahramanın Sonu'e yapılan yatırım tamamen haklı görünüyor.
Kahramanın Sonu (1962), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Kahramanın Sonu, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.8 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Kahramanın Sonu, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Film, yönetmenin zanaat anlayışını gösteriyor: sahnelerin nasıl oluşturulacağı, bilginin hızının nasıl ayarlanacağı, izleyicinin önemsediği risklerin nasıl yaratılacağı. Kahramanın Sonu, 1960s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 1960s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, John Ford'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Kahramanın Sonu'in görsel dili, 1962'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. John Ford, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Kahramanın Sonu'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Kahramanın Sonu'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Kahramanın Sonu, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Kahramanın Sonu'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. John Ford ve John Wayne işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Kahramanın Sonu'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. John Ford filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.8 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Kahramanın Sonu tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Rosemary'nin Bebeği
Genç bir çift, Rosemary ve tanınmak için çırpınıp duran bir aktör olan kocası Guy, New York'taki kötü şöhretli eski bir binaya taşınırlar.Rosemary yeni yaşantısından tedirgindir. Komşu evlerden tuhaf seslerin geldiği bir ortamda, bir gece rüyasında şeytansı bir varlık tarafından tecavüze uğradığı görür. Ardından hamile kalır. Bu arada Broadway'de güzel bir rol kapan Guy'un kariyeri yükselmeye başlar.
Neden izliyorsunuz?: Rosemary'nin Bebeği gerilimini dürüstçe kazanıyor; baskı, yapay sürprizden ziyade durum ve karakterden kaynaklanıyor. Roman Polanski, riskleri hissedecekleri konusunda izleyiciye güveniyor.
1968'te gösterime giren Rosemary'nin Bebeği, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Roman Polanski hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.8 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Rosemary'nin Bebeği için 7.8 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Rosemary'nin Bebeği'in yaptığı da tam olarak bu. Roman Polanski bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Rosemary'nin Bebeği daha küçük bir kategoriye ait; 1960s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Rosemary'nin Bebeği'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Roman Polanski, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Mia Farrow, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Rosemary'nin Bebeği'te en çok görülür.
Rosemary'nin Bebeği'i ilk kez izleyen izleyiciler, Roman Polanski'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Rosemary'nin Bebeği'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Mia Farrow, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1968 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Roman Polanski'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Rosemary'nin Bebeği, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Roman Polanski'in Rosemary'nin Bebeği'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Kiralık Katil
Kiralık katil Jef Costello, cinayet işlerken görülür. Ancak gece kulübünün piyanisti Valérie, polise yalan söyler ve Jef’e yardım eder. Jef’in kız arkadaşı Jane de onunla olduğunu söyleyince polis onu serbest bırakır. Jef’in evine gelen karanlık bir tip, ona silah zoruyla bir iş daha verir ve öder.
Neden izliyorsunuz?: Gerilim sanatı en iyi haliyle izleyicinin açık bir şey olmadan önce dehşete düşmesi anlamına gelir. Jean-Pierre Melville, Kiralık Katil'te bunu bilgi ve zamanlamanın kontrolü yoluyla başarıyor.
Kiralık Katil, 1967'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Kiralık Katil'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.8'teki Kiralık Katil, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Bu, gerilimin fiziksel olmaktan ziyade psikolojik olduğu gerilim kategorisine aittir. Yönetmen izleyicinin açık bir tehlike gösterilmeden baskı hissedeceğine güveniyor. Sonuç, geleneksel gerilim mekaniğinden daha rahatsız edici. Kiralık Katil için 1960s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Jean-Pierre Melville'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Kiralık Katil'teki performanslar, Jean-Pierre Melville'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Alain Delon, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Kiralık Katil'te en zor anlar, Alain Delon'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Kiralık Katil'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Jean-Pierre Melville'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Kiralık Katil, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Alain Delon'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Kiralık Katil, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Alain Delon'in performansının ve Jean-Pierre Melville'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Parmaklıklar Arasında
Prangalı mahkum Luke, tutsak olduğu hapishanenin kurallarına uymayan yalnız bir adamdır. Paul Newman'ın uyumsuz Cool Hand Luke'i büyük başarıyla canlandırdığı film hem mizah öğeleri hem anlatım gücüyle dönemin sevilen filmlerinden...
Neden izliyorsunuz?: Stuart Rosenberg, Parmaklıklar Arasında'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Parmaklıklar Arasında'in 1967 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Parmaklıklar Arasında'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Parmaklıklar Arasında'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.7 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Parmaklıklar Arasında'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Parmaklıklar Arasında bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Bugün hala 7.7 olarak derecelendirilen 1960s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Parmaklıklar Arasında bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Parmaklıklar Arasında'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Stuart Rosenberg, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Parmaklıklar Arasında karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Parmaklıklar Arasında'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Parmaklıklar Arasında, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.7 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Parmaklıklar Arasında'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Stuart Rosenberg ve Paul Newman işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Parmaklıklar Arasında'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.7 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Parmaklıklar Arasında'e yüksek puan verme kararları, Stuart Rosenberg'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Parmaklıklar Arasında genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Neşeli Günler
Eski bir rahibe, sert bir disiplinle yetişmiş Avusturyalı zengin bir dul adamın 7 çocuğuna mürebbiyelik yapmak için manastırı terk eder. Çocuklara yaşamın güzelliklerini ve müziğin eğlencelerini sunar. En nihayetinde babayı yumuşatır ve kalbini kazanır.
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. Robert Wise, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Neşeli Günler (1965), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Neşeli Günler, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.7 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Neşeli Günler de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Genel olarak 1960s sineması bağlamında, Neşeli Günler, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1960s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Neşeli Günler'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Robert Wise, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Neşeli Günler'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Julie Andrews, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Neşeli Günler'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Neşeli Günler'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Neşeli Günler'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Robert Wise'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Julie Andrews'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Neşeli Günler, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Neşeli Günler, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Robert Wise'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Neşeli Günler'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Bilardocu
Hızlı Eddie Felson olarak heyecan veren, küstah, sokaklarda ava çıkan ahlaksız bir kişiliktir, bilardo salonlarında eline ıstaka alanları soymak için peşlerine düşer. Mükemmel olduğunu ispatlamak isteyen Eddie, Bert Gordon tarafından korunan efsanevi Minnesota Fats'i arayıp bulur. Yalnız aşk yaşayan bir kadın Eddie'nin hayatını değiştirebilir, ama Eddie ödemesi gereken bedel ne olursa olsun Minnesota Fats'i yenmeden dinlenmeyecektir. New York Times tarafından 1961 yılının en iyi 10 filmi içerisinde gösterilen, ve iki ayrı Akademi Ödülü kazanan bir film!
Neden izliyorsunuz?: Bilardocu sessizliğe güvenen bir drama. Robert Rossen, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
1961'te gösterime giren Bilardocu, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Robert Rossen hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.7 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Bilardocu'in 7.7 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Robert Rossen, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. 1960s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Bilardocu kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Bilardocu'in görsel dili, 1961'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Robert Rossen, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Bilardocu'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Bilardocu'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Bilardocu, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Robert Rossen, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Bilardocu'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 7.7 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Paul Newman - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Bilardocu bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Robert Rossen, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.7 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Robert Rossen'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Bilardocu'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Gecenin Sıcağında
Bill Gillespie, Güney Amerikada küçük bir kasabada polis şefidir. Sonradan bölgenin şerifi konumuna gelir. Bill, suç olaylarını çözmeye ve suçluları yakalamaya çalıştıkça bir takım hileli küçük-kasaba politiklerini de kullanmak zorundadır. Bu süreçte dedektif Virgil Tibbs ve polis yüzbaşısı Bubba Skinner’dan destek almaktadır. Irk meselesine dair gerilim bölgede artmaktadır. Film Rod Steiger’a En İyi Erkek Oyuncu dalında Oscar getirmiştir. Ayrıca film 1967’de yılın en iyi uyarlama senaryo, en iyi kurgu ve en iyi ses dallarında ödül sahibi olmuştur.
Neden izliyorsunuz?: Gecenin Sıcağında'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Norman Jewison'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
Gecenin Sıcağında, 1967'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Gecenin Sıcağında'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.7'te Gecenin Sıcağında, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Gecenin Sıcağında herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. 1960s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Gecenin Sıcağında bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 1960s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 1960s filmi.
Gecenin Sıcağında'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Norman Jewison, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Sidney Poitier, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Gecenin Sıcağında'te en çok görülür.
Gecenin Sıcağında, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.7 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Gecenin Sıcağında'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Norman Jewison ve Sidney Poitier işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Gecenin Sıcağında'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Norman Jewison filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.7 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Gecenin Sıcağında tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Öldüren Şüphe
Kayak tatiline giden Regina Paris'e döndüğünde kocasından boşanmak ister. Fakat kocasının sahip oldukları her şeyi nakde çevirdikten sonra öldürüldüğünü öğrenir. Para kayıptır. CIA Regina'nın kocası Charles'ı 2. Dünya Savaşı sırasında Nazilerden büyük miktarda altın çaldığı için aramaktadır. Fakat Regina paranın nerede olduğunu bilmemektedir. Tatil sırasında tanıştığı Peter Regina'yı ziyaret eder. Charles'ın eski ortakları tarafından da rahatsız edilen Regina'ya yardım teklifinde bulunur. Fakat hiçbir şey göründüğü gibi değildir.
Neden izliyorsunuz?: Komedi sürdürülmesi en zor türdür. Stanley Donen, Öldüren Şüphe'in zahmetsiz görünmesini sağlar; bu, çoğu izleyicinin bilinçli olarak fark etmediği önemli bir zanaatın işaretidir.
Öldüren Şüphe'in 1963 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Öldüren Şüphe'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Öldüren Şüphe'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.7'teki Öldüren Şüphe, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Stanley Donen, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Filmin bir komedi olarak tutarlılığı tutarlılıktan geliyor. Yönetmen dünyanın kurallarını ve karakterlerin bu kurallar içindeki davranışlarını belirliyor ve mizah, bu karakterlerin bir durumu nasıl yönlendirdiğinden ortaya çıkıyor. 1960s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Öldüren Şüphe hayatta kaldı çünkü Stanley Donen trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 7.7 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Öldüren Şüphe'teki performanslar, Stanley Donen'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Cary Grant, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Öldüren Şüphe'te en zor anlar, Cary Grant'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Öldüren Şüphe'i ilk kez izleyen izleyiciler, Stanley Donen'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Öldüren Şüphe'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Cary Grant, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1963 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Stanley Donen'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Öldüren Şüphe, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Stanley Donen'in Öldüren Şüphe'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Maymunlar Cehennemi
Bir grup astronot, çok uzun bir yolculuğun sonunda uyanarak, bilinmeyen bir gezegene iniş yapar. Burada konuşmayı bilmeyen ilkel mağara insanları ile, konuşan, avlanan, adeta insanla yer değiştirerek medeniyet kurmuş maymunlar yaşamaktadır. Grup dağılır, astronotlardan George Taylor, insan avcısı maymunlar tarafından esir edilir. Üzerlerinde deney yapılacaktır ki, maymunlardan Dr. Zaius, esir Taylor'ın konuşulanları anlayan, 'maymunlar kadar zeki' bir insan olduğunu fark eder. Bu durumun yerleşik inançlara ters düşüp evrim kuramını altüst edeceğini düşünen tutucu doktor, olan biteni görmezden gelir. O esnada devreye idealist ve sempatik Cornelius ile Dr. Zira girerek Taylor'ı korumaya çalışırlar. Diğer arkadaşlarını bulmak ve esaretten kurtulmak isteyen Taylor, çıkan bir kargaşadan faydalanarak güzel Nova'yla beraber kaçmaya başlar.
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. Franklin J. Schaffner, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Maymunlar Cehennemi (1968), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Maymunlar Cehennemi, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.7 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Maymunlar Cehennemi, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Maymunlar Cehennemi, 1960s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 1960s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, Franklin J. Schaffner'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Maymunlar Cehennemi'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Franklin J. Schaffner, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Maymunlar Cehennemi karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Maymunlar Cehennemi'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Maymunlar Cehennemi'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Franklin J. Schaffner'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Maymunlar Cehennemi, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Charlton Heston'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Maymunlar Cehennemi, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Charlton Heston'in performansının ve Franklin J. Schaffner'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Aşk Mevsimi
Benjamin Braddock, anne ve babasının onun mezuniyetini kutlamak için verdiği bir partide Bayan Robinson tarafından baştan çıkartılır. Benjamin utangaç ve toydur, Bayan Robinson ise babasının yakın arkadaşlarından birinin karısıdır. Bir ilişkiye başlarlar. Ama sonra Benjamin, Bayan Robinson’ın kızı Elaine’e âşık olur.
Neden izliyorsunuz?: Aşk Mevsimi sessizliğe güvenen bir drama. Mike Nichols, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
1967'te gösterime giren Aşk Mevsimi, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Mike Nichols hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.6 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Aşk Mevsimi için 7.6 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Aşk Mevsimi'in yaptığı da tam olarak bu. Mike Nichols bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Aşk Mevsimi daha küçük bir kategoriye ait; 1960s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Aşk Mevsimi'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Mike Nichols, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Aşk Mevsimi'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Dustin Hoffman, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Aşk Mevsimi, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.6 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Aşk Mevsimi'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Mike Nichols ve Dustin Hoffman işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Aşk Mevsimi'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.6 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Aşk Mevsimi'e yüksek puan verme kararları, Mike Nichols'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Aşk Mevsimi genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
En iyi sinema dikkatinizi ödüllendirir. Buradaki her filmler ihtiyaç duyduğu zamanı kazandı.
Tiffany'de Kahvaltı
Audrey Hepburn ve Holly Golightly isimleri, Truman Capote’nin çok satan romanı eğlenceli bir romantik komedi olarak beyaz perdeye aktarıldığından beri eş anlamlı hale geldi. Holly Brazilyalı bir milyonerle evlenmeye kararlı olan fazlasıyla eksantrik bir New York Şehir kızıdır. George Peppard, varlıklı Patricia Neal tarafından finanse edilen yan komşu yazarı canlandırıyor. Holly için doğru erkeğin kim olduğunu tahmin etmek kolay iş.
Neden izliyorsunuz?: Tiffany'de Kahvaltı'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Blake Edwards'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
Tiffany'de Kahvaltı, 1961'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Tiffany'de Kahvaltı'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.6'teki Tiffany'de Kahvaltı, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Tiffany'de Kahvaltı için 1960s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Blake Edwards'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Tiffany'de Kahvaltı'in görsel dili, 1961'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Blake Edwards, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Tiffany'de Kahvaltı'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Tiffany'de Kahvaltı'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Tiffany'de Kahvaltı'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Tiffany'de Kahvaltı'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Tiffany'de Kahvaltı'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Blake Edwards'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Audrey Hepburn'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Tiffany'de Kahvaltı, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Tiffany'de Kahvaltı, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Blake Edwards'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Tiffany'de Kahvaltı'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Sonsuz Ölüm
Butch Cassidy ve Sundance Kid, Hole-in-the-Wall adlı çetenin liderleridir. Butch, akıllı olan, planları yapan, düşünen; Sundance de gözü kara ve atak olandır. Batı, artık medeniyetle tanışmaya başlamıştır ki, Butch ve Sundance bir treni soyarlar. Peşlerine özel bir ekip düşer ve onlar nereye giderse gitsin, takip etmekten vazgeçmezler. Şansları yaver gidip biraz zaman kazandıklarında Butch'ın aklına yeni bir fikir gelir: Bolivya'ya gitmek.
Neden izliyorsunuz?: Bu seviyedeki suç sineması, suç dünyasının stilize edilmiş olmaktan ziyade gerçekmiş gibi hissettirilmesini gerektirir. George Roy Hill, Sonsuz Ölüm'te bunu belirlilik (işlerin gerçekte nasıl yürüdüğünün ayrıntıları) aracılığıyla başarıyor.
Sonsuz Ölüm'in 1969 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Sonsuz Ölüm'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Sonsuz Ölüm'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.6 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Sonsuz Ölüm'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Sonsuz Ölüm bundan faydalanıyor. Suç belirli bir dünya mantığına dayanmaktadır. Yönetmen suç dünyasını yöneten kuralları anlıyor ve anlatıyı bu kuralların çevresinden ziyade bu kurallar çerçevesinde inşa ediyor. Bugün hala 7.6 olarak derecelendirilen 1960s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Sonsuz Ölüm bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Sonsuz Ölüm'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. George Roy Hill, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Paul Newman, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Sonsuz Ölüm'te en çok görülür.
Sonsuz Ölüm, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.6 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Sonsuz Ölüm'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. George Roy Hill ve Paul Newman işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Sonsuz Ölüm bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. George Roy Hill, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.6 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri George Roy Hill'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Sonsuz Ölüm'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Yaşayan Ölülerin Gecesi
Barbra ve kardeşi Johnny, babalarının mezarını ziyaret etmek için şehir merkezinden bir hayli uzakta, izbe bir bölgede olan mezarlığa giderler. Burada dua rutinlerini tamamladıkları esnada kendilerine yaklaşmakta olan yabancı bir siluetle karşılaşırlar. Kız kardeşinin aksine bir hayli rahat davranan Johnny, bu yabancının saldırısına uğrar ve oracıkta hayatını kaybeder. Ancak bu bir son değil, ürkütücü bir başlangıcın habercisi olur. Genç kadın ağır bir travmaya girer ve canını kurtarabilmek için bulabildiği ilk yere sığınır. Ancak burada yalnız olmadığını fark etmesi uzun sürmez. Bir anda kasabayı saran bu yaratıklardan korunmaya çalışan tek insan kendisi değildir. Ben de kendisi gibi canını zor kurtarmıştır ve kapıda diğerleri de vardır...
Neden izliyorsunuz?: Gerilimi hassasiyetle inşa eden bir gerilim filmi. George A. Romero, üretilmiş şoklar yerine mantık yoluyla ivme kazanıyor.
Yaşayan Ölülerin Gecesi (1968), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Yaşayan Ölülerin Gecesi, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.6 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Yaşayan Ölülerin Gecesi de bir istisna değildir. Yönetmen filmi bilgi asimetrisi etrafında inşa ediyor: Seyirci karakterlerden daha fazlasını veya daha azını biliyor ve filmler her iki durumu da hassasiyetle yönetiyor. Oyuncu kadrosu gerilimi yoğunluktan ziyade kısıtlama yoluyla iletiyor. Genel olarak 1960s sineması bağlamında, Yaşayan Ölülerin Gecesi, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1960s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Yaşayan Ölülerin Gecesi'teki performanslar, George A. Romero'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Judith O'Dea, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Yaşayan Ölülerin Gecesi'te en zor anlar, Judith O'Dea'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Yaşayan Ölülerin Gecesi, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.6 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Yaşayan Ölülerin Gecesi'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. George A. Romero ve Judith O'Dea işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Yaşayan Ölülerin Gecesi'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. George A. Romero filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.6 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Yaşayan Ölülerin Gecesi tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
En Uzun Gün
2. Dünya Savaşı sırasında Amerikalılar ve Fransızların beraber düzenledikleri Normandiya çıkarmasının yapıldığı gün olan D-Day'de geçiyor film. Bir düzine karakter eşliğinde müttefik kuvvetlerin yaşadığı en uzun günün hikayesi. Filmin en büyük özelliği birbirinden ünlü pek çok oyuncunun yer alması...
Neden izliyorsunuz?: En Uzun Gün sessizliğe güvenen bir drama. Ken Annakin, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
1962'te gösterime giren En Uzun Gün, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Ken Annakin hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.6 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. En Uzun Gün'in 7.6 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Ken Annakin, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. 1960s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. En Uzun Gün kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
En Uzun Gün'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Ken Annakin, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. En Uzun Gün karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, En Uzun Gün'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
En Uzun Gün'i ilk kez izleyen izleyiciler, Ken Annakin'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. En Uzun Gün'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. John Wayne, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1962 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Ken Annakin'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. En Uzun Gün, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Ken Annakin'in En Uzun Gün'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
12 Kahraman Haydut
II. Dünya Savaşı sırasında müebbet hapis ve ölüm cezaları almış bir düzine mahkûmun özgürlükleri karşılığında eğitilerek tehlikeli bir imha görevine gönderilmeleri anlatılmaktadır.
Neden izliyorsunuz?: Robert Aldrich, 12 Kahraman Haydut'te aksiyonu yalnızca etkiden ziyade kavrama amacıyla çekiyor. Uzamsal mantık baştan sona korunur ve olması gerekenden daha nadirdir.
12 Kahraman Haydut, 1967'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. 12 Kahraman Haydut'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.6'te 12 Kahraman Haydut, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; 12 Kahraman Haydut herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Yönetmen aksiyonu kamera gösterisinden ziyade insan ölçeğine göre çekiyor. Karakterler tutarlı bir alanı kaplar ve vücutları bu alanda okunabilir bir amaç doğrultusunda hareket eder. Sonuç, anlık adrenalin üretmek yerine etkiyi artıran bir eylemdir. 1960s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. 12 Kahraman Haydut bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 1960s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 1960s filmi.
12 Kahraman Haydut'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Robert Aldrich, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. 12 Kahraman Haydut'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Lee Marvin, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
12 Kahraman Haydut'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Robert Aldrich'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. 12 Kahraman Haydut, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Lee Marvin'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki 12 Kahraman Haydut, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Lee Marvin'in performansının ve Robert Aldrich'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Vahşi Belde
Bir grup kanunsuz, emekliliklerini ilan etmeden önce son bir banka soygunu için bir araya gelir... Ancak soygun istedikleri gitmez. Çıkan çatışmada arkadaşlarının bir bölümünü kaybederler. Peşlerindeki kanun adamlarından kaçışları Meksika'da son bulurlar. Bir yandan peşlerindeki belalı bir ödül avcısı, öte yandan da yeni geldikleri ülkedeki cani askerler. Meksika'da huzur değil adeta bela bulan grup kaçışlarının bir son bulduğunu sanmaktadır ancak bu son aslında her şeyin başlangıcı olacaktır. Sam Peckinpah'ın western sinemasını sarsan filmi hala aşılması çok zor bir klasik. "Battle of Bloody Porch" adı verilen klasik final sahnesi 12 günde çekilen filmin öyküsünde toplamda 145 kişi ölüyordu. Toplam 6 kamera ile çekilen bu sahnede, kameralardan biri suda kaybolmuştu.
Neden izliyorsunuz?: Vahşi Belde, önermelerinin önerdiğinden daha iyi filmler kategorisine giriyor. Sam Peckinpah, talep ettiği ilgiyi ödüllendiren malzemeye zanaat ve niyet katıyor.
Vahşi Belde'in 1969 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Vahşi Belde'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Vahşi Belde'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.6'teki Vahşi Belde, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Sam Peckinpah, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Yönetmen filmi, hangi sahnelerin başarılması gerektiğine ve oyuncu kadrosunun bu sahnelerde nasıl yer alması gerektiğine dair net ilkeler üzerine inşa ediyor. Sonuç, her anın bütüne hizmet ettiği bir filmler. 1960s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Vahşi Belde hayatta kaldı çünkü Sam Peckinpah trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 7.6 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Vahşi Belde'in görsel dili, 1969'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Sam Peckinpah, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Vahşi Belde'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Vahşi Belde'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Vahşi Belde, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.6 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Vahşi Belde'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Sam Peckinpah ve William Holden işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Vahşi Belde'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.6 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Vahşi Belde'e yüksek puan verme kararları, Sam Peckinpah'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Vahşi Belde genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Doktor Jivago
1917 Sovyet Devrimi öncesi ve sonrasını yaşayan bir burjuva aydını Dr. Jivago'nun öyküsü. Devrimle birlikte inandığı tüm değerler silinip yerine yeni sistemin gelişi Dr. Yuri Jivago'nun hayatını alt üst eder. Savaşın acımasızlığını yaşayan Dr. bir yandan da iki kadın arasında kalır.
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. David Lean, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Doktor Jivago (1965), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Doktor Jivago, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.5 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Doktor Jivago, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Doktor Jivago, 1960s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 1960s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, David Lean'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Doktor Jivago'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. David Lean, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Omar Sharif, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Doktor Jivago'te en çok görülür.
Doktor Jivago'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Doktor Jivago'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Doktor Jivago'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. David Lean'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Omar Sharif'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Doktor Jivago, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Doktor Jivago, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. David Lean'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Doktor Jivago'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Jules ve Jim
İki erkek ve bir kadın arasındaki üç kişilik aşkın sinema tarihindeki en güzel anlatımlarından biri olan Jules ve Jim, sadece aşk değil, dostluk üzerine de sözleri olan bir film. Yakın arkadaş olan Jules ve Jim’in hayatları, Catherine ile tanışınca bambaşka bir yöne doğru savrulur. Her ikisi de aynı kadına aşık olsa da Catherine, ilk başlarda sadece Jules’a ilgi duyar. Bildik kadın kimliğinin çok dışında bir karaktere sahip olan Catherine için hayat, alışıldık sınırların çok ötesinde bir anlam taşımaktadır. İlk zamanlardan beri Jim’in ilgisinin de farkında olan Catherine, yıllar sonra onunla da bir yakınlaşma içine girer. Catherine’i terketmeyi düşünmeyen Jules’un da varlığıyla bu unutulmaz üçlü, birlikte yaşamaya başlarlar.
Neden izliyorsunuz?: Jules ve Jim sessizliğe güvenen bir drama. François Truffaut, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
1962'te gösterime giren Jules ve Jim, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. François Truffaut hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.5 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Jules ve Jim için 7.5 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Jules ve Jim'in yaptığı da tam olarak bu. François Truffaut bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Jules ve Jim daha küçük bir kategoriye ait; 1960s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Jules ve Jim'teki performanslar, François Truffaut'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Jeanne Moreau, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Jules ve Jim'te en zor anlar, Jeanne Moreau'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Jules ve Jim, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. François Truffaut, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Jules ve Jim'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 7.5 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Jeanne Moreau - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Jules ve Jim bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. François Truffaut, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.5 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri François Truffaut'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Jules ve Jim'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Mary Poppins
Şemsiyesini kullanarak uçabilen süper-dadı Mary Poppins, Bank Ailesi'nin çocuklarına dadılık yapmaya başladığında aile üyeleri nasıl bir kadının çocuklarına bakıcılık edeceğinden habersizdirler. İlginç alışkanlıkları ve sihirli güçleri olan Mary Poppins, çocuklar gerçeküstü bir yolculuğa çıkarır. Çocuklara hayattan nasıl keyif alınabileceğini öğreten, onlara farklı farklı maceralar yaşatan dadının tek şartı yaşadıkları şeylerden kimselere bahsetmemeleridir. Avustralyalı kadın yazar P. L. Travers'ın 1935 yılından itibaren yayımlanmaya başladığı aynı adlı bir dizi çocuk kitabından uyarlanmıştır.
Neden izliyorsunuz?: Robert Stevenson, Mary Poppins'in komedisini gerçek karakter gözleminden yola çıkarak oluşturuyor. Film ilerledikçe kahkahalar artıyor çünkü insanları daha iyi tanıyorsunuz.
Mary Poppins, 1964'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Mary Poppins'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.5'teki Mary Poppins, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Karakter komedisi, yönetmenin ve oyuncu kadrosunun en komik anların abartıdan ziyade gerçeklerden geldiğini anlamasını gerektirir. Film işe yarıyor çünkü karakterlerin yaptıkları, kim olduklarına göre anlamlı. Mary Poppins için 1960s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Robert Stevenson'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Mary Poppins'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Robert Stevenson, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Mary Poppins karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Mary Poppins'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Mary Poppins, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Mary Poppins'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Robert Stevenson özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Mary Poppins ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 7.5 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Mary Poppins'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Robert Stevenson filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.5 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Mary Poppins tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Spartaküs
Trakyalı bir köle olan Spartaküs'ün asi yaradılışı gladyatör okulu işleten Lentulus Brutus'ün dikkatini çeker. Böylelikle Spartaküs'ün gladyatörlük yaşamı başlar. Eğitim süresi sonunda gladyatörler birer kadınla birlikte olma şansı bulur. Spartaküs kendisine sunulan Varinia'ya dokunmaz. Okulu ziyaret eden senatör Marcus Crassus'un şerefine tertiplenen oyunlarda Spartaküs Romalı politikacının zalim yanını görme fırsatı bulur ve Varinia'nın ona hediye edilmesi üzerine bir isyan başlatır.İsyan kısa sürede tüm bölgeye yayılır. Varinia ve Crassus'un evinden bir başka köle, romantik şair Antonius da sayıları giderek artan isyancılara katılırlar. Karşılarına çıkan bir kaç lejyonu yenilgiye uğratan isyancıların amacı İtalya'nın güney ucuna ulaşıp oradan gemilerle anavatanlarına dönmektir. Oysa Roma'da isyancıların üzerinden büyük politik oyunlar oynanmaktadır ve Crassus da bu oyunun bir parçasıdır.
Neden izliyorsunuz?: Stanley Kubrick, Spartaküs'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Spartaküs'in 1960 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Spartaküs'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Spartaküs'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.5 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Spartaküs'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Spartaküs bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Bugün hala 7.5 olarak derecelendirilen 1960s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Spartaküs bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Spartaküs'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Stanley Kubrick, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Spartaküs'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Kirk Douglas, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Spartaküs'i ilk kez izleyen izleyiciler, Stanley Kubrick'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Spartaküs'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Kirk Douglas, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1960 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Stanley Kubrick'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Spartaküs, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Stanley Kubrick'in Spartaküs'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Harika filmler izlemek dünyaya bakışınızı değiştirir. Bu yüzden onları dikkatle seçiyoruz.
Geceyarısı Kovboyu
Joe Buck, geçmişini bir kenara bırakır ve New York’a doğru bir yolculuğa çıkar. Niyeti orada zengin kadınlarla tanışıp, jigololuk yapmaktır. Ancak şehir hiç de onun beklediği gibi değildir. Kısa bir süre sonra fakir bir dolandırıcı olan Ratzo ile tanışır ve bu iki adam, çaresizliklerle dolu hayatlarında birbirlerinin en yakın dostu olur.
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. John Schlesinger, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Geceyarısı Kovboyu (1969), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Geceyarısı Kovboyu, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.5 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Geceyarısı Kovboyu de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Genel olarak 1960s sineması bağlamında, Geceyarısı Kovboyu, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1960s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Geceyarısı Kovboyu'in görsel dili, 1969'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. John Schlesinger, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Geceyarısı Kovboyu'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Geceyarısı Kovboyu'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Geceyarısı Kovboyu'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, John Schlesinger'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Geceyarısı Kovboyu, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Dustin Hoffman'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Geceyarısı Kovboyu, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Dustin Hoffman'in performansının ve John Schlesinger'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Kuşlar
Filmde Bodega sahiline saldıran farklı türlerden kuşların yol açtığı dehşet konu ediliyor. San Francisco’da bir evcil hayvan dükkanında başlayan ve bir aşk üçgeniyle ilerleyen film, bir doğumgünü esnasında kuşların saldırıya geçmesiyle devam eder. Yönetmen Alfred Hitchcock Kuzey Kalifoniya’da tatil yaparken gazetede gördüğü bir haberden oldukça etkilenir. Haberde kıyı evlerine doğru saldırıya geçen deniz kuşlarından bahsedilmektedir. Bu olay ile Daphne du Maurier’in kısa bir öyküsü yönetmenin kafasında birleşince, Kuşlar filminin temelleri de atılmış olur.
Neden izliyorsunuz?: Kuşlar gerilimini dürüstçe kazanıyor; baskı, yapay sürprizden ziyade durum ve karakterden kaynaklanıyor. Alfred Hitchcock, riskleri hissedecekleri konusunda izleyiciye güveniyor.
1963'te gösterime giren Kuşlar, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Alfred Hitchcock hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.5 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Kuşlar'in 7.5 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Alfred Hitchcock, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. 1960s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Kuşlar kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Kuşlar'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Alfred Hitchcock, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Tippi Hedren, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Kuşlar'te en çok görülür.
Kuşlar, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.5 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Kuşlar'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Alfred Hitchcock ve Tippi Hedren işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Kuşlar'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.5 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Kuşlar'e yüksek puan verme kararları, Alfred Hitchcock'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Kuşlar genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Muhteşem Yedili
Filmde Meksika'daki bir köyün ahalisinin düzenli olarak ürünlerini yağmalayan haydutlardan korunmak için Amerikalı bir grup silahşörü kiralamaları ve onlarla birlikte haydutlara karşı verdikleri mücadele anlatılmaktadır. Filmin tanıtım sloganı aynı zamanda filmin de bir özeti gibidir; "Yedi kişiydiler ama yediyüz kişi gibi dövüştüler".Tüm zamanların en popüler westernlerinden biri olan Muhteşem Yedili'nin senaryosunu Kurosawa'nın Yedi Samuray filminden William Roberts uyarladı...
Neden izliyorsunuz?: John Sturges, Muhteşem Yedili'te aksiyonu yalnızca etkiden ziyade kavrama amacıyla çekiyor. Uzamsal mantık baştan sona korunur ve olması gerekenden daha nadirdir.
Muhteşem Yedili, 1960'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Muhteşem Yedili'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.5'te Muhteşem Yedili, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Muhteşem Yedili herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Yönetmen aksiyonu kamera gösterisinden ziyade insan ölçeğine göre çekiyor. Karakterler tutarlı bir alanı kaplar ve vücutları bu alanda okunabilir bir amaç doğrultusunda hareket eder. Sonuç, anlık adrenalin üretmek yerine etkiyi artıran bir eylemdir. 1960s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Muhteşem Yedili bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 1960s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 1960s filmi.
Muhteşem Yedili'teki performanslar, John Sturges'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Yul Brynner, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Muhteşem Yedili'te en zor anlar, Yul Brynner'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Muhteşem Yedili'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Muhteşem Yedili'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Muhteşem Yedili'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. John Sturges'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Yul Brynner'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Muhteşem Yedili, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Muhteşem Yedili, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. John Sturges'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Muhteşem Yedili'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Grinç
Komedi ustası jim carrey bu sefer çirkinmi çirkin huysuzmu huysuz grinç rolünde karşımıza çıkıyor. yine kahkaha garantisi veren filmde yılbaşından hoşlanmayan grinçin yaşadığı kasabadaki halka bir sürprizi vardır.
Neden izliyorsunuz?: Komedi sürdürülmesi en zor türdür. Chuck Jones, Grinç'in zahmetsiz görünmesini sağlar; bu, çoğu izleyicinin bilinçli olarak fark etmediği önemli bir zanaatın işaretidir.
Grinç'in 1966 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Grinç'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Grinç'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.5'teki Grinç, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Chuck Jones, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Filmin bir komedi olarak tutarlılığı tutarlılıktan geliyor. Yönetmen dünyanın kurallarını ve karakterlerin bu kurallar içindeki davranışlarını belirliyor ve mizah, bu karakterlerin bir durumu nasıl yönlendirdiğinden ortaya çıkıyor. 1960s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Grinç hayatta kaldı çünkü Chuck Jones trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 7.5 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Grinç'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Chuck Jones, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Grinç karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Grinç'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Grinç, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. Grinç'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. Grinç'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. Chuck Jones'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
Grinç bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Chuck Jones, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.5 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Chuck Jones'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Grinç'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Benim Güzel Meleğim
Prof. Higgins, yağmurlu bir gecede, Londra Covent Garden'daki operadan çıkan kalabalığın arasında çiçek satan, ağzı bozuk Eliza Doolittle'a rastlar. Hırçın ve kaba davranışlarıyla etrafa sataşmaktan kendini alamayan muzip genç kız, sadece argo değil, üstelik berbat bir aksanla da konuşmaktadır. Higgins, kendisi gibi bir dil bilimci olan dostu Albay Pickering ile bir bahse girer: Eliza üstüne para alarak profesörün evinde kalacak ve diksiyon kursları alacaktır. Higgins, genç kızı tamamen yola getireceğine ve Eliza'nın bir süre sonra gerçek bir hanımefendiden ayırt edilemeyeceğini iddia etmektedir. Bernard Shaw'ın 1912 tarihli oyunu Pygmalion'dan uyarlanan ve Broadway'de 1956-62 yılları arasında büyük sükse yapan My Fair Lady'nin başarısı, sahne müzikalini uyarlayan Alan Jay Lerner'in film yönetmeni George Cukor'la işbirliğini doğurdu. Eliza rolünün kariyerinin zirvesindeki Audrey Hepburn'e verilmesiyle de sinema tarihinin zafer anlarından biri tescillenmiş oldu.
Neden izliyorsunuz?: Sadece bir tane olarak pazarlanmak yerine gerçekten komik bir filmler. Benim Güzel Meleğim'teki mizah düzenden değil karakterden geliyor.
Benim Güzel Meleğim (1964), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Benim Güzel Meleğim, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.5 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Benim Güzel Meleğim, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Filmin komedi gibi çalışmasını sağlayan şey, yönetmenin mizahın nerede olduğunu belirtmeyi reddetmesidir. Şakalar karakter ve durumdan kaynaklanıyor; bu da, dikkat eden izleyicilerin, gülmeleri gerektiğinin söylenmesini bekleyen izleyicilerden daha fazlasını bulduğu anlamına geliyor. Benim Güzel Meleğim, 1960s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 1960s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, George Cukor'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Benim Güzel Meleğim'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. George Cukor, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Benim Güzel Meleğim'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Audrey Hepburn, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Benim Güzel Meleğim, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Benim Güzel Meleğim'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. George Cukor özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Benim Güzel Meleğim ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 7.5 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Benim Güzel Meleğim'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. George Cukor filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.5 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Benim Güzel Meleğim tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Bonnie ve Clyde
30'lu yılların haydut çifti Clyde Barrow ve Bonnie Parker'ın yaşamöyküsünden biraz fazla serbest uyarlanmış olan film, ABD'nin ekonomik buhran yıllarında geçiyor. Bonnie isimli genç kadının, annesinin arabasını çalan Clyde'ın cazibesine kapılıp onunla kaçmasıyla birlikte tarihin en popüler haydutları doğar. Birlikte o eyalet senin bu eyalet benim sayısız suç işleyen ikili, kısa sürede ülke çapında meşhur olur ve adeta Robin Hood muamelesi görür. Ekonomik krizin hayatlarını kararttığı insanlar, adeta genç aşıklar tarafından soyulmaktan mutludurlar. Oysa güvenlik güçleri aynı fikirde değildir. Şöhretle birlikte Bonnie ve Clyde'ın cesareti de artar ve akıllı bir insanın kolay kolay girişmeyeceği işlere girişmeye başlarlar...
Neden izliyorsunuz?: Bonnie ve Clyde sessizliğe güvenen bir drama. Arthur Penn, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
1967'te gösterime giren Bonnie ve Clyde, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Arthur Penn hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.5 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Bonnie ve Clyde için 7.5 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Bonnie ve Clyde'in yaptığı da tam olarak bu. Arthur Penn bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Bonnie ve Clyde daha küçük bir kategoriye ait; 1960s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Bonnie ve Clyde'in görsel dili, 1967'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Arthur Penn, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Bonnie ve Clyde'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Bonnie ve Clyde'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Bonnie ve Clyde'i ilk kez izleyen izleyiciler, Arthur Penn'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Bonnie ve Clyde'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Warren Beatty, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1967 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Arthur Penn'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Bonnie ve Clyde, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Arthur Penn'in Bonnie ve Clyde'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Serseri Aşıklar
Michel Marsilya'da bir otomobil çalar ve yolda bir polis öldürür. Paris'te Champ Elysees'te New York Harold Tribune gazetesi için stajyerlik yapan Patricia'yı bulur. Daha önce birkaç kez birlikte olmuşlardır. Michel polis tarafından aranırken eski arkadaşlarıyla buluşup Roma'ya gitmek için gerekli parayı elde etmeye çabalar. Ancak ikisi de duygularından bir türlü emin olamaz. Başının polisle belaya girmesini istmeyen Patricia büyük bir ikilemde kalır. Onun bu kararsızlığına aldırış etmeyen Michel ise tam bir güven içinde son hazırlıkları yapmaktadır.
Neden izliyorsunuz?: Serseri Aşıklar'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Jean-Luc Godard'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
Serseri Aşıklar, 1960'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Serseri Aşıklar'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.5'teki Serseri Aşıklar, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Serseri Aşıklar için 1960s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Jean-Luc Godard'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Serseri Aşıklar'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Jean-Luc Godard, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Jean-Paul Belmondo, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Serseri Aşıklar'te en çok görülür.
Serseri Aşıklar'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Jean-Luc Godard'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Serseri Aşıklar, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Jean-Paul Belmondo'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Serseri Aşıklar, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Jean-Paul Belmondo'in performansının ve Jean-Luc Godard'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Tiksinti
Kadınsı duyguların çemberinde gittikçe daralan bir dünyanın, küçücük bir evde yalnız başına yaşamak zorunda kalma kavramıyla özdeşleştiği filmde Carole'u bitmek tükenmek bilmeyen tiksintisini bir an olsun bastırabilmek için öldürmek zorunda kalan bir tür seri katile dönüştürmüştür. Filmde bir güzellik salonunda çalışan Carole, oldukça içine kapanık genç bir kadındır. Bastırılmış cinselliği yüzünden hem özel yaşamında hem de işte dışlanan Belçikalı Carol, Londra'da beraber oturduğu kız kardeşinin evli sevgilisiyle tatile çıkmasının ardından evde tek başına kalır. Carol, korkularına teslim olur ve hayalle gerçekleri ayıramadığı dünyasında tamamen çözülür.
Neden izliyorsunuz?: Tiksinti, en iyi gerilim filmlerinin kısıtlama yoluyla çalıştığını gösteriyor. Roman Polanski, mümkün olduğu kadar uzun süre boyunca, mümkün olduğu kadar fazlasını tutar ve sonuç, geleneksel yükseltmeden daha etkilidir.
Tiksinti'in 1965 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Tiksinti'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Tiksinti'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.4 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Tiksinti'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Tiksinti bundan faydalanıyor. Zanaat en çok yönetmenin sakladığı şeylerde görülür. Bilgi stratejik olarak yayınlanıyor, her açıklama daha önce olanı yeniden bağlamlandırıyor. Performanslar kontrollü açıklamaya göre kalibre edilir. Bugün hala 7.4 olarak derecelendirilen 1960s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Tiksinti bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Tiksinti'teki performanslar, Roman Polanski'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Catherine Deneuve, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Tiksinti'te en zor anlar, Catherine Deneuve'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Tiksinti, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.4 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Tiksinti'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Roman Polanski ve Catherine Deneuve işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Tiksinti'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.4 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Tiksinti'e yüksek puan verme kararları, Roman Polanski'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Tiksinti genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Altın Parmak
Dokunduğu her şeyi altına çevirmesiyle ünlenen efsanevi Frigya kralı Midas’ın uğursuz gücüne sahip bir adam, hain planları uğruna birçok insanın hayatını gözünü bile kırpmadan tehlikeye atacak kadar hırslı bir altın taciri ve James Bond.
Neden izliyorsunuz?: Gerilimi hassasiyetle inşa eden bir gerilim filmi. Guy Hamilton, üretilmiş şoklar yerine mantık yoluyla ivme kazanıyor.
Altın Parmak (1964), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Altın Parmak, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.4 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Altın Parmak de bir istisna değildir. Yönetmen filmi bilgi asimetrisi etrafında inşa ediyor: Seyirci karakterlerden daha fazlasını veya daha azını biliyor ve filmler her iki durumu da hassasiyetle yönetiyor. Oyuncu kadrosu gerilimi yoğunluktan ziyade kısıtlama yoluyla iletiyor. Genel olarak 1960s sineması bağlamında, Altın Parmak, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1960s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Altın Parmak'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Guy Hamilton, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Altın Parmak karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Altın Parmak'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Altın Parmak'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Altın Parmak'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Altın Parmak'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Guy Hamilton'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Sean Connery'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Altın Parmak, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Altın Parmak, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Guy Hamilton'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Altın Parmak'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Cinayeti Gördüm
Oldukça yetenekli olmasına karşın işine karşı hiçbir ruh beslemeyen bir fotoğrafçı, amaçsız bir şekilde bir çok insanın ya da modelin fotoğrafını çekmektedir. Bir gün parktaki bir çiftin fotoğrafını çeker. Eve dönüp karanlık odada fotoğrafı büyütünce hiç farketmediği bir durum dikkatini çekiverir. Fotoğraf karesi, işlenen bir suçun en çarpıcı kanıtı olmuştur * Bir şeyin gerçek olup olmadığını nesnel kanıtlarla değil, gerçekliğini savunan kişinin inancıyla ölçülebileceğini anlatan film, muhakkak izlenmesi gereken başarılı bir yapım. Usta yönetmen Michelangelo Antonioni'nin başyapıtlarından biri sayılan Blowup, zenginlik ve şöhretin insanın yalnızlığına ve ruhunun ihtiyaçlarına çözüm sağlayamayacak değerler olduğunu anlatan önemli bir yapım olarak sinema tarihinde yerini alıyor * Öncelikle bu filmi bütünlemesine anlamak için Julio Cortazar'ın aynı isimdeki öyküsünü okumalısınız
Neden izliyorsunuz?: Cinayeti Gördüm gerilimini dürüstçe kazanıyor; baskı, yapay sürprizden ziyade durum ve karakterden kaynaklanıyor. Michelangelo Antonioni, riskleri hissedecekleri konusunda izleyiciye güveniyor.
1966'te gösterime giren Cinayeti Gördüm, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Michelangelo Antonioni hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.3 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Cinayeti Gördüm'in 7.3 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Michelangelo Antonioni, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. 1960s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Cinayeti Gördüm kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Cinayeti Gördüm'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Michelangelo Antonioni, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Cinayeti Gördüm'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. David Hemmings, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Cinayeti Gördüm, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Michelangelo Antonioni, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Cinayeti Gördüm'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 7.3 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle David Hemmings - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Cinayeti Gördüm bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Michelangelo Antonioni, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.3 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Michelangelo Antonioni'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Cinayeti Gördüm'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Bu 1960s Filmlerini Nasıl Sıraladık?
Bu sayfadaki her film, Film Veritabanı API'sinden alınan veriler kullanılarak seçilmiştir ve kalite tutarlılığını sağlamak amacıyla minimum oy eşiklerine göre filtrelenmiştir. Süreç, bu kategorideki tüm filmlerin oy ortalamasına göre azalan sırada sıralanmasıyla başlar, ardından gereken sayıdan daha az oy alan filmleri hariç tutacak şekilde filtrelenir.
Bu daha büyük listedeki her girişin doğruluğu manuel olarak doğrulandı. Yüksek derecelendirme, otomatik olarak izlenebilirlik anlamına gelmez. Son haberler nedeniyle trend olan bir film, gerçekten iyi olduğu için trend olan bir filmle aynı değildir. Her girişteki editoryal analiz, kültürel gürültüden ziyade gerçek film kalitesini yansıtıyor.
Seçim, erişilebilirlik ve derinlik arasında bir denge sağlar. Buradaki filmler, çağdaş gösterimlerden yeniden keşfedilmeyi hak eden katalog başlıklarına kadar çeşitlilik göstermektedir. Hepsi ustalık ve niyetle yapıldı. Tüm ödül görüntüleme.
Türe Göre En İyi 1960s Filmleri
Bu sayfadaki 50 filmleri birden fazla türü ve alt türü kapsar. Tür bir filtre olarak kullanışlıdır ancak kesin bir kategori olarak kullanışlı değildir. Drama etiketli bir film, Gerilim etiketli bir film kadar merak uyandırıcı olabilir. Aksiyon etiketli bir film, Drama etiketli bir film kadar duygusal açıdan zeki olabilir. Türü resmin tamamı olarak değil, başlangıç noktası olarak kullanın.
Her filmdeki tür etiketleri, filmin kategorik olarak nerede bulunduğunu gösterir. 1960s'te en çok ilginizi çeken türleri bulmak için filtreleri kullanın.
Derecelendirmeye Göre En İyi 1960s Filmleri
Bu sayfadaki filmler üç derecelendirme aşamasına ayrılmıştır. 8,5'in üzerindeki filmler her açıdan olağanüstüdür ve bu kategorideki en iyi sinemayı temsil eder. 7,5'ten 8,4'e kadar olan filmler tutarlı bir işçilik gösterir ve güvenilir bir şekilde güçlüdür. 7.0'dan 7.4'e kadar olan filmler, biraz daha geniş bir kalite aralığını temsil etseler de hala mükemmel ve izlenmeye değerdir.
TMDB'de 8,0 puan, istatistiksel olarak güvenilir olması için yeterince geniş bir seçmen tabanını gerektirir. Zaman içinde test edilen gerçek izleyici beğenisini yansıtır.
Runtime'a göre En İyi 1960s Filmleri
Çalışma zamanı, ne izleneceğini seçerken en kullanışlı ve en az kullanılan filtrelerden biridir. 90 dakikanın altındaki filmler, kusursuz deneyimler sunar. 90 ila 120 dakika arasındaki filmler çoğu izleme durumu için en uygun uzunluktur. 120 dakikanın üzerindeki filmler bağlılık gerektirir ancak ödüllendirir.
Beklenenden çok daha uzun süren bir şeye gece geç saatlerde başlamak yerine, doğru filmi bulmak için mevcut zamanınızı kullanın.
Bulunmaya Değer Gizli Mücevherler
Her 1960s seçkisi, en üst görünürlük sıralamasının altında yer alan ancak olağanüstü bir şey sunan filmleri içerir. Bunlar, franchise'ın tanınmaması veya yakın zamanda basında yer almaması nedeniyle algoritmanın hafife aldığı filmlerdir. Belirsiz oldukları için gizli değiller. Platformlar en gürültülü seçenekleri ilk önce ortaya çıkardığı için gizlenirler.
Explore Related 1960s Content
The 1960s is best understood through multiple lenses. Below are related ways to explore movies from this decade and era.
Sıkça Sorulan Sorular
1960s'in en iyi filmleri hangileri?
1960s'in en iyi filmleri bu sayfada tam olarak sıralanır ve listelenir. Bu liste nostaljiden ziyade gerçek izleyici takdirini yansıtıyor. Her film, yerini yeterince büyük bir izleyici kitlesinden gelen sürekli olumlu tepkilerle kazandı.
1960s'in en yüksek reytingli filmi hangisi?
1960s'in en yüksek puan alan filmleri bu sayfanın üst kısmında listelenmiştir. 8,5 ve üzeri puan alan filmler, o zamandan beri yapılan her şeye erişebilen izleyiciler tarafından beğenildi ve bu da, derecelendirmeyi tek başına sayının gösterdiğinden daha anlamlı kılıyor.
En iyi 1960s gerilim filmleri nelerdir?
1960s'in gerilim filmleri bu sayfa boyunca tür etiketleriyle tanımlanır. Gerilim veya Suç Gerilimi etiketli filmleri arayın. En iyi 1960s gerilim filmleri, üretilmiş şok yerine karakter yatırımı yoluyla gerilim yaratır.
En iyi 1960s dizileri hangileri?
1960s'in drama filmleri dönemin en kalıcı eserlerinden bazılarını temsil ediyor. En iyi 1960s dramaları, izleyicilerin duygusal bilgileri altını çizmeden kaydetmesine ve yayınlandıktan onlarca yıl sonra bile izlemeyi ödüllendirmeye devam etmesine güvenir.
En iyi 1960s aksiyon filmleri nelerdir?
Aksiyon sineması 1960s sırasında önemli ölçüde gelişti. Bu sayfadaki Aksiyon etiketli filmler, bu evrimin en iyilerini temsil ediyor; sekansları önce kavramaya, sonra etkilemeye yönelik.
En iyi 1960s komedileri nelerdir?
En iyi 1960s komedileri mizahı kurgu ve can alıcı nokta mekaniklerinden ziyade karakterden türetmiştir. Orijinal kültürel referanslar kaybolsa bile karakterler spesifik ve tanınabilir olduğundan komik kalıyorlar.
En iyi 1960s korku filmleri nelerdir?
En iyi 1960s korku filmleri, atmosferin şoktan daha dayanıklı olduğunu ve korkunun karakterlere önceden yatırım yapılmasını gerektirdiğini anlamıştı. Açık içerikten ziyade atmosferik zanaat ve yapısal zeka nedeniyle seçildiler.
En iyi 1960s bilim kurgu filmleri nelerdir?
En iyi 1960s bilimkurgu filmleri gösteriden ziyade insanın sorularını keşfetmek için spekülatif öncülleri kullandı. Tür yeterince ciddiye alındı ve gerçek fikirlerin yer aldığı projeler yapıldı ve teatral olarak yayınlandı.
En iyi 1960s suç filmleri nelerdir?
1960s'in polisiye sineması türün ürettiği en güçlü çalışmalardan bazılarını temsil ediyor. Bu filmler ahlaki belirsizliği çözümlemeden ele alıyor ve suç yaşamının bedelini romantizm olmadan gösteriyordu.
1960s'in en iyi yabancı dil filmleri hangileri?
1960s'in uluslararası sineması bu listede temsil edilmektedir. Bu dönemde birçok ulusal sinema yaratıcılığın zirvesindeydi. Altyazı şüphesi olanlar bu sayfada 8,5 ve üzeri puan alan herhangi bir yabancı dil filmiyle başlamalıdır.
1960s'in en az değer verilen filmleri hangileri?
Bu sayfadaki Gizli Mücevher bölümü, anlamlı seçmen tabanlarından 6,5 ile 7,4 arasında puan alan 1960s filmlerini tanımlar. Bu filmler, belirsiz oldukları için değil, franchise'ın tanınmaması veya son zamanlarda basında yer almaması nedeniyle küçümseniyor.
Herkes en az bir kez hangi 1960s filmlerini izlemeli?
Bu listede 8,0 ve üzeri puan alan filmler, pazarlıksız 1960s izlemeyi temsil etmektedir. Bunlar, birden fazla nesilden izleyici arasında gerçek anlamda eleştirel fikir birliğine ulaştı ve yeni izleyicilere ulaşmaya devam ediyor.
Genellikle eski filmleri izlemeyen biri için en iyi 1960s filmleri hangileridir?
Bu sayfadan 8,5 ve üzeri puan alan herhangi bir filmle başlayın. Kalite eskimez. Hoşunuza giden bir türde bir 1960s filmi bulmak ve oradan başlamak için tür etiketlerini kullanın.
1960s filmleri modern sinemayla karşılaştırıldığında nasıldır?
1960s farklı kısıtlamalar altında ve farklı amaçlarla filmler üretti. Bütçe yapıları, orijinal öncüllere sahip orta sınıf filmlerin sinemalarda gösterime girmesine izin verdi. Yönetmenlere stüdyolarla ilgili olarak şu anda yaygın olandan daha fazla yaratıcı kontrol verildi.
1960s filmleri bugün hâlâ izlenmeye değer mi?
Evet, yeterlilik olmadan. Bu listedeki filmler tarihsel açıdan ilginç oldukları için değil, dayandıkları için seçildi. Harika film yapımcılığı, teknolojinin veya modanın eskidiği gibi eskimez. Çağdaş izleyiciler bu filmleri yüksek oranda derecelendirmeye devam ediyor.