The Godfather
Spanning the years 1945 to 1955, a chronicle of the fictional Italian-American Corleone crime family. When organized crime family patriarch, Vito Corleone barely survives an attempt on his life, his youngest son, Michael steps in to take care of the would-be killers, launching a campaign of bloody revenge.
لماذا تشاهد: أحد الأفلام الأعلى تقييمًا في هذا الاختيار. اكتسب The Godfather سمعته من خلال التقدير النقدي المستمر عبر أجيال متعددة من المشاهدين.
وصل The Godfather (1972) قبل أن يجعل الإنترنت كل فيلم متاحًا على الفور في كل مكان. يتطلب الوصول إلى الجماهير كلامًا شفهيًا حقيقيًا، وقد قام The Godfather ببناء هذا الكلام الشفهي لأنه يقدم شيئًا حقيقيًا. يعد تصنيف 8.7 في قاعدة بيانات الأفلام نادرًا إحصائيًا. فهو يتطلب قاعدة ناخبين كبيرة بما فيه الكفاية بحيث تكون الآراء الفردية متوسطة، ولا يترك سوى الأفلام التي تقدم باستمرار عبر جماهير متنوعة. The Godfather لديه هذا الإجماع. يعمل المخرج بصبر لا تستطيع معظم الدراما المعاصرة تحمله. يُسمح للمشاهد بالمرور إلى ما بعد نقطة النهاية الواضحة، وإيجاد الحقيقة فيما تفعله الشخصيات بعد أن تقول ما جاءت لتقوله. يفهم طاقم الممثلين هذا الإيقاع. في سياق السينما 1970s بشكل عام، يمثل The Godfather ما ساهم به العقد ولم تفعله العقود السابقة واللاحقة. أنتجت الظروف المحددة لصناعة الأفلام 1970s - الميزانيات والتكنولوجيا والسياق الثقافي - شيئًا هنا لا يمكن أن يأتي إلا من تلك اللحظة.
تعكس اللغة المرئية لـ The Godfather صناعة الأفلام في 1972 في أفضل حالاتها. عملت Francis Ford Coppola ضمن القيود الفنية التي تطلبت التركيب والإضاءة لتحمل الثقل العاطفي الذي تفريغه الإنتاجات الحديثة إلى مرحلة ما بعد الإنتاج. تم تصميم كل إطار في The Godfather بدلاً من تعديله. والنتيجة هي تماسك بصري نادرًا ما تحققه الأفلام المعاصرة، بخياراتها غير المحدودة في مرحلة ما بعد الإنتاج. إن مشاهدة The Godfather مع الانتباه إلى كيفية تكوين اللقطات يكشف عن مخرج سينمائي أدرك أن الكاميرا لا تسجل شيئًا ما فحسب، بل إنها تثير جدلًا حول كيفية رؤيته.
يجب على مشاهدي The Godfather لأول مرة الدخول بأقل قدر ممكن من المعرفة المسبقة. تمت مناقشة الفيلم والإشارة إليه على نطاق واسع لدرجة أنه من السهل التوصل إلى توقعات تشكلها ردود أفعال الآخرين بدلاً من الفيلم نفسه. التجربة الفعلية لمشاهدة The Godfather لأول مرة، دون معرفة ما سيأتي بالضبط، تختلف بشكل كبير عن مشاهدته بالكمية المعروفة. إذا لم تكن قد رأيت ذلك بعد، فهذه ميزة تستحق الحفاظ عليها. يجد المشاهدون العائدون أن The Godfather يتغير عند إعادة المشاهدة - ليس لأن الفيلم يتغير، ولكن لأن معرفة النتيجة يغير التفاصيل التي تلاحظها وما تفعله المشاهد المبكرة بالفعل. يبدو بناء الفصل الأول في Francis Ford Coppola مختلفًا بمجرد أن تعرف أين ينتهي. يحمل أداء Marlon Brando في المشاهد الأولى معلومات لا يمكن قراءتها إلا عند المشاهدة الثانية.
لا يتطلب تصنيف The Godfather في المراكز العشرة الأولى في هذه القائمة أي وسيطة خاصة. إن تصنيف 8.7 من قاعدة ناخبين كبيرة بما يكفي ليكون ذا معنى إحصائيًا هو الحجة. تحتل الأفلام الموجودة في المراكز العشرة الأولى في أي قائمة جادة هذا المركز لأنها تصل باستمرار إلى أكبر مجموعة من المشاهدين، وقد فعل The Godfather ذلك عبر كل مجموعة سكانية واجهته. يعمل عمل Francis Ford Coppola هنا على المستوى الذي تتجمع فيه جودة المشهد الفردي في شيء صامد على مستوى الفيلم بأكمله، وهو أمر نادر أكثر مما يبدو.
The Godfather Part II
In the continuing saga of the Corleone crime family, a young Vito Corleone grows up in Sicily and in 1910s New York. In the 1950s, Michael Corleone attempts to expand the family business into Las Vegas, Hollywood and Cuba.
لماذا تشاهد: يقع The Godfather Part II في النهاية الاستثنائية لهذه القائمة. إن هذا التصنيف المرتفع، المبني على قاعدة كبيرة من الناخبين، يعكس إجماعا حقيقيا وليس مجرد ضجيج.
تم إصدار The Godfather Part II في 1974، وتم إنتاجه في عصر كانت فيه العروض المسرحية تحدد ما إذا كان الفيلم سيبقى على قيد الحياة أم لا. لقد صنعت Francis Ford Coppola شيئًا نجا، وتصنيف 8.6 الذي تحمله اليوم هو دليل على قوة بقائها. تمثل نتيجة 8.6 لـ The Godfather Part II آلاف قرارات المشاهدة الفردية المجمعة في رقم واحد. ويعكس هذا الرقم شيئًا حقيقيًا: فالأشخاص الذين شاهدوا هذا الفيلم اعتقدوا أنه كان استثنائيًا، وقد وافق عدد كافٍ منهم على جعل التصنيف ذا معنى. الدراما تأتي من الخصوصية وليس من العالمية. يتخذ المخرج اختيارات تنطبق تحديدًا على هذه الشخصيات في هذا الموقف، الأمر الذي يخلق للمفارقة شيئًا أكثر عالمية من الإيقاعات العاطفية العامة. أنتج 1970s العديد من الأفلام. الأشخاص الذين بقوا في قوائم مثل هذه بعد عقود هم أولئك الذين فهموا شيئًا حقيقيًا عن الناس وليس فقط عن اللحظة. The Godfather Part II موجود هنا لأنه فهم شيئًا دائمًا.
يوضح سيناريو The Godfather Part II شيئًا لا تحققه معظم الأفلام: كل مشهد يقوم بشيئين في وقت واحد. العمل السطحي يطور الحبكة. النص الفرعي يتقدم الشخصية. عملت Francis Ford Coppola مع المواد التي وثقت في قدرة الجمهور على تسجيل ما لم يُقال بوضوح مثل ما قيل. يقدم Al Pacino سطورًا تعني أشياء مختلفة اعتمادًا على ما تعرفه في تلك المرحلة من الفيلم. يختبر المشاهدون لأول مرة فيلمًا واحدًا. المشاهدون الذين يعرفون النهاية يختبرون تجربة أخرى. يكون هذا التطور الهيكلي أكثر وضوحًا في The Godfather Part II عندما تنتبه إلى ما تتجنب الشخصيات قوله بشكل مباشر باستمرار.
يناسب The Godfather Part II الأمسيات عندما ترغب في مشاهدة شيء ذي محتوى حقيقي بدلاً من مشاهدة شيء يملأ الوقت ببساطة. إنه ليس فيلمًا في الخلفية وليس تجربة سلبية. أنشأ Francis Ford Coppola شيئًا يسترعي انتباهك ويكافئه بشكل خاص وليس بشكل عام. سيحصل المشاهدون الذين يشاهدون The Godfather Part II أثناء قيامهم بأشياء أخرى على نسخة من الفيلم تقل بشكل كبير عن النسخة المتاحة لشخص يمنحه اهتمامه الكامل. يعكس تصنيف 8.6 تجربة المشاهدة الكاملة الاهتمام. يقدم طاقم الممثلين - Al Pacino على وجه التحديد - تفاصيل الأداء التي يتم تسجيلها في المشاهدة المركزة وتختفي في المشاهدة المشتتة.
يعكس المركز العشرة الأوائل لـ The Godfather Part II في هذه القائمة شيئًا يصعب تصنيعه: التميز المستمر الذي يستمر المشاهدون الجدد في اكتشافه وتقييمه بدرجة عالية. تفقد معظم الأفلام زخمها بعد جمهورها الأولي. The Godfather Part II لم يفعل ذلك. المشاهدون الذين واجهوه بعد سنوات أو عقود من إصداره يمنحونه نفس التقييمات العالية التي حصل عليها المشاهدون الأوائل. لقد صنع Francis Ford Coppola شيئًا يعمل بشكل مستقل عن اللحظة الثقافية التي جاء منها، وهو تعريف الجودة الدائمة. يعد أداء Al Pacino جزءًا من تلك المتانة - فهو لا يُقرأ على أنه فترة تمثيلية.
One Flew Over the Cuckoo's Nest
A petty criminal fakes insanity to serve his sentence in a mental ward rather than prison. He soon finds himself as a leader to the other patients—and an enemy to the cruel, domineering nurse who runs the ward.
لماذا تشاهد: من الصعب تحقيق الأرقام وراء One Flew Over the Cuckoo's Nest: آلاف المشاهدين المستقلين، يصنفونها بدرجة عالية دون تنسيق. هذا الإجماع هو إشارة الجودة الأكثر موثوقية المتاحة.
يعود تاريخ One Flew Over the Cuckoo's Nest إلى 1975، مما يعني أنه تم اختباره بواسطة أجيال متعددة من المشاهدين. إن حقيقة أن One Flew Over the Cuckoo's Nest لا يزال يحتل مرتبة عالية يعكس الحرفية الحقيقية وليس الحنين إلى الماضي. في 8.4، يقع One Flew Over the Cuckoo's Nest في نطاق تكون فيه الجودة متسقة ولكن الفيلم لم يحقق الإجماع الواسع للعناوين ذات التصنيف الأعلى. غالبًا ما يعكس هذا الإجماع الضيق جاذبية محددة - One Flew Over the Cuckoo's Nest ليس مناسبًا للجميع، ولكنه ممتاز للمشاهد المناسب. يوضح الفيلم ما يمكن للدراما أن تفعله ولا تستطيع الأنواع الأخرى فعله: وضع السلوك البشري العادي تحت الضغط والكشف عن الشخصية من خلال الاستجابة. يخلق المخرج تلك الظروف ويسكنها الممثلون باقتناع حقيقي. كانت 1970s لحظة ثقافية محددة ذات اهتمامات محددة وأساليب جمالية محددة. يعكس One Flew Over the Cuckoo's Nest تلك الشروط بينما يتجاوزها - إنه فيلم 1970s ولا يتطلب منك فهم 1970s لتقديره.
تتم معايرة العروض في One Flew Over the Cuckoo's Nest إلى سجل محدد أنشأه Miloš Forman وصيانته طوال فترة الإنتاج. أدرك Jack Nicholson أن المادة تتطلب التقليل من الأهمية بدلاً من التركيز. اللحظات الأكثر صعوبة في One Flew Over the Cuckoo's Nest هي تلك التي يكون فيها أداء Jack Nicholson أقل من الممثل الأقل مهارة. تعمل المجموعة بإيقاع يوحي بإعداد مكثف وليس مجرد الموهبة. تكشف المشاهد التي يتواجد فيها العديد من أعضاء فريق العمل عن ديناميكية تعاونية نادرة في الأفلام حيث يتم تقديم الأداء الفردي على حساب الحقيقة الجماعية.
يناسب One Flew Over the Cuckoo's Nest المشاهدين الذين لا يبحثون عادةً عن أفلام من هذا العصر أو هذا النوع. إن الصفات التي أكسبته تصنيف 8.4 ليست خاصة بنوع معين أو بفترة زمنية محددة - إنها الصفات التي تجعل أي فيلم ممتازًا: السرد الواضح للقصص، والأداء المقنع، والإخراج الذي يخدم المادة بدلاً من عرض نفسه. المشاهدون الذين يتعاملون مع One Flew Over the Cuckoo's Nest كفيلم وليس كقطعة أثرية ثقافية يميلون إلى الحصول على أقوى الاستجابات. إن الثقل الثقافي الذي تراكم منذ إطلاقه يمكن أن يخلق مسافة بدلاً من الوصول. الإطار الأكثر فائدة هو ببساطة: هذا فيلم جيد الصنع عن أشخاص محددين في موقف معين. كل شيء آخر يأتي من مشاهدة ذلك باهتمام. يقوم Miloš Forman وJack Nicholson بالعمل؛ مهمة المشاهد هي أن يكون حاضرا لذلك.
ينتمي One Flew Over the Cuckoo's Nest إلى قائمة العشرة الأوائل لأنه يفعل شيئًا تحاول معظم الأفلام تحقيقه ولا يحققه إلا القليل: فهو ممتاز عند المشاهدة الأولى ويكشف عن طبقات إضافية عند إعادة المشاهدة. يتمتع الجمهور لأول مرة والجمهور العائد بتجربتين مختلفتين، وكلتا التجربتين قويتان. قام Miloš Forman ببناء هذا العمق في الفيلم من خلال العمل على مستويات متعددة في وقت واحد - القصة السطحية تظهر، وتحتها توجد طبقة من القرارات الحرفية التي لا تصبح مرئية بالكامل إلا عندما تعرف إلى أين يتجه كل شيء. هذا الهيكل ذو المستويين هو ما يضع One Flew Over the Cuckoo's Nest في المراكز العشرة الأولى بدلاً من المستوى التالي.
Apocalypse Now
At the height of the Vietnam war, Captain Benjamin Willard is sent on a dangerous mission that, officially, "does not exist, nor will it ever exist." His goal is to locate - and eliminate - a mysterious Green Beret Colonel named Walter Kurtz, who has been leading his personal army on illegal guerrilla missions into enemy territory.
لماذا تشاهد: احتفظ Apocalypse Now بتصنيفه لفترة كافية بحيث تكون النتيجة مستقرة. تعتبر الأفلام التي حصلت على تصنيف عالٍ عبر جماهير متنوعة استثنائية وليست جيدة فقط.
يسبق إصدار 1979 لـ Apocalypse Now عصر البث بالكامل. كل مشاهد قام بتقييم Apocalypse Now اكتشفه من خلال جهد متعمد - العرض المسرحي، أو الوسائط المادية، أو التوصية. يقوم جمهور Apocalypse Now بالاختيار الذاتي للمشاركة. يمثل Apocalypse Now في 8.3 الطبقة الموثوقة لهذه القائمة. هذه هي الأفلام التي لا تخيب. لقد فهم Francis Ford Coppola ما يجب أن يكون عليه الفيلم وقام بتنفيذه دون أي تنازلات. وما يميز هذه الدراما هو رفض المخرج شرح ما يمكن أن يشعر به الجمهور. يخلق الفيلم مواقف ذات ثقل عاطفي ثم يثق في أن المشاهدين سيتحملون هذا الثقل بأنفسهم. توفر العروض السجل العاطفي دون الإفراط في الإشارة. إن تصنيف الأفلام من 1970s مقابل بعضها البعض يعد جزئيًا تمرينًا على تحديد ما نجا. نجا Apocalypse Now لأن Francis Ford Coppola قام باختياراته بناءً على الحرفية بدلاً من الاتجاه. يعكس تصنيف 8.3 الجماهير التي لا تزال تجد هذه الاختيارات صالحة.
تم تصميم هيكل Apocalypse Now بحيث يخدم الإيقاع المعنى بدلاً من الاصطلاح. يقوم Francis Ford Coppola بإجراء قطع في اللحظات التي تبدو غير متوقعة إلى حد ما، مما يبقي الجمهور في حالة من الاهتمام المتفاعل بدلاً من المشاهدة السلبية. الأفلام التي تقطع إيقاعًا واضحًا تصبح قابلة للتنبؤ بها. Apocalypse Now يقطع لحظات الشخصية، مما يعني أن إيقاع التحرير والإيقاع العاطفي هما نفس الشيء. والنتيجة هي فيلم تنقل فيه البنية نفسها شيئًا ما عن الحالات الداخلية للشخصيات. يجد المشاهدون الذين تم تخديرهم بالتحرير التقليدي أن Apocalypse Now مربكًا بطريقة منتجة.
يجب على المشاهدين الذين يشاهدون Apocalypse Now لأول مرة أن ينتبهوا بشكل خاص لكيفية معالجة Francis Ford Coppola للانتقالات بين المشاهد. المقاطع في Apocalypse Now ليست تقليدية - فهي تميل إلى التركيز على لحظات الشخصية بدلاً من إيقاع الحبكة، مما يعني أن إيقاع التحرير والإيقاع العاطفي للفيلم هما نفس الشيء. إذا بدا أن المشهد قد انتهى مبكرًا أو متأخرًا عما هو متوقع، فهذا التوقيت هو اختيار، وعادةً ما يخبرك بشيء محدد عن حالة الشخصية في تلك اللحظة. يعمل Martin Sheen ضمن هذا الإيقاع مع الأداء الجسدي الذي يكون أكثر وضوحًا في المشاهد التي تلي الأحداث الكبرى مباشرة - لقطات رد الفعل واللحظات الهادئة حيث تتعزز الشخصية بدلاً من التحرك للأمام. يعني سياق إنتاج 1979 أن هذه الاختيارات تم إجراؤها بدون شبكات الأمان الرقمية التي تسمح للأفلام المعاصرة بالتعديل بعد النشر. ما تراه هو ما قصده Francis Ford Coppola.
يمثل المركز العشرة الأوائل في قائمة مرتبة مبنية على تقييمات قاعدة بيانات الأفلام إجماعًا نقديًا حقيقيًا. إنها ليست مسابقة شعبية - حيث تقوم عتبة التصويت بتصفية الأفلام التي شاهدها وصنفها عدد كافٍ من الأشخاص مقارنة بالآراء الفردية الفردية. Apocalypse Now في هذا الموقع يعني أن المشاهدين المتنوعين، عبر مختلف البلدان وعادات المشاهدة المختلفة، خلصوا بشكل مستقل إلى أن هذا الفيلم كان ممتازًا. حقق Francis Ford Coppola شيئًا مقاومًا للتنوع الثقافي باستخدام Apocalypse Now. يترجم النهج المحدد لسرد القصص المستخدم هنا عبر السياقات.
Star Wars
Princess Leia is captured and held hostage by the evil Imperial forces in their effort to take over the galactic Empire. Venturesome Luke Skywalker and dashing captain Han Solo team together with the loveable robot duo R2-D2 and C-3PO to rescue the beautiful princess and restore peace and justice in the Empire.
لماذا تشاهد: أحد الأفلام الأعلى تقييمًا في هذا الاختيار. اكتسب Star Wars سمعته من خلال التقدير النقدي المستمر عبر أجيال متعددة من المشاهدين.
وصل Star Wars (1977) قبل أن يجعل الإنترنت كل فيلم متاحًا على الفور في كل مكان. يتطلب الوصول إلى الجماهير كلامًا شفهيًا حقيقيًا، وقد قام Star Wars ببناء هذا الكلام الشفهي لأنه يقدم شيئًا حقيقيًا. يعني تصنيف 8.2 من مجموعة كبيرة من الناخبين أن الفيلم يتمتع بنقاط قوة حقيقية تفوق أي نقاط ضعف وجدها المشاهدون. يفي Star Wars بوعده المركزي، وهو الحد الأدنى من المعايير التي يجب أن يفي بها أي فيلم ويكون تحقيقه أقل مما يقترحه عدد الإصدارات. يحل المخرج المشكلة الأساسية لسينما الحركة: يجعلك تهتم بالنتيجة قبل أن يعرض لك الحدث. تعمل التسلسلات لأن الوضوح الجغرافي يعني أنك تعرف دائمًا من هو وأين وما يتطلبه النجاح. يكتسب Star Wars مكانه في أي حساب لسينما 1970s لأنه يجسد شيئًا أنتجه العقد وفقدته العقود اللاحقة. الظروف الثقافية والتكنولوجية لصناعة الأفلام 1970s شكلت ما يمكن أن يفعله George Lucas هنا.
تم إنشاء البيئة الصوتية لـ Star Wars بشكل متعمد مثل البيئة المرئية. تدرك George Lucas أن تصميم الصوت والنتيجة يعملان دون مستوى الاهتمام الواعي، مما يشكل الاستجابة العاطفية قبل أن يتمكن الجمهور من تحليل ما يحدث. تستخدم التسلسلات الأكثر هدوءًا في Star Wars الصوت المحيط لإنشاء الحضور بدلاً من الغياب. تستخدم التسلسلات المسجلة الموسيقى التي تستجيب للشخصية بدلاً من الإشارة إلى ما يجب أن يشعر به الجمهور. يعمل Mark Hamill في هذه البيئة الصوتية بأداء مادي يفسر كيفية تجربة المشهد سمعيًا وبصريًا. ينتج عن هذا المزيج شيئًا يعمل على الجمهور وليس فقط عليهم.
سيجد المشاهدون الذين شاهدوا الأفلام التي تأثرت بـ Star Wars أن مشاهدة الفيلم الأصلي تجربة مختلفة عن مشاهدة فيلم معاصر. التقنيات التي تبدو مألوفة لأنه تم نسخها على نطاق واسع مرئية هنا في شكلها الأصلي، والذي غالبًا ما يكشف أن النسخ فهمت سطح ما فعله George Lucas دون فهم السبب وراء ذلك. يستخدم Star Wars اختياراته الأسلوبية لخدمة أهداف محددة لسرد القصص. غالبًا ما استخدمتها الأفلام اللاحقة التي استعارت هذه الاختيارات كأسلوب بدون الوظيفة. توضح مشاهدة النسخة الأصلية ما تم إنجازه بالفعل. يتمتع عمل Mark Hamill هنا أيضًا بخصوصية تفتقر إليها العديد من العروض المستوحاة منه - حيث استحوذت التقليد على الطريقة دون الطابع الداخلي الذي جعل الطريقة تعني شيئًا ما.
يعد المركز العشرة الأوائل لـ Star Wars ذا معنى أكبر عندما تفكر في ما تنافست معه. تم تقييم كل فيلم في الكتالوج لهذا الوضع وهذه الحقبة، وتم تصنيف Star Wars هنا لأن الجمع بين جودة التصنيف وحجم التصويت وضعه فوق كل شيء آخر في الاختيار. قام George Lucas باختيارات في Star Wars تميزه عن البدائل الموجودة في نفس الفئة - البدائل التي تعد أيضًا أفلامًا جيدة. إن الفجوة بين العشرة الأوائل والعشرون الأوائل أصغر من حيث التصنيف المطلق مما تبدو عليه ولكنها مهمة من حيث ما تقدمه تجربة المشاهد فعليًا.
A Clockwork Orange
In a near-future Britain, young Alexander DeLarge and his pals get their kicks beating and raping anyone they please. When not destroying the lives of others, Alex swoons to the music of Beethoven. The state, eager to crack down on juvenile crime, gives an incarcerated Alex the option to undergo an invasive procedure that'll rob him of all personal agency. In a time when conscience is a commodity, can Alex change his tune?
لماذا تشاهد: يقع A Clockwork Orange في النهاية الاستثنائية لهذه القائمة. إن هذا التصنيف المرتفع، المبني على قاعدة كبيرة من الناخبين، يعكس إجماعا حقيقيا وليس مجرد ضجيج.
تم إصدار A Clockwork Orange في 1971، وتم إنتاجه في عصر كانت فيه العروض المسرحية تحدد ما إذا كان الفيلم سيبقى على قيد الحياة أم لا. لقد صنعت Stanley Kubrick شيئًا نجا، وتصنيف 8.2 الذي تحمله اليوم هو دليل على قوة بقائها. تم إنشاء نتيجة 8.2 لـ A Clockwork Orange من المشاهدين الذين لديهم بدائل واختاروا تقييم هذا بدرجة عالية. يعكس هذا الاختيار فيلمًا أوضح قضيته - وهو بالضبط ما يفعله A Clockwork Orange. قدم Stanley Kubrick الحجة وقبلها الجمهور. ما يميز الفيلم كخيال علمي هو التزام المخرج بالمنطق الداخلي. يتم وضع قواعد العالم واحترامها طوال الوقت، مما يعني أنه يمكن للجمهور التفاعل مع الأفكار بدلاً من إعادة التوجيه باستمرار إلى المعلومات الجديدة. كل عقد من الزمان يُنتج أفلامًا تبدو ضرورية في ذلك الوقت ثم تتلاشى. ينتمي A Clockwork Orange إلى الفئة الأصغر - حيث لا تزال أفلام 1970s تحظى بتقدير عالٍ من قبل المشاهدين الذين ليس لديهم حنين إلى تلك الحقبة. إن هذه الجودة عبر الأجيال هي الاختبار الحقيقي.
تعكس اللغة المرئية لـ A Clockwork Orange صناعة الأفلام في 1971 في أفضل حالاتها. عملت Stanley Kubrick ضمن القيود الفنية التي تطلبت التركيب والإضاءة لتحمل الثقل العاطفي الذي تفريغه الإنتاجات الحديثة إلى مرحلة ما بعد الإنتاج. تم تصميم كل إطار في A Clockwork Orange بدلاً من تعديله. والنتيجة هي تماسك بصري نادرًا ما تحققه الأفلام المعاصرة، بخياراتها غير المحدودة في مرحلة ما بعد الإنتاج. إن مشاهدة A Clockwork Orange مع الانتباه إلى كيفية تكوين اللقطات يكشف عن مخرج سينمائي أدرك أن الكاميرا لا تسجل شيئًا ما فحسب، بل إنها تثير جدلًا حول كيفية رؤيته.
يناسب A Clockwork Orange المشاهدين الذين لا يبحثون عادةً عن أفلام من هذا العصر أو هذا النوع. إن الصفات التي أكسبته تصنيف 8.2 ليست خاصة بنوع معين أو بفترة زمنية محددة - إنها الصفات التي تجعل أي فيلم ممتازًا: السرد الواضح للقصص، والأداء المقنع، والإخراج الذي يخدم المادة بدلاً من عرض نفسه. المشاهدون الذين يتعاملون مع A Clockwork Orange كفيلم وليس كقطعة أثرية ثقافية يميلون إلى الحصول على أقوى الاستجابات. إن الثقل الثقافي الذي تراكم منذ إطلاقه يمكن أن يخلق مسافة بدلاً من الوصول. الإطار الأكثر فائدة هو ببساطة: هذا فيلم جيد الصنع عن أشخاص محددين في موقف معين. كل شيء آخر يأتي من مشاهدة ذلك باهتمام. يقوم Stanley Kubrick وMalcolm McDowell بالعمل؛ مهمة المشاهد هي أن يكون حاضرا لذلك.
حصل A Clockwork Orange على المراكز العشرة الأولى ليس من خلال السمعة الثقافية ولكن من خلال ما يحدث عندما يجلس المشاهدون ويشاهدونه. يلتقط تصنيف 8.2 تلك التجربة عبر عينة كبيرة من المشاهدات المستقلة. تم اختبار الأفلام التي تصل إلى المراكز العشرة الأولى في قوائم مثل هذه من قبل المشاهدين الذين لديهم حق الوصول الكامل إلى البدائل واختاروا تقييم هذا الفيلم في الجزء العلوي من تجربتهم. قدم Stanley Kubrick وMalcolm McDowell شيئًا يلبي هذا التوقع باستمرار، وهذا هو سبب استمرار التصنيف على الرغم من استمرار المشاهدين الجدد في جلب معايير جديدة.
Alien
During its return to the earth, commercial spaceship Nostromo intercepts a distress signal from a distant planet. When a three-member team of the crew discovers a chamber containing thousands of eggs on the planet, a creature inside one of the eggs attacks an explorer. The entire crew is unaware of the impending nightmare set to descend upon them when the alien parasite planted inside its unfortunate host is birthed.
لماذا تشاهد: من الصعب تحقيق الأرقام وراء Alien: آلاف المشاهدين المستقلين، يصنفونها بدرجة عالية دون تنسيق. هذا الإجماع هو إشارة الجودة الأكثر موثوقية المتاحة.
يعود تاريخ Alien إلى 1979، مما يعني أنه تم اختباره بواسطة أجيال متعددة من المشاهدين. إن حقيقة أن Alien لا يزال يحتل مرتبة عالية يعكس الحرفية الحقيقية وليس الحنين إلى الماضي. Alien في 8.2 هو فيلم تكون فيه المركبة دائمًا أعلى من المتوسط عبر أبعاد متعددة. لا يوجد عنصر واحد يحمل العناصر الأخرى. الاتجاه والكتابة والأداء كلها تسير في نفس الاتجاه. الفيلم يعمل بأسلوب الرعب من خلال ما يحجبه المخرج. تُظهر الكاميرا ما هو آمن وتبتعد عما هو غير آمن، وهو ما يجعل التهديد الخفي أكثر رعبًا من أي قدر من الدماء. سياق 1970s لـ Alien ليس عرضيًا. الظروف الجمالية المحددة للعقد - ما سمحت به التكنولوجيا، وما تطلبته الثقافة - شكلت الاختيارات التي قام بها Ridley Scott هنا. هذه الاختيارات تصمد بشكل مستقل عن لحظتها.
يوضح سيناريو Alien شيئًا لا تحققه معظم الأفلام: كل مشهد يقوم بشيئين في وقت واحد. العمل السطحي يطور الحبكة. النص الفرعي يتقدم الشخصية. عملت Ridley Scott مع المواد التي وثقت في قدرة الجمهور على تسجيل ما لم يُقال بوضوح مثل ما قيل. يقدم Tom Skerritt سطورًا تعني أشياء مختلفة اعتمادًا على ما تعرفه في تلك المرحلة من الفيلم. يختبر المشاهدون لأول مرة فيلمًا واحدًا. المشاهدون الذين يعرفون النهاية يختبرون تجربة أخرى. يكون هذا التطور الهيكلي أكثر وضوحًا في Alien عندما تنتبه إلى ما تتجنب الشخصيات قوله بشكل مباشر باستمرار.
يجب على مشاهدي Alien لأول مرة الدخول بأقل قدر ممكن من المعرفة المسبقة. تمت مناقشة الفيلم والإشارة إليه على نطاق واسع لدرجة أنه من السهل التوصل إلى توقعات تشكلها ردود أفعال الآخرين بدلاً من الفيلم نفسه. التجربة الفعلية لمشاهدة Alien لأول مرة، دون معرفة ما سيأتي بالضبط، تختلف بشكل كبير عن مشاهدته بالكمية المعروفة. إذا لم تكن قد رأيت ذلك بعد، فهذه ميزة تستحق الحفاظ عليها. يجد المشاهدون العائدون أن Alien يتغير عند إعادة المشاهدة - ليس لأن الفيلم يتغير، ولكن لأن معرفة النتيجة يغير التفاصيل التي تلاحظها وما تفعله المشاهد المبكرة بالفعل. يبدو بناء الفصل الأول في Ridley Scott مختلفًا بمجرد أن تعرف أين ينتهي. يحمل أداء Tom Skerritt في المشاهد الأولى معلومات لا يمكن قراءتها إلا عند المشاهدة الثانية.
لا يتطلب تصنيف Alien في المراكز العشرة الأولى في هذه القائمة أي وسيطة خاصة. إن تصنيف 8.2 من قاعدة ناخبين كبيرة بما يكفي ليكون ذا معنى إحصائيًا هو الحجة. تحتل الأفلام الموجودة في المراكز العشرة الأولى في أي قائمة جادة هذا المركز لأنها تصل باستمرار إلى أكبر مجموعة من المشاهدين، وقد فعل Alien ذلك عبر كل مجموعة سكانية واجهته. يعمل عمل Ridley Scott هنا على المستوى الذي تتجمع فيه جودة المشهد الفردي في شيء صامد على مستوى الفيلم بأكمله، وهو أمر نادر أكثر مما يبدو.
Taxi Driver
Suffering from insomnia, disturbed loner Travis Bickle takes a job as a New York City cabbie, haunting the streets nightly, growing increasingly detached from reality as he dreams of cleaning up the filthy city.
لماذا تشاهد: احتفظ Taxi Driver بتصنيفه لفترة كافية بحيث تكون النتيجة مستقرة. تعتبر الأفلام التي حصلت على تصنيف عالٍ عبر جماهير متنوعة استثنائية وليست جيدة فقط.
يسبق إصدار 1976 لـ Taxi Driver عصر البث بالكامل. كل مشاهد قام بتقييم Taxi Driver اكتشفه من خلال جهد متعمد - العرض المسرحي، أو الوسائط المادية، أو التوصية. يقوم جمهور Taxi Driver بالاختيار الذاتي للمشاركة. غالبًا ما تكون الأفلام الموجودة في النطاق 8.1 أكثر إثارة للاهتمام مما يوحي به موقعها في القائمة. لم يحققوا التشبع الثقافي للعناوين ذات التصنيف الأعلى، مما يعني أن Taxi Driver أسهل في التعامل معها دون تصورات مسبقة. يستفيد Taxi Driver من ذلك. وما يميز هذه الدراما هو رفض المخرج شرح ما يمكن أن يشعر به الجمهور. يخلق الفيلم مواقف ذات ثقل عاطفي ثم يثق في أن المشاهدين سيتحملون هذا الثقل بأنفسهم. توفر العروض السجل العاطفي دون الإفراط في الإشارة. لقد نجت الأفلام من 1970s التي لا تزال في معدل 8.1 اليوم من اختبار أطول من أي وجوه إصدار معاصرة. اجتاز Taxi Driver هذا الاختبار لأن جوهره - رواية القصص والعروض والحرف - يعمل دون الحاجة إلى عصره.
تتم معايرة العروض في Taxi Driver إلى سجل محدد أنشأه Martin Scorsese وصيانته طوال فترة الإنتاج. أدرك Robert De Niro أن المادة تتطلب التقليل من الأهمية بدلاً من التركيز. اللحظات الأكثر صعوبة في Taxi Driver هي تلك التي يكون فيها أداء Robert De Niro أقل من الممثل الأقل مهارة. تعمل المجموعة بإيقاع يوحي بإعداد مكثف وليس مجرد الموهبة. تكشف المشاهد التي يتواجد فيها العديد من أعضاء فريق العمل عن ديناميكية تعاونية نادرة في الأفلام حيث يتم تقديم الأداء الفردي على حساب الحقيقة الجماعية.
يناسب Taxi Driver الأمسيات عندما ترغب في مشاهدة شيء ذي محتوى حقيقي بدلاً من مشاهدة شيء يملأ الوقت ببساطة. إنه ليس فيلمًا في الخلفية وليس تجربة سلبية. أنشأ Martin Scorsese شيئًا يسترعي انتباهك ويكافئه بشكل خاص وليس بشكل عام. سيحصل المشاهدون الذين يشاهدون Taxi Driver أثناء قيامهم بأشياء أخرى على نسخة من الفيلم تقل بشكل كبير عن النسخة المتاحة لشخص يمنحه اهتمامه الكامل. يعكس تصنيف 8.1 تجربة المشاهدة الكاملة الاهتمام. يقدم طاقم الممثلين - Robert De Niro على وجه التحديد - تفاصيل الأداء التي يتم تسجيلها في المشاهدة المركزة وتختفي في المشاهدة المشتتة.
يعكس المركز العشرة الأوائل لـ Taxi Driver في هذه القائمة شيئًا يصعب تصنيعه: التميز المستمر الذي يستمر المشاهدون الجدد في اكتشافه وتقييمه بدرجة عالية. تفقد معظم الأفلام زخمها بعد جمهورها الأولي. Taxi Driver لم يفعل ذلك. المشاهدون الذين واجهوه بعد سنوات أو عقود من إصداره يمنحونه نفس التقييمات العالية التي حصل عليها المشاهدون الأوائل. لقد صنع Martin Scorsese شيئًا يعمل بشكل مستقل عن اللحظة الثقافية التي جاء منها، وهو تعريف الجودة الدائمة. يعد أداء Robert De Niro جزءًا من تلك المتانة - فهو لا يُقرأ على أنه فترة تمثيلية.
Stalker
Near a gray and unnamed city is the Zone, a place guarded by barbed wire and soldiers, and where the normal laws of physics are victim to frequent anomalies. A stalker guides two men into the Zone, specifically to an area in which deep-seated desires are granted.
لماذا تشاهد: أحد الأفلام الأعلى تقييمًا في هذا الاختيار. اكتسب Stalker سمعته من خلال التقدير النقدي المستمر عبر أجيال متعددة من المشاهدين.
وصل Stalker (1979) قبل أن يجعل الإنترنت كل فيلم متاحًا على الفور في كل مكان. يتطلب الوصول إلى الجماهير كلامًا شفهيًا حقيقيًا، وقد قام Stalker ببناء هذا الكلام الشفهي لأنه يقدم شيئًا حقيقيًا. يعكس تصنيف 8.1 التوجيه والكتابة والأداء الذي يعمل بمستويات ثابتة في وقت واحد. نادرًا ما تفشل الأفلام التي تسجل في هذا النطاق بشكل ملحوظ في أي بُعد منفرد، وStalker ليس استثناءً. يعمل المخرج بصبر لا تستطيع معظم الدراما المعاصرة تحمله. يُسمح للمشاهد بالمرور إلى ما بعد نقطة النهاية الواضحة، وإيجاد الحقيقة فيما تفعله الشخصيات بعد أن تقول ما جاءت لتقوله. يفهم طاقم الممثلين هذا الإيقاع. في سياق السينما 1970s بشكل عام، يمثل Stalker ما ساهم به العقد ولم تفعله العقود السابقة واللاحقة. أنتجت الظروف المحددة لصناعة الأفلام 1970s - الميزانيات والتكنولوجيا والسياق الثقافي - شيئًا هنا لا يمكن أن يأتي إلا من تلك اللحظة.
تم تصميم هيكل Stalker بحيث يخدم الإيقاع المعنى بدلاً من الاصطلاح. يقوم Andrei Tarkovsky بإجراء قطع في اللحظات التي تبدو غير متوقعة إلى حد ما، مما يبقي الجمهور في حالة من الاهتمام المتفاعل بدلاً من المشاهدة السلبية. الأفلام التي تقطع إيقاعًا واضحًا تصبح قابلة للتنبؤ بها. Stalker يقطع لحظات الشخصية، مما يعني أن إيقاع التحرير والإيقاع العاطفي هما نفس الشيء. والنتيجة هي فيلم تنقل فيه البنية نفسها شيئًا ما عن الحالات الداخلية للشخصيات. يجد المشاهدون الذين تم تخديرهم بالتحرير التقليدي أن Stalker مربكًا بطريقة منتجة.
يناسب Stalker المشاهدين الذين لا يبحثون عادةً عن أفلام من هذا العصر أو هذا النوع. إن الصفات التي أكسبته تصنيف 8.1 ليست خاصة بنوع معين أو بفترة زمنية محددة - إنها الصفات التي تجعل أي فيلم ممتازًا: السرد الواضح للقصص، والأداء المقنع، والإخراج الذي يخدم المادة بدلاً من عرض نفسه. المشاهدون الذين يتعاملون مع Stalker كفيلم وليس كقطعة أثرية ثقافية يميلون إلى الحصول على أقوى الاستجابات. إن الثقل الثقافي الذي تراكم منذ إطلاقه يمكن أن يخلق مسافة بدلاً من الوصول. الإطار الأكثر فائدة هو ببساطة: هذا فيلم جيد الصنع عن أشخاص محددين في موقف معين. كل شيء آخر يأتي من مشاهدة ذلك باهتمام. يقوم Andrei Tarkovsky وAlisa Freyndlikh بالعمل؛ مهمة المشاهد هي أن يكون حاضرا لذلك.
ينتمي Stalker إلى قائمة العشرة الأوائل لأنه يفعل شيئًا تحاول معظم الأفلام تحقيقه ولا يحققه إلا القليل: فهو ممتاز عند المشاهدة الأولى ويكشف عن طبقات إضافية عند إعادة المشاهدة. يتمتع الجمهور لأول مرة والجمهور العائد بتجربتين مختلفتين، وكلتا التجربتين قويتان. قام Andrei Tarkovsky ببناء هذا العمق في الفيلم من خلال العمل على مستويات متعددة في وقت واحد - القصة السطحية تظهر، وتحتها توجد طبقة من القرارات الحرفية التي لا تصبح مرئية بالكامل إلا عندما تعرف إلى أين يتجه كل شيء. هذا الهيكل ذو المستويين هو ما يضع Stalker في المراكز العشرة الأولى بدلاً من المستوى التالي.
The Sting
A novice con man teams up with an acknowledged master to avenge the murder of a mutual friend by pulling off the ultimate big con and swindling a fortune from a big-time mobster.
لماذا تشاهد: يقع The Sting في النهاية الاستثنائية لهذه القائمة. إن هذا التصنيف المرتفع، المبني على قاعدة كبيرة من الناخبين، يعكس إجماعا حقيقيا وليس مجرد ضجيج.
تم إصدار The Sting في 1973، وتم إنتاجه في عصر كانت فيه العروض المسرحية تحدد ما إذا كان الفيلم سيبقى على قيد الحياة أم لا. لقد صنعت George Roy Hill شيئًا نجا، وتصنيف 8.0 الذي تحمله اليوم هو دليل على قوة بقائها. النتيجة 8.0 لـ The Sting تضعه بين الأفلام التي تقدم فكرتها دون نقاط ضعف كبيرة. لقد صنع George Roy Hill شيئًا يعمل على النحو المنشود طوال الوقت، وهو أقل شيوعًا مما يبدو. الدراما تأتي من الخصوصية وليس من العالمية. يتخذ المخرج اختيارات تنطبق تحديدًا على هذه الشخصيات في هذا الموقف، الأمر الذي يخلق للمفارقة شيئًا أكثر عالمية من الإيقاعات العاطفية العامة. أنتج 1970s العديد من الأفلام. الأشخاص الذين بقوا في قوائم مثل هذه بعد عقود هم أولئك الذين فهموا شيئًا حقيقيًا عن الناس وليس فقط عن اللحظة. The Sting موجود هنا لأنه فهم شيئًا دائمًا.
تم إنشاء البيئة الصوتية لـ The Sting بشكل متعمد مثل البيئة المرئية. تدرك George Roy Hill أن تصميم الصوت والنتيجة يعملان دون مستوى الاهتمام الواعي، مما يشكل الاستجابة العاطفية قبل أن يتمكن الجمهور من تحليل ما يحدث. تستخدم التسلسلات الأكثر هدوءًا في The Sting الصوت المحيط لإنشاء الحضور بدلاً من الغياب. تستخدم التسلسلات المسجلة الموسيقى التي تستجيب للشخصية بدلاً من الإشارة إلى ما يجب أن يشعر به الجمهور. يعمل Paul Newman في هذه البيئة الصوتية بأداء مادي يفسر كيفية تجربة المشهد سمعيًا وبصريًا. ينتج عن هذا المزيج شيئًا يعمل على الجمهور وليس فقط عليهم.
يجب على المشاهدين الذين يشاهدون The Sting لأول مرة أن ينتبهوا بشكل خاص لكيفية معالجة George Roy Hill للانتقالات بين المشاهد. المقاطع في The Sting ليست تقليدية - فهي تميل إلى التركيز على لحظات الشخصية بدلاً من إيقاع الحبكة، مما يعني أن إيقاع التحرير والإيقاع العاطفي للفيلم هما نفس الشيء. إذا بدا أن المشهد قد انتهى مبكرًا أو متأخرًا عما هو متوقع، فهذا التوقيت هو اختيار، وعادةً ما يخبرك بشيء محدد عن حالة الشخصية في تلك اللحظة. يعمل Paul Newman ضمن هذا الإيقاع مع الأداء الجسدي الذي يكون أكثر وضوحًا في المشاهد التي تلي الأحداث الكبرى مباشرة - لقطات رد الفعل واللحظات الهادئة حيث تتعزز الشخصية بدلاً من التحرك للأمام. يعني سياق إنتاج 1973 أن هذه الاختيارات تم إجراؤها بدون شبكات الأمان الرقمية التي تسمح للأفلام المعاصرة بالتعديل بعد النشر. ما تراه هو ما قصده George Roy Hill.
يمثل المركز العشرة الأوائل في قائمة مرتبة مبنية على تقييمات قاعدة بيانات الأفلام إجماعًا نقديًا حقيقيًا. إنها ليست مسابقة شعبية - حيث تقوم عتبة التصويت بتصفية الأفلام التي شاهدها وصنفها عدد كافٍ من الأشخاص مقارنة بالآراء الفردية الفردية. The Sting في هذا الموقع يعني أن المشاهدين المتنوعين، عبر مختلف البلدان وعادات المشاهدة المختلفة، خلصوا بشكل مستقل إلى أن هذا الفيلم كان ممتازًا. حقق George Roy Hill شيئًا مقاومًا للتنوع الثقافي باستخدام The Sting. يترجم النهج المحدد لسرد القصص المستخدم هنا عبر السياقات.
السينما تدور حول القصص المهمة. الأفلام في هذا القسم تثبت هذا المبدأ.
Barry Lyndon
An Irish rogue uses his cunning and wit to work his way up the social classes of 18th century England, transforming himself from the humble Redmond Barry into the noble Barry Lyndon.
لماذا تشاهد: من الصعب تحقيق الأرقام وراء Barry Lyndon: آلاف المشاهدين المستقلين، يصنفونها بدرجة عالية دون تنسيق. هذا الإجماع هو إشارة الجودة الأكثر موثوقية المتاحة.
يعود تاريخ Barry Lyndon إلى 1975، مما يعني أنه تم اختباره بواسطة أجيال متعددة من المشاهدين. إن حقيقة أن Barry Lyndon لا يزال يحتل مرتبة عالية يعكس الحرفية الحقيقية وليس الحنين إلى الماضي. في 8.0، يقع Barry Lyndon في نطاق تكون فيه الجودة متسقة ولكن الفيلم لم يحقق الإجماع الواسع للعناوين ذات التصنيف الأعلى. غالبًا ما يعكس هذا الإجماع الضيق جاذبية محددة - Barry Lyndon ليس مناسبًا للجميع، ولكنه ممتاز للمشاهد المناسب. يوضح الفيلم ما يمكن للدراما أن تفعله ولا تستطيع الأنواع الأخرى فعله: وضع السلوك البشري العادي تحت الضغط والكشف عن الشخصية من خلال الاستجابة. يخلق المخرج تلك الظروف ويسكنها الممثلون باقتناع حقيقي. كانت 1970s لحظة ثقافية محددة ذات اهتمامات محددة وأساليب جمالية محددة. يعكس Barry Lyndon تلك الشروط بينما يتجاوزها - إنه فيلم 1970s ولا يتطلب منك فهم 1970s لتقديره.
تعكس اللغة المرئية لـ Barry Lyndon صناعة الأفلام في 1975 في أفضل حالاتها. عملت Stanley Kubrick ضمن القيود الفنية التي تطلبت التركيب والإضاءة لتحمل الثقل العاطفي الذي تفريغه الإنتاجات الحديثة إلى مرحلة ما بعد الإنتاج. تم تصميم كل إطار في Barry Lyndon بدلاً من تعديله. والنتيجة هي تماسك بصري نادرًا ما تحققه الأفلام المعاصرة، بخياراتها غير المحدودة في مرحلة ما بعد الإنتاج. إن مشاهدة Barry Lyndon مع الانتباه إلى كيفية تكوين اللقطات يكشف عن مخرج سينمائي أدرك أن الكاميرا لا تسجل شيئًا ما فحسب، بل إنها تثير جدلًا حول كيفية رؤيته.
سيجد المشاهدون الذين شاهدوا الأفلام التي تأثرت بـ Barry Lyndon أن مشاهدة الفيلم الأصلي تجربة مختلفة عن مشاهدة فيلم معاصر. التقنيات التي تبدو مألوفة لأنه تم نسخها على نطاق واسع مرئية هنا في شكلها الأصلي، والذي غالبًا ما يكشف أن النسخ فهمت سطح ما فعله Stanley Kubrick دون فهم السبب وراء ذلك. يستخدم Barry Lyndon اختياراته الأسلوبية لخدمة أهداف محددة لسرد القصص. غالبًا ما استخدمتها الأفلام اللاحقة التي استعارت هذه الاختيارات كأسلوب بدون الوظيفة. توضح مشاهدة النسخة الأصلية ما تم إنجازه بالفعل. يتمتع عمل Ryan O'Neal هنا أيضًا بخصوصية تفتقر إليها العديد من العروض المستوحاة منه - حيث استحوذت التقليد على الطريقة دون الطابع الداخلي الذي جعل الطريقة تعني شيئًا ما.
يمثل Barry Lyndon الموجود في هذا الموضع من القائمة فيلمًا حقق جودة حقيقية وتقديرًا مستدامًا دون أن يصبح نصبًا ثقافيًا. تتمثل ميزة هذا الموقف في أن أداء Ryan O'Neal وحرفة Stanley Kubrick متاحان لمواجهتهما حديثًا وليس من خلال مرشح المناقشة المسبقة الشاملة. من السهل رؤية الأشياء المحددة التي تجعل هذا الفيلم يستحق المشاهدة - والتي تصفها الملاحظات التحريرية أعلاه - عندما لا تتوقع تأكيد السمعة. التصنيف في القسم الأوسط من هذه القائمة ليس تخفيضًا للرتبة. إنه وصف لفيلم ممتاز لجمهوره المحدد.
The Deer Hunter
Three steelworkers enlist in the army and are sent to Vietnam, one leaving behind a rushed marriage, the others a shared love. What they encounter during the war changes their lives forever.
لماذا تشاهد: احتفظ The Deer Hunter بتصنيفه لفترة كافية بحيث تكون النتيجة مستقرة. تعتبر الأفلام التي حصلت على تصنيف عالٍ عبر جماهير متنوعة استثنائية وليست جيدة فقط.
يسبق إصدار 1978 لـ The Deer Hunter عصر البث بالكامل. كل مشاهد قام بتقييم The Deer Hunter اكتشفه من خلال جهد متعمد - العرض المسرحي، أو الوسائط المادية، أو التوصية. يقوم جمهور The Deer Hunter بالاختيار الذاتي للمشاركة. يمثل The Deer Hunter في 8.0 الطبقة الموثوقة لهذه القائمة. هذه هي الأفلام التي لا تخيب. لقد فهم Michael Cimino ما يجب أن يكون عليه الفيلم وقام بتنفيذه دون أي تنازلات. وما يميز هذه الدراما هو رفض المخرج شرح ما يمكن أن يشعر به الجمهور. يخلق الفيلم مواقف ذات ثقل عاطفي ثم يثق في أن المشاهدين سيتحملون هذا الثقل بأنفسهم. توفر العروض السجل العاطفي دون الإفراط في الإشارة. إن تصنيف الأفلام من 1970s مقابل بعضها البعض يعد جزئيًا تمرينًا على تحديد ما نجا. نجا The Deer Hunter لأن Michael Cimino قام باختياراته بناءً على الحرفية بدلاً من الاتجاه. يعكس تصنيف 8.0 الجماهير التي لا تزال تجد هذه الاختيارات صالحة.
يوضح سيناريو The Deer Hunter شيئًا لا تحققه معظم الأفلام: كل مشهد يقوم بشيئين في وقت واحد. العمل السطحي يطور الحبكة. النص الفرعي يتقدم الشخصية. عملت Michael Cimino مع المواد التي وثقت في قدرة الجمهور على تسجيل ما لم يُقال بوضوح مثل ما قيل. يقدم Robert De Niro سطورًا تعني أشياء مختلفة اعتمادًا على ما تعرفه في تلك المرحلة من الفيلم. يختبر المشاهدون لأول مرة فيلمًا واحدًا. المشاهدون الذين يعرفون النهاية يختبرون تجربة أخرى. يكون هذا التطور الهيكلي أكثر وضوحًا في The Deer Hunter عندما تنتبه إلى ما تتجنب الشخصيات قوله بشكل مباشر باستمرار.
يناسب The Deer Hunter المشاهدين الذين لا يبحثون عادةً عن أفلام من هذا العصر أو هذا النوع. إن الصفات التي أكسبته تصنيف 8.0 ليست خاصة بنوع معين أو بفترة زمنية محددة - إنها الصفات التي تجعل أي فيلم ممتازًا: السرد الواضح للقصص، والأداء المقنع، والإخراج الذي يخدم المادة بدلاً من عرض نفسه. المشاهدون الذين يتعاملون مع The Deer Hunter كفيلم وليس كقطعة أثرية ثقافية يميلون إلى الحصول على أقوى الاستجابات. إن الثقل الثقافي الذي تراكم منذ إطلاقه يمكن أن يخلق مسافة بدلاً من الوصول. الإطار الأكثر فائدة هو ببساطة: هذا فيلم جيد الصنع عن أشخاص محددين في موقف معين. كل شيء آخر يأتي من مشاهدة ذلك باهتمام. يقوم Michael Cimino وRobert De Niro بالعمل؛ مهمة المشاهد هي أن يكون حاضرا لذلك.
تم الحصول على تصنيف 8.0 الذي يضع The Deer Hunter في هذا القسم من القائمة من المشاهدين الذين تمكنوا من الوصول إلى كل شيء تم تصنيفه فوقه. لقد قاموا بتقييم هذا الفيلم بعد رؤية تلك العناوين أو معرفتها. يعكس قرارهم بمنح The Deer Hunter درجة عالية تقديرًا حقيقيًا لما حققه Michael Cimino هنا - وهو شيء مختلف عن الإدخالات العشرة الأولى وليس أدنى منها. نطاق الجودة في قائمة مثل هذه أضيق مما يقترحه نطاق المواضع. الفرق بين الموضع الثامن والموضع الثامن عشر هو جزئيًا اختلاف في مدى تحديد الاستئناف. The Deer Hunter ممتاز على وجه التحديد وليس ممتازًا على نطاق واسع. بالنسبة للمشاهد المناسب، هذه الخصوصية هي أحد الأصول.
Mirror
A dying man in his forties recalls his childhood, his mother, the war and personal moments that tell of and juxtapose pivotal moments in Soviet history with daily life.
لماذا تشاهد: أحد الأفلام الأعلى تقييمًا في هذا الاختيار. اكتسب Mirror سمعته من خلال التقدير النقدي المستمر عبر أجيال متعددة من المشاهدين.
وصل Mirror (1975) قبل أن يجعل الإنترنت كل فيلم متاحًا على الفور في كل مكان. يتطلب الوصول إلى الجماهير كلامًا شفهيًا حقيقيًا، وقد قام Mirror ببناء هذا الكلام الشفهي لأنه يقدم شيئًا حقيقيًا. يعني تصنيف 8.0 من مجموعة كبيرة من الناخبين أن الفيلم يتمتع بنقاط قوة حقيقية تفوق أي نقاط ضعف وجدها المشاهدون. يفي Mirror بوعده المركزي، وهو الحد الأدنى من المعايير التي يجب أن يفي بها أي فيلم ويكون تحقيقه أقل مما يقترحه عدد الإصدارات. يعمل المخرج بصبر لا تستطيع معظم الدراما المعاصرة تحمله. يُسمح للمشاهد بالمرور إلى ما بعد نقطة النهاية الواضحة، وإيجاد الحقيقة فيما تفعله الشخصيات بعد أن تقول ما جاءت لتقوله. يفهم طاقم الممثلين هذا الإيقاع. يكتسب Mirror مكانه في أي حساب لسينما 1970s لأنه يجسد شيئًا أنتجه العقد وفقدته العقود اللاحقة. الظروف الثقافية والتكنولوجية لصناعة الأفلام 1970s شكلت ما يمكن أن يفعله Andrei Tarkovsky هنا.
تتم معايرة العروض في Mirror إلى سجل محدد أنشأه Andrei Tarkovsky وصيانته طوال فترة الإنتاج. أدرك Margarita Terekhova أن المادة تتطلب التقليل من الأهمية بدلاً من التركيز. اللحظات الأكثر صعوبة في Mirror هي تلك التي يكون فيها أداء Margarita Terekhova أقل من الممثل الأقل مهارة. تعمل المجموعة بإيقاع يوحي بإعداد مكثف وليس مجرد الموهبة. تكشف المشاهد التي يتواجد فيها العديد من أعضاء فريق العمل عن ديناميكية تعاونية نادرة في الأفلام حيث يتم تقديم الأداء الفردي على حساب الحقيقة الجماعية.
يجب على مشاهدي Mirror لأول مرة الدخول بأقل قدر ممكن من المعرفة المسبقة. تمت مناقشة الفيلم والإشارة إليه على نطاق واسع لدرجة أنه من السهل التوصل إلى توقعات تشكلها ردود أفعال الآخرين بدلاً من الفيلم نفسه. التجربة الفعلية لمشاهدة Mirror لأول مرة، دون معرفة ما سيأتي بالضبط، تختلف بشكل كبير عن مشاهدته بالكمية المعروفة. إذا لم تكن قد رأيت ذلك بعد، فهذه ميزة تستحق الحفاظ عليها. يجد المشاهدون العائدون أن Mirror يتغير عند إعادة المشاهدة - ليس لأن الفيلم يتغير، ولكن لأن معرفة النتيجة يغير التفاصيل التي تلاحظها وما تفعله المشاهد المبكرة بالفعل. يبدو بناء الفصل الأول في Andrei Tarkovsky مختلفًا بمجرد أن تعرف أين ينتهي. يحمل أداء Margarita Terekhova في المشاهد الأولى معلومات لا يمكن قراءتها إلا عند المشاهدة الثانية.
يقع Mirror ضمن النطاق الحادي عشر إلى الخامس والعشرين في هذه القائمة، ويحتل المنطقة التي تكون فيها الجودة متسقة ولكن الفيلم لم يحقق التشبع الثقافي للعشرة الأوائل. يتمتع هذا الموضع بميزة بالنسبة للمشاهدين الجدد: حيث يصل Mirror دون ضغط المشاهدة الإلزامي المرتبط بالعناوين ذات التصنيف الأعلى. يمكن مواجهة الفيلم بشروطه الخاصة وليس في مواجهة ثقل ردود أفعال الآخرين. إن عمل Andrei Tarkovsky هنا قوي بما يكفي للوقوف في وجه أفضل عشرة إدخالات ومختلف بما يكفي لتقديم شيء لا تقدمه تلك العناوين. غالبًا ما تكون الصفات المحددة التي تضع Mirror هنا وليس أعلى هي الصفات التي تجعله أكثر إثارة للاهتمام للمشاهدين الذين شاهدوا بالفعل العناوين الموصى بها على نطاق أوسع.
Chinatown
Private eye Jake Gittes lives off of the murky moral climate of sunbaked, pre-World War II Southern California. Hired by a beautiful socialite to investigate her husband's extra-marital affair, Gittes is swept into a maelstrom of double dealings and deadly deceits, uncovering a web of personal and political scandals that come crashing together.
لماذا تشاهد: يكسب Chinatown توتره بأمانة - فالضغط يأتي من الموقف والشخصية وليس من المفاجأة المصطنعة. يثق Roman Polanski في أن الجمهور سيشعر بالمخاطر.
تم إصدار Chinatown في 1974، وتم إنتاجه في عصر كانت فيه العروض المسرحية تحدد ما إذا كان الفيلم سيبقى على قيد الحياة أم لا. لقد صنعت Roman Polanski شيئًا نجا، وتصنيف 7.9 الذي تحمله اليوم هو دليل على قوة بقائها. تم إنشاء نتيجة 7.9 لـ Chinatown من المشاهدين الذين لديهم بدائل واختاروا تقييم هذا بدرجة عالية. يعكس هذا الاختيار فيلمًا أوضح قضيته - وهو بالضبط ما يفعله Chinatown. قدم Roman Polanski الحجة وقبلها الجمهور. ما يجعل الفيلم يعمل كفيلم تشويق هو إدراك أن المخاطر تتطلب الاستثمار. الفعل الأول يبني الشخصية قبل وصول الضغط. وبحلول الوقت الذي يتصاعد فيه التوتر، يكون لديك أسباب تجعلك تهتم بالنتيجة. كل عقد من الزمان يُنتج أفلامًا تبدو ضرورية في ذلك الوقت ثم تتلاشى. ينتمي Chinatown إلى الفئة الأصغر - حيث لا تزال أفلام 1970s تحظى بتقدير عالٍ من قبل المشاهدين الذين ليس لديهم حنين إلى تلك الحقبة. إن هذه الجودة عبر الأجيال هي الاختبار الحقيقي.
تم تصميم هيكل Chinatown بحيث يخدم الإيقاع المعنى بدلاً من الاصطلاح. يقوم Roman Polanski بإجراء قطع في اللحظات التي تبدو غير متوقعة إلى حد ما، مما يبقي الجمهور في حالة من الاهتمام المتفاعل بدلاً من المشاهدة السلبية. الأفلام التي تقطع إيقاعًا واضحًا تصبح قابلة للتنبؤ بها. Chinatown يقطع لحظات الشخصية، مما يعني أن إيقاع التحرير والإيقاع العاطفي هما نفس الشيء. والنتيجة هي فيلم تنقل فيه البنية نفسها شيئًا ما عن الحالات الداخلية للشخصيات. يجد المشاهدون الذين تم تخديرهم بالتحرير التقليدي أن Chinatown مربكًا بطريقة منتجة.
يناسب Chinatown المشاهدين الذين لا يبحثون عادةً عن أفلام من هذا العصر أو هذا النوع. إن الصفات التي أكسبته تصنيف 7.9 ليست خاصة بنوع معين أو بفترة زمنية محددة - إنها الصفات التي تجعل أي فيلم ممتازًا: السرد الواضح للقصص، والأداء المقنع، والإخراج الذي يخدم المادة بدلاً من عرض نفسه. المشاهدون الذين يتعاملون مع Chinatown كفيلم وليس كقطعة أثرية ثقافية يميلون إلى الحصول على أقوى الاستجابات. إن الثقل الثقافي الذي تراكم منذ إطلاقه يمكن أن يخلق مسافة بدلاً من الوصول. الإطار الأكثر فائدة هو ببساطة: هذا فيلم جيد الصنع عن أشخاص محددين في موقف معين. كل شيء آخر يأتي من مشاهدة ذلك باهتمام. يقوم Roman Polanski وJack Nicholson بالعمل؛ مهمة المشاهد هي أن يكون حاضرا لذلك.
يتم تصنيف Chinatown في القسم الأوسط من هذه القائمة لأن جاذبيته محددة وليست عالمية - والجاذبية المحددة، التي يتم تقييمها بأمانة، تنتج تقييمًا متوسطًا أقل من الجاذبية الواسعة حتى عندما يكون الفيلم ممتازًا للمشاهد المناسب. اتخذ Roman Polanski اختيارات يجدها بعض المشاهدين مقنعة والبعض الآخر يجدها صعبة. يعكس تصنيف 7.9 تلك الاستجابة المختلطة ولكن الإيجابية في نهاية المطاف من قاعدة الناخبين التي شملت كلا المجموعتين. عادةً ما يجد المشاهدون الذين تتوافق تفضيلاتهم مع أسلوب Roman Polanski في التعامل مع هذه المادة أن Chinatown من بين أقوى الإدخالات في القائمة. إن تصنيفها في السياق وليس في عزلة ينتج عنه انطباع مختلف عما يوحي به الرقم وحده.
Amarcord
In an Italian seaside town, young Titta gets into trouble with his friends and watches various local eccentrics as they engage in often absurd behavior. Frequently clashing with his stern father and defended by his doting mother, Titta witnesses the actions of a wide range of characters, from his extended family to Fascist loyalists to sensual women, with certain moments shifting into fantastical scenarios.
لماذا تشاهد: ما يجعل Amarcord يعمل كدراما هو رفض Federico Fellini شرح ما يمكن أن يشعر به الجمهور. يتم إنشاء السجل العاطفي، وليس الإشارة إليه.
يعود تاريخ Amarcord إلى 1973، مما يعني أنه تم اختباره بواسطة أجيال متعددة من المشاهدين. إن حقيقة أن Amarcord لا يزال يحتل مرتبة عالية يعكس الحرفية الحقيقية وليس الحنين إلى الماضي. Amarcord في 7.9 هو فيلم تكون فيه المركبة دائمًا أعلى من المتوسط عبر أبعاد متعددة. لا يوجد عنصر واحد يحمل العناصر الأخرى. الاتجاه والكتابة والأداء كلها تسير في نفس الاتجاه. يوضح الفيلم ما يمكن للدراما أن تفعله ولا تستطيع الأنواع الأخرى فعله: وضع السلوك البشري العادي تحت الضغط والكشف عن الشخصية من خلال الاستجابة. يخلق المخرج تلك الظروف ويسكنها الممثلون باقتناع حقيقي. سياق 1970s لـ Amarcord ليس عرضيًا. الظروف الجمالية المحددة للعقد - ما سمحت به التكنولوجيا، وما تطلبته الثقافة - شكلت الاختيارات التي قام بها Federico Fellini هنا. هذه الاختيارات تصمد بشكل مستقل عن لحظتها.
تم إنشاء البيئة الصوتية لـ Amarcord بشكل متعمد مثل البيئة المرئية. تدرك Federico Fellini أن تصميم الصوت والنتيجة يعملان دون مستوى الاهتمام الواعي، مما يشكل الاستجابة العاطفية قبل أن يتمكن الجمهور من تحليل ما يحدث. تستخدم التسلسلات الأكثر هدوءًا في Amarcord الصوت المحيط لإنشاء الحضور بدلاً من الغياب. تستخدم التسلسلات المسجلة الموسيقى التي تستجيب للشخصية بدلاً من الإشارة إلى ما يجب أن يشعر به الجمهور. يعمل Pupella Maggio في هذه البيئة الصوتية بأداء مادي يفسر كيفية تجربة المشهد سمعيًا وبصريًا. ينتج عن هذا المزيج شيئًا يعمل على الجمهور وليس فقط عليهم.
Amarcord عبارة عن توصية موثوقة للمشاهدين الذين يرغبون في مشاهدة فيلم وفقًا لشروطه الخاصة بدلاً من مطالبته بالتوافق مع التوقعات الواردة من مكان آخر. لا تتمتع بالتواجد الثقافي المنتشر في كل مكان للعناوين ذات التصنيف الأعلى في هذه الفئة، مما يعني أنها تصل دون ثقل المشاهدة الإلزامية. غالبًا ما يستجيب الجمهور الذي يكتشف Amarcord دون أن يتم إخباره بأنه يجب عليه رؤيته بقوة أكبر من أولئك الذين يتعاملون معه باعتباره التزامًا. لقد صنع Federico Fellini شيئًا له جاذبية محددة - فهو لا يحاول أن يكون كل شيء للجميع. يميل المشاهدون الذين يتصلون بـ Amarcord إلى العثور عليه أفضل بكثير مما يقترحه تصنيف 7.9، ولهذا السبب يحمل هذا التصنيف على الرغم من الرؤية التسويقية المحدودة.
يعكس موقع Amarcord في هذا القسم من القائمة فيلمًا يقدم صفاته المحددة بشكل موثوق دون أن يطمح إلى أن يكون كل شيء للجميع. لقد فهم Federico Fellini معنى الفيلم وصنعه على مستوى عالٍ من الحرفية. يمثل تصنيف 7.9 المشاهدين الذين تفاعلوا مع الفيلم بهذه الشروط ووجدوا أنه يستحق التقييم بدرجة عالية. المشاهدون الذين يجلبون توقعات مختلفة أحيانًا يجدون الفيلم أقل إرضاءً مما يوحي به التقييم - وهذا ليس ضعفًا في الفيلم ولكن في التوقع. Amarcord هو بالضبط ما هو عليه، وقد تم صنعه بمهارة، وكان الناخبون الذين قيموه يستجيبون لذلك.
Young Frankenstein
A young neurosurgeon inherits the castle of his grandfather, the famous Dr. Victor von Frankenstein. In the castle he finds a funny hunchback, a pretty lab assistant and the elderly housekeeper. Young Frankenstein believes that the work of his grandfather was delusional, but when he discovers the book where the mad doctor described his reanimation experiment, he suddenly changes his mind.
لماذا تشاهد: الكوميديا هي أصعب نوع يمكن تحمله. Mel Brooks يجعل Young Frankenstein يبدو سهلاً، وهي علامة على المهارة الكبيرة التي لا يسجلها معظم الجمهور بشكل واعي.
يسبق إصدار 1974 لـ Young Frankenstein عصر البث بالكامل. كل مشاهد قام بتقييم Young Frankenstein اكتشفه من خلال جهد متعمد - العرض المسرحي، أو الوسائط المادية، أو التوصية. يقوم جمهور Young Frankenstein بالاختيار الذاتي للمشاركة. غالبًا ما تكون الأفلام الموجودة في النطاق 7.9 أكثر إثارة للاهتمام مما يوحي به موقعها في القائمة. لم يحققوا التشبع الثقافي للعناوين ذات التصنيف الأعلى، مما يعني أن Young Frankenstein أسهل في التعامل معها دون تصورات مسبقة. يستفيد Young Frankenstein من ذلك. تماسك الفيلم ككوميديا يأتي من الاتساق. يحدد المخرج قواعد العالم وسلوك الشخصيات فيه، وتنبثق الفكاهة من كيفية تعامل تلك الشخصيات مع الموقف. لقد نجت الأفلام من 1970s التي لا تزال في معدل 7.9 اليوم من اختبار أطول من أي وجوه إصدار معاصرة. اجتاز Young Frankenstein هذا الاختبار لأن جوهره - رواية القصص والعروض والحرف - يعمل دون الحاجة إلى عصره.
تعكس اللغة المرئية لـ Young Frankenstein صناعة الأفلام في 1974 في أفضل حالاتها. عملت Mel Brooks ضمن القيود الفنية التي تطلبت التركيب والإضاءة لتحمل الثقل العاطفي الذي تفريغه الإنتاجات الحديثة إلى مرحلة ما بعد الإنتاج. تم تصميم كل إطار في Young Frankenstein بدلاً من تعديله. والنتيجة هي تماسك بصري نادرًا ما تحققه الأفلام المعاصرة، بخياراتها غير المحدودة في مرحلة ما بعد الإنتاج. إن مشاهدة Young Frankenstein مع الانتباه إلى كيفية تكوين اللقطات يكشف عن مخرج سينمائي أدرك أن الكاميرا لا تسجل شيئًا ما فحسب، بل إنها تثير جدلًا حول كيفية رؤيته.
يجب على المشاهدين الذين يشاهدون Young Frankenstein لأول مرة أن ينتبهوا بشكل خاص لكيفية معالجة Mel Brooks للانتقالات بين المشاهد. المقاطع في Young Frankenstein ليست تقليدية - فهي تميل إلى التركيز على لحظات الشخصية بدلاً من إيقاع الحبكة، مما يعني أن إيقاع التحرير والإيقاع العاطفي للفيلم هما نفس الشيء. إذا بدا أن المشهد قد انتهى مبكرًا أو متأخرًا عما هو متوقع، فهذا التوقيت هو اختيار، وعادةً ما يخبرك بشيء محدد عن حالة الشخصية في تلك اللحظة. يعمل Gene Wilder ضمن هذا الإيقاع مع الأداء الجسدي الذي يكون أكثر وضوحًا في المشاهد التي تلي الأحداث الكبرى مباشرة - لقطات رد الفعل واللحظات الهادئة حيث تتعزز الشخصية بدلاً من التحرك للأمام. يعني سياق إنتاج 1974 أن هذه الاختيارات تم إجراؤها بدون شبكات الأمان الرقمية التي تسمح للأفلام المعاصرة بالتعديل بعد النشر. ما تراه هو ما قصده Mel Brooks.
الأفلام التي تم وضعها في النطاق من أحد عشر إلى خمسة وعشرين في قوائم مثل هذه غالبًا ما تكون أكثر الاكتشافات فائدة لأنها تحمل جودة العشرة الأوائل دون الوزن الثقافي. Young Frankenstein في هذا الموقف ليس لأنه أسوأ بكثير من الإدخالات الموجودة فوقه ولكن لأن جاذبيته أكثر تركيزًا. المشاهدون الذين يتواصلون مع ما يفعله Mel Brooks في Young Frankenstein يقيّمونه بدرجة عالية مثل أي فيلم في هذه القائمة. المتوسط عبر قاعدة أوسع من الناخبين يضعه هنا. يجب على المشاهدين الذين لديهم أسباب محددة للاعتقاد بأن هذا الفيلم مخصص لهم - بناءً على النوع المفضل أو اهتمامات المخرج أو العصر - إعطاء الأولوية له على العديد من الإدخالات التي تحتل مرتبة أعلى منه.
Dog Day Afternoon
Based on the true story of would-be Brooklyn bank robbers John Wojtowicz and Salvatore Naturile. Sonny and Sal attempt a bank heist which quickly turns sour and escalates into a hostage situation and stand-off with the police. As Sonny's motives for the robbery are slowly revealed and things become more complicated, the heist turns into a media circus.
لماذا تشاهد: فيلم إثارة يبني التوتر بدقة. يبني Sidney Lumet الزخم من خلال الصدمات المنطقية بدلاً من الصدمات المصنعة.
وصل Dog Day Afternoon (1975) قبل أن يجعل الإنترنت كل فيلم متاحًا على الفور في كل مكان. يتطلب الوصول إلى الجماهير كلامًا شفهيًا حقيقيًا، وقد قام Dog Day Afternoon ببناء هذا الكلام الشفهي لأنه يقدم شيئًا حقيقيًا. يعكس تصنيف 7.8 التوجيه والكتابة والأداء الذي يعمل بمستويات ثابتة في وقت واحد. نادرًا ما تفشل الأفلام التي تسجل في هذا النطاق بشكل ملحوظ في أي بُعد منفرد، وDog Day Afternoon ليس استثناءً. يبني المخرج الفيلم حول عدم تناسق المعلومات: فالجمهور يعرف أكثر من الشخصيات، أو أقل، ويتلاعب الفيلم بالحالتين بدقة. يلقي الجبيرة التوتر من خلال ضبط النفس بدلاً من الشدة. في سياق السينما 1970s بشكل عام، يمثل Dog Day Afternoon ما ساهم به العقد ولم تفعله العقود السابقة واللاحقة. أنتجت الظروف المحددة لصناعة الأفلام 1970s - الميزانيات والتكنولوجيا والسياق الثقافي - شيئًا هنا لا يمكن أن يأتي إلا من تلك اللحظة.
يوضح سيناريو Dog Day Afternoon شيئًا لا تحققه معظم الأفلام: كل مشهد يقوم بشيئين في وقت واحد. العمل السطحي يطور الحبكة. النص الفرعي يتقدم الشخصية. عملت Sidney Lumet مع المواد التي وثقت في قدرة الجمهور على تسجيل ما لم يُقال بوضوح مثل ما قيل. يقدم Al Pacino سطورًا تعني أشياء مختلفة اعتمادًا على ما تعرفه في تلك المرحلة من الفيلم. يختبر المشاهدون لأول مرة فيلمًا واحدًا. المشاهدون الذين يعرفون النهاية يختبرون تجربة أخرى. يكون هذا التطور الهيكلي أكثر وضوحًا في Dog Day Afternoon عندما تنتبه إلى ما تتجنب الشخصيات قوله بشكل مباشر باستمرار.
سيجد المشاهدون الذين شاهدوا الأفلام التي تأثرت بـ Dog Day Afternoon أن مشاهدة الفيلم الأصلي تجربة مختلفة عن مشاهدة فيلم معاصر. التقنيات التي تبدو مألوفة لأنه تم نسخها على نطاق واسع مرئية هنا في شكلها الأصلي، والذي غالبًا ما يكشف أن النسخ فهمت سطح ما فعله Sidney Lumet دون فهم السبب وراء ذلك. يستخدم Dog Day Afternoon اختياراته الأسلوبية لخدمة أهداف محددة لسرد القصص. غالبًا ما استخدمتها الأفلام اللاحقة التي استعارت هذه الاختيارات كأسلوب بدون الوظيفة. توضح مشاهدة النسخة الأصلية ما تم إنجازه بالفعل. يتمتع عمل Al Pacino هنا أيضًا بخصوصية تفتقر إليها العديد من العروض المستوحاة منه - حيث استحوذت التقليد على الطريقة دون الطابع الداخلي الذي جعل الطريقة تعني شيئًا ما.
يمثل Dog Day Afternoon الموجود في هذا الموضع من القائمة فيلمًا حقق جودة حقيقية وتقديرًا مستدامًا دون أن يصبح نصبًا ثقافيًا. تتمثل ميزة هذا الموقف في أن أداء Al Pacino وحرفة Sidney Lumet متاحان لمواجهتهما حديثًا وليس من خلال مرشح المناقشة المسبقة الشاملة. من السهل رؤية الأشياء المحددة التي تجعل هذا الفيلم يستحق المشاهدة - والتي تصفها الملاحظات التحريرية أعلاه - عندما لا تتوقع تأكيد السمعة. التصنيف في القسم الأوسط من هذه القائمة ليس تخفيضًا للرتبة. إنه وصف لفيلم ممتاز لجمهوره المحدد.
Papillon
A man befriends a fellow criminal as the two of them begin serving their sentence on a dreadful prison island, which inspires the man to plot his escape.
لماذا تشاهد: Papillon هي الدراما التي تثق بالصمت. يمنح Franklin J. Schaffner المشاهد مجالًا للتنفس بعد نقطة النهاية الواضحة، وإيجاد شيء حقيقي فيما تفعله الشخصيات عندما تتوقف عن الأداء.
تم إصدار Papillon في 1973، وتم إنتاجه في عصر كانت فيه العروض المسرحية تحدد ما إذا كان الفيلم سيبقى على قيد الحياة أم لا. لقد صنعت Franklin J. Schaffner شيئًا نجا، وتصنيف 7.8 الذي تحمله اليوم هو دليل على قوة بقائها. النتيجة 7.8 لـ Papillon تضعه بين الأفلام التي تقدم فكرتها دون نقاط ضعف كبيرة. لقد صنع Franklin J. Schaffner شيئًا يعمل على النحو المنشود طوال الوقت، وهو أقل شيوعًا مما يبدو. الدراما تأتي من الخصوصية وليس من العالمية. يتخذ المخرج اختيارات تنطبق تحديدًا على هذه الشخصيات في هذا الموقف، الأمر الذي يخلق للمفارقة شيئًا أكثر عالمية من الإيقاعات العاطفية العامة. أنتج 1970s العديد من الأفلام. الأشخاص الذين بقوا في قوائم مثل هذه بعد عقود هم أولئك الذين فهموا شيئًا حقيقيًا عن الناس وليس فقط عن اللحظة. Papillon موجود هنا لأنه فهم شيئًا دائمًا.
تتم معايرة العروض في Papillon إلى سجل محدد أنشأه Franklin J. Schaffner وصيانته طوال فترة الإنتاج. أدرك Steve McQueen أن المادة تتطلب التقليل من الأهمية بدلاً من التركيز. اللحظات الأكثر صعوبة في Papillon هي تلك التي يكون فيها أداء Steve McQueen أقل من الممثل الأقل مهارة. تعمل المجموعة بإيقاع يوحي بإعداد مكثف وليس مجرد الموهبة. تكشف المشاهد التي يتواجد فيها العديد من أعضاء فريق العمل عن ديناميكية تعاونية نادرة في الأفلام حيث يتم تقديم الأداء الفردي على حساب الحقيقة الجماعية.
يناسب Papillon المشاهدين الذين لا يبحثون عادةً عن أفلام من هذا العصر أو هذا النوع. إن الصفات التي أكسبته تصنيف 7.8 ليست خاصة بنوع معين أو بفترة زمنية محددة - إنها الصفات التي تجعل أي فيلم ممتازًا: السرد الواضح للقصص، والأداء المقنع، والإخراج الذي يخدم المادة بدلاً من عرض نفسه. المشاهدون الذين يتعاملون مع Papillon كفيلم وليس كقطعة أثرية ثقافية يميلون إلى الحصول على أقوى الاستجابات. إن الثقل الثقافي الذي تراكم منذ إطلاقه يمكن أن يخلق مسافة بدلاً من الوصول. الإطار الأكثر فائدة هو ببساطة: هذا فيلم جيد الصنع عن أشخاص محددين في موقف معين. كل شيء آخر يأتي من مشاهدة ذلك باهتمام. يقوم Franklin J. Schaffner وSteve McQueen بالعمل؛ مهمة المشاهد هي أن يكون حاضرا لذلك.
تم الحصول على تصنيف 7.8 الذي يضع Papillon في هذا القسم من القائمة من المشاهدين الذين تمكنوا من الوصول إلى كل شيء تم تصنيفه فوقه. لقد قاموا بتقييم هذا الفيلم بعد رؤية تلك العناوين أو معرفتها. يعكس قرارهم بمنح Papillon درجة عالية تقديرًا حقيقيًا لما حققه Franklin J. Schaffner هنا - وهو شيء مختلف عن الإدخالات العشرة الأولى وليس أدنى منها. نطاق الجودة في قائمة مثل هذه أضيق مما يقترحه نطاق المواضع. الفرق بين الموضع الثامن والموضع الثامن عشر هو جزئيًا اختلاف في مدى تحديد الاستئناف. Papillon ممتاز على وجه التحديد وليس ممتازًا على نطاق واسع. بالنسبة للمشاهد المناسب، هذه الخصوصية هي أحد الأصول.
Monty Python and the Holy Grail
King Arthur, accompanied by his squire, recruits his Knights of the Round Table, including Sir Bedevere the Wise, Sir Lancelot the Brave, Sir Robin the Not-Quite-So-Brave-As-Sir-Lancelot and Sir Galahad the Pure. On the way, Arthur battles the Black Knight who, despite having had all his limbs chopped off, insists he can still fight. They reach Camelot, but Arthur decides not to enter, as "it is a silly place".
لماذا تشاهد: يبني Terry Jones كوميديا Monty Python and the Holy Grail من ملاحظة الشخصية الحقيقية. تتراكم الضحكات مع تقدم الفيلم لأنك تعرف الناس بشكل أفضل.
يعود تاريخ Monty Python and the Holy Grail إلى 1975، مما يعني أنه تم اختباره بواسطة أجيال متعددة من المشاهدين. إن حقيقة أن Monty Python and the Holy Grail لا يزال يحتل مرتبة عالية يعكس الحرفية الحقيقية وليس الحنين إلى الماضي. في 7.8، يقع Monty Python and the Holy Grail في نطاق تكون فيه الجودة متسقة ولكن الفيلم لم يحقق الإجماع الواسع للعناوين ذات التصنيف الأعلى. غالبًا ما يعكس هذا الإجماع الضيق جاذبية محددة - Monty Python and the Holy Grail ليس مناسبًا للجميع، ولكنه ممتاز للمشاهد المناسب. تتطلب شخصية الكوميديا أن يفهم المخرج وطاقم العمل أن اللحظات المضحكة تأتي من الحقيقة وليس من المبالغة. ينجح الفيلم لأن ما تفعله الشخصيات منطقي بالنسبة لشخصيتهم. كانت 1970s لحظة ثقافية محددة ذات اهتمامات محددة وأساليب جمالية محددة. يعكس Monty Python and the Holy Grail تلك الشروط بينما يتجاوزها - إنه فيلم 1970s ولا يتطلب منك فهم 1970s لتقديره.
تم تصميم هيكل Monty Python and the Holy Grail بحيث يخدم الإيقاع المعنى بدلاً من الاصطلاح. يقوم Terry Jones بإجراء قطع في اللحظات التي تبدو غير متوقعة إلى حد ما، مما يبقي الجمهور في حالة من الاهتمام المتفاعل بدلاً من المشاهدة السلبية. الأفلام التي تقطع إيقاعًا واضحًا تصبح قابلة للتنبؤ بها. Monty Python and the Holy Grail يقطع لحظات الشخصية، مما يعني أن إيقاع التحرير والإيقاع العاطفي هما نفس الشيء. والنتيجة هي فيلم تنقل فيه البنية نفسها شيئًا ما عن الحالات الداخلية للشخصيات. يجد المشاهدون الذين تم تخديرهم بالتحرير التقليدي أن Monty Python and the Holy Grail مربكًا بطريقة منتجة.
يجب على مشاهدي Monty Python and the Holy Grail لأول مرة الدخول بأقل قدر ممكن من المعرفة المسبقة. تمت مناقشة الفيلم والإشارة إليه على نطاق واسع لدرجة أنه من السهل التوصل إلى توقعات تشكلها ردود أفعال الآخرين بدلاً من الفيلم نفسه. التجربة الفعلية لمشاهدة Monty Python and the Holy Grail لأول مرة، دون معرفة ما سيأتي بالضبط، تختلف بشكل كبير عن مشاهدته بالكمية المعروفة. إذا لم تكن قد رأيت ذلك بعد، فهذه ميزة تستحق الحفاظ عليها. يجد المشاهدون العائدون أن Monty Python and the Holy Grail يتغير عند إعادة المشاهدة - ليس لأن الفيلم يتغير، ولكن لأن معرفة النتيجة يغير التفاصيل التي تلاحظها وما تفعله المشاهد المبكرة بالفعل. يبدو بناء الفصل الأول في Terry Jones مختلفًا بمجرد أن تعرف أين ينتهي. يحمل أداء Graham Chapman في المشاهد الأولى معلومات لا يمكن قراءتها إلا عند المشاهدة الثانية.
يقع Monty Python and the Holy Grail ضمن النطاق الحادي عشر إلى الخامس والعشرين في هذه القائمة، ويحتل المنطقة التي تكون فيها الجودة متسقة ولكن الفيلم لم يحقق التشبع الثقافي للعشرة الأوائل. يتمتع هذا الموضع بميزة بالنسبة للمشاهدين الجدد: حيث يصل Monty Python and the Holy Grail دون ضغط المشاهدة الإلزامي المرتبط بالعناوين ذات التصنيف الأعلى. يمكن مواجهة الفيلم بشروطه الخاصة وليس في مواجهة ثقل ردود أفعال الآخرين. إن عمل Terry Jones هنا قوي بما يكفي للوقوف في وجه أفضل عشرة إدخالات ومختلف بما يكفي لتقديم شيء لا تقدمه تلك العناوين. غالبًا ما تكون الصفات المحددة التي تضع Monty Python and the Holy Grail هنا وليس أعلى هي الصفات التي تجعله أكثر إثارة للاهتمام للمشاهدين الذين شاهدوا بالفعل العناوين الموصى بها على نطاق أوسع.
Network
When veteran anchorman Howard Beale is forced to retire his 25-year post because of his age, he announces to viewers that he will kill himself during his farewell broadcast. Network executives rethink their decision when his fanatical tirade results in a spike in ratings.
لماذا تشاهد: يقترب Sidney Lumet من Network بالصبر الذي تتطلبه الدراما الجيدة ونادرا ما تحصل عليه. والنتيجة هي فيلم يكسب لحظاته العاطفية بدلاً من جدولتها.
يسبق إصدار 1976 لـ Network عصر البث بالكامل. كل مشاهد قام بتقييم Network اكتشفه من خلال جهد متعمد - العرض المسرحي، أو الوسائط المادية، أو التوصية. يقوم جمهور Network بالاختيار الذاتي للمشاركة. يمثل Network في 7.8 الطبقة الموثوقة لهذه القائمة. هذه هي الأفلام التي لا تخيب. لقد فهم Sidney Lumet ما يجب أن يكون عليه الفيلم وقام بتنفيذه دون أي تنازلات. وما يميز هذه الدراما هو رفض المخرج شرح ما يمكن أن يشعر به الجمهور. يخلق الفيلم مواقف ذات ثقل عاطفي ثم يثق في أن المشاهدين سيتحملون هذا الثقل بأنفسهم. توفر العروض السجل العاطفي دون الإفراط في الإشارة. إن تصنيف الأفلام من 1970s مقابل بعضها البعض يعد جزئيًا تمرينًا على تحديد ما نجا. نجا Network لأن Sidney Lumet قام باختياراته بناءً على الحرفية بدلاً من الاتجاه. يعكس تصنيف 7.8 الجماهير التي لا تزال تجد هذه الاختيارات صالحة.
تم إنشاء البيئة الصوتية لـ Network بشكل متعمد مثل البيئة المرئية. تدرك Sidney Lumet أن تصميم الصوت والنتيجة يعملان دون مستوى الاهتمام الواعي، مما يشكل الاستجابة العاطفية قبل أن يتمكن الجمهور من تحليل ما يحدث. تستخدم التسلسلات الأكثر هدوءًا في Network الصوت المحيط لإنشاء الحضور بدلاً من الغياب. تستخدم التسلسلات المسجلة الموسيقى التي تستجيب للشخصية بدلاً من الإشارة إلى ما يجب أن يشعر به الجمهور. يعمل Faye Dunaway في هذه البيئة الصوتية بأداء مادي يفسر كيفية تجربة المشهد سمعيًا وبصريًا. ينتج عن هذا المزيج شيئًا يعمل على الجمهور وليس فقط عليهم.
يناسب Network الأمسيات عندما ترغب في مشاهدة شيء ذي محتوى حقيقي بدلاً من مشاهدة شيء يملأ الوقت ببساطة. إنه ليس فيلمًا في الخلفية وليس تجربة سلبية. أنشأ Sidney Lumet شيئًا يسترعي انتباهك ويكافئه بشكل خاص وليس بشكل عام. سيحصل المشاهدون الذين يشاهدون Network أثناء قيامهم بأشياء أخرى على نسخة من الفيلم تقل بشكل كبير عن النسخة المتاحة لشخص يمنحه اهتمامه الكامل. يعكس تصنيف 7.8 تجربة المشاهدة الكاملة الاهتمام. يقدم طاقم الممثلين - Faye Dunaway على وجه التحديد - تفاصيل الأداء التي يتم تسجيلها في المشاهدة المركزة وتختفي في المشاهدة المشتتة.
يتم تصنيف Network في القسم الأوسط من هذه القائمة لأن جاذبيته محددة وليست عالمية - والجاذبية المحددة، التي يتم تقييمها بأمانة، تنتج تقييمًا متوسطًا أقل من الجاذبية الواسعة حتى عندما يكون الفيلم ممتازًا للمشاهد المناسب. اتخذ Sidney Lumet اختيارات يجدها بعض المشاهدين مقنعة والبعض الآخر يجدها صعبة. يعكس تصنيف 7.8 تلك الاستجابة المختلطة ولكن الإيجابية في نهاية المطاف من قاعدة الناخبين التي شملت كلا المجموعتين. عادةً ما يجد المشاهدون الذين تتوافق تفضيلاتهم مع أسلوب Sidney Lumet في التعامل مع هذه المادة أن Network من بين أقوى الإدخالات في القائمة. إن تصنيفها في السياق وليس في عزلة ينتج عنه انطباع مختلف عما يوحي به الرقم وحده.
الأفلام الرائعة تتجاوز فئتها. إنهم يعملون لأن الحرفة استثنائية.
Rocky
Rocky Balboa is a Philadelphia club fighter who seems to be going nowhere. But when a stroke of fate puts him in the ring with a world heavyweight champion, Rocky knows that it's his one shot at the big time — a once-in-a-lifetime opportunity to go the distance and come out a winner!
لماذا تشاهد: هذا النوع من الدراما الذي يبقى معك لفترة طويلة بعد الاعتمادات. يجلب John G. Avildsen الصبر إلى المواد التي ترفعها فوق السعر القياسي.
وصل Rocky (1976) قبل أن يجعل الإنترنت كل فيلم متاحًا على الفور في كل مكان. يتطلب الوصول إلى الجماهير كلامًا شفهيًا حقيقيًا، وقد قام Rocky ببناء هذا الكلام الشفهي لأنه يقدم شيئًا حقيقيًا. يعني تصنيف 7.8 من مجموعة كبيرة من الناخبين أن الفيلم يتمتع بنقاط قوة حقيقية تفوق أي نقاط ضعف وجدها المشاهدون. يفي Rocky بوعده المركزي، وهو الحد الأدنى من المعايير التي يجب أن يفي بها أي فيلم ويكون تحقيقه أقل مما يقترحه عدد الإصدارات. يعمل المخرج بصبر لا تستطيع معظم الدراما المعاصرة تحمله. يُسمح للمشاهد بالمرور إلى ما بعد نقطة النهاية الواضحة، وإيجاد الحقيقة فيما تفعله الشخصيات بعد أن تقول ما جاءت لتقوله. يفهم طاقم الممثلين هذا الإيقاع. يكتسب Rocky مكانه في أي حساب لسينما 1970s لأنه يجسد شيئًا أنتجه العقد وفقدته العقود اللاحقة. الظروف الثقافية والتكنولوجية لصناعة الأفلام 1970s شكلت ما يمكن أن يفعله John G. Avildsen هنا.
تعكس اللغة المرئية لـ Rocky صناعة الأفلام في 1976 في أفضل حالاتها. عملت John G. Avildsen ضمن القيود الفنية التي تطلبت التركيب والإضاءة لتحمل الثقل العاطفي الذي تفريغه الإنتاجات الحديثة إلى مرحلة ما بعد الإنتاج. تم تصميم كل إطار في Rocky بدلاً من تعديله. والنتيجة هي تماسك بصري نادرًا ما تحققه الأفلام المعاصرة، بخياراتها غير المحدودة في مرحلة ما بعد الإنتاج. إن مشاهدة Rocky مع الانتباه إلى كيفية تكوين اللقطات يكشف عن مخرج سينمائي أدرك أن الكاميرا لا تسجل شيئًا ما فحسب، بل إنها تثير جدلًا حول كيفية رؤيته.
يناسب Rocky المشاهدين الذين لا يبحثون عادةً عن أفلام من هذا العصر أو هذا النوع. إن الصفات التي أكسبته تصنيف 7.8 ليست خاصة بنوع معين أو بفترة زمنية محددة - إنها الصفات التي تجعل أي فيلم ممتازًا: السرد الواضح للقصص، والأداء المقنع، والإخراج الذي يخدم المادة بدلاً من عرض نفسه. المشاهدون الذين يتعاملون مع Rocky كفيلم وليس كقطعة أثرية ثقافية يميلون إلى الحصول على أقوى الاستجابات. إن الثقل الثقافي الذي تراكم منذ إطلاقه يمكن أن يخلق مسافة بدلاً من الوصول. الإطار الأكثر فائدة هو ببساطة: هذا فيلم جيد الصنع عن أشخاص محددين في موقف معين. كل شيء آخر يأتي من مشاهدة ذلك باهتمام. يقوم John G. Avildsen وSylvester Stallone بالعمل؛ مهمة المشاهد هي أن يكون حاضرا لذلك.
يعكس موقع Rocky في هذا القسم من القائمة فيلمًا يقدم صفاته المحددة بشكل موثوق دون أن يطمح إلى أن يكون كل شيء للجميع. لقد فهم John G. Avildsen معنى الفيلم وصنعه على مستوى عالٍ من الحرفية. يمثل تصنيف 7.8 المشاهدين الذين تفاعلوا مع الفيلم بهذه الشروط ووجدوا أنه يستحق التقييم بدرجة عالية. المشاهدون الذين يجلبون توقعات مختلفة أحيانًا يجدون الفيلم أقل إرضاءً مما يوحي به التقييم - وهذا ليس ضعفًا في الفيلم ولكن في التوقع. Rocky هو بالضبط ما هو عليه، وقد تم صنعه بمهارة، وكان الناخبون الذين قيموه يستجيبون لذلك.
Solaris
A psychologist is sent to a space station orbiting a planet called Solaris to investigate the death of a doctor and the mental problems of cosmonauts on the station. He soon discovers that the water on the planet is a type of brain which brings out repressed memories and obsessions.
لماذا تشاهد: Solaris هي الدراما التي تثق بالصمت. يمنح Andrei Tarkovsky المشاهد مجالًا للتنفس بعد نقطة النهاية الواضحة، وإيجاد شيء حقيقي فيما تفعله الشخصيات عندما تتوقف عن الأداء.
تم إصدار Solaris في 1972، وتم إنتاجه في عصر كانت فيه العروض المسرحية تحدد ما إذا كان الفيلم سيبقى على قيد الحياة أم لا. لقد صنعت Andrei Tarkovsky شيئًا نجا، وتصنيف 7.8 الذي تحمله اليوم هو دليل على قوة بقائها. تم إنشاء نتيجة 7.8 لـ Solaris من المشاهدين الذين لديهم بدائل واختاروا تقييم هذا بدرجة عالية. يعكس هذا الاختيار فيلمًا أوضح قضيته - وهو بالضبط ما يفعله Solaris. قدم Andrei Tarkovsky الحجة وقبلها الجمهور. الدراما تأتي من الخصوصية وليس من العالمية. يتخذ المخرج اختيارات تنطبق تحديدًا على هذه الشخصيات في هذا الموقف، الأمر الذي يخلق للمفارقة شيئًا أكثر عالمية من الإيقاعات العاطفية العامة. كل عقد من الزمان يُنتج أفلامًا تبدو ضرورية في ذلك الوقت ثم تتلاشى. ينتمي Solaris إلى الفئة الأصغر - حيث لا تزال أفلام 1970s تحظى بتقدير عالٍ من قبل المشاهدين الذين ليس لديهم حنين إلى تلك الحقبة. إن هذه الجودة عبر الأجيال هي الاختبار الحقيقي.
يوضح سيناريو Solaris شيئًا لا تحققه معظم الأفلام: كل مشهد يقوم بشيئين في وقت واحد. العمل السطحي يطور الحبكة. النص الفرعي يتقدم الشخصية. عملت Andrei Tarkovsky مع المواد التي وثقت في قدرة الجمهور على تسجيل ما لم يُقال بوضوح مثل ما قيل. يقدم Natalya Bondarchuk سطورًا تعني أشياء مختلفة اعتمادًا على ما تعرفه في تلك المرحلة من الفيلم. يختبر المشاهدون لأول مرة فيلمًا واحدًا. المشاهدون الذين يعرفون النهاية يختبرون تجربة أخرى. يكون هذا التطور الهيكلي أكثر وضوحًا في Solaris عندما تنتبه إلى ما تتجنب الشخصيات قوله بشكل مباشر باستمرار.
يجب على المشاهدين الذين يشاهدون Solaris لأول مرة أن ينتبهوا بشكل خاص لكيفية معالجة Andrei Tarkovsky للانتقالات بين المشاهد. المقاطع في Solaris ليست تقليدية - فهي تميل إلى التركيز على لحظات الشخصية بدلاً من إيقاع الحبكة، مما يعني أن إيقاع التحرير والإيقاع العاطفي للفيلم هما نفس الشيء. إذا بدا أن المشهد قد انتهى مبكرًا أو متأخرًا عما هو متوقع، فهذا التوقيت هو اختيار، وعادةً ما يخبرك بشيء محدد عن حالة الشخصية في تلك اللحظة. يعمل Natalya Bondarchuk ضمن هذا الإيقاع مع الأداء الجسدي الذي يكون أكثر وضوحًا في المشاهد التي تلي الأحداث الكبرى مباشرة - لقطات رد الفعل واللحظات الهادئة حيث تتعزز الشخصية بدلاً من التحرك للأمام. يعني سياق إنتاج 1972 أن هذه الاختيارات تم إجراؤها بدون شبكات الأمان الرقمية التي تسمح للأفلام المعاصرة بالتعديل بعد النشر. ما تراه هو ما قصده Andrei Tarkovsky.
الأفلام التي تم وضعها في النطاق من أحد عشر إلى خمسة وعشرين في قوائم مثل هذه غالبًا ما تكون أكثر الاكتشافات فائدة لأنها تحمل جودة العشرة الأوائل دون الوزن الثقافي. Solaris في هذا الموقف ليس لأنه أسوأ بكثير من الإدخالات الموجودة فوقه ولكن لأن جاذبيته أكثر تركيزًا. المشاهدون الذين يتواصلون مع ما يفعله Andrei Tarkovsky في Solaris يقيّمونه بدرجة عالية مثل أي فيلم في هذه القائمة. المتوسط عبر قاعدة أوسع من الناخبين يضعه هنا. يجب على المشاهدين الذين لديهم أسباب محددة للاعتقاد بأن هذا الفيلم مخصص لهم - بناءً على النوع المفضل أو اهتمامات المخرج أو العصر - إعطاء الأولوية له على العديد من الإدخالات التي تحتل مرتبة أعلى منه.
Life of Brian
Brian Cohen is an average young Jewish man, but through a series of ridiculous events, he gains a reputation as the Messiah. When he's not dodging his followers or being scolded by his shrill mother, the hapless Brian has to contend with the pompous Pontius Pilate and acronym-obsessed members of a separatist movement. Rife with Monty Python's signature absurdity, the tale finds Brian's life paralleling Biblical lore, albeit with many more laughs.
لماذا تشاهد: يبني Terry Jones كوميديا Life of Brian من ملاحظة الشخصية الحقيقية. تتراكم الضحكات مع تقدم الفيلم لأنك تعرف الناس بشكل أفضل.
يعود تاريخ Life of Brian إلى 1979، مما يعني أنه تم اختباره بواسطة أجيال متعددة من المشاهدين. إن حقيقة أن Life of Brian لا يزال يحتل مرتبة عالية يعكس الحرفية الحقيقية وليس الحنين إلى الماضي. Life of Brian في 7.8 هو فيلم تكون فيه المركبة دائمًا أعلى من المتوسط عبر أبعاد متعددة. لا يوجد عنصر واحد يحمل العناصر الأخرى. الاتجاه والكتابة والأداء كلها تسير في نفس الاتجاه. تتطلب شخصية الكوميديا أن يفهم المخرج وطاقم العمل أن اللحظات المضحكة تأتي من الحقيقة وليس من المبالغة. ينجح الفيلم لأن ما تفعله الشخصيات منطقي بالنسبة لشخصيتهم. سياق 1970s لـ Life of Brian ليس عرضيًا. الظروف الجمالية المحددة للعقد - ما سمحت به التكنولوجيا، وما تطلبته الثقافة - شكلت الاختيارات التي قام بها Terry Jones هنا. هذه الاختيارات تصمد بشكل مستقل عن لحظتها.
تتم معايرة العروض في Life of Brian إلى سجل محدد أنشأه Terry Jones وصيانته طوال فترة الإنتاج. أدرك Graham Chapman أن المادة تتطلب التقليل من الأهمية بدلاً من التركيز. اللحظات الأكثر صعوبة في Life of Brian هي تلك التي يكون فيها أداء Graham Chapman أقل من الممثل الأقل مهارة. تعمل المجموعة بإيقاع يوحي بإعداد مكثف وليس مجرد الموهبة. تكشف المشاهد التي يتواجد فيها العديد من أعضاء فريق العمل عن ديناميكية تعاونية نادرة في الأفلام حيث يتم تقديم الأداء الفردي على حساب الحقيقة الجماعية.
سيجد المشاهدون الذين شاهدوا الأفلام التي تأثرت بـ Life of Brian أن مشاهدة الفيلم الأصلي تجربة مختلفة عن مشاهدة فيلم معاصر. التقنيات التي تبدو مألوفة لأنه تم نسخها على نطاق واسع مرئية هنا في شكلها الأصلي، والذي غالبًا ما يكشف أن النسخ فهمت سطح ما فعله Terry Jones دون فهم السبب وراء ذلك. يستخدم Life of Brian اختياراته الأسلوبية لخدمة أهداف محددة لسرد القصص. غالبًا ما استخدمتها الأفلام اللاحقة التي استعارت هذه الاختيارات كأسلوب بدون الوظيفة. توضح مشاهدة النسخة الأصلية ما تم إنجازه بالفعل. يتمتع عمل Graham Chapman هنا أيضًا بخصوصية تفتقر إليها العديد من العروض المستوحاة منه - حيث استحوذت التقليد على الطريقة دون الطابع الداخلي الذي جعل الطريقة تعني شيئًا ما.
يمثل Life of Brian الموجود في هذا الموضع من القائمة فيلمًا حقق جودة حقيقية وتقديرًا مستدامًا دون أن يصبح نصبًا ثقافيًا. تتمثل ميزة هذا الموقف في أن أداء Graham Chapman وحرفة Terry Jones متاحان لمواجهتهما حديثًا وليس من خلال مرشح المناقشة المسبقة الشاملة. من السهل رؤية الأشياء المحددة التي تجعل هذا الفيلم يستحق المشاهدة - والتي تصفها الملاحظات التحريرية أعلاه - عندما لا تتوقع تأكيد السمعة. التصنيف في القسم الأوسط من هذه القائمة ليس تخفيضًا للرتبة. إنه وصف لفيلم ممتاز لجمهوره المحدد.
The Exorcist
When a mysterious entity possesses a young girl, her mother seeks the help of two Catholic priests to save her life.
لماذا تشاهد: يقترب William Friedkin من The Exorcist بالصبر الذي تتطلبه الدراما الجيدة ونادرا ما تحصل عليه. والنتيجة هي فيلم يكسب لحظاته العاطفية بدلاً من جدولتها.
يسبق إصدار 1973 لـ The Exorcist عصر البث بالكامل. كل مشاهد قام بتقييم The Exorcist اكتشفه من خلال جهد متعمد - العرض المسرحي، أو الوسائط المادية، أو التوصية. يقوم جمهور The Exorcist بالاختيار الذاتي للمشاركة. غالبًا ما تكون الأفلام الموجودة في النطاق 7.7 أكثر إثارة للاهتمام مما يوحي به موقعها في القائمة. لم يحققوا التشبع الثقافي للعناوين ذات التصنيف الأعلى، مما يعني أن The Exorcist أسهل في التعامل معها دون تصورات مسبقة. يستفيد The Exorcist من ذلك. وما يميز هذه الدراما هو رفض المخرج شرح ما يمكن أن يشعر به الجمهور. يخلق الفيلم مواقف ذات ثقل عاطفي ثم يثق في أن المشاهدين سيتحملون هذا الثقل بأنفسهم. توفر العروض السجل العاطفي دون الإفراط في الإشارة. لقد نجت الأفلام من 1970s التي لا تزال في معدل 7.7 اليوم من اختبار أطول من أي وجوه إصدار معاصرة. اجتاز The Exorcist هذا الاختبار لأن جوهره - رواية القصص والعروض والحرف - يعمل دون الحاجة إلى عصره.
تم تصميم هيكل The Exorcist بحيث يخدم الإيقاع المعنى بدلاً من الاصطلاح. يقوم William Friedkin بإجراء قطع في اللحظات التي تبدو غير متوقعة إلى حد ما، مما يبقي الجمهور في حالة من الاهتمام المتفاعل بدلاً من المشاهدة السلبية. الأفلام التي تقطع إيقاعًا واضحًا تصبح قابلة للتنبؤ بها. The Exorcist يقطع لحظات الشخصية، مما يعني أن إيقاع التحرير والإيقاع العاطفي هما نفس الشيء. والنتيجة هي فيلم تنقل فيه البنية نفسها شيئًا ما عن الحالات الداخلية للشخصيات. يجد المشاهدون الذين تم تخديرهم بالتحرير التقليدي أن The Exorcist مربكًا بطريقة منتجة.
يناسب The Exorcist المشاهدين الذين لا يبحثون عادةً عن أفلام من هذا العصر أو هذا النوع. إن الصفات التي أكسبته تصنيف 7.7 ليست خاصة بنوع معين أو بفترة زمنية محددة - إنها الصفات التي تجعل أي فيلم ممتازًا: السرد الواضح للقصص، والأداء المقنع، والإخراج الذي يخدم المادة بدلاً من عرض نفسه. المشاهدون الذين يتعاملون مع The Exorcist كفيلم وليس كقطعة أثرية ثقافية يميلون إلى الحصول على أقوى الاستجابات. إن الثقل الثقافي الذي تراكم منذ إطلاقه يمكن أن يخلق مسافة بدلاً من الوصول. الإطار الأكثر فائدة هو ببساطة: هذا فيلم جيد الصنع عن أشخاص محددين في موقف معين. كل شيء آخر يأتي من مشاهدة ذلك باهتمام. يقوم William Friedkin وEllen Burstyn بالعمل؛ مهمة المشاهد هي أن يكون حاضرا لذلك.
تم الحصول على تصنيف 7.7 الذي يضع The Exorcist في هذا القسم من القائمة من المشاهدين الذين تمكنوا من الوصول إلى كل شيء تم تصنيفه فوقه. لقد قاموا بتقييم هذا الفيلم بعد رؤية تلك العناوين أو معرفتها. يعكس قرارهم بمنح The Exorcist درجة عالية تقديرًا حقيقيًا لما حققه William Friedkin هنا - وهو شيء مختلف عن الإدخالات العشرة الأولى وليس أدنى منها. نطاق الجودة في قائمة مثل هذه أضيق مما يقترحه نطاق المواضع. الفرق بين الموضع الثامن والموضع الثامن عشر هو جزئيًا اختلاف في مدى تحديد الاستئناف. The Exorcist ممتاز على وجه التحديد وليس ممتازًا على نطاق واسع. بالنسبة للمشاهد المناسب، هذه الخصوصية هي أحد الأصول.
Annie Hall
New York comedian Alvy Singer falls in love with the ditsy Annie Hall.
لماذا تشاهد: هذا النوع من الدراما الذي يبقى معك لفترة طويلة بعد الاعتمادات. يجلب Woody Allen الصبر إلى المواد التي ترفعها فوق السعر القياسي.
وصل Annie Hall (1977) قبل أن يجعل الإنترنت كل فيلم متاحًا على الفور في كل مكان. يتطلب الوصول إلى الجماهير كلامًا شفهيًا حقيقيًا، وقد قام Annie Hall ببناء هذا الكلام الشفهي لأنه يقدم شيئًا حقيقيًا. يعكس تصنيف 7.7 التوجيه والكتابة والأداء الذي يعمل بمستويات ثابتة في وقت واحد. نادرًا ما تفشل الأفلام التي تسجل في هذا النطاق بشكل ملحوظ في أي بُعد منفرد، وAnnie Hall ليس استثناءً. يعمل المخرج بصبر لا تستطيع معظم الدراما المعاصرة تحمله. يُسمح للمشاهد بالمرور إلى ما بعد نقطة النهاية الواضحة، وإيجاد الحقيقة فيما تفعله الشخصيات بعد أن تقول ما جاءت لتقوله. يفهم طاقم الممثلين هذا الإيقاع. في سياق السينما 1970s بشكل عام، يمثل Annie Hall ما ساهم به العقد ولم تفعله العقود السابقة واللاحقة. أنتجت الظروف المحددة لصناعة الأفلام 1970s - الميزانيات والتكنولوجيا والسياق الثقافي - شيئًا هنا لا يمكن أن يأتي إلا من تلك اللحظة.
تم إنشاء البيئة الصوتية لـ Annie Hall بشكل متعمد مثل البيئة المرئية. تدرك Woody Allen أن تصميم الصوت والنتيجة يعملان دون مستوى الاهتمام الواعي، مما يشكل الاستجابة العاطفية قبل أن يتمكن الجمهور من تحليل ما يحدث. تستخدم التسلسلات الأكثر هدوءًا في Annie Hall الصوت المحيط لإنشاء الحضور بدلاً من الغياب. تستخدم التسلسلات المسجلة الموسيقى التي تستجيب للشخصية بدلاً من الإشارة إلى ما يجب أن يشعر به الجمهور. يعمل Woody Allen في هذه البيئة الصوتية بأداء مادي يفسر كيفية تجربة المشهد سمعيًا وبصريًا. ينتج عن هذا المزيج شيئًا يعمل على الجمهور وليس فقط عليهم.
يجب على مشاهدي Annie Hall لأول مرة الدخول بأقل قدر ممكن من المعرفة المسبقة. تمت مناقشة الفيلم والإشارة إليه على نطاق واسع لدرجة أنه من السهل التوصل إلى توقعات تشكلها ردود أفعال الآخرين بدلاً من الفيلم نفسه. التجربة الفعلية لمشاهدة Annie Hall لأول مرة، دون معرفة ما سيأتي بالضبط، تختلف بشكل كبير عن مشاهدته بالكمية المعروفة. إذا لم تكن قد رأيت ذلك بعد، فهذه ميزة تستحق الحفاظ عليها. يجد المشاهدون العائدون أن Annie Hall يتغير عند إعادة المشاهدة - ليس لأن الفيلم يتغير، ولكن لأن معرفة النتيجة يغير التفاصيل التي تلاحظها وما تفعله المشاهد المبكرة بالفعل. يبدو بناء الفصل الأول في Woody Allen مختلفًا بمجرد أن تعرف أين ينتهي. يحمل أداء Woody Allen في المشاهد الأولى معلومات لا يمكن قراءتها إلا عند المشاهدة الثانية.
يقع Annie Hall ضمن النطاق الحادي عشر إلى الخامس والعشرين في هذه القائمة، ويحتل المنطقة التي تكون فيها الجودة متسقة ولكن الفيلم لم يحقق التشبع الثقافي للعشرة الأوائل. يتمتع هذا الموضع بميزة بالنسبة للمشاهدين الجدد: حيث يصل Annie Hall دون ضغط المشاهدة الإلزامي المرتبط بالعناوين ذات التصنيف الأعلى. يمكن مواجهة الفيلم بشروطه الخاصة وليس في مواجهة ثقل ردود أفعال الآخرين. إن عمل Woody Allen هنا قوي بما يكفي للوقوف في وجه أفضل عشرة إدخالات ومختلف بما يكفي لتقديم شيء لا تقدمه تلك العناوين. غالبًا ما تكون الصفات المحددة التي تضع Annie Hall هنا وليس أعلى هي الصفات التي تجعله أكثر إثارة للاهتمام للمشاهدين الذين شاهدوا بالفعل العناوين الموصى بها على نطاق أوسع.
Profondo rosso
An English pianist living in Rome witnesses the brutal murder of his psychic neighbor. With the help of a tenacious young reporter, he tries to discover the killer using very unconventional methods. The two are soon drawn into a shocking web of dementia and violence.
لماذا تشاهد: يكسب Profondo rosso توتره بأمانة - فالضغط يأتي من الموقف والشخصية وليس من المفاجأة المصطنعة. يثق Dario Argento في أن الجمهور سيشعر بالمخاطر.
تم إصدار Profondo rosso في 1975، وتم إنتاجه في عصر كانت فيه العروض المسرحية تحدد ما إذا كان الفيلم سيبقى على قيد الحياة أم لا. لقد صنعت Dario Argento شيئًا نجا، وتصنيف 7.7 الذي تحمله اليوم هو دليل على قوة بقائها. النتيجة 7.7 لـ Profondo rosso تضعه بين الأفلام التي تقدم فكرتها دون نقاط ضعف كبيرة. لقد صنع Dario Argento شيئًا يعمل على النحو المنشود طوال الوقت، وهو أقل شيوعًا مما يبدو. ما يجعل الفيلم يعمل كفيلم تشويق هو إدراك أن المخاطر تتطلب الاستثمار. الفعل الأول يبني الشخصية قبل وصول الضغط. وبحلول الوقت الذي يتصاعد فيه التوتر، يكون لديك أسباب تجعلك تهتم بالنتيجة. أنتج 1970s العديد من الأفلام. الأشخاص الذين بقوا في قوائم مثل هذه بعد عقود هم أولئك الذين فهموا شيئًا حقيقيًا عن الناس وليس فقط عن اللحظة. Profondo rosso موجود هنا لأنه فهم شيئًا دائمًا.
تعكس اللغة المرئية لـ Profondo rosso صناعة الأفلام في 1975 في أفضل حالاتها. عملت Dario Argento ضمن القيود الفنية التي تطلبت التركيب والإضاءة لتحمل الثقل العاطفي الذي تفريغه الإنتاجات الحديثة إلى مرحلة ما بعد الإنتاج. تم تصميم كل إطار في Profondo rosso بدلاً من تعديله. والنتيجة هي تماسك بصري نادرًا ما تحققه الأفلام المعاصرة، بخياراتها غير المحدودة في مرحلة ما بعد الإنتاج. إن مشاهدة Profondo rosso مع الانتباه إلى كيفية تكوين اللقطات يكشف عن مخرج سينمائي أدرك أن الكاميرا لا تسجل شيئًا ما فحسب، بل إنها تثير جدلًا حول كيفية رؤيته.
من الأفضل مشاهدة Profondo rosso في الظروف التي تسمح للغلاف الجوي بالعمل: الإضاءة المنخفضة، والحد الأدنى من الانقطاع، ومن الناحية المثالية دون معرفة مسبقة باللحظات المحددة التي أصبحت معروفة ثقافيًا. يفقد الرعب فعاليته عندما يعرف الجمهور بالضبط ما سيأتي، وقد تمت مناقشة Profondo rosso بما فيه الكفاية بحيث أصبحت بعض تسلسلاته الرئيسية مألوفة حتى للأشخاص الذين لم يشاهدوا الفيلم. إذا كان بإمكانك التعامل مع الأمر بمعرفة مسبقة محدودة، فافعل. تعتمد المركبة الجوية التي تم دمجها في Dario Argento في Profondo rosso على كون الجمهور في حالة من عدم اليقين الحقيقي. يعكس تصنيف 7.7 المشاهدين الذين كانوا في تلك الحالة عندما شاهدوه.
يتم تصنيف Profondo rosso في القسم الأوسط من هذه القائمة لأن جاذبيته محددة وليست عالمية - والجاذبية المحددة، التي يتم تقييمها بأمانة، تنتج تقييمًا متوسطًا أقل من الجاذبية الواسعة حتى عندما يكون الفيلم ممتازًا للمشاهد المناسب. اتخذ Dario Argento اختيارات يجدها بعض المشاهدين مقنعة والبعض الآخر يجدها صعبة. يعكس تصنيف 7.7 تلك الاستجابة المختلطة ولكن الإيجابية في نهاية المطاف من قاعدة الناخبين التي شملت كلا المجموعتين. عادةً ما يجد المشاهدون الذين تتوافق تفضيلاتهم مع أسلوب Dario Argento في التعامل مع هذه المادة أن Profondo rosso من بين أقوى الإدخالات في القائمة. إن تصنيفها في السياق وليس في عزلة ينتج عنه انطباع مختلف عما يوحي به الرقم وحده.
Manhattan
Manhattan explores how the life of a middle-aged television writer dating a teenage girl is further complicated when he falls in love with his best friend's mistress.
لماذا تشاهد: ما يجعل Manhattan يعمل كدراما هو رفض Woody Allen شرح ما يمكن أن يشعر به الجمهور. يتم إنشاء السجل العاطفي، وليس الإشارة إليه.
يعود تاريخ Manhattan إلى 1979، مما يعني أنه تم اختباره بواسطة أجيال متعددة من المشاهدين. إن حقيقة أن Manhattan لا يزال يحتل مرتبة عالية يعكس الحرفية الحقيقية وليس الحنين إلى الماضي. في 7.7، يقع Manhattan في نطاق تكون فيه الجودة متسقة ولكن الفيلم لم يحقق الإجماع الواسع للعناوين ذات التصنيف الأعلى. غالبًا ما يعكس هذا الإجماع الضيق جاذبية محددة - Manhattan ليس مناسبًا للجميع، ولكنه ممتاز للمشاهد المناسب. يوضح الفيلم ما يمكن للدراما أن تفعله ولا تستطيع الأنواع الأخرى فعله: وضع السلوك البشري العادي تحت الضغط والكشف عن الشخصية من خلال الاستجابة. يخلق المخرج تلك الظروف ويسكنها الممثلون باقتناع حقيقي. كانت 1970s لحظة ثقافية محددة ذات اهتمامات محددة وأساليب جمالية محددة. يعكس Manhattan تلك الشروط بينما يتجاوزها - إنه فيلم 1970s ولا يتطلب منك فهم 1970s لتقديره.
يوضح سيناريو Manhattan شيئًا لا تحققه معظم الأفلام: كل مشهد يقوم بشيئين في وقت واحد. العمل السطحي يطور الحبكة. النص الفرعي يتقدم الشخصية. عملت Woody Allen مع المواد التي وثقت في قدرة الجمهور على تسجيل ما لم يُقال بوضوح مثل ما قيل. يقدم Woody Allen سطورًا تعني أشياء مختلفة اعتمادًا على ما تعرفه في تلك المرحلة من الفيلم. يختبر المشاهدون لأول مرة فيلمًا واحدًا. المشاهدون الذين يعرفون النهاية يختبرون تجربة أخرى. يكون هذا التطور الهيكلي أكثر وضوحًا في Manhattan عندما تنتبه إلى ما تتجنب الشخصيات قوله بشكل مباشر باستمرار.
Manhattan عبارة عن توصية موثوقة للمشاهدين الذين يرغبون في مشاهدة فيلم وفقًا لشروطه الخاصة بدلاً من مطالبته بالتوافق مع التوقعات الواردة من مكان آخر. لا تتمتع بالتواجد الثقافي المنتشر في كل مكان للعناوين ذات التصنيف الأعلى في هذه الفئة، مما يعني أنها تصل دون ثقل المشاهدة الإلزامية. غالبًا ما يستجيب الجمهور الذي يكتشف Manhattan دون أن يتم إخباره بأنه يجب عليه رؤيته بقوة أكبر من أولئك الذين يتعاملون معه باعتباره التزامًا. لقد صنع Woody Allen شيئًا له جاذبية محددة - فهو لا يحاول أن يكون كل شيء للجميع. يميل المشاهدون الذين يتصلون بـ Manhattan إلى العثور عليه أفضل بكثير مما يقترحه تصنيف 7.7، ولهذا السبب يحمل هذا التصنيف على الرغم من الرؤية التسويقية المحدودة.
يعكس موقع Manhattan في هذا القسم من القائمة فيلمًا يقدم صفاته المحددة بشكل موثوق دون أن يطمح إلى أن يكون كل شيء للجميع. لقد فهم Woody Allen معنى الفيلم وصنعه على مستوى عالٍ من الحرفية. يمثل تصنيف 7.7 المشاهدين الذين تفاعلوا مع الفيلم بهذه الشروط ووجدوا أنه يستحق التقييم بدرجة عالية. المشاهدون الذين يجلبون توقعات مختلفة أحيانًا يجدون الفيلم أقل إرضاءً مما يوحي به التقييم - وهذا ليس ضعفًا في الفيلم ولكن في التوقع. Manhattan هو بالضبط ما هو عليه، وقد تم صنعه بمهارة، وكان الناخبون الذين قيموه يستجيبون لذلك.
Jaws
When the seaside community of Amity finds itself under attack by a dangerous great white shark, the town's chief of police, a young marine biologist, and a grizzled shark hunter embark on a desperate quest to kill the beast before it strikes again.
لماذا تشاهد: يوضح Jaws أن أفضل أفلام الإثارة تعمل من خلال ضبط النفس. يحجب Steven Spielberg أكبر قدر ممكن لأطول فترة ممكنة وتكون النتيجة أكثر فعالية من التصعيد التقليدي.
يسبق إصدار 1975 لـ Jaws عصر البث بالكامل. كل مشاهد قام بتقييم Jaws اكتشفه من خلال جهد متعمد - العرض المسرحي، أو الوسائط المادية، أو التوصية. يقوم جمهور Jaws بالاختيار الذاتي للمشاركة. يمثل Jaws في 7.7 الطبقة الموثوقة لهذه القائمة. هذه هي الأفلام التي لا تخيب. لقد فهم Steven Spielberg ما يجب أن يكون عليه الفيلم وقام بتنفيذه دون أي تنازلات. وتتجلى الحرفة في ما يحجبه المخرج. يتم نشر المعلومات بشكل استراتيجي، وكل كشف يعيد صياغة ما جاء قبله. تتم معايرة الأداء للإفصاح الخاضع للرقابة. إن تصنيف الأفلام من 1970s مقابل بعضها البعض يعد جزئيًا تمرينًا على تحديد ما نجا. نجا Jaws لأن Steven Spielberg قام باختياراته بناءً على الحرفية بدلاً من الاتجاه. يعكس تصنيف 7.7 الجماهير التي لا تزال تجد هذه الاختيارات صالحة.
تتم معايرة العروض في Jaws إلى سجل محدد أنشأه Steven Spielberg وصيانته طوال فترة الإنتاج. أدرك Roy Scheider أن المادة تتطلب التقليل من الأهمية بدلاً من التركيز. اللحظات الأكثر صعوبة في Jaws هي تلك التي يكون فيها أداء Roy Scheider أقل من الممثل الأقل مهارة. تعمل المجموعة بإيقاع يوحي بإعداد مكثف وليس مجرد الموهبة. تكشف المشاهد التي يتواجد فيها العديد من أعضاء فريق العمل عن ديناميكية تعاونية نادرة في الأفلام حيث يتم تقديم الأداء الفردي على حساب الحقيقة الجماعية.
يجب على المشاهدين الذين يشاهدون Jaws لأول مرة أن ينتبهوا بشكل خاص لكيفية معالجة Steven Spielberg للانتقالات بين المشاهد. المقاطع في Jaws ليست تقليدية - فهي تميل إلى التركيز على لحظات الشخصية بدلاً من إيقاع الحبكة، مما يعني أن إيقاع التحرير والإيقاع العاطفي للفيلم هما نفس الشيء. إذا بدا أن المشهد قد انتهى مبكرًا أو متأخرًا عما هو متوقع، فهذا التوقيت هو اختيار، وعادةً ما يخبرك بشيء محدد عن حالة الشخصية في تلك اللحظة. يعمل Roy Scheider ضمن هذا الإيقاع مع الأداء الجسدي الذي يكون أكثر وضوحًا في المشاهد التي تلي الأحداث الكبرى مباشرة - لقطات رد الفعل واللحظات الهادئة حيث تتعزز الشخصية بدلاً من التحرك للأمام. يعني سياق إنتاج 1975 أن هذه الاختيارات تم إجراؤها بدون شبكات الأمان الرقمية التي تسمح للأفلام المعاصرة بالتعديل بعد النشر. ما تراه هو ما قصده Steven Spielberg.
الأفلام التي تم وضعها في النطاق من أحد عشر إلى خمسة وعشرين في قوائم مثل هذه غالبًا ما تكون أكثر الاكتشافات فائدة لأنها تحمل جودة العشرة الأوائل دون الوزن الثقافي. Jaws في هذا الموقف ليس لأنه أسوأ بكثير من الإدخالات الموجودة فوقه ولكن لأن جاذبيته أكثر تركيزًا. المشاهدون الذين يتواصلون مع ما يفعله Steven Spielberg في Jaws يقيّمونه بدرجة عالية مثل أي فيلم في هذه القائمة. المتوسط عبر قاعدة أوسع من الناخبين يضعه هنا. يجب على المشاهدين الذين لديهم أسباب محددة للاعتقاد بأن هذا الفيلم مخصص لهم - بناءً على النوع المفضل أو اهتمامات المخرج أو العصر - إعطاء الأولوية له على العديد من الإدخالات التي تحتل مرتبة أعلى منه.
Giù la testa
At the beginning of the 1913 Mexican Revolution, greedy bandit Juan Miranda and idealist John H. Mallory, an Irish Republican Army explosives expert on the lam from the British, fall in with a band of revolutionaries plotting to strike a national bank. When it turns out that the government has been using the bank as a hiding place for illegally detained political prisoners -- who are freed by the blast -- Miranda becomes a revolutionary hero against his will.
لماذا تشاهد: فيلم يكافئ انتباه المريض. Sergio Leone لا يضيع أي مشهد، والاستثمار في Giù la testa يبدو مبررًا تمامًا.
وصل Giù la testa (1971) قبل أن يجعل الإنترنت كل فيلم متاحًا على الفور في كل مكان. يتطلب الوصول إلى الجماهير كلامًا شفهيًا حقيقيًا، وقد قام Giù la testa ببناء هذا الكلام الشفهي لأنه يقدم شيئًا حقيقيًا. يعني تصنيف 7.7 من مجموعة كبيرة من الناخبين أن الفيلم يتمتع بنقاط قوة حقيقية تفوق أي نقاط ضعف وجدها المشاهدون. يفي Giù la testa بوعده المركزي، وهو الحد الأدنى من المعايير التي يجب أن يفي بها أي فيلم ويكون تحقيقه أقل مما يقترحه عدد الإصدارات. يُظهر الفيلم فهم المخرج للحرفة: كيفية بناء المشاهد، وكيفية إيقاع المعلومات، وكيفية إنشاء حصص يهتم بها الجمهور. يكتسب Giù la testa مكانه في أي حساب لسينما 1970s لأنه يجسد شيئًا أنتجه العقد وفقدته العقود اللاحقة. الظروف الثقافية والتكنولوجية لصناعة الأفلام 1970s شكلت ما يمكن أن يفعله Sergio Leone هنا.
تم تصميم هيكل Giù la testa بحيث يخدم الإيقاع المعنى بدلاً من الاصطلاح. يقوم Sergio Leone بإجراء قطع في اللحظات التي تبدو غير متوقعة إلى حد ما، مما يبقي الجمهور في حالة من الاهتمام المتفاعل بدلاً من المشاهدة السلبية. الأفلام التي تقطع إيقاعًا واضحًا تصبح قابلة للتنبؤ بها. Giù la testa يقطع لحظات الشخصية، مما يعني أن إيقاع التحرير والإيقاع العاطفي هما نفس الشيء. والنتيجة هي فيلم تنقل فيه البنية نفسها شيئًا ما عن الحالات الداخلية للشخصيات. يجد المشاهدون الذين تم تخديرهم بالتحرير التقليدي أن Giù la testa مربكًا بطريقة منتجة.
سيجد المشاهدون الذين شاهدوا الأفلام التي تأثرت بـ Giù la testa أن مشاهدة الفيلم الأصلي تجربة مختلفة عن مشاهدة فيلم معاصر. التقنيات التي تبدو مألوفة لأنه تم نسخها على نطاق واسع مرئية هنا في شكلها الأصلي، والذي غالبًا ما يكشف أن النسخ فهمت سطح ما فعله Sergio Leone دون فهم السبب وراء ذلك. يستخدم Giù la testa اختياراته الأسلوبية لخدمة أهداف محددة لسرد القصص. غالبًا ما استخدمتها الأفلام اللاحقة التي استعارت هذه الاختيارات كأسلوب بدون الوظيفة. توضح مشاهدة النسخة الأصلية ما تم إنجازه بالفعل. يتمتع عمل Rod Steiger هنا أيضًا بخصوصية تفتقر إليها العديد من العروض المستوحاة منه - حيث استحوذت التقليد على الطريقة دون الطابع الداخلي الذي جعل الطريقة تعني شيئًا ما.
يمثل Giù la testa الموجود في هذا الموضع من القائمة فيلمًا حقق جودة حقيقية وتقديرًا مستدامًا دون أن يصبح نصبًا ثقافيًا. تتمثل ميزة هذا الموقف في أن أداء Rod Steiger وحرفة Sergio Leone متاحان لمواجهتهما حديثًا وليس من خلال مرشح المناقشة المسبقة الشاملة. من السهل رؤية الأشياء المحددة التي تجعل هذا الفيلم يستحق المشاهدة - والتي تصفها الملاحظات التحريرية أعلاه - عندما لا تتوقع تأكيد السمعة. التصنيف في القسم الأوسط من هذه القائمة ليس تخفيضًا للرتبة. إنه وصف لفيلم ممتاز لجمهوره المحدد.
The Warriors
Prominent gang leader Cyrus calls a meeting of New York's gangs to set aside their turf wars and take over the city. At the meeting, a rival leader kills Cyrus, but a Coney Island gang called the Warriors is wrongly blamed for Cyrus' death. Before you know it, the cops and every gangbanger in town is hot on the Warriors' trail.
لماذا تشاهد: يكسب The Warriors توتره بأمانة - فالضغط يأتي من الموقف والشخصية وليس من المفاجأة المصطنعة. يثق Walter Hill في أن الجمهور سيشعر بالمخاطر.
تم إصدار The Warriors في 1979، وتم إنتاجه في عصر كانت فيه العروض المسرحية تحدد ما إذا كان الفيلم سيبقى على قيد الحياة أم لا. لقد صنعت Walter Hill شيئًا نجا، وتصنيف 7.7 الذي تحمله اليوم هو دليل على قوة بقائها. تم إنشاء نتيجة 7.7 لـ The Warriors من المشاهدين الذين لديهم بدائل واختاروا تقييم هذا بدرجة عالية. يعكس هذا الاختيار فيلمًا أوضح قضيته - وهو بالضبط ما يفعله The Warriors. قدم Walter Hill الحجة وقبلها الجمهور. ما يجعل الفيلم يعمل كفيلم تشويق هو إدراك أن المخاطر تتطلب الاستثمار. الفعل الأول يبني الشخصية قبل وصول الضغط. وبحلول الوقت الذي يتصاعد فيه التوتر، يكون لديك أسباب تجعلك تهتم بالنتيجة. كل عقد من الزمان يُنتج أفلامًا تبدو ضرورية في ذلك الوقت ثم تتلاشى. ينتمي The Warriors إلى الفئة الأصغر - حيث لا تزال أفلام 1970s تحظى بتقدير عالٍ من قبل المشاهدين الذين ليس لديهم حنين إلى تلك الحقبة. إن هذه الجودة عبر الأجيال هي الاختبار الحقيقي.
تم إنشاء البيئة الصوتية لـ The Warriors بشكل متعمد مثل البيئة المرئية. تدرك Walter Hill أن تصميم الصوت والنتيجة يعملان دون مستوى الاهتمام الواعي، مما يشكل الاستجابة العاطفية قبل أن يتمكن الجمهور من تحليل ما يحدث. تستخدم التسلسلات الأكثر هدوءًا في The Warriors الصوت المحيط لإنشاء الحضور بدلاً من الغياب. تستخدم التسلسلات المسجلة الموسيقى التي تستجيب للشخصية بدلاً من الإشارة إلى ما يجب أن يشعر به الجمهور. يعمل Michael Beck في هذه البيئة الصوتية بأداء مادي يفسر كيفية تجربة المشهد سمعيًا وبصريًا. ينتج عن هذا المزيج شيئًا يعمل على الجمهور وليس فقط عليهم.
يناسب The Warriors المشاهدين الذين لا يبحثون عادةً عن أفلام من هذا العصر أو هذا النوع. إن الصفات التي أكسبته تصنيف 7.7 ليست خاصة بنوع معين أو بفترة زمنية محددة - إنها الصفات التي تجعل أي فيلم ممتازًا: السرد الواضح للقصص، والأداء المقنع، والإخراج الذي يخدم المادة بدلاً من عرض نفسه. المشاهدون الذين يتعاملون مع The Warriors كفيلم وليس كقطعة أثرية ثقافية يميلون إلى الحصول على أقوى الاستجابات. إن الثقل الثقافي الذي تراكم منذ إطلاقه يمكن أن يخلق مسافة بدلاً من الوصول. الإطار الأكثر فائدة هو ببساطة: هذا فيلم جيد الصنع عن أشخاص محددين في موقف معين. كل شيء آخر يأتي من مشاهدة ذلك باهتمام. يقوم Walter Hill وMichael Beck بالعمل؛ مهمة المشاهد هي أن يكون حاضرا لذلك.
تم الحصول على تصنيف 7.7 الذي يضع The Warriors في هذا القسم من القائمة من المشاهدين الذين تمكنوا من الوصول إلى كل شيء تم تصنيفه فوقه. لقد قاموا بتقييم هذا الفيلم بعد رؤية تلك العناوين أو معرفتها. يعكس قرارهم بمنح The Warriors درجة عالية تقديرًا حقيقيًا لما حققه Walter Hill هنا - وهو شيء مختلف عن الإدخالات العشرة الأولى وليس أدنى منها. نطاق الجودة في قائمة مثل هذه أضيق مما يقترحه نطاق المواضع. الفرق بين الموضع الثامن والموضع الثامن عشر هو جزئيًا اختلاف في مدى تحديد الاستئناف. The Warriors ممتاز على وجه التحديد وليس ممتازًا على نطاق واسع. بالنسبة للمشاهد المناسب، هذه الخصوصية هي أحد الأصول.
أفضل سينما تكافئ انتباهك. لقد حصل كل فيلم هنا على الوقت الذي يحتاجه.
All the President's Men
During the 1972 elections, two reporters' investigation sheds light on the controversial Watergate scandal that compels President Nixon to resign from his post.
لماذا تشاهد: حرفة الإثارة في أفضل حالاتها تعني أن الجمهور يشعر بالرهبة قبل حدوث أي شيء واضح. يحقق Alan J. Pakula ذلك في All the President's Men من خلال التحكم في المعلومات والتوقيت.
يعود تاريخ All the President's Men إلى 1976، مما يعني أنه تم اختباره بواسطة أجيال متعددة من المشاهدين. إن حقيقة أن All the President's Men لا يزال يحتل مرتبة عالية يعكس الحرفية الحقيقية وليس الحنين إلى الماضي. All the President's Men في 7.7 هو فيلم تكون فيه المركبة دائمًا أعلى من المتوسط عبر أبعاد متعددة. لا يوجد عنصر واحد يحمل العناصر الأخرى. الاتجاه والكتابة والأداء كلها تسير في نفس الاتجاه. ينتمي هذا إلى فئة أفلام الإثارة حيث يكون التوتر نفسيًا وليس جسديًا. يثق المخرج في أن الجمهور سيشعر بالضغط دون أن يظهر له خطر واضح. والنتيجة هي أكثر إثارة للقلق من آليات الإثارة التقليدية. سياق 1970s لـ All the President's Men ليس عرضيًا. الظروف الجمالية المحددة للعقد - ما سمحت به التكنولوجيا، وما تطلبته الثقافة - شكلت الاختيارات التي قام بها Alan J. Pakula هنا. هذه الاختيارات تصمد بشكل مستقل عن لحظتها.
تعكس اللغة المرئية لـ All the President's Men صناعة الأفلام في 1976 في أفضل حالاتها. عملت Alan J. Pakula ضمن القيود الفنية التي تطلبت التركيب والإضاءة لتحمل الثقل العاطفي الذي تفريغه الإنتاجات الحديثة إلى مرحلة ما بعد الإنتاج. تم تصميم كل إطار في All the President's Men بدلاً من تعديله. والنتيجة هي تماسك بصري نادرًا ما تحققه الأفلام المعاصرة، بخياراتها غير المحدودة في مرحلة ما بعد الإنتاج. إن مشاهدة All the President's Men مع الانتباه إلى كيفية تكوين اللقطات يكشف عن مخرج سينمائي أدرك أن الكاميرا لا تسجل شيئًا ما فحسب، بل إنها تثير جدلًا حول كيفية رؤيته.
يجب على مشاهدي All the President's Men لأول مرة الدخول بأقل قدر ممكن من المعرفة المسبقة. تمت مناقشة الفيلم والإشارة إليه على نطاق واسع لدرجة أنه من السهل التوصل إلى توقعات تشكلها ردود أفعال الآخرين بدلاً من الفيلم نفسه. التجربة الفعلية لمشاهدة All the President's Men لأول مرة، دون معرفة ما سيأتي بالضبط، تختلف بشكل كبير عن مشاهدته بالكمية المعروفة. إذا لم تكن قد رأيت ذلك بعد، فهذه ميزة تستحق الحفاظ عليها. يجد المشاهدون العائدون أن All the President's Men يتغير عند إعادة المشاهدة - ليس لأن الفيلم يتغير، ولكن لأن معرفة النتيجة يغير التفاصيل التي تلاحظها وما تفعله المشاهد المبكرة بالفعل. يبدو بناء الفصل الأول في Alan J. Pakula مختلفًا بمجرد أن تعرف أين ينتهي. يحمل أداء Robert Redford في المشاهد الأولى معلومات لا يمكن قراءتها إلا عند المشاهدة الثانية.
يقع All the President's Men ضمن النطاق الحادي عشر إلى الخامس والعشرين في هذه القائمة، ويحتل المنطقة التي تكون فيها الجودة متسقة ولكن الفيلم لم يحقق التشبع الثقافي للعشرة الأوائل. يتمتع هذا الموضع بميزة بالنسبة للمشاهدين الجدد: حيث يصل All the President's Men دون ضغط المشاهدة الإلزامي المرتبط بالعناوين ذات التصنيف الأعلى. يمكن مواجهة الفيلم بشروطه الخاصة وليس في مواجهة ثقل ردود أفعال الآخرين. إن عمل Alan J. Pakula هنا قوي بما يكفي للوقوف في وجه أفضل عشرة إدخالات ومختلف بما يكفي لتقديم شيء لا تقدمه تلك العناوين. غالبًا ما تكون الصفات المحددة التي تضع All the President's Men هنا وليس أعلى هي الصفات التي تجعله أكثر إثارة للاهتمام للمشاهدين الذين شاهدوا بالفعل العناوين الموصى بها على نطاق أوسع.
La Planète sauvage
On the planet Ygam, the Draags, extremely technologically and spiritually advanced blue humanoids, consider the tiny Oms, human beings descendants of Terra's inhabitants, as ignorant animals. Those who live in slavery are treated as simple pets and used to entertain Draag children; those who live hidden in the hostile wilderness of the planet are periodically hunted and ruthlessly slaughtered as if they were vermin.
لماذا تشاهد: المنطق الداخلي لـ La Planète sauvage ثابت طوال الوقت. يلتزم René Laloux بالفرضية ويتبعها - مما يتيح للجمهور التفاعل مع الأفكار بدلاً من الدفاع ضد التناقض.
يسبق إصدار 1973 لـ La Planète sauvage عصر البث بالكامل. كل مشاهد قام بتقييم La Planète sauvage اكتشفه من خلال جهد متعمد - العرض المسرحي، أو الوسائط المادية، أو التوصية. يقوم جمهور La Planète sauvage بالاختيار الذاتي للمشاركة. غالبًا ما تكون الأفلام الموجودة في النطاق 7.6 أكثر إثارة للاهتمام مما يوحي به موقعها في القائمة. لم يحققوا التشبع الثقافي للعناوين ذات التصنيف الأعلى، مما يعني أن La Planète sauvage أسهل في التعامل معها دون تصورات مسبقة. يستفيد La Planète sauvage من ذلك. يرتكز الخيال العلمي على منظور الشخصية. يقوم المخرج بتصفية العناصر التأملية من خلال كيفية تأثيرها على بطل الرواية، مما يعني أن الملخص يصبح ملموسًا ومقروءًا عاطفيًا. لقد نجت الأفلام من 1970s التي لا تزال في معدل 7.6 اليوم من اختبار أطول من أي وجوه إصدار معاصرة. اجتاز La Planète sauvage هذا الاختبار لأن جوهره - رواية القصص والعروض والحرف - يعمل دون الحاجة إلى عصره.
يوضح سيناريو La Planète sauvage شيئًا لا تحققه معظم الأفلام: كل مشهد يقوم بشيئين في وقت واحد. العمل السطحي يطور الحبكة. النص الفرعي يتقدم الشخصية. عملت René Laloux مع المواد التي وثقت في قدرة الجمهور على تسجيل ما لم يُقال بوضوح مثل ما قيل. يقدم Gérard Hernandez سطورًا تعني أشياء مختلفة اعتمادًا على ما تعرفه في تلك المرحلة من الفيلم. يختبر المشاهدون لأول مرة فيلمًا واحدًا. المشاهدون الذين يعرفون النهاية يختبرون تجربة أخرى. يكون هذا التطور الهيكلي أكثر وضوحًا في La Planète sauvage عندما تنتبه إلى ما تتجنب الشخصيات قوله بشكل مباشر باستمرار.
يناسب La Planète sauvage المشاهدين الذين لا يبحثون عادةً عن أفلام من هذا العصر أو هذا النوع. إن الصفات التي أكسبته تصنيف 7.6 ليست خاصة بنوع معين أو بفترة زمنية محددة - إنها الصفات التي تجعل أي فيلم ممتازًا: السرد الواضح للقصص، والأداء المقنع، والإخراج الذي يخدم المادة بدلاً من عرض نفسه. المشاهدون الذين يتعاملون مع La Planète sauvage كفيلم وليس كقطعة أثرية ثقافية يميلون إلى الحصول على أقوى الاستجابات. إن الثقل الثقافي الذي تراكم منذ إطلاقه يمكن أن يخلق مسافة بدلاً من الوصول. الإطار الأكثر فائدة هو ببساطة: هذا فيلم جيد الصنع عن أشخاص محددين في موقف معين. كل شيء آخر يأتي من مشاهدة ذلك باهتمام. يقوم René Laloux وGérard Hernandez بالعمل؛ مهمة المشاهد هي أن يكون حاضرا لذلك.
يتم تصنيف La Planète sauvage في القسم الأوسط من هذه القائمة لأن جاذبيته محددة وليست عالمية - والجاذبية المحددة، التي يتم تقييمها بأمانة، تنتج تقييمًا متوسطًا أقل من الجاذبية الواسعة حتى عندما يكون الفيلم ممتازًا للمشاهد المناسب. اتخذ René Laloux اختيارات يجدها بعض المشاهدين مقنعة والبعض الآخر يجدها صعبة. يعكس تصنيف 7.6 تلك الاستجابة المختلطة ولكن الإيجابية في نهاية المطاف من قاعدة الناخبين التي شملت كلا المجموعتين. عادةً ما يجد المشاهدون الذين تتوافق تفضيلاتهم مع أسلوب René Laloux في التعامل مع هذه المادة أن La Planète sauvage من بين أقوى الإدخالات في القائمة. إن تصنيفها في السياق وليس في عزلة ينتج عنه انطباع مختلف عما يوحي به الرقم وحده.
Harold and Maude
A deadpan young man obsessed with death meets an eccentric septuagenarian who teaches him to live life to the fullest.
لماذا تشاهد: هذا النوع من الدراما الذي يبقى معك لفترة طويلة بعد الاعتمادات. يجلب Hal Ashby الصبر إلى المواد التي ترفعها فوق السعر القياسي.
وصل Harold and Maude (1971) قبل أن يجعل الإنترنت كل فيلم متاحًا على الفور في كل مكان. يتطلب الوصول إلى الجماهير كلامًا شفهيًا حقيقيًا، وقد قام Harold and Maude ببناء هذا الكلام الشفهي لأنه يقدم شيئًا حقيقيًا. يعكس تصنيف 7.6 التوجيه والكتابة والأداء الذي يعمل بمستويات ثابتة في وقت واحد. نادرًا ما تفشل الأفلام التي تسجل في هذا النطاق بشكل ملحوظ في أي بُعد منفرد، وHarold and Maude ليس استثناءً. يعمل المخرج بصبر لا تستطيع معظم الدراما المعاصرة تحمله. يُسمح للمشاهد بالمرور إلى ما بعد نقطة النهاية الواضحة، وإيجاد الحقيقة فيما تفعله الشخصيات بعد أن تقول ما جاءت لتقوله. يفهم طاقم الممثلين هذا الإيقاع. في سياق السينما 1970s بشكل عام، يمثل Harold and Maude ما ساهم به العقد ولم تفعله العقود السابقة واللاحقة. أنتجت الظروف المحددة لصناعة الأفلام 1970s - الميزانيات والتكنولوجيا والسياق الثقافي - شيئًا هنا لا يمكن أن يأتي إلا من تلك اللحظة.
تتم معايرة العروض في Harold and Maude إلى سجل محدد أنشأه Hal Ashby وصيانته طوال فترة الإنتاج. أدرك Ruth Gordon أن المادة تتطلب التقليل من الأهمية بدلاً من التركيز. اللحظات الأكثر صعوبة في Harold and Maude هي تلك التي يكون فيها أداء Ruth Gordon أقل من الممثل الأقل مهارة. تعمل المجموعة بإيقاع يوحي بإعداد مكثف وليس مجرد الموهبة. تكشف المشاهد التي يتواجد فيها العديد من أعضاء فريق العمل عن ديناميكية تعاونية نادرة في الأفلام حيث يتم تقديم الأداء الفردي على حساب الحقيقة الجماعية.
Harold and Maude عبارة عن توصية موثوقة للمشاهدين الذين يرغبون في مشاهدة فيلم وفقًا لشروطه الخاصة بدلاً من مطالبته بالتوافق مع التوقعات الواردة من مكان آخر. لا تتمتع بالتواجد الثقافي المنتشر في كل مكان للعناوين ذات التصنيف الأعلى في هذه الفئة، مما يعني أنها تصل دون ثقل المشاهدة الإلزامية. غالبًا ما يستجيب الجمهور الذي يكتشف Harold and Maude دون أن يتم إخباره بأنه يجب عليه رؤيته بقوة أكبر من أولئك الذين يتعاملون معه باعتباره التزامًا. لقد صنع Hal Ashby شيئًا له جاذبية محددة - فهو لا يحاول أن يكون كل شيء للجميع. يميل المشاهدون الذين يتصلون بـ Harold and Maude إلى العثور عليه أفضل بكثير مما يقترحه تصنيف 7.6، ولهذا السبب يحمل هذا التصنيف على الرغم من الرؤية التسويقية المحدودة.
يعكس موقع Harold and Maude في هذا القسم من القائمة فيلمًا يقدم صفاته المحددة بشكل موثوق دون أن يطمح إلى أن يكون كل شيء للجميع. لقد فهم Hal Ashby معنى الفيلم وصنعه على مستوى عالٍ من الحرفية. يمثل تصنيف 7.6 المشاهدين الذين تفاعلوا مع الفيلم بهذه الشروط ووجدوا أنه يستحق التقييم بدرجة عالية. المشاهدون الذين يجلبون توقعات مختلفة أحيانًا يجدون الفيلم أقل إرضاءً مما يوحي به التقييم - وهذا ليس ضعفًا في الفيلم ولكن في التوقع. Harold and Maude هو بالضبط ما هو عليه، وقد تم صنعه بمهارة، وكان الناخبون الذين قيموه يستجيبون لذلك.
Being There
A simple-minded gardener named Chance has spent all his life in the Washington D.C. house of an old man. When the man dies, Chance is put out on the street with no knowledge of the world except what he has learned from television.
لماذا تشاهد: Being There هي الدراما التي تثق بالصمت. يمنح Hal Ashby المشاهد مجالًا للتنفس بعد نقطة النهاية الواضحة، وإيجاد شيء حقيقي فيما تفعله الشخصيات عندما تتوقف عن الأداء.
تم إصدار Being There في 1979، وتم إنتاجه في عصر كانت فيه العروض المسرحية تحدد ما إذا كان الفيلم سيبقى على قيد الحياة أم لا. لقد صنعت Hal Ashby شيئًا نجا، وتصنيف 7.6 الذي تحمله اليوم هو دليل على قوة بقائها. النتيجة 7.6 لـ Being There تضعه بين الأفلام التي تقدم فكرتها دون نقاط ضعف كبيرة. لقد صنع Hal Ashby شيئًا يعمل على النحو المنشود طوال الوقت، وهو أقل شيوعًا مما يبدو. الدراما تأتي من الخصوصية وليس من العالمية. يتخذ المخرج اختيارات تنطبق تحديدًا على هذه الشخصيات في هذا الموقف، الأمر الذي يخلق للمفارقة شيئًا أكثر عالمية من الإيقاعات العاطفية العامة. أنتج 1970s العديد من الأفلام. الأشخاص الذين بقوا في قوائم مثل هذه بعد عقود هم أولئك الذين فهموا شيئًا حقيقيًا عن الناس وليس فقط عن اللحظة. Being There موجود هنا لأنه فهم شيئًا دائمًا.
تم تصميم هيكل Being There بحيث يخدم الإيقاع المعنى بدلاً من الاصطلاح. يقوم Hal Ashby بإجراء قطع في اللحظات التي تبدو غير متوقعة إلى حد ما، مما يبقي الجمهور في حالة من الاهتمام المتفاعل بدلاً من المشاهدة السلبية. الأفلام التي تقطع إيقاعًا واضحًا تصبح قابلة للتنبؤ بها. Being There يقطع لحظات الشخصية، مما يعني أن إيقاع التحرير والإيقاع العاطفي هما نفس الشيء. والنتيجة هي فيلم تنقل فيه البنية نفسها شيئًا ما عن الحالات الداخلية للشخصيات. يجد المشاهدون الذين تم تخديرهم بالتحرير التقليدي أن Being There مربكًا بطريقة منتجة.
يجب على المشاهدين الذين يشاهدون Being There لأول مرة أن ينتبهوا بشكل خاص لكيفية معالجة Hal Ashby للانتقالات بين المشاهد. المقاطع في Being There ليست تقليدية - فهي تميل إلى التركيز على لحظات الشخصية بدلاً من إيقاع الحبكة، مما يعني أن إيقاع التحرير والإيقاع العاطفي للفيلم هما نفس الشيء. إذا بدا أن المشهد قد انتهى مبكرًا أو متأخرًا عما هو متوقع، فهذا التوقيت هو اختيار، وعادةً ما يخبرك بشيء محدد عن حالة الشخصية في تلك اللحظة. يعمل Peter Sellers ضمن هذا الإيقاع مع الأداء الجسدي الذي يكون أكثر وضوحًا في المشاهد التي تلي الأحداث الكبرى مباشرة - لقطات رد الفعل واللحظات الهادئة حيث تتعزز الشخصية بدلاً من التحرك للأمام. يعني سياق إنتاج 1979 أن هذه الاختيارات تم إجراؤها بدون شبكات الأمان الرقمية التي تسمح للأفلام المعاصرة بالتعديل بعد النشر. ما تراه هو ما قصده Hal Ashby.
الأفلام التي تم وضعها في النطاق من أحد عشر إلى خمسة وعشرين في قوائم مثل هذه غالبًا ما تكون أكثر الاكتشافات فائدة لأنها تحمل جودة العشرة الأوائل دون الوزن الثقافي. Being There في هذا الموقف ليس لأنه أسوأ بكثير من الإدخالات الموجودة فوقه ولكن لأن جاذبيته أكثر تركيزًا. المشاهدون الذين يتواصلون مع ما يفعله Hal Ashby في Being There يقيّمونه بدرجة عالية مثل أي فيلم في هذه القائمة. المتوسط عبر قاعدة أوسع من الناخبين يضعه هنا. يجب على المشاهدين الذين لديهم أسباب محددة للاعتقاد بأن هذا الفيلم مخصص لهم - بناءً على النوع المفضل أو اهتمامات المخرج أو العصر - إعطاء الأولوية له على العديد من الإدخالات التي تحتل مرتبة أعلى منه.
Le locataire
A quiet and inconspicuous man rents an apartment in Paris where he finds himself drawn into a rabbit hole of dangerous paranoia.
لماذا تشاهد: حرفة الإثارة في أفضل حالاتها تعني أن الجمهور يشعر بالرهبة قبل حدوث أي شيء واضح. يحقق Roman Polanski ذلك في Le locataire من خلال التحكم في المعلومات والتوقيت.
يعود تاريخ Le locataire إلى 1976، مما يعني أنه تم اختباره بواسطة أجيال متعددة من المشاهدين. إن حقيقة أن Le locataire لا يزال يحتل مرتبة عالية يعكس الحرفية الحقيقية وليس الحنين إلى الماضي. في 7.6، يقع Le locataire في نطاق تكون فيه الجودة متسقة ولكن الفيلم لم يحقق الإجماع الواسع للعناوين ذات التصنيف الأعلى. غالبًا ما يعكس هذا الإجماع الضيق جاذبية محددة - Le locataire ليس مناسبًا للجميع، ولكنه ممتاز للمشاهد المناسب. ينتمي هذا إلى فئة أفلام الإثارة حيث يكون التوتر نفسيًا وليس جسديًا. يثق المخرج في أن الجمهور سيشعر بالضغط دون أن يظهر له خطر واضح. والنتيجة هي أكثر إثارة للقلق من آليات الإثارة التقليدية. كانت 1970s لحظة ثقافية محددة ذات اهتمامات محددة وأساليب جمالية محددة. يعكس Le locataire تلك الشروط بينما يتجاوزها - إنه فيلم 1970s ولا يتطلب منك فهم 1970s لتقديره.
تم إنشاء البيئة الصوتية لـ Le locataire بشكل متعمد مثل البيئة المرئية. تدرك Roman Polanski أن تصميم الصوت والنتيجة يعملان دون مستوى الاهتمام الواعي، مما يشكل الاستجابة العاطفية قبل أن يتمكن الجمهور من تحليل ما يحدث. تستخدم التسلسلات الأكثر هدوءًا في Le locataire الصوت المحيط لإنشاء الحضور بدلاً من الغياب. تستخدم التسلسلات المسجلة الموسيقى التي تستجيب للشخصية بدلاً من الإشارة إلى ما يجب أن يشعر به الجمهور. يعمل Roman Polanski في هذه البيئة الصوتية بأداء مادي يفسر كيفية تجربة المشهد سمعيًا وبصريًا. ينتج عن هذا المزيج شيئًا يعمل على الجمهور وليس فقط عليهم.
سيجد المشاهدون الذين شاهدوا الأفلام التي تأثرت بـ Le locataire أن مشاهدة الفيلم الأصلي تجربة مختلفة عن مشاهدة فيلم معاصر. التقنيات التي تبدو مألوفة لأنه تم نسخها على نطاق واسع مرئية هنا في شكلها الأصلي، والذي غالبًا ما يكشف أن النسخ فهمت سطح ما فعله Roman Polanski دون فهم السبب وراء ذلك. يستخدم Le locataire اختياراته الأسلوبية لخدمة أهداف محددة لسرد القصص. غالبًا ما استخدمتها الأفلام اللاحقة التي استعارت هذه الاختيارات كأسلوب بدون الوظيفة. توضح مشاهدة النسخة الأصلية ما تم إنجازه بالفعل. يتمتع عمل Roman Polanski هنا أيضًا بخصوصية تفتقر إليها العديد من العروض المستوحاة منه - حيث استحوذت التقليد على الطريقة دون الطابع الداخلي الذي جعل الطريقة تعني شيئًا ما.
يمثل Le locataire الموجود في هذا الموضع من القائمة فيلمًا حقق جودة حقيقية وتقديرًا مستدامًا دون أن يصبح نصبًا ثقافيًا. تتمثل ميزة هذا الموقف في أن أداء Roman Polanski وحرفة Roman Polanski متاحان لمواجهتهما حديثًا وليس من خلال مرشح المناقشة المسبقة الشاملة. من السهل رؤية الأشياء المحددة التي تجعل هذا الفيلم يستحق المشاهدة - والتي تصفها الملاحظات التحريرية أعلاه - عندما لا تتوقع تأكيد السمعة. التصنيف في القسم الأوسط من هذه القائمة ليس تخفيضًا للرتبة. إنه وصف لفيلم ممتاز لجمهوره المحدد.
Kramer vs. Kramer
Ted Kramer is a career man for whom his work comes before his family. His wife Joanna cannot take this anymore, so she decides to leave him. Ted is now faced with the tasks of housekeeping and taking care of himself and their young son Billy.
لماذا تشاهد: يقترب Robert Benton من Kramer vs. Kramer بالصبر الذي تتطلبه الدراما الجيدة ونادرا ما تحصل عليه. والنتيجة هي فيلم يكسب لحظاته العاطفية بدلاً من جدولتها.
يسبق إصدار 1979 لـ Kramer vs. Kramer عصر البث بالكامل. كل مشاهد قام بتقييم Kramer vs. Kramer اكتشفه من خلال جهد متعمد - العرض المسرحي، أو الوسائط المادية، أو التوصية. يقوم جمهور Kramer vs. Kramer بالاختيار الذاتي للمشاركة. يمثل Kramer vs. Kramer في 7.6 الطبقة الموثوقة لهذه القائمة. هذه هي الأفلام التي لا تخيب. لقد فهم Robert Benton ما يجب أن يكون عليه الفيلم وقام بتنفيذه دون أي تنازلات. وما يميز هذه الدراما هو رفض المخرج شرح ما يمكن أن يشعر به الجمهور. يخلق الفيلم مواقف ذات ثقل عاطفي ثم يثق في أن المشاهدين سيتحملون هذا الثقل بأنفسهم. توفر العروض السجل العاطفي دون الإفراط في الإشارة. إن تصنيف الأفلام من 1970s مقابل بعضها البعض يعد جزئيًا تمرينًا على تحديد ما نجا. نجا Kramer vs. Kramer لأن Robert Benton قام باختياراته بناءً على الحرفية بدلاً من الاتجاه. يعكس تصنيف 7.6 الجماهير التي لا تزال تجد هذه الاختيارات صالحة.
تعكس اللغة المرئية لـ Kramer vs. Kramer صناعة الأفلام في 1979 في أفضل حالاتها. عملت Robert Benton ضمن القيود الفنية التي تطلبت التركيب والإضاءة لتحمل الثقل العاطفي الذي تفريغه الإنتاجات الحديثة إلى مرحلة ما بعد الإنتاج. تم تصميم كل إطار في Kramer vs. Kramer بدلاً من تعديله. والنتيجة هي تماسك بصري نادرًا ما تحققه الأفلام المعاصرة، بخياراتها غير المحدودة في مرحلة ما بعد الإنتاج. إن مشاهدة Kramer vs. Kramer مع الانتباه إلى كيفية تكوين اللقطات يكشف عن مخرج سينمائي أدرك أن الكاميرا لا تسجل شيئًا ما فحسب، بل إنها تثير جدلًا حول كيفية رؤيته.
يناسب Kramer vs. Kramer المشاهدين الذين لا يبحثون عادةً عن أفلام من هذا العصر أو هذا النوع. إن الصفات التي أكسبته تصنيف 7.6 ليست خاصة بنوع معين أو بفترة زمنية محددة - إنها الصفات التي تجعل أي فيلم ممتازًا: السرد الواضح للقصص، والأداء المقنع، والإخراج الذي يخدم المادة بدلاً من عرض نفسه. المشاهدون الذين يتعاملون مع Kramer vs. Kramer كفيلم وليس كقطعة أثرية ثقافية يميلون إلى الحصول على أقوى الاستجابات. إن الثقل الثقافي الذي تراكم منذ إطلاقه يمكن أن يخلق مسافة بدلاً من الوصول. الإطار الأكثر فائدة هو ببساطة: هذا فيلم جيد الصنع عن أشخاص محددين في موقف معين. كل شيء آخر يأتي من مشاهدة ذلك باهتمام. يقوم Robert Benton وDustin Hoffman بالعمل؛ مهمة المشاهد هي أن يكون حاضرا لذلك.
تم الحصول على تصنيف 7.6 الذي يضع Kramer vs. Kramer في هذا القسم من القائمة من المشاهدين الذين تمكنوا من الوصول إلى كل شيء تم تصنيفه فوقه. لقد قاموا بتقييم هذا الفيلم بعد رؤية تلك العناوين أو معرفتها. يعكس قرارهم بمنح Kramer vs. Kramer درجة عالية تقديرًا حقيقيًا لما حققه Robert Benton هنا - وهو شيء مختلف عن الإدخالات العشرة الأولى وليس أدنى منها. نطاق الجودة في قائمة مثل هذه أضيق مما يقترحه نطاق المواضع. الفرق بين الموضع الثامن والموضع الثامن عشر هو جزئيًا اختلاف في مدى تحديد الاستئناف. Kramer vs. Kramer ممتاز على وجه التحديد وليس ممتازًا على نطاق واسع. بالنسبة للمشاهد المناسب، هذه الخصوصية هي أحد الأصول.
Lo chiamavano Trinità...
The simple story has the pair coming to the rescue of peace-loving Mormons when land-hungry Major Harriman sends his bullies to harass them into giving up their fertile valley. Trinity and Bambino manage to save the Mormons and send the bad guys packing with slapstick humor instead of excessive violence, saving the day.
لماذا تشاهد: العمل وضعت مع وضوح الجغرافيا. يدرك Enzo Barboni أن أفضل التسلسلات تعمل لأنك تعرف دائمًا مكان وجود الجميع.
وصل Lo chiamavano Trinità... (1970) قبل أن يجعل الإنترنت كل فيلم متاحًا على الفور في كل مكان. يتطلب الوصول إلى الجماهير كلامًا شفهيًا حقيقيًا، وقد قام Lo chiamavano Trinità... ببناء هذا الكلام الشفهي لأنه يقدم شيئًا حقيقيًا. يعني تصنيف 7.6 من مجموعة كبيرة من الناخبين أن الفيلم يتمتع بنقاط قوة حقيقية تفوق أي نقاط ضعف وجدها المشاهدون. يفي Lo chiamavano Trinità... بوعده المركزي، وهو الحد الأدنى من المعايير التي يجب أن يفي بها أي فيلم ويكون تحقيقه أقل مما يقترحه عدد الإصدارات. يحل المخرج المشكلة الأساسية لسينما الحركة: يجعلك تهتم بالنتيجة قبل أن يعرض لك الحدث. تعمل التسلسلات لأن الوضوح الجغرافي يعني أنك تعرف دائمًا من هو وأين وما يتطلبه النجاح. يكتسب Lo chiamavano Trinità... مكانه في أي حساب لسينما 1970s لأنه يجسد شيئًا أنتجه العقد وفقدته العقود اللاحقة. الظروف الثقافية والتكنولوجية لصناعة الأفلام 1970s شكلت ما يمكن أن يفعله Enzo Barboni هنا.
يوضح سيناريو Lo chiamavano Trinità... شيئًا لا تحققه معظم الأفلام: كل مشهد يقوم بشيئين في وقت واحد. العمل السطحي يطور الحبكة. النص الفرعي يتقدم الشخصية. عملت Enzo Barboni مع المواد التي وثقت في قدرة الجمهور على تسجيل ما لم يُقال بوضوح مثل ما قيل. يقدم Terence Hill سطورًا تعني أشياء مختلفة اعتمادًا على ما تعرفه في تلك المرحلة من الفيلم. يختبر المشاهدون لأول مرة فيلمًا واحدًا. المشاهدون الذين يعرفون النهاية يختبرون تجربة أخرى. يكون هذا التطور الهيكلي أكثر وضوحًا في Lo chiamavano Trinità... عندما تنتبه إلى ما تتجنب الشخصيات قوله بشكل مباشر باستمرار.
يجب على مشاهدي Lo chiamavano Trinità... لأول مرة الدخول بأقل قدر ممكن من المعرفة المسبقة. تمت مناقشة الفيلم والإشارة إليه على نطاق واسع لدرجة أنه من السهل التوصل إلى توقعات تشكلها ردود أفعال الآخرين بدلاً من الفيلم نفسه. التجربة الفعلية لمشاهدة Lo chiamavano Trinità... لأول مرة، دون معرفة ما سيأتي بالضبط، تختلف بشكل كبير عن مشاهدته بالكمية المعروفة. إذا لم تكن قد رأيت ذلك بعد، فهذه ميزة تستحق الحفاظ عليها. يجد المشاهدون العائدون أن Lo chiamavano Trinità... يتغير عند إعادة المشاهدة - ليس لأن الفيلم يتغير، ولكن لأن معرفة النتيجة يغير التفاصيل التي تلاحظها وما تفعله المشاهد المبكرة بالفعل. يبدو بناء الفصل الأول في Enzo Barboni مختلفًا بمجرد أن تعرف أين ينتهي. يحمل أداء Terence Hill في المشاهد الأولى معلومات لا يمكن قراءتها إلا عند المشاهدة الثانية.
يقع Lo chiamavano Trinità... ضمن النطاق الحادي عشر إلى الخامس والعشرين في هذه القائمة، ويحتل المنطقة التي تكون فيها الجودة متسقة ولكن الفيلم لم يحقق التشبع الثقافي للعشرة الأوائل. يتمتع هذا الموضع بميزة بالنسبة للمشاهدين الجدد: حيث يصل Lo chiamavano Trinità... دون ضغط المشاهدة الإلزامي المرتبط بالعناوين ذات التصنيف الأعلى. يمكن مواجهة الفيلم بشروطه الخاصة وليس في مواجهة ثقل ردود أفعال الآخرين. إن عمل Enzo Barboni هنا قوي بما يكفي للوقوف في وجه أفضل عشرة إدخالات ومختلف بما يكفي لتقديم شيء لا تقدمه تلك العناوين. غالبًا ما تكون الصفات المحددة التي تضع Lo chiamavano Trinità... هنا وليس أعلى هي الصفات التي تجعله أكثر إثارة للاهتمام للمشاهدين الذين شاهدوا بالفعل العناوين الموصى بها على نطاق أوسع.
Halloween
Fifteen years after murdering his sister on Halloween Night 1963, Michael Myers escapes from a mental hospital and returns to the small town of Haddonfield, Illinois to kill again.
لماذا تشاهد: يكسب Halloween توتره بأمانة - فالضغط يأتي من الموقف والشخصية وليس من المفاجأة المصطنعة. يثق John Carpenter في أن الجمهور سيشعر بالمخاطر.
تم إصدار Halloween في 1978، وتم إنتاجه في عصر كانت فيه العروض المسرحية تحدد ما إذا كان الفيلم سيبقى على قيد الحياة أم لا. لقد صنعت John Carpenter شيئًا نجا، وتصنيف 7.6 الذي تحمله اليوم هو دليل على قوة بقائها. تم إنشاء نتيجة 7.6 لـ Halloween من المشاهدين الذين لديهم بدائل واختاروا تقييم هذا بدرجة عالية. يعكس هذا الاختيار فيلمًا أوضح قضيته - وهو بالضبط ما يفعله Halloween. قدم John Carpenter الحجة وقبلها الجمهور. ما يجعل الفيلم يعمل كفيلم تشويق هو إدراك أن المخاطر تتطلب الاستثمار. الفعل الأول يبني الشخصية قبل وصول الضغط. وبحلول الوقت الذي يتصاعد فيه التوتر، يكون لديك أسباب تجعلك تهتم بالنتيجة. كل عقد من الزمان يُنتج أفلامًا تبدو ضرورية في ذلك الوقت ثم تتلاشى. ينتمي Halloween إلى الفئة الأصغر - حيث لا تزال أفلام 1970s تحظى بتقدير عالٍ من قبل المشاهدين الذين ليس لديهم حنين إلى تلك الحقبة. إن هذه الجودة عبر الأجيال هي الاختبار الحقيقي.
تتم معايرة العروض في Halloween إلى سجل محدد أنشأه John Carpenter وصيانته طوال فترة الإنتاج. أدرك Donald Pleasence أن المادة تتطلب التقليل من الأهمية بدلاً من التركيز. اللحظات الأكثر صعوبة في Halloween هي تلك التي يكون فيها أداء Donald Pleasence أقل من الممثل الأقل مهارة. تعمل المجموعة بإيقاع يوحي بإعداد مكثف وليس مجرد الموهبة. تكشف المشاهد التي يتواجد فيها العديد من أعضاء فريق العمل عن ديناميكية تعاونية نادرة في الأفلام حيث يتم تقديم الأداء الفردي على حساب الحقيقة الجماعية.
من الأفضل مشاهدة Halloween في الظروف التي تسمح للغلاف الجوي بالعمل: الإضاءة المنخفضة، والحد الأدنى من الانقطاع، ومن الناحية المثالية دون معرفة مسبقة باللحظات المحددة التي أصبحت معروفة ثقافيًا. يفقد الرعب فعاليته عندما يعرف الجمهور بالضبط ما سيأتي، وقد تمت مناقشة Halloween بما فيه الكفاية بحيث أصبحت بعض تسلسلاته الرئيسية مألوفة حتى للأشخاص الذين لم يشاهدوا الفيلم. إذا كان بإمكانك التعامل مع الأمر بمعرفة مسبقة محدودة، فافعل. تعتمد المركبة الجوية التي تم دمجها في John Carpenter في Halloween على كون الجمهور في حالة من عدم اليقين الحقيقي. يعكس تصنيف 7.6 المشاهدين الذين كانوا في تلك الحالة عندما شاهدوه.
يتم تصنيف Halloween في القسم الأوسط من هذه القائمة لأن جاذبيته محددة وليست عالمية - والجاذبية المحددة، التي يتم تقييمها بأمانة، تنتج تقييمًا متوسطًا أقل من الجاذبية الواسعة حتى عندما يكون الفيلم ممتازًا للمشاهد المناسب. اتخذ John Carpenter اختيارات يجدها بعض المشاهدين مقنعة والبعض الآخر يجدها صعبة. يعكس تصنيف 7.6 تلك الاستجابة المختلطة ولكن الإيجابية في نهاية المطاف من قاعدة الناخبين التي شملت كلا المجموعتين. عادةً ما يجد المشاهدون الذين تتوافق تفضيلاتهم مع أسلوب John Carpenter في التعامل مع هذه المادة أن Halloween من بين أقوى الإدخالات في القائمة. إن تصنيفها في السياق وليس في عزلة ينتج عنه انطباع مختلف عما يوحي به الرقم وحده.
La montaña sagrada
The Alchemist assembles together a group of people from all walks of life to represent the planets in the solar system. The occult adept's intention is to put his recruits through strange mystical rites and divest them of their worldly baggage before embarking on a trip to Lotus Island. There they ascend the Holy Mountain to displace the immortal gods who secretly rule the universe.
لماذا تشاهد: ما يجعل La montaña sagrada يعمل كدراما هو رفض Alejandro Jodorowsky شرح ما يمكن أن يشعر به الجمهور. يتم إنشاء السجل العاطفي، وليس الإشارة إليه.
يعود تاريخ La montaña sagrada إلى 1973، مما يعني أنه تم اختباره بواسطة أجيال متعددة من المشاهدين. إن حقيقة أن La montaña sagrada لا يزال يحتل مرتبة عالية يعكس الحرفية الحقيقية وليس الحنين إلى الماضي. La montaña sagrada في 7.5 هو فيلم تكون فيه المركبة دائمًا أعلى من المتوسط عبر أبعاد متعددة. لا يوجد عنصر واحد يحمل العناصر الأخرى. الاتجاه والكتابة والأداء كلها تسير في نفس الاتجاه. يوضح الفيلم ما يمكن للدراما أن تفعله ولا تستطيع الأنواع الأخرى فعله: وضع السلوك البشري العادي تحت الضغط والكشف عن الشخصية من خلال الاستجابة. يخلق المخرج تلك الظروف ويسكنها الممثلون باقتناع حقيقي. سياق 1970s لـ La montaña sagrada ليس عرضيًا. الظروف الجمالية المحددة للعقد - ما سمحت به التكنولوجيا، وما تطلبته الثقافة - شكلت الاختيارات التي قام بها Alejandro Jodorowsky هنا. هذه الاختيارات تصمد بشكل مستقل عن لحظتها.
تم تصميم هيكل La montaña sagrada بحيث يخدم الإيقاع المعنى بدلاً من الاصطلاح. يقوم Alejandro Jodorowsky بإجراء قطع في اللحظات التي تبدو غير متوقعة إلى حد ما، مما يبقي الجمهور في حالة من الاهتمام المتفاعل بدلاً من المشاهدة السلبية. الأفلام التي تقطع إيقاعًا واضحًا تصبح قابلة للتنبؤ بها. La montaña sagrada يقطع لحظات الشخصية، مما يعني أن إيقاع التحرير والإيقاع العاطفي هما نفس الشيء. والنتيجة هي فيلم تنقل فيه البنية نفسها شيئًا ما عن الحالات الداخلية للشخصيات. يجد المشاهدون الذين تم تخديرهم بالتحرير التقليدي أن La montaña sagrada مربكًا بطريقة منتجة.
يناسب La montaña sagrada المشاهدين الذين لا يبحثون عادةً عن أفلام من هذا العصر أو هذا النوع. إن الصفات التي أكسبته تصنيف 7.5 ليست خاصة بنوع معين أو بفترة زمنية محددة - إنها الصفات التي تجعل أي فيلم ممتازًا: السرد الواضح للقصص، والأداء المقنع، والإخراج الذي يخدم المادة بدلاً من عرض نفسه. المشاهدون الذين يتعاملون مع La montaña sagrada كفيلم وليس كقطعة أثرية ثقافية يميلون إلى الحصول على أقوى الاستجابات. إن الثقل الثقافي الذي تراكم منذ إطلاقه يمكن أن يخلق مسافة بدلاً من الوصول. الإطار الأكثر فائدة هو ببساطة: هذا فيلم جيد الصنع عن أشخاص محددين في موقف معين. كل شيء آخر يأتي من مشاهدة ذلك باهتمام. يقوم Alejandro Jodorowsky وAlejandro Jodorowsky بالعمل؛ مهمة المشاهد هي أن يكون حاضرا لذلك.
يعكس موقع La montaña sagrada في هذا القسم من القائمة فيلمًا يقدم صفاته المحددة بشكل موثوق دون أن يطمح إلى أن يكون كل شيء للجميع. لقد فهم Alejandro Jodorowsky معنى الفيلم وصنعه على مستوى عالٍ من الحرفية. يمثل تصنيف 7.5 المشاهدين الذين تفاعلوا مع الفيلم بهذه الشروط ووجدوا أنه يستحق التقييم بدرجة عالية. المشاهدون الذين يجلبون توقعات مختلفة أحيانًا يجدون الفيلم أقل إرضاءً مما يوحي به التقييم - وهذا ليس ضعفًا في الفيلم ولكن في التوقع. La montaña sagrada هو بالضبط ما هو عليه، وقد تم صنعه بمهارة، وكان الناخبون الذين قيموه يستجيبون لذلك.
Serpico
New York cop Frank Serpico blows the whistle on the rampant corruption in the force only to have his comrades turn against him.
لماذا تشاهد: يقترب Sidney Lumet من Serpico بالصبر الذي تتطلبه الدراما الجيدة ونادرا ما تحصل عليه. والنتيجة هي فيلم يكسب لحظاته العاطفية بدلاً من جدولتها.
يسبق إصدار 1973 لـ Serpico عصر البث بالكامل. كل مشاهد قام بتقييم Serpico اكتشفه من خلال جهد متعمد - العرض المسرحي، أو الوسائط المادية، أو التوصية. يقوم جمهور Serpico بالاختيار الذاتي للمشاركة. غالبًا ما تكون الأفلام الموجودة في النطاق 7.5 أكثر إثارة للاهتمام مما يوحي به موقعها في القائمة. لم يحققوا التشبع الثقافي للعناوين ذات التصنيف الأعلى، مما يعني أن Serpico أسهل في التعامل معها دون تصورات مسبقة. يستفيد Serpico من ذلك. وما يميز هذه الدراما هو رفض المخرج شرح ما يمكن أن يشعر به الجمهور. يخلق الفيلم مواقف ذات ثقل عاطفي ثم يثق في أن المشاهدين سيتحملون هذا الثقل بأنفسهم. توفر العروض السجل العاطفي دون الإفراط في الإشارة. لقد نجت الأفلام من 1970s التي لا تزال في معدل 7.5 اليوم من اختبار أطول من أي وجوه إصدار معاصرة. اجتاز Serpico هذا الاختبار لأن جوهره - رواية القصص والعروض والحرف - يعمل دون الحاجة إلى عصره.
تم إنشاء البيئة الصوتية لـ Serpico بشكل متعمد مثل البيئة المرئية. تدرك Sidney Lumet أن تصميم الصوت والنتيجة يعملان دون مستوى الاهتمام الواعي، مما يشكل الاستجابة العاطفية قبل أن يتمكن الجمهور من تحليل ما يحدث. تستخدم التسلسلات الأكثر هدوءًا في Serpico الصوت المحيط لإنشاء الحضور بدلاً من الغياب. تستخدم التسلسلات المسجلة الموسيقى التي تستجيب للشخصية بدلاً من الإشارة إلى ما يجب أن يشعر به الجمهور. يعمل Al Pacino في هذه البيئة الصوتية بأداء مادي يفسر كيفية تجربة المشهد سمعيًا وبصريًا. ينتج عن هذا المزيج شيئًا يعمل على الجمهور وليس فقط عليهم.
يجب على المشاهدين الذين يشاهدون Serpico لأول مرة أن ينتبهوا بشكل خاص لكيفية معالجة Sidney Lumet للانتقالات بين المشاهد. المقاطع في Serpico ليست تقليدية - فهي تميل إلى التركيز على لحظات الشخصية بدلاً من إيقاع الحبكة، مما يعني أن إيقاع التحرير والإيقاع العاطفي للفيلم هما نفس الشيء. إذا بدا أن المشهد قد انتهى مبكرًا أو متأخرًا عما هو متوقع، فهذا التوقيت هو اختيار، وعادةً ما يخبرك بشيء محدد عن حالة الشخصية في تلك اللحظة. يعمل Al Pacino ضمن هذا الإيقاع مع الأداء الجسدي الذي يكون أكثر وضوحًا في المشاهد التي تلي الأحداث الكبرى مباشرة - لقطات رد الفعل واللحظات الهادئة حيث تتعزز الشخصية بدلاً من التحرك للأمام. يعني سياق إنتاج 1973 أن هذه الاختيارات تم إجراؤها بدون شبكات الأمان الرقمية التي تسمح للأفلام المعاصرة بالتعديل بعد النشر. ما تراه هو ما قصده Sidney Lumet.
الأفلام التي تم وضعها في النطاق من أحد عشر إلى خمسة وعشرين في قوائم مثل هذه غالبًا ما تكون أكثر الاكتشافات فائدة لأنها تحمل جودة العشرة الأوائل دون الوزن الثقافي. Serpico في هذا الموقف ليس لأنه أسوأ بكثير من الإدخالات الموجودة فوقه ولكن لأن جاذبيته أكثر تركيزًا. المشاهدون الذين يتواصلون مع ما يفعله Sidney Lumet في Serpico يقيّمونه بدرجة عالية مثل أي فيلم في هذه القائمة. المتوسط عبر قاعدة أوسع من الناخبين يضعه هنا. يجب على المشاهدين الذين لديهم أسباب محددة للاعتقاد بأن هذا الفيلم مخصص لهم - بناءً على النوع المفضل أو اهتمامات المخرج أو العصر - إعطاء الأولوية له على العديد من الإدخالات التي تحتل مرتبة أعلى منه.
إن مشاهدة الأفلام الرائعة تغير الطريقة التي ترى بها العالم. ولهذا السبب نختارهم بعناية.
لوبين الثالث: قصر كاليسترو
ينطلق "لوبان" ومساعده "جيغين" ومحارب الساموراي "جيمون" للسيطرة على عملية تزوير شريرة في قلعة الكونت "كاليوسترو".
لماذا تشاهد: فيلم مضحك حقًا وليس مجرد فيلم يتم تسويقه على أنه فيلم واحد. الفكاهة في لوبين الثالث: قصر كاليسترو تأتي من الشخصية، وليس من الإعداد.
وصل لوبين الثالث: قصر كاليسترو (1979) قبل أن يجعل الإنترنت كل فيلم متاحًا على الفور في كل مكان. يتطلب الوصول إلى الجماهير كلامًا شفهيًا حقيقيًا، وقد قام لوبين الثالث: قصر كاليسترو ببناء هذا الكلام الشفهي لأنه يقدم شيئًا حقيقيًا. يعكس تصنيف 7.5 التوجيه والكتابة والأداء الذي يعمل بمستويات ثابتة في وقت واحد. نادرًا ما تفشل الأفلام التي تسجل في هذا النطاق بشكل ملحوظ في أي بُعد منفرد، ولوبين الثالث: قصر كاليسترو ليس استثناءً. ما يجعل الفيلم يبدو كوميديًا هو رفض المخرج الإشارة إلى مكان الفكاهة. تأتي النكات من الشخصية والموقف، مما يعني أن المشاهدين الذين ينتبهون يجدون أكثر من المشاهدين الذين ينتظرون أن يُطلب منهم الضحك. في سياق السينما 1970s بشكل عام، يمثل لوبين الثالث: قصر كاليسترو ما ساهم به العقد ولم تفعله العقود السابقة واللاحقة. أنتجت الظروف المحددة لصناعة الأفلام 1970s - الميزانيات والتكنولوجيا والسياق الثقافي - شيئًا هنا لا يمكن أن يأتي إلا من تلك اللحظة.
تعكس اللغة المرئية لـ لوبين الثالث: قصر كاليسترو صناعة الأفلام في 1979 في أفضل حالاتها. عملت Hayao Miyazaki ضمن القيود الفنية التي تطلبت التركيب والإضاءة لتحمل الثقل العاطفي الذي تفريغه الإنتاجات الحديثة إلى مرحلة ما بعد الإنتاج. تم تصميم كل إطار في لوبين الثالث: قصر كاليسترو بدلاً من تعديله. والنتيجة هي تماسك بصري نادرًا ما تحققه الأفلام المعاصرة، بخياراتها غير المحدودة في مرحلة ما بعد الإنتاج. إن مشاهدة لوبين الثالث: قصر كاليسترو مع الانتباه إلى كيفية تكوين اللقطات يكشف عن مخرج سينمائي أدرك أن الكاميرا لا تسجل شيئًا ما فحسب، بل إنها تثير جدلًا حول كيفية رؤيته.
سيجد المشاهدون الذين شاهدوا الأفلام التي تأثرت بـ لوبين الثالث: قصر كاليسترو أن مشاهدة الفيلم الأصلي تجربة مختلفة عن مشاهدة فيلم معاصر. التقنيات التي تبدو مألوفة لأنه تم نسخها على نطاق واسع مرئية هنا في شكلها الأصلي، والذي غالبًا ما يكشف أن النسخ فهمت سطح ما فعله Hayao Miyazaki دون فهم السبب وراء ذلك. يستخدم لوبين الثالث: قصر كاليسترو اختياراته الأسلوبية لخدمة أهداف محددة لسرد القصص. غالبًا ما استخدمتها الأفلام اللاحقة التي استعارت هذه الاختيارات كأسلوب بدون الوظيفة. توضح مشاهدة النسخة الأصلية ما تم إنجازه بالفعل. يتمتع عمل Yasuo Yamada هنا أيضًا بخصوصية تفتقر إليها العديد من العروض المستوحاة منه - حيث استحوذت التقليد على الطريقة دون الطابع الداخلي الذي جعل الطريقة تعني شيئًا ما.
يمثل لوبين الثالث: قصر كاليسترو الموجود في هذا الموضع من القائمة فيلمًا حقق جودة حقيقية وتقديرًا مستدامًا دون أن يصبح نصبًا ثقافيًا. تتمثل ميزة هذا الموقف في أن أداء Yasuo Yamada وحرفة Hayao Miyazaki متاحان لمواجهتهما حديثًا وليس من خلال مرشح المناقشة المسبقة الشاملة. من السهل رؤية الأشياء المحددة التي تجعل هذا الفيلم يستحق المشاهدة - والتي تصفها الملاحظات التحريرية أعلاه - عندما لا تتوقع تأكيد السمعة. التصنيف في القسم الأوسط من هذه القائمة ليس تخفيضًا للرتبة. إنه وصف لفيلم ممتاز لجمهوره المحدد.
Escape from Alcatraz
San Francisco Bay, January 18, 1960. Frank Lee Morris is transferred to Alcatraz, a maximum security prison located on a rocky island. Although no one has ever managed to escape from there, Frank and other inmates begin to carefully prepare an escape plan.
لماذا تشاهد: يكسب Escape from Alcatraz توتره بأمانة - فالضغط يأتي من الموقف والشخصية وليس من المفاجأة المصطنعة. يثق Don Siegel في أن الجمهور سيشعر بالمخاطر.
تم إصدار Escape from Alcatraz في 1979، وتم إنتاجه في عصر كانت فيه العروض المسرحية تحدد ما إذا كان الفيلم سيبقى على قيد الحياة أم لا. لقد صنعت Don Siegel شيئًا نجا، وتصنيف 7.5 الذي تحمله اليوم هو دليل على قوة بقائها. النتيجة 7.5 لـ Escape from Alcatraz تضعه بين الأفلام التي تقدم فكرتها دون نقاط ضعف كبيرة. لقد صنع Don Siegel شيئًا يعمل على النحو المنشود طوال الوقت، وهو أقل شيوعًا مما يبدو. ما يجعل الفيلم يعمل كفيلم تشويق هو إدراك أن المخاطر تتطلب الاستثمار. الفعل الأول يبني الشخصية قبل وصول الضغط. وبحلول الوقت الذي يتصاعد فيه التوتر، يكون لديك أسباب تجعلك تهتم بالنتيجة. أنتج 1970s العديد من الأفلام. الأشخاص الذين بقوا في قوائم مثل هذه بعد عقود هم أولئك الذين فهموا شيئًا حقيقيًا عن الناس وليس فقط عن اللحظة. Escape from Alcatraz موجود هنا لأنه فهم شيئًا دائمًا.
يوضح سيناريو Escape from Alcatraz شيئًا لا تحققه معظم الأفلام: كل مشهد يقوم بشيئين في وقت واحد. العمل السطحي يطور الحبكة. النص الفرعي يتقدم الشخصية. عملت Don Siegel مع المواد التي وثقت في قدرة الجمهور على تسجيل ما لم يُقال بوضوح مثل ما قيل. يقدم Clint Eastwood سطورًا تعني أشياء مختلفة اعتمادًا على ما تعرفه في تلك المرحلة من الفيلم. يختبر المشاهدون لأول مرة فيلمًا واحدًا. المشاهدون الذين يعرفون النهاية يختبرون تجربة أخرى. يكون هذا التطور الهيكلي أكثر وضوحًا في Escape from Alcatraz عندما تنتبه إلى ما تتجنب الشخصيات قوله بشكل مباشر باستمرار.
يناسب Escape from Alcatraz المشاهدين الذين لا يبحثون عادةً عن أفلام من هذا العصر أو هذا النوع. إن الصفات التي أكسبته تصنيف 7.5 ليست خاصة بنوع معين أو بفترة زمنية محددة - إنها الصفات التي تجعل أي فيلم ممتازًا: السرد الواضح للقصص، والأداء المقنع، والإخراج الذي يخدم المادة بدلاً من عرض نفسه. المشاهدون الذين يتعاملون مع Escape from Alcatraz كفيلم وليس كقطعة أثرية ثقافية يميلون إلى الحصول على أقوى الاستجابات. إن الثقل الثقافي الذي تراكم منذ إطلاقه يمكن أن يخلق مسافة بدلاً من الوصول. الإطار الأكثر فائدة هو ببساطة: هذا فيلم جيد الصنع عن أشخاص محددين في موقف معين. كل شيء آخر يأتي من مشاهدة ذلك باهتمام. يقوم Don Siegel وClint Eastwood بالعمل؛ مهمة المشاهد هي أن يكون حاضرا لذلك.
تم الحصول على تصنيف 7.5 الذي يضع Escape from Alcatraz في هذا القسم من القائمة من المشاهدين الذين تمكنوا من الوصول إلى كل شيء تم تصنيفه فوقه. لقد قاموا بتقييم هذا الفيلم بعد رؤية تلك العناوين أو معرفتها. يعكس قرارهم بمنح Escape from Alcatraz درجة عالية تقديرًا حقيقيًا لما حققه Don Siegel هنا - وهو شيء مختلف عن الإدخالات العشرة الأولى وليس أدنى منها. نطاق الجودة في قائمة مثل هذه أضيق مما يقترحه نطاق المواضع. الفرق بين الموضع الثامن والموضع الثامن عشر هو جزئيًا اختلاف في مدى تحديد الاستئناف. Escape from Alcatraz ممتاز على وجه التحديد وليس ممتازًا على نطاق واسع. بالنسبة للمشاهد المناسب، هذه الخصوصية هي أحد الأصول.
The Conversation
A paranoid, secretive surveillance expert has a crisis of conscience when he suspects that the couple he is spying on will be murdered.
لماذا تشاهد: ما يجعل The Conversation يعمل كدراما هو رفض Francis Ford Coppola شرح ما يمكن أن يشعر به الجمهور. يتم إنشاء السجل العاطفي، وليس الإشارة إليه.
يعود تاريخ The Conversation إلى 1974، مما يعني أنه تم اختباره بواسطة أجيال متعددة من المشاهدين. إن حقيقة أن The Conversation لا يزال يحتل مرتبة عالية يعكس الحرفية الحقيقية وليس الحنين إلى الماضي. في 7.5، يقع The Conversation في نطاق تكون فيه الجودة متسقة ولكن الفيلم لم يحقق الإجماع الواسع للعناوين ذات التصنيف الأعلى. غالبًا ما يعكس هذا الإجماع الضيق جاذبية محددة - The Conversation ليس مناسبًا للجميع، ولكنه ممتاز للمشاهد المناسب. يوضح الفيلم ما يمكن للدراما أن تفعله ولا تستطيع الأنواع الأخرى فعله: وضع السلوك البشري العادي تحت الضغط والكشف عن الشخصية من خلال الاستجابة. يخلق المخرج تلك الظروف ويسكنها الممثلون باقتناع حقيقي. كانت 1970s لحظة ثقافية محددة ذات اهتمامات محددة وأساليب جمالية محددة. يعكس The Conversation تلك الشروط بينما يتجاوزها - إنه فيلم 1970s ولا يتطلب منك فهم 1970s لتقديره.
تتم معايرة العروض في The Conversation إلى سجل محدد أنشأه Francis Ford Coppola وصيانته طوال فترة الإنتاج. أدرك Gene Hackman أن المادة تتطلب التقليل من الأهمية بدلاً من التركيز. اللحظات الأكثر صعوبة في The Conversation هي تلك التي يكون فيها أداء Gene Hackman أقل من الممثل الأقل مهارة. تعمل المجموعة بإيقاع يوحي بإعداد مكثف وليس مجرد الموهبة. تكشف المشاهد التي يتواجد فيها العديد من أعضاء فريق العمل عن ديناميكية تعاونية نادرة في الأفلام حيث يتم تقديم الأداء الفردي على حساب الحقيقة الجماعية.
يجب على مشاهدي The Conversation لأول مرة الدخول بأقل قدر ممكن من المعرفة المسبقة. تمت مناقشة الفيلم والإشارة إليه على نطاق واسع لدرجة أنه من السهل التوصل إلى توقعات تشكلها ردود أفعال الآخرين بدلاً من الفيلم نفسه. التجربة الفعلية لمشاهدة The Conversation لأول مرة، دون معرفة ما سيأتي بالضبط، تختلف بشكل كبير عن مشاهدته بالكمية المعروفة. إذا لم تكن قد رأيت ذلك بعد، فهذه ميزة تستحق الحفاظ عليها. يجد المشاهدون العائدون أن The Conversation يتغير عند إعادة المشاهدة - ليس لأن الفيلم يتغير، ولكن لأن معرفة النتيجة يغير التفاصيل التي تلاحظها وما تفعله المشاهد المبكرة بالفعل. يبدو بناء الفصل الأول في Francis Ford Coppola مختلفًا بمجرد أن تعرف أين ينتهي. يحمل أداء Gene Hackman في المشاهد الأولى معلومات لا يمكن قراءتها إلا عند المشاهدة الثانية.
يقع The Conversation ضمن النطاق الحادي عشر إلى الخامس والعشرين في هذه القائمة، ويحتل المنطقة التي تكون فيها الجودة متسقة ولكن الفيلم لم يحقق التشبع الثقافي للعشرة الأوائل. يتمتع هذا الموضع بميزة بالنسبة للمشاهدين الجدد: حيث يصل The Conversation دون ضغط المشاهدة الإلزامي المرتبط بالعناوين ذات التصنيف الأعلى. يمكن مواجهة الفيلم بشروطه الخاصة وليس في مواجهة ثقل ردود أفعال الآخرين. إن عمل Francis Ford Coppola هنا قوي بما يكفي للوقوف في وجه أفضل عشرة إدخالات ومختلف بما يكفي لتقديم شيء لا تقدمه تلك العناوين. غالبًا ما تكون الصفات المحددة التي تضع The Conversation هنا وليس أعلى هي الصفات التي تجعله أكثر إثارة للاهتمام للمشاهدين الذين شاهدوا بالفعل العناوين الموصى بها على نطاق أوسع.
The French Connection
Tough narcotics detective 'Popeye' Doyle is in hot pursuit of a suave French drug dealer who may be the key to a huge heroin-smuggling operation.
لماذا تشاهد: يوضح The French Connection أن أفضل أفلام الإثارة تعمل من خلال ضبط النفس. يحجب William Friedkin أكبر قدر ممكن لأطول فترة ممكنة وتكون النتيجة أكثر فعالية من التصعيد التقليدي.
يسبق إصدار 1971 لـ The French Connection عصر البث بالكامل. كل مشاهد قام بتقييم The French Connection اكتشفه من خلال جهد متعمد - العرض المسرحي، أو الوسائط المادية، أو التوصية. يقوم جمهور The French Connection بالاختيار الذاتي للمشاركة. يمثل The French Connection في 7.5 الطبقة الموثوقة لهذه القائمة. هذه هي الأفلام التي لا تخيب. لقد فهم William Friedkin ما يجب أن يكون عليه الفيلم وقام بتنفيذه دون أي تنازلات. وتتجلى الحرفة في ما يحجبه المخرج. يتم نشر المعلومات بشكل استراتيجي، وكل كشف يعيد صياغة ما جاء قبله. تتم معايرة الأداء للإفصاح الخاضع للرقابة. إن تصنيف الأفلام من 1970s مقابل بعضها البعض يعد جزئيًا تمرينًا على تحديد ما نجا. نجا The French Connection لأن William Friedkin قام باختياراته بناءً على الحرفية بدلاً من الاتجاه. يعكس تصنيف 7.5 الجماهير التي لا تزال تجد هذه الاختيارات صالحة.
تم تصميم هيكل The French Connection بحيث يخدم الإيقاع المعنى بدلاً من الاصطلاح. يقوم William Friedkin بإجراء قطع في اللحظات التي تبدو غير متوقعة إلى حد ما، مما يبقي الجمهور في حالة من الاهتمام المتفاعل بدلاً من المشاهدة السلبية. الأفلام التي تقطع إيقاعًا واضحًا تصبح قابلة للتنبؤ بها. The French Connection يقطع لحظات الشخصية، مما يعني أن إيقاع التحرير والإيقاع العاطفي هما نفس الشيء. والنتيجة هي فيلم تنقل فيه البنية نفسها شيئًا ما عن الحالات الداخلية للشخصيات. يجد المشاهدون الذين تم تخديرهم بالتحرير التقليدي أن The French Connection مربكًا بطريقة منتجة.
يناسب The French Connection المشاهدين الذين لا يبحثون عادةً عن أفلام من هذا العصر أو هذا النوع. إن الصفات التي أكسبته تصنيف 7.5 ليست خاصة بنوع معين أو بفترة زمنية محددة - إنها الصفات التي تجعل أي فيلم ممتازًا: السرد الواضح للقصص، والأداء المقنع، والإخراج الذي يخدم المادة بدلاً من عرض نفسه. المشاهدون الذين يتعاملون مع The French Connection كفيلم وليس كقطعة أثرية ثقافية يميلون إلى الحصول على أقوى الاستجابات. إن الثقل الثقافي الذي تراكم منذ إطلاقه يمكن أن يخلق مسافة بدلاً من الوصول. الإطار الأكثر فائدة هو ببساطة: هذا فيلم جيد الصنع عن أشخاص محددين في موقف معين. كل شيء آخر يأتي من مشاهدة ذلك باهتمام. يقوم William Friedkin وGene Hackman بالعمل؛ مهمة المشاهد هي أن يكون حاضرا لذلك.
يتم تصنيف The French Connection في القسم الأوسط من هذه القائمة لأن جاذبيته محددة وليست عالمية - والجاذبية المحددة، التي يتم تقييمها بأمانة، تنتج تقييمًا متوسطًا أقل من الجاذبية الواسعة حتى عندما يكون الفيلم ممتازًا للمشاهد المناسب. اتخذ William Friedkin اختيارات يجدها بعض المشاهدين مقنعة والبعض الآخر يجدها صعبة. يعكس تصنيف 7.5 تلك الاستجابة المختلطة ولكن الإيجابية في نهاية المطاف من قاعدة الناخبين التي شملت كلا المجموعتين. عادةً ما يجد المشاهدون الذين تتوافق تفضيلاتهم مع أسلوب William Friedkin في التعامل مع هذه المادة أن The French Connection من بين أقوى الإدخالات في القائمة. إن تصنيفها في السياق وليس في عزلة ينتج عنه انطباع مختلف عما يوحي به الرقم وحده.
Dawn of the Dead
During an ever-growing epidemic of zombies that have risen from the dead, two Philadelphia SWAT team members, a traffic reporter, and his television-executive girlfriend seek refuge in a secluded shopping mall.
لماذا تشاهد: الرعب الذي يعمل من خلال الجو والتضمين. يكتسب Dawn of the Dead مخاوفه من خلال ما يحجبه بدلاً من ما يظهره.
وصل Dawn of the Dead (1978) قبل أن يجعل الإنترنت كل فيلم متاحًا على الفور في كل مكان. يتطلب الوصول إلى الجماهير كلامًا شفهيًا حقيقيًا، وقد قام Dawn of the Dead ببناء هذا الكلام الشفهي لأنه يقدم شيئًا حقيقيًا. يعني تصنيف 7.5 من مجموعة كبيرة من الناخبين أن الفيلم يتمتع بنقاط قوة حقيقية تفوق أي نقاط ضعف وجدها المشاهدون. يفي Dawn of the Dead بوعده المركزي، وهو الحد الأدنى من المعايير التي يجب أن يفي بها أي فيلم ويكون تحقيقه أقل مما يقترحه عدد الإصدارات. يدرك المخرج أن الرعب ينجح عندما يكون هناك شيء خاطئ تحت السطح قبل أن يتجلى كخطر واضح. يخلق الفيلم هذا الخطأ من خلال النغمة والجو قبل الرعب الأول. يكتسب Dawn of the Dead مكانه في أي حساب لسينما 1970s لأنه يجسد شيئًا أنتجه العقد وفقدته العقود اللاحقة. الظروف الثقافية والتكنولوجية لصناعة الأفلام 1970s شكلت ما يمكن أن يفعله George A. Romero هنا.
تم إنشاء البيئة الصوتية لـ Dawn of the Dead بشكل متعمد مثل البيئة المرئية. تدرك George A. Romero أن تصميم الصوت والنتيجة يعملان دون مستوى الاهتمام الواعي، مما يشكل الاستجابة العاطفية قبل أن يتمكن الجمهور من تحليل ما يحدث. تستخدم التسلسلات الأكثر هدوءًا في Dawn of the Dead الصوت المحيط لإنشاء الحضور بدلاً من الغياب. تستخدم التسلسلات المسجلة الموسيقى التي تستجيب للشخصية بدلاً من الإشارة إلى ما يجب أن يشعر به الجمهور. يعمل David Emge في هذه البيئة الصوتية بأداء مادي يفسر كيفية تجربة المشهد سمعيًا وبصريًا. ينتج عن هذا المزيج شيئًا يعمل على الجمهور وليس فقط عليهم.
يناسب Dawn of the Dead المشاهدين الذين لا يبحثون عادةً عن أفلام من هذا العصر أو هذا النوع. إن الصفات التي أكسبته تصنيف 7.5 ليست خاصة بنوع معين أو بفترة زمنية محددة - إنها الصفات التي تجعل أي فيلم ممتازًا: السرد الواضح للقصص، والأداء المقنع، والإخراج الذي يخدم المادة بدلاً من عرض نفسه. المشاهدون الذين يتعاملون مع Dawn of the Dead كفيلم وليس كقطعة أثرية ثقافية يميلون إلى الحصول على أقوى الاستجابات. إن الثقل الثقافي الذي تراكم منذ إطلاقه يمكن أن يخلق مسافة بدلاً من الوصول. الإطار الأكثر فائدة هو ببساطة: هذا فيلم جيد الصنع عن أشخاص محددين في موقف معين. كل شيء آخر يأتي من مشاهدة ذلك باهتمام. يقوم George A. Romero وDavid Emge بالعمل؛ مهمة المشاهد هي أن يكون حاضرا لذلك.
يعكس موقع Dawn of the Dead في هذا القسم من القائمة فيلمًا يقدم صفاته المحددة بشكل موثوق دون أن يطمح إلى أن يكون كل شيء للجميع. لقد فهم George A. Romero معنى الفيلم وصنعه على مستوى عالٍ من الحرفية. يمثل تصنيف 7.5 المشاهدين الذين تفاعلوا مع الفيلم بهذه الشروط ووجدوا أنه يستحق التقييم بدرجة عالية. المشاهدون الذين يجلبون توقعات مختلفة أحيانًا يجدون الفيلم أقل إرضاءً مما يوحي به التقييم - وهذا ليس ضعفًا في الفيلم ولكن في التوقع. Dawn of the Dead هو بالضبط ما هو عليه، وقد تم صنعه بمهارة، وكان الناخبون الذين قيموه يستجيبون لذلك.
Willy Wonka & the Chocolate Factory
When eccentric candy man Willy Wonka promises a lifetime supply of sweets and a tour of his chocolate factory to five lucky kids, penniless Charlie Bucket seeks the golden ticket that will make him a winner.
لماذا تشاهد: Willy Wonka & the Chocolate Factory عبارة عن كوميديا تستحق إعادة المشاهدة لأن النكات تأتي من هوية هؤلاء الأشخاص وليس من مواقف تم تصميمها حول عبارات محرجة.
تم إصدار Willy Wonka & the Chocolate Factory في 1971، وتم إنتاجه في عصر كانت فيه العروض المسرحية تحدد ما إذا كان الفيلم سيبقى على قيد الحياة أم لا. لقد صنعت Mel Stuart شيئًا نجا، وتصنيف 7.5 الذي تحمله اليوم هو دليل على قوة بقائها. تم إنشاء نتيجة 7.5 لـ Willy Wonka & the Chocolate Factory من المشاهدين الذين لديهم بدائل واختاروا تقييم هذا بدرجة عالية. يعكس هذا الاختيار فيلمًا أوضح قضيته - وهو بالضبط ما يفعله Willy Wonka & the Chocolate Factory. قدم Mel Stuart الحجة وقبلها الجمهور. يثق الفيلم في إحساس الجمهور بالتوقيت الهزلي. يقوم المخرج بإعداد الإيقاع ثم يتوقف مؤقتًا حيث تعيش الفكاهة. تدرك العروض أن ضبط النفس أكثر تسلية من التركيز. كل عقد من الزمان يُنتج أفلامًا تبدو ضرورية في ذلك الوقت ثم تتلاشى. ينتمي Willy Wonka & the Chocolate Factory إلى الفئة الأصغر - حيث لا تزال أفلام 1970s تحظى بتقدير عالٍ من قبل المشاهدين الذين ليس لديهم حنين إلى تلك الحقبة. إن هذه الجودة عبر الأجيال هي الاختبار الحقيقي.
تعكس اللغة المرئية لـ Willy Wonka & the Chocolate Factory صناعة الأفلام في 1971 في أفضل حالاتها. عملت Mel Stuart ضمن القيود الفنية التي تطلبت التركيب والإضاءة لتحمل الثقل العاطفي الذي تفريغه الإنتاجات الحديثة إلى مرحلة ما بعد الإنتاج. تم تصميم كل إطار في Willy Wonka & the Chocolate Factory بدلاً من تعديله. والنتيجة هي تماسك بصري نادرًا ما تحققه الأفلام المعاصرة، بخياراتها غير المحدودة في مرحلة ما بعد الإنتاج. إن مشاهدة Willy Wonka & the Chocolate Factory مع الانتباه إلى كيفية تكوين اللقطات يكشف عن مخرج سينمائي أدرك أن الكاميرا لا تسجل شيئًا ما فحسب، بل إنها تثير جدلًا حول كيفية رؤيته.
يجب على المشاهدين الذين يشاهدون Willy Wonka & the Chocolate Factory لأول مرة أن ينتبهوا بشكل خاص لكيفية معالجة Mel Stuart للانتقالات بين المشاهد. المقاطع في Willy Wonka & the Chocolate Factory ليست تقليدية - فهي تميل إلى التركيز على لحظات الشخصية بدلاً من إيقاع الحبكة، مما يعني أن إيقاع التحرير والإيقاع العاطفي للفيلم هما نفس الشيء. إذا بدا أن المشهد قد انتهى مبكرًا أو متأخرًا عما هو متوقع، فهذا التوقيت هو اختيار، وعادةً ما يخبرك بشيء محدد عن حالة الشخصية في تلك اللحظة. يعمل Gene Wilder ضمن هذا الإيقاع مع الأداء الجسدي الذي يكون أكثر وضوحًا في المشاهد التي تلي الأحداث الكبرى مباشرة - لقطات رد الفعل واللحظات الهادئة حيث تتعزز الشخصية بدلاً من التحرك للأمام. يعني سياق إنتاج 1971 أن هذه الاختيارات تم إجراؤها بدون شبكات الأمان الرقمية التي تسمح للأفلام المعاصرة بالتعديل بعد النشر. ما تراه هو ما قصده Mel Stuart.
الأفلام التي تم وضعها في النطاق من أحد عشر إلى خمسة وعشرين في قوائم مثل هذه غالبًا ما تكون أكثر الاكتشافات فائدة لأنها تحمل جودة العشرة الأوائل دون الوزن الثقافي. Willy Wonka & the Chocolate Factory في هذا الموقف ليس لأنه أسوأ بكثير من الإدخالات الموجودة فوقه ولكن لأن جاذبيته أكثر تركيزًا. المشاهدون الذين يتواصلون مع ما يفعله Mel Stuart في Willy Wonka & the Chocolate Factory يقيّمونه بدرجة عالية مثل أي فيلم في هذه القائمة. المتوسط عبر قاعدة أوسع من الناخبين يضعه هنا. يجب على المشاهدين الذين لديهم أسباب محددة للاعتقاد بأن هذا الفيلم مخصص لهم - بناءً على النوع المفضل أو اهتمامات المخرج أو العصر - إعطاء الأولوية له على العديد من الإدخالات التي تحتل مرتبة أعلى منه.
Badlands
An impressionable teenage girl from a dead-end town and her older greaser boyfriend embark on a killing spree in the South Dakota badlands.
لماذا تشاهد: ما يجعل Badlands يعمل كدراما هو رفض Terrence Malick شرح ما يمكن أن يشعر به الجمهور. يتم إنشاء السجل العاطفي، وليس الإشارة إليه.
يعود تاريخ Badlands إلى 1974، مما يعني أنه تم اختباره بواسطة أجيال متعددة من المشاهدين. إن حقيقة أن Badlands لا يزال يحتل مرتبة عالية يعكس الحرفية الحقيقية وليس الحنين إلى الماضي. Badlands في 7.5 هو فيلم تكون فيه المركبة دائمًا أعلى من المتوسط عبر أبعاد متعددة. لا يوجد عنصر واحد يحمل العناصر الأخرى. الاتجاه والكتابة والأداء كلها تسير في نفس الاتجاه. يوضح الفيلم ما يمكن للدراما أن تفعله ولا تستطيع الأنواع الأخرى فعله: وضع السلوك البشري العادي تحت الضغط والكشف عن الشخصية من خلال الاستجابة. يخلق المخرج تلك الظروف ويسكنها الممثلون باقتناع حقيقي. سياق 1970s لـ Badlands ليس عرضيًا. الظروف الجمالية المحددة للعقد - ما سمحت به التكنولوجيا، وما تطلبته الثقافة - شكلت الاختيارات التي قام بها Terrence Malick هنا. هذه الاختيارات تصمد بشكل مستقل عن لحظتها.
يوضح سيناريو Badlands شيئًا لا تحققه معظم الأفلام: كل مشهد يقوم بشيئين في وقت واحد. العمل السطحي يطور الحبكة. النص الفرعي يتقدم الشخصية. عملت Terrence Malick مع المواد التي وثقت في قدرة الجمهور على تسجيل ما لم يُقال بوضوح مثل ما قيل. يقدم Martin Sheen سطورًا تعني أشياء مختلفة اعتمادًا على ما تعرفه في تلك المرحلة من الفيلم. يختبر المشاهدون لأول مرة فيلمًا واحدًا. المشاهدون الذين يعرفون النهاية يختبرون تجربة أخرى. يكون هذا التطور الهيكلي أكثر وضوحًا في Badlands عندما تنتبه إلى ما تتجنب الشخصيات قوله بشكل مباشر باستمرار.
سيجد المشاهدون الذين شاهدوا الأفلام التي تأثرت بـ Badlands أن مشاهدة الفيلم الأصلي تجربة مختلفة عن مشاهدة فيلم معاصر. التقنيات التي تبدو مألوفة لأنه تم نسخها على نطاق واسع مرئية هنا في شكلها الأصلي، والذي غالبًا ما يكشف أن النسخ فهمت سطح ما فعله Terrence Malick دون فهم السبب وراء ذلك. يستخدم Badlands اختياراته الأسلوبية لخدمة أهداف محددة لسرد القصص. غالبًا ما استخدمتها الأفلام اللاحقة التي استعارت هذه الاختيارات كأسلوب بدون الوظيفة. توضح مشاهدة النسخة الأصلية ما تم إنجازه بالفعل. يتمتع عمل Martin Sheen هنا أيضًا بخصوصية تفتقر إليها العديد من العروض المستوحاة منه - حيث استحوذت التقليد على الطريقة دون الطابع الداخلي الذي جعل الطريقة تعني شيئًا ما.
يمثل Badlands الموجود في هذا الموضع من القائمة فيلمًا حقق جودة حقيقية وتقديرًا مستدامًا دون أن يصبح نصبًا ثقافيًا. تتمثل ميزة هذا الموقف في أن أداء Martin Sheen وحرفة Terrence Malick متاحان لمواجهتهما حديثًا وليس من خلال مرشح المناقشة المسبقة الشاملة. من السهل رؤية الأشياء المحددة التي تجعل هذا الفيلم يستحق المشاهدة - والتي تصفها الملاحظات التحريرية أعلاه - عندما لا تتوقع تأكيد السمعة. التصنيف في القسم الأوسط من هذه القائمة ليس تخفيضًا للرتبة. إنه وصف لفيلم ممتاز لجمهوره المحدد.
Suspiria
An American newcomer to a prestigious German ballet academy comes to realize that the school is a front for something sinister amid a series of grisly murders.
لماذا تشاهد: ينتمي Suspiria إلى فئة الرعب الذي يدوم. ويأتي القلق الذي تخلقه من التضمين والجو، وهو ما لا يتبدد كما تفعل لحظات الصدمة.
يسبق إصدار 1977 لـ Suspiria عصر البث بالكامل. كل مشاهد قام بتقييم Suspiria اكتشفه من خلال جهد متعمد - العرض المسرحي، أو الوسائط المادية، أو التوصية. يقوم جمهور Suspiria بالاختيار الذاتي للمشاركة. غالبًا ما تكون الأفلام الموجودة في النطاق 7.5 أكثر إثارة للاهتمام مما يوحي به موقعها في القائمة. لم يحققوا التشبع الثقافي للعناوين ذات التصنيف الأعلى، مما يعني أن Suspiria أسهل في التعامل معها دون تصورات مسبقة. يستفيد Suspiria من ذلك. للرعب مخاطر تمتد إلى ما هو أبعد من البقاء. يربط المخرج الخوف بشيء حقيقي، كالشخصية أو العلاقة أو الأخلاق. المخاوف مهمة لأن ما يتم تهديده مهم. لقد نجت الأفلام من 1970s التي لا تزال في معدل 7.5 اليوم من اختبار أطول من أي وجوه إصدار معاصرة. اجتاز Suspiria هذا الاختبار لأن جوهره - رواية القصص والعروض والحرف - يعمل دون الحاجة إلى عصره.
تتم معايرة العروض في Suspiria إلى سجل محدد أنشأه Dario Argento وصيانته طوال فترة الإنتاج. أدرك Jessica Harper أن المادة تتطلب التقليل من الأهمية بدلاً من التركيز. اللحظات الأكثر صعوبة في Suspiria هي تلك التي يكون فيها أداء Jessica Harper أقل من الممثل الأقل مهارة. تعمل المجموعة بإيقاع يوحي بإعداد مكثف وليس مجرد الموهبة. تكشف المشاهد التي يتواجد فيها العديد من أعضاء فريق العمل عن ديناميكية تعاونية نادرة في الأفلام حيث يتم تقديم الأداء الفردي على حساب الحقيقة الجماعية.
يناسب Suspiria المشاهدين الذين لا يبحثون عادةً عن أفلام من هذا العصر أو هذا النوع. إن الصفات التي أكسبته تصنيف 7.5 ليست خاصة بنوع معين أو بفترة زمنية محددة - إنها الصفات التي تجعل أي فيلم ممتازًا: السرد الواضح للقصص، والأداء المقنع، والإخراج الذي يخدم المادة بدلاً من عرض نفسه. المشاهدون الذين يتعاملون مع Suspiria كفيلم وليس كقطعة أثرية ثقافية يميلون إلى الحصول على أقوى الاستجابات. إن الثقل الثقافي الذي تراكم منذ إطلاقه يمكن أن يخلق مسافة بدلاً من الوصول. الإطار الأكثر فائدة هو ببساطة: هذا فيلم جيد الصنع عن أشخاص محددين في موقف معين. كل شيء آخر يأتي من مشاهدة ذلك باهتمام. يقوم Dario Argento وJessica Harper بالعمل؛ مهمة المشاهد هي أن يكون حاضرا لذلك.
تم الحصول على تصنيف 7.5 الذي يضع Suspiria في هذا القسم من القائمة من المشاهدين الذين تمكنوا من الوصول إلى كل شيء تم تصنيفه فوقه. لقد قاموا بتقييم هذا الفيلم بعد رؤية تلك العناوين أو معرفتها. يعكس قرارهم بمنح Suspiria درجة عالية تقديرًا حقيقيًا لما حققه Dario Argento هنا - وهو شيء مختلف عن الإدخالات العشرة الأولى وليس أدنى منها. نطاق الجودة في قائمة مثل هذه أضيق مما يقترحه نطاق المواضع. الفرق بين الموضع الثامن والموضع الثامن عشر هو جزئيًا اختلاف في مدى تحديد الاستئناف. Suspiria ممتاز على وجه التحديد وليس ممتازًا على نطاق واسع. بالنسبة للمشاهد المناسب، هذه الخصوصية هي أحد الأصول.
Days of Heaven
In 1916, a Chicago steel worker accidentally kills his supervisor and flees to the Texas panhandle with his girlfriend and little sister to work harvesting wheat in the fields of a stoic farmer.
لماذا تشاهد: هذا النوع من الدراما الذي يبقى معك لفترة طويلة بعد الاعتمادات. يجلب Terrence Malick الصبر إلى المواد التي ترفعها فوق السعر القياسي.
وصل Days of Heaven (1978) قبل أن يجعل الإنترنت كل فيلم متاحًا على الفور في كل مكان. يتطلب الوصول إلى الجماهير كلامًا شفهيًا حقيقيًا، وقد قام Days of Heaven ببناء هذا الكلام الشفهي لأنه يقدم شيئًا حقيقيًا. يعكس تصنيف 7.5 التوجيه والكتابة والأداء الذي يعمل بمستويات ثابتة في وقت واحد. نادرًا ما تفشل الأفلام التي تسجل في هذا النطاق بشكل ملحوظ في أي بُعد منفرد، وDays of Heaven ليس استثناءً. يعمل المخرج بصبر لا تستطيع معظم الدراما المعاصرة تحمله. يُسمح للمشاهد بالمرور إلى ما بعد نقطة النهاية الواضحة، وإيجاد الحقيقة فيما تفعله الشخصيات بعد أن تقول ما جاءت لتقوله. يفهم طاقم الممثلين هذا الإيقاع. في سياق السينما 1970s بشكل عام، يمثل Days of Heaven ما ساهم به العقد ولم تفعله العقود السابقة واللاحقة. أنتجت الظروف المحددة لصناعة الأفلام 1970s - الميزانيات والتكنولوجيا والسياق الثقافي - شيئًا هنا لا يمكن أن يأتي إلا من تلك اللحظة.
تم تصميم هيكل Days of Heaven بحيث يخدم الإيقاع المعنى بدلاً من الاصطلاح. يقوم Terrence Malick بإجراء قطع في اللحظات التي تبدو غير متوقعة إلى حد ما، مما يبقي الجمهور في حالة من الاهتمام المتفاعل بدلاً من المشاهدة السلبية. الأفلام التي تقطع إيقاعًا واضحًا تصبح قابلة للتنبؤ بها. Days of Heaven يقطع لحظات الشخصية، مما يعني أن إيقاع التحرير والإيقاع العاطفي هما نفس الشيء. والنتيجة هي فيلم تنقل فيه البنية نفسها شيئًا ما عن الحالات الداخلية للشخصيات. يجد المشاهدون الذين تم تخديرهم بالتحرير التقليدي أن Days of Heaven مربكًا بطريقة منتجة.
يجب على مشاهدي Days of Heaven لأول مرة الدخول بأقل قدر ممكن من المعرفة المسبقة. تمت مناقشة الفيلم والإشارة إليه على نطاق واسع لدرجة أنه من السهل التوصل إلى توقعات تشكلها ردود أفعال الآخرين بدلاً من الفيلم نفسه. التجربة الفعلية لمشاهدة Days of Heaven لأول مرة، دون معرفة ما سيأتي بالضبط، تختلف بشكل كبير عن مشاهدته بالكمية المعروفة. إذا لم تكن قد رأيت ذلك بعد، فهذه ميزة تستحق الحفاظ عليها. يجد المشاهدون العائدون أن Days of Heaven يتغير عند إعادة المشاهدة - ليس لأن الفيلم يتغير، ولكن لأن معرفة النتيجة يغير التفاصيل التي تلاحظها وما تفعله المشاهد المبكرة بالفعل. يبدو بناء الفصل الأول في Terrence Malick مختلفًا بمجرد أن تعرف أين ينتهي. يحمل أداء Richard Gere في المشاهد الأولى معلومات لا يمكن قراءتها إلا عند المشاهدة الثانية.
يقع Days of Heaven ضمن النطاق الحادي عشر إلى الخامس والعشرين في هذه القائمة، ويحتل المنطقة التي تكون فيها الجودة متسقة ولكن الفيلم لم يحقق التشبع الثقافي للعشرة الأوائل. يتمتع هذا الموضع بميزة بالنسبة للمشاهدين الجدد: حيث يصل Days of Heaven دون ضغط المشاهدة الإلزامي المرتبط بالعناوين ذات التصنيف الأعلى. يمكن مواجهة الفيلم بشروطه الخاصة وليس في مواجهة ثقل ردود أفعال الآخرين. إن عمل Terrence Malick هنا قوي بما يكفي للوقوف في وجه أفضل عشرة إدخالات ومختلف بما يكفي لتقديم شيء لا تقدمه تلك العناوين. غالبًا ما تكون الصفات المحددة التي تضع Days of Heaven هنا وليس أعلى هي الصفات التي تجعله أكثر إثارة للاهتمام للمشاهدين الذين شاهدوا بالفعل العناوين الموصى بها على نطاق أوسع.
Patton
"Patton" tells the tale of General George S. Patton, famous tank commander of World War II. The film begins with Patton's career in North Africa and progresses through the invasion of Germany and the fall of the Third Reich. Side plots also speak of Patton's numerous faults such his temper and habit towards insubordination.
لماذا تشاهد: Patton هي الدراما التي تثق بالصمت. يمنح Franklin J. Schaffner المشاهد مجالًا للتنفس بعد نقطة النهاية الواضحة، وإيجاد شيء حقيقي فيما تفعله الشخصيات عندما تتوقف عن الأداء.
تم إصدار Patton في 1970، وتم إنتاجه في عصر كانت فيه العروض المسرحية تحدد ما إذا كان الفيلم سيبقى على قيد الحياة أم لا. لقد صنعت Franklin J. Schaffner شيئًا نجا، وتصنيف 7.5 الذي تحمله اليوم هو دليل على قوة بقائها. النتيجة 7.5 لـ Patton تضعه بين الأفلام التي تقدم فكرتها دون نقاط ضعف كبيرة. لقد صنع Franklin J. Schaffner شيئًا يعمل على النحو المنشود طوال الوقت، وهو أقل شيوعًا مما يبدو. الدراما تأتي من الخصوصية وليس من العالمية. يتخذ المخرج اختيارات تنطبق تحديدًا على هذه الشخصيات في هذا الموقف، الأمر الذي يخلق للمفارقة شيئًا أكثر عالمية من الإيقاعات العاطفية العامة. أنتج 1970s العديد من الأفلام. الأشخاص الذين بقوا في قوائم مثل هذه بعد عقود هم أولئك الذين فهموا شيئًا حقيقيًا عن الناس وليس فقط عن اللحظة. Patton موجود هنا لأنه فهم شيئًا دائمًا.
تم إنشاء البيئة الصوتية لـ Patton بشكل متعمد مثل البيئة المرئية. تدرك Franklin J. Schaffner أن تصميم الصوت والنتيجة يعملان دون مستوى الاهتمام الواعي، مما يشكل الاستجابة العاطفية قبل أن يتمكن الجمهور من تحليل ما يحدث. تستخدم التسلسلات الأكثر هدوءًا في Patton الصوت المحيط لإنشاء الحضور بدلاً من الغياب. تستخدم التسلسلات المسجلة الموسيقى التي تستجيب للشخصية بدلاً من الإشارة إلى ما يجب أن يشعر به الجمهور. يعمل George C. Scott في هذه البيئة الصوتية بأداء مادي يفسر كيفية تجربة المشهد سمعيًا وبصريًا. ينتج عن هذا المزيج شيئًا يعمل على الجمهور وليس فقط عليهم.
يناسب Patton الأمسيات عندما ترغب في مشاهدة شيء ذي محتوى حقيقي بدلاً من مشاهدة شيء يملأ الوقت ببساطة. إنه ليس فيلمًا في الخلفية وليس تجربة سلبية. أنشأ Franklin J. Schaffner شيئًا يسترعي انتباهك ويكافئه بشكل خاص وليس بشكل عام. سيحصل المشاهدون الذين يشاهدون Patton أثناء قيامهم بأشياء أخرى على نسخة من الفيلم تقل بشكل كبير عن النسخة المتاحة لشخص يمنحه اهتمامه الكامل. يعكس تصنيف 7.5 تجربة المشاهدة الكاملة الاهتمام. يقدم طاقم الممثلين - George C. Scott على وجه التحديد - تفاصيل الأداء التي يتم تسجيلها في المشاهدة المركزة وتختفي في المشاهدة المشتتة.
يتم تصنيف Patton في القسم الأوسط من هذه القائمة لأن جاذبيته محددة وليست عالمية - والجاذبية المحددة، التي يتم تقييمها بأمانة، تنتج تقييمًا متوسطًا أقل من الجاذبية الواسعة حتى عندما يكون الفيلم ممتازًا للمشاهد المناسب. اتخذ Franklin J. Schaffner اختيارات يجدها بعض المشاهدين مقنعة والبعض الآخر يجدها صعبة. يعكس تصنيف 7.5 تلك الاستجابة المختلطة ولكن الإيجابية في نهاية المطاف من قاعدة الناخبين التي شملت كلا المجموعتين. عادةً ما يجد المشاهدون الذين تتوافق تفضيلاتهم مع أسلوب Franklin J. Schaffner في التعامل مع هذه المادة أن Patton من بين أقوى الإدخالات في القائمة. إن تصنيفها في السياق وليس في عزلة ينتج عنه انطباع مختلف عما يوحي به الرقم وحده.
كيف قمنا بتصنيف أفلام 1970s هذه
تم اختيار كل فيلم في هذه الصفحة باستخدام بيانات من واجهة برمجة تطبيقات قاعدة بيانات الأفلام، وتمت تصفيتها للحد الأدنى من عتبات التصويت لضمان اتساق الجودة. تبدأ العملية بجميع الأفلام في هذه الفئة، ويتم فرزها حسب متوسط الأصوات بترتيب تنازلي، ثم تتم تصفيتها لاستبعاد الأفلام التي تحتوي على عدد أقل من عدد الأصوات المطلوب.
ومن تلك القائمة الأكبر، تم التحقق يدويًا من كل إدخال للتأكد من دقته. لا يُترجم التقييم العالي تلقائيًا إلى إمكانية المشاهدة. الفيلم الذي أصبح رائجًا بسبب الأخبار الأخيرة ليس هو نفسه الفيلم الذي أصبح رائجًا لأنه جيد حقًا. يعكس التحليل التحريري لكل إدخال جودة الفيلم الفعلية وليس الضجيج الثقافي.
يحافظ الاختيار على التوازن بين إمكانية الوصول والعمق. تتراوح الأفلام هنا من الإصدارات المعاصرة إلى عناوين الكتالوج التي تستحق إعادة اكتشافها. كلها مصنوعة بالحرفة والنية. كل مشاهدة المكافأة.
أفضل أفلام 1970s حسب النوع
تمتد أفلام 50 الموجودة في هذه الصفحة على أنواع وأنواع فرعية متعددة. يعتبر النوع مفيدًا كمرشح ولكن ليس كفئة محددة. قد يكون الفيلم الموسوم بالدراما تشويقيًا مثل فيلم الإثارة. قد يكون الفيلم الذي يحمل علامة "الحركة" ذكيًا عاطفياً مثل الفيلم الذي يحمل علامة "الدراما". استخدم النوع كنقطة بداية، وليس كصورة كاملة.
تُظهر لك علامات النوع الموجودة في كل فيلم مكان وجود الفيلم بشكل قاطع. استخدم المرشحات للعثور على الأنواع التي تهمك أكثر في 1970s.
أفضل أفلام 1970s حسب التصنيف
الأفلام الموجودة في هذه الصفحة مقسمة إلى ثلاث مستويات تصنيف. تعتبر الأفلام التي تزيد عن 8.5 استثنائية بكل المقاييس وتمثل أفضل السينما على الإطلاق في هذه الفئة. تُظهر الأفلام من 7.5 إلى 8.4 براعة متسقة وقوية بشكل موثوق. الأفلام من 7.0 إلى 7.4 لا تزال ممتازة وتستحق المشاهدة، على الرغم من أنها تمثل نطاقًا أوسع قليلاً من الجودة.
يتطلب تصنيف 8.0 على TMDB قاعدة ناخبين كبيرة بما يكفي لتكون موثوقة إحصائيًا. إنه يعكس تقدير الجمهور الحقيقي الذي تم اختباره مع مرور الوقت.
أفضل أفلام 1970s حسب وقت التشغيل
يعد وقت التشغيل أحد المرشحات الأكثر فائدة عند اختيار ما تريد مشاهدته وواحد من المرشحات الأقل استخدامًا. تقدم الأفلام التي تقل مدتها عن 90 دقيقة تجارب كاملة بدقة. تعتبر الأفلام التي تتراوح مدتها من 90 إلى 120 دقيقة هي الطول الأمثل لمعظم مواقف المشاهدة. تتطلب الأفلام التي تزيد مدتها عن 120 دقيقة الالتزام ولكنها تكافئه.
استخدم الوقت المتاح لديك للعثور على الفيلم المناسب بدلاً من بدء فيلم في وقت متأخر من الليل يستمر لفترة أطول بكثير من المتوقع.
جواهر مخفية تستحق البحث
يحتوي كل اختيار من 1970s على أفلام تقع تحت أعلى تصنيفات الرؤية ولكنها تقدم شيئًا استثنائيًا. هذه هي الأفلام التي تقلل الخوارزمية من وزنها لأنها تفتقر إلى الاعتراف بالامتياز أو التغطية الصحفية الحديثة. فهي ليست مخفية لأنها غامضة. إنها مخفية لأن المنصات تعرض أعلى الخيارات أولاً.
Explore Related 1970s Content
The 1970s is best understood through multiple lenses. Below are related ways to explore movies from this decade and era.
الأسئلة المتداولة
ما هي أفضل أفلام 1970s؟
تم تصنيف أفضل أفلام 1970s وإدراجها بالكامل في هذه الصفحة. تعكس هذه القائمة التقدير الحقيقي للجمهور وليس الحنين إلى الماضي. حصل كل فيلم على مكانته من خلال الاستجابة الإيجابية المستمرة من جمهور كبير بما يكفي ليكون مهمًا.
ما هو الفيلم الأعلى تقييمًا في 1970s؟
يتم إدراج الأفلام الأعلى تقييمًا لـ 1970s في أعلى هذه الصفحة. لقد حظيت الأفلام التي حصلت على تقييم 8.5 وما فوق بتقدير المشاهدين الذين تمكنوا من الوصول إلى كل ما تم إنتاجه منذ ذلك الحين، مما يجعل التقييم أكثر أهمية مما يوحي به الرقم وحده.
ما هي أفضل أفلام الإثارة 1970s؟
يتم تحديد أفلام الإثارة من 1970s من خلال علامات النوع الخاصة بها في جميع أنحاء هذه الصفحة. ابحث عن الأفلام الموسومة Thriller أو Crime Thriller. تعمل أفضل أفلام الإثارة في 1970s على بناء التوتر من خلال الاستثمار في الشخصية بدلاً من الصدمة المصطنعة.
ما هي أفضل الأعمال الدرامية 1970s؟
تمثل أفلام الدراما من 1970s بعضًا من أكثر الأعمال ديمومة في تلك الحقبة. أفضل درامات 1970s تثق في الجماهير لتسجيل المعلومات العاطفية دون التأكيد عليها والاستمرار في مكافأة المشاهدة بعد عقود من الإصدار.
ما هي أفضل أفلام الحركة 1970s؟
تطورت سينما الأكشن بشكل ملحوظ خلال فترة 1970s. تمثل الأفلام الموجودة على هذه الصفحة والتي تحمل علامة "الحركة" أفضل ما في هذا التطور، مع تسلسلات موجهة للفهم أولاً والتأثير ثانيًا.
ما هي أفضل أفلام 1970s الكوميدية؟
أفضل أفلام 1970s الكوميدية تستمد الفكاهة من الشخصية بدلاً من ميكانيكا الإعداد والكلمات. تظل مضحكة لأن الشخصيات محددة ويمكن التعرف عليها حتى عندما تتلاشى المراجع الثقافية الأصلية.
ما هي أفضل أفلام الرعب 1970s؟
أدركت أفضل أفلام الرعب 1970s أن الجو أكثر متانة من الصدمة، وأن الخوف يتطلب استثمارًا مسبقًا في الشخصيات. لقد تم اختيارهم لمهارة الغلاف الجوي والذكاء الهيكلي بدلاً من المحتوى الصريح.
ما هي أفضل أفلام الخيال العلمي 1970s؟
استخدمت أفضل أفلام الخيال العلمي 1970s مباني تأملية لاستكشاف الأسئلة البشرية بدلاً من استخدامها كمشهد. تم أخذ هذا النوع على محمل الجد بما فيه الكفاية بحيث تم إنشاء المشاريع التي تحتوي على أفكار فعلية وإصدارها مسرحيًا.
ما هي أفضل أفلام الجريمة 1970s؟
تمثل سينما الجريمة من 1970s بعضًا من أقوى الأعمال التي أنتجها هذا النوع. تناولت هذه الأفلام الغموض الأخلاقي دون حله، وأظهرت تكاليف الحياة الإجرامية دون رومانسية.
ما هي أفضل الأفلام الأجنبية من 1970s؟
السينما العالمية من 1970s ممثلة في هذه القائمة. كانت العديد من دور السينما الوطنية في ذروة فترات الإبداع خلال هذه الحقبة. يجب أن يبدأ المتشككون في الترجمة بأي فيلم بلغة أجنبية حصل على تقييم 8.5 وما فوق في هذه الصفحة.
ما هي الأفلام الأكثر استخفافًا بـ 1970s؟
يحدد قسم "الجواهر المخفية" في هذه الصفحة أفلام 1970s التي حصلت على درجات تتراوح بين 6.5 و7.4 من قواعد الناخبين المهمة. يتم الاستهانة بهذه الأفلام ليس لأنها غامضة ولكن لأنها تفتقر إلى الاعتراف بالامتياز أو التغطية الصحفية الحديثة.
ما هي أفلام 1970s التي يجب على الجميع مشاهدتها مرة واحدة على الأقل؟
تمثل الأفلام المصنفة 8.0 وما فوق في هذه القائمة عرض 1970s غير القابل للتفاوض. لقد حققت هذه البرامج إجماعًا نقديًا حقيقيًا عبر أجيال متعددة من المشاهدين وتستمر في تقديمها إلى جماهير جديدة.
ما هي أفضل أفلام 1970s لشخص لا يشاهد الأفلام القديمة عادةً؟
ابدأ بأي فيلم حصل على تقييم 8.5 وما فوق من هذه الصفحة. الجودة لا تتقدم في السن. استخدم علامات النوع للعثور على فيلم 1970s في النوع الذي تستمتع به وابدأ هناك.
كيف يمكن مقارنة أفلام 1970s بالسينما الحديثة؟
أنتجت 1970s أفلامًا تحت قيود مختلفة وبطموحات مختلفة. سمحت هياكل الميزانية للأفلام متوسطة المدى ذات المباني الأصلية بالحصول على إصدارات مسرحية. تم منح المخرجين تحكمًا إبداعيًا أكبر مقارنة بالاستوديوهات مما هو شائع الآن.
هل لا تزال أفلام 1970s تستحق المشاهدة اليوم؟
نعم بدون مؤهل . تم اختيار الأفلام الموجودة في هذه القائمة لأنها صامدة، وليس لأنها مثيرة للاهتمام تاريخيًا. إن صناعة الأفلام العظيمة لا تتقادم مع تقدم التكنولوجيا أو الموضة. يستمر الجمهور المعاصر في تقييم هذه الأفلام بدرجة عالية.