Le Parrain
La Seconde Guerre mondiale vient de s'achever. À New York, le « parrain » Don Corleone, l'un des chefs respectés de la mafia, se sent vieillir. Il refuse de s'adapter à son temps et de se lancer, comme ses pairs, dans le trafic de drogue. Une frilosité qui entrave la bonne marche des affaires des autres « familles » et qui lui vaut d'être la cible d'un attentat. Don Corleone survit à ses blessures, mais reste très diminué. Mike, son plus jeune fils, qui jusque-là se tenait à l'écart des affaires de son père, devient le plus dévoué de ses héritiers. Plus efficace que ses frères, Sonny et Fredo, il venge son père et organise l'élimination de ses adversaires…
Pourquoi regarder: L'un des films les mieux notés de cette sélection. Le Parrain a gagné sa réputation grâce à une appréciation critique soutenue auprès de plusieurs générations de téléspectateurs.
Le Parrain (1972) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Le Parrain a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 8.7 sur The Movie Database est statistiquement rare. Cela nécessite une base d’électeurs suffisamment large pour que les opinions individuelles soient en moyenne, ne laissant que des films qui s’adressent systématiquement à des publics divers. Le Parrain a ce consensus. Le réalisateur travaille avec une patience que la plupart des drames contemporains ne peuvent se permettre. Les scènes peuvent dépasser leur point final évident, trouvant la vérité dans ce que font les personnages après avoir dit ce qu'ils sont venus dire. Les acteurs comprennent ce rythme. Dans le contexte global du cinéma 1970s, Le Parrain représente ce que la décennie a apporté et que les décennies précédentes et suivantes n’ont pas apporté. Les conditions spécifiques du cinéma 1970s – budgets, technologie, contexte culturel – ont produit ici quelque chose qui ne pouvait provenir que de ce moment-là.
Le langage visuel de Le Parrain reflète le cinéma de 1972 dans sa forme la plus réfléchie. Francis Ford Coppola a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Le Parrain a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Le Parrain avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Les nouveaux spectateurs de Le Parrain devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Le Parrain pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Le Parrain change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Francis Ford Coppola semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Marlon Brando dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Le classement de Le Parrain dans le top dix de cette liste ne nécessite aucun argument particulier. L’argument est la note 8.7 provenant d’une base d’électeurs suffisamment large pour être statistiquement significative. Les films figurant dans le top dix de toute liste sérieuse occupent cette position car ils s'adressent systématiquement au plus large éventail de téléspectateurs, et Le Parrain l'a fait auprès de tous les groupes démographiques qui l'ont rencontré. Le travail de Francis Ford Coppola opère ici à un niveau où la qualité d'une scène individuelle se combine en quelque chose qui résiste au niveau du films dans son ensemble, ce qui est plus rare qu'il n'y paraît.
Le Parrain, 2e partie
Depuis la mort de Don Vito Corleone, son fils Michael règne sur la famille. Amené à négocier avec la mafia juive, il perd alors le soutien d'un de ses lieutenants, Frankie Pentageli. Échappant de justesse à un attentat, Michael tente de retrouver le coupable, soupçonnant Hyman Roth, le chef de la mafia juive. Vito Corleone, immigrant italien, arrive à New York au début du siècle ; très vite, il devient un des caïds du quartier, utilisant la violence comme moyen de régler toutes les affaires. Seul au départ, il bâtit peu à peu un véritable empire, origine de la fortune de la famille des Corleone.
Pourquoi regarder: Le Parrain, 2e partie se situe à la fin exceptionnelle de cette liste. Une note aussi élevée, construite à partir d’une large base d’électeurs, reflète un véritable consensus plutôt qu’un battage médiatique.
Sorti en 1974, Le Parrain, 2e partie a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Francis Ford Coppola a créé quelque chose qui a survécu, et la note 8.6 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 8.6 pour Le Parrain, 2e partie représente des milliers de décisions de visionnage individuelles distillées en un seul chiffre. Ce chiffre reflète quelque chose de réel : les gens qui ont regardé ce films l'ont trouvé exceptionnel, et un nombre suffisant d'entre eux ont accepté de donner un sens à la note. Le drame vient de la spécificité plutôt que de l’universalité. Le réalisateur fait des choix qui s'appliquent précisément à ces personnages dans cette situation, ce qui crée paradoxalement quelque chose de plus universel que ne le feraient des battements émotionnels génériques. 1970s a produit de nombreux films. Ceux qui restent sur des listes comme celle-ci des décennies plus tard sont ceux qui ont compris quelque chose de vrai sur les gens plutôt que sur le moment présent. Le Parrain, 2e partie est là parce qu'il a compris quelque chose de durable.
Le scénario de Le Parrain, 2e partie démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Francis Ford Coppola a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Al Pacino propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Le Parrain, 2e partie lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Le Parrain, 2e partie convient aux soirées où vous souhaitez regarder quelque chose avec une véritable substance plutôt que quelque chose qui remplit simplement le temps. Ce n’est pas un films de fond ni une expérience passive. Francis Ford Coppola a construit quelque chose qui demande votre attention et la récompense spécifiquement plutôt que généralement. Les téléspectateurs qui regardent Le Parrain, 2e partie tout en faisant autre chose obtiendront une version du films considérablement réduite par rapport à la version disponible pour quelqu'un qui lui accorde toute son attention. La note 8.6 reflète l’expérience visuelle avec toute l’attention. Le casting - Al Pacino en particulier - offre des détails de performance qui s'enregistrent en cas de vision concentrée et disparaissent en cas de vision distraite.
La position de Le Parrain, 2e partie dans le top 10 de cette liste reflète quelque chose de difficile à fabriquer : une excellence soutenue que les nouveaux téléspectateurs continuent de découvrir et d'apprécier hautement. La plupart des films perdent de leur élan après leur public initiale. Le Parrain, 2e partie ne l'a pas fait. Les téléspectateurs qui le rencontrent des années ou des décennies après sa sortie lui accordent les mêmes notes élevées que les premiers téléspectateurs. Francis Ford Coppola a créé quelque chose qui fonctionne indépendamment du moment culturel dont il est issu, ce qui est la définition d'une qualité durable. Les performances du Al Pacino font partie de cette durabilité - elles ne sont pas considérées comme une période d'action.
Vol au-dessus d'un nid de coucou
Randle P. McMurphy se fait interner pour échapper à la prison. Il va être touché par la détresse et la solitude des patients. Très rapidement, il comprend que l’infirmière en chef, Mlle Ratched, a imposé des règles strictes et entend bien les faire respecter. Il décide alors de révolutionner ce petit monde, plutôt au départ par jeu.
Pourquoi regarder: Les chiffres derrière Vol au-dessus d'un nid de coucou sont difficiles à atteindre : des milliers de téléspectateurs indépendants lui accordent une note élevée sans coordination. Ce consensus constitue le signal de qualité le plus fiable disponible.
Vol au-dessus d'un nid de coucou date de 1975, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Vol au-dessus d'un nid de coucou occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Chez 8.4, Vol au-dessus d'un nid de coucou se situe dans une gamme où la qualité est constante, mais le films n'a pas atteint le large consensus des titres mieux notés. Ce consensus plus restreint reflète souvent un attrait spécifique : Vol au-dessus d'un nid de coucou n'est pas pour tout le monde, mais pour le bon téléspectateur, il est excellent. Le films démontre ce que le drame peut faire que d'autres genres ne peuvent pas faire : mettre le comportement humain ordinaire sous pression et révéler le caractère à travers la réponse. Le réalisateur crée ces conditions et les acteurs les habitent avec une véritable conviction. Les 1970s furent un moment culturel spécifique avec des préoccupations spécifiques et des approches esthétiques spécifiques. Vol au-dessus d'un nid de coucou reflète ces conditions tout en les transcendant – c'est un films 1970s qui ne nécessite pas que vous compreniez le 1970s pour l'apprécier.
Les performances de Vol au-dessus d'un nid de coucou sont calibrées sur un registre spécifique que Miloš Forman a établi et maintenu tout au long de la production. Jack Nicholson a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Vol au-dessus d'un nid de coucou qui sont les plus difficiles sont ceux où Jack Nicholson fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Vol au-dessus d'un nid de coucou s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.4 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Vol au-dessus d'un nid de coucou comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Miloš Forman et Jack Nicholson font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
Vol au-dessus d'un nid de coucou appartient au top dix car il fait quelque chose que la plupart des films tentent et que peu réussissent : il est excellent au premier visionnage et révèle des couches supplémentaires lors du revoyage. Le public novice et le public récurrent vivent des expériences différentes, et les deux expériences sont fortes. Miloš Forman a intégré cette profondeur dans le films en travaillant simultanément à plusieurs niveaux : l'histoire de surface est au rendez-vous, et en dessous se trouve une couche de décisions artisanales qui ne deviennent pleinement visibles qu'une fois que vous savez où tout va. Cette structure à deux niveaux place Vol au-dessus d'un nid de coucou dans le top dix plutôt que dans le niveau suivant.
Apocalypse Now
Cloîtré dans une chambre d'hôtel de Saïgon, le jeune capitaine Willard, mal rasé et imbibé d'alcool, est sorti de sa prostration par une convocation de l'état-major américain. Le général Corman lui confie une mission qui doit rester secrète : éliminer le colonel Kurtz, un militaire aux méthodes quelque peu expéditives et qui sévit au-delà de la frontière cambodgienne.
Pourquoi regarder: Apocalypse Now a conservé sa notation suffisamment longtemps pour que le note soit stable. Les films aussi bien notés auprès d’un public diversifié sont exceptionnels plutôt que simplement bons.
La version 1979 de Apocalypse Now est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Apocalypse Now l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Apocalypse Now s'auto-sélectionne pour s'engager. Apocalypse Now à 8.3 représente le niveau fiable de cette liste. Ce sont les films qui ne déçoivent pas. Francis Ford Coppola a compris ce que le films devait être et l'a exécuté sans compromis. Ce qui distingue ce films d'un drame est le refus du réalisateur d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le films crée des situations avec un poids émotionnel et fait ensuite confiance aux spectateurs pour porter eux-mêmes ce poids. Les performances apportent le registre émotionnel sans sur-signalisation. Classer les films du 1970s les uns par rapport aux autres est en partie un exercice d’identification de ce qui a survécu. Apocalypse Now a survécu parce que Francis Ford Coppola a fait des choix basés sur l'artisanat plutôt que sur la tendance. La note 8.3 reflète que le public trouve toujours ces choix valables.
La structure de Apocalypse Now est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Francis Ford Coppola réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Apocalypse Now coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Apocalypse Now désorientant de manière productive.
Les téléspectateurs qui regardent Apocalypse Now pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Francis Ford Coppola gère les transitions entre les scènes. Les montages de Apocalypse Now ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Martin Sheen travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 1979 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Francis Ford Coppola voulait dire.
Une position parmi les dix premiers sur une liste classée établie à partir des classements de The Movie Database représente un véritable consensus critique. Il ne s'agit pas d'un concours de popularité : le seuil de vote filtre les films qui ont été vus et notés par suffisamment de personnes pour que les opinions aberrantes individuelles fassent la moyenne. Apocalypse Now à cette position signifie que divers téléspectateurs, dans différents pays et avec différentes habitudes de visionnage, ont conclu indépendamment que ce films était excellent. Francis Ford Coppola a réalisé quelque chose avec Apocalypse Now qui résiste aux variations culturelles. L’approche narrative spécifique utilisée ici se traduit dans tous les contextes.
La Guerre des étoiles
Il y a bien longtemps, dans une galaxie très lointaine... La guerre civile fait rage entre l'Empire galactique et l'Alliance rebelle. Capturée par les troupes de choc de l'Empereur menées par le sombre et impitoyable Dark Vador, la princesse Leia Organa dissimule les plans de l’Étoile Noire, une station spatiale invulnérable, à son droïde R2-D2 avec pour mission de les remettre au Jedi Obi-Wan Kenobi. Accompagné de son fidèle compagnon, le droïde de protocole C-3PO, R2-D2 s'échoue sur la planète Tatooine et termine sa quête chez le jeune Luke Skywalker. Rêvant de devenir pilote mais confiné aux travaux de la ferme, ce dernier se lance à la recherche de ce mystérieux Obi-Wan Kenobi, devenu ermite au cœur des montagnes désertiques de Tatooine...
Pourquoi regarder: L'un des films les mieux notés de cette sélection. La Guerre des étoiles a gagné sa réputation grâce à une appréciation critique soutenue auprès de plusieurs générations de téléspectateurs.
La Guerre des étoiles (1977) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et La Guerre des étoiles a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 8.2 provenant d'un large bassin d'électeurs signifie que le films possède de véritables atouts qui l'emportent sur les faiblesses trouvées par les téléspectateurs. La Guerre des étoiles tient sa promesse centrale, qui est la norme minimale que tout films devrait respecter et qui est moins atteinte que ne le suggère le nombre de sorties. Le réalisateur résout le problème central du cinéma d’action : vous faire vous soucier du résultat avant de vous montrer l’action. Les séquences fonctionnent parce que la clarté géographique signifie que vous savez toujours qui se trouve où et ce qu'exige le succès. La Guerre des étoiles mérite sa place dans tout récit du cinéma 1970s car il capture quelque chose que la décennie a produit et que les décennies suivantes ont perdu. Les conditions culturelles et technologiques du cinéma 1970s ont façonné ce que George Lucas pourrait faire ici.
L’environnement sonore de La Guerre des étoiles est aussi délibérément construit que son environnement visuel. George Lucas comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de La Guerre des étoiles utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Mark Hamill travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Les téléspectateurs qui ont vu les films influencés par La Guerre des étoiles trouveront que regarder l’original est une expérience différente de celle d’un films contemporain. Les techniques qui semblent familières parce qu'elles ont été largement copiées sont visibles ici dans leur forme originale, ce qui révèle souvent que les copies ont compris la surface de ce que George Lucas a fait sans en comprendre le raisonnement. La Guerre des étoiles utilise ses choix stylistiques au service d’objectifs narratifs spécifiques. Les films ultérieurs qui ont emprunté ces choix les ont souvent utilisés comme style sans fonction. Regarder l’original clarifie ce qui était réellement accompli. Le travail de Mark Hamill présente ici également une spécificité qui manque à de nombreuses performances qui s'en inspirent : les imitations captent la manière sans l'intériorité qui lui donne un sens.
La position dans le top dix de La Guerre des étoiles est plus significative si l’on considère ses concurrents. Chaque films du catalogue pour ce mode et cette époque a été évalué, et La Guerre des étoiles a été classé ici parce que la combinaison de la qualité de l'public et du volume des votes l'a placé au-dessus de tout le reste de la sélection. George Lucas a fait des choix dans La Guerre des étoiles qui le distinguent des alternatives de la même catégorie – des alternatives qui sont aussi de bons films. L'écart entre les dix et les vingt premiers est plus petit en termes de notation absolue qu'il n'y paraît, mais significatif en termes de ce que l'expérience du téléspectateur offre réellement.
Orange mécanique
Au XXIe siècle, où règnent la violence et le sexe, Alex, jeune chef de bande, exerce avec sadisme une terreur aveugle. Après son emprisonnement, des psychanalystes l'emploient comme cobaye dans des expériences destinées à juguler la criminalité…
Pourquoi regarder: Orange mécanique se situe à la fin exceptionnelle de cette liste. Une note aussi élevée, construite à partir d’une large base d’électeurs, reflète un véritable consensus plutôt qu’un battage médiatique.
Sorti en 1971, Orange mécanique a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Stanley Kubrick a créé quelque chose qui a survécu, et la note 8.2 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 8.2 pour Orange mécanique est construit à partir de téléspectateurs qui avaient des alternatives et ont choisi de lui attribuer une note élevée. Ce choix reflète un films qui a clairement fait valoir ses arguments – ce qui est exactement ce que fait Orange mécanique. Stanley Kubrick a présenté cet argument et le public l'a accepté. Ce qui distingue le films de la science-fiction, c'est l'engagement du réalisateur envers la logique interne. Les règles du monde sont établies et honorées partout, ce qui signifie que le public peut interagir avec des idées plutôt que de se réorienter constamment vers de nouvelles informations. Chaque décennie produit des films qui semblent essentiels à l’époque et qui s’estompent. Orange mécanique appartient à la catégorie la plus petite : les films 1970s sont toujours très bien notés par les téléspectateurs qui n'ont aucune nostalgie de l'époque. Cette qualité transgénérationnelle est le véritable test.
Le langage visuel de Orange mécanique reflète le cinéma de 1971 dans sa forme la plus réfléchie. Stanley Kubrick a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Orange mécanique a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Orange mécanique avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Orange mécanique s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.2 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Orange mécanique comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Stanley Kubrick et Malcolm McDowell font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
Orange mécanique mérite sa place dans le top dix non pas grâce à sa réputation culturelle, mais grâce à ce qui se passe lorsque les téléspectateurs s'assoient et le regardent. La classification 8.2 capture cette expérience sur un large échantillon de visionnages indépendants. Les films qui atteignent le top 10 sur des listes comme celle-ci ont été testés par des téléspectateurs qui avaient un accès complet aux alternatives et ont choisi de noter celui-ci au sommet de leur expérience. Stanley Kubrick et Malcolm McDowell ont créé quelque chose qui répond constamment à ces attentes, ce qui explique pourquoi la note reste maintenue malgré l'arrivée constante de nouveaux téléspectateurs apportant de nouvelles normes.
Alien, le huitième passager
En 2122, le Nostromo, vaisseau de commerce, fait route vers la Terre avec à son bord un équipage de sept personnes en hibernation et une cargaison de minerais. Il interrompt soudain sa course suite à la réception d’un mystérieux message provenant d’une planète inexplorée. Réveillé par l’ordinateur de bord, l’équipage se rend sur place et découvre les restes d’un gigantesque vaisseau extraterrestre dont le seul passager semble être mort dans d’étranges circonstances…
Pourquoi regarder: Les chiffres derrière Alien, le huitième passager sont difficiles à atteindre : des milliers de téléspectateurs indépendants lui accordent une note élevée sans coordination. Ce consensus constitue le signal de qualité le plus fiable disponible.
Alien, le huitième passager date de 1979, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Alien, le huitième passager occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Alien, le huitième passager à 8.2 est un films où le métier est constamment au-dessus de la moyenne dans plusieurs dimensions. Aucun élément ne porte les autres. La mise en scène, l’écriture et la performance vont toutes dans la même direction. Le films fonctionne comme une horreur à travers ce que le réalisateur retient. La caméra montre ce qui est sûr et coupe ce qui ne l’est pas, ce qui rend paradoxalement la menace cachée plus effrayante que n’importe quelle quantité de sang. Le contexte 1970s pour Alien, le huitième passager n’est pas accessoire. Les conditions esthétiques spécifiques de cette décennie – ce que la technologie permettait, ce que la culture exigeait – ont façonné les choix que Ridley Scott a faits ici. Ces choix tiennent indépendamment du moment.
Le scénario de Alien, le huitième passager démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Ridley Scott a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Tom Skerritt propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Alien, le huitième passager lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Les nouveaux spectateurs de Alien, le huitième passager devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Alien, le huitième passager pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Alien, le huitième passager change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Ridley Scott semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Tom Skerritt dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Le classement de Alien, le huitième passager dans le top dix de cette liste ne nécessite aucun argument particulier. L’argument est la note 8.2 provenant d’une base d’électeurs suffisamment large pour être statistiquement significative. Les films figurant dans le top dix de toute liste sérieuse occupent cette position car ils s'adressent systématiquement au plus large éventail de téléspectateurs, et Alien, le huitième passager l'a fait auprès de tous les groupes démographiques qui l'ont rencontré. Le travail de Ridley Scott opère ici à un niveau où la qualité d'une scène individuelle se combine en quelque chose qui résiste au niveau du films dans son ensemble, ce qui est plus rare qu'il n'y paraît.
Taxi Driver
Vétéran de la Guerre du Vietnam, Travis Bickle est chauffeur de taxi dans la ville de New York. Ses rencontres nocturnes et la violence quotidienne dont il est témoin lui font peu à peu perdre la tête. Il se charge bientôt de délivrer une prostituée mineure de ses souteneurs.
Pourquoi regarder: Taxi Driver a conservé sa notation suffisamment longtemps pour que le note soit stable. Les films aussi bien notés auprès d’un public diversifié sont exceptionnels plutôt que simplement bons.
La version 1976 de Taxi Driver est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Taxi Driver l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Taxi Driver s'auto-sélectionne pour s'engager. Les films de la gamme 8.1 sont souvent plus intéressants que ne le suggère leur position dans une liste. Ils n’ont pas atteint la saturation culturelle des titres mieux notés, ce qui signifie que Taxi Driver est plus facile à aborder sans préjugés. Taxi Driver en profite. Ce qui distingue ce films d'un drame est le refus du réalisateur d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le films crée des situations avec un poids émotionnel et fait ensuite confiance aux spectateurs pour porter eux-mêmes ce poids. Les performances apportent le registre émotionnel sans sur-signalisation. Les films du 1970s qui sont encore classés 8.1 aujourd'hui ont survécu à un test plus long que n'importe quelle sortie contemporaine. Taxi Driver a réussi ce test parce que l'essentiel - la narration, les performances, l'artisanat - fonctionne sans avoir besoin de son époque.
Les performances de Taxi Driver sont calibrées sur un registre spécifique que Martin Scorsese a établi et maintenu tout au long de la production. Robert De Niro a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Taxi Driver qui sont les plus difficiles sont ceux où Robert De Niro fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Taxi Driver convient aux soirées où vous souhaitez regarder quelque chose avec une véritable substance plutôt que quelque chose qui remplit simplement le temps. Ce n’est pas un films de fond ni une expérience passive. Martin Scorsese a construit quelque chose qui demande votre attention et la récompense spécifiquement plutôt que généralement. Les téléspectateurs qui regardent Taxi Driver tout en faisant autre chose obtiendront une version du films considérablement réduite par rapport à la version disponible pour quelqu'un qui lui accorde toute son attention. La note 8.1 reflète l’expérience visuelle avec toute l’attention. Le casting - Robert De Niro en particulier - offre des détails de performance qui s'enregistrent en cas de vision concentrée et disparaissent en cas de vision distraite.
La position de Taxi Driver dans le top 10 de cette liste reflète quelque chose de difficile à fabriquer : une excellence soutenue que les nouveaux téléspectateurs continuent de découvrir et d'apprécier hautement. La plupart des films perdent de leur élan après leur public initiale. Taxi Driver ne l'a pas fait. Les téléspectateurs qui le rencontrent des années ou des décennies après sa sortie lui accordent les mêmes notes élevées que les premiers téléspectateurs. Martin Scorsese a créé quelque chose qui fonctionne indépendamment du moment culturel dont il est issu, ce qui est la définition d'une qualité durable. Les performances du Robert De Niro font partie de cette durabilité - elles ne sont pas considérées comme une période d'action.
Stalker
Dans un pays et une époque indéterminés, il existe une zone interdite, fermée et gardée par des militaires. Elle aurait été créée par la chute d’une météorite, il y a bien longtemps. De temps à autre, le stalker, un passeur, se lève le matin et quitte son épouse pour guider à travers la zone le voyageur qui souhaite atteindre la Chambre des désirs, un lieu où les vœux les plus chers sont exaucés. Seul le stalker peut déjouer les nombreuses embûches du parcours. Aujourd’hui, un écrivain et un physicien sont les clients du stalker. Il faut tout d'abord échapper à la surveillance des gardes pour pénétrer dans la zone, puis avancer au hasard…
Pourquoi regarder: L'un des films les mieux notés de cette sélection. Stalker a gagné sa réputation grâce à une appréciation critique soutenue auprès de plusieurs générations de téléspectateurs.
Stalker (1979) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Stalker a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 8.1 reflète la réalisation, l’écriture et la performance fonctionnant simultanément à des niveaux cohérents. Les films qui obtiennent des scores dans cette fourchette échouent rarement de manière significative dans une seule dimension, et Stalker ne fait pas exception. Le réalisateur travaille avec une patience que la plupart des drames contemporains ne peuvent se permettre. Les scènes peuvent dépasser leur point final évident, trouvant la vérité dans ce que font les personnages après avoir dit ce qu'ils sont venus dire. Les acteurs comprennent ce rythme. Dans le contexte global du cinéma 1970s, Stalker représente ce que la décennie a apporté et que les décennies précédentes et suivantes n’ont pas apporté. Les conditions spécifiques du cinéma 1970s – budgets, technologie, contexte culturel – ont produit ici quelque chose qui ne pouvait provenir que de ce moment-là.
La structure de Stalker est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Andrei Tarkovsky réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Stalker coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Stalker désorientant de manière productive.
Stalker s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.1 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Stalker comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Andrei Tarkovsky et Alisa Freyndlikh font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
Stalker appartient au top dix car il fait quelque chose que la plupart des films tentent et que peu réussissent : il est excellent au premier visionnage et révèle des couches supplémentaires lors du revoyage. Le public novice et le public récurrent vivent des expériences différentes, et les deux expériences sont fortes. Andrei Tarkovsky a intégré cette profondeur dans le films en travaillant simultanément à plusieurs niveaux : l'histoire de surface est au rendez-vous, et en dessous se trouve une couche de décisions artisanales qui ne deviennent pleinement visibles qu'une fois que vous savez où tout va. Cette structure à deux niveaux place Stalker dans le top dix plutôt que dans le niveau suivant.
L'Arnaque
À Chicago, en 1936, Johnny Hooker et son acolyte Coleman volent sans le savoir le convoyeur de fonds de Doyle Lonnegan, un dangereux gangster de New York. Coleman est aussitôt abattu par le gang de ce dernier et Hooker se réfugie chez Henry Gondorff, un spécialiste de l'arnaque. Ceux-ci décident alors de venger la mort de Coleman en montant une vaste escroquerie destinée à mettre Lonnegan sur la paille. Pour cela, Hooker fait croire au gangster qu'il est capable d'obtenir les résultats des courses avant qu'ils ne soient officiellement connus.
Pourquoi regarder: L'Arnaque se situe à la fin exceptionnelle de cette liste. Une note aussi élevée, construite à partir d’une large base d’électeurs, reflète un véritable consensus plutôt qu’un battage médiatique.
Sorti en 1973, L'Arnaque a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. George Roy Hill a créé quelque chose qui a survécu, et la note 8.0 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 8.0 pour L'Arnaque le place parmi les films qui tiennent leurs promesses sans faiblesses significatives. George Roy Hill a créé quelque chose qui fonctionne comme prévu, ce qui est moins courant qu'il n'y paraît. Le drame vient de la spécificité plutôt que de l’universalité. Le réalisateur fait des choix qui s'appliquent précisément à ces personnages dans cette situation, ce qui crée paradoxalement quelque chose de plus universel que ne le feraient des battements émotionnels génériques. 1970s a produit de nombreux films. Ceux qui restent sur des listes comme celle-ci des décennies plus tard sont ceux qui ont compris quelque chose de vrai sur les gens plutôt que sur le moment présent. L'Arnaque est là parce qu'il a compris quelque chose de durable.
L’environnement sonore de L'Arnaque est aussi délibérément construit que son environnement visuel. George Roy Hill comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de L'Arnaque utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Paul Newman travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Les téléspectateurs qui regardent L'Arnaque pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont George Roy Hill gère les transitions entre les scènes. Les montages de L'Arnaque ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Paul Newman travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 1973 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que George Roy Hill voulait dire.
Une position parmi les dix premiers sur une liste classée établie à partir des classements de The Movie Database représente un véritable consensus critique. Il ne s'agit pas d'un concours de popularité : le seuil de vote filtre les films qui ont été vus et notés par suffisamment de personnes pour que les opinions aberrantes individuelles fassent la moyenne. L'Arnaque à cette position signifie que divers téléspectateurs, dans différents pays et avec différentes habitudes de visionnage, ont conclu indépendamment que ce films était excellent. George Roy Hill a réalisé quelque chose avec L'Arnaque qui résiste aux variations culturelles. L’approche narrative spécifique utilisée ici se traduit dans tous les contextes.
Le cinéma concerne les histoires qui comptent. Les films de cette section prouvent ce principe.
Barry Lyndon
Chassé de son Irlande natale après une série d'exactions et d'inconvenances, Redmond Barry s'engage dans l'armée britannique et combat les Prussiens. Le métier des armes lui devient vite insupportable et il déserte. Capturé par l'ennemi, le jeune homme, ambitieux mais naïf, ne doit sa survie qu'à son empressement à servir ses nouveaux maîtres. La guerre finie, Redmond devient espion, puis joueur professionnel. Il fréquente la haute société, dont il apprend les usages et les bonnes manières. Ce talent lui permet de conquérir le cœur d'une jeune veuve, la comtesse de Lyndon, dont le fils, lord Bullingdon, lui voue bientôt la plus vive animosité…
Pourquoi regarder: Les chiffres derrière Barry Lyndon sont difficiles à atteindre : des milliers de téléspectateurs indépendants lui accordent une note élevée sans coordination. Ce consensus constitue le signal de qualité le plus fiable disponible.
Barry Lyndon date de 1975, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Barry Lyndon occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Chez 8.0, Barry Lyndon se situe dans une gamme où la qualité est constante, mais le films n'a pas atteint le large consensus des titres mieux notés. Ce consensus plus restreint reflète souvent un attrait spécifique : Barry Lyndon n'est pas pour tout le monde, mais pour le bon téléspectateur, il est excellent. Le films démontre ce que le drame peut faire que d'autres genres ne peuvent pas faire : mettre le comportement humain ordinaire sous pression et révéler le caractère à travers la réponse. Le réalisateur crée ces conditions et les acteurs les habitent avec une véritable conviction. Les 1970s furent un moment culturel spécifique avec des préoccupations spécifiques et des approches esthétiques spécifiques. Barry Lyndon reflète ces conditions tout en les transcendant – c'est un films 1970s qui ne nécessite pas que vous compreniez le 1970s pour l'apprécier.
Le langage visuel de Barry Lyndon reflète le cinéma de 1975 dans sa forme la plus réfléchie. Stanley Kubrick a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Barry Lyndon a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Barry Lyndon avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Les téléspectateurs qui ont vu les films influencés par Barry Lyndon trouveront que regarder l’original est une expérience différente de celle d’un films contemporain. Les techniques qui semblent familières parce qu'elles ont été largement copiées sont visibles ici dans leur forme originale, ce qui révèle souvent que les copies ont compris la surface de ce que Stanley Kubrick a fait sans en comprendre le raisonnement. Barry Lyndon utilise ses choix stylistiques au service d’objectifs narratifs spécifiques. Les films ultérieurs qui ont emprunté ces choix les ont souvent utilisés comme style sans fonction. Regarder l’original clarifie ce qui était réellement accompli. Le travail de Ryan O'Neal présente ici également une spécificité qui manque à de nombreuses performances qui s'en inspirent : les imitations captent la manière sans l'intériorité qui lui donne un sens.
Barry Lyndon, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de Ryan O'Neal et le savoir-faire de Stanley Kubrick peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
Voyage au bout de l’enfer
Un groupe d'amis de la classe ouvrière et amateurs de la chasse aux daims décident de s'enrôler dans l'armée pendant la guerre du Vietnam et découvrent que c'est un chaos infernal – pas la noble aventure qu'ils avaient imaginée. Avant de partir, Steven a épousé sa petite amie enceinte – et Michael et Nick étaient amoureux de la même femme. Mais à leur retour, tous les trois sont des hommes différents.
Pourquoi regarder: Voyage au bout de l’enfer a conservé sa notation suffisamment longtemps pour que le note soit stable. Les films aussi bien notés auprès d’un public diversifié sont exceptionnels plutôt que simplement bons.
La version 1978 de Voyage au bout de l’enfer est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Voyage au bout de l’enfer l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Voyage au bout de l’enfer s'auto-sélectionne pour s'engager. Voyage au bout de l’enfer à 8.0 représente le niveau fiable de cette liste. Ce sont les films qui ne déçoivent pas. Michael Cimino a compris ce que le films devait être et l'a exécuté sans compromis. Ce qui distingue ce films d'un drame est le refus du réalisateur d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le films crée des situations avec un poids émotionnel et fait ensuite confiance aux spectateurs pour porter eux-mêmes ce poids. Les performances apportent le registre émotionnel sans sur-signalisation. Classer les films du 1970s les uns par rapport aux autres est en partie un exercice d’identification de ce qui a survécu. Voyage au bout de l’enfer a survécu parce que Michael Cimino a fait des choix basés sur l'artisanat plutôt que sur la tendance. La note 8.0 reflète que le public trouve toujours ces choix valables.
Le scénario de Voyage au bout de l’enfer démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Michael Cimino a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Robert De Niro propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Voyage au bout de l’enfer lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Voyage au bout de l’enfer s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.0 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Voyage au bout de l’enfer comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Michael Cimino et Robert De Niro font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 8.0 qui place Voyage au bout de l’enfer dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à Voyage au bout de l’enfer un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que Michael Cimino a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. Voyage au bout de l’enfer est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
Le Miroir
Alexeï, malade et alité pour une « blanche, blanche journée », profite de son oisiveté forcée pour s’adonner à un long monologue intérieur. Il se laisse, pour d’obscures raisons, aller à un soudain besoin irrépressible de replonger dans sa propre mémoire. Il y voit notamment défiler ses sentiments ambivalents pour sa mère, et le souvenir amer d’un père poète, ayant trop tôt déserté le foyer familial. Par ce voyage intime qui le mène au cœur de son enfance, Alexeï espère éclaircir les mystères de son devenir. Il le renvoie pourtant irrémédiablement à sa propre situation et celle de son fils, confronté comme lui à une séparation parentale et au départ du père.
Pourquoi regarder: L'un des films les mieux notés de cette sélection. Le Miroir a gagné sa réputation grâce à une appréciation critique soutenue auprès de plusieurs générations de téléspectateurs.
Le Miroir (1975) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Le Miroir a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 8.0 provenant d'un large bassin d'électeurs signifie que le films possède de véritables atouts qui l'emportent sur les faiblesses trouvées par les téléspectateurs. Le Miroir tient sa promesse centrale, qui est la norme minimale que tout films devrait respecter et qui est moins atteinte que ne le suggère le nombre de sorties. Le réalisateur travaille avec une patience que la plupart des drames contemporains ne peuvent se permettre. Les scènes peuvent dépasser leur point final évident, trouvant la vérité dans ce que font les personnages après avoir dit ce qu'ils sont venus dire. Les acteurs comprennent ce rythme. Le Miroir mérite sa place dans tout récit du cinéma 1970s car il capture quelque chose que la décennie a produit et que les décennies suivantes ont perdu. Les conditions culturelles et technologiques du cinéma 1970s ont façonné ce que Andrei Tarkovsky pourrait faire ici.
Les performances de Le Miroir sont calibrées sur un registre spécifique que Andrei Tarkovsky a établi et maintenu tout au long de la production. Margarita Terekhova a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Le Miroir qui sont les plus difficiles sont ceux où Margarita Terekhova fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Les nouveaux spectateurs de Le Miroir devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Le Miroir pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Le Miroir change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Andrei Tarkovsky semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Margarita Terekhova dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, Le Miroir occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : Le Miroir arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de Andrei Tarkovsky ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent Le Miroir ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
Chinatown
Gittes, détective privé, reçoit la visite de Mme Mulwray, qui lui demande de filer son mari, ingénieur des eaux à Los Angeles. Celui‐ci est retrouvé mort, noyé. Gittes s’obstine dans son enquête, malgré les menaces de tueurs professionnels.
Pourquoi regarder: Chinatown gagne honnêtement sa tension – la pression vient de la situation et du caractère plutôt que d’une surprise artificielle. Roman Polanski fait confiance au public pour ressentir les enjeux.
Sorti en 1974, Chinatown a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Roman Polanski a créé quelque chose qui a survécu, et la note 7.9 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 7.9 pour Chinatown est construit à partir de téléspectateurs qui avaient des alternatives et ont choisi de lui attribuer une note élevée. Ce choix reflète un films qui a clairement fait valoir ses arguments – ce qui est exactement ce que fait Chinatown. Roman Polanski a présenté cet argument et le public l'a accepté. Ce qui fait que le films fonctionne comme un thriller, c’est la compréhension que les enjeux nécessitent des investissements. Le premier acte forge le caractère avant que la pression n’arrive. Au moment où la tension monte, vous avez des raisons de vous soucier du résultat. Chaque décennie produit des films qui semblent essentiels à l’époque et qui s’estompent. Chinatown appartient à la catégorie la plus petite : les films 1970s sont toujours très bien notés par les téléspectateurs qui n'ont aucune nostalgie de l'époque. Cette qualité transgénérationnelle est le véritable test.
La structure de Chinatown est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Roman Polanski réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Chinatown coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Chinatown désorientant de manière productive.
Chinatown s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.9 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Chinatown comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Roman Polanski et Jack Nicholson font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
Chinatown se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. Roman Polanski a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 7.9 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de Roman Polanski à l'égard de ce matériel trouvent généralement que Chinatown fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
Amarcord
Dans un bourg italien près de la mer, à l'heure du fascisme triomphant, les enfants trainassent, cherchant des victimes pour leurs blagues innocentes. L'un d'eux va connaître, en l'espace d'une année, une série d'expériences tour à tour drôles, savoureuses et poignantes.
Pourquoi regarder: Ce qui fait que Amarcord fonctionne comme un drame, c'est le refus de Federico Fellini d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le registre émotionnel est créé, non signalé.
Amarcord date de 1973, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Amarcord occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Amarcord à 7.9 est un films où le métier est constamment au-dessus de la moyenne dans plusieurs dimensions. Aucun élément ne porte les autres. La mise en scène, l’écriture et la performance vont toutes dans la même direction. Le films démontre ce que le drame peut faire que d'autres genres ne peuvent pas faire : mettre le comportement humain ordinaire sous pression et révéler le caractère à travers la réponse. Le réalisateur crée ces conditions et les acteurs les habitent avec une véritable conviction. Le contexte 1970s pour Amarcord n’est pas accessoire. Les conditions esthétiques spécifiques de cette décennie – ce que la technologie permettait, ce que la culture exigeait – ont façonné les choix que Federico Fellini a faits ici. Ces choix tiennent indépendamment du moment.
L’environnement sonore de Amarcord est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Federico Fellini comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Amarcord utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Pupella Maggio travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Amarcord est une recommandation fiable pour les téléspectateurs qui souhaitent découvrir un films selon ses propres conditions plutôt que d'exiger qu'il se conforme aux attentes venues d'ailleurs. Il n'a pas l'omniprésence culturelle des titres mieux notés dans cette catégorie, ce qui signifie qu'il arrive sans le poids du visionnage obligatoire. Les publics qui découvrent Amarcord sans qu’on leur ait dit qu’ils devaient le voir réagissent souvent plus fortement que ceux qui l’abordent comme une obligation. Federico Fellini a créé quelque chose avec un attrait spécifique - il ne s'agit pas d'essayer de tout plaire à tout le monde. Les téléspectateurs qui se connectent à Amarcord ont tendance à le trouver considérablement meilleur que ne le suggère la note 7.9, c'est pourquoi il conserve cette note malgré une visibilité marketing limitée.
La position de Amarcord dans cette section de la liste reflète un films qui offre ses qualités spécifiques de manière fiable sans aspirer à tout pour tout le monde. Federico Fellini a compris ce qu'était le films et l'a réalisé avec un haut niveau de savoir-faire. La note 7.9 représente les téléspectateurs qui ont interagi avec le films selon ces conditions et qui ont trouvé qu'il valait la peine d'être noté. Les téléspectateurs qui ont des attentes différentes trouvent parfois le films moins satisfaisant que ce que suggère la note - ce qui n'est pas une faiblesse du films mais une faiblesse des attentes. Amarcord est exactement ce qu'il est, réalisé avec compétence, et les électeurs qui l'ont évalué y ont répondu.
Frankenstein Junior
Peu fier de son ascendance, le Docteur Frederick Frankenstein accepte pourtant de retourner sur les terres de ses ancêtres. Rattrapé par la folie familiale, il décide de suivre les traces de son aïeul et de créer à son tour une créature à partir de cadavres, avec l’aide de son fidèle serviteur Igor. Malheureusement, chargé de trouver le cerveau d’un génie, ce dernier se trompe et rapporte à Frankenstein un cerveau anormal…
Pourquoi regarder: La comédie est le genre le plus difficile à maintenir. Mel Brooks donne à Frankenstein Junior une apparence simple, ce qui est la marque d'un savoir-faire considérable que la plupart des publics n'enregistrent pas consciemment.
La version 1974 de Frankenstein Junior est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Frankenstein Junior l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Frankenstein Junior s'auto-sélectionne pour s'engager. Les films de la gamme 7.9 sont souvent plus intéressants que ne le suggère leur position dans une liste. Ils n’ont pas atteint la saturation culturelle des titres mieux notés, ce qui signifie que Frankenstein Junior est plus facile à aborder sans préjugés. Frankenstein Junior en profite. La cohérence du films en tant que comédie vient de la cohérence. Le réalisateur établit les règles du monde et le comportement des personnages, et l'humour émerge de la façon dont ces personnages gèrent une situation. Les films du 1970s qui sont encore classés 7.9 aujourd'hui ont survécu à un test plus long que n'importe quelle sortie contemporaine. Frankenstein Junior a réussi ce test parce que l'essentiel - la narration, les performances, l'artisanat - fonctionne sans avoir besoin de son époque.
Le langage visuel de Frankenstein Junior reflète le cinéma de 1974 dans sa forme la plus réfléchie. Mel Brooks a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Frankenstein Junior a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Frankenstein Junior avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Les téléspectateurs qui regardent Frankenstein Junior pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Mel Brooks gère les transitions entre les scènes. Les montages de Frankenstein Junior ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Gene Wilder travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 1974 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Mel Brooks voulait dire.
Les films classés entre onze et vingt-cinq sur des listes comme celle-ci sont souvent les découvertes les plus utiles car ils présentent la qualité des dix premiers sans le poids culturel. Frankenstein Junior se trouve dans cette position non pas parce qu'il est nettement pire que les entrées ci-dessus, mais parce que son attrait est plus concentré. Les téléspectateurs qui se connectent à ce que fait Mel Brooks dans Frankenstein Junior l'évaluent aussi bien que n'importe quel films de cette liste. La moyenne sur une base électorale plus large le place ici. Les téléspectateurs qui ont des raisons spécifiques de penser que ce films est fait pour eux – en fonction de leur préférence de genre, de l’intérêt du réalisateur ou de leur époque – devraient le donner la priorité à plusieurs entrées qui lui sont supérieures.
Un après-midi de chien
Des gangsters débutants braquent une banque et se retrouvent cernés par la police et les médias. Ils prennent en otage les employés de la banque. Débute alors un cauchemar qui va durer des heures…
Pourquoi regarder: Un thriller qui construit la tension avec précision. Sidney Lumet crée une dynamique grâce à la logique plutôt qu’à des chocs fabriqués.
Un après-midi de chien (1975) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Un après-midi de chien a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 7.8 reflète la réalisation, l’écriture et la performance fonctionnant simultanément à des niveaux cohérents. Les films qui obtiennent des scores dans cette fourchette échouent rarement de manière significative dans une seule dimension, et Un après-midi de chien ne fait pas exception. Le réalisateur construit le films autour de l'asymétrie de l'information : le public en sait plus que les personnages, ou moins, et le films manipule les deux états avec précision. Les acteurs délivrent la tension par la retenue plutôt que par l'intensité. Dans le contexte global du cinéma 1970s, Un après-midi de chien représente ce que la décennie a apporté et que les décennies précédentes et suivantes n’ont pas apporté. Les conditions spécifiques du cinéma 1970s – budgets, technologie, contexte culturel – ont produit ici quelque chose qui ne pouvait provenir que de ce moment-là.
Le scénario de Un après-midi de chien démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Sidney Lumet a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Al Pacino propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Un après-midi de chien lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Les téléspectateurs qui ont vu les films influencés par Un après-midi de chien trouveront que regarder l’original est une expérience différente de celle d’un films contemporain. Les techniques qui semblent familières parce qu'elles ont été largement copiées sont visibles ici dans leur forme originale, ce qui révèle souvent que les copies ont compris la surface de ce que Sidney Lumet a fait sans en comprendre le raisonnement. Un après-midi de chien utilise ses choix stylistiques au service d’objectifs narratifs spécifiques. Les films ultérieurs qui ont emprunté ces choix les ont souvent utilisés comme style sans fonction. Regarder l’original clarifie ce qui était réellement accompli. Le travail de Al Pacino présente ici également une spécificité qui manque à de nombreuses performances qui s'en inspirent : les imitations captent la manière sans l'intériorité qui lui donne un sens.
Un après-midi de chien, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de Al Pacino et le savoir-faire de Sidney Lumet peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
Papillon
Henri "Papillon" Charrière, un malfrat de petite envergure, est jugé à tort pour un meurtre qu'il n'a pas commis. Celui-ci est condamné à vie dans une prison d'une colonie française : le bagne de Cayenne. Mais Papillon n'a qu'une seule idée en tête : s'évader. Malheureusement, ses régulières tentatives sont toujours restées sans réussite. Devant son acharnement, les dirigeants l'envoient sur Devil's Island, une prison dans la prison, dont jamais personne n'a réussi à s'échapper. Une épreuve terrible pour Papillon, qui découvre l'enfer de l'environnement carcéral...
Pourquoi regarder: Papillon est un drame qui fait confiance au silence. Franklin J. Schaffner donne aux scènes la possibilité de respirer au-delà de leur point final évident, en trouvant quelque chose de vrai dans ce que font les personnages lorsqu'ils arrêtent de jouer.
Sorti en 1973, Papillon a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Franklin J. Schaffner a créé quelque chose qui a survécu, et la note 7.8 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 7.8 pour Papillon le place parmi les films qui tiennent leurs promesses sans faiblesses significatives. Franklin J. Schaffner a créé quelque chose qui fonctionne comme prévu, ce qui est moins courant qu'il n'y paraît. Le drame vient de la spécificité plutôt que de l’universalité. Le réalisateur fait des choix qui s'appliquent précisément à ces personnages dans cette situation, ce qui crée paradoxalement quelque chose de plus universel que ne le feraient des battements émotionnels génériques. 1970s a produit de nombreux films. Ceux qui restent sur des listes comme celle-ci des décennies plus tard sont ceux qui ont compris quelque chose de vrai sur les gens plutôt que sur le moment présent. Papillon est là parce qu'il a compris quelque chose de durable.
Les performances de Papillon sont calibrées sur un registre spécifique que Franklin J. Schaffner a établi et maintenu tout au long de la production. Steve McQueen a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Papillon qui sont les plus difficiles sont ceux où Steve McQueen fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Papillon s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.8 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Papillon comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Franklin J. Schaffner et Steve McQueen font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 7.8 qui place Papillon dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à Papillon un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que Franklin J. Schaffner a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. Papillon est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
Monty Python : Sacré Graal !
Le roi Arthur et les Chevaliers de la Table Ronde se lancent à la conquête du Graal, chevauchant de fantômatiques montures dans un bruitage de noix de coco cognées. La petite troupe va devoir passer mille épreuves, dont un chevalier à trois têtes, des jouvencelles en chaleur, voire même un terrible lapin tueur.
Pourquoi regarder: Terry Jones construit la comédie de Monty Python : Sacré Graal ! à partir d'une véritable observation des personnages. Les rires s'accumulent à mesure que le films avance parce que l'on connaît mieux les gens.
Monty Python : Sacré Graal ! date de 1975, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Monty Python : Sacré Graal ! occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Chez 7.8, Monty Python : Sacré Graal ! se situe dans une gamme où la qualité est constante, mais le films n'a pas atteint le large consensus des titres mieux notés. Ce consensus plus restreint reflète souvent un attrait spécifique : Monty Python : Sacré Graal ! n'est pas pour tout le monde, mais pour le bon téléspectateur, il est excellent. La comédie de personnages exige que le réalisateur et les acteurs comprennent que les moments les plus drôles viennent de la vérité plutôt que de l'exagération. Le films fonctionne parce que ce que font les personnages a du sens pour qui ils sont. Les 1970s furent un moment culturel spécifique avec des préoccupations spécifiques et des approches esthétiques spécifiques. Monty Python : Sacré Graal ! reflète ces conditions tout en les transcendant – c'est un films 1970s qui ne nécessite pas que vous compreniez le 1970s pour l'apprécier.
La structure de Monty Python : Sacré Graal ! est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Terry Jones réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Monty Python : Sacré Graal ! coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Monty Python : Sacré Graal ! désorientant de manière productive.
Les nouveaux spectateurs de Monty Python : Sacré Graal ! devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Monty Python : Sacré Graal ! pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Monty Python : Sacré Graal ! change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Terry Jones semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Graham Chapman dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, Monty Python : Sacré Graal ! occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : Monty Python : Sacré Graal ! arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de Terry Jones ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent Monty Python : Sacré Graal ! ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
Network : Main basse sur la télévision
Au milieu des années 70, les informations à la télévision changent. Le journalisme perd en effet pied face au pouvoir de l'argent et le besoin croissant de divertissement. Une rédaction se bat alors pour maintenir son audience sans se compromettre.
Pourquoi regarder: Sidney Lumet aborde Network : Main basse sur la télévision avec la patience qu'un bon drame requiert et qu'il obtient rarement. Le résultat est un films qui gagne ses moments d’émotion plutôt que de les programmer.
La version 1976 de Network : Main basse sur la télévision est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Network : Main basse sur la télévision l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Network : Main basse sur la télévision s'auto-sélectionne pour s'engager. Network : Main basse sur la télévision à 7.8 représente le niveau fiable de cette liste. Ce sont les films qui ne déçoivent pas. Sidney Lumet a compris ce que le films devait être et l'a exécuté sans compromis. Ce qui distingue ce films d'un drame est le refus du réalisateur d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le films crée des situations avec un poids émotionnel et fait ensuite confiance aux spectateurs pour porter eux-mêmes ce poids. Les performances apportent le registre émotionnel sans sur-signalisation. Classer les films du 1970s les uns par rapport aux autres est en partie un exercice d’identification de ce qui a survécu. Network : Main basse sur la télévision a survécu parce que Sidney Lumet a fait des choix basés sur l'artisanat plutôt que sur la tendance. La note 7.8 reflète que le public trouve toujours ces choix valables.
L’environnement sonore de Network : Main basse sur la télévision est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Sidney Lumet comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Network : Main basse sur la télévision utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Faye Dunaway travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Network : Main basse sur la télévision convient aux soirées où vous souhaitez regarder quelque chose avec une véritable substance plutôt que quelque chose qui remplit simplement le temps. Ce n’est pas un films de fond ni une expérience passive. Sidney Lumet a construit quelque chose qui demande votre attention et la récompense spécifiquement plutôt que généralement. Les téléspectateurs qui regardent Network : Main basse sur la télévision tout en faisant autre chose obtiendront une version du films considérablement réduite par rapport à la version disponible pour quelqu'un qui lui accorde toute son attention. La note 7.8 reflète l’expérience visuelle avec toute l’attention. Le casting - Faye Dunaway en particulier - offre des détails de performance qui s'enregistrent en cas de vision concentrée et disparaissent en cas de vision distraite.
Network : Main basse sur la télévision se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. Sidney Lumet a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 7.8 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de Sidney Lumet à l'égard de ce matériel trouvent généralement que Network : Main basse sur la télévision fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
Les grands films transcendent leur catégorie. Ils travaillent parce que le métier est exceptionnel.
Rocky
Dans les quartiers populaires de Philadelphie, Rocky Balboa collecte des dettes non payées pour Tony Gazzo, un usurier, et dispute de temps à autre, pour quelques dizaines de dollars, des combats de boxe sous l'appellation de 'l'étalon italien'. Déçu de le voir gâcher son talent, son entraîneur Mickey le laisse tomber, tandis qu'Apollo Creed, champion en titre, cherche un nouveau challenger...
Pourquoi regarder: Le genre de drame qui vous reste bien après le générique. John G. Avildsen apporte une patience au matériel qui l'élève au-dessus du tarif standard.
Rocky (1976) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Rocky a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 7.8 provenant d'un large bassin d'électeurs signifie que le films possède de véritables atouts qui l'emportent sur les faiblesses trouvées par les téléspectateurs. Rocky tient sa promesse centrale, qui est la norme minimale que tout films devrait respecter et qui est moins atteinte que ne le suggère le nombre de sorties. Le réalisateur travaille avec une patience que la plupart des drames contemporains ne peuvent se permettre. Les scènes peuvent dépasser leur point final évident, trouvant la vérité dans ce que font les personnages après avoir dit ce qu'ils sont venus dire. Les acteurs comprennent ce rythme. Rocky mérite sa place dans tout récit du cinéma 1970s car il capture quelque chose que la décennie a produit et que les décennies suivantes ont perdu. Les conditions culturelles et technologiques du cinéma 1970s ont façonné ce que John G. Avildsen pourrait faire ici.
Le langage visuel de Rocky reflète le cinéma de 1976 dans sa forme la plus réfléchie. John G. Avildsen a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Rocky a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Rocky avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Rocky s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.8 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Rocky comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. John G. Avildsen et Sylvester Stallone font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La position de Rocky dans cette section de la liste reflète un films qui offre ses qualités spécifiques de manière fiable sans aspirer à tout pour tout le monde. John G. Avildsen a compris ce qu'était le films et l'a réalisé avec un haut niveau de savoir-faire. La note 7.8 représente les téléspectateurs qui ont interagi avec le films selon ces conditions et qui ont trouvé qu'il valait la peine d'être noté. Les téléspectateurs qui ont des attentes différentes trouvent parfois le films moins satisfaisant que ce que suggère la note - ce qui n'est pas une faiblesse du films mais une faiblesse des attentes. Rocky est exactement ce qu'il est, réalisé avec compétence, et les électeurs qui l'ont évalué y ont répondu.
Solaris
Solaris est une planète mystérieuse qu’étudie une station orbitale. D’étranges phénomènes s’y sont produits. Un physicien s’est donné la mort, et deux autres sont devenus fous. Kris Kelvin, un scientifique spécialisé en psychologie, y est envoyé en mission. À peine arrivé, il croit sentir une forme de vie non humaine à bord de la station. Une femme lui apparaît, qui devient sa maîtresse. Elle n’est que le double de sa propre femme, qui s’est suicidée quelques années plus tôt, par sa faute. Elle disparaît ou surgit au gré de ses désirs. Il comprend que la planète Solaris fonctionne comme une mémoire affective, qui matérialise les pulsions de ceux qui l’approchent…
Pourquoi regarder: Solaris est un drame qui fait confiance au silence. Andrei Tarkovsky donne aux scènes la possibilité de respirer au-delà de leur point final évident, en trouvant quelque chose de vrai dans ce que font les personnages lorsqu'ils arrêtent de jouer.
Sorti en 1972, Solaris a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Andrei Tarkovsky a créé quelque chose qui a survécu, et la note 7.8 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 7.8 pour Solaris est construit à partir de téléspectateurs qui avaient des alternatives et ont choisi de lui attribuer une note élevée. Ce choix reflète un films qui a clairement fait valoir ses arguments – ce qui est exactement ce que fait Solaris. Andrei Tarkovsky a présenté cet argument et le public l'a accepté. Le drame vient de la spécificité plutôt que de l’universalité. Le réalisateur fait des choix qui s'appliquent précisément à ces personnages dans cette situation, ce qui crée paradoxalement quelque chose de plus universel que ne le feraient des battements émotionnels génériques. Chaque décennie produit des films qui semblent essentiels à l’époque et qui s’estompent. Solaris appartient à la catégorie la plus petite : les films 1970s sont toujours très bien notés par les téléspectateurs qui n'ont aucune nostalgie de l'époque. Cette qualité transgénérationnelle est le véritable test.
Le scénario de Solaris démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Andrei Tarkovsky a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Natalya Bondarchuk propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Solaris lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Les téléspectateurs qui regardent Solaris pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Andrei Tarkovsky gère les transitions entre les scènes. Les montages de Solaris ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Natalya Bondarchuk travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 1972 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Andrei Tarkovsky voulait dire.
Les films classés entre onze et vingt-cinq sur des listes comme celle-ci sont souvent les découvertes les plus utiles car ils présentent la qualité des dix premiers sans le poids culturel. Solaris se trouve dans cette position non pas parce qu'il est nettement pire que les entrées ci-dessus, mais parce que son attrait est plus concentré. Les téléspectateurs qui se connectent à ce que fait Andrei Tarkovsky dans Solaris l'évaluent aussi bien que n'importe quel films de cette liste. La moyenne sur une base électorale plus large le place ici. Les téléspectateurs qui ont des raisons spécifiques de penser que ce films est fait pour eux – en fonction de leur préférence de genre, de l’intérêt du réalisateur ou de leur époque – devraient le donner la priorité à plusieurs entrées qui lui sont supérieures.
Monty Python : La Vie de Brian
En l’an 0, en terre de Galilée, Mandy et son bébé Brian reçoivent la visite des Rois Mages un beau soir de décembre. Ceux‐ci, s’apercevant de leur erreur, remballent prestement leurs présents et filent dans l’étable voisine. Hélas, Brian a tiré le mauvais numéro…
Pourquoi regarder: Terry Jones construit la comédie de Monty Python : La Vie de Brian à partir d'une véritable observation des personnages. Les rires s'accumulent à mesure que le films avance parce que l'on connaît mieux les gens.
Monty Python : La Vie de Brian date de 1979, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Monty Python : La Vie de Brian occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Monty Python : La Vie de Brian à 7.8 est un films où le métier est constamment au-dessus de la moyenne dans plusieurs dimensions. Aucun élément ne porte les autres. La mise en scène, l’écriture et la performance vont toutes dans la même direction. La comédie de personnages exige que le réalisateur et les acteurs comprennent que les moments les plus drôles viennent de la vérité plutôt que de l'exagération. Le films fonctionne parce que ce que font les personnages a du sens pour qui ils sont. Le contexte 1970s pour Monty Python : La Vie de Brian n’est pas accessoire. Les conditions esthétiques spécifiques de cette décennie – ce que la technologie permettait, ce que la culture exigeait – ont façonné les choix que Terry Jones a faits ici. Ces choix tiennent indépendamment du moment.
Les performances de Monty Python : La Vie de Brian sont calibrées sur un registre spécifique que Terry Jones a établi et maintenu tout au long de la production. Graham Chapman a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Monty Python : La Vie de Brian qui sont les plus difficiles sont ceux où Graham Chapman fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Les téléspectateurs qui ont vu les films influencés par Monty Python : La Vie de Brian trouveront que regarder l’original est une expérience différente de celle d’un films contemporain. Les techniques qui semblent familières parce qu'elles ont été largement copiées sont visibles ici dans leur forme originale, ce qui révèle souvent que les copies ont compris la surface de ce que Terry Jones a fait sans en comprendre le raisonnement. Monty Python : La Vie de Brian utilise ses choix stylistiques au service d’objectifs narratifs spécifiques. Les films ultérieurs qui ont emprunté ces choix les ont souvent utilisés comme style sans fonction. Regarder l’original clarifie ce qui était réellement accompli. Le travail de Graham Chapman présente ici également une spécificité qui manque à de nombreuses performances qui s'en inspirent : les imitations captent la manière sans l'intériorité qui lui donne un sens.
Monty Python : La Vie de Brian, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de Graham Chapman et le savoir-faire de Terry Jones peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
L'Exorciste
Regan, une adolescente, présente depuis quelque temps d’étranges symptômes. Après avoir épuisé les solutions médicales, la mère de Regan consulte un prêtre-psychiatre qui est rapidement convaincu que Regan est possédée et que seul un exorcisme pourra la "guérir".
Pourquoi regarder: William Friedkin aborde L'Exorciste avec la patience qu'un bon drame requiert et qu'il obtient rarement. Le résultat est un films qui gagne ses moments d’émotion plutôt que de les programmer.
La version 1973 de L'Exorciste est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté L'Exorciste l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour L'Exorciste s'auto-sélectionne pour s'engager. Les films de la gamme 7.7 sont souvent plus intéressants que ne le suggère leur position dans une liste. Ils n’ont pas atteint la saturation culturelle des titres mieux notés, ce qui signifie que L'Exorciste est plus facile à aborder sans préjugés. L'Exorciste en profite. Ce qui distingue ce films d'un drame est le refus du réalisateur d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le films crée des situations avec un poids émotionnel et fait ensuite confiance aux spectateurs pour porter eux-mêmes ce poids. Les performances apportent le registre émotionnel sans sur-signalisation. Les films du 1970s qui sont encore classés 7.7 aujourd'hui ont survécu à un test plus long que n'importe quelle sortie contemporaine. L'Exorciste a réussi ce test parce que l'essentiel - la narration, les performances, l'artisanat - fonctionne sans avoir besoin de son époque.
La structure de L'Exorciste est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. William Friedkin réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. L'Exorciste coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent L'Exorciste désorientant de manière productive.
L'Exorciste s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.7 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent L'Exorciste comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. William Friedkin et Ellen Burstyn font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 7.7 qui place L'Exorciste dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à L'Exorciste un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que William Friedkin a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. L'Exorciste est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
Annie Hall
Le névrosé Alvy Singer rencontre Annie Hall une femme excentrique dans la ville qu'il aime, New York.
Pourquoi regarder: Le genre de drame qui vous reste bien après le générique. Woody Allen apporte une patience au matériel qui l'élève au-dessus du tarif standard.
Annie Hall (1977) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Annie Hall a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 7.7 reflète la réalisation, l’écriture et la performance fonctionnant simultanément à des niveaux cohérents. Les films qui obtiennent des scores dans cette fourchette échouent rarement de manière significative dans une seule dimension, et Annie Hall ne fait pas exception. Le réalisateur travaille avec une patience que la plupart des drames contemporains ne peuvent se permettre. Les scènes peuvent dépasser leur point final évident, trouvant la vérité dans ce que font les personnages après avoir dit ce qu'ils sont venus dire. Les acteurs comprennent ce rythme. Dans le contexte global du cinéma 1970s, Annie Hall représente ce que la décennie a apporté et que les décennies précédentes et suivantes n’ont pas apporté. Les conditions spécifiques du cinéma 1970s – budgets, technologie, contexte culturel – ont produit ici quelque chose qui ne pouvait provenir que de ce moment-là.
L’environnement sonore de Annie Hall est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Woody Allen comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Annie Hall utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Woody Allen travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Les nouveaux spectateurs de Annie Hall devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Annie Hall pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Annie Hall change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Woody Allen semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Woody Allen dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, Annie Hall occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : Annie Hall arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de Woody Allen ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent Annie Hall ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
Les Frissons de l'angoisse
Une conférencière télépathe est sauvagement assassinée. Peu avant sa mort, elle avait ressenti une présence meurtrière très proche. C'est le début d'une série de crimes inexplicables.
Pourquoi regarder: Les Frissons de l'angoisse gagne honnêtement sa tension – la pression vient de la situation et du caractère plutôt que d’une surprise artificielle. Dario Argento fait confiance au public pour ressentir les enjeux.
Sorti en 1975, Les Frissons de l'angoisse a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Dario Argento a créé quelque chose qui a survécu, et la note 7.7 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 7.7 pour Les Frissons de l'angoisse le place parmi les films qui tiennent leurs promesses sans faiblesses significatives. Dario Argento a créé quelque chose qui fonctionne comme prévu, ce qui est moins courant qu'il n'y paraît. Ce qui fait que le films fonctionne comme un thriller, c’est la compréhension que les enjeux nécessitent des investissements. Le premier acte forge le caractère avant que la pression n’arrive. Au moment où la tension monte, vous avez des raisons de vous soucier du résultat. 1970s a produit de nombreux films. Ceux qui restent sur des listes comme celle-ci des décennies plus tard sont ceux qui ont compris quelque chose de vrai sur les gens plutôt que sur le moment présent. Les Frissons de l'angoisse est là parce qu'il a compris quelque chose de durable.
Le langage visuel de Les Frissons de l'angoisse reflète le cinéma de 1975 dans sa forme la plus réfléchie. Dario Argento a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Les Frissons de l'angoisse a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Les Frissons de l'angoisse avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Il est préférable de regarder Les Frissons de l'angoisse dans des conditions qui permettent à l'atmosphère de fonctionner : faible luminosité, interruption minimale et idéalement sans connaissance préalable des moments spécifiques devenus culturellement connus. L'horreur perd de son efficacité lorsque le public sait exactement ce qui s'en vient, et Les Frissons de l'angoisse a été suffisamment discuté pour que certaines de ses séquences clés soient familières même aux personnes qui n'ont pas vu le films. Si vous pouvez l’aborder avec des connaissances préalables limitées, faites-le. Le vaisseau atmosphérique que Dario Argento a intégré à Les Frissons de l'angoisse dépend du fait que le public soit dans un état de véritable incertitude. La note 7.7 reflète les téléspectateurs qui étaient dans cet état lorsqu'ils l'ont regardé.
Les Frissons de l'angoisse se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. Dario Argento a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 7.7 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de Dario Argento à l'égard de ce matériel trouvent généralement que Les Frissons de l'angoisse fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
Manhattan
Isaac Davis est un auteur de sketches comiques new-yorkais de 42 ans que son épouse Jil vient de quitter. Celle-ci vit maintenant avec une autre femme, Connie, et écrit un livre sur son ancienne vie conjugale. Isaac, quant à lui, entretient avec une collégienne de 17 ans, Tracy, une liaison dont il lui rappelle le caractère éphémère. Il l'abandonne bientôt pour se mettre en ménage avec Mary Wilke, la maîtresse de Yale Pollack, son meilleur ami.
Pourquoi regarder: Ce qui fait que Manhattan fonctionne comme un drame, c'est le refus de Woody Allen d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le registre émotionnel est créé, non signalé.
Manhattan date de 1979, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Manhattan occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Chez 7.7, Manhattan se situe dans une gamme où la qualité est constante, mais le films n'a pas atteint le large consensus des titres mieux notés. Ce consensus plus restreint reflète souvent un attrait spécifique : Manhattan n'est pas pour tout le monde, mais pour le bon téléspectateur, il est excellent. Le films démontre ce que le drame peut faire que d'autres genres ne peuvent pas faire : mettre le comportement humain ordinaire sous pression et révéler le caractère à travers la réponse. Le réalisateur crée ces conditions et les acteurs les habitent avec une véritable conviction. Les 1970s furent un moment culturel spécifique avec des préoccupations spécifiques et des approches esthétiques spécifiques. Manhattan reflète ces conditions tout en les transcendant – c'est un films 1970s qui ne nécessite pas que vous compreniez le 1970s pour l'apprécier.
Le scénario de Manhattan démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Woody Allen a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Woody Allen propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Manhattan lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Manhattan est une recommandation fiable pour les téléspectateurs qui souhaitent découvrir un films selon ses propres conditions plutôt que d'exiger qu'il se conforme aux attentes venues d'ailleurs. Il n'a pas l'omniprésence culturelle des titres mieux notés dans cette catégorie, ce qui signifie qu'il arrive sans le poids du visionnage obligatoire. Les publics qui découvrent Manhattan sans qu’on leur ait dit qu’ils devaient le voir réagissent souvent plus fortement que ceux qui l’abordent comme une obligation. Woody Allen a créé quelque chose avec un attrait spécifique - il ne s'agit pas d'essayer de tout plaire à tout le monde. Les téléspectateurs qui se connectent à Manhattan ont tendance à le trouver considérablement meilleur que ne le suggère la note 7.7, c'est pourquoi il conserve cette note malgré une visibilité marketing limitée.
La position de Manhattan dans cette section de la liste reflète un films qui offre ses qualités spécifiques de manière fiable sans aspirer à tout pour tout le monde. Woody Allen a compris ce qu'était le films et l'a réalisé avec un haut niveau de savoir-faire. La note 7.7 représente les téléspectateurs qui ont interagi avec le films selon ces conditions et qui ont trouvé qu'il valait la peine d'être noté. Les téléspectateurs qui ont des attentes différentes trouvent parfois le films moins satisfaisant que ce que suggère la note - ce qui n'est pas une faiblesse du films mais une faiblesse des attentes. Manhattan est exactement ce qu'il est, réalisé avec compétence, et les électeurs qui l'ont évalué y ont répondu.
Les Dents de la mer
À quelques jours du début de la saison estivale, les habitants de la petite station balnéaire d'Amity sont mis en émoi par la découverte sur le littoral du corps atrocement mutilé d'une jeune vacancière. Pour Martin Brody, le chef de la police, il ne fait aucun doute que la jeune fille a été victime d'un requin. Il décide alors d'interdire l'accès aux plages mais se heurte à l'hostilité du maire uniquement intéressé par l'afflux des touristes. Pendant ce temps, le requin continue à semer la terreur le long des côtes et à dévorer les baigneurs…
Pourquoi regarder: Les Dents de la mer démontre que les meilleurs thrillers fonctionnent avec retenue. Steven Spielberg retient autant que possible le plus longtemps possible et le résultat est plus efficace qu'une escalade conventionnelle.
La version 1975 de Les Dents de la mer est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Les Dents de la mer l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Les Dents de la mer s'auto-sélectionne pour s'engager. Les Dents de la mer à 7.7 représente le niveau fiable de cette liste. Ce sont les films qui ne déçoivent pas. Steven Spielberg a compris ce que le films devait être et l'a exécuté sans compromis. Le métier est plus visible dans ce que le réalisateur retient. Les informations sont diffusées de manière stratégique, chaque révélation recontextualisant ce qui précède. Les performances sont calibrées pour une divulgation contrôlée. Classer les films du 1970s les uns par rapport aux autres est en partie un exercice d’identification de ce qui a survécu. Les Dents de la mer a survécu parce que Steven Spielberg a fait des choix basés sur l'artisanat plutôt que sur la tendance. La note 7.7 reflète que le public trouve toujours ces choix valables.
Les performances de Les Dents de la mer sont calibrées sur un registre spécifique que Steven Spielberg a établi et maintenu tout au long de la production. Roy Scheider a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Les Dents de la mer qui sont les plus difficiles sont ceux où Roy Scheider fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Les téléspectateurs qui regardent Les Dents de la mer pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Steven Spielberg gère les transitions entre les scènes. Les montages de Les Dents de la mer ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Roy Scheider travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 1975 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Steven Spielberg voulait dire.
Les films classés entre onze et vingt-cinq sur des listes comme celle-ci sont souvent les découvertes les plus utiles car ils présentent la qualité des dix premiers sans le poids culturel. Les Dents de la mer se trouve dans cette position non pas parce qu'il est nettement pire que les entrées ci-dessus, mais parce que son attrait est plus concentré. Les téléspectateurs qui se connectent à ce que fait Steven Spielberg dans Les Dents de la mer l'évaluent aussi bien que n'importe quel films de cette liste. La moyenne sur une base électorale plus large le place ici. Les téléspectateurs qui ont des raisons spécifiques de penser que ce films est fait pour eux – en fonction de leur préférence de genre, de l’intérêt du réalisateur ou de leur époque – devraient le donner la priorité à plusieurs entrées qui lui sont supérieures.
Il était une fois… la révolution
Mexique, 1913. Un pilleur de diligences, Juan Miranda, fait chanter un spécialiste en explosifs, John Mallory, pour qu'ils s'associent afin de dévaliser la banque centrale de Mesa Verde. Tous deux se trouvent plongés en plein cœur de la tourmente de la révolution mexicaine.
Pourquoi regarder: Un films qui récompense l'attention des patients. Sergio Leone ne gaspille pas une seule scène et l'investissement dans Il était une fois… la révolution semble tout à fait justifié.
Il était une fois… la révolution (1971) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Il était une fois… la révolution a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 7.7 provenant d'un large bassin d'électeurs signifie que le films possède de véritables atouts qui l'emportent sur les faiblesses trouvées par les téléspectateurs. Il était une fois… la révolution tient sa promesse centrale, qui est la norme minimale que tout films devrait respecter et qui est moins atteinte que ne le suggère le nombre de sorties. Le films démontre la compréhension du réalisateur en matière d'artisanat : comment construire des scènes, comment rythmer l'information, comment créer des enjeux qui intéressent le public. Il était une fois… la révolution mérite sa place dans tout récit du cinéma 1970s car il capture quelque chose que la décennie a produit et que les décennies suivantes ont perdu. Les conditions culturelles et technologiques du cinéma 1970s ont façonné ce que Sergio Leone pourrait faire ici.
La structure de Il était une fois… la révolution est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Sergio Leone réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Il était une fois… la révolution coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Il était une fois… la révolution désorientant de manière productive.
Les téléspectateurs qui ont vu les films influencés par Il était une fois… la révolution trouveront que regarder l’original est une expérience différente de celle d’un films contemporain. Les techniques qui semblent familières parce qu'elles ont été largement copiées sont visibles ici dans leur forme originale, ce qui révèle souvent que les copies ont compris la surface de ce que Sergio Leone a fait sans en comprendre le raisonnement. Il était une fois… la révolution utilise ses choix stylistiques au service d’objectifs narratifs spécifiques. Les films ultérieurs qui ont emprunté ces choix les ont souvent utilisés comme style sans fonction. Regarder l’original clarifie ce qui était réellement accompli. Le travail de Rod Steiger présente ici également une spécificité qui manque à de nombreuses performances qui s'en inspirent : les imitations captent la manière sans l'intériorité qui lui donne un sens.
Il était une fois… la révolution, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de Rod Steiger et le savoir-faire de Sergio Leone peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
Les Guerriers de la nuit
À New York, où une centaine de gangs se partagent les rues, les combats font rage. La bande la plus puissante, les Gramercy Riffs dirigés par Cyrus, désirent unifier les forces et convoquent tous les gangs à un rassemblement pacifique. Mais la réunion dérape et finit dans le sang : Cyrus est assassiné. Ce meurtre, attribué par erreur aux Guerriers, déclenche sur eux la vengeance de tous les autres. La lutte pour la survie commence, le long du trajet de 40 kilomètres qui les relie à leur quartier général...
Pourquoi regarder: Les Guerriers de la nuit gagne honnêtement sa tension – la pression vient de la situation et du caractère plutôt que d’une surprise artificielle. Walter Hill fait confiance au public pour ressentir les enjeux.
Sorti en 1979, Les Guerriers de la nuit a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Walter Hill a créé quelque chose qui a survécu, et la note 7.7 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 7.7 pour Les Guerriers de la nuit est construit à partir de téléspectateurs qui avaient des alternatives et ont choisi de lui attribuer une note élevée. Ce choix reflète un films qui a clairement fait valoir ses arguments – ce qui est exactement ce que fait Les Guerriers de la nuit. Walter Hill a présenté cet argument et le public l'a accepté. Ce qui fait que le films fonctionne comme un thriller, c’est la compréhension que les enjeux nécessitent des investissements. Le premier acte forge le caractère avant que la pression n’arrive. Au moment où la tension monte, vous avez des raisons de vous soucier du résultat. Chaque décennie produit des films qui semblent essentiels à l’époque et qui s’estompent. Les Guerriers de la nuit appartient à la catégorie la plus petite : les films 1970s sont toujours très bien notés par les téléspectateurs qui n'ont aucune nostalgie de l'époque. Cette qualité transgénérationnelle est le véritable test.
L’environnement sonore de Les Guerriers de la nuit est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Walter Hill comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Les Guerriers de la nuit utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Michael Beck travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Les Guerriers de la nuit s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.7 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Les Guerriers de la nuit comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Walter Hill et Michael Beck font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 7.7 qui place Les Guerriers de la nuit dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à Les Guerriers de la nuit un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que Walter Hill a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. Les Guerriers de la nuit est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
Le meilleur cinéma récompense votre attention. Chaque films ici a gagné le temps dont il a besoin.
Les Hommes du Président
Les journalistes Woodward et Bernstein découvrent certains éléments à l’origine du plus grand scandale politique de l’après‐guerre que fut l’affaire du Watergate qui n'avait d'autres manœuvres que de faire démissionner le président Nixon…
Pourquoi regarder: Le thriller à son meilleur signifie que le public ressent de la peur avant que quelque chose d'explicite ne se produise. Alan J. Pakula y parvient dans Les Hommes du Président grâce au contrôle des informations et du timing.
Les Hommes du Président date de 1976, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Les Hommes du Président occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Les Hommes du Président à 7.7 est un films où le métier est constamment au-dessus de la moyenne dans plusieurs dimensions. Aucun élément ne porte les autres. La mise en scène, l’écriture et la performance vont toutes dans la même direction. Celui-ci appartient à la catégorie des thrillers où la tension est plutôt psychologique que physique. Le réalisateur fait confiance au public pour ressentir de la pression sans se montrer explicitement en danger. Le résultat est plus déstabilisant que les mécaniques classiques du thriller. Le contexte 1970s pour Les Hommes du Président n’est pas accessoire. Les conditions esthétiques spécifiques de cette décennie – ce que la technologie permettait, ce que la culture exigeait – ont façonné les choix que Alan J. Pakula a faits ici. Ces choix tiennent indépendamment du moment.
Le langage visuel de Les Hommes du Président reflète le cinéma de 1976 dans sa forme la plus réfléchie. Alan J. Pakula a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Les Hommes du Président a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Les Hommes du Président avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Les nouveaux spectateurs de Les Hommes du Président devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Les Hommes du Président pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Les Hommes du Président change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Alan J. Pakula semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Robert Redford dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, Les Hommes du Président occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : Les Hommes du Président arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de Alan J. Pakula ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent Les Hommes du Président ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
La Planète sauvage
Sur la planète Ygam vivent les Draags, une espèce d'humanoïdes mesurant douze mètres de haut. Ils ont atteint les plus hauts sommets de la connaissance. Leur existence s’écoule lentement, tout entière tournée vers la méditation. Les enfants des Draags raffolent de minuscules animaux familiers, les Oms, ramenés d'une lointaine planète dévastée, Terra. Peu de Draags envisagent les Oms comme des créatures intelligentes, même s’ils sont doués d'une faculté d’adaptation certaine. Certains Draags considèrent même cette espèce comme nuisible, car si les Oms de luxe font la joie des petits, les spécimens qui s’échappent et retournent à l’état sauvage tendent à proliférer dans les parcs et endommagent les installations des Draags.
Pourquoi regarder: La logique interne de La Planète sauvage est cohérente partout. René Laloux s'engage sur le principe et le suit - ce qui permet au public de s'engager avec des idées plutôt que de se défendre contre l'incohérence.
La version 1973 de La Planète sauvage est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté La Planète sauvage l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour La Planète sauvage s'auto-sélectionne pour s'engager. Les films de la gamme 7.6 sont souvent plus intéressants que ne le suggère leur position dans une liste. Ils n’ont pas atteint la saturation culturelle des titres mieux notés, ce qui signifie que La Planète sauvage est plus facile à aborder sans préjugés. La Planète sauvage en profite. La science-fiction est fondée sur la perspective des personnages. Le réalisateur filtre les éléments spéculatifs en fonction de la manière dont ils affectent le protagoniste, ce qui signifie que l'abstrait devient concret et émotionnellement lisible. Les films du 1970s qui sont encore classés 7.6 aujourd'hui ont survécu à un test plus long que n'importe quelle sortie contemporaine. La Planète sauvage a réussi ce test parce que l'essentiel - la narration, les performances, l'artisanat - fonctionne sans avoir besoin de son époque.
Le scénario de La Planète sauvage démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. René Laloux a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Gérard Hernandez propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans La Planète sauvage lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
La Planète sauvage s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.6 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent La Planète sauvage comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. René Laloux et Gérard Hernandez font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La Planète sauvage se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. René Laloux a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 7.6 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de René Laloux à l'égard de ce matériel trouvent généralement que La Planète sauvage fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
Harold et Maude
Fils de riches bourgeois, dominé par une mère possessive, Harold Chasen passe son temps libre à simuler des suicides et à suivre dans son corbillard personnel les enterrements de personnes qu'il ne connaît pas. C'est ainsi qu'il rencontre Maude, une charmante vieille dame de presque 80 ans. Tous deux sympathisent aussitôt. Maude communique sa joie de vivre à Harold. Le jeune homme s'emploie à décourager les prétendantes au mariage que lui présente sa mère. Il ne se sent bien qu'en compagnie de Maude. Celle-ci, après une existence bien remplie, vit la bohème dans un wagon abandonné où elle se sent bien...
Pourquoi regarder: Le genre de drame qui vous reste bien après le générique. Hal Ashby apporte une patience au matériel qui l'élève au-dessus du tarif standard.
Harold et Maude (1971) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Harold et Maude a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 7.6 reflète la réalisation, l’écriture et la performance fonctionnant simultanément à des niveaux cohérents. Les films qui obtiennent des scores dans cette fourchette échouent rarement de manière significative dans une seule dimension, et Harold et Maude ne fait pas exception. Le réalisateur travaille avec une patience que la plupart des drames contemporains ne peuvent se permettre. Les scènes peuvent dépasser leur point final évident, trouvant la vérité dans ce que font les personnages après avoir dit ce qu'ils sont venus dire. Les acteurs comprennent ce rythme. Dans le contexte global du cinéma 1970s, Harold et Maude représente ce que la décennie a apporté et que les décennies précédentes et suivantes n’ont pas apporté. Les conditions spécifiques du cinéma 1970s – budgets, technologie, contexte culturel – ont produit ici quelque chose qui ne pouvait provenir que de ce moment-là.
Les performances de Harold et Maude sont calibrées sur un registre spécifique que Hal Ashby a établi et maintenu tout au long de la production. Ruth Gordon a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Harold et Maude qui sont les plus difficiles sont ceux où Ruth Gordon fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Harold et Maude est une recommandation fiable pour les téléspectateurs qui souhaitent découvrir un films selon ses propres conditions plutôt que d'exiger qu'il se conforme aux attentes venues d'ailleurs. Il n'a pas l'omniprésence culturelle des titres mieux notés dans cette catégorie, ce qui signifie qu'il arrive sans le poids du visionnage obligatoire. Les publics qui découvrent Harold et Maude sans qu’on leur ait dit qu’ils devaient le voir réagissent souvent plus fortement que ceux qui l’abordent comme une obligation. Hal Ashby a créé quelque chose avec un attrait spécifique - il ne s'agit pas d'essayer de tout plaire à tout le monde. Les téléspectateurs qui se connectent à Harold et Maude ont tendance à le trouver considérablement meilleur que ne le suggère la note 7.6, c'est pourquoi il conserve cette note malgré une visibilité marketing limitée.
La position de Harold et Maude dans cette section de la liste reflète un films qui offre ses qualités spécifiques de manière fiable sans aspirer à tout pour tout le monde. Hal Ashby a compris ce qu'était le films et l'a réalisé avec un haut niveau de savoir-faire. La note 7.6 représente les téléspectateurs qui ont interagi avec le films selon ces conditions et qui ont trouvé qu'il valait la peine d'être noté. Les téléspectateurs qui ont des attentes différentes trouvent parfois le films moins satisfaisant que ce que suggère la note - ce qui n'est pas une faiblesse du films mais une faiblesse des attentes. Harold et Maude est exactement ce qu'il est, réalisé avec compétence, et les électeurs qui l'ont évalué y ont répondu.
Bienvenue, Mister Chance
Un jardinier quinquagénaire prénommé Chance, homme naïf et simple, coule une vie sans heurts à prendre soin du jardin d'une calme propriété de Washington. Il vit quasiment retiré du monde, ne sort jamais, n'est jamais monté dans une automobile et sa seule distraction est la télévision, qu'il contemple avec assiduité et fascination. Obligé de quitter cette maison et cette activité à la suite du décès de son employeur, Chance est heurté, dans la rue, par un véhicule dont la propriétaire, Eve Rand, l'accueille à son domicile pour lui faire prodiguer des soins. Chance se lie avec Benjamin Rand, le mari, qui, peu après, reçoit la visite du président des États-Unis. Chance prend part à l'entretien et ce avec un tel naturel que ses phrases, distillées comme des proverbes de sagesse mais, en réalité, orientées jardinage, vont être prises pour de véritables oracles. Il va ainsi devenir la coqueluche du pouvoir et des médias.
Pourquoi regarder: Bienvenue, Mister Chance est un drame qui fait confiance au silence. Hal Ashby donne aux scènes la possibilité de respirer au-delà de leur point final évident, en trouvant quelque chose de vrai dans ce que font les personnages lorsqu'ils arrêtent de jouer.
Sorti en 1979, Bienvenue, Mister Chance a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Hal Ashby a créé quelque chose qui a survécu, et la note 7.6 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 7.6 pour Bienvenue, Mister Chance le place parmi les films qui tiennent leurs promesses sans faiblesses significatives. Hal Ashby a créé quelque chose qui fonctionne comme prévu, ce qui est moins courant qu'il n'y paraît. Le drame vient de la spécificité plutôt que de l’universalité. Le réalisateur fait des choix qui s'appliquent précisément à ces personnages dans cette situation, ce qui crée paradoxalement quelque chose de plus universel que ne le feraient des battements émotionnels génériques. 1970s a produit de nombreux films. Ceux qui restent sur des listes comme celle-ci des décennies plus tard sont ceux qui ont compris quelque chose de vrai sur les gens plutôt que sur le moment présent. Bienvenue, Mister Chance est là parce qu'il a compris quelque chose de durable.
La structure de Bienvenue, Mister Chance est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Hal Ashby réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Bienvenue, Mister Chance coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Bienvenue, Mister Chance désorientant de manière productive.
Les téléspectateurs qui regardent Bienvenue, Mister Chance pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Hal Ashby gère les transitions entre les scènes. Les montages de Bienvenue, Mister Chance ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Peter Sellers travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 1979 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Hal Ashby voulait dire.
Les films classés entre onze et vingt-cinq sur des listes comme celle-ci sont souvent les découvertes les plus utiles car ils présentent la qualité des dix premiers sans le poids culturel. Bienvenue, Mister Chance se trouve dans cette position non pas parce qu'il est nettement pire que les entrées ci-dessus, mais parce que son attrait est plus concentré. Les téléspectateurs qui se connectent à ce que fait Hal Ashby dans Bienvenue, Mister Chance l'évaluent aussi bien que n'importe quel films de cette liste. La moyenne sur une base électorale plus large le place ici. Les téléspectateurs qui ont des raisons spécifiques de penser que ce films est fait pour eux – en fonction de leur préférence de genre, de l’intérêt du réalisateur ou de leur époque – devraient le donner la priorité à plusieurs entrées qui lui sont supérieures.
Le Locataire
Trelkovsky, d'origine juive polonaise, travaille dans un service d'archives et se lie difficilement avec ses collègues. Il visite un appartement inoccupé dans un quartier populaire de Paris et la concierge lui apprend que la locataire précédente s'est jetée par la fenêtre quelques jours auparavant. Trelkovsky s'installe dans l'appartement. Mais il est bientôt victime de multiples vexations de la part de ses voisins...
Pourquoi regarder: Le thriller à son meilleur signifie que le public ressent de la peur avant que quelque chose d'explicite ne se produise. Roman Polanski y parvient dans Le Locataire grâce au contrôle des informations et du timing.
Le Locataire date de 1976, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Le Locataire occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Chez 7.6, Le Locataire se situe dans une gamme où la qualité est constante, mais le films n'a pas atteint le large consensus des titres mieux notés. Ce consensus plus restreint reflète souvent un attrait spécifique : Le Locataire n'est pas pour tout le monde, mais pour le bon téléspectateur, il est excellent. Celui-ci appartient à la catégorie des thrillers où la tension est plutôt psychologique que physique. Le réalisateur fait confiance au public pour ressentir de la pression sans se montrer explicitement en danger. Le résultat est plus déstabilisant que les mécaniques classiques du thriller. Les 1970s furent un moment culturel spécifique avec des préoccupations spécifiques et des approches esthétiques spécifiques. Le Locataire reflète ces conditions tout en les transcendant – c'est un films 1970s qui ne nécessite pas que vous compreniez le 1970s pour l'apprécier.
L’environnement sonore de Le Locataire est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Roman Polanski comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Le Locataire utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Roman Polanski travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Les téléspectateurs qui ont vu les films influencés par Le Locataire trouveront que regarder l’original est une expérience différente de celle d’un films contemporain. Les techniques qui semblent familières parce qu'elles ont été largement copiées sont visibles ici dans leur forme originale, ce qui révèle souvent que les copies ont compris la surface de ce que Roman Polanski a fait sans en comprendre le raisonnement. Le Locataire utilise ses choix stylistiques au service d’objectifs narratifs spécifiques. Les films ultérieurs qui ont emprunté ces choix les ont souvent utilisés comme style sans fonction. Regarder l’original clarifie ce qui était réellement accompli. Le travail de Roman Polanski présente ici également une spécificité qui manque à de nombreuses performances qui s'en inspirent : les imitations captent la manière sans l'intériorité qui lui donne un sens.
Le Locataire, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de Roman Polanski et le savoir-faire de Roman Polanski peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
Kramer contre Kramer
Exaspérée par les priorités professionnelles de son mari, Joanna Kramer quitte son mari Ted et leur fils Billy. Le père doit alors concilier l'éducation de son fils et son travail de publicitaire mais parvient à tisser une relation très forte avec Billy. Quelques mois plus tard, Joanna est de retour et entame une procédure judiciaire pour obtenir la garde de l'enfant.
Pourquoi regarder: Robert Benton aborde Kramer contre Kramer avec la patience qu'un bon drame requiert et qu'il obtient rarement. Le résultat est un films qui gagne ses moments d’émotion plutôt que de les programmer.
La version 1979 de Kramer contre Kramer est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Kramer contre Kramer l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Kramer contre Kramer s'auto-sélectionne pour s'engager. Kramer contre Kramer à 7.6 représente le niveau fiable de cette liste. Ce sont les films qui ne déçoivent pas. Robert Benton a compris ce que le films devait être et l'a exécuté sans compromis. Ce qui distingue ce films d'un drame est le refus du réalisateur d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le films crée des situations avec un poids émotionnel et fait ensuite confiance aux spectateurs pour porter eux-mêmes ce poids. Les performances apportent le registre émotionnel sans sur-signalisation. Classer les films du 1970s les uns par rapport aux autres est en partie un exercice d’identification de ce qui a survécu. Kramer contre Kramer a survécu parce que Robert Benton a fait des choix basés sur l'artisanat plutôt que sur la tendance. La note 7.6 reflète que le public trouve toujours ces choix valables.
Le langage visuel de Kramer contre Kramer reflète le cinéma de 1979 dans sa forme la plus réfléchie. Robert Benton a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Kramer contre Kramer a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Kramer contre Kramer avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Kramer contre Kramer s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.6 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Kramer contre Kramer comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Robert Benton et Dustin Hoffman font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 7.6 qui place Kramer contre Kramer dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à Kramer contre Kramer un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que Robert Benton a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. Kramer contre Kramer est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
On l'appelle Trinita
Trinita et Bambino sont deux demi-frères aux physiques et caractères diamétralement opposés. Ensemble, ils tentent de repousser les assauts de bandits mexicains venus attaquer une colonie de mormons.
Pourquoi regarder: Action conçue avec une clarté géographique. Enzo Barboni comprend que les meilleures séquences fonctionnent parce que vous savez toujours où se trouve tout le monde.
On l'appelle Trinita (1970) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et On l'appelle Trinita a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 7.6 provenant d'un large bassin d'électeurs signifie que le films possède de véritables atouts qui l'emportent sur les faiblesses trouvées par les téléspectateurs. On l'appelle Trinita tient sa promesse centrale, qui est la norme minimale que tout films devrait respecter et qui est moins atteinte que ne le suggère le nombre de sorties. Le réalisateur résout le problème central du cinéma d’action : vous faire vous soucier du résultat avant de vous montrer l’action. Les séquences fonctionnent parce que la clarté géographique signifie que vous savez toujours qui se trouve où et ce qu'exige le succès. On l'appelle Trinita mérite sa place dans tout récit du cinéma 1970s car il capture quelque chose que la décennie a produit et que les décennies suivantes ont perdu. Les conditions culturelles et technologiques du cinéma 1970s ont façonné ce que Enzo Barboni pourrait faire ici.
Le scénario de On l'appelle Trinita démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Enzo Barboni a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Terence Hill propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans On l'appelle Trinita lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Les nouveaux spectateurs de On l'appelle Trinita devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder On l'appelle Trinita pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que On l'appelle Trinita change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Enzo Barboni semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Terence Hill dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, On l'appelle Trinita occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : On l'appelle Trinita arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de Enzo Barboni ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent On l'appelle Trinita ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
La Nuit des masques
Il y a 15 ans, dans une petite ville des États-Unis, le soir d’Halloween, au cours de laquelle les enfants ont l’habitude de se déguiser, un petit garçon, Michael, épie sa sœur et son ami qui flirtent. Michael les suit et, armé d’un couteau de cuisine, assassine la jeune fille. Quinze ans plus tard, un psychiatre, le docteur Loomis qui étudie le cas du jeune meurtrier apprend que le criminel s’est échappé : il est revenu sur les lieux de son crime pour continuer son œuvre…
Pourquoi regarder: La Nuit des masques gagne honnêtement sa tension – la pression vient de la situation et du caractère plutôt que d’une surprise artificielle. John Carpenter fait confiance au public pour ressentir les enjeux.
Sorti en 1978, La Nuit des masques a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. John Carpenter a créé quelque chose qui a survécu, et la note 7.6 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 7.6 pour La Nuit des masques est construit à partir de téléspectateurs qui avaient des alternatives et ont choisi de lui attribuer une note élevée. Ce choix reflète un films qui a clairement fait valoir ses arguments – ce qui est exactement ce que fait La Nuit des masques. John Carpenter a présenté cet argument et le public l'a accepté. Ce qui fait que le films fonctionne comme un thriller, c’est la compréhension que les enjeux nécessitent des investissements. Le premier acte forge le caractère avant que la pression n’arrive. Au moment où la tension monte, vous avez des raisons de vous soucier du résultat. Chaque décennie produit des films qui semblent essentiels à l’époque et qui s’estompent. La Nuit des masques appartient à la catégorie la plus petite : les films 1970s sont toujours très bien notés par les téléspectateurs qui n'ont aucune nostalgie de l'époque. Cette qualité transgénérationnelle est le véritable test.
Les performances de La Nuit des masques sont calibrées sur un registre spécifique que John Carpenter a établi et maintenu tout au long de la production. Donald Pleasence a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de La Nuit des masques qui sont les plus difficiles sont ceux où Donald Pleasence fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Il est préférable de regarder La Nuit des masques dans des conditions qui permettent à l'atmosphère de fonctionner : faible luminosité, interruption minimale et idéalement sans connaissance préalable des moments spécifiques devenus culturellement connus. L'horreur perd de son efficacité lorsque le public sait exactement ce qui s'en vient, et La Nuit des masques a été suffisamment discuté pour que certaines de ses séquences clés soient familières même aux personnes qui n'ont pas vu le films. Si vous pouvez l’aborder avec des connaissances préalables limitées, faites-le. Le vaisseau atmosphérique que John Carpenter a intégré à La Nuit des masques dépend du fait que le public soit dans un état de véritable incertitude. La note 7.6 reflète les téléspectateurs qui étaient dans cet état lorsqu'ils l'ont regardé.
La Nuit des masques se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. John Carpenter a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 7.6 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de John Carpenter à l'égard de ce matériel trouvent généralement que La Nuit des masques fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
La Montagne sacrée
Après une série de tribulations, un vagabond s'introduit dans la tour d'un maître alchimiste. Ce dernier lui fait parcourir les premières étapes d'une initiation, puis lui présente sept personnes qui font partie des puissants de ce monde. Chacune d'entre elle est associée à une planète, au sens astrologique. Ces hommes et ces femmes sont prêts à tout abandonner pour obtenir le secret de l'immortalité. Le maître leur promet de les conduire jusqu'aux neuf sages qui le détiennent, au sommet de la Montagne sacrée.
Pourquoi regarder: Ce qui fait que La Montagne sacrée fonctionne comme un drame, c'est le refus de Alejandro Jodorowsky d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le registre émotionnel est créé, non signalé.
La Montagne sacrée date de 1973, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que La Montagne sacrée occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. La Montagne sacrée à 7.5 est un films où le métier est constamment au-dessus de la moyenne dans plusieurs dimensions. Aucun élément ne porte les autres. La mise en scène, l’écriture et la performance vont toutes dans la même direction. Le films démontre ce que le drame peut faire que d'autres genres ne peuvent pas faire : mettre le comportement humain ordinaire sous pression et révéler le caractère à travers la réponse. Le réalisateur crée ces conditions et les acteurs les habitent avec une véritable conviction. Le contexte 1970s pour La Montagne sacrée n’est pas accessoire. Les conditions esthétiques spécifiques de cette décennie – ce que la technologie permettait, ce que la culture exigeait – ont façonné les choix que Alejandro Jodorowsky a faits ici. Ces choix tiennent indépendamment du moment.
La structure de La Montagne sacrée est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Alejandro Jodorowsky réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. La Montagne sacrée coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent La Montagne sacrée désorientant de manière productive.
La Montagne sacrée s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.5 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent La Montagne sacrée comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Alejandro Jodorowsky et Alejandro Jodorowsky font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La position de La Montagne sacrée dans cette section de la liste reflète un films qui offre ses qualités spécifiques de manière fiable sans aspirer à tout pour tout le monde. Alejandro Jodorowsky a compris ce qu'était le films et l'a réalisé avec un haut niveau de savoir-faire. La note 7.5 représente les téléspectateurs qui ont interagi avec le films selon ces conditions et qui ont trouvé qu'il valait la peine d'être noté. Les téléspectateurs qui ont des attentes différentes trouvent parfois le films moins satisfaisant que ce que suggère la note - ce qui n'est pas une faiblesse du films mais une faiblesse des attentes. La Montagne sacrée est exactement ce qu'il est, réalisé avec compétence, et les électeurs qui l'ont évalué y ont répondu.
Serpico
Policier intègre, Serpico lutte contre la corruption généralisée au sein de la police new-yorkaise. Détesté de tous, collègues comme supérieurs, il ne pourra compter que sur lui-même pour mener à bien sa croisade pour la justice.
Pourquoi regarder: Sidney Lumet aborde Serpico avec la patience qu'un bon drame requiert et qu'il obtient rarement. Le résultat est un films qui gagne ses moments d’émotion plutôt que de les programmer.
La version 1973 de Serpico est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Serpico l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Serpico s'auto-sélectionne pour s'engager. Les films de la gamme 7.5 sont souvent plus intéressants que ne le suggère leur position dans une liste. Ils n’ont pas atteint la saturation culturelle des titres mieux notés, ce qui signifie que Serpico est plus facile à aborder sans préjugés. Serpico en profite. Ce qui distingue ce films d'un drame est le refus du réalisateur d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le films crée des situations avec un poids émotionnel et fait ensuite confiance aux spectateurs pour porter eux-mêmes ce poids. Les performances apportent le registre émotionnel sans sur-signalisation. Les films du 1970s qui sont encore classés 7.5 aujourd'hui ont survécu à un test plus long que n'importe quelle sortie contemporaine. Serpico a réussi ce test parce que l'essentiel - la narration, les performances, l'artisanat - fonctionne sans avoir besoin de son époque.
L’environnement sonore de Serpico est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Sidney Lumet comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Serpico utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Al Pacino travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Les téléspectateurs qui regardent Serpico pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Sidney Lumet gère les transitions entre les scènes. Les montages de Serpico ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Al Pacino travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 1973 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Sidney Lumet voulait dire.
Les films classés entre onze et vingt-cinq sur des listes comme celle-ci sont souvent les découvertes les plus utiles car ils présentent la qualité des dix premiers sans le poids culturel. Serpico se trouve dans cette position non pas parce qu'il est nettement pire que les entrées ci-dessus, mais parce que son attrait est plus concentré. Les téléspectateurs qui se connectent à ce que fait Sidney Lumet dans Serpico l'évaluent aussi bien que n'importe quel films de cette liste. La moyenne sur une base électorale plus large le place ici. Les téléspectateurs qui ont des raisons spécifiques de penser que ce films est fait pour eux – en fonction de leur préférence de genre, de l’intérêt du réalisateur ou de leur époque – devraient le donner la priorité à plusieurs entrées qui lui sont supérieures.
Regarder de bons films change votre façon de voir le monde. C'est pourquoi nous les choisissons avec soin.
Vidocq contre Cagliostro
Le célèbre Lupin dévalise un casino mais s’aperçoit que les billets volés sont des faux. En compagnie de son acolyte Jigen, Lupin enquête sur cette fausse monnaie qui le conduit au château de Cagliostro. Ils apprennent alors qu’une princesse, enfermée dans le château, détiendrait la clé d’un fabuleux trésor…
Pourquoi regarder: Un films vraiment drôle plutôt que simplement commercialisé comme tel. L'humour dans Vidocq contre Cagliostro vient du personnage, pas de la configuration.
Vidocq contre Cagliostro (1979) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Vidocq contre Cagliostro a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 7.5 reflète la réalisation, l’écriture et la performance fonctionnant simultanément à des niveaux cohérents. Les films qui obtiennent des scores dans cette fourchette échouent rarement de manière significative dans une seule dimension, et Vidocq contre Cagliostro ne fait pas exception. Ce qui fait que le films fonctionne comme une comédie, c'est le refus du réalisateur de signaler où se trouve l'humour. Les blagues viennent du personnage et de la situation, ce qui signifie que les téléspectateurs qui y prêtent attention trouvent plus que ceux qui attendent qu'on leur dise qu'ils devraient rire. Dans le contexte global du cinéma 1970s, Vidocq contre Cagliostro représente ce que la décennie a apporté et que les décennies précédentes et suivantes n’ont pas apporté. Les conditions spécifiques du cinéma 1970s – budgets, technologie, contexte culturel – ont produit ici quelque chose qui ne pouvait provenir que de ce moment-là.
Le langage visuel de Vidocq contre Cagliostro reflète le cinéma de 1979 dans sa forme la plus réfléchie. Hayao Miyazaki a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Vidocq contre Cagliostro a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Vidocq contre Cagliostro avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Les téléspectateurs qui ont vu les films influencés par Vidocq contre Cagliostro trouveront que regarder l’original est une expérience différente de celle d’un films contemporain. Les techniques qui semblent familières parce qu'elles ont été largement copiées sont visibles ici dans leur forme originale, ce qui révèle souvent que les copies ont compris la surface de ce que Hayao Miyazaki a fait sans en comprendre le raisonnement. Vidocq contre Cagliostro utilise ses choix stylistiques au service d’objectifs narratifs spécifiques. Les films ultérieurs qui ont emprunté ces choix les ont souvent utilisés comme style sans fonction. Regarder l’original clarifie ce qui était réellement accompli. Le travail de Yasuo Yamada présente ici également une spécificité qui manque à de nombreuses performances qui s'en inspirent : les imitations captent la manière sans l'intériorité qui lui donne un sens.
Vidocq contre Cagliostro, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de Yasuo Yamada et le savoir-faire de Hayao Miyazaki peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
L'Évadé d'Alcatraz
En 29 ans, le pénitencier fédéral d’Alcatraz, construit sur un piton rocheux face à la côte, dite forteresse impénétrable, n’a été forcé qu’une seule fois, par trois hommes qui n'ont plus jamais fait parler d'eux. Frank Morris, l’astucieux voleur de banques, évadé de plusieurs prisons, en 1960, il est écroué et transféré à Alcatraz. Avec deux autres complices, il mettre au point cette évasion élaborée dans ses moindres détails.
Pourquoi regarder: L'Évadé d'Alcatraz gagne honnêtement sa tension – la pression vient de la situation et du caractère plutôt que d’une surprise artificielle. Don Siegel fait confiance au public pour ressentir les enjeux.
Sorti en 1979, L'Évadé d'Alcatraz a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Don Siegel a créé quelque chose qui a survécu, et la note 7.5 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 7.5 pour L'Évadé d'Alcatraz le place parmi les films qui tiennent leurs promesses sans faiblesses significatives. Don Siegel a créé quelque chose qui fonctionne comme prévu, ce qui est moins courant qu'il n'y paraît. Ce qui fait que le films fonctionne comme un thriller, c’est la compréhension que les enjeux nécessitent des investissements. Le premier acte forge le caractère avant que la pression n’arrive. Au moment où la tension monte, vous avez des raisons de vous soucier du résultat. 1970s a produit de nombreux films. Ceux qui restent sur des listes comme celle-ci des décennies plus tard sont ceux qui ont compris quelque chose de vrai sur les gens plutôt que sur le moment présent. L'Évadé d'Alcatraz est là parce qu'il a compris quelque chose de durable.
Le scénario de L'Évadé d'Alcatraz démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Don Siegel a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Clint Eastwood propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans L'Évadé d'Alcatraz lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
L'Évadé d'Alcatraz s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.5 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent L'Évadé d'Alcatraz comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Don Siegel et Clint Eastwood font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 7.5 qui place L'Évadé d'Alcatraz dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à L'Évadé d'Alcatraz un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que Don Siegel a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. L'Évadé d'Alcatraz est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
Conversation secrète
Spécialiste de la filature, Harry Caul est engagé pour suivre un couple et enregistrer leur conversation. Une fois sa mission accomplie, Caul écoute la bande sonore. La banalité des propos le surprend. S'agit-il d'un code secret?
Pourquoi regarder: Ce qui fait que Conversation secrète fonctionne comme un drame, c'est le refus de Francis Ford Coppola d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le registre émotionnel est créé, non signalé.
Conversation secrète date de 1974, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Conversation secrète occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Chez 7.5, Conversation secrète se situe dans une gamme où la qualité est constante, mais le films n'a pas atteint le large consensus des titres mieux notés. Ce consensus plus restreint reflète souvent un attrait spécifique : Conversation secrète n'est pas pour tout le monde, mais pour le bon téléspectateur, il est excellent. Le films démontre ce que le drame peut faire que d'autres genres ne peuvent pas faire : mettre le comportement humain ordinaire sous pression et révéler le caractère à travers la réponse. Le réalisateur crée ces conditions et les acteurs les habitent avec une véritable conviction. Les 1970s furent un moment culturel spécifique avec des préoccupations spécifiques et des approches esthétiques spécifiques. Conversation secrète reflète ces conditions tout en les transcendant – c'est un films 1970s qui ne nécessite pas que vous compreniez le 1970s pour l'apprécier.
Les performances de Conversation secrète sont calibrées sur un registre spécifique que Francis Ford Coppola a établi et maintenu tout au long de la production. Gene Hackman a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Conversation secrète qui sont les plus difficiles sont ceux où Gene Hackman fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Les nouveaux spectateurs de Conversation secrète devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Conversation secrète pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Conversation secrète change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Francis Ford Coppola semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Gene Hackman dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, Conversation secrète occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : Conversation secrète arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de Francis Ford Coppola ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent Conversation secrète ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
French Connection
Jimmy « Popeye » Doyle et Buddy Russo, deux flics du bureau des narcotiques, mettent à jour un important trafic d’héroïne. Une véritable filière qui prend sa source en France et qui finit dans les rues de New York. De planques en filatures, d’arrestations musclées en poursuites explosives, « Popeye » et Russo entament une chasse à l’homme implacable pour démanteler ce que les archives du crime appellent désormais… la French Connection.
Pourquoi regarder: French Connection démontre que les meilleurs thrillers fonctionnent avec retenue. William Friedkin retient autant que possible le plus longtemps possible et le résultat est plus efficace qu'une escalade conventionnelle.
La version 1971 de French Connection est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté French Connection l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour French Connection s'auto-sélectionne pour s'engager. French Connection à 7.5 représente le niveau fiable de cette liste. Ce sont les films qui ne déçoivent pas. William Friedkin a compris ce que le films devait être et l'a exécuté sans compromis. Le métier est plus visible dans ce que le réalisateur retient. Les informations sont diffusées de manière stratégique, chaque révélation recontextualisant ce qui précède. Les performances sont calibrées pour une divulgation contrôlée. Classer les films du 1970s les uns par rapport aux autres est en partie un exercice d’identification de ce qui a survécu. French Connection a survécu parce que William Friedkin a fait des choix basés sur l'artisanat plutôt que sur la tendance. La note 7.5 reflète que le public trouve toujours ces choix valables.
La structure de French Connection est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. William Friedkin réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. French Connection coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent French Connection désorientant de manière productive.
French Connection s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.5 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent French Connection comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. William Friedkin et Gene Hackman font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
French Connection se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. William Friedkin a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 7.5 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de William Friedkin à l'égard de ce matériel trouvent généralement que French Connection fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
Zombie
Des morts-vivants assoiffés de sang ont envahi la Terre et se nourrissent de ses habitants. Un groupe de survivants se réfugie dans un centre-commercial abandonné. Alors que la vie s'organise à l'intérieur, la situation empire à l'extérieur.
Pourquoi regarder: Une horreur qui fonctionne par atmosphère et implication. Zombie fait peur grâce à ce qu'il retient plutôt qu'à ce qu'il montre.
Zombie (1978) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Zombie a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 7.5 provenant d'un large bassin d'électeurs signifie que le films possède de véritables atouts qui l'emportent sur les faiblesses trouvées par les téléspectateurs. Zombie tient sa promesse centrale, qui est la norme minimale que tout films devrait respecter et qui est moins atteinte que ne le suggère le nombre de sorties. Le réalisateur comprend que l’horreur fonctionne lorsque quelque chose ne va pas sous la surface avant de se manifester par un danger explicite. Le films crée cette erreur à travers le ton et l’atmosphère avant la première frayeur. Zombie mérite sa place dans tout récit du cinéma 1970s car il capture quelque chose que la décennie a produit et que les décennies suivantes ont perdu. Les conditions culturelles et technologiques du cinéma 1970s ont façonné ce que George A. Romero pourrait faire ici.
L’environnement sonore de Zombie est aussi délibérément construit que son environnement visuel. George A. Romero comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Zombie utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. David Emge travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Zombie s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.5 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Zombie comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. George A. Romero et David Emge font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La position de Zombie dans cette section de la liste reflète un films qui offre ses qualités spécifiques de manière fiable sans aspirer à tout pour tout le monde. George A. Romero a compris ce qu'était le films et l'a réalisé avec un haut niveau de savoir-faire. La note 7.5 représente les téléspectateurs qui ont interagi avec le films selon ces conditions et qui ont trouvé qu'il valait la peine d'être noté. Les téléspectateurs qui ont des attentes différentes trouvent parfois le films moins satisfaisant que ce que suggère la note - ce qui n'est pas une faiblesse du films mais une faiblesse des attentes. Zombie est exactement ce qu'il est, réalisé avec compétence, et les électeurs qui l'ont évalué y ont répondu.
Charlie et la Chocolaterie
Charlie, enfant issu d'une famille pauvre. Travaillant pour subvenir aux besoins des siens, il doit économiser chaque penny, et ne peut s'offrir les friandises dont raffolent les enfants de son âge. Pour obtenir son comptant de sucreries, il participe à un concours organisé par l'inquiétant Willy Wonka, le propriétaire de la fabrique de chocolat de la ville. Celui qui découvrira l'un des cinq tickets d'or que Wonka a caché dans les barres de chocolat de sa fabrication gagnera une vie de sucreries.
Pourquoi regarder: Charlie et la Chocolaterie est une comédie qui résiste à être revue parce que les blagues viennent de qui sont ces gens plutôt que de situations conçues autour de punchlines.
Sorti en 1971, Charlie et la Chocolaterie a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Mel Stuart a créé quelque chose qui a survécu, et la note 7.5 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 7.5 pour Charlie et la Chocolaterie est construit à partir de téléspectateurs qui avaient des alternatives et ont choisi de lui attribuer une note élevée. Ce choix reflète un films qui a clairement fait valoir ses arguments – ce qui est exactement ce que fait Charlie et la Chocolaterie. Mel Stuart a présenté cet argument et le public l'a accepté. Le films fait confiance au sens du timing comique du public. Le réalisateur donne le rythme puis autorise des pauses où vit l'humour. Les performances comprennent que la retenue est plus drôle que l'emphase. Chaque décennie produit des films qui semblent essentiels à l’époque et qui s’estompent. Charlie et la Chocolaterie appartient à la catégorie la plus petite : les films 1970s sont toujours très bien notés par les téléspectateurs qui n'ont aucune nostalgie de l'époque. Cette qualité transgénérationnelle est le véritable test.
Le langage visuel de Charlie et la Chocolaterie reflète le cinéma de 1971 dans sa forme la plus réfléchie. Mel Stuart a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Charlie et la Chocolaterie a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Charlie et la Chocolaterie avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Les téléspectateurs qui regardent Charlie et la Chocolaterie pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Mel Stuart gère les transitions entre les scènes. Les montages de Charlie et la Chocolaterie ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Gene Wilder travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 1971 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Mel Stuart voulait dire.
Les films classés entre onze et vingt-cinq sur des listes comme celle-ci sont souvent les découvertes les plus utiles car ils présentent la qualité des dix premiers sans le poids culturel. Charlie et la Chocolaterie se trouve dans cette position non pas parce qu'il est nettement pire que les entrées ci-dessus, mais parce que son attrait est plus concentré. Les téléspectateurs qui se connectent à ce que fait Mel Stuart dans Charlie et la Chocolaterie l'évaluent aussi bien que n'importe quel films de cette liste. La moyenne sur une base électorale plus large le place ici. Les téléspectateurs qui ont des raisons spécifiques de penser que ce films est fait pour eux – en fonction de leur préférence de genre, de l’intérêt du réalisateur ou de leur époque – devraient le donner la priorité à plusieurs entrées qui lui sont supérieures.
La Balade sauvage
Inspirée par l'histoire authentique de Charlie Stark-Weather, jeune délinquant des années cinquante, évocation de la folle équipée de deux jeunes amants auxquels on refuse le droit de s'aimer. Ils laissent sur leur passage de nombreux cadavres dont le père de la jeune fille, qui refusait que celle-ci fréquente un éboueur.
Pourquoi regarder: Ce qui fait que La Balade sauvage fonctionne comme un drame, c'est le refus de Terrence Malick d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le registre émotionnel est créé, non signalé.
La Balade sauvage date de 1974, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que La Balade sauvage occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. La Balade sauvage à 7.5 est un films où le métier est constamment au-dessus de la moyenne dans plusieurs dimensions. Aucun élément ne porte les autres. La mise en scène, l’écriture et la performance vont toutes dans la même direction. Le films démontre ce que le drame peut faire que d'autres genres ne peuvent pas faire : mettre le comportement humain ordinaire sous pression et révéler le caractère à travers la réponse. Le réalisateur crée ces conditions et les acteurs les habitent avec une véritable conviction. Le contexte 1970s pour La Balade sauvage n’est pas accessoire. Les conditions esthétiques spécifiques de cette décennie – ce que la technologie permettait, ce que la culture exigeait – ont façonné les choix que Terrence Malick a faits ici. Ces choix tiennent indépendamment du moment.
Le scénario de La Balade sauvage démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Terrence Malick a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Martin Sheen propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans La Balade sauvage lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Les téléspectateurs qui ont vu les films influencés par La Balade sauvage trouveront que regarder l’original est une expérience différente de celle d’un films contemporain. Les techniques qui semblent familières parce qu'elles ont été largement copiées sont visibles ici dans leur forme originale, ce qui révèle souvent que les copies ont compris la surface de ce que Terrence Malick a fait sans en comprendre le raisonnement. La Balade sauvage utilise ses choix stylistiques au service d’objectifs narratifs spécifiques. Les films ultérieurs qui ont emprunté ces choix les ont souvent utilisés comme style sans fonction. Regarder l’original clarifie ce qui était réellement accompli. Le travail de Martin Sheen présente ici également une spécificité qui manque à de nombreuses performances qui s'en inspirent : les imitations captent la manière sans l'intériorité qui lui donne un sens.
La Balade sauvage, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de Martin Sheen et le savoir-faire de Terrence Malick peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
Suspiria
Suzy, une jeune américaine, arrive à Fribourg afin de suivre des cours dans une académie de danse prestigieuse. L’atmosphère générale dans l’école surprend la jeune fille, c’est une atmosphère étrange et inquiétante. Puis cela tourne au cauchemar lorsque surviennent des accidents terribles : un jeune élève est assassiné, un pianiste aveugle est égorgé par son propre chien… Suzy est par ailleurs souvent prise de malaises. Elle apprend que l’académie était autrefois la demeure d’une terrible sorcière surnommée la Mère des Soupirs. Et si l’école était encore sous son emprise ?
Pourquoi regarder: Suspiria appartient à la catégorie de l’horreur qui dure. Le malaise que cela crée vient de l’implication et de l’atmosphère, qui ne se dissipent pas comme le font les moments de choc.
La version 1977 de Suspiria est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Suspiria l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Suspiria s'auto-sélectionne pour s'engager. Les films de la gamme 7.5 sont souvent plus intéressants que ne le suggère leur position dans une liste. Ils n’ont pas atteint la saturation culturelle des titres mieux notés, ce qui signifie que Suspiria est plus facile à aborder sans préjugés. Suspiria en profite. L’horreur a des enjeux qui vont au-delà de la survie. Le réalisateur relie la peur à quelque chose de réel : le personnage, la relation ou la moralité. Les frayeurs comptent parce que ce qui est menacé compte. Les films du 1970s qui sont encore classés 7.5 aujourd'hui ont survécu à un test plus long que n'importe quelle sortie contemporaine. Suspiria a réussi ce test parce que l'essentiel - la narration, les performances, l'artisanat - fonctionne sans avoir besoin de son époque.
Les performances de Suspiria sont calibrées sur un registre spécifique que Dario Argento a établi et maintenu tout au long de la production. Jessica Harper a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Suspiria qui sont les plus difficiles sont ceux où Jessica Harper fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Suspiria s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.5 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Suspiria comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Dario Argento et Jessica Harper font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 7.5 qui place Suspiria dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à Suspiria un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que Dario Argento a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. Suspiria est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
Les Moissons du ciel
Ouvrier dans une aciérie, Bill s'enfuit de Chicago, emmenant avec lui sa jeune sœur, Linda, et Abby, sa compagne. Tous trois arrivent au Texas au moment où commencent les moissons. Ils sont embauchés chez un riche propriétaire terrien, Chuck. Celui-ci remarque bientôt la beauté d'Abby, que Bill, pour simplifier les choses, fait passer pour sa sœur. Bientôt, le paysan improvisé apprend que Chuck est condamné par la maladie. Sans aucun état d'âme, il pousse Abby à répondre aux avances de Chuck. Un mariage est bientôt projeté pour sceller leur union. Toutefois, avec le temps, Abby finit par s'attacher à cette étrange personnalité, au grand désespoir de Bill...
Pourquoi regarder: Le genre de drame qui vous reste bien après le générique. Terrence Malick apporte une patience au matériel qui l'élève au-dessus du tarif standard.
Les Moissons du ciel (1978) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Les Moissons du ciel a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 7.5 reflète la réalisation, l’écriture et la performance fonctionnant simultanément à des niveaux cohérents. Les films qui obtiennent des scores dans cette fourchette échouent rarement de manière significative dans une seule dimension, et Les Moissons du ciel ne fait pas exception. Le réalisateur travaille avec une patience que la plupart des drames contemporains ne peuvent se permettre. Les scènes peuvent dépasser leur point final évident, trouvant la vérité dans ce que font les personnages après avoir dit ce qu'ils sont venus dire. Les acteurs comprennent ce rythme. Dans le contexte global du cinéma 1970s, Les Moissons du ciel représente ce que la décennie a apporté et que les décennies précédentes et suivantes n’ont pas apporté. Les conditions spécifiques du cinéma 1970s – budgets, technologie, contexte culturel – ont produit ici quelque chose qui ne pouvait provenir que de ce moment-là.
La structure de Les Moissons du ciel est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Terrence Malick réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Les Moissons du ciel coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Les Moissons du ciel désorientant de manière productive.
Les nouveaux spectateurs de Les Moissons du ciel devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Les Moissons du ciel pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Les Moissons du ciel change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Terrence Malick semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Richard Gere dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, Les Moissons du ciel occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : Les Moissons du ciel arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de Terrence Malick ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent Les Moissons du ciel ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
Patton
Pendant la seconde guerre mondiale, la vie d'un général, rebelle dans l'armée américaine mais reconnu comme un génie de la stratégie. En 1943, le général Patton est envoyé à Tunis afin de reprendre une situation difficile, l'armée US ayant du mal à prendre le pas sur l'Africa Korps nazi. Il enchaîne les succès mais refuse de laisser les lauriers de sa victoire au maréchal Montgomery, des forces armées britanniques. Il est alors relevé de son commandement et va attendre plusieurs mois avant de se retrouver à la tête d'une division.
Pourquoi regarder: Patton est un drame qui fait confiance au silence. Franklin J. Schaffner donne aux scènes la possibilité de respirer au-delà de leur point final évident, en trouvant quelque chose de vrai dans ce que font les personnages lorsqu'ils arrêtent de jouer.
Sorti en 1970, Patton a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Franklin J. Schaffner a créé quelque chose qui a survécu, et la note 7.5 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 7.5 pour Patton le place parmi les films qui tiennent leurs promesses sans faiblesses significatives. Franklin J. Schaffner a créé quelque chose qui fonctionne comme prévu, ce qui est moins courant qu'il n'y paraît. Le drame vient de la spécificité plutôt que de l’universalité. Le réalisateur fait des choix qui s'appliquent précisément à ces personnages dans cette situation, ce qui crée paradoxalement quelque chose de plus universel que ne le feraient des battements émotionnels génériques. 1970s a produit de nombreux films. Ceux qui restent sur des listes comme celle-ci des décennies plus tard sont ceux qui ont compris quelque chose de vrai sur les gens plutôt que sur le moment présent. Patton est là parce qu'il a compris quelque chose de durable.
L’environnement sonore de Patton est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Franklin J. Schaffner comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Patton utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. George C. Scott travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Patton convient aux soirées où vous souhaitez regarder quelque chose avec une véritable substance plutôt que quelque chose qui remplit simplement le temps. Ce n’est pas un films de fond ni une expérience passive. Franklin J. Schaffner a construit quelque chose qui demande votre attention et la récompense spécifiquement plutôt que généralement. Les téléspectateurs qui regardent Patton tout en faisant autre chose obtiendront une version du films considérablement réduite par rapport à la version disponible pour quelqu'un qui lui accorde toute son attention. La note 7.5 reflète l’expérience visuelle avec toute l’attention. Le casting - George C. Scott en particulier - offre des détails de performance qui s'enregistrent en cas de vision concentrée et disparaissent en cas de vision distraite.
Patton se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. Franklin J. Schaffner a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 7.5 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de Franklin J. Schaffner à l'égard de ce matériel trouvent généralement que Patton fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
Comment nous avons classé ces films 1970s
Chaque film de cette page a été sélectionné à l'aide des données de l'API Movie Database, filtrées pour des seuils de vote minimum afin de garantir la cohérence de la qualité. Le processus commence par tous les films de cette catégorie, triés par moyenne de votes par ordre décroissant, puis filtrés pour exclure les films ayant obtenu moins de votes que le nombre requis.
À partir de cette liste plus grande, l’exactitude de chaque entrée a été vérifiée manuellement. Une note élevée ne se traduit pas automatiquement par une observabilité. Un film tendance en raison de l’actualité récente n’est pas la même chose qu’un film tendance parce qu’il est vraiment bon. L'analyse éditoriale de chaque entrée reflète la qualité réelle du film plutôt que le bruit culturel.
La sélection maintient un équilibre entre accessibilité et profondeur. Les films ici vont des sorties contemporaines aux titres de catalogue qui méritent d'être redécouverts. Tous ont été fabriqués avec artisanat et intention. Tous les visionnages récompensent.
Meilleurs films 1970s par genre
Les films 50 sur cette page couvrent plusieurs genres et sous-genres. Le genre est utile comme filtre mais pas comme catégorie définitive. Un film étiqueté Drame pourrait être aussi plein de suspense qu'un film étiqueté Thriller. Un film étiqueté Action pourrait être aussi intelligent sur le plan émotionnel qu'un film étiqueté Drame. Utilisez le genre comme point de départ, et non comme une image complète.
Les balises de genre sur chaque film vous montrent où se situe catégoriquement le film. Utilisez les filtres pour trouver les genres dans 1970s qui vous intéressent le plus.
Meilleurs films 1970s par classement
Les films sur cette page sont divisés en trois niveaux de notation. Les films supérieurs à 8,5 sont exceptionnels à tous égards et représentent le meilleur cinéma absolu de cette catégorie. Les films de 7,5 à 8,4 montrent une qualité de fabrication constante et sont fiables et solides. Les films de 7,0 à 7,4 sont toujours excellents et valent la peine d'être visionnés, même s'ils représentent une gamme de qualité légèrement plus large.
Une note de 8,0 sur TMDB nécessite une base électorale suffisamment large pour être statistiquement fiable. Cela reflète une véritable appréciation du public testée au fil du temps.
Meilleurs films 1970s par durée d'exécution
Le temps d'exécution est l'un des filtres les plus utiles pour choisir ce qu'il faut regarder et l'un des moins utilisés. Les films de moins de 90 minutes offrent des expériences complètes avec précision. Les films de 90 à 120 minutes constituent la durée optimale pour la plupart des situations de visionnage. Les films de plus de 120 minutes nécessitent un engagement mais le récompensent.
Utilisez votre temps disponible pour trouver le bon film plutôt que de commencer quelque chose tard dans la nuit qui dure beaucoup plus longtemps que prévu.
Des joyaux cachés qui valent la peine d'être découverts
Chaque sélection 1970s contient des films qui se situent en dessous des meilleurs classements de visibilité mais offrent quelque chose d'exceptionnel. Ce sont les films que l’algorithme sous-pondère parce qu’ils manquent de reconnaissance de franchise ou de couverture médiatique récente. Ils ne sont pas cachés parce qu’ils sont obscurs. Ils sont masqués car les plates-formes présentent en premier les options les plus bruyantes.
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The 1970s is best understood through multiple lenses. Below are related ways to explore movies from this decade and era.
Foire aux questions
Quels sont les meilleurs films du 1970s ?
Les meilleurs films du 1970s sont classés et répertoriés intégralement sur cette page. Cette liste reflète une véritable appréciation du public plutôt que de la nostalgie. Chaque film a gagné sa place grâce à une réponse positive et soutenue d’un public suffisamment large pour compter.
Quel est le film le mieux noté du 1970s ?
Les films les mieux notés du 1970s sont répertoriés en haut de cette page. Les films notés 8,5 et plus ont été appréciés par les téléspectateurs qui ont eu accès à tout ce qui a été réalisé depuis, ce qui rend la note plus significative que le seul chiffre ne le suggère.
Quels sont les meilleurs thrillers 1970s ?
Les thrillers du 1970s sont identifiés par leurs balises de genre tout au long de cette page. Recherchez les films étiquetés Thriller ou Crime Thriller. Les meilleurs thrillers 1970s créent de la tension grâce à l'investissement dans les personnages plutôt qu'à un choc fabriqué.
Quels sont les meilleurs drames 1970s ?
Les films dramatiques de 1970s représentent certaines des œuvres les plus durables de l'époque. Les meilleurs drames 1970s ont fait confiance au public pour enregistrer des informations émotionnelles sans les souligner et continuent de récompenser leur visionnage des décennies après leur sortie.
Quels sont les meilleurs films d'action 1970s ?
Le cinéma d'action a considérablement évolué au cours du 1970s. Les films sur cette page étiquetés Action représentent le meilleur de cette évolution, avec des séquences dirigées pour la compréhension d'abord et l'impact ensuite.
Quelles sont les meilleures comédies 1970s ?
Les meilleures comédies 1970s dérivent l'humour du personnage plutôt que de la mécanique de la configuration et de la punchline. Ils restent drôles car les personnages sont spécifiques et reconnaissables même lorsque les références culturelles d'origine se sont estompées.
Quels sont les meilleurs films d'horreur 1970s ?
Les meilleurs films d'horreur 1970s ont compris que l'atmosphère est plus durable que le choc, et que la peur nécessite un investissement préalable dans les personnages. Ils ont été sélectionnés pour leur artisanat atmosphérique et leur intelligence structurelle plutôt que pour leur contenu explicite.
Quels sont les meilleurs films de science-fiction 1970s ?
Les meilleurs films de science-fiction 1970s utilisaient des prémisses spéculatives pour explorer des questions humaines plutôt que comme un spectacle. Le genre a été pris suffisamment au sérieux pour que des projets contenant des idées réelles soient réalisés et diffusés en salles.
Quels sont les meilleurs films policiers 1970s ?
Le cinéma policier du 1970s représente certaines des œuvres les plus fortes que le genre ait produites. Ces films abordaient l’ambiguïté morale sans la résoudre et montraient les coûts de la vie criminelle sans romantisme.
Quels sont les meilleurs films en langue étrangère du 1970s ?
Le cinéma international du 1970s est représenté tout au long de cette liste. Plusieurs cinémas nationaux étaient en pleine période de création à cette époque. Les sceptiques des sous-titres devraient commencer par n'importe quel film en langue étrangère noté 8,5 ou plus sur cette page.
Quels sont les films les plus sous-estimés du 1970s ?
La section Trésors cachés de cette page identifie les films 1970s qui ont obtenu entre 6,5 et 7,4 à partir de bases d'électeurs significatives. Ces films sont sous-estimés non pas parce qu’ils sont obscurs, mais parce qu’ils manquent de reconnaissance de franchise ou de couverture médiatique récente.
Quels films 1970s tout le monde devrait-il voir au moins une fois ?
Les films notés 8,0 et plus sur cette liste représentent le visionnage 1970s non négociable. Celles-ci ont atteint un véritable consensus critique parmi plusieurs générations de téléspectateurs et continuent de s'adresser à de nouveaux publics.
Quels sont les meilleurs films 1970s pour quelqu'un qui ne regarde généralement pas de films plus anciens ?
Commencez par n’importe quel film noté 8,5 ou plus à partir de cette page. La qualité ne vieillit pas. Utilisez les balises de genre pour trouver un film 1970s dans un genre que vous appréciez et commencez par là.
Comment les films 1970s se comparent-ils au cinéma moderne ?
Le 1970s a produit des films sous différentes contraintes et avec différentes ambitions. Les structures budgétaires ont permis aux films de milieu de gamme avec des prémisses originales de sortir en salles. Les réalisateurs ont eu plus de contrôle créatif par rapport aux studios que ce qui est courant aujourd'hui.
Les films 1970s valent-ils encore la peine d’être regardés aujourd’hui ?
Oui, sans réserve. Les films de cette liste ont été sélectionnés parce qu’ils tiennent le coup, et non parce qu’ils sont historiquement intéressants. Le grand cinéma ne vieillit pas comme la technologie ou la mode. Le public contemporain continue d’accorder une note élevée à ces films.