Il padrino
Anni Quaranta. Come è consuetudine, durante il rinfresco per festeggiare le nozze della figlia Conny con Carlo, il "padrino" don Vito Corleone promette assistenza e protezione a familiari e amici. Invia il figliastro Tom Hagen in California per convincere in ogni modo il produttore Jack Woltz a scritturare il cantante Johnny nel suo prossimo film. Woltz non acconsente. Tom allora lo costringe ad accettare con un "avvertimento": l'uccisione del suo cavallo di razza preferito. Sollozzo, a nome della potente "famiglia" Tartaglia, chiede a Corleone finanziamenti e appoggi per il traffico di droga. Il rifiuto scatena una lotta cruenta tra le due cosche: lo stesso don Vito viene ferito gravemente; il figlio minore Michael lo salva da un secondo attentato. Michael, poi, scavalcando l'irruento fratello Sonny e Tom, temporeggiatore, organizza un incontro con Sollozzo e con il corrotto capitano di polizia McCluskey uccidendoli entrambi.
Perché guardare: Uno dei film con il punteggio più alto in questa selezione. Il padrino si è guadagnato la sua reputazione grazie al continuo apprezzamento della critica da parte di più generazioni di spettatori.
Il padrino (1972) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Il padrino ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 8.7 su The Film Database è statisticamente rara. Richiede una base di elettori sufficientemente ampia da mediare le opinioni individuali, lasciando solo i film che si distribuiscono costantemente a un pubblico diversificato. Il padrino ha questo consenso. Il regista lavora con una pazienza che la maggior parte del dramma contemporaneo non può permettersi. Le scene possono andare oltre il loro ovvio punto finale, trovando la verità in ciò che fanno i personaggi dopo che hanno detto quello che erano venuti a dire. Il cast capisce questo ritmo. Nel contesto del cinema 1970s in generale, Il padrino rappresenta ciò che il decennio ha contribuito rispetto ai decenni precedenti e successivi. Le condizioni specifiche del cinema di 1970s – budget, tecnologia, contesto culturale – hanno prodotto qui qualcosa che poteva provenire solo da quel momento.
Il linguaggio visivo di Il padrino riflette il cinema di 1972 nella sua massima espressione. Francis Ford Coppola ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di Il padrino è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare Il padrino con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Coloro che guardano Il padrino per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Il padrino per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Il padrino cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Francis Ford Coppola sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Marlon Brando nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionare Il padrino tra i primi dieci di questo elenco non richiede argomenti speciali. L’argomentazione è la valutazione 8.7 da parte di una base elettorale abbastanza ampia da essere statisticamente significativa. I film nella top ten di qualsiasi elenco serio occupano quella posizione perché raggiungono costantemente la più ampia gamma di spettatori, e Il padrino lo ha fatto in ogni gruppo demografico che lo ha incontrato. Il lavoro di Francis Ford Coppola qui opera al livello in cui la qualità della singola scena si combina in qualcosa che regge al livello dell'intero film, il che è più raro di quanto sembri.
Il padrino - Parte II
Il film tratta della giovinezza e dei primi passi nel mondo del crimine di Vito Corleone, e delle difficoltà cinquant'anni più tardi di suo figlio, Michael, a mantenere in piedi l'impero Corleone. Il tutto tra vicende di emigrazione, tradimenti familiari, inchieste governative e affari.
Perché guardare: Il padrino - Parte II si trova all'estremità eccezionale di questo elenco. Una valutazione così alta, costruita sulla base di un’ampia base elettorale, riflette un consenso genuino piuttosto che una campagna pubblicitaria.
Pubblicato nel 1974, Il padrino - Parte II è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Francis Ford Coppola ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 8.6 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 8.6 per Il padrino - Parte II rappresenta migliaia di decisioni di visualizzazione individuali distillate in un unico numero. Quel numero riflette qualcosa di reale: le persone che hanno visto questo film hanno pensato che fosse eccezionale, e un numero sufficiente di loro ha accettato di rendere significativa la valutazione. Il dramma deriva dalla specificità piuttosto che dall’universalità. Il regista fa delle scelte che si applicano proprio a questi personaggi in questa situazione, che paradossalmente crea qualcosa di più universale di quanto farebbero i battiti emotivi generici. 1970s ha prodotto molti film. Quelli che rimangono in elenchi come questo decenni dopo sono quelli che hanno capito qualcosa di vero sulle persone piuttosto che solo sul momento. Il padrino - Parte II è qui perché ha capito qualcosa di duraturo.
La sceneggiatura di Il padrino - Parte II dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Francis Ford Coppola ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Al Pacino fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Il padrino - Parte II quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Il padrino - Parte II è adatto alle serate in cui si desidera guardare qualcosa che abbia sostanza genuina piuttosto che qualcosa che riempia semplicemente il tempo. Non è un film di sottofondo e non è un'esperienza passiva. Francis Ford Coppola ha costruito qualcosa che richiede la tua attenzione e la premia in modo specifico anziché generale. Gli spettatori che guardano Il padrino - Parte II mentre fanno altre cose otterranno una versione del film notevolmente ridotta rispetto alla versione disponibile a qualcuno che gli presta tutta la sua attenzione. La classificazione 8.6 riflette l'esperienza visiva con piena attenzione. Il cast, nello specifico Al Pacino, offre dettagli prestazionali che si registrano in una visione concentrata e scompaiono in una visione distratta.
La posizione nei primi dieci di Il padrino - Parte II in questa lista riflette qualcosa di difficile da costruire: un'eccellenza sostenuta che nuovi spettatori continuano a scoprire e a valutare positivamente. La maggior parte dei film perde slancio dopo il pubblico iniziale. Il padrino - Parte II no. Gli spettatori che lo incontrano anni o decenni dopo il rilascio gli danno gli stessi voti alti dei primi spettatori. Francis Ford Coppola ha realizzato qualcosa che funziona indipendentemente dal momento culturale da cui proviene, che è la definizione di qualità duratura. La performance di Al Pacino fa parte di questa durabilità: non va letta come una recitazione d'epoca.
Qualcuno volò sul nido del cuculo
Candle McMurphy, arrestato per piccoli reati, viene portato in una clinica psichiatrica: tenta di fingersi pazzo per sfuggire al carcere. Qui viene a contatto con gli altri pazienti dei quali diventa ben presto il beniamino: si prende gioco delle sedute di psicoanalisi, si improvvisa telecronista, organizza una piccola gita in barca. L'ospedale è diretto dalla ferrea capoinfermiera, la signorina Ratched che ha organizzato la vita dei pazienti secondo regole di intransigente disciplina.
Perché guardare: I numeri dietro Qualcuno volò sul nido del cuculo sono difficili da raggiungere: migliaia di spettatori indipendenti, lo valutano molto bene senza coordinamento. Questo consenso è il segnale di qualità più affidabile disponibile.
Qualcuno volò sul nido del cuculo risale a 1975, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che Qualcuno volò sul nido del cuculo si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Con 8.4, Qualcuno volò sul nido del cuculo si colloca in un intervallo in cui la qualità è costante ma il film non ha ottenuto l'ampio consenso dei titoli con rating più elevato. Questo consenso più ristretto spesso riflette un fascino specifico: Qualcuno volò sul nido del cuculo non è per tutti, ma per lo spettatore giusto è eccellente. Il film dimostra cosa può fare il dramma che altri generi non possono fare: mettere sotto pressione il comportamento umano ordinario e rivelare il carattere attraverso la risposta. Il regista crea queste condizioni e il cast le vive con genuina convinzione. Gli 1970s sono stati un momento culturale specifico con preoccupazioni specifiche e approcci estetici specifici. Qualcuno volò sul nido del cuculo riflette quelle condizioni trascendendole: è un film 1970s che non richiede di comprendere 1970s per apprezzarlo.
Le prestazioni in Qualcuno volò sul nido del cuculo sono calibrate su un registro specifico che Miloš Forman ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Jack Nicholson ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Qualcuno volò sul nido del cuculo that land hardest are the ones where Jack Nicholson does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Qualcuno volò sul nido del cuculo funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.4 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Qualcuno volò sul nido del cuculo come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Miloš Forman e Jack Nicholson fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
Qualcuno volò sul nido del cuculo appartiene alla top ten perché fa qualcosa che la maggior parte dei film tenta e che pochi riescono a realizzare: è eccellente alla prima visione e rivela livelli aggiuntivi quando si guarda di nuovo. Il pubblico alle prime armi e quello che ritorna stanno vivendo esperienze diverse ed entrambe le esperienze sono forti. Miloš Forman ha incorporato questa profondità nel film lavorando su più livelli contemporaneamente: la storia superficiale funziona e sotto c'è uno strato di decisioni artigianali che diventano pienamente visibili solo quando sai dove stanno andando le cose. Questa struttura a due livelli è ciò che colloca Qualcuno volò sul nido del cuculo nella top ten anziché nel livello successivo.
Apocalypse Now
A Saigon, durante la guerra in Vietnam il capitano dei corpi speciali Benjamin Willard riceve dai superiori l'ordine di trovare ed eliminare il colonnello Walter Kurtz che uscito con i suoi soldati dai ranghi dell'esercito americano, sta combattendo una guerra personale ai confini fra il Vietnam e la Cambogia. Scortato da alcuni uomini, Willard risale un fiume a caccia del colonnello. Dopo varie peripezie il capitano individua Kurtz all'interno di una sorta di reggia-tempio protetta dalla vegetazione e da numerosi indigeni armati. Willard non sa che fare, ma è lo stesso Kurtz che lo induce ad eseguire la condanna.
Perché guardare: Apocalypse Now ha mantenuto la sua valutazione abbastanza a lungo da rendere il punteggio stabile. I film così apprezzati da un pubblico diversificato sono eccezionali piuttosto che semplicemente buoni.
La versione 1979 di Apocalypse Now è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Apocalypse Now l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Apocalypse Now si autoseleziona per il coinvolgimento. Apocalypse Now a 8.3 rappresenta il livello affidabile di questo elenco. Questi sono i film che non deludono. Francis Ford Coppola ha capito cosa doveva essere il film e lo ha realizzato senza compromessi. Ciò che lo distingue come dramma è il rifiuto del regista di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il film crea situazioni con un peso emotivo e quindi confida che gli spettatori portino da soli quel peso. Le performance forniscono il registro emotivo senza eccessivi segnali. Classificare i film del 1970s uno contro l'altro è in parte un esercizio per identificare ciò che è sopravvissuto. Apocalypse Now è sopravvissuto perché Francis Ford Coppola ha fatto scelte basate sull'artigianato piuttosto che sulla tendenza. La valutazione 8.3 riflette il pubblico che trova ancora valide quelle scelte.
La struttura di Apocalypse Now è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Francis Ford Coppola effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Apocalypse Now taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Apocalypse Now disorientante in modo produttivo.
Gli spettatori che guardano Apocalypse Now per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Francis Ford Coppola gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Apocalypse Now non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Martin Sheen lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 1979 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Francis Ford Coppola.
Una posizione tra le prime dieci in una classifica costruita in base alle valutazioni del database dei film rappresenta un autentico consenso critico. Non è un concorso di popolarità: la soglia degli elettori filtra per i film che sono stati visti e valutati da un numero sufficiente di persone da mediare le opinioni individuali anomale. Apocalypse Now in questa posizione significa che spettatori diversi, in paesi diversi e con abitudini di visione diverse, hanno concluso in modo indipendente che questo film era eccellente. Francis Ford Coppola ha ottenuto qualcosa con Apocalypse Now resistente alle variazioni culturali. Lo specifico approccio narrativo utilizzato qui si traduce in contesti diversi.
Guerre stellari
In un lontano Impero Galattico è in atto una rivolta contro i suoi dispotici capi, tra i quali il più cattivo è Lord Darth Vader. Prima di cadere nelle sue mani, la principessa Leila Organa, rappresentante dei ribelli, riesce ad affidare a due robot i piani della "Morte Nera" - la potentissima base spaziale di Darth Vader, capace di disintegrare un intero pianeta - e un appello al vecchio generale Obi-Wan Kenobi, che abita sul pianeta Tatooine, perché accorra in aiuto dei rivoltosi. Il messaggio viene raccolto dal giovane Luke Skywalker che, rintracciato Obi Wan Kenobi, parte con lui in soccorso della principessa a bordo di un'astronave guidata dal mercenario Han Solo e dal suo secondo Chewbacca.
Perché guardare: Uno dei film con il punteggio più alto in questa selezione. Guerre stellari si è guadagnato la sua reputazione grazie al continuo apprezzamento della critica da parte di più generazioni di spettatori.
Guerre stellari (1977) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Guerre stellari ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 8.2 da parte di un ampio pool di elettori significa che il film ha punti di forza autentici che superano qualsiasi debolezza riscontrata dagli spettatori. Guerre stellari mantiene la sua promessa principale, ovvero lo standard minimo che ogni film dovrebbe soddisfare e meno di quanto suggerisce il numero di uscite. Il regista risolve il problema centrale del cinema d'azione: farti interessare al risultato prima di mostrarti l'azione. Le sequenze funzionano perché la chiarezza geografica significa che sai sempre chi è dove e cosa richiederebbe il successo. Guerre stellari guadagna il suo posto in qualsiasi resoconto del cinema 1970s perché cattura qualcosa che il decennio ha prodotto e che i decenni successivi hanno perso. Le condizioni culturali e tecnologiche del cinema di 1970s hanno plasmato ciò che George Lucas ha potuto realizzare qui.
L'ambiente sonoro di Guerre stellari è costruito deliberatamente quanto quello visivo. George Lucas comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Guerre stellari utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Mark Hamill lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Gli spettatori che hanno visto i film influenzati da Guerre stellari troveranno l'originale un'esperienza diversa rispetto a un film contemporaneo. Le tecniche che sembrano familiari perché sono state ampiamente copiate sono visibili qui nella loro forma originale, il che spesso rivela che le copie comprendevano la superficie di ciò che George Lucas faceva senza capirne il ragionamento dietro. Guerre stellari utilizza le sue scelte stilistiche al servizio di obiettivi narrativi specifici. I film successivi che presero in prestito quelle scelte spesso le usarono come stile senza la funzione. Guardare l'originale chiarisce cosa si stava effettivamente realizzando. Il lavoro di Mark Hamill qui ha anche una specificità che manca a molte performance ad esso ispirate: le imitazioni catturano la maniera senza l'interiorità che fa sì che la maniera significhi qualcosa.
La posizione nella top ten di Guerre stellari è molto significativa se si considera contro cosa ha gareggiato. Ogni film nel catalogo per questa modalità ed epoca è stato valutato e Guerre stellari si è classificato qui perché la combinazione della qualità della valutazione e del volume degli elettori lo ha posizionato sopra ogni altra cosa nella selezione. George Lucas ha fatto delle scelte in Guerre stellari che lo distinguono dalle alternative della stessa categoria: alternative che sono anche buoni film. Il divario tra i primi dieci e i primi venti è minore in termini di valutazione assoluta di quanto sembri, ma significativo in termini di ciò che effettivamente offre l’esperienza dello spettatore.
Arancia meccanica
Alex è un giovane senza arte né parte, figlio di proletari e dedito a furti, stupri e omicidi. Fa capo a una banda di spostati, denominati drughi. Dopo aver usato violenza alla moglie di uno scrittore finisce in carcere. Viene sottoposto ad angherie ma si fa amico un prete. Pur di essere scarcerato accetta il "trattamento lodovico", che consiste nell'assistere a filmati di violenza. Quando esce scopre che i genitori hanno subaffittato la sua stanza. Senza poter reagire, dovrà subire violenza da alcuni mendicanti vendicativi, dai drughi diventati poliziotti e dallo scrittore che ha perso la moglie e che ora si trova su una sedia a rotelle. Tenta il suicidio e all'ospedale riceve una visita di cortesia da parte del primo ministro.
Perché guardare: Arancia meccanica si trova all'estremità eccezionale di questo elenco. Una valutazione così alta, costruita sulla base di un’ampia base elettorale, riflette un consenso genuino piuttosto che una campagna pubblicitaria.
Pubblicato nel 1971, Arancia meccanica è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Stanley Kubrick ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 8.2 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 8.2 per Arancia meccanica è calcolato in base agli spettatori che avevano alternative e hanno scelto di dargli un punteggio elevato. Questa scelta riflette un film che ha espresso chiaramente le sue ragioni, che è esattamente ciò che fa Arancia meccanica. Stanley Kubrick ha presentato la sua argomentazione e il pubblico l'ha accettata. Ciò che distingue il film come fantascienza è l'impegno del regista nei confronti della logica interna. Le regole del mondo sono stabilite e rispettate ovunque, il che significa che il pubblico può interagire con le idee anziché riorientarsi costantemente verso nuove informazioni. Ogni decennio produce film che al momento sembrano essenziali e poi svaniscono. Arancia meccanica appartiene alla categoria più piccola: i film 1970s sono ancora apprezzati dagli spettatori che non hanno nostalgia dell'epoca. Quella qualità intergenerazionale è il vero test.
Il linguaggio visivo di Arancia meccanica riflette il cinema di 1971 nella sua massima espressione. Stanley Kubrick ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di Arancia meccanica è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare Arancia meccanica con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Arancia meccanica funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.2 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Arancia meccanica come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Stanley Kubrick e Malcolm McDowell fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
Arancia meccanica guadagna il suo posto nella top ten non grazie alla reputazione culturale ma grazie a ciò che accade quando gli spettatori si siedono e lo guardano. La valutazione 8.2 cattura quell'esperienza attraverso un ampio campione di visualizzazioni indipendenti. I film che raggiungono lo status di top ten in elenchi come questo sono stati testati da spettatori che avevano pieno accesso alle alternative e hanno scelto di valutare questo come il migliore della loro esperienza. Stanley Kubrick e Malcolm McDowell hanno realizzato qualcosa che soddisfa costantemente tale aspettativa, motivo per cui la valutazione mantiene nonostante i continui nuovi spettatori che apportano nuovi standard.
Alien
L'astronave Nostromo sbarca su un pianeta da cui proviene un SOS, ma la colonia sembra essere disabitata. I coloni sono stati in realtà sterminati da una razza aliena che ha trasformato la base in una gigantesca covata.
Perché guardare: I numeri dietro Alien sono difficili da raggiungere: migliaia di spettatori indipendenti, lo valutano molto bene senza coordinamento. Questo consenso è il segnale di qualità più affidabile disponibile.
Alien risale a 1979, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che Alien si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Alien at 8.2 è un film in cui l'imbarcazione è costantemente al di sopra della media in più dimensioni. Nessun singolo elemento trasporta gli altri. La regia, la scrittura e la performance vanno tutte nella stessa direzione. Il film funziona come horror attraverso ciò che il regista nasconde. La telecamera mostra ciò che è sicuro e taglia via ciò che non lo è, il che paradossalmente rende la minaccia nascosta più spaventosa di quanto potrebbe essere qualsiasi quantità di sangue. Il contesto 1970s per Alien non è casuale. Le condizioni estetiche specifiche del decennio - cosa la tecnologia ha permesso, cosa la cultura ha richiesto - hanno plasmato le scelte che Ridley Scott ha fatto qui. Quelle scelte reggono indipendentemente dal loro momento.
La sceneggiatura di Alien dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Ridley Scott ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Tom Skerritt fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Alien quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Coloro che guardano Alien per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Alien per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Alien cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Ridley Scott sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Tom Skerritt nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionare Alien tra i primi dieci di questo elenco non richiede argomenti speciali. L’argomentazione è la valutazione 8.2 da parte di una base elettorale abbastanza ampia da essere statisticamente significativa. I film nella top ten di qualsiasi elenco serio occupano quella posizione perché raggiungono costantemente la più ampia gamma di spettatori, e Alien lo ha fatto in ogni gruppo demografico che lo ha incontrato. Il lavoro di Ridley Scott qui opera al livello in cui la qualità della singola scena si combina in qualcosa che regge al livello dell'intero film, il che è più raro di quanto sembri.
Taxi Driver
New York: Travis Bickle, veterano del Vietnam in congedo, soffre d'insonnia e decide di impegnare le proprie notti facendo il tassista. Completamente disadattato ma idealista alla ricerca di uno scopo, l'uomo si invaghirà di una ragazza e le chiederà di uscire. Quando le cose tra i due andranno storte, Travis, definitivamente disilluso riguardo la società, si chiuderà in se stesso. Comincerà così per il tassista una claustrofobica discesa nel baratro della solitudine, in bilico sui margini della sanità mentale.
Perché guardare: Taxi Driver ha mantenuto la sua valutazione abbastanza a lungo da rendere il punteggio stabile. I film così apprezzati da un pubblico diversificato sono eccezionali piuttosto che semplicemente buoni.
La versione 1976 di Taxi Driver è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Taxi Driver l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Taxi Driver si autoseleziona per il coinvolgimento. I film della gamma 8.1 sono spesso più interessanti di quanto suggerisca la loro posizione in un elenco. Non hanno raggiunto la saturazione culturale dei titoli con rating più alto, il che significa che Taxi Driver è più facile da avvicinare senza preconcetti. Taxi Driver ne trae vantaggio. Ciò che lo distingue come dramma è il rifiuto del regista di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il film crea situazioni con un peso emotivo e quindi confida che gli spettatori portino da soli quel peso. Le performance forniscono il registro emotivo senza eccessivi segnali. I film del 1970s che ancora oggi valgono 8.1 sono sopravvissuti a un test più lungo di qualsiasi altra uscita contemporanea. Taxi Driver ha superato quel test perché il suo nucleo - narrazione, performance, artigianato - funziona senza richiedere la sua epoca.
Le prestazioni in Taxi Driver sono calibrate su un registro specifico che Martin Scorsese ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Robert De Niro ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Taxi Driver that land hardest are the ones where Robert De Niro does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Taxi Driver è adatto alle serate in cui si desidera guardare qualcosa che abbia sostanza genuina piuttosto che qualcosa che riempia semplicemente il tempo. Non è un film di sottofondo e non è un'esperienza passiva. Martin Scorsese ha costruito qualcosa che richiede la tua attenzione e la premia in modo specifico anziché generale. Gli spettatori che guardano Taxi Driver mentre fanno altre cose otterranno una versione del film notevolmente ridotta rispetto alla versione disponibile a qualcuno che gli presta tutta la sua attenzione. La classificazione 8.1 riflette l'esperienza visiva con piena attenzione. Il cast, nello specifico Robert De Niro, offre dettagli prestazionali che si registrano in una visione concentrata e scompaiono in una visione distratta.
La posizione nei primi dieci di Taxi Driver in questa lista riflette qualcosa di difficile da costruire: un'eccellenza sostenuta che nuovi spettatori continuano a scoprire e a valutare positivamente. La maggior parte dei film perde slancio dopo il pubblico iniziale. Taxi Driver no. Gli spettatori che lo incontrano anni o decenni dopo il rilascio gli danno gli stessi voti alti dei primi spettatori. Martin Scorsese ha realizzato qualcosa che funziona indipendentemente dal momento culturale da cui proviene, che è la definizione di qualità duratura. La performance di Robert De Niro fa parte di questa durabilità: non va letta come una recitazione d'epoca.
Stalker
Un metorite caduto sulla terra ha prodotto strani fenomeni in una zona, prontamente protetta e recintata dall'esercito. Per entrarci esistono però delle guide clandestine, chiamate "Stalker", capaci di condurre chiunque lo richieda fino alla "camera dei desideri". Uno scrittore, uno scienziato e uno stalker partono verso la misteriosa zona. Ne torneranno profondamente cambiati.
Perché guardare: Uno dei film con il punteggio più alto in questa selezione. Stalker si è guadagnato la sua reputazione grazie al continuo apprezzamento della critica da parte di più generazioni di spettatori.
Stalker (1979) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Stalker ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 8.1 riflette la regia, la scrittura e la performance che operano a livelli costanti simultaneamente. I film che ottengono punteggi in questo intervallo raramente falliscono in modo significativo in ogni singola dimensione e Stalker non fa eccezione. Il regista lavora con una pazienza che la maggior parte del dramma contemporaneo non può permettersi. Le scene possono andare oltre il loro ovvio punto finale, trovando la verità in ciò che fanno i personaggi dopo che hanno detto quello che erano venuti a dire. Il cast capisce questo ritmo. Nel contesto del cinema 1970s in generale, Stalker rappresenta ciò che il decennio ha contribuito rispetto ai decenni precedenti e successivi. Le condizioni specifiche del cinema di 1970s – budget, tecnologia, contesto culturale – hanno prodotto qui qualcosa che poteva provenire solo da quel momento.
La struttura di Stalker è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Andrei Tarkovsky effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Stalker taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Stalker disorientante in modo produttivo.
Stalker funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.1 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Stalker come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Andrei Tarkovsky e Alisa Freyndlikh fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
Stalker appartiene alla top ten perché fa qualcosa che la maggior parte dei film tenta e che pochi riescono a realizzare: è eccellente alla prima visione e rivela livelli aggiuntivi quando si guarda di nuovo. Il pubblico alle prime armi e quello che ritorna stanno vivendo esperienze diverse ed entrambe le esperienze sono forti. Andrei Tarkovsky ha incorporato questa profondità nel film lavorando su più livelli contemporaneamente: la storia superficiale funziona e sotto c'è uno strato di decisioni artigianali che diventano pienamente visibili solo quando sai dove stanno andando le cose. Questa struttura a due livelli è ciò che colloca Stalker nella top ten anziché nel livello successivo.
La stangata
Johnny Hooker e il suo amico Luther Coleman sono due truffatori di strada. Dopo aver raggirato il corriere del potente gangster Doyle Lonnegan, Luther viene ucciso per ritorsione e Hooker è costretto a fuggire e a nascondersi. Desiderando vendicare Luther, il giovane chiede aiuto ad un vecchio amico del defunto, Henry Gondorff, uno dei più bravi ed esperti truffatori degli Stati Uniti. Insieme organizzano una "stangata" ai danni di Lonnegan, creando una finta agenzia di scommesse in cui il boss crede di poter vincere facilmente delle ingenti somme di denaro, grazie a informazioni riservate.
Perché guardare: La stangata si trova all'estremità eccezionale di questo elenco. Una valutazione così alta, costruita sulla base di un’ampia base elettorale, riflette un consenso genuino piuttosto che una campagna pubblicitaria.
Pubblicato nel 1973, La stangata è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. George Roy Hill ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 8.0 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 8.0 di La stangata lo colloca tra i film che mantengono le premesse senza debolezze significative. George Roy Hill ha realizzato qualcosa che funziona come previsto, il che è meno comune di quanto sembri. Il dramma deriva dalla specificità piuttosto che dall’universalità. Il regista fa delle scelte che si applicano proprio a questi personaggi in questa situazione, che paradossalmente crea qualcosa di più universale di quanto farebbero i battiti emotivi generici. 1970s ha prodotto molti film. Quelli che rimangono in elenchi come questo decenni dopo sono quelli che hanno capito qualcosa di vero sulle persone piuttosto che solo sul momento. La stangata è qui perché ha capito qualcosa di duraturo.
L'ambiente sonoro di La stangata è costruito deliberatamente quanto quello visivo. George Roy Hill comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di La stangata utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Paul Newman lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Gli spettatori che guardano La stangata per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come George Roy Hill gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in La stangata non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Paul Newman lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 1973 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva George Roy Hill.
Una posizione tra le prime dieci in una classifica costruita in base alle valutazioni del database dei film rappresenta un autentico consenso critico. Non è un concorso di popolarità: la soglia degli elettori filtra per i film che sono stati visti e valutati da un numero sufficiente di persone da mediare le opinioni individuali anomale. La stangata in questa posizione significa che spettatori diversi, in paesi diversi e con abitudini di visione diverse, hanno concluso in modo indipendente che questo film era eccellente. George Roy Hill ha ottenuto qualcosa con La stangata resistente alle variazioni culturali. Lo specifico approccio narrativo utilizzato qui si traduce in contesti diversi.
Il cinema riguarda le storie che contano. I film in questa sezione dimostrano questo principio.
Barry Lyndon
La storia dell'avventuriero Redmond Barry, ambientata nell'Inghilterra del Settecento. Un eroe ambiguo e traballante, spinto da una cieca ambizione all'interno di una società violenta e classista.
Perché guardare: I numeri dietro Barry Lyndon sono difficili da raggiungere: migliaia di spettatori indipendenti, lo valutano molto bene senza coordinamento. Questo consenso è il segnale di qualità più affidabile disponibile.
Barry Lyndon risale a 1975, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che Barry Lyndon si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Con 8.0, Barry Lyndon si colloca in un intervallo in cui la qualità è costante ma il film non ha ottenuto l'ampio consenso dei titoli con rating più elevato. Questo consenso più ristretto spesso riflette un fascino specifico: Barry Lyndon non è per tutti, ma per lo spettatore giusto è eccellente. Il film dimostra cosa può fare il dramma che altri generi non possono fare: mettere sotto pressione il comportamento umano ordinario e rivelare il carattere attraverso la risposta. Il regista crea queste condizioni e il cast le vive con genuina convinzione. Gli 1970s sono stati un momento culturale specifico con preoccupazioni specifiche e approcci estetici specifici. Barry Lyndon riflette quelle condizioni trascendendole: è un film 1970s che non richiede di comprendere 1970s per apprezzarlo.
Il linguaggio visivo di Barry Lyndon riflette il cinema di 1975 nella sua massima espressione. Stanley Kubrick ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di Barry Lyndon è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare Barry Lyndon con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Gli spettatori che hanno visto i film influenzati da Barry Lyndon troveranno l'originale un'esperienza diversa rispetto a un film contemporaneo. Le tecniche che sembrano familiari perché sono state ampiamente copiate sono visibili qui nella loro forma originale, il che spesso rivela che le copie comprendevano la superficie di ciò che Stanley Kubrick faceva senza capirne il ragionamento dietro. Barry Lyndon utilizza le sue scelte stilistiche al servizio di obiettivi narrativi specifici. I film successivi che presero in prestito quelle scelte spesso le usarono come stile senza la funzione. Guardare l'originale chiarisce cosa si stava effettivamente realizzando. Il lavoro di Ryan O'Neal qui ha anche una specificità che manca a molte performance ad esso ispirate: le imitazioni catturano la maniera senza l'interiorità che fa sì che la maniera significhi qualcosa.
Barry Lyndon in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di Ryan O'Neal e l'imbarcazione di Stanley Kubrick possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
Il cacciatore
Tre giovani amici di origine ucraina, operai in un'acciaieria di Clairton (Pennsylvania), partono per il Vietnam dopo aver festeggiato il matrimonio (rito ortodosso) di uno di loro. Catturati dai Vietcong, subiscono la tortura della roulette russa, ma riescono a fuggire. Mike (De Niro) rimpatria, carico di medaglie; Steven (Savage) perde le gambe e Nick (Walken) trova a Saigon la morte che aveva cercato con accanimento. All'inferno e ritorno. Il Vietnam occupa la parte centrale e un breve capitolo (enfatico) verso la fine, in cadenze di un'apocalisse allucinata, di un carnevale di morte.
Perché guardare: Il cacciatore ha mantenuto la sua valutazione abbastanza a lungo da rendere il punteggio stabile. I film così apprezzati da un pubblico diversificato sono eccezionali piuttosto che semplicemente buoni.
La versione 1978 di Il cacciatore è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Il cacciatore l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Il cacciatore si autoseleziona per il coinvolgimento. Il cacciatore a 8.0 rappresenta il livello affidabile di questo elenco. Questi sono i film che non deludono. Michael Cimino ha capito cosa doveva essere il film e lo ha realizzato senza compromessi. Ciò che lo distingue come dramma è il rifiuto del regista di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il film crea situazioni con un peso emotivo e quindi confida che gli spettatori portino da soli quel peso. Le performance forniscono il registro emotivo senza eccessivi segnali. Classificare i film del 1970s uno contro l'altro è in parte un esercizio per identificare ciò che è sopravvissuto. Il cacciatore è sopravvissuto perché Michael Cimino ha fatto scelte basate sull'artigianato piuttosto che sulla tendenza. La valutazione 8.0 riflette il pubblico che trova ancora valide quelle scelte.
La sceneggiatura di Il cacciatore dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Michael Cimino ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Robert De Niro fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Il cacciatore quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Il cacciatore funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.0 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Il cacciatore come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Michael Cimino e Robert De Niro fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 8.0 che colloca Il cacciatore in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a Il cacciatore riflette un genuino apprezzamento per ciò che Michael Cimino ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. Il cacciatore è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
Lo specchio
Dice il regista: "Il protagonista è un uomo sui quarant'anni che si sforza di fare un bilancio della vita precedente... Sullo schermo vanno avanti di pari passo tre storie: la prima è costituita dai ricordi dell'infanzia; la seconda è composta delle cronache di avvenimenti storici vissuti e compresi sotto un'angolazione prettamente individuale; la terza è formata da ragionamenti psicologici che sono un po' la sintesi di tutto il discorso". Un film affascinante, anche se di non facile lettura.
Perché guardare: Uno dei film con il punteggio più alto in questa selezione. Lo specchio si è guadagnato la sua reputazione grazie al continuo apprezzamento della critica da parte di più generazioni di spettatori.
Lo specchio (1975) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Lo specchio ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 8.0 da parte di un ampio pool di elettori significa che il film ha punti di forza autentici che superano qualsiasi debolezza riscontrata dagli spettatori. Lo specchio mantiene la sua promessa principale, ovvero lo standard minimo che ogni film dovrebbe soddisfare e meno di quanto suggerisce il numero di uscite. Il regista lavora con una pazienza che la maggior parte del dramma contemporaneo non può permettersi. Le scene possono andare oltre il loro ovvio punto finale, trovando la verità in ciò che fanno i personaggi dopo che hanno detto quello che erano venuti a dire. Il cast capisce questo ritmo. Lo specchio guadagna il suo posto in qualsiasi resoconto del cinema 1970s perché cattura qualcosa che il decennio ha prodotto e che i decenni successivi hanno perso. Le condizioni culturali e tecnologiche del cinema di 1970s hanno plasmato ciò che Andrei Tarkovsky ha potuto realizzare qui.
Le prestazioni in Lo specchio sono calibrate su un registro specifico che Andrei Tarkovsky ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Margarita Terekhova ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Lo specchio that land hardest are the ones where Margarita Terekhova does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Coloro che guardano Lo specchio per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Lo specchio per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Lo specchio cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Andrei Tarkovsky sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Margarita Terekhova nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, Lo specchio occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: Lo specchio arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di Andrei Tarkovsky qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano Lo specchio qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Chinatown
L'investigatore Gittes viene assoldato da una donna che si presenta come la signora Mulray per investigare sulla presunta infedeltà del marito. Riesce dopo diverso tempo a fotografarlo in compagnia di una giovane ragazza, ma si presenta al suo cospetto la vera moglie di Mulray che minaccia l'uomo. Intanto si ritrova il corpo senza vita del marito. Continuano quindi con molti pericoli le indagini di Gittes che lo condurranno da Noah Cross, padre della signora Mulray mentre la ragazza che tempo prima aveva fotografata era la sorella della donna. Le due donne cercheranno di fuggire dal padre possessivo, ma una finirà uccisa e l'altra ricondotta dal padre.
Perché guardare: Chinatown guadagna onestamente la sua tensione: la pressione deriva dalla situazione e dal carattere piuttosto che dalla sorpresa artificiale. Roman Polanski confida che il pubblico percepisca la posta in gioco.
Pubblicato nel 1974, Chinatown è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Roman Polanski ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 7.9 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 7.9 per Chinatown è calcolato in base agli spettatori che avevano alternative e hanno scelto di dargli un punteggio elevato. Questa scelta riflette un film che ha espresso chiaramente le sue ragioni, che è esattamente ciò che fa Chinatown. Roman Polanski ha presentato la sua argomentazione e il pubblico l'ha accettata. Ciò che fa sì che il film funzioni come un thriller è la consapevolezza che la posta in gioco richiede investimenti. Il primo atto costruisce il carattere prima che arrivi la pressione. Quando la tensione aumenta, hai motivo di preoccuparti del risultato. Ogni decennio produce film che al momento sembrano essenziali e poi svaniscono. Chinatown appartiene alla categoria più piccola: i film 1970s sono ancora apprezzati dagli spettatori che non hanno nostalgia dell'epoca. Quella qualità intergenerazionale è il vero test.
La struttura di Chinatown è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Roman Polanski effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Chinatown taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Chinatown disorientante in modo produttivo.
Chinatown funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.9 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Chinatown come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Roman Polanski e Jack Nicholson fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
Chinatown si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. Roman Polanski ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 7.9 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di Roman Polanski a questo materiale in genere trovano Chinatown tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
Amarcord
La vicenda, ambientata dall'inizio della primavera del 1932 all'inizio della primavera del 1933 (riferimento certo visto la corsa della VII edizione della Mille Miglia), in una Rimini onirica ricostruita a Cinecittà, come la ricordava Fellini in sogno, narra la vita nell'antico borgo (o e' borg, come a Rimini conoscono il quartiere di San Giuliano) e dei suoi più o meno particolari abitanti: le feste paesane, le adunate del "Sabato fascista", la scuola, i signori di città, i negozianti, il suonatore cieco, la donna procace ma un po' attempata alla ricerca di un marito, il venditore ambulante, il matto, l'avvocato, quella che va con tutti, la tabaccaia dalle forme giunoniche, i professori di liceo, i fascisti, gli antifascisti e il magico conte di Lovignano, ma soprattutto i giovani del paese; adolescenti presi da una prepotente "esplosione sessuale".
Perché guardare: Ciò che fa sì che Amarcord funzioni come dramma è il rifiuto di Federico Fellini di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il registro emotivo viene creato, non segnalato.
Amarcord risale a 1973, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che Amarcord si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Amarcord at 7.9 è un film in cui l'imbarcazione è costantemente al di sopra della media in più dimensioni. Nessun singolo elemento trasporta gli altri. La regia, la scrittura e la performance vanno tutte nella stessa direzione. Il film dimostra cosa può fare il dramma che altri generi non possono fare: mettere sotto pressione il comportamento umano ordinario e rivelare il carattere attraverso la risposta. Il regista crea queste condizioni e il cast le vive con genuina convinzione. Il contesto 1970s per Amarcord non è casuale. Le condizioni estetiche specifiche del decennio - cosa la tecnologia ha permesso, cosa la cultura ha richiesto - hanno plasmato le scelte che Federico Fellini ha fatto qui. Quelle scelte reggono indipendentemente dal loro momento.
L'ambiente sonoro di Amarcord è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Federico Fellini comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Amarcord utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Pupella Maggio lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Amarcord è una raccomandazione affidabile per gli spettatori che sono disposti ad affrontare un film alle sue condizioni piuttosto che pretendere che si conformi alle aspettative portate da altrove. Non ha l'onnipresenza culturale dei titoli più quotati in questa categoria, il che significa che arriva senza il peso della visione obbligatoria. Il pubblico che scopre Amarcord senza che gli sia stato detto che deve vederlo spesso risponde in modo più deciso rispetto a chi lo affronta come un obbligo. Federico Fellini ha realizzato qualcosa con un fascino specifico: non cercare di essere tutto per tutti. Gli spettatori che si connettono con Amarcord tendono a trovarlo notevolmente migliore di quanto suggerito dalla valutazione 7.9, motivo per cui mantiene quella valutazione nonostante la visibilità di marketing limitata.
La posizione di Amarcord in questa sezione della lista riflette un film che offre in modo affidabile le sue qualità specifiche senza aspirare a essere tutto per tutti. Federico Fellini ha capito di cosa si trattava il film e lo ha realizzato ad alto livello artigianale. La valutazione 7.9 rappresenta gli spettatori che hanno apprezzato il film in questi termini e hanno ritenuto che valesse la pena valutarlo molto bene. Gli spettatori che hanno aspettative diverse a volte trovano il film meno soddisfacente di quanto suggerisca la valutazione, il che non è un punto debole del film ma delle aspettative. Amarcord è esattamente quello che è, realizzato con abilità, e gli elettori che lo hanno valutato hanno risposto così.
Frankenstein Junior
Alla lettura del testamento del barone Victor Von Frankenstein, si scopre che l'eredità va tutta al nipote Frederick, un brillante chirurgo di New York. Il dottore, seccato dalla parentela con l'illustre antenato, tentenna prima di accettare di recarsi al castello del nonno per fare un sopralluogo, ma alla fine intraprende un viaggio che lo porterà sulla strada di famiglia.
Perché guardare: La commedia è il genere più difficile da sostenere. Mel Brooks fa sembrare Frankenstein Junior senza sforzo, il che è il segno di una notevole maestria che la maggior parte del pubblico non registra consapevolmente.
La versione 1974 di Frankenstein Junior è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Frankenstein Junior l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Frankenstein Junior si autoseleziona per il coinvolgimento. I film della gamma 7.9 sono spesso più interessanti di quanto suggerisca la loro posizione in un elenco. Non hanno raggiunto la saturazione culturale dei titoli con rating più alto, il che significa che Frankenstein Junior è più facile da avvicinare senza preconcetti. Frankenstein Junior ne trae vantaggio. La coerenza del film come commedia deriva dalla coerenza. Il regista stabilisce le regole del mondo e il comportamento dei personaggi al suo interno, e l'umorismo emerge dal modo in cui questi personaggi affrontano una situazione. I film del 1970s che ancora oggi valgono 7.9 sono sopravvissuti a un test più lungo di qualsiasi altra uscita contemporanea. Frankenstein Junior ha superato quel test perché il suo nucleo - narrazione, performance, artigianato - funziona senza richiedere la sua epoca.
Il linguaggio visivo di Frankenstein Junior riflette il cinema di 1974 nella sua massima espressione. Mel Brooks ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di Frankenstein Junior è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare Frankenstein Junior con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Gli spettatori che guardano Frankenstein Junior per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Mel Brooks gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Frankenstein Junior non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Gene Wilder lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 1974 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Mel Brooks.
I film posizionati tra gli undici e i venticinque in elenchi come questo sono spesso le scoperte più utili perché portano la qualità dei primi dieci senza il peso culturale. Frankenstein Junior è in questa posizione non perché sia significativamente peggiore delle voci precedenti, ma perché il suo fascino è più concentrato. Gli spettatori che si collegano a ciò che Mel Brooks sta facendo in Frankenstein Junior lo valutano tanto quanto qualsiasi altro film in questo elenco. La media su una base elettorale più ampia lo colloca qui. Gli spettatori che hanno ragioni specifiche per pensare che questo film sia per loro - in base alla preferenza del genere, all'interesse del regista o all'epoca - dovrebbero dargli la priorità rispetto a diverse voci che si collocano al di sopra di esso.
Quel pomeriggio di un giorno da cani
Il 22 agosto 1972, tre balordi assaltano una banca di Brooklyn. Uno dei tre si tira subito indietro e scappa; Sal e Sonny restano intrappolati nei locali della banca dopo l'intervento fortuito della polizia.
Perché guardare: Un thriller che costruisce la tensione con precisione. Sidney Lumet crea slancio attraverso la logica piuttosto che attraverso shock fabbricati.
Quel pomeriggio di un giorno da cani (1975) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Quel pomeriggio di un giorno da cani ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 7.8 riflette la regia, la scrittura e la performance che operano a livelli costanti simultaneamente. I film che ottengono punteggi in questo intervallo raramente falliscono in modo significativo in ogni singola dimensione e Quel pomeriggio di un giorno da cani non fa eccezione. Il regista costruisce il film attorno all'asimmetria informativa: il pubblico sa più dei personaggi, o meno, e il film manipola entrambi gli stati con precisione. Il cast trasmette la tensione attraverso la moderazione piuttosto che l'intensità. Nel contesto del cinema 1970s in generale, Quel pomeriggio di un giorno da cani rappresenta ciò che il decennio ha contribuito rispetto ai decenni precedenti e successivi. Le condizioni specifiche del cinema di 1970s – budget, tecnologia, contesto culturale – hanno prodotto qui qualcosa che poteva provenire solo da quel momento.
La sceneggiatura di Quel pomeriggio di un giorno da cani dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Sidney Lumet ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Al Pacino fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Quel pomeriggio di un giorno da cani quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Gli spettatori che hanno visto i film influenzati da Quel pomeriggio di un giorno da cani troveranno l'originale un'esperienza diversa rispetto a un film contemporaneo. Le tecniche che sembrano familiari perché sono state ampiamente copiate sono visibili qui nella loro forma originale, il che spesso rivela che le copie comprendevano la superficie di ciò che Sidney Lumet faceva senza capirne il ragionamento dietro. Quel pomeriggio di un giorno da cani utilizza le sue scelte stilistiche al servizio di obiettivi narrativi specifici. I film successivi che presero in prestito quelle scelte spesso le usarono come stile senza la funzione. Guardare l'originale chiarisce cosa si stava effettivamente realizzando. Il lavoro di Al Pacino qui ha anche una specificità che manca a molte performance ad esso ispirate: le imitazioni catturano la maniera senza l'interiorità che fa sì che la maniera significhi qualcosa.
Quel pomeriggio di un giorno da cani in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di Al Pacino e l'imbarcazione di Sidney Lumet possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
Papillon
Papillon è condannato per omicidio e recluso nel carcere dell'Isola del Diavolo, nella Guiana. Diventa amico di Dega, un falsario relegato con lui in una giungla paludosa. Qui le condizioni di vita sono così insostenibili, che Papillon tenta di fuggire, ma viene riacciuffato. Riesce a rimanere in vita solo grazie a Dega, e tenta di fuggire di nuovo, insieme all'amico e a un altro compagno. Papillon viene nuovamente catturato, in Venezuela. Riportato all'Isola del Diavolo, diventato un relitto umano, vi ritrova Dega in preda alla follia. Ma l'ansia di libertà è più forte.
Perché guardare: Papillon è un dramma che si affida al silenzio. Franklin J. Schaffner dà alle scene spazio per respirare oltre il loro ovvio punto finale, trovando qualcosa di vero in ciò che fanno i personaggi quando smettono di recitare.
Pubblicato nel 1973, Papillon è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Franklin J. Schaffner ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 7.8 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 7.8 di Papillon lo colloca tra i film che mantengono le premesse senza debolezze significative. Franklin J. Schaffner ha realizzato qualcosa che funziona come previsto, il che è meno comune di quanto sembri. Il dramma deriva dalla specificità piuttosto che dall’universalità. Il regista fa delle scelte che si applicano proprio a questi personaggi in questa situazione, che paradossalmente crea qualcosa di più universale di quanto farebbero i battiti emotivi generici. 1970s ha prodotto molti film. Quelli che rimangono in elenchi come questo decenni dopo sono quelli che hanno capito qualcosa di vero sulle persone piuttosto che solo sul momento. Papillon è qui perché ha capito qualcosa di duraturo.
Le prestazioni in Papillon sono calibrate su un registro specifico che Franklin J. Schaffner ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Steve McQueen ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Papillon that land hardest are the ones where Steve McQueen does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Papillon funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.8 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Papillon come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Franklin J. Schaffner e Steve McQueen fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 7.8 che colloca Papillon in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a Papillon riflette un genuino apprezzamento per ciò che Franklin J. Schaffner ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. Papillon è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
Monty Python e il Sacro Graal
Avventure e guai tragicomici di re Artù e dei suoi cavalieri che vanno alla ricerca del santo Graal e fanno gli incontri più strani. Benché diseguale e sgangherato, per colpa della regia a due teste e dei mezzi insufficienti, i fan vi troveranno: ricchezza di gag, ritmo, gusto per il grottesco e l'anarchia.
Perché guardare: Terry Jones costruisce la commedia di Monty Python e il Sacro Graal partendo dall'osservazione genuina dei personaggi. Le risate aumentano man mano che il film avanza perché conosci meglio le persone.
Monty Python e il Sacro Graal risale a 1975, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che Monty Python e il Sacro Graal si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Con 7.8, Monty Python e il Sacro Graal si colloca in un intervallo in cui la qualità è costante ma il film non ha ottenuto l'ampio consenso dei titoli con rating più elevato. Questo consenso più ristretto spesso riflette un fascino specifico: Monty Python e il Sacro Graal non è per tutti, ma per lo spettatore giusto è eccellente. La commedia di carattere richiede che il regista e il cast comprendano che i momenti più divertenti nascono dalla verità piuttosto che dall'esagerazione. Il film funziona perché ciò che fanno i personaggi ha senso per quello che sono. Gli 1970s sono stati un momento culturale specifico con preoccupazioni specifiche e approcci estetici specifici. Monty Python e il Sacro Graal riflette quelle condizioni trascendendole: è un film 1970s che non richiede di comprendere 1970s per apprezzarlo.
La struttura di Monty Python e il Sacro Graal è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Terry Jones effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Monty Python e il Sacro Graal taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Monty Python e il Sacro Graal disorientante in modo produttivo.
Coloro che guardano Monty Python e il Sacro Graal per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Monty Python e il Sacro Graal per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Monty Python e il Sacro Graal cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Terry Jones sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Graham Chapman nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, Monty Python e il Sacro Graal occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: Monty Python e il Sacro Graal arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di Terry Jones qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano Monty Python e il Sacro Graal qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Quinto potere
Vincitore di 4 Oscar e di 4 Golden Globe nel 1977 - altri 11 premi e 19 nomination.Howard Beale è un commentatore televisivo con un larghissimo seguito; il suo indice di gradimento però è in discesa e i suoi capi decidono di licenziarlo. Howard allora dichiara davanti alle telecamere che si ucciderà: da quel momento ha un successo strepitoso, specie da quando, credendosi direttamente in contatto con Dio, diventa una sorta di profeta trascinatore.
Perché guardare: Sidney Lumet si avvicina a Quinto potere con la pazienza che un buon dramma richiede e raramente ottiene. Il risultato è un film che si guadagna i suoi momenti emotivi piuttosto che programmarli.
La versione 1976 di Quinto potere è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Quinto potere l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Quinto potere si autoseleziona per il coinvolgimento. Quinto potere a 7.8 rappresenta il livello affidabile di questo elenco. Questi sono i film che non deludono. Sidney Lumet ha capito cosa doveva essere il film e lo ha realizzato senza compromessi. Ciò che lo distingue come dramma è il rifiuto del regista di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il film crea situazioni con un peso emotivo e quindi confida che gli spettatori portino da soli quel peso. Le performance forniscono il registro emotivo senza eccessivi segnali. Classificare i film del 1970s uno contro l'altro è in parte un esercizio per identificare ciò che è sopravvissuto. Quinto potere è sopravvissuto perché Sidney Lumet ha fatto scelte basate sull'artigianato piuttosto che sulla tendenza. La valutazione 7.8 riflette il pubblico che trova ancora valide quelle scelte.
L'ambiente sonoro di Quinto potere è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Sidney Lumet comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Quinto potere utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Faye Dunaway lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Quinto potere è adatto alle serate in cui si desidera guardare qualcosa che abbia sostanza genuina piuttosto che qualcosa che riempia semplicemente il tempo. Non è un film di sottofondo e non è un'esperienza passiva. Sidney Lumet ha costruito qualcosa che richiede la tua attenzione e la premia in modo specifico anziché generale. Gli spettatori che guardano Quinto potere mentre fanno altre cose otterranno una versione del film notevolmente ridotta rispetto alla versione disponibile a qualcuno che gli presta tutta la sua attenzione. La classificazione 7.8 riflette l'esperienza visiva con piena attenzione. Il cast, nello specifico Faye Dunaway, offre dettagli prestazionali che si registrano in una visione concentrata e scompaiono in una visione distratta.
Quinto potere si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. Sidney Lumet ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 7.8 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di Sidney Lumet a questo materiale in genere trovano Quinto potere tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
I grandi film trascendono la loro categoria. Funzionano perché il mestiere è eccezionale.
Rocky
Rocky Balboa vivacchia a Filadelfia, riscuotendo i crediti di un usuraio italo-americano e vincendo qualche piccolo incontro come pugile dilettante. Con l'aiuto di un saggio allenatore, Rocky accetta per amore di Adriana e, per una borsa di 150mila dollari, la sfida del campione dei pesi massimi Apollo Creed, proponendosi di arrivare alla 15a ripresa.
Perché guardare: Il tipo di dramma che ti rimane impresso anche dopo i titoli di coda. John G. Avildsen conferisce al materiale una pazienza che lo eleva al di sopra della tariffa standard.
Rocky (1976) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Rocky ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 7.8 da parte di un ampio pool di elettori significa che il film ha punti di forza autentici che superano qualsiasi debolezza riscontrata dagli spettatori. Rocky mantiene la sua promessa principale, ovvero lo standard minimo che ogni film dovrebbe soddisfare e meno di quanto suggerisce il numero di uscite. Il regista lavora con una pazienza che la maggior parte del dramma contemporaneo non può permettersi. Le scene possono andare oltre il loro ovvio punto finale, trovando la verità in ciò che fanno i personaggi dopo che hanno detto quello che erano venuti a dire. Il cast capisce questo ritmo. Rocky guadagna il suo posto in qualsiasi resoconto del cinema 1970s perché cattura qualcosa che il decennio ha prodotto e che i decenni successivi hanno perso. Le condizioni culturali e tecnologiche del cinema di 1970s hanno plasmato ciò che John G. Avildsen ha potuto realizzare qui.
Il linguaggio visivo di Rocky riflette il cinema di 1976 nella sua massima espressione. John G. Avildsen ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di Rocky è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare Rocky con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Rocky funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.8 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Rocky come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. John G. Avildsen e Sylvester Stallone fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La posizione di Rocky in questa sezione della lista riflette un film che offre in modo affidabile le sue qualità specifiche senza aspirare a essere tutto per tutti. John G. Avildsen ha capito di cosa si trattava il film e lo ha realizzato ad alto livello artigianale. La valutazione 7.8 rappresenta gli spettatori che hanno apprezzato il film in questi termini e hanno ritenuto che valesse la pena valutarlo molto bene. Gli spettatori che hanno aspettative diverse a volte trovano il film meno soddisfacente di quanto suggerisca la valutazione, il che non è un punto debole del film ma delle aspettative. Rocky è esattamente quello che è, realizzato con abilità, e gli elettori che lo hanno valutato hanno risposto così.
Solaris
In un futuro imprecisato lo psicologo Kris Kelvin è incaricato di recarsi in una stazione scientifica presso il pianeta Solaris. Prima della partenza per il lunghissimo viaggio, egli trascorre alcuni giorni nella dacia paterna, consapevole che al suo ritorno non rivedrà l'anziano padre e sua zia Anna. Scorcio della città del futuro, percorsa in automobile da Henri Berton; scena girata ad Akasaka, distretto commerciale del quartiere di Tōkyō Minato Nel frattempo riceve la visita indesiderata di Henri Berton, un ex-astronauta amico del padre, che decenni anni prima, in missione su Solaris, avrebbe assistito a strani fenomeni che lo traumatizzarono rovinandogli la carriera.
Perché guardare: Solaris è un dramma che si affida al silenzio. Andrei Tarkovsky dà alle scene spazio per respirare oltre il loro ovvio punto finale, trovando qualcosa di vero in ciò che fanno i personaggi quando smettono di recitare.
Pubblicato nel 1972, Solaris è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Andrei Tarkovsky ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 7.8 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 7.8 per Solaris è calcolato in base agli spettatori che avevano alternative e hanno scelto di dargli un punteggio elevato. Questa scelta riflette un film che ha espresso chiaramente le sue ragioni, che è esattamente ciò che fa Solaris. Andrei Tarkovsky ha presentato la sua argomentazione e il pubblico l'ha accettata. Il dramma deriva dalla specificità piuttosto che dall’universalità. Il regista fa delle scelte che si applicano proprio a questi personaggi in questa situazione, che paradossalmente crea qualcosa di più universale di quanto farebbero i battiti emotivi generici. Ogni decennio produce film che al momento sembrano essenziali e poi svaniscono. Solaris appartiene alla categoria più piccola: i film 1970s sono ancora apprezzati dagli spettatori che non hanno nostalgia dell'epoca. Quella qualità intergenerazionale è il vero test.
La sceneggiatura di Solaris dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Andrei Tarkovsky ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Natalya Bondarchuk fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Solaris quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Gli spettatori che guardano Solaris per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Andrei Tarkovsky gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Solaris non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Natalya Bondarchuk lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 1972 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Andrei Tarkovsky.
I film posizionati tra gli undici e i venticinque in elenchi come questo sono spesso le scoperte più utili perché portano la qualità dei primi dieci senza il peso culturale. Solaris è in questa posizione non perché sia significativamente peggiore delle voci precedenti, ma perché il suo fascino è più concentrato. Gli spettatori che si collegano a ciò che Andrei Tarkovsky sta facendo in Solaris lo valutano tanto quanto qualsiasi altro film in questo elenco. La media su una base elettorale più ampia lo colloca qui. Gli spettatori che hanno ragioni specifiche per pensare che questo film sia per loro - in base alla preferenza del genere, all'interesse del regista o all'epoca - dovrebbero dargli la priorità rispetto a diverse voci che si collocano al di sopra di esso.
Brian di Nazareth
Brian nasce contemporaneamente al Messia, in una capanna vicina e viene visitato per sbaglio dai Re Magi. L'equivoco continuerà nella vita adulta, tra confuse manovre di terroristi antiromani rivali tra loro, fino a quando i suoi compagni del Fronte popolare giudaico lo consegano a Pilato per farne un eroico martire: finirà crocefisso, ancora una volta per un equivoco.
Perché guardare: Terry Jones costruisce la commedia di Brian di Nazareth partendo dall'osservazione genuina dei personaggi. Le risate aumentano man mano che il film avanza perché conosci meglio le persone.
Brian di Nazareth risale a 1979, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che Brian di Nazareth si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Brian di Nazareth at 7.8 è un film in cui l'imbarcazione è costantemente al di sopra della media in più dimensioni. Nessun singolo elemento trasporta gli altri. La regia, la scrittura e la performance vanno tutte nella stessa direzione. La commedia di carattere richiede che il regista e il cast comprendano che i momenti più divertenti nascono dalla verità piuttosto che dall'esagerazione. Il film funziona perché ciò che fanno i personaggi ha senso per quello che sono. Il contesto 1970s per Brian di Nazareth non è casuale. Le condizioni estetiche specifiche del decennio - cosa la tecnologia ha permesso, cosa la cultura ha richiesto - hanno plasmato le scelte che Terry Jones ha fatto qui. Quelle scelte reggono indipendentemente dal loro momento.
Le prestazioni in Brian di Nazareth sono calibrate su un registro specifico che Terry Jones ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Graham Chapman ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Brian di Nazareth that land hardest are the ones where Graham Chapman does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Gli spettatori che hanno visto i film influenzati da Brian di Nazareth troveranno l'originale un'esperienza diversa rispetto a un film contemporaneo. Le tecniche che sembrano familiari perché sono state ampiamente copiate sono visibili qui nella loro forma originale, il che spesso rivela che le copie comprendevano la superficie di ciò che Terry Jones faceva senza capirne il ragionamento dietro. Brian di Nazareth utilizza le sue scelte stilistiche al servizio di obiettivi narrativi specifici. I film successivi che presero in prestito quelle scelte spesso le usarono come stile senza la funzione. Guardare l'originale chiarisce cosa si stava effettivamente realizzando. Il lavoro di Graham Chapman qui ha anche una specificità che manca a molte performance ad esso ispirate: le imitazioni catturano la maniera senza l'interiorità che fa sì che la maniera significhi qualcosa.
Brian di Nazareth in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di Graham Chapman e l'imbarcazione di Terry Jones possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
L'esorcista
In un quartiere tranquillo, in una casa dotata di tutti i moderni comfort, una ragazzina modello cade ammalata. La madre non può aiutarla. I medici non riescono ad elaborare una diagnosi. Temendo che le crisi di cui soffre la figlia non riguardino solo la sfera fisica, ma anche quella spirituale, la donna si rivolge a un sacerdote. L'uomo però dubita della presenza del diavolo in quella casa, in quel corpo e la debolezza delle sue convinzioni non farà altro che rendere più forte il maligno.
Perché guardare: William Friedkin si avvicina a L'esorcista con la pazienza che un buon dramma richiede e raramente ottiene. Il risultato è un film che si guadagna i suoi momenti emotivi piuttosto che programmarli.
La versione 1973 di L'esorcista è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato L'esorcista l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di L'esorcista si autoseleziona per il coinvolgimento. I film della gamma 7.7 sono spesso più interessanti di quanto suggerisca la loro posizione in un elenco. Non hanno raggiunto la saturazione culturale dei titoli con rating più alto, il che significa che L'esorcista è più facile da avvicinare senza preconcetti. L'esorcista ne trae vantaggio. Ciò che lo distingue come dramma è il rifiuto del regista di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il film crea situazioni con un peso emotivo e quindi confida che gli spettatori portino da soli quel peso. Le performance forniscono il registro emotivo senza eccessivi segnali. I film del 1970s che ancora oggi valgono 7.7 sono sopravvissuti a un test più lungo di qualsiasi altra uscita contemporanea. L'esorcista ha superato quel test perché il suo nucleo - narrazione, performance, artigianato - funziona senza richiedere la sua epoca.
La struttura di L'esorcista è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. William Friedkin effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. L'esorcista taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano L'esorcista disorientante in modo produttivo.
L'esorcista funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.7 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a L'esorcista come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. William Friedkin e Ellen Burstyn fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 7.7 che colloca L'esorcista in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a L'esorcista riflette un genuino apprezzamento per ciò che William Friedkin ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. L'esorcista è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
Io e Annie
Alvy Singer , sguardo in macchina, ci racconta le sue riflessioni sulla vita e sulla morte e sulla fine del suo rapporto con Annie. Fin da piccolo soffriva di qualche depressione relativa al timore dell'espansione dell'universo e anche a causa della sua abitazione situata sotto le montagne russe del Luna Park. Il suo interesse per l'altro sesso era già vivo all'epoca. Divenuto adulto è ora un comico di successo che la gente riconosce per la strada. Le sue ossessioni hanno subìto una trasformazione: ora si sente vittima dell'antisemitismo.
Perché guardare: Il tipo di dramma che ti rimane impresso anche dopo i titoli di coda. Woody Allen conferisce al materiale una pazienza che lo eleva al di sopra della tariffa standard.
Io e Annie (1977) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Io e Annie ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 7.7 riflette la regia, la scrittura e la performance che operano a livelli costanti simultaneamente. I film che ottengono punteggi in questo intervallo raramente falliscono in modo significativo in ogni singola dimensione e Io e Annie non fa eccezione. Il regista lavora con una pazienza che la maggior parte del dramma contemporaneo non può permettersi. Le scene possono andare oltre il loro ovvio punto finale, trovando la verità in ciò che fanno i personaggi dopo che hanno detto quello che erano venuti a dire. Il cast capisce questo ritmo. Nel contesto del cinema 1970s in generale, Io e Annie rappresenta ciò che il decennio ha contribuito rispetto ai decenni precedenti e successivi. Le condizioni specifiche del cinema di 1970s – budget, tecnologia, contesto culturale – hanno prodotto qui qualcosa che poteva provenire solo da quel momento.
L'ambiente sonoro di Io e Annie è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Woody Allen comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Io e Annie utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Woody Allen lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Coloro che guardano Io e Annie per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Io e Annie per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Io e Annie cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Woody Allen sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Woody Allen nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, Io e Annie occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: Io e Annie arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di Woody Allen qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano Io e Annie qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Profondo rosso
Marc Daly, un giovane pianista, è testimone dell’omicidio di una parapsicologa, ma non sa individuare l’assassino. Si mette a indagare per conto proprio, aiutato dall’amica Gianna, ma ben presto la situazione si fa intricatissima: tutte le persone che potrebbero aiutarlo nella soluzione del mistero rimangono vittime dell’efferato killer...
Perché guardare: Profondo rosso guadagna onestamente la sua tensione: la pressione deriva dalla situazione e dal carattere piuttosto che dalla sorpresa artificiale. Dario Argento confida che il pubblico percepisca la posta in gioco.
Pubblicato nel 1975, Profondo rosso è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Dario Argento ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 7.7 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 7.7 di Profondo rosso lo colloca tra i film che mantengono le premesse senza debolezze significative. Dario Argento ha realizzato qualcosa che funziona come previsto, il che è meno comune di quanto sembri. Ciò che fa sì che il film funzioni come un thriller è la consapevolezza che la posta in gioco richiede investimenti. Il primo atto costruisce il carattere prima che arrivi la pressione. Quando la tensione aumenta, hai motivo di preoccuparti del risultato. 1970s ha prodotto molti film. Quelli che rimangono in elenchi come questo decenni dopo sono quelli che hanno capito qualcosa di vero sulle persone piuttosto che solo sul momento. Profondo rosso è qui perché ha capito qualcosa di duraturo.
Il linguaggio visivo di Profondo rosso riflette il cinema di 1975 nella sua massima espressione. Dario Argento ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di Profondo rosso è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare Profondo rosso con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Profondo rosso è meglio guardarlo in condizioni che consentono all'atmosfera di funzionare: scarsa illuminazione, interruzioni minime e, idealmente, senza previa conoscenza dei momenti specifici che sono diventati culturalmente noti. L'horror perde la sua efficacia quando il pubblico sa esattamente cosa sta per accadere, e Profondo rosso è stato discusso abbastanza da far sì che alcune delle sue sequenze chiave siano familiari anche a chi non ha visto il film. Se puoi affrontarlo con una conoscenza preliminare limitata, fallo. L'atmosfera che Dario Argento ha incorporato in Profondo rosso dipende dal fatto che il pubblico si trovi in uno stato di genuina incertezza. La valutazione 7.7 riflette gli spettatori che si trovavano in quello stato quando lo hanno guardato.
Profondo rosso si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. Dario Argento ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 7.7 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di Dario Argento a questo materiale in genere trovano Profondo rosso tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
Manhattan
Episodi sentimentali nella vita sessuale di uno scrittore televisivo di New York la cui ultima moglie (Streep) l'ha abbandonato per una donna. In questo poema d'amore per una Manhattan interiorizzata e sognata, calata nel sublime bianconero di Gordon Willis o accarezzata dalle canzoni di George Gershwin, più che la vicenda contano i personaggi e il tono con cui sono raccontati. Dramma in cadenze leggere di commedia: la summa di Allen di cui è per molti critici e spettatori il film preferito, quello che resterà. Agli Oscar, infatti, non fu nemmeno nominato. 1° film di Allen in bianconero e anamorfico. L'autore non ne era soddisfatto: troppo statico. 1° film con Susan E. Morse al montaggio.
Perché guardare: Ciò che fa sì che Manhattan funzioni come dramma è il rifiuto di Woody Allen di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il registro emotivo viene creato, non segnalato.
Manhattan risale a 1979, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che Manhattan si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Con 7.7, Manhattan si colloca in un intervallo in cui la qualità è costante ma il film non ha ottenuto l'ampio consenso dei titoli con rating più elevato. Questo consenso più ristretto spesso riflette un fascino specifico: Manhattan non è per tutti, ma per lo spettatore giusto è eccellente. Il film dimostra cosa può fare il dramma che altri generi non possono fare: mettere sotto pressione il comportamento umano ordinario e rivelare il carattere attraverso la risposta. Il regista crea queste condizioni e il cast le vive con genuina convinzione. Gli 1970s sono stati un momento culturale specifico con preoccupazioni specifiche e approcci estetici specifici. Manhattan riflette quelle condizioni trascendendole: è un film 1970s che non richiede di comprendere 1970s per apprezzarlo.
La sceneggiatura di Manhattan dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Woody Allen ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Woody Allen fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Manhattan quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Manhattan è una raccomandazione affidabile per gli spettatori che sono disposti ad affrontare un film alle sue condizioni piuttosto che pretendere che si conformi alle aspettative portate da altrove. Non ha l'onnipresenza culturale dei titoli più quotati in questa categoria, il che significa che arriva senza il peso della visione obbligatoria. Il pubblico che scopre Manhattan senza che gli sia stato detto che deve vederlo spesso risponde in modo più deciso rispetto a chi lo affronta come un obbligo. Woody Allen ha realizzato qualcosa con un fascino specifico: non cercare di essere tutto per tutti. Gli spettatori che si connettono con Manhattan tendono a trovarlo notevolmente migliore di quanto suggerito dalla valutazione 7.7, motivo per cui mantiene quella valutazione nonostante la visibilità di marketing limitata.
La posizione di Manhattan in questa sezione della lista riflette un film che offre in modo affidabile le sue qualità specifiche senza aspirare a essere tutto per tutti. Woody Allen ha capito di cosa si trattava il film e lo ha realizzato ad alto livello artigianale. La valutazione 7.7 rappresenta gli spettatori che hanno apprezzato il film in questi termini e hanno ritenuto che valesse la pena valutarlo molto bene. Gli spettatori che hanno aspettative diverse a volte trovano il film meno soddisfacente di quanto suggerisca la valutazione, il che non è un punto debole del film ma delle aspettative. Manhattan è esattamente quello che è, realizzato con abilità, e gli elettori che lo hanno valutato hanno risposto così.
Lo squalo
Ad Amity, cittadina balneare del New England, si sparge il terrore per gli attacchi di un terribile squalo bianco. Un poliziotto, un ittiologo e un cacciatore di squali si mettono in mare per dargli la caccia.
Perché guardare: Lo squalo dimostra che i migliori thriller funzionano con moderazione. Steven Spielberg trattiene il più possibile il più a lungo possibile e il risultato è più efficace dell'escalation convenzionale.
La versione 1975 di Lo squalo è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Lo squalo l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Lo squalo si autoseleziona per il coinvolgimento. Lo squalo a 7.7 rappresenta il livello affidabile di questo elenco. Questi sono i film che non deludono. Steven Spielberg ha capito cosa doveva essere il film e lo ha realizzato senza compromessi. L'abilità è più visibile in ciò che il regista nasconde. Le informazioni vengono rilasciate strategicamente, ogni rivelazione ricontestualizza ciò che è accaduto prima. Le performance sono calibrate per una divulgazione controllata. Classificare i film del 1970s uno contro l'altro è in parte un esercizio per identificare ciò che è sopravvissuto. Lo squalo è sopravvissuto perché Steven Spielberg ha fatto scelte basate sull'artigianato piuttosto che sulla tendenza. La valutazione 7.7 riflette il pubblico che trova ancora valide quelle scelte.
Le prestazioni in Lo squalo sono calibrate su un registro specifico che Steven Spielberg ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Roy Scheider ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Lo squalo that land hardest are the ones where Roy Scheider does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Gli spettatori che guardano Lo squalo per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Steven Spielberg gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Lo squalo non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Roy Scheider lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 1975 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Steven Spielberg.
I film posizionati tra gli undici e i venticinque in elenchi come questo sono spesso le scoperte più utili perché portano la qualità dei primi dieci senza il peso culturale. Lo squalo è in questa posizione non perché sia significativamente peggiore delle voci precedenti, ma perché il suo fascino è più concentrato. Gli spettatori che si collegano a ciò che Steven Spielberg sta facendo in Lo squalo lo valutano tanto quanto qualsiasi altro film in questo elenco. La media su una base elettorale più ampia lo colloca qui. Gli spettatori che hanno ragioni specifiche per pensare che questo film sia per loro - in base alla preferenza del genere, all'interesse del regista o all'epoca - dovrebbero dargli la priorità rispetto a diverse voci che si collocano al di sopra di esso.
Giù la testa
Durante la rivoluzione messicana, Juan, leader di una famiglia di banditi, incontra Sean Mallory, militante dell'IRA ed esperto di esplosivi. Juan cerca di persuadere Sean a unirsi a lui per rapinare una banca, mentre l'irlandese è deciso ad usare le sue conoscenze per aiutare la causa della rivoluzione.
Perché guardare: Un film che premia l'attenzione del paziente. Sergio Leone non spreca una sola scena e l'investimento in Giù la testa sembra completamente giustificato.
Giù la testa (1971) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Giù la testa ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 7.7 da parte di un ampio pool di elettori significa che il film ha punti di forza autentici che superano qualsiasi debolezza riscontrata dagli spettatori. Giù la testa mantiene la sua promessa principale, ovvero lo standard minimo che ogni film dovrebbe soddisfare e meno di quanto suggerisce il numero di uscite. Il film dimostra la comprensione del mestiere da parte del regista: come costruire le scene, come gestire le informazioni, come creare interessi che interessino al pubblico. Giù la testa guadagna il suo posto in qualsiasi resoconto del cinema 1970s perché cattura qualcosa che il decennio ha prodotto e che i decenni successivi hanno perso. Le condizioni culturali e tecnologiche del cinema di 1970s hanno plasmato ciò che Sergio Leone ha potuto realizzare qui.
La struttura di Giù la testa è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Sergio Leone effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Giù la testa taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Giù la testa disorientante in modo produttivo.
Gli spettatori che hanno visto i film influenzati da Giù la testa troveranno l'originale un'esperienza diversa rispetto a un film contemporaneo. Le tecniche che sembrano familiari perché sono state ampiamente copiate sono visibili qui nella loro forma originale, il che spesso rivela che le copie comprendevano la superficie di ciò che Sergio Leone faceva senza capirne il ragionamento dietro. Giù la testa utilizza le sue scelte stilistiche al servizio di obiettivi narrativi specifici. I film successivi che presero in prestito quelle scelte spesso le usarono come stile senza la funzione. Guardare l'originale chiarisce cosa si stava effettivamente realizzando. Il lavoro di Rod Steiger qui ha anche una specificità che manca a molte performance ad esso ispirate: le imitazioni catturano la maniera senza l'interiorità che fa sì che la maniera significhi qualcosa.
Giù la testa in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di Rod Steiger e l'imbarcazione di Sergio Leone possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
I guerrieri della notte
Nel Bronx, durante un raduno di tutte le gang di New York, un carismatico leader viene ucciso: la colpa ricade sui Warriors, gang poco nota di Coney Island. Comincia la caccia. Senza il loro capo, ucciso per ritorsione, gli otto Warriors disarmati devono tornare a casa attraversando la metropoli, braccati dalle altre vendicative gang e dalla polizia.
Perché guardare: I guerrieri della notte guadagna onestamente la sua tensione: la pressione deriva dalla situazione e dal carattere piuttosto che dalla sorpresa artificiale. Walter Hill confida che il pubblico percepisca la posta in gioco.
Pubblicato nel 1979, I guerrieri della notte è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Walter Hill ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 7.7 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 7.7 per I guerrieri della notte è calcolato in base agli spettatori che avevano alternative e hanno scelto di dargli un punteggio elevato. Questa scelta riflette un film che ha espresso chiaramente le sue ragioni, che è esattamente ciò che fa I guerrieri della notte. Walter Hill ha presentato la sua argomentazione e il pubblico l'ha accettata. Ciò che fa sì che il film funzioni come un thriller è la consapevolezza che la posta in gioco richiede investimenti. Il primo atto costruisce il carattere prima che arrivi la pressione. Quando la tensione aumenta, hai motivo di preoccuparti del risultato. Ogni decennio produce film che al momento sembrano essenziali e poi svaniscono. I guerrieri della notte appartiene alla categoria più piccola: i film 1970s sono ancora apprezzati dagli spettatori che non hanno nostalgia dell'epoca. Quella qualità intergenerazionale è il vero test.
L'ambiente sonoro di I guerrieri della notte è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Walter Hill comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di I guerrieri della notte utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Michael Beck lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
I guerrieri della notte funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.7 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a I guerrieri della notte come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Walter Hill e Michael Beck fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 7.7 che colloca I guerrieri della notte in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a I guerrieri della notte riflette un genuino apprezzamento per ciò che Walter Hill ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. I guerrieri della notte è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
Il miglior cinema premia la tua attenzione. Ogni film qui ha guadagnato il tempo necessario.
Tutti gli uomini del Presidente
Basato sul libro scritto dai due giovani cronisti che portarono a galla lo scandalo Watergate, è la storia dell'indagine giornalistica che indusse Richard Nixon a rassegnare le dimissioni dall'incarico di presidente degli Stati Uniti.
Perché guardare: Il thriller nella sua forma migliore significa che il pubblico prova paura prima che accada qualcosa di esplicito. Alan J. Pakula raggiunge questo obiettivo in Tutti gli uomini del Presidente attraverso il controllo delle informazioni e dei tempi.
Tutti gli uomini del Presidente risale a 1976, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che Tutti gli uomini del Presidente si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Tutti gli uomini del Presidente at 7.7 è un film in cui l'imbarcazione è costantemente al di sopra della media in più dimensioni. Nessun singolo elemento trasporta gli altri. La regia, la scrittura e la performance vanno tutte nella stessa direzione. Questo appartiene alla categoria dei thriller in cui la tensione è psicologica piuttosto che fisica. Il regista confida che il pubblico senta la pressione senza che venga mostrato un pericolo esplicito. Il risultato è più inquietante rispetto alla meccanica del thriller convenzionale. Il contesto 1970s per Tutti gli uomini del Presidente non è casuale. Le condizioni estetiche specifiche del decennio - cosa la tecnologia ha permesso, cosa la cultura ha richiesto - hanno plasmato le scelte che Alan J. Pakula ha fatto qui. Quelle scelte reggono indipendentemente dal loro momento.
Il linguaggio visivo di Tutti gli uomini del Presidente riflette il cinema di 1976 nella sua massima espressione. Alan J. Pakula ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di Tutti gli uomini del Presidente è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare Tutti gli uomini del Presidente con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Coloro che guardano Tutti gli uomini del Presidente per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Tutti gli uomini del Presidente per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Tutti gli uomini del Presidente cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Alan J. Pakula sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Robert Redford nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, Tutti gli uomini del Presidente occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: Tutti gli uomini del Presidente arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di Alan J. Pakula qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano Tutti gli uomini del Presidente qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Il pianeta selvaggio
Terr è un Om domestico, adottato da Tiwa, una Draag, dopo che dei piccoli Draag per giocare hanno ucciso sua madre. I Draag sono alieni dalla pelle blu e alti decine di metri che abitano un pianeta di nome Ygam che ha, come unico satellite quello che viene chiamato il pianeta selvaggio. I Draag trattano gli Oms come animali domestici e li donano ai loro bambini per giocarci. Ma Terr un giorno scopre di riuscire ad imparare attraverso il macchinario che fornisce una istruzione alla sua padrona. Decide quindi di scappare durante una sessione di meditazione (in cui le menti dei Draag si staccano dal loro corpo) e si unisce ad un gruppo di Oms selvatici. Odiato per la sua istruzione, presto le sue conoscenze si rivelano essenziali alla sopravvivenza della sua specie.
Perché guardare: La logica interna di Il pianeta selvaggio è coerente ovunque. René Laloux si impegna a rispettare la premessa e la segue, consentendo al pubblico di interagire con le idee anziché difendersi dall'incoerenza.
La versione 1973 di Il pianeta selvaggio è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Il pianeta selvaggio l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Il pianeta selvaggio si autoseleziona per il coinvolgimento. I film della gamma 7.6 sono spesso più interessanti di quanto suggerisca la loro posizione in un elenco. Non hanno raggiunto la saturazione culturale dei titoli con rating più alto, il che significa che Il pianeta selvaggio è più facile da avvicinare senza preconcetti. Il pianeta selvaggio ne trae vantaggio. La fantascienza è fondata sulla prospettiva del personaggio. Il regista filtra gli elementi speculativi attraverso il modo in cui influenzano il protagonista, il che significa che l'astratto diventa concreto ed emotivamente leggibile. I film del 1970s che ancora oggi valgono 7.6 sono sopravvissuti a un test più lungo di qualsiasi altra uscita contemporanea. Il pianeta selvaggio ha superato quel test perché il suo nucleo - narrazione, performance, artigianato - funziona senza richiedere la sua epoca.
La sceneggiatura di Il pianeta selvaggio dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. René Laloux ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Gérard Hernandez fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Il pianeta selvaggio quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Il pianeta selvaggio funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.6 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Il pianeta selvaggio come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. René Laloux e Gérard Hernandez fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
Il pianeta selvaggio si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. René Laloux ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 7.6 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di René Laloux a questo materiale in genere trovano Il pianeta selvaggio tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
Harold e Maude
In una sontuosa villa della provincia americana vive Harold, un adolescente cervellotico e pieno di problemi. Il giovane si diverte a simulare - come dirà al suo psicanalista - quindici suicidi per scuotere la madre, giovane avvenente e sventata, che ormai non lo sopporta più. Oltre ai tentativi di suicidio Harold coltiva tendenze necrofile: non si perde un funerale cui si reca con una macchina delle pompe funebri. In una di queste visite fa amicizia con Maude, una vecchina percorsa da fremiti di vita nonostante sia vicina al suo ottantesimo anno di età.
Perché guardare: Il tipo di dramma che ti rimane impresso anche dopo i titoli di coda. Hal Ashby conferisce al materiale una pazienza che lo eleva al di sopra della tariffa standard.
Harold e Maude (1971) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Harold e Maude ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 7.6 riflette la regia, la scrittura e la performance che operano a livelli costanti simultaneamente. I film che ottengono punteggi in questo intervallo raramente falliscono in modo significativo in ogni singola dimensione e Harold e Maude non fa eccezione. Il regista lavora con una pazienza che la maggior parte del dramma contemporaneo non può permettersi. Le scene possono andare oltre il loro ovvio punto finale, trovando la verità in ciò che fanno i personaggi dopo che hanno detto quello che erano venuti a dire. Il cast capisce questo ritmo. Nel contesto del cinema 1970s in generale, Harold e Maude rappresenta ciò che il decennio ha contribuito rispetto ai decenni precedenti e successivi. Le condizioni specifiche del cinema di 1970s – budget, tecnologia, contesto culturale – hanno prodotto qui qualcosa che poteva provenire solo da quel momento.
Le prestazioni in Harold e Maude sono calibrate su un registro specifico che Hal Ashby ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Ruth Gordon ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Harold e Maude that land hardest are the ones where Ruth Gordon does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Harold e Maude è una raccomandazione affidabile per gli spettatori che sono disposti ad affrontare un film alle sue condizioni piuttosto che pretendere che si conformi alle aspettative portate da altrove. Non ha l'onnipresenza culturale dei titoli più quotati in questa categoria, il che significa che arriva senza il peso della visione obbligatoria. Il pubblico che scopre Harold e Maude senza che gli sia stato detto che deve vederlo spesso risponde in modo più deciso rispetto a chi lo affronta come un obbligo. Hal Ashby ha realizzato qualcosa con un fascino specifico: non cercare di essere tutto per tutti. Gli spettatori che si connettono con Harold e Maude tendono a trovarlo notevolmente migliore di quanto suggerito dalla valutazione 7.6, motivo per cui mantiene quella valutazione nonostante la visibilità di marketing limitata.
La posizione di Harold e Maude in questa sezione della lista riflette un film che offre in modo affidabile le sue qualità specifiche senza aspirare a essere tutto per tutti. Hal Ashby ha capito di cosa si trattava il film e lo ha realizzato ad alto livello artigianale. La valutazione 7.6 rappresenta gli spettatori che hanno apprezzato il film in questi termini e hanno ritenuto che valesse la pena valutarlo molto bene. Gli spettatori che hanno aspettative diverse a volte trovano il film meno soddisfacente di quanto suggerisca la valutazione, il che non è un punto debole del film ma delle aspettative. Harold e Maude è esattamente quello che è, realizzato con abilità, e gli elettori che lo hanno valutato hanno risposto così.
Oltre il giardino
Un cinquantenne analfabeta, che ha vissuto tutta la vita curando il giardino di un vecchio signore, conosce per caso la moglie di un magnate, che lo scambia per un raffinato e bizzarro gentiluomo. Il marito, poi, lo crede una grande mente politica. E così pure mezza Washington, che pensa addirittura di portarlo alla presidenza degli Usa.
Perché guardare: Oltre il giardino è un dramma che si affida al silenzio. Hal Ashby dà alle scene spazio per respirare oltre il loro ovvio punto finale, trovando qualcosa di vero in ciò che fanno i personaggi quando smettono di recitare.
Pubblicato nel 1979, Oltre il giardino è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Hal Ashby ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 7.6 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 7.6 di Oltre il giardino lo colloca tra i film che mantengono le premesse senza debolezze significative. Hal Ashby ha realizzato qualcosa che funziona come previsto, il che è meno comune di quanto sembri. Il dramma deriva dalla specificità piuttosto che dall’universalità. Il regista fa delle scelte che si applicano proprio a questi personaggi in questa situazione, che paradossalmente crea qualcosa di più universale di quanto farebbero i battiti emotivi generici. 1970s ha prodotto molti film. Quelli che rimangono in elenchi come questo decenni dopo sono quelli che hanno capito qualcosa di vero sulle persone piuttosto che solo sul momento. Oltre il giardino è qui perché ha capito qualcosa di duraturo.
La struttura di Oltre il giardino è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Hal Ashby effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Oltre il giardino taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Oltre il giardino disorientante in modo produttivo.
Gli spettatori che guardano Oltre il giardino per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Hal Ashby gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Oltre il giardino non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Peter Sellers lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 1979 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Hal Ashby.
I film posizionati tra gli undici e i venticinque in elenchi come questo sono spesso le scoperte più utili perché portano la qualità dei primi dieci senza il peso culturale. Oltre il giardino è in questa posizione non perché sia significativamente peggiore delle voci precedenti, ma perché il suo fascino è più concentrato. Gli spettatori che si collegano a ciò che Hal Ashby sta facendo in Oltre il giardino lo valutano tanto quanto qualsiasi altro film in questo elenco. La media su una base elettorale più ampia lo colloca qui. Gli spettatori che hanno ragioni specifiche per pensare che questo film sia per loro - in base alla preferenza del genere, all'interesse del regista o all'epoca - dovrebbero dargli la priorità rispetto a diverse voci che si collocano al di sopra di esso.
L'inquilino del terzo piano
Trelkovski, modesto impiegato di origini polacche, prende possesso a Parigi di un appartamento la cui inquilina precedente, Simon Chule, si è uccisa buttandosi dalla finestra. O, sarebbe meglio dire, è l'appartamento stesso a prendere possesso dell'uomo. Circondato da inquietanti e grotteschi vicini, Trelkovski scopre nell'appartamento orribili tracce dell'ex-inquilina e finisce progressivamente in un tunnel di follia che lo conduce al totale sdoppiamento di personalità nella ragazza.
Perché guardare: Il thriller nella sua forma migliore significa che il pubblico prova paura prima che accada qualcosa di esplicito. Roman Polanski raggiunge questo obiettivo in L'inquilino del terzo piano attraverso il controllo delle informazioni e dei tempi.
L'inquilino del terzo piano risale a 1976, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che L'inquilino del terzo piano si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Con 7.6, L'inquilino del terzo piano si colloca in un intervallo in cui la qualità è costante ma il film non ha ottenuto l'ampio consenso dei titoli con rating più elevato. Questo consenso più ristretto spesso riflette un fascino specifico: L'inquilino del terzo piano non è per tutti, ma per lo spettatore giusto è eccellente. Questo appartiene alla categoria dei thriller in cui la tensione è psicologica piuttosto che fisica. Il regista confida che il pubblico senta la pressione senza che venga mostrato un pericolo esplicito. Il risultato è più inquietante rispetto alla meccanica del thriller convenzionale. Gli 1970s sono stati un momento culturale specifico con preoccupazioni specifiche e approcci estetici specifici. L'inquilino del terzo piano riflette quelle condizioni trascendendole: è un film 1970s che non richiede di comprendere 1970s per apprezzarlo.
L'ambiente sonoro di L'inquilino del terzo piano è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Roman Polanski comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di L'inquilino del terzo piano utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Roman Polanski lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Gli spettatori che hanno visto i film influenzati da L'inquilino del terzo piano troveranno l'originale un'esperienza diversa rispetto a un film contemporaneo. Le tecniche che sembrano familiari perché sono state ampiamente copiate sono visibili qui nella loro forma originale, il che spesso rivela che le copie comprendevano la superficie di ciò che Roman Polanski faceva senza capirne il ragionamento dietro. L'inquilino del terzo piano utilizza le sue scelte stilistiche al servizio di obiettivi narrativi specifici. I film successivi che presero in prestito quelle scelte spesso le usarono come stile senza la funzione. Guardare l'originale chiarisce cosa si stava effettivamente realizzando. Il lavoro di Roman Polanski qui ha anche una specificità che manca a molte performance ad esso ispirate: le imitazioni catturano la maniera senza l'interiorità che fa sì che la maniera significhi qualcosa.
L'inquilino del terzo piano in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di Roman Polanski e l'imbarcazione di Roman Polanski possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
Kramer contro Kramer
Ted Kramer, agente pubblicitario, torna a casa tutto contento per una promozione ricevuta e non trova più la moglie. Trova il piccolo Billy, ma non Joanna che ha deciso di divorziare. Da quel momento tutto gli va storto: non riesce a impedire che Billy subisca un incidente nel quale rischia un occhio e trascura il lavoro fino a perdere il posto. La débacle professionale, derivata anche dalla volontà di Ted di stare più vicino a Billy, è addirittura considerata dai giudici un motivo di demerito nella causa che presto oppone i due coniugi nella contesa sul bambino. Il tribunale infatti finisce con l'affidare la custodia di Billy alla madre. La vicenda però non è conclusa e la donna, passato il motivo di risentimento che l'aveva spinta alla scelta di abbandonare il marito, capisce che per il bene del piccolo è preferibile trovare un "modus vivendi" che tenga conto soprattutto delle esigenze di Billy.
Perché guardare: Robert Benton si avvicina a Kramer contro Kramer con la pazienza che un buon dramma richiede e raramente ottiene. Il risultato è un film che si guadagna i suoi momenti emotivi piuttosto che programmarli.
La versione 1979 di Kramer contro Kramer è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Kramer contro Kramer l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Kramer contro Kramer si autoseleziona per il coinvolgimento. Kramer contro Kramer a 7.6 rappresenta il livello affidabile di questo elenco. Questi sono i film che non deludono. Robert Benton ha capito cosa doveva essere il film e lo ha realizzato senza compromessi. Ciò che lo distingue come dramma è il rifiuto del regista di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il film crea situazioni con un peso emotivo e quindi confida che gli spettatori portino da soli quel peso. Le performance forniscono il registro emotivo senza eccessivi segnali. Classificare i film del 1970s uno contro l'altro è in parte un esercizio per identificare ciò che è sopravvissuto. Kramer contro Kramer è sopravvissuto perché Robert Benton ha fatto scelte basate sull'artigianato piuttosto che sulla tendenza. La valutazione 7.6 riflette il pubblico che trova ancora valide quelle scelte.
Il linguaggio visivo di Kramer contro Kramer riflette il cinema di 1979 nella sua massima espressione. Robert Benton ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di Kramer contro Kramer è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare Kramer contro Kramer con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Kramer contro Kramer funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.6 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Kramer contro Kramer come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Robert Benton e Dustin Hoffman fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 7.6 che colloca Kramer contro Kramer in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a Kramer contro Kramer riflette un genuino apprezzamento per ciò che Robert Benton ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. Kramer contro Kramer è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
Lo chiamavano Trinità...
Trinità, un pistolero pigro e indolente giunge in un villaggio dove ha la sorpresa di trovare suo fratello, nelle insolite vesti di sceriffo. In realtà costui, che è un ladro di bestiame, ha accettato l'incarico per poter mettere a segno impunemente un furto ai danni di un facoltoso proprietario di cavalli. Ma, i due fratelli si troveranno a dover difendere la comunità mormona dalla prepotenza di Harrison e dei suoi uomini.
Perché guardare: Azione realizzata con chiarezza geografica. Enzo Barboni capisce che le sequenze migliori funzionano perché sai sempre dove si trovano tutti.
Lo chiamavano Trinità... (1970) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Lo chiamavano Trinità... ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 7.6 da parte di un ampio pool di elettori significa che il film ha punti di forza autentici che superano qualsiasi debolezza riscontrata dagli spettatori. Lo chiamavano Trinità... mantiene la sua promessa principale, ovvero lo standard minimo che ogni film dovrebbe soddisfare e meno di quanto suggerisce il numero di uscite. Il regista risolve il problema centrale del cinema d'azione: farti interessare al risultato prima di mostrarti l'azione. Le sequenze funzionano perché la chiarezza geografica significa che sai sempre chi è dove e cosa richiederebbe il successo. Lo chiamavano Trinità... guadagna il suo posto in qualsiasi resoconto del cinema 1970s perché cattura qualcosa che il decennio ha prodotto e che i decenni successivi hanno perso. Le condizioni culturali e tecnologiche del cinema di 1970s hanno plasmato ciò che Enzo Barboni ha potuto realizzare qui.
La sceneggiatura di Lo chiamavano Trinità... dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Enzo Barboni ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Terence Hill fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Lo chiamavano Trinità... quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Coloro che guardano Lo chiamavano Trinità... per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Lo chiamavano Trinità... per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Lo chiamavano Trinità... cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Enzo Barboni sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Terence Hill nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, Lo chiamavano Trinità... occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: Lo chiamavano Trinità... arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di Enzo Barboni qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano Lo chiamavano Trinità... qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Halloween - La notte delle streghe
Micheal, a soli 6 anni ammazza la sorella e viene internato ma dopo 15 anni fugge per recarsi al suo paese. E' il 31 Ottobre, e secondo l'antica tradizione americana è la notte in cui si esorcizzano le streghe, grazie a questa concomitanza Micheal può mietere altre vittime.
Perché guardare: Halloween - La notte delle streghe guadagna onestamente la sua tensione: la pressione deriva dalla situazione e dal carattere piuttosto che dalla sorpresa artificiale. John Carpenter confida che il pubblico percepisca la posta in gioco.
Pubblicato nel 1978, Halloween - La notte delle streghe è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. John Carpenter ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 7.6 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 7.6 per Halloween - La notte delle streghe è calcolato in base agli spettatori che avevano alternative e hanno scelto di dargli un punteggio elevato. Questa scelta riflette un film che ha espresso chiaramente le sue ragioni, che è esattamente ciò che fa Halloween - La notte delle streghe. John Carpenter ha presentato la sua argomentazione e il pubblico l'ha accettata. Ciò che fa sì che il film funzioni come un thriller è la consapevolezza che la posta in gioco richiede investimenti. Il primo atto costruisce il carattere prima che arrivi la pressione. Quando la tensione aumenta, hai motivo di preoccuparti del risultato. Ogni decennio produce film che al momento sembrano essenziali e poi svaniscono. Halloween - La notte delle streghe appartiene alla categoria più piccola: i film 1970s sono ancora apprezzati dagli spettatori che non hanno nostalgia dell'epoca. Quella qualità intergenerazionale è il vero test.
Le prestazioni in Halloween - La notte delle streghe sono calibrate su un registro specifico che John Carpenter ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Donald Pleasence ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Halloween - La notte delle streghe that land hardest are the ones where Donald Pleasence does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Halloween - La notte delle streghe è meglio guardarlo in condizioni che consentono all'atmosfera di funzionare: scarsa illuminazione, interruzioni minime e, idealmente, senza previa conoscenza dei momenti specifici che sono diventati culturalmente noti. L'horror perde la sua efficacia quando il pubblico sa esattamente cosa sta per accadere, e Halloween - La notte delle streghe è stato discusso abbastanza da far sì che alcune delle sue sequenze chiave siano familiari anche a chi non ha visto il film. Se puoi affrontarlo con una conoscenza preliminare limitata, fallo. L'atmosfera che John Carpenter ha incorporato in Halloween - La notte delle streghe dipende dal fatto che il pubblico si trovi in uno stato di genuina incertezza. La valutazione 7.6 riflette gli spettatori che si trovavano in quello stato quando lo hanno guardato.
Halloween - La notte delle streghe si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. John Carpenter ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 7.6 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di John Carpenter a questo materiale in genere trovano Halloween - La notte delle streghe tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
La montagna sacra
In una emblematica e repressa nazione latinoamericana, un giovane ladro e nove potenti ricorrono a un alchimista perché li faccia partecipi del segreto dell'immortalità. Devono raggiungere nove saggi che da tremila anni vivono in cima a una mitica montagna... Frutto di una cultura sincretica in cui sembra di ravvisare le tracce lasciate da Buñuel, Dalí, Fellini, Topor e Arrabal insieme, questo film surreale e simbolista può sconcertare o avvincere.
Perché guardare: Ciò che fa sì che La montagna sacra funzioni come dramma è il rifiuto di Alejandro Jodorowsky di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il registro emotivo viene creato, non segnalato.
La montagna sacra risale a 1973, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che La montagna sacra si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. La montagna sacra at 7.5 è un film in cui l'imbarcazione è costantemente al di sopra della media in più dimensioni. Nessun singolo elemento trasporta gli altri. La regia, la scrittura e la performance vanno tutte nella stessa direzione. Il film dimostra cosa può fare il dramma che altri generi non possono fare: mettere sotto pressione il comportamento umano ordinario e rivelare il carattere attraverso la risposta. Il regista crea queste condizioni e il cast le vive con genuina convinzione. Il contesto 1970s per La montagna sacra non è casuale. Le condizioni estetiche specifiche del decennio - cosa la tecnologia ha permesso, cosa la cultura ha richiesto - hanno plasmato le scelte che Alejandro Jodorowsky ha fatto qui. Quelle scelte reggono indipendentemente dal loro momento.
La struttura di La montagna sacra è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Alejandro Jodorowsky effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. La montagna sacra taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano La montagna sacra disorientante in modo produttivo.
La montagna sacra funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.5 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a La montagna sacra come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Alejandro Jodorowsky e Alejandro Jodorowsky fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La posizione di La montagna sacra in questa sezione della lista riflette un film che offre in modo affidabile le sue qualità specifiche senza aspirare a essere tutto per tutti. Alejandro Jodorowsky ha capito di cosa si trattava il film e lo ha realizzato ad alto livello artigianale. La valutazione 7.5 rappresenta gli spettatori che hanno apprezzato il film in questi termini e hanno ritenuto che valesse la pena valutarlo molto bene. Gli spettatori che hanno aspettative diverse a volte trovano il film meno soddisfacente di quanto suggerisca la valutazione, il che non è un punto debole del film ma delle aspettative. La montagna sacra è esattamente quello che è, realizzato con abilità, e gli elettori che lo hanno valutato hanno risposto così.
Serpico
La storia vera del poliziotto italo-americano Frank Serpico; infiltratosi nella malavita scopre che la maggioranza dei colleghi sono corrotti. Lotterà con tutte le sue forze per far venire a galla la cosa inimicandosi pericolosamente i colleghi.
Perché guardare: Sidney Lumet si avvicina a Serpico con la pazienza che un buon dramma richiede e raramente ottiene. Il risultato è un film che si guadagna i suoi momenti emotivi piuttosto che programmarli.
La versione 1973 di Serpico è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Serpico l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Serpico si autoseleziona per il coinvolgimento. I film della gamma 7.5 sono spesso più interessanti di quanto suggerisca la loro posizione in un elenco. Non hanno raggiunto la saturazione culturale dei titoli con rating più alto, il che significa che Serpico è più facile da avvicinare senza preconcetti. Serpico ne trae vantaggio. Ciò che lo distingue come dramma è il rifiuto del regista di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il film crea situazioni con un peso emotivo e quindi confida che gli spettatori portino da soli quel peso. Le performance forniscono il registro emotivo senza eccessivi segnali. I film del 1970s che ancora oggi valgono 7.5 sono sopravvissuti a un test più lungo di qualsiasi altra uscita contemporanea. Serpico ha superato quel test perché il suo nucleo - narrazione, performance, artigianato - funziona senza richiedere la sua epoca.
L'ambiente sonoro di Serpico è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Sidney Lumet comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Serpico utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Al Pacino lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Gli spettatori che guardano Serpico per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Sidney Lumet gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Serpico non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Al Pacino lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 1973 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Sidney Lumet.
I film posizionati tra gli undici e i venticinque in elenchi come questo sono spesso le scoperte più utili perché portano la qualità dei primi dieci senza il peso culturale. Serpico è in questa posizione non perché sia significativamente peggiore delle voci precedenti, ma perché il suo fascino è più concentrato. Gli spettatori che si collegano a ciò che Sidney Lumet sta facendo in Serpico lo valutano tanto quanto qualsiasi altro film in questo elenco. La media su una base elettorale più ampia lo colloca qui. Gli spettatori che hanno ragioni specifiche per pensare che questo film sia per loro - in base alla preferenza del genere, all'interesse del regista o all'epoca - dovrebbero dargli la priorità rispetto a diverse voci che si collocano al di sopra di esso.
Guardare grandi film cambia il modo in cui vedi il mondo. Per questo li scegliamo con attenzione.
Lupin III - Il castello di Cagliostro
Lupin è alla ricerca dei leggendari falsari della dinastia del Caprone, da sempre feudatari del piccolo paese di Cagliostro. Il caso gli farà incontrare la principessa Clarisse, futura sposa del Conte di Cagliostro. L'ultimo discendente del Caprone è alla ricerca del tesoro segreto della sua famiglia e per trovarlo ha bisogno dell'anello di Clarisse.
Perché guardare: Un film che è veramente divertente piuttosto che semplicemente commercializzato come tale. L'umorismo in Lupin III - Il castello di Cagliostro deriva dal carattere, non dall'impostazione.
Lupin III - Il castello di Cagliostro (1979) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Lupin III - Il castello di Cagliostro ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 7.5 riflette la regia, la scrittura e la performance che operano a livelli costanti simultaneamente. I film che ottengono punteggi in questo intervallo raramente falliscono in modo significativo in ogni singola dimensione e Lupin III - Il castello di Cagliostro non fa eccezione. Ciò che fa sì che il film funzioni come una commedia è il rifiuto del regista di segnalare dove sia l'umorismo. Le battute provengono dal personaggio e dalla situazione, il che significa che gli spettatori che prestano attenzione trovano di più degli spettatori che aspettano che gli venga detto che dovrebbero ridere. Nel contesto del cinema 1970s in generale, Lupin III - Il castello di Cagliostro rappresenta ciò che il decennio ha contribuito rispetto ai decenni precedenti e successivi. Le condizioni specifiche del cinema di 1970s – budget, tecnologia, contesto culturale – hanno prodotto qui qualcosa che poteva provenire solo da quel momento.
Il linguaggio visivo di Lupin III - Il castello di Cagliostro riflette il cinema di 1979 nella sua massima espressione. Hayao Miyazaki ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di Lupin III - Il castello di Cagliostro è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare Lupin III - Il castello di Cagliostro con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Gli spettatori che hanno visto i film influenzati da Lupin III - Il castello di Cagliostro troveranno l'originale un'esperienza diversa rispetto a un film contemporaneo. Le tecniche che sembrano familiari perché sono state ampiamente copiate sono visibili qui nella loro forma originale, il che spesso rivela che le copie comprendevano la superficie di ciò che Hayao Miyazaki faceva senza capirne il ragionamento dietro. Lupin III - Il castello di Cagliostro utilizza le sue scelte stilistiche al servizio di obiettivi narrativi specifici. I film successivi che presero in prestito quelle scelte spesso le usarono come stile senza la funzione. Guardare l'originale chiarisce cosa si stava effettivamente realizzando. Il lavoro di Yasuo Yamada qui ha anche una specificità che manca a molte performance ad esso ispirate: le imitazioni catturano la maniera senza l'interiorità che fa sì che la maniera significhi qualcosa.
Lupin III - Il castello di Cagliostro in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di Yasuo Yamada e l'imbarcazione di Hayao Miyazaki possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
Fuga da Alcatraz
Frank Morris, reo di molte fughe dalle carceri statunitensi, viene trasferito al penitenziario di Alcatraz, famoso per le condizioni che vi rendevano impossibile le evasioni. Benchè di carattere chiuso, Morris fa alcune amicizie: Doc, il pittore timido che si taglia le dita di una mano quando gli tolgono il permesso di pitturare; Litmus, un italiano; il negro English che apprezza il nuovo arrivato e lo protegge, Charley, l'indeciso che non giungerà all'appuntamento della fuga. Frank, inoltre, ben presto dovrà rilevare la durezza del carcere speciale e la disumanità del suo direttore. Quando al penitenziario pervengono i fratelli Clarence e John Anglin, già conosciuti altrove, Morris si decide e propone un piano di fuga che viene minuziosamente realizzato.
Perché guardare: Fuga da Alcatraz guadagna onestamente la sua tensione: la pressione deriva dalla situazione e dal carattere piuttosto che dalla sorpresa artificiale. Don Siegel confida che il pubblico percepisca la posta in gioco.
Pubblicato nel 1979, Fuga da Alcatraz è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Don Siegel ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 7.5 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 7.5 di Fuga da Alcatraz lo colloca tra i film che mantengono le premesse senza debolezze significative. Don Siegel ha realizzato qualcosa che funziona come previsto, il che è meno comune di quanto sembri. Ciò che fa sì che il film funzioni come un thriller è la consapevolezza che la posta in gioco richiede investimenti. Il primo atto costruisce il carattere prima che arrivi la pressione. Quando la tensione aumenta, hai motivo di preoccuparti del risultato. 1970s ha prodotto molti film. Quelli che rimangono in elenchi come questo decenni dopo sono quelli che hanno capito qualcosa di vero sulle persone piuttosto che solo sul momento. Fuga da Alcatraz è qui perché ha capito qualcosa di duraturo.
La sceneggiatura di Fuga da Alcatraz dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Don Siegel ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Clint Eastwood fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Fuga da Alcatraz quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Fuga da Alcatraz funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.5 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Fuga da Alcatraz come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Don Siegel e Clint Eastwood fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 7.5 che colloca Fuga da Alcatraz in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a Fuga da Alcatraz riflette un genuino apprezzamento per ciò che Don Siegel ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. Fuga da Alcatraz è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
La conversazione
Specialista in intercettazioni, che ha sempre vissuto immerso nel lavoro, scopre di avere una coscienza, di essere responsabile di quello che fa, di essere prima complice e poi vittima. Palma d'oro a Cannes e designato agli Oscar (film, regia), è un thriller che anticipa i tempi (Watergate) e le mode, rimanda al cinema di Antonioni (fotografia funzionale di Bill Butler), ma anche agli incubi allucinati di un Kafka tecnologicamente aggiornato. Uno dei migliori film USA degli anni '70 con un G. Hackman perfetto come antieroe dell'era elettronica. Apparizione non accreditata di Robert Duvall.
Perché guardare: Ciò che fa sì che La conversazione funzioni come dramma è il rifiuto di Francis Ford Coppola di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il registro emotivo viene creato, non segnalato.
La conversazione risale a 1974, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che La conversazione si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Con 7.5, La conversazione si colloca in un intervallo in cui la qualità è costante ma il film non ha ottenuto l'ampio consenso dei titoli con rating più elevato. Questo consenso più ristretto spesso riflette un fascino specifico: La conversazione non è per tutti, ma per lo spettatore giusto è eccellente. Il film dimostra cosa può fare il dramma che altri generi non possono fare: mettere sotto pressione il comportamento umano ordinario e rivelare il carattere attraverso la risposta. Il regista crea queste condizioni e il cast le vive con genuina convinzione. Gli 1970s sono stati un momento culturale specifico con preoccupazioni specifiche e approcci estetici specifici. La conversazione riflette quelle condizioni trascendendole: è un film 1970s che non richiede di comprendere 1970s per apprezzarlo.
Le prestazioni in La conversazione sono calibrate su un registro specifico che Francis Ford Coppola ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Gene Hackman ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in La conversazione that land hardest are the ones where Gene Hackman does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Coloro che guardano La conversazione per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare La conversazione per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che La conversazione cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Francis Ford Coppola sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Gene Hackman nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, La conversazione occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: La conversazione arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di Francis Ford Coppola qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano La conversazione qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Il braccio violento della legge
Un agente della squadra narcotici di San Francisco, Jimmy Doyle, è sulle tracce di un traffico di droga. A Marsiglia riesce ad intercettare Alain Charnier, il boss dell'organizzazione, ma durante l'inseguimento lo perde di vista, e così per catturarlo sarà costretto ad utilizzare metodi poco ortodossi...
Perché guardare: Il braccio violento della legge dimostra che i migliori thriller funzionano con moderazione. William Friedkin trattiene il più possibile il più a lungo possibile e il risultato è più efficace dell'escalation convenzionale.
La versione 1971 di Il braccio violento della legge è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Il braccio violento della legge l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Il braccio violento della legge si autoseleziona per il coinvolgimento. Il braccio violento della legge a 7.5 rappresenta il livello affidabile di questo elenco. Questi sono i film che non deludono. William Friedkin ha capito cosa doveva essere il film e lo ha realizzato senza compromessi. L'abilità è più visibile in ciò che il regista nasconde. Le informazioni vengono rilasciate strategicamente, ogni rivelazione ricontestualizza ciò che è accaduto prima. Le performance sono calibrate per una divulgazione controllata. Classificare i film del 1970s uno contro l'altro è in parte un esercizio per identificare ciò che è sopravvissuto. Il braccio violento della legge è sopravvissuto perché William Friedkin ha fatto scelte basate sull'artigianato piuttosto che sulla tendenza. La valutazione 7.5 riflette il pubblico che trova ancora valide quelle scelte.
La struttura di Il braccio violento della legge è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. William Friedkin effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Il braccio violento della legge taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Il braccio violento della legge disorientante in modo produttivo.
Il braccio violento della legge funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.5 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Il braccio violento della legge come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. William Friedkin e Gene Hackman fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
Il braccio violento della legge si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. William Friedkin ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 7.5 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di William Friedkin a questo materiale in genere trovano Il braccio violento della legge tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
Zombi
Negli Stati Uniti dilaga un'invasione di zombi, redivivi dall'aldilà, esseri regrediti a uno stato di torpore animalesco, tesi alla ricerca di carne dei vivi, deboli di forza e robusti di zanne, facili da abbattere ma invulnerabili se non colpiti al cervello. Tre uomini e una donna trovano riparo all'interno di un centro commerciale, lasciando l'inferno fuori dalle porte.
Perché guardare: Horror che funziona attraverso l'atmosfera e le implicazioni. Zombi guadagna le sue paure attraverso ciò che nasconde piuttosto che ciò che mostra.
Zombi (1978) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Zombi ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 7.5 da parte di un ampio pool di elettori significa che il film ha punti di forza autentici che superano qualsiasi debolezza riscontrata dagli spettatori. Zombi mantiene la sua promessa principale, ovvero lo standard minimo che ogni film dovrebbe soddisfare e meno di quanto suggerisce il numero di uscite. Il regista capisce che l'horror funziona quando qualcosa sembra sbagliato sotto la superficie prima che si manifesti come pericolo esplicito. Il film crea quell'errore attraverso il tono e l'atmosfera prima del primo spavento. Zombi guadagna il suo posto in qualsiasi resoconto del cinema 1970s perché cattura qualcosa che il decennio ha prodotto e che i decenni successivi hanno perso. Le condizioni culturali e tecnologiche del cinema di 1970s hanno plasmato ciò che George A. Romero ha potuto realizzare qui.
L'ambiente sonoro di Zombi è costruito deliberatamente quanto quello visivo. George A. Romero comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Zombi utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. David Emge lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Zombi funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.5 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Zombi come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. George A. Romero e David Emge fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La posizione di Zombi in questa sezione della lista riflette un film che offre in modo affidabile le sue qualità specifiche senza aspirare a essere tutto per tutti. George A. Romero ha capito di cosa si trattava il film e lo ha realizzato ad alto livello artigianale. La valutazione 7.5 rappresenta gli spettatori che hanno apprezzato il film in questi termini e hanno ritenuto che valesse la pena valutarlo molto bene. Gli spettatori che hanno aspettative diverse a volte trovano il film meno soddisfacente di quanto suggerisca la valutazione, il che non è un punto debole del film ma delle aspettative. Zombi è esattamente quello che è, realizzato con abilità, e gli elettori che lo hanno valutato hanno risposto così.
Willy Wonka e la fabbrica di cioccolato
Il proprietario di una fabbrica di dolci bandisce un concorso, i cinque bambini che troveranno il biglietto d'oro nelle barrette di cioccolato da lui prodotte potranno entrare nella sua favolosa fabbrica per scoprirne i segreti.
Perché guardare: Willy Wonka e la fabbrica di cioccolato è una commedia che resiste alla revisione perché le battute provengono da chi sono queste persone piuttosto che da situazioni progettate attorno alle battute finali.
Pubblicato nel 1971, Willy Wonka e la fabbrica di cioccolato è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Mel Stuart ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 7.5 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 7.5 per Willy Wonka e la fabbrica di cioccolato è calcolato in base agli spettatori che avevano alternative e hanno scelto di dargli un punteggio elevato. Questa scelta riflette un film che ha espresso chiaramente le sue ragioni, che è esattamente ciò che fa Willy Wonka e la fabbrica di cioccolato. Mel Stuart ha presentato la sua argomentazione e il pubblico l'ha accettata. Il film si fida del senso del tempismo comico del pubblico. Il regista imposta il ritmo e poi concede delle pause dove vive l'umorismo. Le performance comprendono che la moderazione è più divertente dell'enfasi. Ogni decennio produce film che al momento sembrano essenziali e poi svaniscono. Willy Wonka e la fabbrica di cioccolato appartiene alla categoria più piccola: i film 1970s sono ancora apprezzati dagli spettatori che non hanno nostalgia dell'epoca. Quella qualità intergenerazionale è il vero test.
Il linguaggio visivo di Willy Wonka e la fabbrica di cioccolato riflette il cinema di 1971 nella sua massima espressione. Mel Stuart ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di Willy Wonka e la fabbrica di cioccolato è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare Willy Wonka e la fabbrica di cioccolato con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Gli spettatori che guardano Willy Wonka e la fabbrica di cioccolato per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Mel Stuart gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Willy Wonka e la fabbrica di cioccolato non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Gene Wilder lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 1971 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Mel Stuart.
I film posizionati tra gli undici e i venticinque in elenchi come questo sono spesso le scoperte più utili perché portano la qualità dei primi dieci senza il peso culturale. Willy Wonka e la fabbrica di cioccolato è in questa posizione non perché sia significativamente peggiore delle voci precedenti, ma perché il suo fascino è più concentrato. Gli spettatori che si collegano a ciò che Mel Stuart sta facendo in Willy Wonka e la fabbrica di cioccolato lo valutano tanto quanto qualsiasi altro film in questo elenco. La media su una base elettorale più ampia lo colloca qui. Gli spettatori che hanno ragioni specifiche per pensare che questo film sia per loro - in base alla preferenza del genere, all'interesse del regista o all'epoca - dovrebbero dargli la priorità rispetto a diverse voci che si collocano al di sopra di esso.
La rabbia giovane
Holly, una ragazzina inquieta, trova in Kit, giovane spiantato e manesco, quell'affetto che le manca in famiglia. Quando il padre di Holly (la madre è morta) si oppone alla loro relazione in modo piuttosto energico, Kit lo uccide. I due giovani poi fuggono insieme nel tentativo di espatriare. Alle loro spalle intanto la scia di cadaveri si allunga...
Perché guardare: Ciò che fa sì che La rabbia giovane funzioni come dramma è il rifiuto di Terrence Malick di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il registro emotivo viene creato, non segnalato.
La rabbia giovane risale a 1974, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che La rabbia giovane si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. La rabbia giovane at 7.5 è un film in cui l'imbarcazione è costantemente al di sopra della media in più dimensioni. Nessun singolo elemento trasporta gli altri. La regia, la scrittura e la performance vanno tutte nella stessa direzione. Il film dimostra cosa può fare il dramma che altri generi non possono fare: mettere sotto pressione il comportamento umano ordinario e rivelare il carattere attraverso la risposta. Il regista crea queste condizioni e il cast le vive con genuina convinzione. Il contesto 1970s per La rabbia giovane non è casuale. Le condizioni estetiche specifiche del decennio - cosa la tecnologia ha permesso, cosa la cultura ha richiesto - hanno plasmato le scelte che Terrence Malick ha fatto qui. Quelle scelte reggono indipendentemente dal loro momento.
La sceneggiatura di La rabbia giovane dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Terrence Malick ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Martin Sheen fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in La rabbia giovane quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Gli spettatori che hanno visto i film influenzati da La rabbia giovane troveranno l'originale un'esperienza diversa rispetto a un film contemporaneo. Le tecniche che sembrano familiari perché sono state ampiamente copiate sono visibili qui nella loro forma originale, il che spesso rivela che le copie comprendevano la superficie di ciò che Terrence Malick faceva senza capirne il ragionamento dietro. La rabbia giovane utilizza le sue scelte stilistiche al servizio di obiettivi narrativi specifici. I film successivi che presero in prestito quelle scelte spesso le usarono come stile senza la funzione. Guardare l'originale chiarisce cosa si stava effettivamente realizzando. Il lavoro di Martin Sheen qui ha anche una specificità che manca a molte performance ad esso ispirate: le imitazioni catturano la maniera senza l'interiorità che fa sì che la maniera significhi qualcosa.
La rabbia giovane in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di Martin Sheen e l'imbarcazione di Terrence Malick possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
Suspiria
Susy va a Friburgo per iscriversi a un'accademia di danza, ma un paio di compagne vengono massacrate in maniera orripilante. Sull'edificio che ospita la scuola, una vecchia costruzione isolata e immersa in un bosco, grava un'antica maledizione e la direttrice sembra essere in comunicazione con l'aldilà. O meglio, con una strega dura a morire...
Perché guardare: Suspiria appartiene alla categoria dell'horror che dura. Il disagio che crea deriva dalle implicazioni e dall'atmosfera, che non si dissipano come fanno i momenti di shock.
La versione 1977 di Suspiria è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Suspiria l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Suspiria si autoseleziona per il coinvolgimento. I film della gamma 7.5 sono spesso più interessanti di quanto suggerisca la loro posizione in un elenco. Non hanno raggiunto la saturazione culturale dei titoli con rating più alto, il che significa che Suspiria è più facile da avvicinare senza preconcetti. Suspiria ne trae vantaggio. L’orrore ha una posta in gioco che va oltre la sopravvivenza. Il regista collega la paura a qualcosa di reale: carattere, relazione o moralità. Le paure contano perché conta ciò che viene minacciato. I film del 1970s che ancora oggi valgono 7.5 sono sopravvissuti a un test più lungo di qualsiasi altra uscita contemporanea. Suspiria ha superato quel test perché il suo nucleo - narrazione, performance, artigianato - funziona senza richiedere la sua epoca.
Le prestazioni in Suspiria sono calibrate su un registro specifico che Dario Argento ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Jessica Harper ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Suspiria that land hardest are the ones where Jessica Harper does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Suspiria funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.5 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Suspiria come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Dario Argento e Jessica Harper fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 7.5 che colloca Suspiria in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a Suspiria riflette un genuino apprezzamento per ciò che Dario Argento ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. Suspiria è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
I giorni del cielo
Siamo negli Stati Uniti, agli inizi del secolo. Bill, un bravo giovanotto, emigra da Chicago nel Midwest. Con lui viaggiano la sua fidanzata Abby con la sorellina. Trovato un impiego presso il ricco Chuck, Bill convince Abby a sposarlo per assicurare una vita agiata a tutti e tre, ma ben presto un'ingistificata gelosia rovina il rapporto tra i due sposi e la vita coniugale diventa un inferno.
Perché guardare: Il tipo di dramma che ti rimane impresso anche dopo i titoli di coda. Terrence Malick conferisce al materiale una pazienza che lo eleva al di sopra della tariffa standard.
I giorni del cielo (1978) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e I giorni del cielo ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 7.5 riflette la regia, la scrittura e la performance che operano a livelli costanti simultaneamente. I film che ottengono punteggi in questo intervallo raramente falliscono in modo significativo in ogni singola dimensione e I giorni del cielo non fa eccezione. Il regista lavora con una pazienza che la maggior parte del dramma contemporaneo non può permettersi. Le scene possono andare oltre il loro ovvio punto finale, trovando la verità in ciò che fanno i personaggi dopo che hanno detto quello che erano venuti a dire. Il cast capisce questo ritmo. Nel contesto del cinema 1970s in generale, I giorni del cielo rappresenta ciò che il decennio ha contribuito rispetto ai decenni precedenti e successivi. Le condizioni specifiche del cinema di 1970s – budget, tecnologia, contesto culturale – hanno prodotto qui qualcosa che poteva provenire solo da quel momento.
La struttura di I giorni del cielo è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Terrence Malick effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. I giorni del cielo taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano I giorni del cielo disorientante in modo produttivo.
Coloro che guardano I giorni del cielo per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare I giorni del cielo per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che I giorni del cielo cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Terrence Malick sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Richard Gere nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, I giorni del cielo occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: I giorni del cielo arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di Terrence Malick qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano I giorni del cielo qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Patton, generale d'acciaio
Duramente sconfitte a Kasserine, in Tunisia, nel loro primo scontro con l'"Africa Korps" di Rommel, le forze americane si rifanno allorché il comando della VII Armata viene assunto dal generale George S. Patton. Militare di carriera e più ancora di vocazione, fanatico, arrogante e volgare, ma anche abile e valoroso comandante, Patton, dopo aver conquistato la Sicilia, rivaleggiando con Montgomery, subisce un'eclissi temporanea per aver schiaffeggiato come vigliacco un soldato colto da una crisi nervosa. Sbarcati gli alleati in Normandia, viene affidato a Patton il comando della III Armata, con la quale, vinta la cruenta battaglia di Bastogne, e conquistate le Ardenne, si spinge fin nel centro della Germania.
Perché guardare: Patton, generale d'acciaio è un dramma che si affida al silenzio. Franklin J. Schaffner dà alle scene spazio per respirare oltre il loro ovvio punto finale, trovando qualcosa di vero in ciò che fanno i personaggi quando smettono di recitare.
Pubblicato nel 1970, Patton, generale d'acciaio è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Franklin J. Schaffner ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 7.5 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 7.5 di Patton, generale d'acciaio lo colloca tra i film che mantengono le premesse senza debolezze significative. Franklin J. Schaffner ha realizzato qualcosa che funziona come previsto, il che è meno comune di quanto sembri. Il dramma deriva dalla specificità piuttosto che dall’universalità. Il regista fa delle scelte che si applicano proprio a questi personaggi in questa situazione, che paradossalmente crea qualcosa di più universale di quanto farebbero i battiti emotivi generici. 1970s ha prodotto molti film. Quelli che rimangono in elenchi come questo decenni dopo sono quelli che hanno capito qualcosa di vero sulle persone piuttosto che solo sul momento. Patton, generale d'acciaio è qui perché ha capito qualcosa di duraturo.
L'ambiente sonoro di Patton, generale d'acciaio è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Franklin J. Schaffner comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Patton, generale d'acciaio utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. George C. Scott lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Patton, generale d'acciaio è adatto alle serate in cui si desidera guardare qualcosa che abbia sostanza genuina piuttosto che qualcosa che riempia semplicemente il tempo. Non è un film di sottofondo e non è un'esperienza passiva. Franklin J. Schaffner ha costruito qualcosa che richiede la tua attenzione e la premia in modo specifico anziché generale. Gli spettatori che guardano Patton, generale d'acciaio mentre fanno altre cose otterranno una versione del film notevolmente ridotta rispetto alla versione disponibile a qualcuno che gli presta tutta la sua attenzione. La classificazione 7.5 riflette l'esperienza visiva con piena attenzione. Il cast, nello specifico George C. Scott, offre dettagli prestazionali che si registrano in una visione concentrata e scompaiono in una visione distratta.
Patton, generale d'acciaio si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. Franklin J. Schaffner ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 7.5 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di Franklin J. Schaffner a questo materiale in genere trovano Patton, generale d'acciaio tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
Come abbiamo classificato questi film 1970s
Ogni film in questa pagina è stato selezionato utilizzando i dati dell'API Movie Database, filtrati per soglie di voto minime per garantire coerenza di qualità. Il processo inizia con tutti i film di questa categoria, ordinati in base alla media dei voti in ordine decrescente, quindi filtrati per escludere i film con un numero di voti inferiore a quello richiesto.
Da quell'elenco più ampio, ogni voce è stata verificata manualmente per verificarne l'accuratezza. Una valutazione elevata non si traduce automaticamente in guardabilità. Un film che è di tendenza a causa delle notizie recenti non è la stessa cosa di un film che è di tendenza perché è veramente bello. L'analisi editoriale su ciascuna voce riflette la qualità effettiva del film piuttosto che il rumore culturale.
La selezione mantiene un equilibrio tra accessibilità e profondità. I film qui spaziano dalle uscite contemporanee ai titoli di catalogo che meritano di essere riscoperti. Tutti sono stati realizzati con mestiere e intenzione. Tutta la visualizzazione della ricompensa.
I migliori film 1970s per genere
I film 50 in questa pagina abbracciano più generi e sottogeneri. Il genere è utile come filtro ma non come categoria definitiva. Un film etichettato Drama potrebbe essere pieno di suspense quanto uno etichettato Thriller. Un film etichettato Azione potrebbe essere emotivamente intelligente quanto uno etichettato Drammatico. Usa il genere come punto di partenza, non come quadro completo.
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I migliori film 1970s per valutazione
I film in questa pagina sono divisi in tre livelli di classificazione. I film superiori a 8,5 sono eccezionali sotto ogni aspetto e rappresentano il miglior cinema in assoluto in questa categoria. I film da 7,5 a 8,4 mostrano una maestria coerente e sono affidabili e forti. I film da 7.0 a 7.4 sono comunque eccellenti e vale la pena guardarli, sebbene rappresentino una gamma di qualità leggermente più ampia.
Una valutazione di 8,0 su TMDB richiede una base elettorale sufficientemente ampia per essere statisticamente affidabile. Riflette un genuino apprezzamento del pubblico testato nel tempo.
I migliori film 1970s per Runtime
Il runtime è uno dei filtri più utili quando si sceglie cosa guardare e uno dei meno utilizzati. I film di durata inferiore a 90 minuti offrono esperienze complete e precise. I film da 90 a 120 minuti rappresentano la durata ottimale per la maggior parte delle situazioni di visualizzazione. I film superiori a 120 minuti richiedono impegno ma lo premiano.
Usa il tuo tempo a disposizione per trovare il film giusto piuttosto che iniziare qualcosa a tarda notte che dura molto più a lungo del previsto.
Gemme nascoste che vale la pena trovare
Ogni selezione 1970s contiene film che si collocano al di sotto delle prime classifiche di visibilità ma offrono qualcosa di eccezionale. Questi sono i film che l'algoritmo sottopondera perché non hanno il riconoscimento del franchise o una recente copertura da parte della stampa. Non sono nascosti perché sono oscuri. Sono nascosti perché le piattaforme emergono per prime le opzioni più rumorose.
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Domande frequenti
Quali sono i migliori film di 1970s?
I migliori film di 1970s sono classificati ed elencati per intero in questa pagina. Questo elenco riflette il genuino apprezzamento del pubblico piuttosto che la nostalgia. Ogni film ha guadagnato la sua posizione grazie alla risposta positiva sostenuta da un pubblico abbastanza vasto da avere importanza.
Qual è il film con il punteggio più alto di 1970s?
I film con il punteggio più alto di 1970s sono elencati nella parte superiore di questa pagina. I film con punteggio pari o superiore a 8,5 sono stati apprezzati dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che è stato realizzato da allora, il che rende la valutazione più significativa di quanto suggerisca il solo numero.
Quali sono i migliori thriller 1970s?
I thriller di 1970s sono identificati dai tag di genere in questa pagina. Cerca i film contrassegnati con Thriller o Crime Thriller. I migliori thriller 1970s creano tensione attraverso l'investimento nei personaggi piuttosto che attraverso lo shock prodotto.
Quali sono i migliori drammi 1970s?
I film drammatici del 1970s rappresentano alcuni dei lavori più duraturi dell'epoca. I migliori drammi 1970s hanno avuto fiducia nel pubblico nel registrare informazioni emotive senza sottolinearle e continuano a premiare la visione decenni dopo l'uscita.
Quali sono i migliori film d'azione 1970s?
Il cinema d'azione si è evoluto in modo significativo durante il 1970s. I film in questa pagina contrassegnati con Azione rappresentano il meglio di quell'evoluzione, con sequenze dirette prima alla comprensione e poi all'impatto.
Quali sono le migliori commedie 1970s?
Le migliori commedie di 1970s derivano l'umorismo dai personaggi piuttosto che dalla meccanica della preparazione e della battuta finale. Rimangono divertenti perché i personaggi sono specifici e riconoscibili anche quando i riferimenti culturali originari sono sbiaditi.
Quali sono i migliori film horror 1970s?
I migliori film horror di 1970s hanno capito che l'atmosfera è più duratura dello shock e che la paura richiede un investimento preventivo nei personaggi. Sono stati selezionati per la capacità atmosferica e l'intelligenza strutturale piuttosto che per il contenuto esplicito.
Quali sono i migliori film di fantascienza 1970s?
I migliori film di fantascienza 1970s utilizzavano premesse speculative per esplorare le questioni umane piuttosto che come spettacolo. Il genere è stato preso abbastanza sul serio che i progetti con idee reali al loro interno sono stati realizzati e distribuiti nelle sale.
Quali sono i migliori film polizieschi 1970s?
Il cinema poliziesco di 1970s rappresenta alcuni dei lavori più forti che il genere abbia prodotto. Questi film affrontavano l’ambiguità morale senza risolverla e mostravano i costi della vita criminale senza romanticismo.
Quali sono i migliori film in lingua straniera di 1970s?
Il cinema internazionale del 1970s è rappresentato in questo elenco. Diversi cinema nazionali attraversarono periodi di massima creatività durante quest'epoca. Gli scettici dei sottotitoli dovrebbero iniziare con qualsiasi film in lingua straniera con classificazione 8,5 e superiore in questa pagina.
Quali sono i film più sottovalutati della 1970s?
La sezione Gemme nascoste in questa pagina identifica i film 1970s che hanno ottenuto un punteggio compreso tra 6,5 e 7,4 da basi di elettori significative. Questi film sono sottovalutati non perché siano oscuri, ma perché mancano di riconoscimento in franchising o di recente copertura da parte della stampa.
Quali film di 1970s tutti dovrebbero vedere almeno una volta?
I film con punteggio 8.0 e superiore in questo elenco rappresentano la visualizzazione 1970s non negoziabile. Questi hanno ottenuto un autentico consenso critico tra più generazioni di spettatori e continuano a raggiungere un nuovo pubblico.
Quali sono i migliori film 1970s per qualcuno che di solito non guarda i film più vecchi?
Inizia con qualsiasi film con classificazione 8,5 e superiore da questa pagina. La qualità non invecchia. Utilizza i tag di genere per trovare un film 1970s in un genere che ti piace e inizia da lì.
Come si confrontano i film 1970s con il cinema moderno?
La 1970s ha prodotto film sotto vincoli diversi e con ambizioni diverse. Le strutture economiche consentivano ai film di fascia media con premesse originali di ottenere l'uscita nelle sale. Directors were given more creative control relative to studios than is common now.
Vale ancora la pena guardare i film 1970s oggi?
Sì, senza qualifica. I film in questo elenco sono stati selezionati perché reggono, non perché sono storicamente interessanti. Il grande cinema non invecchia come invecchiano la tecnologia o la moda. Il pubblico contemporaneo continua ad apprezzare molto questi film.