The Godfather
シシリーからアメリカに移住し、一代で財を成したドン・コルレオーネ。三男のマイケルはひとり堅気な人生を送ろうとしていたが、敵対するファミリーにドンが襲われ重傷を負った時、彼は報復を決意する。そしてニューヨークは抗争の場と化していった……。
なぜ見るのか: このセレクションの中で最も評価の高い映画の 1 つ。 The Godfather は、複数の世代の視聴者の間で継続的に高い評価を受けることでその評判を獲得してきました。
The Godfather (1972) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、The Godfather がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 The Movie Database で 8.7 の評価を受けることは統計的にはまれです。それには、個々の意見が平均化され、多様な視聴者に一貫して伝わる映画だけを残すのに十分な規模の有権者ベースが必要です。 The Godfather はそのことに同意しています。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 1970s映画全体のコンテキストでは、The Godfather は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1970s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
The Godfather のビジュアル言語は、1972 の映画制作を最大限に反映しています。 Francis Ford Coppola は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 The Godfather のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して The Godfather を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
The Godfather を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて The Godfather を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると The Godfather が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Francis Ford Coppola の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Marlon Brando のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの上位 10 位に The Godfather をランク付けるには、特別な議論は必要ありません。統計的に意味があるのに十分な規模の有権者ベースからの 8.7 評価が議論です。深刻なリストのトップ 10 に入る映画がその位置を占めているのは、常に最も幅広い視聴者に配信しているためであり、The Godfather は、これを見たすべての層にそれを実現しました。ここでの Francis Ford Coppola の作品は、個々のシーンの品質が映画全体のレベルに耐えられるものに複合されるレベルで機能していますが、これは思っているよりも珍しいことです。
The Godfather Part II
亡き父のあとを継ぎドンとなったマイケルの苦悩と復讐を、父ビトーの少年時代からやがて一大ファミリーを築くまでのエピソードを交えて描いた、名作「ゴッドファーザー」の第2作。幼いビトーが青年となり、やがてファミリーを築くまでの物語と、父のあとを継ぎドンとなったマイケルの、父がそうであった頃と全く変わってしまった時代の中でのドンとしての苦悩と復讐の物語を、巧みに交差しながら展開していく。
なぜ見るのか: The Godfather Part II は、このリストの例外的な最後に位置します。大規模な有権者ベースに基づいて構築されたこの高い評価は、誇大広告ではなく、真のコンセンサスを反映しています。
1974 年に公開された The Godfather Part II は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Francis Ford Coppola は生き残ったものを作り、今日の 8.6 の評価はその持続力の証拠です。 The Godfather Part II の 8.6 スコアは、何千もの個別の視聴決定を 1 つの数値に抽出したものを表します。この数字は現実を反映しています。この映画を見た人々は、この映画が並外れたものであると考え、十分な数の人々がこの評価を意味のあるものにすることに同意しました。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 1970s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 The Godfather Part II は永続的なものを理解したためにここにいます。
The Godfather Part II の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Francis Ford Coppola は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Al Pacino は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、The Godfather Part II で最も顕著に現れます。
The Godfather Part II は、単に時間を埋めるものではなく、本質的なものを見たい夜に適しています。これは背景ムービーではなく、受動的な体験でもありません。 Francis Ford Coppola は、ユーザーの注意を求め、一般的ではなく具体的に報酬を与える何かを構築しました。他のことをしながら The Godfather Part II を視聴する視聴者は、フルに注意を払った人が視聴できるバージョンよりも大幅に縮小されたバージョンの映画を視聴することになります。 8.6 評価は、フルアテンションの視聴エクスペリエンスを反映しています。キャスト (具体的には Al Pacino) は、集中して視聴すると記録され、気を散らして視聴すると消えてしまうパフォーマンスの詳細を提供します。
このリストの The Godfather Part II のトップ 10 の位置は、新しい視聴者が発見し続け、高く評価し続ける持続的な卓越性という、作るのが難しいものを反映しています。ほとんどの映画は、最初に観客を魅了した後は勢いが失われます。 The Godfather Part IIはそうではありません。公開から数年、数十年後にこの作品に出会った視聴者は、初期の視聴者と同じように高い評価を与えます。 Francis Ford Coppola は、その由来となった文化的瞬間とは独立して機能するものを作りました。これが永続的な品質の定義です。 Al Pacino のパフォーマンスは耐久性の一部であり、時代劇としては解釈されません。
One Flew Over the Cuckoo's Nest
原作はベトナム戦争真っただ中の1962年に発表され、ベストセラーになったK・キージーのベストセラー小説。人間から心の自由を奪うことの愚かさを真っ向から批判し、1960代の若者たちから熱烈に支持された。本作のプロデュースを担当したダグラスがブロードウェイで演じたその演劇版を映画化。第48回アカデミー賞で作品賞など５部門に輝いた。 1963年。オレゴン州立精神病院にひとりの男が収容された。彼の名はR·P·マクマーフィ。刑務所に入れられないよう心の病を装った疑いがあり、医師たちの観察下へ置かれる。極めて自由な精神を持ち、体制やルールに徹底して反発する彼は、慇懃な仮面を被った絶対権力者であるラチェット看護士と衝突する。不屈の姿勢を崩さないマクマーフィの影響で、体制によって無気力な人間にされていた患者たちが次第に心を取り戻し始めるのだが…。
なぜ見るのか: One Flew Over the Cuckoo's Nest の背後にある数字は達成するのが困難です。何千人もの独立した視聴者が調整なしで高く評価しています。このコンセンサスは、入手可能な最も信頼できる品質の信号です。
One Flew Over the Cuckoo's Nest の日付は 1975 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 One Flew Over the Cuckoo's Nestが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 8.4 では、One Flew Over the Cuckoo's Nest は品質が安定している範囲内にありますが、映画は高評価のタイトルの広範なコンセンサスに達していません。この狭いコンセンサスは、多くの場合、特定の魅力を反映しています。One Flew Over the Cuckoo's Nest は万人向けではありませんが、適切な視聴者にとっては優れています。 この映画は、ドラマが他のジャンルにできずにできること、つまり、普通の人間の行動にプレッシャーを与え、その反応を通じて性格を明らかにすることを示しています。監督はそのような状況を作り出し、キャストは真の信念を持ってその状況を生きています。 1970s は、特定の関心事と特定の美的アプローチを備えた特定の文化的瞬間でした。 One Flew Over the Cuckoo's Nest はそれらの条件を反映しながら、それらを超越しています。この映画は、鑑賞するために 1970s を理解する必要がない 1970s映画です。
One Flew Over the Cuckoo's Nest のパフォーマンスは、Miloš Forman が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Jack Nicholson は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 One Flew Over the Cuckoo's Nest で最も着地が難しい瞬間は、Jack Nicholson の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
One Flew Over the Cuckoo's Nest は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.4 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 One Flew Over the Cuckoo's Nest を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Miloš Forman と Jack Nicholson が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
One Flew Over the Cuckoo's Nest がトップ 10 に入るのは、ほとんどの映画が試み、達成できるものはほとんどないことを実現しているからです。つまり、最初に見たときは素晴らしく、再視聴するとさらに多くの層が明らかになります。初めての観客と再訪の観客は異なる経験をしており、どちらの経験も強いです。 Miloš Forman は、複数のレベルで同時に作業することで、この深みを映画に組み込みました。表面的なストーリーは実現しますが、その下には、すべてがどこへ向かうのかを知ったときに初めて完全に見えるようになる、巧妙な決定の層があります。この 2 レベルの構造により、One Flew Over the Cuckoo's Nest は次の層ではなくトップ 10 にランクされます。
Apocalypse Now
ベトナム戦争が真っただ中のサイゴン。アメリカ陸軍情報部のウィラード大尉にある密命が下される。それは、カンボジアに特殊任務で赴いたままジャングル奥地に自らの王国を築き、カリスマ的な存在と化した危険人物カーツ大佐を暗殺せよ、というもの。任務を全うすべく、ウィラード大尉は4人の部下とともに哨戒艇に乗り込み川をさかのぼる。道中、極限状態に晒され続けた彼らは幾多の異常な世界を体験していく。やがて彼らはついに、ジャングルの奥深く、カーツ大佐が潜伏する“王国”へと辿り着くのだった。
なぜ見るのか: Apocalypse Now は、スコアが安定しているほど十分に長く評価を維持しています。さまざまな視聴者の間でこれほど高く評価されている映画は、単に良いというだけではなく、並外れたものです。
Apocalypse Now の 1979 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Apocalypse Now を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Apocalypse Now の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 8.3 の Apocalypse Now は、このリストの信頼できる層を表します。これらは期待を裏切らない映画です。 Francis Ford Coppola は映画がどうあるべきかを理解し、妥協することなくそれを実行しました。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1970s の映画を相互にランク付けすることは、何が生き残ったかを特定するための演習の一部です。 Apocalypse Now が生き残ったのは、Francis Ford Coppola がトレンドではなく技術に基づいて選択をしたからです。 8.3 の評価は、これらの選択肢が依然として有効であると考えている視聴者を反映しています。
Apocalypse Now の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Francis Ford Coppola は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 Apocalypse Now は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、Apocalypse Now が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
初めて Apocalypse Now を視聴する視聴者は、Francis Ford Coppola がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Apocalypse Now のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Martin Sheen はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1979 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Francis Ford Coppola が意図したものです。
The Movie Database の評価に基づいて作成されたランキング リストのトップ 10 の位置は、真の重要なコンセンサスを表します。これは人気コンテストではありません。投票者の基準値は、個々の外れ値の意見が平均化されるほど多くの人が視聴して評価した映画をフィルターします。この位置の Apocalypse Now は、国や視聴習慣が異なる多様な視聴者がこの映画が優れていると独自に結論付けたことを意味します。 Francis Ford Coppola は、Apocalypse Now で文化的変動に強い何かを達成しました。ここで使用されている特定のストーリーテリング アプローチは、さまざまな文脈に翻訳されます。
Star Wars
遠い昔、遙か彼方の銀河では帝国軍の独裁体制が敷かれていた。反乱の機会をうかがう惑星アルデラーンのレイア姫は暗黒卿ダース・ベイダーに捕らえられるが、その寸前に二体のドロイドR2-D2とC-3POを砂漠の惑星タトゥイーンに送り込む。偶然にもそのドロイドを手に入れた青年ルークは、ジェダイの騎士団の一人オビ＝ワン・ケノービや密輸船ミレニアム・ファルコンの船長ハン・ソロたちと共に、反乱軍と帝国軍の闘いに巻き込まれていく。
なぜ見るのか: このセレクションの中で最も評価の高い映画の 1 つ。 Star Wars は、複数の世代の視聴者の間で継続的に高い評価を受けることでその評判を獲得してきました。
Star Wars (1977) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Star Wars がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 大規模な有権者による 8.2 の評価は、この映画が視聴者が見つけた弱点を上回る真の強みを持っていることを意味します。 Star Wars は、映画が満たすべき最低基準である中心的な約束を果たしますが、リリース数が示すよりも達成できるものはほとんどありません。 この監督は、アクションを見せる前に結果を気にさせるというアクション映画の核心的な問題を解決した。このシーケンスが機能するのは、地理が明確であるため、誰がどこにいるのか、成功には何が必要なのかが常にわかるからです。 Star Wars は、1970s映画のあらゆる説明の中でその地位を獲得しています。それは、この 10 年間に生み出され、その後の 10 年間に失われたものを捉えているからです。 1970s映画製作の文化的および技術的条件が、George Lucas がここで制作できるものを形作りました。
Star Wars の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 George Lucas は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Star Wars の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Mark Hamill は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
Star Wars が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、George Lucas の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 Star Wars は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Mark Hamill の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
Star Wars のトップ 10 の位置が最も意味を持つのは、何と競合したかを考えるときです。このモードと時代のカタログ内のすべての映画が評価され、評価の質と投票者数の組み合わせにより、Star Wars が他のすべての映画よりも優先されたため、ここにランクされました。 George Lucas は、Star Wars で、同じカテゴリの代替作品、つまり優れた映画である代替作品とは区別する選択をしました。トップ 10 とトップ 20 の差は、絶対評価の点では見た目よりも小さいですが、視聴者が実際に提供するものという点では大きな差があります。
A Clockwork Orange
スタンリー・キューブリック監督の描く傑作SF。近未来、毎日のように暴力やセックスに明け暮れていた不良グループの首領アレックスは、ある殺人事件で仲間に裏切られ、ついに投獄させられてしまう。そこで彼は、攻撃性を絶つ洗脳の実験台に立たされるが……。
なぜ見るのか: A Clockwork Orange は、このリストの例外的な最後に位置します。大規模な有権者ベースに基づいて構築されたこの高い評価は、誇大広告ではなく、真のコンセンサスを反映しています。
1971 年に公開された A Clockwork Orange は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Stanley Kubrick は生き残ったものを作り、今日の 8.2 の評価はその持続力の証拠です。 A Clockwork Orange の 8.2 スコアは、選択肢があり、これを高く評価することを選択した視聴者から構築されています。この選択は、自分の主張を明確に主張した映画を反映しています。まさに A Clockwork Orange が行っていることです。 Stanley Kubrick が主張し、聴衆はそれを受け入れました。 この映画をSFとして区別するのは、監督の内部ロジックへのこだわりです。世界のルールが確立され、全体を通して尊重されているため、視聴者は常に新しい情報に方向転換するのではなく、アイデアに取り組むことができます。 10年ごとに、その時では不可欠に見えては消え去ってしまう映画が生み出されます。 A Clockwork Orange はより小さなカテゴリーに属します。1970s映画は、当時を懐かしむことのない視聴者から今でも高く評価されています。世代を超えた品質こそが本当の試練だ。
A Clockwork Orange のビジュアル言語は、1971 の映画制作を最大限に反映しています。 Stanley Kubrick は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 A Clockwork Orange のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して A Clockwork Orange を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
A Clockwork Orange は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.2 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 A Clockwork Orange を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Stanley Kubrick と Malcolm McDowell が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
A Clockwork Orange は、文化的な評判によってではなく、視聴者が座ってそれを見たときに何が起こるかによってトップ 10 の地位を獲得しました。 8.2 評価は、独立した視聴の大規模なサンプル全体でのその体験をキャプチャします。このようなリストでトップ 10 に入る映画は、代替作品に完全にアクセスできる視聴者によってテストされ、この作品を体験のトップに評価することを選択しました。 Stanley Kubrick と Malcolm McDowell は、その期待に一貫して応えられるものを作りました。それが、新しい視聴者が継続的に新しい基準をもたらしているにもかかわらず、評価が維持されている理由です。
Alien
巨大な宇宙貨物船に侵入した一匹の異星生物の恐怖。地球への帰途についていた宇宙貨物船ノストロモ号は、謎の救難信号を受けて未知の惑星に降り立つ。そこには異星人の船があり、船内には無数の奇怪な卵が存在していた。卵から飛び出した奇妙な生物が顔に貼り付いた航宙士ケインを回収し、ノストロモ号は再び航海につくが、彼の体内にはすでに異星生物の幼体が産みつけられていたのだ。ケインの腹を突き破り姿を現したエイリアンは脱皮を繰り返し巨大に成長、一人また一人と乗組員を血祭りにあげていく……。
なぜ見るのか: Alien の背後にある数字は達成するのが困難です。何千人もの独立した視聴者が調整なしで高く評価しています。このコンセンサスは、入手可能な最も信頼できる品質の信号です。
Alien の日付は 1979 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 Alienが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 8.2 の Alien は、航空機が複数の側面にわたって常に平均を上回っている映画です。単一の要素が他の要素を引き継ぐことはありません。演出も脚本も演技もすべて同じ方向を向いている。 この映画は、監督が差し控えたものによってホラーとして機能します。カメラは安全なものを示し、安全ではないものを切り取るため、逆説的に、隠れた脅威がどんな流血表現よりも恐ろしいものになります。 Alien の 1970s コンテキストは偶然ではありません。この 10 年間の特定の美的条件、つまりどのテクノロジーが許可し、どのような文化が要求したかが、Ridley Scott がここで行った選択を形作りました。それらの選択は、その瞬間とは関係なく維持されます。
Alien の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Ridley Scott は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Tom Skerritt は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Alien で最も顕著に現れます。
Alien を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて Alien を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると Alien が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Ridley Scott の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Tom Skerritt のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの上位 10 位に Alien をランク付けるには、特別な議論は必要ありません。統計的に意味があるのに十分な規模の有権者ベースからの 8.2 評価が議論です。深刻なリストのトップ 10 に入る映画がその位置を占めているのは、常に最も幅広い視聴者に配信しているためであり、Alien は、これを見たすべての層にそれを実現しました。ここでの Ridley Scott の作品は、個々のシーンの品質が映画全体のレベルに耐えられるものに複合されるレベルで機能していますが、これは思っているよりも珍しいことです。
Taxi Driver
ニューヨークの夜を走るひとりのタクシードライバーを主人公に、現代都市に潜む狂気と混乱を描き出した、監督マーティン・スコセッシ×主演ロバート・デ・ニーロの、アメリカン・ニューシネマの傑作。ベトナム帰りの青年トラヴィス・ビックルは夜の街をタクシーで流しながら、世界の不浄さに苛立ちを感じていた。大統領候補の選挙事務所に勤めるベッツィと親しくなるトラヴィスだったが、彼女をポルノ映画館に誘ったことで絶交されてしまう。やがて、闇ルートから銃を手に入れたトラヴィスは自己鍛錬を始めるが、そんな彼の胸中にひとつの計画が沸き上がる……。
なぜ見るのか: Taxi Driver は、スコアが安定しているほど十分に長く評価を維持しています。さまざまな視聴者の間でこれほど高く評価されている映画は、単に良いというだけではなく、並外れたものです。
Taxi Driver の 1976 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Taxi Driver を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Taxi Driver の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 8.1 の範囲の映画は、リスト上の順位が示すよりも興味深いことがよくあります。これらは、高評価のタイトルほど文化的に飽和していないため、Taxi Driver は先入観なしでアプローチしやすいことを意味します。 Taxi Driver はその恩恵を受けます。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1970s の映画で、現在でも 8.1 のレートを維持している映画は、現代のどのリリースよりも長いテストを生き延びています。 Taxi Driver はその核心であるストーリーテリング、パフォーマンス、クラフトが時代を必要とせずに機能するため、そのテストに合格しました。
Taxi Driver のパフォーマンスは、Martin Scorsese が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Robert De Niro は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Taxi Driver で最も着地が難しい瞬間は、Robert De Niro の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
Taxi Driver は、単に時間を埋めるものではなく、本質的なものを見たい夜に適しています。これは背景ムービーではなく、受動的な体験でもありません。 Martin Scorsese は、ユーザーの注意を求め、一般的ではなく具体的に報酬を与える何かを構築しました。他のことをしながら Taxi Driver を視聴する視聴者は、フルに注意を払った人が視聴できるバージョンよりも大幅に縮小されたバージョンの映画を視聴することになります。 8.1 評価は、フルアテンションの視聴エクスペリエンスを反映しています。キャスト (具体的には Robert De Niro) は、集中して視聴すると記録され、気を散らして視聴すると消えてしまうパフォーマンスの詳細を提供します。
このリストの Taxi Driver のトップ 10 の位置は、新しい視聴者が発見し続け、高く評価し続ける持続的な卓越性という、作るのが難しいものを反映しています。ほとんどの映画は、最初に観客を魅了した後は勢いが失われます。 Taxi Driverはそうではありません。公開から数年、数十年後にこの作品に出会った視聴者は、初期の視聴者と同じように高い評価を与えます。 Martin Scorsese は、その由来となった文化的瞬間とは独立して機能するものを作りました。これが永続的な品質の定義です。 Robert De Niro のパフォーマンスは耐久性の一部であり、時代劇としては解釈されません。
Stalker
“ゾーン”と呼ばれる謎の立入禁止区域。その奥にある部屋ではどんな望みも叶えられるという。“ストーカー”と呼ばれるゾーンの水先案内人は作家と物理学者を連れて、その禁断の地へ足を踏み入れる。
なぜ見るのか: このセレクションの中で最も評価の高い映画の 1 つ。 Stalker は、複数の世代の視聴者の間で継続的に高い評価を受けることでその評判を獲得してきました。
Stalker (1979) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Stalker がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 8.1 の評価は、一貫したレベルで同時に動作する監督、脚本、パフォーマンスを反映します。この範囲のスコアの映画が単一の側面で大きく失敗することはほとんどなく、Stalker も例外ではありません。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 1970s映画全体のコンテキストでは、Stalker は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1970s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
Stalker の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Andrei Tarkovsky は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 Stalker は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、Stalker が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
Stalker は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.1 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Stalker を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Andrei Tarkovsky と Alisa Freyndlikh が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
Stalker がトップ 10 に入るのは、ほとんどの映画が試み、達成できるものはほとんどないことを実現しているからです。つまり、最初に見たときは素晴らしく、再視聴するとさらに多くの層が明らかになります。初めての観客と再訪の観客は異なる経験をしており、どちらの経験も強いです。 Andrei Tarkovsky は、複数のレベルで同時に作業することで、この深みを映画に組み込みました。表面的なストーリーは実現しますが、その下には、すべてがどこへ向かうのかを知ったときに初めて完全に見えるようになる、巧妙な決定の層があります。この 2 レベルの構造により、Stalker は次の層ではなくトップ 10 にランクされます。
The Sting
1936年。シカゴの下町で、詐欺師の3人組が通り掛かりの男をヒッカケて金をだまし取る。しかし彼らが手にしたその金は、いつもとは段違いの思わぬ金額だった。悪い予感は的中。その金は、ニューヨークの大物ロネガンの手下が、賭博の上がりをシカゴへ届ける為の金だったのだ。怒った組織は、仲間の一人であるルーサーを殺害する……。
なぜ見るのか: The Sting は、このリストの例外的な最後に位置します。大規模な有権者ベースに基づいて構築されたこの高い評価は、誇大広告ではなく、真のコンセンサスを反映しています。
1973 年に公開された The Sting は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 George Roy Hill は生き残ったものを作り、今日の 8.0 の評価はその持続力の証拠です。 The Sting の 8.0 スコアは、重大な弱点がなく前提条件を満たしている映画の中にランクされています。 George Roy Hill は、全体を通して意図したとおりに機能するものを作成しましたが、これは思っているほど一般的ではありません。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 1970s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 The Sting は永続的なものを理解したためにここにいます。
The Sting の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 George Roy Hill は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 The Sting の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Paul Newman は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
初めて The Sting を視聴する視聴者は、George Roy Hill がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 The Sting のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Paul Newman はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1973 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、George Roy Hill が意図したものです。
The Movie Database の評価に基づいて作成されたランキング リストのトップ 10 の位置は、真の重要なコンセンサスを表します。これは人気コンテストではありません。投票者の基準値は、個々の外れ値の意見が平均化されるほど多くの人が視聴して評価した映画をフィルターします。この位置の The Sting は、国や視聴習慣が異なる多様な視聴者がこの映画が優れていると独自に結論付けたことを意味します。 George Roy Hill は、The Sting で文化的変動に強い何かを達成しました。ここで使用されている特定のストーリーテリング アプローチは、さまざまな文脈に翻訳されます。
映画とは重要な物語です。このセクションの映画はその原則を証明しています。
Barry Lyndon
18世紀ヨーロッパ貴族社会の風俗や世界観を鮮やかに再現し、日和見主義で英国貴族に成り上がっていくアイルランド青年の栄華と没落の半生を描いたヒューマン・ドラマ。
なぜ見るのか: Barry Lyndon の背後にある数字は達成するのが困難です。何千人もの独立した視聴者が調整なしで高く評価しています。このコンセンサスは、入手可能な最も信頼できる品質の信号です。
Barry Lyndon の日付は 1975 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 Barry Lyndonが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 8.0 では、Barry Lyndon は品質が安定している範囲内にありますが、映画は高評価のタイトルの広範なコンセンサスに達していません。この狭いコンセンサスは、多くの場合、特定の魅力を反映しています。Barry Lyndon は万人向けではありませんが、適切な視聴者にとっては優れています。 この映画は、ドラマが他のジャンルにできずにできること、つまり、普通の人間の行動にプレッシャーを与え、その反応を通じて性格を明らかにすることを示しています。監督はそのような状況を作り出し、キャストは真の信念を持ってその状況を生きています。 1970s は、特定の関心事と特定の美的アプローチを備えた特定の文化的瞬間でした。 Barry Lyndon はそれらの条件を反映しながら、それらを超越しています。この映画は、鑑賞するために 1970s を理解する必要がない 1970s映画です。
Barry Lyndon のビジュアル言語は、1975 の映画制作を最大限に反映しています。 Stanley Kubrick は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 Barry Lyndon のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して Barry Lyndon を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
Barry Lyndon が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Stanley Kubrick の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 Barry Lyndon は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Ryan O'Neal の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある Barry Lyndon は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、Ryan O'Neal のパフォーマンスと Stanley Kubrick の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
The Deer Hunter
ペンシルベニア州で育ったマイケル、ニック、スティーヴンは、鹿狩りを楽しむ普通の若者であった。3人は戦況が悪化する一方の北ベトナムへと召集され、前線に放り出された。そこで偶然再会した3人はベトコンの捕虜となり、賭けの対象として実弾入りのロシアンルーレットを強制される。辛くも生き延びた3人だったが、お互い行方がわからないまま時は過ぎる。その後マイケルは、陸軍病院にいたスティーヴンから、ニックがベトナムで生きているという情報を得る。
なぜ見るのか: The Deer Hunter は、スコアが安定しているほど十分に長く評価を維持しています。さまざまな視聴者の間でこれほど高く評価されている映画は、単に良いというだけではなく、並外れたものです。
The Deer Hunter の 1978 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 The Deer Hunter を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 The Deer Hunter の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 8.0 の The Deer Hunter は、このリストの信頼できる層を表します。これらは期待を裏切らない映画です。 Michael Cimino は映画がどうあるべきかを理解し、妥協することなくそれを実行しました。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1970s の映画を相互にランク付けすることは、何が生き残ったかを特定するための演習の一部です。 The Deer Hunter が生き残ったのは、Michael Cimino がトレンドではなく技術に基づいて選択をしたからです。 8.0 の評価は、これらの選択肢が依然として有効であると考えている視聴者を反映しています。
The Deer Hunter の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Michael Cimino は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Robert De Niro は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、The Deer Hunter で最も顕著に現れます。
The Deer Hunter は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.0 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 The Deer Hunter を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Michael Cimino と Robert De Niro が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに The Deer Hunter を入れる 8.0 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 The Deer Hunter に高いスコアを与えるという決定は、Michael Cimino がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 The Deer Hunter は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
Mirror
Ａ・タルコフスキーの作品は様々な映像の断片がコラージュされたようなものばかりである。この「鏡」もまたそうであり、彼の自伝的要素を持つというが、解るような解らないような……。でもその数々の映像はどれもこれもかっこ良く、戦争の記録フィルムらしきものも出てくる。物語などの存在は忘れてただひたすら映像の中で泳ぐような感覚で、なんとも美しい一本だ。
なぜ見るのか: このセレクションの中で最も評価の高い映画の 1 つ。 Mirror は、複数の世代の視聴者の間で継続的に高い評価を受けることでその評判を獲得してきました。
Mirror (1975) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Mirror がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 大規模な有権者による 8.0 の評価は、この映画が視聴者が見つけた弱点を上回る真の強みを持っていることを意味します。 Mirror は、映画が満たすべき最低基準である中心的な約束を果たしますが、リリース数が示すよりも達成できるものはほとんどありません。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 Mirror は、1970s映画のあらゆる説明の中でその地位を獲得しています。それは、この 10 年間に生み出され、その後の 10 年間に失われたものを捉えているからです。 1970s映画製作の文化的および技術的条件が、Andrei Tarkovsky がここで制作できるものを形作りました。
Mirror のパフォーマンスは、Andrei Tarkovsky が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Margarita Terekhova は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Mirror で最も着地が難しい瞬間は、Margarita Terekhova の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
Mirror を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて Mirror を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると Mirror が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Andrei Tarkovsky の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Margarita Terekhova のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する Mirror は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。Mirror は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの Andrei Tarkovsky の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 Mirror を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
Chinatown
1937年のロスアンゼルス。私立探偵ジェイクはモーレイ夫人からダム建設技師である夫の浮気調査を依頼される。だが、盗み取りした写真がなぜか新聞に掲載され、それを見たもうひとりのモーレイ夫人が現れる。実は彼女こそ本物で、名をイヴリンという。ジェイクはこれがダム建設をめぐる疑惑と関係ありと睨んで調査を開始するが、モーレイは溺死体で発見され、ジェイクもまた謎の男たちに暴行を受ける。探偵と依頼人という関係を越えはじめたイヴリンとジェイクだったが、なおも謎は深まるばかりだった……。
なぜ見るのか: Chinatown は正直に緊張感を感じます。プレッシャーは人為的な驚きではなく、状況と性格から来ます。 Roman Polanski は、視聴者がリスクを感じてくれると信じています。
1974 年に公開された Chinatown は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Roman Polanski は生き残ったものを作り、今日の 7.9 の評価はその持続力の証拠です。 Chinatown の 7.9 スコアは、選択肢があり、これを高く評価することを選択した視聴者から構築されています。この選択は、自分の主張を明確に主張した映画を反映しています。まさに Chinatown が行っていることです。 Roman Polanski が主張し、聴衆はそれを受け入れました。 この映画をスリラーとして機能させるのは、賭け金には投資が必要であるという理解です。最初の行為は、プレッシャーがかかる前に人格を構築します。緊張が高まる頃には、結果を気にする理由ができています。 10年ごとに、その時では不可欠に見えては消え去ってしまう映画が生み出されます。 Chinatown はより小さなカテゴリーに属します。1970s映画は、当時を懐かしむことのない視聴者から今でも高く評価されています。世代を超えた品質こそが本当の試練だ。
Chinatown の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Roman Polanski は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 Chinatown は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、Chinatown が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
Chinatown は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.9 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Chinatown を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Roman Polanski と Jack Nicholson が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
Chinatown がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 Roman Polanski は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 7.9 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する Roman Polanski のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、Chinatown がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
Amarcord
In an Italian seaside town, young Titta gets into trouble with his friends and watches various local eccentrics as they engage in often absurd behavior. Frequently clashing with his stern father and defended by his doting mother, Titta witnesses the actions of a wide range of characters, from his extended family to Fascist loyalists to sensual women, with certain moments shifting into fantastical scenarios.
なぜ見るのか: Amarcord をドラマとして機能させているのは、Federico Fellini が視聴者が何を感じられるかを説明することを拒否していることです。感情のレジスターは信号によって生成されるものではなく、作成されます。
Amarcord の日付は 1973 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 Amarcordが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 7.9 の Amarcord は、航空機が複数の側面にわたって常に平均を上回っている映画です。単一の要素が他の要素を引き継ぐことはありません。演出も脚本も演技もすべて同じ方向を向いている。 この映画は、ドラマが他のジャンルにできずにできること、つまり、普通の人間の行動にプレッシャーを与え、その反応を通じて性格を明らかにすることを示しています。監督はそのような状況を作り出し、キャストは真の信念を持ってその状況を生きています。 Amarcord の 1970s コンテキストは偶然ではありません。この 10 年間の特定の美的条件、つまりどのテクノロジーが許可し、どのような文化が要求したかが、Federico Fellini がここで行った選択を形作りました。それらの選択は、その瞬間とは関係なく維持されます。
Amarcord の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Federico Fellini は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Amarcord の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Pupella Maggio は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
Amarcord は、他所から持ち込まれた期待に従うことを要求するのではなく、独自の条件で映画に出会うことをいとわない視聴者にとって、信頼できる推奨作品です。このカテゴリの高評価タイトルにあるような文化的な偏在性はありません。つまり、強制視聴の重みを感じずに配信されます。 「必ず見なければならない」と言われずに Amarcord を発見した視聴者は、義務として視聴する視聴者よりも強く反応することがよくあります。 Federico Fellini は、特定の魅力を持ったものを作りました。それがすべての人にとってすべてであるように努めているわけではありません。 Amarcord に接続した視聴者は、7.9 の評価が示すよりもかなり優れていると感じる傾向があり、マーケティングでの可視性が限られているにもかかわらず、この評価が維持されているのはそのためです。
リストのこのセクションにおける Amarcord の位置は、万人向けのすべてを目指すことなく、その映画特有の品質を確実に提供する映画を反映しています。 Federico Fellini は映画の内容を理解し、高いレベルの技術で映画を作りました。 7.9 評価は、これらの条件で映画を鑑賞し、高く評価する価値があると判断した視聴者を表します。異なる期待を持った視聴者は、評価が示すほど映画が満足できないと感じることがあります。これは映画の弱点ではなく、期待の弱点です。 Amarcord はまさに技術を駆使して作られたものであり、それを評価した有権者はそれに応えました。
Young Frankenstein
アメリカの脳外科医フレデリックは、かのフランケンシュタイン博士の孫。彼は家督を継ぐため祖父の城に行くが、その城の地下に実験室と実験ノートを発見、誘惑にかられて怪物を甦らせてしまう。しかもアブノーマルな脳みそを入れてしまった為に、村中が大騒動に……!
なぜ見るのか: コメディは維持するのが最も難しいジャンルです。 Mel Brooks は Young Frankenstein を簡単に見せますが、これは、ほとんどの視聴者が意識的に認識していない、かなりの技術の印です。
Young Frankenstein の 1974 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Young Frankenstein を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Young Frankenstein の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 7.9 の範囲の映画は、リスト上の順位が示すよりも興味深いことがよくあります。これらは、高評価のタイトルほど文化的に飽和していないため、Young Frankenstein は先入観なしでアプローチしやすいことを意味します。 Young Frankenstein はその恩恵を受けます。 コメディとしての映画の一貫性は一貫性から生まれます。監督は世界のルールとその中での登場人物の行動を確立し、登場人物が状況をどう乗り切るかからユーモアが生まれます。 1970s の映画で、現在でも 7.9 のレートを維持している映画は、現代のどのリリースよりも長いテストを生き延びています。 Young Frankenstein はその核心であるストーリーテリング、パフォーマンス、クラフトが時代を必要とせずに機能するため、そのテストに合格しました。
Young Frankenstein のビジュアル言語は、1974 の映画制作を最大限に反映しています。 Mel Brooks は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 Young Frankenstein のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して Young Frankenstein を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
初めて Young Frankenstein を視聴する視聴者は、Mel Brooks がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Young Frankenstein のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Gene Wilder はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1974 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Mel Brooks が意図したものです。
このようなリストの 11 ～ 25 位に位置する映画は、文化的な重みを持たずにトップ 10 の品質を備えているため、多くの場合、最も有益な発見となります。 Young Frankenstein がこの位置にあるのは、上のエントリよりも大幅に劣っているからではなく、その魅力がより集中しているためです。 Mel Brooks が Young Frankenstein で行っていることに共感した視聴者は、このリストにあるどの映画と同じくらい高く評価しています。より広範な有権者ベースの平均がここに位置します。ジャンルの好み、監督の興味、時代などに基づいて、この映画が自分に向いていると考える特定の理由がある視聴者は、その上にランクされているいくつかのエントリーよりもこの映画を優先する必要があります。
Dog Day Afternoon
閉店間際の銀行に押し入った男たち。スリリングで緊張感あふれる立てこもり劇だが、やがて犯人と人質は意外にも心を通わせて……。名優アル・パチーノの若かりし姿を焼き付けた社会派サスペンス。
なぜ見るのか: 緻密に緊張感を構築するスリラー。 Sidney Lumet は、人工的に作られたショックではなく、ロジックを通じて勢いを生み出します。
Dog Day Afternoon (1975) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Dog Day Afternoon がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 7.8 の評価は、一貫したレベルで同時に動作する監督、脚本、パフォーマンスを反映します。この範囲のスコアの映画が単一の側面で大きく失敗することはほとんどなく、Dog Day Afternoon も例外ではありません。 監督は情報の非対称性を中心に映画を構築します。つまり、観客は登場人物以上のことを知っているか、それ以下のことを知っており、映画は両方の状態を正確に操作します。キャストは、激しさではなく抑制によって緊張感を伝えます。 1970s映画全体のコンテキストでは、Dog Day Afternoon は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1970s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
Dog Day Afternoon の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Sidney Lumet は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Al Pacino は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Dog Day Afternoon で最も顕著に現れます。
Dog Day Afternoon が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Sidney Lumet の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 Dog Day Afternoon は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Al Pacino の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある Dog Day Afternoon は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、Al Pacino のパフォーマンスと Sidney Lumet の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
Papillon
無実の罪で13年間の刑務所生活を強いられたアンリ・シャリエールの実話に基づく小説を、スティーブ・マックィーン、ダスティン・ホフマンの2大スターで映画化。監督は「猿の惑星」「パットン大戦車軍団」のフランクリン・J・シャフナー。胸に蝶の刺青があることからパピヨンと呼ばれる男。身に覚えのない殺人罪で終身刑を言い渡された彼は、自由を求めて脱獄を繰り返した末、親友のドガと共に脱獄不可能とされる孤島に送られる。
なぜ見るのか: Papillonは沈黙を信頼するドラマです。 Franklin J. Schaffner はシーンに明白な終点を超えて呼吸する余地を与え、キャラクターが演技をやめたときの行動に真実を見出します。
1973 年に公開された Papillon は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Franklin J. Schaffner は生き残ったものを作り、今日の 7.8 の評価はその持続力の証拠です。 Papillon の 7.8 スコアは、重大な弱点がなく前提条件を満たしている映画の中にランクされています。 Franklin J. Schaffner は、全体を通して意図したとおりに機能するものを作成しましたが、これは思っているほど一般的ではありません。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 1970s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 Papillon は永続的なものを理解したためにここにいます。
Papillon のパフォーマンスは、Franklin J. Schaffner が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Steve McQueen は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Papillon で最も着地が難しい瞬間は、Steve McQueen の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
Papillon は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.8 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Papillon を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Franklin J. Schaffner と Steve McQueen が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに Papillon を入れる 7.8 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 Papillon に高いスコアを与えるという決定は、Franklin J. Schaffner がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 Papillon は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
Monty Python and the Holy Grail
西暦932年、アーサー王と従者パッツィは配下に加わる勇敢な騎士を探す旅をしていた。やがて行く先々で騎士たちと出会い、彼らを従えて聖杯探しの冒険へ旅立つのだが…。果たして彼らは数々の難関をくぐり抜け、聖杯を手にすることができるのか？
なぜ見るのか: Terry Jones は、純粋なキャラクター観察に基づいて Monty Python and the Holy Grail のコメディを構築します。映画が進むにつれて笑いが増していくのは、人々のことをよく知っているからです。
Monty Python and the Holy Grail の日付は 1975 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 Monty Python and the Holy Grailが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 7.8 では、Monty Python and the Holy Grail は品質が安定している範囲内にありますが、映画は高評価のタイトルの広範なコンセンサスに達していません。この狭いコンセンサスは、多くの場合、特定の魅力を反映しています。Monty Python and the Holy Grail は万人向けではありませんが、適切な視聴者にとっては優れています。 キャラクターコメディーでは、監督とキャストは、最も面白い瞬間は誇張ではなく真実からもたらされることを理解する必要があります。この映画がうまくいくのは、登場人物の行動がその人自身にとって意味があるからである。 1970s は、特定の関心事と特定の美的アプローチを備えた特定の文化的瞬間でした。 Monty Python and the Holy Grail はそれらの条件を反映しながら、それらを超越しています。この映画は、鑑賞するために 1970s を理解する必要がない 1970s映画です。
Monty Python and the Holy Grail の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Terry Jones は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 Monty Python and the Holy Grail は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、Monty Python and the Holy Grail が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
Monty Python and the Holy Grail を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて Monty Python and the Holy Grail を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると Monty Python and the Holy Grail が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Terry Jones の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Graham Chapman のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する Monty Python and the Holy Grail は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。Monty Python and the Holy Grail は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの Terry Jones の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 Monty Python and the Holy Grail を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
Network
視聴率低下を気に悩んでノイローゼになった、ニュース番組の司会者ビール。しかし彼が番組中に自殺予告をしたことで、視聴率はどんどん上がっていき!? 大手テレビ局を舞台に悪戦苦闘する人間たちの姿を、社会派シドニー・ルメットが鋭く描く。
なぜ見るのか: Sidney Lumet は、優れたドラマに必要で、めったに得られない忍耐をもって Network に取り組みます。その結果、感情的な瞬間を予定に入れるのではなく、自分で獲得する映画が生まれました。
Network の 1976 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Network を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Network の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 7.8 の Network は、このリストの信頼できる層を表します。これらは期待を裏切らない映画です。 Sidney Lumet は映画がどうあるべきかを理解し、妥協することなくそれを実行しました。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1970s の映画を相互にランク付けすることは、何が生き残ったかを特定するための演習の一部です。 Network が生き残ったのは、Sidney Lumet がトレンドではなく技術に基づいて選択をしたからです。 7.8 の評価は、これらの選択肢が依然として有効であると考えている視聴者を反映しています。
Network の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Sidney Lumet は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Network の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Faye Dunaway は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
Network は、単に時間を埋めるものではなく、本質的なものを見たい夜に適しています。これは背景ムービーではなく、受動的な体験でもありません。 Sidney Lumet は、ユーザーの注意を求め、一般的ではなく具体的に報酬を与える何かを構築しました。他のことをしながら Network を視聴する視聴者は、フルに注意を払った人が視聴できるバージョンよりも大幅に縮小されたバージョンの映画を視聴することになります。 7.8 評価は、フルアテンションの視聴エクスペリエンスを反映しています。キャスト (具体的には Faye Dunaway) は、集中して視聴すると記録され、気を散らして視聴すると消えてしまうパフォーマンスの詳細を提供します。
Network がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 Sidney Lumet は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 7.8 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する Sidney Lumet のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、Network がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
素晴らしい映画はそのカテゴリーを超えます。工芸品が優れているため、機能します。
Rocky
フィラデルフィアの下町。無名ボクサーのロッキーは本業だけでは食えず、借金の取りたてを請け負って日銭を稼いでいた。そんなある日、世界チャンピオンのアポロが気まぐれで無名選手にチャンスを与えようと言い出し、無作為に選んだロッキーを挑戦者に指名する。降って湧いたチャンスを得て、ロッキーは想いを寄せる女性エイドリアンに、15ラウンド最後まで戦いぬくことで自分の愛を証明すると約束する。
なぜ見るのか: クレジットが終わってもずっと記憶に残るタイプのドラマ。 John G. Avildsen は、素材に忍耐力をもたらし、標準的な運賃を超えています。
Rocky (1976) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Rocky がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 大規模な有権者による 7.8 の評価は、この映画が視聴者が見つけた弱点を上回る真の強みを持っていることを意味します。 Rocky は、映画が満たすべき最低基準である中心的な約束を果たしますが、リリース数が示すよりも達成できるものはほとんどありません。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 Rocky は、1970s映画のあらゆる説明の中でその地位を獲得しています。それは、この 10 年間に生み出され、その後の 10 年間に失われたものを捉えているからです。 1970s映画製作の文化的および技術的条件が、John G. Avildsen がここで制作できるものを形作りました。
Rocky のビジュアル言語は、1976 の映画制作を最大限に反映しています。 John G. Avildsen は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 Rocky のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して Rocky を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
Rocky は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.8 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Rocky を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 John G. Avildsen と Sylvester Stallone が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションにおける Rocky の位置は、万人向けのすべてを目指すことなく、その映画特有の品質を確実に提供する映画を反映しています。 John G. Avildsen は映画の内容を理解し、高いレベルの技術で映画を作りました。 7.8 評価は、これらの条件で映画を鑑賞し、高く評価する価値があると判断した視聴者を表します。異なる期待を持った視聴者は、評価が示すほど映画が満足できないと感じることがあります。これは映画の弱点ではなく、期待の弱点です。 Rocky はまさに技術を駆使して作られたものであり、それを評価した有権者はそれに応えました。
Solaris
海と雲に覆われた惑星ソラリスを探索中の宇宙ステーション「プロメテウス」との通信が途切れたことから、心理学者のクリスは調査のために派遣される。 「プロメテウス」に到着したクリスが目にしたのは、友人の自殺死体、いないはずの人物の痕跡、そして知性を持つ有機体である海が及ぼす、不可解な現象の数々であった。
なぜ見るのか: Solarisは沈黙を信頼するドラマです。 Andrei Tarkovsky はシーンに明白な終点を超えて呼吸する余地を与え、キャラクターが演技をやめたときの行動に真実を見出します。
1972 年に公開された Solaris は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Andrei Tarkovsky は生き残ったものを作り、今日の 7.8 の評価はその持続力の証拠です。 Solaris の 7.8 スコアは、選択肢があり、これを高く評価することを選択した視聴者から構築されています。この選択は、自分の主張を明確に主張した映画を反映しています。まさに Solaris が行っていることです。 Andrei Tarkovsky が主張し、聴衆はそれを受け入れました。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 10年ごとに、その時では不可欠に見えては消え去ってしまう映画が生み出されます。 Solaris はより小さなカテゴリーに属します。1970s映画は、当時を懐かしむことのない視聴者から今でも高く評価されています。世代を超えた品質こそが本当の試練だ。
Solaris の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Andrei Tarkovsky は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Natalya Bondarchuk は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Solaris で最も顕著に現れます。
初めて Solaris を視聴する視聴者は、Andrei Tarkovsky がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Solaris のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Natalya Bondarchuk はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1972 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Andrei Tarkovsky が意図したものです。
このようなリストの 11 ～ 25 位に位置する映画は、文化的な重みを持たずにトップ 10 の品質を備えているため、多くの場合、最も有益な発見となります。 Solaris がこの位置にあるのは、上のエントリよりも大幅に劣っているからではなく、その魅力がより集中しているためです。 Andrei Tarkovsky が Solaris で行っていることに共感した視聴者は、このリストにあるどの映画と同じくらい高く評価しています。より広範な有権者ベースの平均がここに位置します。ジャンルの好み、監督の興味、時代などに基づいて、この映画が自分に向いていると考える特定の理由がある視聴者は、その上にランクされているいくつかのエントリーよりもこの映画を優先する必要があります。
Life of Brian
西暦33年のエルサレム。ローマ帝国の圧政の中、イエス・キリストと同じ日に隣の家で生まれ、東方の三賢者に救世主と間違えられそうになったユダヤ人の青年ブライアン（グレアム・チャップマン）は、口うるさい母親マンディ（テリー・ジョーンズ）と共に生活していた。 ある日、ブライアンは母親から、自分の父がユダヤ人ではなくローマ兵であることを告げられる。怒った彼はローマ人に復讐をするべく、レッジ（ジョン・クリーズ）率いる過激派集団「ユダヤ解放戦線」に加入する。しかし、ローマ帝国の総督ピラト（マイケル・ペイリン）の妻の誘拐計画が失敗、ただ一人ブライアンだけが生き残る。脱走した彼は、危険人物のレッテルを貼られ、逃げ惑うはめになる。 追い詰められたブライアンは、ローマ兵の目をごまかすために、教祖のふりをして説教をする。ローマ兵はごまかせたものの、民衆はブライアンのことを救世主だと勘違い。ブライアンは救世主であることを必死で否定するが、どんどん信者は増える一方で、どこまでもブライアンについてくる。「解放戦線」のメンバー、ジュディス（スー・ジョーンズ＝デイビス）と一夜を過ごしたのち、起きてみると外には大群衆が待ち受けていた。追い返そうとして何を言っても、群衆はてこでも動かない。 そうこうしているうちに捕まってしまったブライアンは、磔刑に処せられる。「解放戦線」のメンバーや、ジュディス、ついには母親にまで見捨てられたブライアンは絶望する。そこで、磔にされていた1人（エリック・アイドル）が「元気出せよ」とエンディング曲「Always Look on the Bright Side of Life」を歌いだすと、それに導かれ磔にされている全員が合唱を始める。
なぜ見るのか: Terry Jones は、純粋なキャラクター観察に基づいて Life of Brian のコメディを構築します。映画が進むにつれて笑いが増していくのは、人々のことをよく知っているからです。
Life of Brian の日付は 1979 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 Life of Brianが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 7.8 の Life of Brian は、航空機が複数の側面にわたって常に平均を上回っている映画です。単一の要素が他の要素を引き継ぐことはありません。演出も脚本も演技もすべて同じ方向を向いている。 キャラクターコメディーでは、監督とキャストは、最も面白い瞬間は誇張ではなく真実からもたらされることを理解する必要があります。この映画がうまくいくのは、登場人物の行動がその人自身にとって意味があるからである。 Life of Brian の 1970s コンテキストは偶然ではありません。この 10 年間の特定の美的条件、つまりどのテクノロジーが許可し、どのような文化が要求したかが、Terry Jones がここで行った選択を形作りました。それらの選択は、その瞬間とは関係なく維持されます。
Life of Brian のパフォーマンスは、Terry Jones が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Graham Chapman は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Life of Brian で最も着地が難しい瞬間は、Graham Chapman の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
Life of Brian が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Terry Jones の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 Life of Brian は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Graham Chapman の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある Life of Brian は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、Graham Chapman のパフォーマンスと Terry Jones の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
The Exorcist
イラク。アメリカの古生物学者でもあるメリン神父は、古代遺跡の中から悪魔パズズの偶像を発見。それは、不吉な兆候を予感させた…。一方、ワシントンで仮住まいをしている女優クリスの一家に異変が起き始めた。一人娘のリーガンが恫喝的な声色で卑猥な言動を発し、その表情も変貌していく。科学的検査では何ひとつ解明されないどころか、娘の行状が日増しにひどくなっていくことに苦しむクリスは、カラス神父に救いを求めた。悪魔が少女に取り憑いたとしか思えないカラス神父は、教会に悪魔払いを要請。数少ない経験者であるメリンが到着し、ついに壮絶な悪魔払いが始まるのだが…。
なぜ見るのか: William Friedkin は、優れたドラマに必要で、めったに得られない忍耐をもって The Exorcist に取り組みます。その結果、感情的な瞬間を予定に入れるのではなく、自分で獲得する映画が生まれました。
The Exorcist の 1973 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 The Exorcist を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 The Exorcist の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 7.7 の範囲の映画は、リスト上の順位が示すよりも興味深いことがよくあります。これらは、高評価のタイトルほど文化的に飽和していないため、The Exorcist は先入観なしでアプローチしやすいことを意味します。 The Exorcist はその恩恵を受けます。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1970s の映画で、現在でも 7.7 のレートを維持している映画は、現代のどのリリースよりも長いテストを生き延びています。 The Exorcist はその核心であるストーリーテリング、パフォーマンス、クラフトが時代を必要とせずに機能するため、そのテストに合格しました。
The Exorcist の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 William Friedkin は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 The Exorcist は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、The Exorcist が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
The Exorcist は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.7 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 The Exorcist を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 William Friedkin と Ellen Burstyn が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに The Exorcist を入れる 7.7 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 The Exorcist に高いスコアを与えるという決定は、William Friedkin がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 The Exorcist は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
Annie Hall
うだつの上がらないスタンダップ・コメディアン、アルビーは、知り合った美女アニーと意気投合して同棲生活を始めるが、うまくいくのは最初だけ。次第に相手のイヤなところが気になり出した二人の間には見えない溝ができ上がっていた。そしてアニーの前に現れた人気歌手のカリフォルニアへの誘いが二人の仲にピリオドを打つ決定的なものとなった。
なぜ見るのか: クレジットが終わってもずっと記憶に残るタイプのドラマ。 Woody Allen は、素材に忍耐力をもたらし、標準的な運賃を超えています。
Annie Hall (1977) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Annie Hall がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 7.7 の評価は、一貫したレベルで同時に動作する監督、脚本、パフォーマンスを反映します。この範囲のスコアの映画が単一の側面で大きく失敗することはほとんどなく、Annie Hall も例外ではありません。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 1970s映画全体のコンテキストでは、Annie Hall は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1970s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
Annie Hall の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Woody Allen は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Annie Hall の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Woody Allen は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
Annie Hall を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて Annie Hall を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると Annie Hall が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Woody Allen の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Woody Allen のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する Annie Hall は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。Annie Hall は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの Woody Allen の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 Annie Hall を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
Deep Red
イタリアン・ホラーの帝王、Ｄ・アルジェント監督の華麗なる殺人美学が全編に炸裂。日本では、「決してひとりでは見ないでください」という絶妙なキャッチフレーズで「サスペリア（1977）」が大ヒットした後、それに便乗して邦題が付けられ、劇場公開されたものの、実は内容的には無関係で、同作よりも前に作られた衝撃作。猟奇連続殺人の謎を、アルジェント監督ならではの華麗にしてショッキングな映像美満載で綴る。主演は「欲望」のD・ヘミングスと、アルジェント監督の公私にわたる良きパートナーだったD・ニコロディ。 ローマで開催された欧州超心理学会で、テレパシーの能力を持つ女性ヘルガが、壇上でその能力を披露している最中、彼女は何者かの殺意を感知し錯乱した。彼女は、かつて残忍な殺人を犯した人間が会場内にいると宣言する。その後、部屋に戻ったヘルガは何者かに惨殺される。偶然その場に駆け付け、殺害現場と容疑者を目撃したイギリス人ピアニストのマークは、女性記者のジェンナと事件の謎に挑むが、最後にたどり着いた真相は想像を絶するものだった。
なぜ見るのか: Deep Red は正直に緊張感を感じます。プレッシャーは人為的な驚きではなく、状況と性格から来ます。 Dario Argento は、視聴者がリスクを感じてくれると信じています。
1975 年に公開された Deep Red は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Dario Argento は生き残ったものを作り、今日の 7.7 の評価はその持続力の証拠です。 Deep Red の 7.7 スコアは、重大な弱点がなく前提条件を満たしている映画の中にランクされています。 Dario Argento は、全体を通して意図したとおりに機能するものを作成しましたが、これは思っているほど一般的ではありません。 この映画をスリラーとして機能させるのは、賭け金には投資が必要であるという理解です。最初の行為は、プレッシャーがかかる前に人格を構築します。緊張が高まる頃には、結果を気にする理由ができています。 1970s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 Deep Red は永続的なものを理解したためにここにいます。
Deep Red のビジュアル言語は、1975 の映画制作を最大限に反映しています。 Dario Argento は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 Deep Red のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して Deep Red を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
Deep Red は、雰囲気が機能する条件で視聴するのが最適です。つまり、照明が低く、中断が最小限に抑えられ、理想的には文化的によく知られるようになった特定の瞬間についての事前知識なしで視聴することができます。観客が何が起こるかを正確に知っている場合、ホラーはその効果を失います。Deep Red は十分に議論されているため、その主要なシーケンスのいくつかは映画を観たことがない人でもよく知られています。限られた予備知識でそれに取り組むことができるのであれば、そうしてください。 Dario Argento が Deep Red に組み込んだ雰囲気のクラフトは、聴衆が真の不確実性の状態にあることに依存します。 7.7 の評価は、視聴時にその状態にあった視聴者を反映しています。
Deep Red がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 Dario Argento は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 7.7 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する Dario Argento のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、Deep Red がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
Manhattan
中年男アイザックはTVライターとしては売れっ子だったが、シリアスな小説に転向しようと産みの苦しみの最中。彼は粋なレストランで友達とダベっている。共にテーブルを囲むのは大学教授のエールと妻のエミリー。そして現在、彼が同棲中の17歳の高校生トレーシー。どちらかと言えば彼女の方が夢中で、これ以上深みにハマるのを彼は恐れている。そしてある日、彼はMOMAを見物中のエールが連れていた浮気相手のメリーに恋をする…。
なぜ見るのか: Manhattan をドラマとして機能させているのは、Woody Allen が視聴者が何を感じられるかを説明することを拒否していることです。感情のレジスターは信号によって生成されるものではなく、作成されます。
Manhattan の日付は 1979 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 Manhattanが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 7.7 では、Manhattan は品質が安定している範囲内にありますが、映画は高評価のタイトルの広範なコンセンサスに達していません。この狭いコンセンサスは、多くの場合、特定の魅力を反映しています。Manhattan は万人向けではありませんが、適切な視聴者にとっては優れています。 この映画は、ドラマが他のジャンルにできずにできること、つまり、普通の人間の行動にプレッシャーを与え、その反応を通じて性格を明らかにすることを示しています。監督はそのような状況を作り出し、キャストは真の信念を持ってその状況を生きています。 1970s は、特定の関心事と特定の美的アプローチを備えた特定の文化的瞬間でした。 Manhattan はそれらの条件を反映しながら、それらを超越しています。この映画は、鑑賞するために 1970s を理解する必要がない 1970s映画です。
Manhattan の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Woody Allen は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Woody Allen は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Manhattan で最も顕著に現れます。
Manhattan は、他所から持ち込まれた期待に従うことを要求するのではなく、独自の条件で映画に出会うことをいとわない視聴者にとって、信頼できる推奨作品です。このカテゴリの高評価タイトルにあるような文化的な偏在性はありません。つまり、強制視聴の重みを感じずに配信されます。 「必ず見なければならない」と言われずに Manhattan を発見した視聴者は、義務として視聴する視聴者よりも強く反応することがよくあります。 Woody Allen は、特定の魅力を持ったものを作りました。それがすべての人にとってすべてであるように努めているわけではありません。 Manhattan に接続した視聴者は、7.7 の評価が示すよりもかなり優れていると感じる傾向があり、マーケティングでの可視性が限られているにもかかわらず、この評価が維持されているのはそのためです。
リストのこのセクションにおける Manhattan の位置は、万人向けのすべてを目指すことなく、その映画特有の品質を確実に提供する映画を反映しています。 Woody Allen は映画の内容を理解し、高いレベルの技術で映画を作りました。 7.7 評価は、これらの条件で映画を鑑賞し、高く評価する価値があると判断した視聴者を表します。異なる期待を持った視聴者は、評価が示すほど映画が満足できないと感じることがあります。これは映画の弱点ではなく、期待の弱点です。 Manhattan はまさに技術を駆使して作られたものであり、それを評価した有権者はそれに応えました。
Jaws
米国ニュー・イングランド地方、アミティの小さな海水浴場でひとりの少女が鮫に襲われ、命を落とす事故が。警察署長のブロディは次なる犠牲者が出ぬよう、遊泳禁止を決定しようとするが、海水浴客がいなくなって町が不況に陥ることを恐れた市長の反対で失敗に。すると、今度は少年が犠牲になってしまう。ブロディは意を決して鮫を退治しようと、海洋学者フーパーや鮫狩りの専門家クイントとボートに乗り込み、海に出る。
なぜ見るのか: Jaws は、最高のスリラーは抑制によって機能することを示しています。 Steven Spielberg は、可能な限り長期間、可能な限り保留します。その結果、従来のエスカレーションよりも効果的になります。
Jaws の 1975 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Jaws を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Jaws の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 7.7 の Jaws は、このリストの信頼できる層を表します。これらは期待を裏切らない映画です。 Steven Spielberg は映画がどうあるべきかを理解し、妥協することなくそれを実行しました。 その技巧は、監督が伏せた内容に最もよく表れる。情報は戦略的に公開され、それぞれの啓示が以前のものを再文脈化します。パフォーマンスは、管理された開示に合わせて調整されています。 1970s の映画を相互にランク付けすることは、何が生き残ったかを特定するための演習の一部です。 Jaws が生き残ったのは、Steven Spielberg がトレンドではなく技術に基づいて選択をしたからです。 7.7 の評価は、これらの選択肢が依然として有効であると考えている視聴者を反映しています。
Jaws のパフォーマンスは、Steven Spielberg が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Roy Scheider は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Jaws で最も着地が難しい瞬間は、Roy Scheider の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
初めて Jaws を視聴する視聴者は、Steven Spielberg がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Jaws のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Roy Scheider はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1975 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Steven Spielberg が意図したものです。
このようなリストの 11 ～ 25 位に位置する映画は、文化的な重みを持たずにトップ 10 の品質を備えているため、多くの場合、最も有益な発見となります。 Jaws がこの位置にあるのは、上のエントリよりも大幅に劣っているからではなく、その魅力がより集中しているためです。 Steven Spielberg が Jaws で行っていることに共感した視聴者は、このリストにあるどの映画と同じくらい高く評価しています。より広範な有権者ベースの平均がここに位置します。ジャンルの好み、監督の興味、時代などに基づいて、この映画が自分に向いていると考える特定の理由がある視聴者は、その上にランクされているいくつかのエントリーよりもこの映画を優先する必要があります。
Giù la testa
At the beginning of the 1913 Mexican Revolution, greedy bandit Juan Miranda and idealist John H. Mallory, an Irish Republican Army explosives expert on the lam from the British, fall in with a band of revolutionaries plotting to strike a national bank. When it turns out that the government has been using the bank as a hiding place for illegally detained political prisoners -- who are freed by the blast -- Miranda becomes a revolutionary hero against his will.
なぜ見るのか: 患者の注意に報いる映画。 Sergio Leone には 1 シーンも無駄がなく、Giù la testa への投資は完全に正当であると感じられます。
Giù la testa (1971) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Giù la testa がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 大規模な有権者による 7.7 の評価は、この映画が視聴者が見つけた弱点を上回る真の強みを持っていることを意味します。 Giù la testa は、映画が満たすべき最低基準である中心的な約束を果たしますが、リリース数が示すよりも達成できるものはほとんどありません。 この映画は、シーンの構築方法、情報のテンポの調整方法、観客が関心を持つ杭の作成方法など、監督のクラフトに対する理解を示しています。 Giù la testa は、1970s映画のあらゆる説明の中でその地位を獲得しています。それは、この 10 年間に生み出され、その後の 10 年間に失われたものを捉えているからです。 1970s映画製作の文化的および技術的条件が、Sergio Leone がここで制作できるものを形作りました。
Giù la testa の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Sergio Leone は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 Giù la testa は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、Giù la testa が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
Giù la testa が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Sergio Leone の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 Giù la testa は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Rod Steiger の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある Giù la testa は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、Rod Steiger のパフォーマンスと Sergio Leone の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
The Warriors
夏夜のニューヨーク。何組ものギャングチームがブロンクスの公園に集結。ギャングの実力者でギャングチーム「リフス」のリーダーでもあるサイラスの召集を受け、集会が行なわれた。ブルックリン・コニーアイランドを縄張りとする「ウォリアーズ」のメンバーも、その集会に参加したが、サイラスが演説中に銃殺されてしまう。「ローグス」のリーダーであるルーサーが、サイラスの死体のそばにいた「ウォリアーズ」が犯人であると叫び濡れ衣を着せる。「リフス」は「ウォリアーズ」のメンバーに復讐するため、他のギャングチームにも指示をして、集会場所であるブロンクスから地元のコニー・アイランドへ帰ろうとする「ウォリアーズ」を狙う。
なぜ見るのか: The Warriors は正直に緊張感を感じます。プレッシャーは人為的な驚きではなく、状況と性格から来ます。 Walter Hill は、視聴者がリスクを感じてくれると信じています。
1979 年に公開された The Warriors は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Walter Hill は生き残ったものを作り、今日の 7.7 の評価はその持続力の証拠です。 The Warriors の 7.7 スコアは、選択肢があり、これを高く評価することを選択した視聴者から構築されています。この選択は、自分の主張を明確に主張した映画を反映しています。まさに The Warriors が行っていることです。 Walter Hill が主張し、聴衆はそれを受け入れました。 この映画をスリラーとして機能させるのは、賭け金には投資が必要であるという理解です。最初の行為は、プレッシャーがかかる前に人格を構築します。緊張が高まる頃には、結果を気にする理由ができています。 10年ごとに、その時では不可欠に見えては消え去ってしまう映画が生み出されます。 The Warriors はより小さなカテゴリーに属します。1970s映画は、当時を懐かしむことのない視聴者から今でも高く評価されています。世代を超えた品質こそが本当の試練だ。
The Warriors の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Walter Hill は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 The Warriors の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Michael Beck は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
The Warriors は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.7 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 The Warriors を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Walter Hill と Michael Beck が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに The Warriors を入れる 7.7 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 The Warriors に高いスコアを与えるという決定は、Walter Hill がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 The Warriors は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
最高の映画はあなたの注意を報います。ここにあるどの映画も、必要な時間を稼いでくれています。
All the President's Men
現職大統領一派による盗聴という、米政治史に残る汚点“ウォーターゲート事件”の真相を暴露した新聞記者コンビの実話を再現し、アカデミー賞４部門に輝く社会派サスペンス。 1972年6月17日深夜。米民主党本部があるワシントンDCのウォーターゲート・ビルで、5人の不審者が不法侵入罪で現行犯逮捕される。単なる強盗と思われた事件だったが、この事件の裁判を取材し、弁護士が官選でない事実が気にかかったワシントン・ポストの新聞記者ボブ・ウッドワードは、同僚のカール・バーンスタインと調査を進めていく。やがて謎の情報提供者“ディープスロート”に与えられたヒントから2人は、事件の背後にニクソン大統領を支持する再選委員会の存在にたどり着く。これがのちに合衆国大統領ニクソンを失脚させる一大スキャンダルへと発展していくのだった…。
なぜ見るのか: 最高のスリラー クラフトとは、何か明らかなことが起こる前に観客が恐怖を感じることを意味します。 Alan J. Pakulaは情報とタイミングの制御によりAll the President's Menのそれを実現します。
All the President's Men の日付は 1976 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 All the President's Menが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 7.7 の All the President's Men は、航空機が複数の側面にわたって常に平均を上回っている映画です。単一の要素が他の要素を引き継ぐことはありません。演出も脚本も演技もすべて同じ方向を向いている。 これは、緊張が物理的ではなく心理的なものであるスリラーのカテゴリーに属します。監督は、明らかな危険を見せなくても観客がプレッシャーを感じることを信頼している。その結果、従来のスリラーの仕組みよりもさらに不安が生じます。 All the President's Men の 1970s コンテキストは偶然ではありません。この 10 年間の特定の美的条件、つまりどのテクノロジーが許可し、どのような文化が要求したかが、Alan J. Pakula がここで行った選択を形作りました。それらの選択は、その瞬間とは関係なく維持されます。
All the President's Men のビジュアル言語は、1976 の映画制作を最大限に反映しています。 Alan J. Pakula は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 All the President's Men のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して All the President's Men を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
All the President's Men を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて All the President's Men を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると All the President's Men が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Alan J. Pakula の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Robert Redford のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する All the President's Men は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。All the President's Men は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの Alan J. Pakula の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 All the President's Men を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
Fantastic Planet
仏のSF作家ステファン・ウルの長編小説を、マンガ家ローラン・トポールの絵でアニメ化した異色のファンタジー作品。未開の惑星イガムを舞台に人間型のオム族と、彼らを奴隷のように扱うドラーグ族の戦いと協調を描く。SF的イマジネーションの凄さと特異なアニメーション映像には目を見張るものがある。
なぜ見るのか: Fantastic Planet の内部ロジックは全体的に一貫しています。 René Laloux は前提を守り、それに従うため、視聴者は矛盾を防ぐのではなく、アイデアに取り組むことができます。
Fantastic Planet の 1973 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Fantastic Planet を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Fantastic Planet の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 7.6 の範囲の映画は、リスト上の順位が示すよりも興味深いことがよくあります。これらは、高評価のタイトルほど文化的に飽和していないため、Fantastic Planet は先入観なしでアプローチしやすいことを意味します。 Fantastic Planet はその恩恵を受けます。 SF はキャラクターの視点に基づいています。監督は、投機的要素が主人公にどのような影響を与えるかによってフィルタリングします。これは、抽象的なものが具体的で感情的に読みやすいものになることを意味します。 1970s の映画で、現在でも 7.6 のレートを維持している映画は、現代のどのリリースよりも長いテストを生き延びています。 Fantastic Planet はその核心であるストーリーテリング、パフォーマンス、クラフトが時代を必要とせずに機能するため、そのテストに合格しました。
Fantastic Planet の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 René Laloux は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Gérard Hernandez は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Fantastic Planet で最も顕著に現れます。
Fantastic Planet は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.6 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Fantastic Planet を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 René Laloux と Gérard Hernandez が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
Fantastic Planet がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 René Laloux は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 7.6 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する René Laloux のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、Fantastic Planet がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
Harold and Maude
生きる意味を見失った19歳のハロルドは、狂言自殺をしては周囲の驚く反応を見て楽しんでいた。ある日、ハロルドは79歳の老婦人、モードと出会う。生きることを楽しむモードを愛するようになったハロルドは、モードと結婚することを決意。幸せ絶頂のハロルドとモードだった。
なぜ見るのか: クレジットが終わってもずっと記憶に残るタイプのドラマ。 Hal Ashby は、素材に忍耐力をもたらし、標準的な運賃を超えています。
Harold and Maude (1971) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Harold and Maude がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 7.6 の評価は、一貫したレベルで同時に動作する監督、脚本、パフォーマンスを反映します。この範囲のスコアの映画が単一の側面で大きく失敗することはほとんどなく、Harold and Maude も例外ではありません。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 1970s映画全体のコンテキストでは、Harold and Maude は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1970s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
Harold and Maude のパフォーマンスは、Hal Ashby が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Ruth Gordon は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Harold and Maude で最も着地が難しい瞬間は、Ruth Gordon の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
Harold and Maude は、他所から持ち込まれた期待に従うことを要求するのではなく、独自の条件で映画に出会うことをいとわない視聴者にとって、信頼できる推奨作品です。このカテゴリの高評価タイトルにあるような文化的な偏在性はありません。つまり、強制視聴の重みを感じずに配信されます。 「必ず見なければならない」と言われずに Harold and Maude を発見した視聴者は、義務として視聴する視聴者よりも強く反応することがよくあります。 Hal Ashby は、特定の魅力を持ったものを作りました。それがすべての人にとってすべてであるように努めているわけではありません。 Harold and Maude に接続した視聴者は、7.6 の評価が示すよりもかなり優れていると感じる傾向があり、マーケティングでの可視性が限られているにもかかわらず、この評価が維持されているのはそのためです。
リストのこのセクションにおける Harold and Maude の位置は、万人向けのすべてを目指すことなく、その映画特有の品質を確実に提供する映画を反映しています。 Hal Ashby は映画の内容を理解し、高いレベルの技術で映画を作りました。 7.6 評価は、これらの条件で映画を鑑賞し、高く評価する価値があると判断した視聴者を表します。異なる期待を持った視聴者は、評価が示すほど映画が満足できないと感じることがあります。これは映画の弱点ではなく、期待の弱点です。 Harold and Maude はまさに技術を駆使して作られたものであり、それを評価した有権者はそれに応えました。
Being There
知的障害があり読み書きもできない庭師チャンスは物心ついた頃から住み込みで働いていた家の当主の死を知らされるが理解できない。代理人の弁護士から命じられて、今まで出たことがなかった屋敷を出されることになった。チャンスは町で車に接触し、乗っていたエヴァから治療を家ですることを勧められる。名前を問われて「庭師のチャンスです」と応えるが「チャンシー・ガーディナー」という名であると勘違いされる。
なぜ見るのか: Being Thereは沈黙を信頼するドラマです。 Hal Ashby はシーンに明白な終点を超えて呼吸する余地を与え、キャラクターが演技をやめたときの行動に真実を見出します。
1979 年に公開された Being There は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Hal Ashby は生き残ったものを作り、今日の 7.6 の評価はその持続力の証拠です。 Being There の 7.6 スコアは、重大な弱点がなく前提条件を満たしている映画の中にランクされています。 Hal Ashby は、全体を通して意図したとおりに機能するものを作成しましたが、これは思っているほど一般的ではありません。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 1970s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 Being There は永続的なものを理解したためにここにいます。
Being There の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Hal Ashby は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 Being There は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、Being There が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
初めて Being There を視聴する視聴者は、Hal Ashby がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Being There のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Peter Sellers はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1979 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Hal Ashby が意図したものです。
このようなリストの 11 ～ 25 位に位置する映画は、文化的な重みを持たずにトップ 10 の品質を備えているため、多くの場合、最も有益な発見となります。 Being There がこの位置にあるのは、上のエントリよりも大幅に劣っているからではなく、その魅力がより集中しているためです。 Hal Ashby が Being There で行っていることに共感した視聴者は、このリストにあるどの映画と同じくらい高く評価しています。より広範な有権者ベースの平均がここに位置します。ジャンルの好み、監督の興味、時代などに基づいて、この映画が自分に向いていると考える特定の理由がある視聴者は、その上にランクされているいくつかのエントリーよりもこの映画を優先する必要があります。
The Tenant
A quiet and inconspicuous man rents an apartment in Paris where he finds himself drawn into a rabbit hole of dangerous paranoia.
なぜ見るのか: 最高のスリラー クラフトとは、何か明らかなことが起こる前に観客が恐怖を感じることを意味します。 Roman Polanskiは情報とタイミングの制御によりThe Tenantのそれを実現します。
The Tenant の日付は 1976 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 The Tenantが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 7.6 では、The Tenant は品質が安定している範囲内にありますが、映画は高評価のタイトルの広範なコンセンサスに達していません。この狭いコンセンサスは、多くの場合、特定の魅力を反映しています。The Tenant は万人向けではありませんが、適切な視聴者にとっては優れています。 これは、緊張が物理的ではなく心理的なものであるスリラーのカテゴリーに属します。監督は、明らかな危険を見せなくても観客がプレッシャーを感じることを信頼している。その結果、従来のスリラーの仕組みよりもさらに不安が生じます。 1970s は、特定の関心事と特定の美的アプローチを備えた特定の文化的瞬間でした。 The Tenant はそれらの条件を反映しながら、それらを超越しています。この映画は、鑑賞するために 1970s を理解する必要がない 1970s映画です。
The Tenant の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Roman Polanski は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 The Tenant の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Roman Polanski は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
The Tenant が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Roman Polanski の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 The Tenant は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Roman Polanski の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある The Tenant は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、Roman Polanski のパフォーマンスと Roman Polanski の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
Kramer vs. Kramer
ニューヨークのマンハッタン。結婚8年目のサラリーマン、テッド・クレイマーは忙しい毎日を送っているが、ある日突然、自立を決意した妻ジョアンナに家出されてしまう。テッドは仕方なく自力で7歳の息子ビリーの面倒をみるようになるが、仕事と子育ての両立は想像以上に厳しかった。やがてジョアンナは、ビリーの親権が自分にあると裁判所に訴え出るが、テッドは拒絶。クレイマー対クレイマーの裁判が法廷で争われることになる。
なぜ見るのか: Robert Benton は、優れたドラマに必要で、めったに得られない忍耐をもって Kramer vs. Kramer に取り組みます。その結果、感情的な瞬間を予定に入れるのではなく、自分で獲得する映画が生まれました。
Kramer vs. Kramer の 1979 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Kramer vs. Kramer を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Kramer vs. Kramer の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 7.6 の Kramer vs. Kramer は、このリストの信頼できる層を表します。これらは期待を裏切らない映画です。 Robert Benton は映画がどうあるべきかを理解し、妥協することなくそれを実行しました。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1970s の映画を相互にランク付けすることは、何が生き残ったかを特定するための演習の一部です。 Kramer vs. Kramer が生き残ったのは、Robert Benton がトレンドではなく技術に基づいて選択をしたからです。 7.6 の評価は、これらの選択肢が依然として有効であると考えている視聴者を反映しています。
Kramer vs. Kramer のビジュアル言語は、1979 の映画制作を最大限に反映しています。 Robert Benton は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 Kramer vs. Kramer のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して Kramer vs. Kramer を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
Kramer vs. Kramer は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.6 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Kramer vs. Kramer を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Robert Benton と Dustin Hoffman が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに Kramer vs. Kramer を入れる 7.6 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 Kramer vs. Kramer に高いスコアを与えるという決定は、Robert Benton がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 Kramer vs. Kramer は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
They Call Me Trinity
The simple story has the pair coming to the rescue of peace-loving Mormons when land-hungry Major Harriman sends his bullies to harass them into giving up their fertile valley. Trinity and Bambino manage to save the Mormons and send the bad guys packing with slapstick humor instead of excessive violence, saving the day.
なぜ見るのか: 明確な地理を考慮して作られたアクション。 Enzo Barboni は、全員がどこにいるかを常に把握しているため、最適なシーケンスが機能することを理解しています。
They Call Me Trinity (1970) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、They Call Me Trinity がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 大規模な有権者による 7.6 の評価は、この映画が視聴者が見つけた弱点を上回る真の強みを持っていることを意味します。 They Call Me Trinity は、映画が満たすべき最低基準である中心的な約束を果たしますが、リリース数が示すよりも達成できるものはほとんどありません。 この監督は、アクションを見せる前に結果を気にさせるというアクション映画の核心的な問題を解決した。このシーケンスが機能するのは、地理が明確であるため、誰がどこにいるのか、成功には何が必要なのかが常にわかるからです。 They Call Me Trinity は、1970s映画のあらゆる説明の中でその地位を獲得しています。それは、この 10 年間に生み出され、その後の 10 年間に失われたものを捉えているからです。 1970s映画製作の文化的および技術的条件が、Enzo Barboni がここで制作できるものを形作りました。
They Call Me Trinity の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Enzo Barboni は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Terence Hill は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、They Call Me Trinity で最も顕著に現れます。
They Call Me Trinity を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて They Call Me Trinity を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると They Call Me Trinity が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Enzo Barboni の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Terence Hill のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する They Call Me Trinity は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。They Call Me Trinity は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの Enzo Barboni の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 They Call Me Trinity を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
Halloween
15年前に実の姉を殺害した少年マイケルが、収容されていた精神病院から脱走して故郷に向かった。万聖節の夜、子守をするはめになった女学生ローリイ（カーティス）は白塗りの不気味な仮面をつけた男の姿を目にする。そのころマイケルの担当医ルーミス（プレザンス）もその地ハドンフィールドに到着していた……。
なぜ見るのか: Halloween は正直に緊張感を感じます。プレッシャーは人為的な驚きではなく、状況と性格から来ます。 John Carpenter は、視聴者がリスクを感じてくれると信じています。
1978 年に公開された Halloween は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 John Carpenter は生き残ったものを作り、今日の 7.6 の評価はその持続力の証拠です。 Halloween の 7.6 スコアは、選択肢があり、これを高く評価することを選択した視聴者から構築されています。この選択は、自分の主張を明確に主張した映画を反映しています。まさに Halloween が行っていることです。 John Carpenter が主張し、聴衆はそれを受け入れました。 この映画をスリラーとして機能させるのは、賭け金には投資が必要であるという理解です。最初の行為は、プレッシャーがかかる前に人格を構築します。緊張が高まる頃には、結果を気にする理由ができています。 10年ごとに、その時では不可欠に見えては消え去ってしまう映画が生み出されます。 Halloween はより小さなカテゴリーに属します。1970s映画は、当時を懐かしむことのない視聴者から今でも高く評価されています。世代を超えた品質こそが本当の試練だ。
Halloween のパフォーマンスは、John Carpenter が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Donald Pleasence は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Halloween で最も着地が難しい瞬間は、Donald Pleasence の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
Halloween は、雰囲気が機能する条件で視聴するのが最適です。つまり、照明が低く、中断が最小限に抑えられ、理想的には文化的によく知られるようになった特定の瞬間についての事前知識なしで視聴することができます。観客が何が起こるかを正確に知っている場合、ホラーはその効果を失います。Halloween は十分に議論されているため、その主要なシーケンスのいくつかは映画を観たことがない人でもよく知られています。限られた予備知識でそれに取り組むことができるのであれば、そうしてください。 John Carpenter が Halloween に組み込んだ雰囲気のクラフトは、聴衆が真の不確実性の状態にあることに依存します。 7.6 の評価は、視聴時にその状態にあった視聴者を反映しています。
Halloween がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 John Carpenter は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 7.6 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する John Carpenter のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、Halloween がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
The Holy Mountain
とある砂漠ではりつけにされ、裸の子どもたちに石を投げつけられているキリストに似た風ぼうの盗賊（ホラシオ・サリナス）。自力で十字架から降り立った彼は、居合わせた男と共に町へ向かう。町ではキリスト像を売る太った男たちに捕らえられ、鏡の部屋に閉じ込められてしまう盗賊だったが、何とか部屋から脱出し……。
なぜ見るのか: The Holy Mountain をドラマとして機能させているのは、Alejandro Jodorowsky が視聴者が何を感じられるかを説明することを拒否していることです。感情のレジスターは信号によって生成されるものではなく、作成されます。
The Holy Mountain の日付は 1973 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 The Holy Mountainが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 7.5 の The Holy Mountain は、航空機が複数の側面にわたって常に平均を上回っている映画です。単一の要素が他の要素を引き継ぐことはありません。演出も脚本も演技もすべて同じ方向を向いている。 この映画は、ドラマが他のジャンルにできずにできること、つまり、普通の人間の行動にプレッシャーを与え、その反応を通じて性格を明らかにすることを示しています。監督はそのような状況を作り出し、キャストは真の信念を持ってその状況を生きています。 The Holy Mountain の 1970s コンテキストは偶然ではありません。この 10 年間の特定の美的条件、つまりどのテクノロジーが許可し、どのような文化が要求したかが、Alejandro Jodorowsky がここで行った選択を形作りました。それらの選択は、その瞬間とは関係なく維持されます。
The Holy Mountain の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Alejandro Jodorowsky は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 The Holy Mountain は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、The Holy Mountain が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
The Holy Mountain は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.5 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 The Holy Mountain を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Alejandro Jodorowsky と Alejandro Jodorowsky が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションにおける The Holy Mountain の位置は、万人向けのすべてを目指すことなく、その映画特有の品質を確実に提供する映画を反映しています。 Alejandro Jodorowsky は映画の内容を理解し、高いレベルの技術で映画を作りました。 7.5 評価は、これらの条件で映画を鑑賞し、高く評価する価値があると判断した視聴者を表します。異なる期待を持った視聴者は、評価が示すほど映画が満足できないと感じることがあります。これは映画の弱点ではなく、期待の弱点です。 The Holy Mountain はまさに技術を駆使して作られたものであり、それを評価した有権者はそれに応えました。
Serpico
熱い情熱をたぎらせ仕事に燃える新人刑事セルピコ。だが警察内部では汚職が横行し、やがて彼は孤立していく……。『ゴッド・ファーザー』で注目されたアル・パチーノの若かりしころの名演が見られる。
なぜ見るのか: Sidney Lumet は、優れたドラマに必要で、めったに得られない忍耐をもって Serpico に取り組みます。その結果、感情的な瞬間を予定に入れるのではなく、自分で獲得する映画が生まれました。
Serpico の 1973 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Serpico を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Serpico の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 7.5 の範囲の映画は、リスト上の順位が示すよりも興味深いことがよくあります。これらは、高評価のタイトルほど文化的に飽和していないため、Serpico は先入観なしでアプローチしやすいことを意味します。 Serpico はその恩恵を受けます。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1970s の映画で、現在でも 7.5 のレートを維持している映画は、現代のどのリリースよりも長いテストを生き延びています。 Serpico はその核心であるストーリーテリング、パフォーマンス、クラフトが時代を必要とせずに機能するため、そのテストに合格しました。
Serpico の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Sidney Lumet は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Serpico の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Al Pacino は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
初めて Serpico を視聴する視聴者は、Sidney Lumet がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Serpico のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Al Pacino はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1973 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Sidney Lumet が意図したものです。
このようなリストの 11 ～ 25 位に位置する映画は、文化的な重みを持たずにトップ 10 の品質を備えているため、多くの場合、最も有益な発見となります。 Serpico がこの位置にあるのは、上のエントリよりも大幅に劣っているからではなく、その魅力がより集中しているためです。 Sidney Lumet が Serpico で行っていることに共感した視聴者は、このリストにあるどの映画と同じくらい高く評価しています。より広範な有権者ベースの平均がここに位置します。ジャンルの好み、監督の興味、時代などに基づいて、この映画が自分に向いていると考える特定の理由がある視聴者は、その上にランクされているいくつかのエントリーよりもこの映画を優先する必要があります。
素晴らしい映画を見ると世界の見方が変わります。だからこそ、私たちはそれらを慎重に選んでいます。
The Castle of Cagliostro
ヨーロッパの小国カリオストロ公国。ニセ札の噂が絶えないこの国へやって来たルパンは、悪漢に追われるひとりの少女クラリスを助けるが、彼女は再び連れ去られてしまう。実はカリオストロ公国・大公家のひとり娘であったクラリスは、強引に結婚を迫るカリオストロ伯爵によって城に幽閉されていたのだ。ルパンは既に城内に忍び込んでいた不二子の手引きで城に潜入するのだが…。
なぜ見るのか: 単に映画として宣伝されているのではなく、本当に面白い映画です。 The Castle of Cagliostro のユーモアは設定ではなく、キャラクターから来ています。
The Castle of Cagliostro (1979) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、The Castle of Cagliostro がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 7.5 の評価は、一貫したレベルで同時に動作する監督、脚本、パフォーマンスを反映します。この範囲のスコアの映画が単一の側面で大きく失敗することはほとんどなく、The Castle of Cagliostro も例外ではありません。 この映画をコメディとして成立させているのは、監督がどこにユーモアがあるのかを示すことを拒否しているからだ。ジョークは性格や状況から生まれます。つまり、笑いなさいと言われるのを待っている視聴者よりも、注意を払っている視聴者のほうが多くのことを見つけることができます。 1970s映画全体のコンテキストでは、The Castle of Cagliostro は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1970s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
The Castle of Cagliostro のビジュアル言語は、1979 の映画制作を最大限に反映しています。 Hayao Miyazaki は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 The Castle of Cagliostro のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して The Castle of Cagliostro を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
The Castle of Cagliostro が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Hayao Miyazaki の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 The Castle of Cagliostro は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Yasuo Yamada の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある The Castle of Cagliostro は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、Yasuo Yamada のパフォーマンスと Hayao Miyazaki の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
Escape from Alcatraz
誰ひとりとして脱獄に成功したことのない刑務所―――アルカトラズ島。ここに一人の囚人が送り込まれた。彼の名はフランク・モーリス。所内で以前、別の刑務所で一緒だったアングリン兄弟と彼は脱獄計画の実行を決める……。あの『ダーティハリー』の名コンビ、ドン・シーゲル監督＝クリント・イーストウッドが放つ、873日をかけた脱出作戦を事実に基づいて描く脱獄映画の秀作。
なぜ見るのか: Escape from Alcatraz は正直に緊張感を感じます。プレッシャーは人為的な驚きではなく、状況と性格から来ます。 Don Siegel は、視聴者がリスクを感じてくれると信じています。
1979 年に公開された Escape from Alcatraz は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Don Siegel は生き残ったものを作り、今日の 7.5 の評価はその持続力の証拠です。 Escape from Alcatraz の 7.5 スコアは、重大な弱点がなく前提条件を満たしている映画の中にランクされています。 Don Siegel は、全体を通して意図したとおりに機能するものを作成しましたが、これは思っているほど一般的ではありません。 この映画をスリラーとして機能させるのは、賭け金には投資が必要であるという理解です。最初の行為は、プレッシャーがかかる前に人格を構築します。緊張が高まる頃には、結果を気にする理由ができています。 1970s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 Escape from Alcatraz は永続的なものを理解したためにここにいます。
Escape from Alcatraz の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Don Siegel は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Clint Eastwood は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Escape from Alcatraz で最も顕著に現れます。
Escape from Alcatraz は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.5 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Escape from Alcatraz を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Don Siegel と Clint Eastwood が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに Escape from Alcatraz を入れる 7.5 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 Escape from Alcatraz に高いスコアを与えるという決定は、Don Siegel がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 Escape from Alcatraz は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
The Conversation
カンヌ映画祭グランプリに輝いたコッポラの意欲作。プロの盗聴屋が次々と他人のプライバシーを侵し、盗聴を繰り返す作業を克明に描いていく。しかし、やがて“自分も盗聴されている”という脅迫観念に陥った主人公は、孤独と狂気の日々に没入していく・・・。大都会に住む現代人の不安感を象徴的に描いた作品。 サンフランシスコで盗聴を職業としているハリーは、依頼を受け、公園を歩くカップルの会話を盗聴する。ハリーは盗聴した会話に「殺される」ということばを聞き取り、やがて事件に巻き込まれていく…。
なぜ見るのか: The Conversation をドラマとして機能させているのは、Francis Ford Coppola が視聴者が何を感じられるかを説明することを拒否していることです。感情のレジスターは信号によって生成されるものではなく、作成されます。
The Conversation の日付は 1974 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 The Conversationが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 7.5 では、The Conversation は品質が安定している範囲内にありますが、映画は高評価のタイトルの広範なコンセンサスに達していません。この狭いコンセンサスは、多くの場合、特定の魅力を反映しています。The Conversation は万人向けではありませんが、適切な視聴者にとっては優れています。 この映画は、ドラマが他のジャンルにできずにできること、つまり、普通の人間の行動にプレッシャーを与え、その反応を通じて性格を明らかにすることを示しています。監督はそのような状況を作り出し、キャストは真の信念を持ってその状況を生きています。 1970s は、特定の関心事と特定の美的アプローチを備えた特定の文化的瞬間でした。 The Conversation はそれらの条件を反映しながら、それらを超越しています。この映画は、鑑賞するために 1970s を理解する必要がない 1970s映画です。
The Conversation のパフォーマンスは、Francis Ford Coppola が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Gene Hackman は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 The Conversation で最も着地が難しい瞬間は、Gene Hackman の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
The Conversation を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて The Conversation を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると The Conversation が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Francis Ford Coppola の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Gene Hackman のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する The Conversation は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。The Conversation は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの Francis Ford Coppola の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 The Conversation を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
The French Connection
ニューヨーク市警察本部薬物対策課で“ポパイ”とアダ名されるドイル刑事。彼は薬物捜査のベテランだが、捜査のためならば強引な手法も厭わない。麻薬の売人を逮捕したある夜、ドイルは相棒のルソーと共にナイトクラブ「コパカバーナ」に飲みに出かける。そこには有力マフィアの組長たちが妻同伴で来店していた。その際、組長夫妻たちと共にテーブルを囲み、札びらを切っている若い夫婦がいた。不審に思ったドイルとラソーは、その夫婦を捜査する。
なぜ見るのか: The French Connection は、最高のスリラーは抑制によって機能することを示しています。 William Friedkin は、可能な限り長期間、可能な限り保留します。その結果、従来のエスカレーションよりも効果的になります。
The French Connection の 1971 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 The French Connection を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 The French Connection の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 7.5 の The French Connection は、このリストの信頼できる層を表します。これらは期待を裏切らない映画です。 William Friedkin は映画がどうあるべきかを理解し、妥協することなくそれを実行しました。 その技巧は、監督が伏せた内容に最もよく表れる。情報は戦略的に公開され、それぞれの啓示が以前のものを再文脈化します。パフォーマンスは、管理された開示に合わせて調整されています。 1970s の映画を相互にランク付けすることは、何が生き残ったかを特定するための演習の一部です。 The French Connection が生き残ったのは、William Friedkin がトレンドではなく技術に基づいて選択をしたからです。 7.5 の評価は、これらの選択肢が依然として有効であると考えている視聴者を反映しています。
The French Connection の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 William Friedkin は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 The French Connection は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、The French Connection が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
The French Connection は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.5 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 The French Connection を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 William Friedkin と Gene Hackman が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
The French Connection がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 William Friedkin は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 7.5 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する William Friedkin のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、The French Connection がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
Dawn of the Dead
世界各地で原因が判らぬまま死体が蘇り、生きている人間を襲って食べる現象が蔓延し次第に社会は大混乱していく。アメリカ地方テレビ局のスティーブンとフランはこの状況から都市部を脱出する事にした。友人のSWAT隊員ロジャーと同僚ピーターと共にヘリコプターで人の少ない田舎を目指すが、途中孤立したショッピングモールに立ち寄る。何でもそろっているショッピングモールは隔離して中のゾンビを駆除してしまえば安全と思われ、出入り口を閉鎖し快適な空間へ作り変えていく。そんな中、暴徒と化した暴走集団がショッピングモールに目をつけ襲撃してくる。暴動集団の無計画な襲撃をやり過ごす中、ゆっくりとだが群がるゾンビが彼ら人間を確実に取り囲んでいく。
なぜ見るのか: 雰囲気と暗示が効いたホラー。 Dawn of the Dead は、見せられるものではなく、隠されているものによって恐怖を感じます。
Dawn of the Dead (1978) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Dawn of the Dead がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 大規模な有権者による 7.5 の評価は、この映画が視聴者が見つけた弱点を上回る真の強みを持っていることを意味します。 Dawn of the Dead は、映画が満たすべき最低基準である中心的な約束を果たしますが、リリース数が示すよりも達成できるものはほとんどありません。 監督は、ホラーは、明らかな危険として現れる前に、水面下で何かがおかしいと感じたときに機能することを理解しています。この映画は、最初の恐怖の前にトーンと雰囲気を通してその間違いを作り出します。 Dawn of the Dead は、1970s映画のあらゆる説明の中でその地位を獲得しています。それは、この 10 年間に生み出され、その後の 10 年間に失われたものを捉えているからです。 1970s映画製作の文化的および技術的条件が、George A. Romero がここで制作できるものを形作りました。
Dawn of the Dead の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 George A. Romero は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Dawn of the Dead の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 David Emge は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
Dawn of the Dead は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.5 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Dawn of the Dead を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 George A. Romero と David Emge が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションにおける Dawn of the Dead の位置は、万人向けのすべてを目指すことなく、その映画特有の品質を確実に提供する映画を反映しています。 George A. Romero は映画の内容を理解し、高いレベルの技術で映画を作りました。 7.5 評価は、これらの条件で映画を鑑賞し、高く評価する価値があると判断した視聴者を表します。異なる期待を持った視聴者は、評価が示すほど映画が満足できないと感じることがあります。これは映画の弱点ではなく、期待の弱点です。 Dawn of the Dead はまさに技術を駆使して作られたものであり、それを評価した有権者はそれに応えました。
Willy Wonka & the Chocolate Factory
ウィリー・ワンカの世界一のお菓子工場は謎に満ちていた。ある日ワンカは世界中のワンカ製のお菓子の中に入っているたった5枚のゴールデン・チケットを手に入れた人を工場に招待すると発表。幸運にもチケットを手に入れたチャーリーは、他の4人の子供達と一緒に工場へ足を踏み入れる…。
なぜ見るのか: Willy Wonka & the Chocolate Factory は、オチを中心に仕組まれた状況からではなく、これらの人々が誰であるかからジョークが生まれるため、再視聴に耐えるコメディです。
1971 年に公開された Willy Wonka & the Chocolate Factory は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Mel Stuart は生き残ったものを作り、今日の 7.5 の評価はその持続力の証拠です。 Willy Wonka & the Chocolate Factory の 7.5 スコアは、選択肢があり、これを高く評価することを選択した視聴者から構築されています。この選択は、自分の主張を明確に主張した映画を反映しています。まさに Willy Wonka & the Chocolate Factory が行っていることです。 Mel Stuart が主張し、聴衆はそれを受け入れました。 この映画は観客の滑稽なタイミングの感覚を信頼している。監督はリズムを設定し、ユーモアが生きているところで一時停止を許可します。パフォーマンスは、強調するよりも抑制する方が面白いことを理解しています。 10年ごとに、その時では不可欠に見えては消え去ってしまう映画が生み出されます。 Willy Wonka & the Chocolate Factory はより小さなカテゴリーに属します。1970s映画は、当時を懐かしむことのない視聴者から今でも高く評価されています。世代を超えた品質こそが本当の試練だ。
Willy Wonka & the Chocolate Factory のビジュアル言語は、1971 の映画制作を最大限に反映しています。 Mel Stuart は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 Willy Wonka & the Chocolate Factory のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して Willy Wonka & the Chocolate Factory を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
初めて Willy Wonka & the Chocolate Factory を視聴する視聴者は、Mel Stuart がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Willy Wonka & the Chocolate Factory のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Gene Wilder はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1971 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Mel Stuart が意図したものです。
このようなリストの 11 ～ 25 位に位置する映画は、文化的な重みを持たずにトップ 10 の品質を備えているため、多くの場合、最も有益な発見となります。 Willy Wonka & the Chocolate Factory がこの位置にあるのは、上のエントリよりも大幅に劣っているからではなく、その魅力がより集中しているためです。 Mel Stuart が Willy Wonka & the Chocolate Factory で行っていることに共感した視聴者は、このリストにあるどの映画と同じくらい高く評価しています。より広範な有権者ベースの平均がここに位置します。ジャンルの好み、監督の興味、時代などに基づいて、この映画が自分に向いていると考える特定の理由がある視聴者は、その上にランクされているいくつかのエントリーよりもこの映画を優先する必要があります。
Badlands
ジェームス・ディーンに憧れる25歳の男が15歳の少女と出会う。交際を禁じられたため、彼女の父親を殺し、2人は逃避の旅に出る。鬼才テレンス・マリックが作り上げた、日本未公開のカルト劇。
なぜ見るのか: Badlands をドラマとして機能させているのは、Terrence Malick が視聴者が何を感じられるかを説明することを拒否していることです。感情のレジスターは信号によって生成されるものではなく、作成されます。
Badlands の日付は 1974 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 Badlandsが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 7.5 の Badlands は、航空機が複数の側面にわたって常に平均を上回っている映画です。単一の要素が他の要素を引き継ぐことはありません。演出も脚本も演技もすべて同じ方向を向いている。 この映画は、ドラマが他のジャンルにできずにできること、つまり、普通の人間の行動にプレッシャーを与え、その反応を通じて性格を明らかにすることを示しています。監督はそのような状況を作り出し、キャストは真の信念を持ってその状況を生きています。 Badlands の 1970s コンテキストは偶然ではありません。この 10 年間の特定の美的条件、つまりどのテクノロジーが許可し、どのような文化が要求したかが、Terrence Malick がここで行った選択を形作りました。それらの選択は、その瞬間とは関係なく維持されます。
Badlands の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Terrence Malick は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Martin Sheen は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Badlands で最も顕著に現れます。
Badlands が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Terrence Malick の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 Badlands は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Martin Sheen の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある Badlands は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、Martin Sheen のパフォーマンスと Terrence Malick の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
Suspiria
“決してひとりでは見ないでください－－” この名キャッチコピーは公開当時の流行語に。鮮烈な色彩、ゴブリンが参加した不気味なサウンド、過激演出が三位一体となって独自の緊張感を生み、今も語られることが多い逸品。1977年日本公開の洋画でベストテンに入るヒットを記録。影響で翌年、アルジェントによる1975年の無関係な作品が「サスペリアPART2」として日本公開。監督にとっては「インフェルノ」「サスペリア・テルザ 最後の魔女」に続く“魔女3部作”の第1弾に。 アメリカからドイツのバレエ学校に留学してきたスージー。校舎に到着した夜、ある女性が何か言いながら消えていく姿を目撃する。直後、女性は何者かに殺される。入学したスージーは厳しいレッスンを受けるようになるが、体調に異変が起きて倒れたり、同じ寮で友人になったサラとともに怪しいうめき声や足音を聞くなど、異常な事態が続く。ついにある夜、サラは何者かに追われている気がして、寮の中をひとりで逃げるが……。
なぜ見るのか: Suspiria は、持続するホラーのカテゴリーに属します。それが生み出す不安は暗示や雰囲気から来ており、ショックの瞬間のように消え去ることはありません。
Suspiria の 1977 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Suspiria を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Suspiria の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 7.5 の範囲の映画は、リスト上の順位が示すよりも興味深いことがよくあります。これらは、高評価のタイトルほど文化的に飽和していないため、Suspiria は先入観なしでアプローチしやすいことを意味します。 Suspiria はその恩恵を受けます。 この恐怖には、生存を超えた危険が伴います。監督はその恐怖を、性格、人間関係、道徳といった現実のものと結びつけます。何が脅かされているかが重要であるため、恐怖が重要です。 1970s の映画で、現在でも 7.5 のレートを維持している映画は、現代のどのリリースよりも長いテストを生き延びています。 Suspiria はその核心であるストーリーテリング、パフォーマンス、クラフトが時代を必要とせずに機能するため、そのテストに合格しました。
Suspiria のパフォーマンスは、Dario Argento が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Jessica Harper は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Suspiria で最も着地が難しい瞬間は、Jessica Harper の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
Suspiria は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.5 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Suspiria を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Dario Argento と Jessica Harper が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに Suspiria を入れる 7.5 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 Suspiria に高いスコアを与えるという決定は、Dario Argento がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 Suspiria は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
Days of Heaven
20世紀初頭のアメリカの農村地帯を舞台に、農場主と季節労働者の男女が織り成す愛憎模様を名匠テレンス・マリック監督が詩情豊かに描く、監督第2作。20世紀初頭、第1次世界大戦が始まったころ、シカゴの製鉄工場で働くビリー（リチャード・ギア）は仕事を辞め、妹のリンダ（リンダ・マンズ）と恋人のアビー（ブルック・アダムス）と共にシカゴを飛び出す。テキサスの農場で麦刈り人として働くことになったビリーだが、若き農場主チャック（サム・シェパード）がアビーに目を付けた…。
なぜ見るのか: クレジットが終わってもずっと記憶に残るタイプのドラマ。 Terrence Malick は、素材に忍耐力をもたらし、標準的な運賃を超えています。
Days of Heaven (1978) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Days of Heaven がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 7.5 の評価は、一貫したレベルで同時に動作する監督、脚本、パフォーマンスを反映します。この範囲のスコアの映画が単一の側面で大きく失敗することはほとんどなく、Days of Heaven も例外ではありません。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 1970s映画全体のコンテキストでは、Days of Heaven は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1970s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
Days of Heaven の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Terrence Malick は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 Days of Heaven は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、Days of Heaven が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
Days of Heaven を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて Days of Heaven を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると Days of Heaven が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Terrence Malick の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Richard Gere のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する Days of Heaven は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。Days of Heaven は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの Terrence Malick の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 Days of Heaven を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
Patton
第二次大戦のアフリカ戦線で活躍したアメリカの将軍、ジョージ・パットンを描いた伝記的戦争ドラマ。優れた戦略家であるとともに、数々の奇行の持ち主とされたパットン将軍を、Ｇ・Ｃ・スコットが好演。ロンメル率いるドイツ軍との戦いが見どころ。
なぜ見るのか: Pattonは沈黙を信頼するドラマです。 Franklin J. Schaffner はシーンに明白な終点を超えて呼吸する余地を与え、キャラクターが演技をやめたときの行動に真実を見出します。
1970 年に公開された Patton は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Franklin J. Schaffner は生き残ったものを作り、今日の 7.5 の評価はその持続力の証拠です。 Patton の 7.5 スコアは、重大な弱点がなく前提条件を満たしている映画の中にランクされています。 Franklin J. Schaffner は、全体を通して意図したとおりに機能するものを作成しましたが、これは思っているほど一般的ではありません。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 1970s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 Patton は永続的なものを理解したためにここにいます。
Patton の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Franklin J. Schaffner は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Patton の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 George C. Scott は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
Patton は、単に時間を埋めるものではなく、本質的なものを見たい夜に適しています。これは背景ムービーではなく、受動的な体験でもありません。 Franklin J. Schaffner は、ユーザーの注意を求め、一般的ではなく具体的に報酬を与える何かを構築しました。他のことをしながら Patton を視聴する視聴者は、フルに注意を払った人が視聴できるバージョンよりも大幅に縮小されたバージョンの映画を視聴することになります。 7.5 評価は、フルアテンションの視聴エクスペリエンスを反映しています。キャスト (具体的には George C. Scott) は、集中して視聴すると記録され、気を散らして視聴すると消えてしまうパフォーマンスの詳細を提供します。
Patton がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 Franklin J. Schaffner は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 7.5 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する Franklin J. Schaffner のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、Patton がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
これらの 1970s 映画のランク付け方法
このページのすべての映画は、映画データベース API のデータを使用して選択され、品質の一貫性を確保するために最小投票しきい値でフィルタリングされています。このプロセスは、このカテゴリのすべての映画から始まり、投票平均によって降順に並べ替えられ、次にフィルタリングされて、必要な投票数に満たない映画が除外されます。
その大きなリストから、各エントリの正確性が手動で検証されました。高い評価が自動的に視聴可能につながるわけではありません。最近のニュースで話題になっている映画と、本当に良いから話題になっている映画は同じではありません。各エントリーの編集分析は、文化的なノイズではなく、実際の映画の品質を反映しています。
この選択では、アクセシビリティと奥深さのバランスが保たれています。ここにある映画は、最近公開されたものから、再発見に値するカタログ タイトルまで多岐にわたります。すべては工芸と意図を持って作られました。すべてご褒美視聴。
ジャンル別ベスト 1970s 映画
このページの 50 映画は複数のジャンルやサブジャンルにまたがっています。ジャンルはフィルターとしては便利ですが、決定的なカテゴリとしては役立ちません。 「ドラマ」とタグ付けされた映画は、「スリラー」とタグ付けされた映画と同じくらいサスペンスフルになる可能性があります。 「アクション」とタグ付けされた映画は、「ドラマ」とタグ付けされた映画と同じくらい感情的に知的な可能性があります。全体像としてではなく、出発点としてジャンルを使用します。
各映画のジャンル タグは、その映画がどの位置にあるかを明確に示します。フィルターを使用して、1970s 内で最も興味のあるジャンルを見つけます。
評価別の最高の 1970s 映画
このページの映画は 3 つの評価段階に分かれています。 8.5 を超える映画は、どのような基準から見ても例外的であり、このカテゴリーでは絶対的に最高の映画と言えます。 7.5 から 8.4 までのムービーは一貫した技術を示しており、確実に強力です。 7.0 から 7.4 までのムービーは依然として優れており、見る価値がありますが、品質の範囲は若干広くなります。
TMDB で 8.0 の評価を得るには、統計的に信頼できる十分な規模の有権者ベースが必要です。それは時間をかけてテストされた本物の視聴者の評価を反映しています。
ランタイム別のベスト 1970s 映画
ランタイムは、監視するものを選択するときに最も役立つフィルターの 1 つであり、最も使用されないフィルターの 1 つです。 90 分未満の映画は、完全な体験を正確に提供します。 90 ～ 120 分の映画は、ほとんどの視聴状況に最適な長さです。 120 分を超える映画にはコミットメントが必要ですが、それに見合った価値があります。
予想よりもはるかに長い上映時間を深夜に開始するのではなく、利用可能な時間を使って適切な映画を見つけてください。
見つける価値のある隠された宝石
1970s のすべてのセレクションには、知名度ランキングでは上位にランクされていないものの、優れたものを提供する映画が含まれています。これらの映画は、フランチャイズの認知度や最近の報道が不足しているため、アルゴリズムによって過小評価されます。目立たないから隠されるわけではありません。プラットフォームでは最も騒々しいオプションが最初に表示されるため、これらは非表示になります。
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The 1970s is best understood through multiple lenses. Below are related ways to explore movies from this decade and era.
よくある質問
1970sの最高の映画は何ですか？
1970s の最高の映画がランク付けされ、このページに完全にリストされています。このリストは、ノスタルジーではなく、純粋な視聴者の評価を反映しています。どの映画も、十分な数の観客からの持続的な肯定的な反応によってその地位を獲得しました。
1970sの最高評価の映画は何ですか？
1970s の最高評価の映画がこのページの上部に表示されます。 8.5 以上の評価を受けた映画は、それ以降に制作されたすべての作品にアクセスできる視聴者から高く評価されており、そのため、この評価は数字だけが示すよりも意味のあるものになります。
1970s の最高のスリラーは何ですか?
1970s のスリラーは、このページ全体でジャンル タグによって識別されます。スリラーまたは犯罪スリラーのタグが付いた映画を探してください。最高の 1970s スリラーは、作られたショックではなく、キャラクターへの投資を通じて緊張感を高めます。
1970sの最高のドラマは何ですか?
1970s のドラマ映画は、この時代で最も不朽の作品のひとつです。最高の 1970s ドラマは、視聴者が感情的な情報に下線を引くことなく登録し、公開後数十年経っても視聴に報い続けると信頼していました。
1970s の最高のアクション映画は何ですか?
アクション映画は1970s時代に大きく進化しました。このページの「アクション」とタグ付けされた映画は、その進化の最良の部分を表しており、最初に理解を、次に衝撃を与えることを目的としたシーケンスを備えています。
1970s の最高のコメディは何ですか?
最高の 1970s コメディは、設定やオチの仕組みではなく、キャラクターからユーモアを引き出しました。元の文化的参照が薄れても、登場人物が具体的で認識しやすいため、面白いままです。
1970s の最高のホラー映画は何ですか?
最高の 1970s ホラー映画は、雰囲気はショックよりも持続性があり、恐怖にはキャラクターへの事前の投資が必要であることを理解していました。これらは、露骨な内容ではなく、雰囲気のある工芸品と構造的知性を重視して選ばれました。
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1970s の最高の SF 映画は、スペクタクルとしてではなく、人間の疑問を探求するために思索的な前提を使用していました。このジャンルは真剣に受け止められ、実際のアイデアを盛り込んだプロジェクトが作成され、劇場公開されました。
1970s の最高の犯罪映画は何ですか?
1970s の犯罪映画は、このジャンルが生み出した最も強力な作品の一部を表しています。これらの映画は、道徳的な曖昧さを解決することなく関与し、ロマンチシズムのない犯罪生活の代償を示していました。
1970s の最高の外国語映画は何ですか?
このリストには、1970s の国際映画が含まれています。この時代、いくつかの国立映画館は創造性のピークを迎えていました。字幕に懐疑的な人は、このページで評価が 8.5 以上の外国語映画から始めるべきです。
1970s で最も過小評価されている映画は何ですか?
このページの「隠れた宝石」セクションでは、有意義な投票者ベースから 6.5 ～ 7.4 のスコアを獲得した 1970s 映画を特定します。これらの映画が過小評価されているのは、無名だからではなく、シリーズとしての知名度や最近の報道が不足しているためです。
誰もが一度は見るべき1970sの映画は何ですか？
このリストで 8.0 以上の評価を得た映画は、交渉の余地のない 1970s の視聴を表します。これらは、複数の世代の視聴者の間で真の批判的なコンセンサスを達成し、新たな視聴者に届け続けています。
普段古い映画を見ない人にとって最高の 1970s 映画は何ですか?
このページから 8.5 以上の評価の映画から始めてください。品質は古くなりません。ジャンル タグを使用して、好きなジャンルの 1970s 映画を見つけて、そこから始めます。
1970s の映画は現代の映画とどう違うのですか?
1970s は、さまざまな制約の下、さまざまな野心を持って映画を制作しました。予算構造により、オリジナルの前提を備えた中級映画が劇場公開されることが可能になりました。ディレクターには、現在一般的であるよりもスタジオに対してよりクリエイティブなコントロールが与えられていました。
1970s の映画は今でも見る価値がありますか?
はい、資格なしでも大丈夫です。このリストにある映画は、歴史的に興味深いからではなく、歴史に残るという理由で選ばれています。優れた映画製作は、テクノロジーやファッションのように老化することはありません。現代の観客はこれらの映画を高く評価し続けています。