The Godfather
시실리에서 이민온 뒤, 정치권까지 영향력을 미치는 거물로 자리잡은 돈 꼴레오네는 갖가지 고민을 호소하는 사람들의 문제를 해결해주며 대부라 불리운다. 한편 솔로소라는 인물은 꼴레오네가와 라이벌인 탓타리아 패밀리와 손잡고 새로운 마약 사업을 제안한다. 돈 꼴레오네가 마약 사업에 참여하지 않기로 하자, 돈 꼴레오네를 저격해 그는 중상을 입고 사경을 헤매게 된다. 그 뒤, 돈 꼴레오네의 아들 소니는 조직력을 총 동원해 다른 패밀리들과 피를 부르는 전쟁을 시작하는데... 가족의 사업과 상관없이 대학에 진학한 뒤 인텔리로 지내왔던 막내 아들 마이클은 아버지가 총격을 당한 뒤, 아버지를 구하기 위해 위험천만한 협상 자리에 나선다.
시청해야 하는 이유: 이번 선정작에서 가장 높은 평가를 받은 영화 중 하나입니다. The Godfather는 여러 세대의 시청자들 사이에서 지속적인 비판적 평가를 통해 명성을 얻었습니다.
The Godfather(1972)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, The Godfather는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. The Movie Database의 8.7 등급은 통계적으로 드물습니다. 다양한 관객에게 지속적으로 전달되는 영화만 남기고 개인 의견의 평균을 낼 수 있을 만큼 충분히 큰 유권자 기반이 필요합니다. The Godfather는 그러한 합의를 가지고 있습니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. 1970s 시네마 전체의 맥락에서 The Godfather는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1970s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
The Godfather의 시각적 언어는 1972의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Francis Ford Coppola는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. The Godfather의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 The Godfather를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
The Godfather를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 The Godfather를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 The Godfather가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Francis Ford Coppola의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Marlon Brando의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록의 상위 10위 안에 The Godfather 순위를 지정하려면 특별한 인수가 필요하지 않습니다. 통계적으로 의미가 있을 만큼 충분히 큰 유권자 기반의 8.7 등급이 주장입니다. 진지한 목록의 상위 10위 안에 드는 영화는 가장 광범위한 시청자에게 지속적으로 서비스를 제공하기 때문에 그 위치를 차지하고 있으며 The Godfather는 이 영화를 접한 모든 인구 통계에 걸쳐 이를 수행했습니다. 여기서 Francis Ford Coppola의 작업은 개별 장면의 품질이 영화 전체의 수준을 유지하는 수준으로 결합되는 수준에서 작동하고 있는데, 이는 보기보다 드물다.
The Godfather Part II
아버지의 장례식 도중에 맏아들 파올로가 총에 맞아 죽고, 비토(로버트 드니로)는 겨우 도망쳐 미국으로 건너온다. 대부로 성장한 후 비토는 다시 치치오를 찾아 복수를 한다. 새롭게 등장한 젊은 대부 마이클(알 파치노)은 본거지를 라스베가스로 옮기고 가족의 사업을 가능한 합법적인 것으로 바꾸려고 애쓴다. 그런 과중 중에 자신을 제거하려는 음모를 알게되고 그는 냉혹하고 신속하게 반대파들을 제거, 조직을 더욱 확대해 나간다. 이를 위해 마이클은 배신한 형마저 죽이고, 일 때문에 아내와 헤어지는 등 인간적으로는 계속 외로워져 가는데...
시청해야 하는 이유: The Godfather Part II는 이 목록의 예외적인 끝에 위치합니다. 대규모 유권자 기반을 바탕으로 구축된 이 높은 등급은 과대 광고가 아닌 진정한 합의를 반영합니다.
1974에 개봉된 The Godfather Part II는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Francis Ford Coppola는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 8.6 등급은 그 지속력의 증거입니다. The Godfather Part II의 8.6 점수는 수천 건의 개별 시청 결정을 단일 숫자로 표현합니다. 이 숫자는 실제적인 사실을 반영합니다. 이 영화를 본 사람들은 이 영화가 예외적이라고 생각했고, 그들 중 상당수가 평점을 의미 있게 만드는 데 동의했습니다. 드라마는 보편성보다는 특수성에서 나온다. 감독은 이런 상황에서 등장인물들에게 정확하게 적용되는 선택을 하는데, 이는 역설적으로 일반적인 감정 비트보다 더 보편적인 것을 만들어낸다. 1970s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. The Godfather Part II는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
The Godfather Part II의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Francis Ford Coppola는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Al Pacino는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 The Godfather Part II에서 가장 잘 드러납니다.
The Godfather Part II는 단순히 시간을 채우는 것보다 진정한 내용을 담고 싶은 저녁 시간에 적합합니다. 그것은 배경 영화도 아니고 수동적인 경험도 아닙니다. Francis Ford Coppola는 여러분의 관심을 끌고 일반적이 아닌 구체적으로 보상하는 무언가를 구성했습니다. 다른 일을 하면서 The Godfather Part II를 시청하는 시청자는 영화에 완전히 집중한 사람이 볼 수 있는 버전보다 훨씬 적은 버전의 영화를 보게 됩니다. 8.6 등급은 집중 시청 경험을 반영합니다. 출연진(구체적으로 Al Pacino)은 집중해서 볼 때 기록되고 주의가 산만해지면 사라지는 공연 세부 정보를 제공합니다.
이 목록에서 The Godfather Part II의 상위 10위는 제조하기 어려운 것, 즉 새로운 시청자가 계속해서 발견하고 높은 평가를 하는 지속적인 우수성을 반영합니다. 대부분의 영화는 첫 관객 이후 추진력을 잃습니다. The Godfather Part II는 그렇지 않았습니다. 개봉 후 몇 년 또는 수십 년 후에 이 작품을 접한 시청자는 초기 시청자와 마찬가지로 높은 평가를 받았습니다. Francis Ford Coppola는 문화적 순간과 별개로 작동하는 제품을 만들었습니다. 이것이 바로 지속적인 품질의 정의입니다. Al Pacino의 성능은 내구성의 일부입니다. 이는 기간 작용으로 읽히지 않습니다.
One Flew Over the Cuckoo's Nest
많은 죄를 짓고 수감중이던 맥머피는 교도소에서 정신 병원으로 후송되는데, 감옥보다는 자유로울 것으로 생각했지만 전혀 그렇지 않다는 것을 깨닫는다. 정신 병원의 여러 환자들과 생활하면서 맥머피는 그들이 겉으로는 전혀 문제가 없어 보이지만 보이지 않는 병원내의 압력에 의해 짓눌려 사는 죽은 인간들임을 간파한다. 그리고 그러한 압력의 주범이 간호사 레취드임을 알게 된다. 맥머피는 환자들을 끌고 병원을 빠져나가 낚시를 다녀오거나 파티를 여는 등 의도적인 반항을 시도하다 결국 탈출을 결심하게 되는데...
시청해야 하는 이유: One Flew Over the Cuckoo's Nest 뒤에 있는 숫자는 달성하기 어렵습니다. 수천 명의 독립적인 시청자가 조정 없이 높은 평가를 받았습니다. 이러한 합의는 이용 가능한 가장 신뢰할 수 있는 품질 신호입니다.
One Flew Over the Cuckoo's Nest는 1975에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. One Flew Over the Cuckoo's Nest가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 8.4에서 One Flew Over the Cuckoo's Nest는 품질이 일관된 범위에 있지만 영화는 더 높은 등급 타이틀에 대한 광범위한 합의를 달성하지 못했습니다. 이러한 좁은 합의는 특정 매력을 반영하는 경우가 많습니다. One Flew Over the Cuckoo's Nest는 모든 사람을 위한 것은 아니지만 올바른 시청자에게는 탁월합니다. 영화는 다른 장르에서는 할 수 없는 드라마가 무엇을 할 수 있는지 보여줍니다. 평범한 인간의 행동에 압력을 가하고 반응을 통해 성격을 드러내는 것입니다. 감독은 그러한 조건을 만들고 출연진은 진정한 확신을 가지고 그 조건에 적응합니다. 1970s는 특정한 관심과 특정한 미적 접근 방식을 지닌 특정한 문화적 순간이었습니다. One Flew Over the Cuckoo's Nest는 이러한 조건을 초월하면서 반영합니다. 감상하기 위해 1970s를 이해할 필요가 없는 1970s영화입니다.
One Flew Over the Cuckoo's Nest의 성능은 Miloš Forman가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Jack Nicholson는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. One Flew Over the Cuckoo's Nest에서 가장 어려운 순간은 Jack Nicholson가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
One Flew Over the Cuckoo's Nest는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 8.4 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. One Flew Over the Cuckoo's Nest를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Miloš Forman 및 Jack Nicholson가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
One Flew Over the Cuckoo's Nest는 대부분의 영화가 시도하지만 거의 달성하지 못하는 작업을 수행하기 때문에 상위 10위 안에 속합니다. 즉, 처음 볼 때 훌륭하고 다시 볼 때 추가 레이어를 보여줍니다. 처음 관객과 복귀 관객이 서로 다른 경험을 하고 있는데, 두 경험 모두 강렬하다. Miloš Forman는 여러 수준에서 동시에 작업하여 영화에 이러한 깊이를 구축했습니다. 표면적인 스토리가 전달되고 그 아래에는 모든 것이 어디로 가고 있는지 알아야만 완전히 볼 수 있는 공예 결정 계층이 있습니다. 이러한 2단계 구조로 인해 One Flew Over the Cuckoo's Nest가 다음 계층이 아닌 상위 10위 안에 들었습니다.
Apocalypse Now
미국 특수부대의 윌라드 대위는 고향에 돌아갔다가 아내가 내민 이혼장에 도장을 찍고 다시 정글로 돌아온다. 혼돈과 막연한 갈망에 시달리던 윌라드에게 떨어진 임무는 캄보디아에 자신의 왕국을 건설한 커츠 대령을 암살하라는 것. 커츠 대령은 한때 가장 뛰어난 군인으로 인정받았으나 미국의 통제를 벗어나 캄보디아에서 독자적인 왕국을 거느리고 있다. 윌라드 대위는 4명의 병사들과 함께 커츠 대령을 찾아 나선다. 폭염과 광기로 가득한 전투를 겪으면서 두려움과 공포로 이성을 잃어가던 그들은 마침내 커츠 대령의 왕국에 도착한다. 그리고 그곳에서 윌라드 대위는 상상을 초월하는 진실을 마주하게 되는데...
시청해야 하는 이유: Apocalypse Now는 점수가 안정적일 만큼 오랫동안 등급을 유지했습니다. 다양한 관객들에게 이렇게 높은 평가를 받은 영화는 단지 좋다기보다는 예외적입니다.
Apocalypse Now의 1979 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Apocalypse Now를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Apocalypse Now의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 8.3의 Apocalypse Now는 이 목록의 신뢰할 수 있는 계층을 나타냅니다. 실망시키지 않는 영화들입니다. Francis Ford Coppola는 영화에 필요한 것이 무엇인지 이해하고 타협 없이 실행했습니다. 이것이 드라마와 구별되는 점은 감독이 관객이 느낄 수 있는 것을 설명하기를 거부한다는 점이다. 영화는 감정적인 무게를 지닌 상황을 만들어내고 관객들이 그 무게를 스스로 짊어질 것이라고 믿습니다. 공연은 과도한 신호를 보내지 않고 감정적 기록을 제공합니다. 1970s의 영화 순위를 매기는 것은 부분적으로 살아남은 영화를 식별하는 연습입니다. Apocalypse Now가 살아남은 이유는 Francis Ford Coppola가 트렌드가 아닌 기술을 기반으로 선택했기 때문입니다. 8.3 등급은 이러한 선택이 여전히 유효하다고 생각하는 시청자를 반영합니다.
Apocalypse Now의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Francis Ford Coppola는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. Apocalypse Now는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 Apocalypse Now가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
Apocalypse Now를 처음 시청하는 시청자는 Francis Ford Coppola가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Apocalypse Now의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Martin Sheen는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1979 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Francis Ford Coppola가 의도한 것입니다.
영화 데이터베이스 등급을 바탕으로 작성된 순위 목록의 상위 10개 위치는 진정한 비판적 합의를 나타냅니다. 이는 인기 콘테스트가 아닙니다. 유권자 임계값은 개별 특이 의견의 평균이 나올 만큼 충분한 사람들이 보고 평가한 영화를 필터링합니다. 이 위치에 있는 Apocalypse Now는 다양한 국가와 시청 습관에 걸쳐 다양한 시청자가 독립적으로 이 영화가 훌륭하다고 결론을 내렸다는 것을 의미합니다. Francis Ford Coppola는 Apocalypse Now를 통해 문화적 변화에 저항하는 무언가를 달성했습니다. 여기에 사용된 구체적인 스토리텔링 접근 방식은 상황에 따라 해석됩니다.
Star Wars
공화국이 붕괴하고 제국이 수립된 뒤 20년, 제다이 기사단은 전멸하고 강력한 제국군의 횡포에 은하계는 공포에 휩싸여 있다. 그러던 중 공화국 재건을 노리는 반란군이 제국군의 비밀병기 데스스타 설계도를 훔쳐 달아나고 제국군은 이를 쫓는다. 하지만 결국 제국의 손에 붙잡히게 된 그들은 드로이드 R2-D2에 설계도를 넣어서 R2의 친구 C-3PO와 탈출시키는 데 성공하고, 두 드로이드 콤비는 타투인의 시골 마을에서 숙부와 함께 살고 있던 청년 루크 스카이워커에게 오게 되는데...
시청해야 하는 이유: 이번 선정작에서 가장 높은 평가를 받은 영화 중 하나입니다. Star Wars는 여러 세대의 시청자들 사이에서 지속적인 비판적 평가를 통해 명성을 얻었습니다.
Star Wars(1977)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Star Wars는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 대규모 유권자 풀의 8.2 등급은 영화가 시청자가 발견한 모든 약점보다 더 큰 장점을 가지고 있음을 의미합니다. Star Wars는 모든 영화가 충족해야 하는 최소 표준이자 개봉 횟수보다 적은 수의 달성이라는 핵심 약속을 이행합니다. 감독은 액션 영화의 핵심 문제를 해결합니다. 액션을 보여주기 전에 결과에 관심을 갖도록 만드는 것입니다. 지리적 명확성은 누가 어디에 있는지, 성공하려면 무엇이 필요한지 항상 알 수 있기 때문에 시퀀스가 작동합니다. Star Wars는 1970s영화에서 그 자리를 차지합니다. 그 이유는 지난 10년 동안 제작되었지만 이후 수십 년 동안 잃어버린 것을 포착하기 때문입니다. 1970s영화 제작의 문화적, 기술적 조건이 George Lucas가 여기서 무엇을 만들 수 있는지를 결정했습니다.
Star Wars의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. George Lucas는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. Star Wars의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Mark Hamill는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
Star Wars의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 George Lucas가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. Star Wars는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Mark Hamill의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
Star Wars의 상위 10위 순위는 경쟁 대상을 고려할 때 가장 의미가 있습니다. 이 모드와 시대에 대한 카탈로그의 모든 영화가 평가되었으며, Star Wars는 평가 품질과 투표자 수의 조합이 선택 항목의 다른 모든 영화보다 우선했기 때문에 여기 순위에 올랐습니다. George Lucas는 Star Wars에서 같은 카테고리의 대안, 즉 좋은 영화인 대안과 구별되는 선택을 했습니다. 상위 10위와 상위 20위 사이의 격차는 보이는 것보다 절대 등급 측면에서는 작지만 시청자 경험이 실제로 전달하는 측면에서는 중요합니다.
A Clockwork Orange
10대 소년 알렉스는 친구들과 극악한 비행을 저지르고 다닌다. 어느 날 차를 훔쳐 드라이브를 즐기던 이들은 작가 알렉산더의 집을 습격해 그를 폭행하고 그의 아내를 강간한다. 이튿날 알렉스는 불평을 늘어놓는 친구들을 힘으로 제압하고 자신이 무리의 리더임을 확인시킨다. 그날 밤 알렉스는 한 저택에 침입해 집주인을 죽이고 도망치던 중 친구들의 배신으로 문 앞에 쓰러진다. 검거된 알렉스는 살인죄로 14년형을 언도받는다. 2년 뒤, 알렉스는 좀 더 빨리 감옥 밖으로 나오고 싶은 마음에 재소자에게 약물과 충격요법으로 범죄에 대한 혐오를 불러일으키는 교화 방법인 루도비코 갱생 프로그램에 자원하는데...
시청해야 하는 이유: A Clockwork Orange는 이 목록의 예외적인 끝에 위치합니다. 대규모 유권자 기반을 바탕으로 구축된 이 높은 등급은 과대 광고가 아닌 진정한 합의를 반영합니다.
1971에 개봉된 A Clockwork Orange는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Stanley Kubrick는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 8.2 등급은 그 지속력의 증거입니다. A Clockwork Orange의 8.2 점수는 대안이 있었고 이를 높게 평가한 시청자를 바탕으로 만들어졌습니다. 그 선택은 자신의 주장을 명확하게 밝힌 영화를 반영합니다. 이것이 바로 A Clockwork Orange가 하는 일입니다. Stanley Kubrick가 주장을 펼쳤고 청중은 이를 받아들였습니다. 영화가 공상과학영화와 구별되는 점은 감독의 내면적 논리에 대한 집념이다. 세상의 규칙은 전체적으로 확립되고 존중됩니다. 이는 청중이 끊임없이 새로운 정보에 방향을 바꾸는 것이 아니라 아이디어에 참여할 수 있음을 의미합니다. 매 10년마다 그 당시에는 꼭 필요해 보이다가 사라지는 영화를 제작합니다. A Clockwork Orange는 더 작은 범주에 속합니다. 1970s영화는 그 시대에 대한 향수가 없는 시청자들에게 여전히 높은 평가를 받고 있습니다. 세대 간 품질이 실제 테스트입니다.
A Clockwork Orange의 시각적 언어는 1971의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Stanley Kubrick는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. A Clockwork Orange의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 A Clockwork Orange를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
A Clockwork Orange는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 8.2 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. A Clockwork Orange를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Stanley Kubrick 및 Malcolm McDowell가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
A Clockwork Orange는 문화적 평판이 아니라 시청자가 앉아서 시청할 때 일어나는 일을 통해 상위 10위권을 차지합니다. 8.2 등급은 독립적인 시청의 대규모 샘플에서 이러한 경험을 포착합니다. 이와 같은 목록에서 상위 10위권에 도달한 영화는 대안에 대한 전체 액세스 권한을 갖고 이 영화를 최고의 경험으로 평가하기로 선택한 시청자에 의해 테스트되었습니다. Stanley Kubrick와 Malcolm McDowell는 지속적으로 그 기대에 부응하는 작품을 만들었고, 이것이 새로운 기준을 제시하는 지속적인 신규 시청자에도 불구하고 시청률이 유지되는 이유입니다.
Alien
2122년, 2천만톤의 광물과 7명의 승무원을 태우고 지구로 귀환중인 화물선 노스트로모호의 메인 컴퓨터 마더는 어떤 위성에서 나오는 알 수 없는 신호를 포착하게 된다. 마더에 의해 동면중 깨어난 승무원들은 이 신호를 조사하기 위해 혹성 LA-426에 착륙한다. 이들 중엔 2등 항해사인 엘렌 리플리도 있다. 혹성에서 정체 불명의 우주선을 발견한 그들은 탐사에 나서지만, 우주선은 이미 오래전에 파괴되어 썩고 있었으며 승무원들은 모두 미이라로 변해 있다. 사고 원인을 찾기 위해 좀 더 안으로 들어간 조사반은 여기저기 계란 모양의 물체가 있는 산란실을 발견하는데...
시청해야 하는 이유: Alien 뒤에 있는 숫자는 달성하기 어렵습니다. 수천 명의 독립적인 시청자가 조정 없이 높은 평가를 받았습니다. 이러한 합의는 이용 가능한 가장 신뢰할 수 있는 품질 신호입니다.
Alien는 1979에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. Alien가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 8.2의 Alien는 여러 차원에서 지속적으로 평균 이상의 작품을 보여주는 영화입니다. 단일 요소가 다른 요소를 전달하지 않습니다. 연출, 글쓰기, 퍼포먼스 모두 같은 방향으로 끌려가고 있다. 영화는 감독이 보류한 것을 통해 공포로 작용한다. 카메라는 안전한 것을 보여주고 그렇지 않은 것을 잘라냅니다. 이는 역설적으로 숨겨진 위협을 그 어떤 유혈 사태보다 더 무섭게 만듭니다. Alien에 대한 1970s 컨텍스트는 부수적인 것이 아닙니다. 기술이 허용하는 것, 문화가 요구하는 것 등 지난 10년의 구체적인 미적 조건이 Ridley Scott의 선택을 결정했습니다. 그러한 선택은 그 순간과 별개로 유지됩니다.
Alien의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Ridley Scott는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Tom Skerritt는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Alien에서 가장 잘 드러납니다.
Alien를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 Alien를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 Alien가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Ridley Scott의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Tom Skerritt의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록의 상위 10위 안에 Alien 순위를 지정하려면 특별한 인수가 필요하지 않습니다. 통계적으로 의미가 있을 만큼 충분히 큰 유권자 기반의 8.2 등급이 주장입니다. 진지한 목록의 상위 10위 안에 드는 영화는 가장 광범위한 시청자에게 지속적으로 서비스를 제공하기 때문에 그 위치를 차지하고 있으며 Alien는 이 영화를 접한 모든 인구 통계에 걸쳐 이를 수행했습니다. 여기서 Ridley Scott의 작업은 개별 장면의 품질이 영화 전체의 수준을 유지하는 수준으로 결합되는 수준에서 작동하고 있는데, 이는 보기보다 드물다.
Taxi Driver
트래비스는 베트남전에서 귀환한 후 불면증에 시달리며 사회에 적응하지 못하고 있다. 그래서 그는 택시 운전기사로 일하며 뉴욕의 밤거리를 다니며 타락한 사회를 보고 자신이 직접 이 악들을 제거하려고 마음 먹는다. 어느 날 트래비스는 우연히 12살 짜리 창녀 아이리스를 만나게 되고 그녀의 인생을 구하려 하지만 그녀는 집으로 돌아가길 꺼려 한다. 자신은 아무 것도 할 수 없다는 생각에 무기력해진 트래비스는 4개의 권총을 구입하고 상원의원 팔렌타인을 저격하러 나선다. 하지만 엉뚱하게도 사창가에서 피비린내 나는 총격전을 벌인 끝에 아이리스를 묶어두고 있던 포주 스포츠를 살해하고 마는데...
시청해야 하는 이유: Taxi Driver는 점수가 안정적일 만큼 오랫동안 등급을 유지했습니다. 다양한 관객들에게 이렇게 높은 평가를 받은 영화는 단지 좋다기보다는 예외적입니다.
Taxi Driver의 1976 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Taxi Driver를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Taxi Driver의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 8.1 범위의 영화는 목록에서 제시된 위치보다 더 흥미로운 경우가 많습니다. 그들은 높은 등급의 타이틀에 대한 문화적 포화를 달성하지 못했습니다. 이는 Taxi Driver가 선입견 없이 접근하기 더 쉽다는 것을 의미합니다. Taxi Driver는 그로부터 이익을 얻습니다. 이것이 드라마와 구별되는 점은 감독이 관객이 느낄 수 있는 것을 설명하기를 거부한다는 점이다. 영화는 감정적인 무게를 지닌 상황을 만들어내고 관객들이 그 무게를 스스로 짊어질 것이라고 믿습니다. 공연은 과도한 신호를 보내지 않고 감정적 기록을 제공합니다. 오늘날에도 여전히 8.1 등급을 받고 있는 1970s의 영화는 동시대 개봉 영화보다 더 오랜 테스트를 거쳐 살아남았습니다. Taxi Driver는 그 핵심인 스토리텔링, 퍼포먼스, 공예가 시대를 불문하고 작동하기 때문에 이 테스트를 통과했습니다.
Taxi Driver의 성능은 Martin Scorsese가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Robert De Niro는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Taxi Driver에서 가장 어려운 순간은 Robert De Niro가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Taxi Driver는 단순히 시간을 채우는 것보다 진정한 내용을 담고 싶은 저녁 시간에 적합합니다. 그것은 배경 영화도 아니고 수동적인 경험도 아닙니다. Martin Scorsese는 여러분의 관심을 끌고 일반적이 아닌 구체적으로 보상하는 무언가를 구성했습니다. 다른 일을 하면서 Taxi Driver를 시청하는 시청자는 영화에 완전히 집중한 사람이 볼 수 있는 버전보다 훨씬 적은 버전의 영화를 보게 됩니다. 8.1 등급은 집중 시청 경험을 반영합니다. 출연진(구체적으로 Robert De Niro)은 집중해서 볼 때 기록되고 주의가 산만해지면 사라지는 공연 세부 정보를 제공합니다.
이 목록에서 Taxi Driver의 상위 10위는 제조하기 어려운 것, 즉 새로운 시청자가 계속해서 발견하고 높은 평가를 하는 지속적인 우수성을 반영합니다. 대부분의 영화는 첫 관객 이후 추진력을 잃습니다. Taxi Driver는 그렇지 않았습니다. 개봉 후 몇 년 또는 수십 년 후에 이 작품을 접한 시청자는 초기 시청자와 마찬가지로 높은 평가를 받았습니다. Martin Scorsese는 문화적 순간과 별개로 작동하는 제품을 만들었습니다. 이것이 바로 지속적인 품질의 정의입니다. Robert De Niro의 성능은 내구성의 일부입니다. 이는 기간 작용으로 읽히지 않습니다.
Stalker
잿빛의 이름없는 이 도시는 '구역'이라는 곳으로 철조망으로 둘러싸여 군인들이 지키고 있는 외계의 공간이라 알려져 있다. 아내의 만류에도 불구하고 스토커라는 이름의 한 사내가 칠흑 같은 어둠 속을 걸어나온다. 그는 구역 안으로 사람들을 안내할 수 있는 정신적인 재능을 부여받은 소수의 무리 중의 하나이다. 하지만 이 일은 너무나도 위험천만한 일이기 때문에 정부에 걸릴 경우엔 감옥행도 불사해야 하는 일이다. 사람들이 이 구역 안의 공간으로 들어가고자 하는 이유는 이곳에 가는 오직 한 사람만 자신의 비밀스런 꿈을 이룰 수 있다는 설이 있기 때문이다. 그 날밤, 스토커는 두 사람을 안내해 구역 안으로 들어간다. 한 사람은 유명한 작가로 이제는 영감이 소멸돼 자신의 천재성에 대해 회의를 갖기 시작하는 사람이고, 또 다른 한 사람은 조용한 과학자로 여행보다는 배낭에 더 관심을 가지는 사람이다. 버려진 공간 '구역'에서 그 공간을 향하는 길은 정해져 있지 않다. 그들이 점점 공간에 가까이 다가갈수록 규칙은 변하고 스토커는 커다란 위험에 직면하는데...
시청해야 하는 이유: 이번 선정작에서 가장 높은 평가를 받은 영화 중 하나입니다. Stalker는 여러 세대의 시청자들 사이에서 지속적인 비판적 평가를 통해 명성을 얻었습니다.
Stalker(1979)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Stalker는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 8.1 등급은 일관된 수준에서 동시에 작동하는 감독, 각본 및 성능을 반영합니다. 이 범위의 점수를 받은 영화는 단일 차원에서 크게 실패하는 경우가 거의 없으며 Stalker도 예외는 아닙니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. 1970s 시네마 전체의 맥락에서 Stalker는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1970s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
Stalker의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Andrei Tarkovsky는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. Stalker는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 Stalker가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
Stalker는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 8.1 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Stalker를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Andrei Tarkovsky 및 Alisa Freyndlikh가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
Stalker는 대부분의 영화가 시도하지만 거의 달성하지 못하는 작업을 수행하기 때문에 상위 10위 안에 속합니다. 즉, 처음 볼 때 훌륭하고 다시 볼 때 추가 레이어를 보여줍니다. 처음 관객과 복귀 관객이 서로 다른 경험을 하고 있는데, 두 경험 모두 강렬하다. Andrei Tarkovsky는 여러 수준에서 동시에 작업하여 영화에 이러한 깊이를 구축했습니다. 표면적인 스토리가 전달되고 그 아래에는 모든 것이 어디로 가고 있는지 알아야만 완전히 볼 수 있는 공예 결정 계층이 있습니다. 이러한 2단계 구조로 인해 Stalker가 다음 계층이 아닌 상위 10위 안에 들었습니다.
The Sting
1930년대 시카고. 도박의 명수인 후커(로버트 레드포드)는 곤도르프(폴 뉴먼)와 손잡고 타락한 갱 두목인 로네건에게서 교묘한 방법으로 돈을 빼앗을 궁리를 한다. 최종 목표는 돈이지만 후커에게는 다른 이유도 있다. 포카와 경마를 좋아하는 로네건을 유혹해 가짜 경마장에서 돈을 빼앗고 다시 기차에서 큰 포커판을 벌이는데...
시청해야 하는 이유: The Sting는 이 목록의 예외적인 끝에 위치합니다. 대규모 유권자 기반을 바탕으로 구축된 이 높은 등급은 과대 광고가 아닌 진정한 합의를 반영합니다.
1973에 개봉된 The Sting는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. George Roy Hill는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 8.0 등급은 그 지속력의 증거입니다. The Sting의 8.0 점수는 큰 약점 없이 전제를 전달하는 영화 중 하나입니다. George Roy Hill는 전체적으로 의도한 대로 작동하는 것을 만들었지만, 생각보다 흔하지 않습니다. 드라마는 보편성보다는 특수성에서 나온다. 감독은 이런 상황에서 등장인물들에게 정확하게 적용되는 선택을 하는데, 이는 역설적으로 일반적인 감정 비트보다 더 보편적인 것을 만들어낸다. 1970s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. The Sting는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
The Sting의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. George Roy Hill는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. The Sting의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Paul Newman는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
The Sting를 처음 시청하는 시청자는 George Roy Hill가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. The Sting의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Paul Newman는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1973 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 George Roy Hill가 의도한 것입니다.
영화 데이터베이스 등급을 바탕으로 작성된 순위 목록의 상위 10개 위치는 진정한 비판적 합의를 나타냅니다. 이는 인기 콘테스트가 아닙니다. 유권자 임계값은 개별 특이 의견의 평균이 나올 만큼 충분한 사람들이 보고 평가한 영화를 필터링합니다. 이 위치에 있는 The Sting는 다양한 국가와 시청 습관에 걸쳐 다양한 시청자가 독립적으로 이 영화가 훌륭하다고 결론을 내렸다는 것을 의미합니다. George Roy Hill는 The Sting를 통해 문화적 변화에 저항하는 무언가를 달성했습니다. 여기에 사용된 구체적인 스토리텔링 접근 방식은 상황에 따라 해석됩니다.
영화는 중요한 이야기에 관한 것입니다. 이 섹션의 영화는 그 원리를 증명합니다.
Barry Lyndon
18세기 아일랜드의 한 작은 마을. 친척인 노라 브래디를 사랑하고 있던 청년 레드먼드 배리는 그녀가 영국 장교 존 퀸과 약혼하자 그에게 권총 결투를 신청한다. 결투에서 이긴 배리는 그대로 더블린으로 달아나지만, 도중에 강도를 당하고 만다. 달리 뾰족한 수가 없었던 그는 영국군에 입대해 7년 전쟁에 참전하게 되는데...
시청해야 하는 이유: Barry Lyndon 뒤에 있는 숫자는 달성하기 어렵습니다. 수천 명의 독립적인 시청자가 조정 없이 높은 평가를 받았습니다. 이러한 합의는 이용 가능한 가장 신뢰할 수 있는 품질 신호입니다.
Barry Lyndon는 1975에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. Barry Lyndon가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 8.0에서 Barry Lyndon는 품질이 일관된 범위에 있지만 영화는 더 높은 등급 타이틀에 대한 광범위한 합의를 달성하지 못했습니다. 이러한 좁은 합의는 특정 매력을 반영하는 경우가 많습니다. Barry Lyndon는 모든 사람을 위한 것은 아니지만 올바른 시청자에게는 탁월합니다. 영화는 다른 장르에서는 할 수 없는 드라마가 무엇을 할 수 있는지 보여줍니다. 평범한 인간의 행동에 압력을 가하고 반응을 통해 성격을 드러내는 것입니다. 감독은 그러한 조건을 만들고 출연진은 진정한 확신을 가지고 그 조건에 적응합니다. 1970s는 특정한 관심과 특정한 미적 접근 방식을 지닌 특정한 문화적 순간이었습니다. Barry Lyndon는 이러한 조건을 초월하면서 반영합니다. 감상하기 위해 1970s를 이해할 필요가 없는 1970s영화입니다.
Barry Lyndon의 시각적 언어는 1975의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Stanley Kubrick는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. Barry Lyndon의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 Barry Lyndon를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
Barry Lyndon의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Stanley Kubrick가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. Barry Lyndon는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Ryan O'Neal의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 Barry Lyndon는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 Ryan O'Neal의 성능과 Stanley Kubrick의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
The Deer Hunter
작은 철강소에 다니는 ‘마이클’, ‘닉’, ‘스티븐’. 베트남전에 자원한 세 사람은 참전한 지 얼마 안 되어 포로로 붙잡힌다. 비인간적인 행위가 난무하는 전쟁터, 극도의 공포감에 휩싸인 포로들을 상대로 목숨을 건 러시안 룰렛 게임이 시작되고 죽음의 위협에 놓인 세 사람은 필사의 탈출을 시도하는데…
시청해야 하는 이유: The Deer Hunter는 점수가 안정적일 만큼 오랫동안 등급을 유지했습니다. 다양한 관객들에게 이렇게 높은 평가를 받은 영화는 단지 좋다기보다는 예외적입니다.
The Deer Hunter의 1978 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. The Deer Hunter를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. The Deer Hunter의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 8.0의 The Deer Hunter는 이 목록의 신뢰할 수 있는 계층을 나타냅니다. 실망시키지 않는 영화들입니다. Michael Cimino는 영화에 필요한 것이 무엇인지 이해하고 타협 없이 실행했습니다. 이것이 드라마와 구별되는 점은 감독이 관객이 느낄 수 있는 것을 설명하기를 거부한다는 점이다. 영화는 감정적인 무게를 지닌 상황을 만들어내고 관객들이 그 무게를 스스로 짊어질 것이라고 믿습니다. 공연은 과도한 신호를 보내지 않고 감정적 기록을 제공합니다. 1970s의 영화 순위를 매기는 것은 부분적으로 살아남은 영화를 식별하는 연습입니다. The Deer Hunter가 살아남은 이유는 Michael Cimino가 트렌드가 아닌 기술을 기반으로 선택했기 때문입니다. 8.0 등급은 이러한 선택이 여전히 유효하다고 생각하는 시청자를 반영합니다.
The Deer Hunter의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Michael Cimino는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Robert De Niro는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 The Deer Hunter에서 가장 잘 드러납니다.
The Deer Hunter는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 8.0 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. The Deer Hunter를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Michael Cimino 및 Robert De Niro가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 The Deer Hunter를 배치하는 8.0 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. The Deer Hunter에 높은 점수를 주기로 한 결정은 Michael Cimino가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. The Deer Hunter는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
Mirror
2차 대전 중, 러시아의 어느 시골 마을에서 한 여인이 통나무 울타리 위에 앉아 남편이 돌아오길 기다린다. 그때 한 의사가 그녀에게 다가와 "우리는 늘 불신하고 서두르죠. 생각할 시간이 없어요" 라는 말을 남기고 지나간다. 어린 알료사는 아버지가 어머니의 머리를 감겨주는 모습을 보고, 어머니는 거울을 들여다보기 시작한다. 안드레이 타르콥스키 감독의 자전적인 성격이 강하게 나타나 있는 영화로, 이 영화도 그의 다른 영화들처럼 상징과 시적인 언어로 줄거리를 이어간다. 거울은 인간의 삶을 비추는 반영으로 이용되고, 사람들을 그 거울을 보면서 인생을 다시 한 번 생각하게 된다. 삶의 근원적인 문제, 희생과 구원, 고향을 잃어버린 자의 향수 등을 독특한 언어로 그려온 안드레이 타르콥스키. 그의 작품이 새로운 세기에도 여전히 힘을 잃지 않은 것은 그 안에 인간이 들어있기 때문일 것이다. 영화는 제2차 세계대전 과정과 그 이후의 러시아의 역사와 풍경을 묘사하며 각각의 에피소드들은 여러 감정과 느낌을 부유하는 이미지들로 포착했다. 영화 속 화자의 의식 흐름을 받쳐주는 시들은 감독의 아버지 아르세니 타르콥스키의 작품들이고, 감독이 직접 낭송했으며 마지막 장면에 자신의 어머니를 출연시키기도 했다.
시청해야 하는 이유: 이번 선정작에서 가장 높은 평가를 받은 영화 중 하나입니다. Mirror는 여러 세대의 시청자들 사이에서 지속적인 비판적 평가를 통해 명성을 얻었습니다.
Mirror(1975)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Mirror는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 대규모 유권자 풀의 8.0 등급은 영화가 시청자가 발견한 모든 약점보다 더 큰 장점을 가지고 있음을 의미합니다. Mirror는 모든 영화가 충족해야 하는 최소 표준이자 개봉 횟수보다 적은 수의 달성이라는 핵심 약속을 이행합니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. Mirror는 1970s영화에서 그 자리를 차지합니다. 그 이유는 지난 10년 동안 제작되었지만 이후 수십 년 동안 잃어버린 것을 포착하기 때문입니다. 1970s영화 제작의 문화적, 기술적 조건이 Andrei Tarkovsky가 여기서 무엇을 만들 수 있는지를 결정했습니다.
Mirror의 성능은 Andrei Tarkovsky가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Margarita Terekhova는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Mirror에서 가장 어려운 순간은 Margarita Terekhova가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Mirror를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 Mirror를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 Mirror가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Andrei Tarkovsky의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Margarita Terekhova의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 Mirror는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. Mirror는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. Andrei Tarkovsky의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. Mirror를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
Chinatown
사립 탐정인 기키스는 의뢰인들을 상대로 남의 뒷을 캐내 불륜 관계 등을 밝혀내는 일을 하는 사람이다. 어느날 어느 부인의 부탁으로 남편인 멀레이라는 수력발전의 권위자의 뒤를 캐내어 그가 어느 여자와 사귀고 있음을 밝혀낸다. 하지만 멀레이의 부인인 에블린이 나타나 의뢰했던 멀레이의 부인은 가짜임이 나타나고, 얼마 뒤 멀레이가 시체로 발견되는데...
시청해야 하는 이유: Chinatown는 정직하게 긴장감을 얻습니다. 압박감은 인위적인 놀라움보다는 상황과 성격에서 비롯됩니다. Roman Polanski는 청중이 이해관계를 느낄 것이라고 믿습니다.
1974에 개봉된 Chinatown는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Roman Polanski는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.9 등급은 그 지속력의 증거입니다. Chinatown의 7.9 점수는 대안이 있었고 이를 높게 평가한 시청자를 바탕으로 만들어졌습니다. 그 선택은 자신의 주장을 명확하게 밝힌 영화를 반영합니다. 이것이 바로 Chinatown가 하는 일입니다. Roman Polanski가 주장을 펼쳤고 청중은 이를 받아들였습니다. 영화를 스릴러로 만드는 것은 스테이크에는 투자가 필요하다는 이해입니다. 첫 번째 막은 압력이 가해지기 전에 성격을 형성합니다. 긴장이 고조될 때쯤에는 결과에 신경을 써야 할 이유가 생깁니다. 매 10년마다 그 당시에는 꼭 필요해 보이다가 사라지는 영화를 제작합니다. Chinatown는 더 작은 범주에 속합니다. 1970s영화는 그 시대에 대한 향수가 없는 시청자들에게 여전히 높은 평가를 받고 있습니다. 세대 간 품질이 실제 테스트입니다.
Chinatown의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Roman Polanski는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. Chinatown는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 Chinatown가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
Chinatown는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.9 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Chinatown를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Roman Polanski 및 Jack Nicholson가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
Chinatown는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. Roman Polanski는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 7.9 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 Roman Polanski의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 Chinatown가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
Amarcord
이탈리아의 작은 마을 사람들은 그들의 사회가 지역적으로 고립되어서 숨통이 막힐 듯한 느낌을 갖는다. 그들은 외로움으로 가득 차 있고, 삶을 전환시킬 특별한 것을 갈망하게 된다. 초호화 여객선인 황제호가 그들이 사는 해변을 지나게 된다는 말을 들었을 때, 동경심에 사로잡힌 마을 사람들은 보트에 모조리 타고서 열정적인 성지 순례자들처럼 해변에서 줄지어 바다로 나가 여객선을 기다린다.
시청해야 하는 이유: Amarcord가 드라마로 작동하는 이유는 Federico Fellini가 관객이 느낄 수 있는 감정을 설명하기를 거부하기 때문입니다. 감정 기록은 신호를 받는 것이 아니라 생성되는 것입니다.
Amarcord는 1973에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. Amarcord가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.9의 Amarcord는 여러 차원에서 지속적으로 평균 이상의 작품을 보여주는 영화입니다. 단일 요소가 다른 요소를 전달하지 않습니다. 연출, 글쓰기, 퍼포먼스 모두 같은 방향으로 끌려가고 있다. 영화는 다른 장르에서는 할 수 없는 드라마가 무엇을 할 수 있는지 보여줍니다. 평범한 인간의 행동에 압력을 가하고 반응을 통해 성격을 드러내는 것입니다. 감독은 그러한 조건을 만들고 출연진은 진정한 확신을 가지고 그 조건에 적응합니다. Amarcord에 대한 1970s 컨텍스트는 부수적인 것이 아닙니다. 기술이 허용하는 것, 문화가 요구하는 것 등 지난 10년의 구체적인 미적 조건이 Federico Fellini의 선택을 결정했습니다. 그러한 선택은 그 순간과 별개로 유지됩니다.
Amarcord의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Federico Fellini는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. Amarcord의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Pupella Maggio는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
Amarcord는 다른 곳에서 가져온 기대에 부응하기보다는 영화 그 자체로 만나고 싶은 시청자에게 믿을 수 있는 추천작입니다. 이 카테고리에서 더 높은 등급의 타이틀이 문화적 편재성을 갖고 있지 않습니다. 즉, 의무적으로 시청해야 하는 부담 없이 도착한다는 의미입니다. Amarcord를 보아야 한다는 말을 듣지 않고 발견한 청중은 그것을 의무적으로 접근하는 사람들보다 더 강력하게 반응하는 경우가 많습니다. Federico Fellini는 특별한 매력을 지닌 무언가를 만들었습니다. 모든 사람에게 모든 것이 되려고 노력하는 것은 아닙니다. Amarcord에 연결하는 시청자는 7.9 등급이 제시하는 것보다 훨씬 더 좋다고 생각하는 경향이 있으며, 이는 제한된 마케팅 가시성에도 불구하고 해당 등급을 유지하는 이유입니다.
목록의 이 섹션에서 Amarcord의 위치는 모든 사람을 위한 모든 것을 열망하지 않고 특정 품질을 안정적으로 전달하는 영화를 반영합니다. Federico Fellini는 영화가 무엇인지 이해하고 높은 수준의 제작으로 만들었습니다. 7.9 등급은 이러한 조건으로 영화에 참여했으며 높은 평가를 받을 가치가 있다고 생각하는 시청자를 나타냅니다. 서로 다른 기대를 품은 관객들은 평점보다 영화가 덜 만족스럽다고 느낄 때도 있는데, 이는 영화의 약점이 아니라 기대감에 있다. Amarcord는 바로 그 기술로 만들어졌고, 그것을 평가한 유권자들은 그것에 반응하고 있었습니다.
Young Frankenstein
공포물 을 멜 브룩스 감독이 패러디하여 코미디로 만든 작품. 자욱한 안개와 폭풍이 마을을 휘감고 있는 가운데 산꼭데기의 트랜실비아성은 심상치 않은 기운이 감돌고 있다. 프랑켄슈타인 경의 유언이 친척들에 의해 읽혀지고 그의 재산이 증손자이며 촉망받는 뇌전문 외과의사인 프레드릭 프랑켄슈타인, 일명 '프롱켄쉬틴'에게 상속되어 있었다. 결혼을 앞두고 있는 프레드릭은 그의 상속분을 물려받기 꺼려하면서 탐욕에 가득찬 약혼녀 엘리자베스와 절교를 선언한다. 어느날 밤, 프레드릭은 잠결에 '자신의 운명으로부터 벗어나지 못할 것이라'는 목소리를 듣고 깨어난다. 그는 하녀와 함께 기괴한 음악 소리를 듣고 출처를 알아보기 위해 소리가 나는 곳으로 찾아가 본다. 그러다 책상 뒤의 비밀 통로를 따라 가다가 꼽추인 조수 아이고와 마주치게 되고, 그 곳에서 조부가 남긴 비밀실험에 관한 노트를 우연히 발견해 낸다. 책에서 읽은 대로 실험을 해보기 위해 프레드릭은 교수형당한 한 거구의 시체를 몰래 빼내서 성으로 가져온다. 다음으로 프레드릭은 조수 아이고에게 커다란 뇌를 가져오도록 시키는데 아이고가 그만 운반 도중 뇌를 떨어뜨리고 만다. 온갖 노력 끝에 생명을 얻는 마지막 단계까지 완성된 기괴한 모양의 인조 인간. 그러나 이 괴물은 움직이기 시작하자마자 다짜고짜 프레드릭을 죽이려고 덤벼드는데...
시청해야 하는 이유: 코미디는 유지하기 가장 어려운 장르입니다. Mel Brooks는 Young Frankenstein를 수월해 보이게 만듭니다. 이는 대부분의 청중이 의식적으로 등록하지 않는 상당한 기술의 표시입니다.
Young Frankenstein의 1974 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Young Frankenstein를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Young Frankenstein의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.9 범위의 영화는 목록에서 제시된 위치보다 더 흥미로운 경우가 많습니다. 그들은 높은 등급의 타이틀에 대한 문화적 포화를 달성하지 못했습니다. 이는 Young Frankenstein가 선입견 없이 접근하기 더 쉽다는 것을 의미합니다. Young Frankenstein는 그로부터 이익을 얻습니다. 코미디로서의 영화의 일관성은 일관성에서 나온다. 감독은 세계의 규칙과 그 안에서 인물들의 행동을 설정하고, 인물들이 상황을 헤쳐나가는 방식에서 유머가 나온다. 오늘날에도 여전히 7.9 등급을 받고 있는 1970s의 영화는 동시대 개봉 영화보다 더 오랜 테스트를 거쳐 살아남았습니다. Young Frankenstein는 그 핵심인 스토리텔링, 퍼포먼스, 공예가 시대를 불문하고 작동하기 때문에 이 테스트를 통과했습니다.
Young Frankenstein의 시각적 언어는 1974의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Mel Brooks는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. Young Frankenstein의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 Young Frankenstein를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
Young Frankenstein를 처음 시청하는 시청자는 Mel Brooks가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Young Frankenstein의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Gene Wilder는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1974 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Mel Brooks가 의도한 것입니다.
이와 같은 목록에서 11~25위 범위에 위치한 영화는 문화적 비중 없이 상위 10위권의 품질을 전달하기 때문에 가장 유용한 발견인 경우가 많습니다. Young Frankenstein가 이 위치에 있는 것은 위의 항목보다 훨씬 나쁘기 때문이 아니라 매력이 더 집중되어 있기 때문입니다. Young Frankenstein에서 Mel Brooks의 활동을 접한 시청자들은 이 목록에 있는 어떤 영화보다도 높게 평가합니다. 더 넓은 유권자 기반의 평균이 여기에 위치합니다. 장르 선호도, 감독 관심도 또는 시대를 기준으로 이 영화가 자신에게 적합하다고 생각하는 구체적인 이유가 있는 시청자는 그보다 높은 순위의 여러 항목보다 우선순위를 두어야 합니다.
Dog Day Afternoon
1972년 뉴욕의 어느 더운 여름날. 소니와 샐, 스티브는 은행을 털기로 작정한다. 중간에 마음을 바꾼 스티브는 집으로 돌아가고, 소니와 샐은 은행 직원들을 총으로 협박하여 돈을 챙긴다. 그러나 은행엔 기대한 만큼의 돈이 없고, 돈을 찾는 데 혈안이 되어 시간가는 줄 모르던 소니와 샐은 곧 경찰과 대치하게 되는데...
시청해야 하는 이유: 정밀하게 긴장감을 구축하는 스릴러. Sidney Lumet는 제조된 충격보다는 논리를 통해 추진력을 구축합니다.
Dog Day Afternoon(1975)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Dog Day Afternoon는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 7.8 등급은 일관된 수준에서 동시에 작동하는 감독, 각본 및 성능을 반영합니다. 이 범위의 점수를 받은 영화는 단일 차원에서 크게 실패하는 경우가 거의 없으며 Dog Day Afternoon도 예외는 아닙니다. 감독은 정보 비대칭성을 중심으로 영화를 구성합니다. 관객은 등장인물보다 더 많거나 더 적게 알고 있으며, 영화는 두 상태를 모두 정밀하게 조작합니다. 출연진은 강렬함보다는 절제를 통해 긴장감을 전달한다. 1970s 시네마 전체의 맥락에서 Dog Day Afternoon는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1970s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
Dog Day Afternoon의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Sidney Lumet는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Al Pacino는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Dog Day Afternoon에서 가장 잘 드러납니다.
Dog Day Afternoon의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Sidney Lumet가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. Dog Day Afternoon는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Al Pacino의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 Dog Day Afternoon는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 Al Pacino의 성능과 Sidney Lumet의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
Papillon
프랑스령 기아나로 향하던 죄수 수송선에서 만난 빠삐용(스티브 맥퀸)과 드가(더스틴 호프만). 빠삐용은 무죄지만 살인죄로, 드가는 위조 지폐범으로 잡혀 와 죄수들이 겪는 끔찍한 일들을 겪게 된다. 시간이 지나며 빠삐용과 드가 사이에는 짙은 우정이 오간다. 빠삐용은 자신을 범인으로 몰아붙인 검사에 대한 복수를 위해, 드가는 아내에게 당한 배신 때문에 탈주를 하기로 한다. 그러나 첫번째 탈주에서 이들은 실패하여 독방에서 2년을 보내게 되고, 빠삐용은 다시 탈주를 시도하여 겨우 콜롬비아에 도착하여 지내지만 수도원의 원장에게 속아 다시 세인트 조셉프의 독방에서 5년을 보내게 된다. 드가의 우정만이 빠삐용에게 용기를 주는데...
시청해야 하는 이유: Papillon는 침묵을 믿는 드라마다. Franklin J. Schaffner는 장면에 명백한 끝점을 지나 숨을 쉴 수 있는 공간을 제공하여 캐릭터가 수행을 중단할 때 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다.
1973에 개봉된 Papillon는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Franklin J. Schaffner는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.8 등급은 그 지속력의 증거입니다. Papillon의 7.8 점수는 큰 약점 없이 전제를 전달하는 영화 중 하나입니다. Franklin J. Schaffner는 전체적으로 의도한 대로 작동하는 것을 만들었지만, 생각보다 흔하지 않습니다. 드라마는 보편성보다는 특수성에서 나온다. 감독은 이런 상황에서 등장인물들에게 정확하게 적용되는 선택을 하는데, 이는 역설적으로 일반적인 감정 비트보다 더 보편적인 것을 만들어낸다. 1970s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. Papillon는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
Papillon의 성능은 Franklin J. Schaffner가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Steve McQueen는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Papillon에서 가장 어려운 순간은 Steve McQueen가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Papillon는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.8 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Papillon를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Franklin J. Schaffner 및 Steve McQueen가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 Papillon를 배치하는 7.8 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. Papillon에 높은 점수를 주기로 한 결정은 Franklin J. Schaffner가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. Papillon는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
Monty Python and the Holy Grail
아더왕은 영국 전역을 돌아다니며 자신들을 보좌할 기사들을 모집한다. 결국 용맹한 기사들 랑셀럿, 로빈, 베드베어 그리고 갈라드를 합류시킨 아더왕은 신의 계시에 따라 잃어버린 성배를 찾으러간다. 각각 흩어져 성배의 수색을 하지만 용맹한만큼 멍청하기도한 기사들은 성배를 찾기는 커녕 소동만을 일으키고 만다.
시청해야 하는 이유: Terry Jones는 진정한 캐릭터 관찰을 통해 Monty Python and the Holy Grail의 코미디를 구축합니다. 사람들을 더 잘 알기 때문에 영화가 진행됨에 따라 웃음이 더해집니다.
Monty Python and the Holy Grail는 1975에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. Monty Python and the Holy Grail가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.8에서 Monty Python and the Holy Grail는 품질이 일관된 범위에 있지만 영화는 더 높은 등급 타이틀에 대한 광범위한 합의를 달성하지 못했습니다. 이러한 좁은 합의는 특정 매력을 반영하는 경우가 많습니다. Monty Python and the Holy Grail는 모든 사람을 위한 것은 아니지만 올바른 시청자에게는 탁월합니다. 캐릭터 코미디는 감독과 출연진이 가장 재미있는 순간은 과장이 아닌 진실에서 나온다는 점을 이해해야 합니다. 영화는 캐릭터가 하는 일이 그들이 누구인지에 대해 의미가 있기 때문에 효과가 있습니다. 1970s는 특정한 관심과 특정한 미적 접근 방식을 지닌 특정한 문화적 순간이었습니다. Monty Python and the Holy Grail는 이러한 조건을 초월하면서 반영합니다. 감상하기 위해 1970s를 이해할 필요가 없는 1970s영화입니다.
Monty Python and the Holy Grail의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Terry Jones는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. Monty Python and the Holy Grail는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 Monty Python and the Holy Grail가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
Monty Python and the Holy Grail를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 Monty Python and the Holy Grail를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 Monty Python and the Holy Grail가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Terry Jones의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Graham Chapman의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 Monty Python and the Holy Grail는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. Monty Python and the Holy Grail는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. Terry Jones의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. Monty Python and the Holy Grail를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
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USB 방송국의 뉴스 앵커 하워드 빌은 과장된 풍자와 독설로 한때 높은 시청률로 인기를 누렸던 인물이다. 그러나 점차 시청률이 떨어지게 되자 방송국의 사장은 빌을 해고하려고 한다. 빌은 그의 직속 상사와 함께 술을 마시는 자리에서 방송 중 자살에 대한 농담을 나누고는 고별 방송에서 시청률 저하 때문에 자살하겠다고 한다. 빌은 방송에서 교체되었지만 가까스로 고별방송을 할 수 있도록 허락받고는 시청자들에게 자신의 처지를 솔직히 털어놓는다. 그의 솔직함에 시청자들이 반응을 보이기 시작하며 시청률이 급등하자 프로그램 기획자인 다이아나는 빌의 상품성을 꿰뚫고는 사장에게 빌을 해고해서는 안된다고 설득한다. 빌은 다시 방송을 하게 되지만 직업적 스트레스로 인한 정신병이 점점 심해져간다.
시청해야 하는 이유: Sidney Lumet는 좋은 드라마가 요구하지만 거의 얻지 못하는 인내심을 가지고 Network에 접근합니다. 그 결과 일정을 잡는 것이 아니라 감정적인 순간을 얻는 영화가 탄생했습니다.
Network의 1976 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Network를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Network의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.8의 Network는 이 목록의 신뢰할 수 있는 계층을 나타냅니다. 실망시키지 않는 영화들입니다. Sidney Lumet는 영화에 필요한 것이 무엇인지 이해하고 타협 없이 실행했습니다. 이것이 드라마와 구별되는 점은 감독이 관객이 느낄 수 있는 것을 설명하기를 거부한다는 점이다. 영화는 감정적인 무게를 지닌 상황을 만들어내고 관객들이 그 무게를 스스로 짊어질 것이라고 믿습니다. 공연은 과도한 신호를 보내지 않고 감정적 기록을 제공합니다. 1970s의 영화 순위를 매기는 것은 부분적으로 살아남은 영화를 식별하는 연습입니다. Network가 살아남은 이유는 Sidney Lumet가 트렌드가 아닌 기술을 기반으로 선택했기 때문입니다. 7.8 등급은 이러한 선택이 여전히 유효하다고 생각하는 시청자를 반영합니다.
Network의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Sidney Lumet는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. Network의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Faye Dunaway는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
Network는 단순히 시간을 채우는 것보다 진정한 내용을 담고 싶은 저녁 시간에 적합합니다. 그것은 배경 영화도 아니고 수동적인 경험도 아닙니다. Sidney Lumet는 여러분의 관심을 끌고 일반적이 아닌 구체적으로 보상하는 무언가를 구성했습니다. 다른 일을 하면서 Network를 시청하는 시청자는 영화에 완전히 집중한 사람이 볼 수 있는 버전보다 훨씬 적은 버전의 영화를 보게 됩니다. 7.8 등급은 집중 시청 경험을 반영합니다. 출연진(구체적으로 Faye Dunaway)은 집중해서 볼 때 기록되고 주의가 산만해지면 사라지는 공연 세부 정보를 제공합니다.
Network는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. Sidney Lumet는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 7.8 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 Sidney Lumet의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 Network가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
훌륭한 영화는 카테고리를 초월합니다. 기술이 탁월하기 때문에 작동합니다.
Rocky
이탈리아의 종마라는 별명을 가진 젊은 청년 록키 발보아는 필라델피아 빈민촌에 살면서 4회전 복서를 업으로 삼아 근근히 살아간다. 복싱만으로는 생계를 유지할 수 없어 고리대금 업자의 하수인 노릇을 하기도 하며 뒷골목의 주먹 노릇도 하는 그는 짝사랑하는 애드리언에게 열심히 관심을 보이면서 성실하게 살아 가려고 애쓴다. 그러던 어느 날 록키에게 기회가 오게 된다. 헤비급 세계 챔피언 아폴로 크리드가 미국 독립 200주년을 기념하는 이벤트로서 이름 없는 복서에게 도전권는 이벤트를 기획하고, 록키가 도전자로 선발이 되는데...
시청해야 하는 이유: 크레딧을 받고 나서도 여운이 남는 그런 드라마. John G. Avildsen는 표준 요금보다 높은 수준의 소재에 인내심을 제공합니다.
Rocky(1976)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Rocky는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 대규모 유권자 풀의 7.8 등급은 영화가 시청자가 발견한 모든 약점보다 더 큰 장점을 가지고 있음을 의미합니다. Rocky는 모든 영화가 충족해야 하는 최소 표준이자 개봉 횟수보다 적은 수의 달성이라는 핵심 약속을 이행합니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. Rocky는 1970s영화에서 그 자리를 차지합니다. 그 이유는 지난 10년 동안 제작되었지만 이후 수십 년 동안 잃어버린 것을 포착하기 때문입니다. 1970s영화 제작의 문화적, 기술적 조건이 John G. Avildsen가 여기서 무엇을 만들 수 있는지를 결정했습니다.
Rocky의 시각적 언어는 1976의 영화 제작을 최대한 반영합니다. John G. Avildsen는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. Rocky의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 Rocky를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
Rocky는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.8 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Rocky를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. John G. Avildsen 및 Sylvester Stallone가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에서 Rocky의 위치는 모든 사람을 위한 모든 것을 열망하지 않고 특정 품질을 안정적으로 전달하는 영화를 반영합니다. John G. Avildsen는 영화가 무엇인지 이해하고 높은 수준의 제작으로 만들었습니다. 7.8 등급은 이러한 조건으로 영화에 참여했으며 높은 평가를 받을 가치가 있다고 생각하는 시청자를 나타냅니다. 서로 다른 기대를 품은 관객들은 평점보다 영화가 덜 만족스럽다고 느낄 때도 있는데, 이는 영화의 약점이 아니라 기대감에 있다. Rocky는 바로 그 기술로 만들어졌고, 그것을 평가한 유권자들은 그것에 반응하고 있었습니다.
Solaris
별장에 있는 과학자 크리스 켈빈에게 연구소로부터 비디오 테이프가 전달된다. 연구소는 우주 정거장이 보내온 비디오 테이프를 보며 혹성 솔라리스에게 무슨 일이 벌어지고 있다는 결론을 내리고, 그 정거장에 크리스 켈빈을 보내기로 한 것이다. 우주 정거장에 온 켈빈은 여기에서 두 과학자 스나우토와 사리보리우스를 만난다. 물리학자 기바리안은 이미 자살한 후였다. 켈빈은 여기서 혹성 솔라리스의 생각하는 바다에 대해서 듣게 된다. 혹성 솔라리스에 접근하면 여기에 근접한 사람과 솔라리스가 정신작용을 일으켜 상대방의 기억 깊이 잠겨있는 과거를 물질화한다는 것이다. 이후 독극물 주사로 자살한 크리스 켈빈의 아내가 그의 앞에 물질이 되어 나타나는데..
시청해야 하는 이유: Solaris는 침묵을 믿는 드라마다. Andrei Tarkovsky는 장면에 명백한 끝점을 지나 숨을 쉴 수 있는 공간을 제공하여 캐릭터가 수행을 중단할 때 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다.
1972에 개봉된 Solaris는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Andrei Tarkovsky는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.8 등급은 그 지속력의 증거입니다. Solaris의 7.8 점수는 대안이 있었고 이를 높게 평가한 시청자를 바탕으로 만들어졌습니다. 그 선택은 자신의 주장을 명확하게 밝힌 영화를 반영합니다. 이것이 바로 Solaris가 하는 일입니다. Andrei Tarkovsky가 주장을 펼쳤고 청중은 이를 받아들였습니다. 드라마는 보편성보다는 특수성에서 나온다. 감독은 이런 상황에서 등장인물들에게 정확하게 적용되는 선택을 하는데, 이는 역설적으로 일반적인 감정 비트보다 더 보편적인 것을 만들어낸다. 매 10년마다 그 당시에는 꼭 필요해 보이다가 사라지는 영화를 제작합니다. Solaris는 더 작은 범주에 속합니다. 1970s영화는 그 시대에 대한 향수가 없는 시청자들에게 여전히 높은 평가를 받고 있습니다. 세대 간 품질이 실제 테스트입니다.
Solaris의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Andrei Tarkovsky는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Natalya Bondarchuk는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Solaris에서 가장 잘 드러납니다.
Solaris를 처음 시청하는 시청자는 Andrei Tarkovsky가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Solaris의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Natalya Bondarchuk는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1972 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Andrei Tarkovsky가 의도한 것입니다.
이와 같은 목록에서 11~25위 범위에 위치한 영화는 문화적 비중 없이 상위 10위권의 품질을 전달하기 때문에 가장 유용한 발견인 경우가 많습니다. Solaris가 이 위치에 있는 것은 위의 항목보다 훨씬 나쁘기 때문이 아니라 매력이 더 집중되어 있기 때문입니다. Solaris에서 Andrei Tarkovsky의 활동을 접한 시청자들은 이 목록에 있는 어떤 영화보다도 높게 평가합니다. 더 넓은 유권자 기반의 평균이 여기에 위치합니다. 장르 선호도, 감독 관심도 또는 시대를 기준으로 이 영화가 자신에게 적합하다고 생각하는 구체적인 이유가 있는 시청자는 그보다 높은 순위의 여러 항목보다 우선순위를 두어야 합니다.
Life of Brian
예수와 같은 시간 옆집에서 태어난 브라이언은 유태인을 지배하는 로마인을 싫어한다. 그러나 정작 자신의 아버지는 로마병사였던 '졸라큰꼬추'(사람이름) 였다는걸 알고 그걸 부정하는 와중에 검투사 경기장에서 만난 유태인 레지스탕스인 민족전선 유태와.. 아니 해방전선 유태.. 음.. 민족해방 유태였나? 잠깐..뭐였지?
시청해야 하는 이유: Terry Jones는 진정한 캐릭터 관찰을 통해 Life of Brian의 코미디를 구축합니다. 사람들을 더 잘 알기 때문에 영화가 진행됨에 따라 웃음이 더해집니다.
Life of Brian는 1979에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. Life of Brian가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.8의 Life of Brian는 여러 차원에서 지속적으로 평균 이상의 작품을 보여주는 영화입니다. 단일 요소가 다른 요소를 전달하지 않습니다. 연출, 글쓰기, 퍼포먼스 모두 같은 방향으로 끌려가고 있다. 캐릭터 코미디는 감독과 출연진이 가장 재미있는 순간은 과장이 아닌 진실에서 나온다는 점을 이해해야 합니다. 영화는 캐릭터가 하는 일이 그들이 누구인지에 대해 의미가 있기 때문에 효과가 있습니다. Life of Brian에 대한 1970s 컨텍스트는 부수적인 것이 아닙니다. 기술이 허용하는 것, 문화가 요구하는 것 등 지난 10년의 구체적인 미적 조건이 Terry Jones의 선택을 결정했습니다. 그러한 선택은 그 순간과 별개로 유지됩니다.
Life of Brian의 성능은 Terry Jones가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Graham Chapman는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Life of Brian에서 가장 어려운 순간은 Graham Chapman가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Life of Brian의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Terry Jones가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. Life of Brian는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Graham Chapman의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 Life of Brian는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 Graham Chapman의 성능과 Terry Jones의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
The Exorcist
노신부 메린(막스 본 시도우 분)은 이라크 북부에서 고분을 발굴하다 이상한 조각을 발견한다. 악마를 상징하는 그 조각에 노신부는 불안해 한다. 한편, 미국 조지타운에 사는 인기 여배우 크리스 멕닐(엘런 번스타인 )는 어느 날 밤 딸 리건(린다 블레어)의 방에서 이상한 소리를 듣고 쥐가 있는 것 같다며 운전 기사 칼(루돌프 쉰들러)에게 쥐덫을 놓도록 한다. 이어 딸 리건에게서 이상한 증세가 나타나기 시작하자 크리스는 리건을 데리고 병원을 전전하지만 병명조차 알아내지 못한 채 증세는 점점 악화된다. 그 와중에 크리스의 애인이 리건을 간호하던 중 변사체로 발견되는가 하면 조그맣고 귀엽던 리건의 얼굴이 무섭고 흉측한 악령의 모습으로 변하며 "그리스도가 나를 범하고 있다"라고 외치며 자해를 하는 사건이 연이어 벌어진다. 크리스는 지푸라기라도 잡는 심정으로 젊은 카라스 신부(제이슨 밀러)를 찾아가 악마를 내쫓는 엑소시즘 의식을 부탁한다. 결국 카라스 신부는 엑소시즘의 경험이 있는 노신부 메린에게 도움을 청하고 둘은 리건에게서 악령을 몰아내는 의식을 집행하기에 이른다. 그러나 악령은 쉽게 물러나지 않고, 악마와 메린 신부의 처절한 사투가 시작되는데…
시청해야 하는 이유: William Friedkin는 좋은 드라마가 요구하지만 거의 얻지 못하는 인내심을 가지고 The Exorcist에 접근합니다. 그 결과 일정을 잡는 것이 아니라 감정적인 순간을 얻는 영화가 탄생했습니다.
The Exorcist의 1973 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. The Exorcist를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. The Exorcist의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.7 범위의 영화는 목록에서 제시된 위치보다 더 흥미로운 경우가 많습니다. 그들은 높은 등급의 타이틀에 대한 문화적 포화를 달성하지 못했습니다. 이는 The Exorcist가 선입견 없이 접근하기 더 쉽다는 것을 의미합니다. The Exorcist는 그로부터 이익을 얻습니다. 이것이 드라마와 구별되는 점은 감독이 관객이 느낄 수 있는 것을 설명하기를 거부한다는 점이다. 영화는 감정적인 무게를 지닌 상황을 만들어내고 관객들이 그 무게를 스스로 짊어질 것이라고 믿습니다. 공연은 과도한 신호를 보내지 않고 감정적 기록을 제공합니다. 오늘날에도 여전히 7.7 등급을 받고 있는 1970s의 영화는 동시대 개봉 영화보다 더 오랜 테스트를 거쳐 살아남았습니다. The Exorcist는 그 핵심인 스토리텔링, 퍼포먼스, 공예가 시대를 불문하고 작동하기 때문에 이 테스트를 통과했습니다.
The Exorcist의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. William Friedkin는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. The Exorcist는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 The Exorcist가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
The Exorcist는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.7 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. The Exorcist를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. William Friedkin 및 Ellen Burstyn가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 The Exorcist를 배치하는 7.7 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. The Exorcist에 높은 점수를 주기로 한 결정은 William Friedkin가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. The Exorcist는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
Annie Hall
뉴욕의 스탠드업 코미디언이자 희극 작가인 앨비 싱어는 친구와 테니스를 치다 패션감각이 뛰어난 미모의 애니를 보고는 한눈에 반해 버린다. 가수가 꿈인 애니 역시 앨비를 싫어하지는 않는 눈치. 그렇게 사랑에 빠져든 두 사람은 마치 10대들처럼 서투르게 관계를 시작하고, 서로의 성과 정체성에 대해 혼란스러워 한다. 차츰 관계가 깊어가면서 두 사람은 어쩔수 없이 서로의 단점들을 보게 된다. 앨비는 자신만만하고 세속적이며 다소 신경질적인 반면 애니는 주의가 산만하고 끈질긴 구석이 있다. 앨비는 가수가 되겠다는 꿈을 간직하고만 있던 애니에게 꿈을 이루도록 복돋워주고, 공부를 하라고 권유한다. 주위에서는 그런 애니를 선망의 시선으로 바라보지만 애니는 그녀의 일에 사사건건 간섭을 하고 트집잡는 앨비가 못마땅하기만 하다. 동료들의 부러움을 사던 앨비와 애니의 사이는 벌어지기 시작하고, 마침 애니에게 앨범을 제작하자는 제안이 들어온다. 애니는 평소에 원하던 가수의 길을 걷기 위해 앨비와 헤어져 캘리포니아로 떠나는데...
시청해야 하는 이유: 크레딧을 받고 나서도 여운이 남는 그런 드라마. Woody Allen는 표준 요금보다 높은 수준의 소재에 인내심을 제공합니다.
Annie Hall(1977)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Annie Hall는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 7.7 등급은 일관된 수준에서 동시에 작동하는 감독, 각본 및 성능을 반영합니다. 이 범위의 점수를 받은 영화는 단일 차원에서 크게 실패하는 경우가 거의 없으며 Annie Hall도 예외는 아닙니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. 1970s 시네마 전체의 맥락에서 Annie Hall는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1970s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
Annie Hall의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Woody Allen는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. Annie Hall의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Woody Allen는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
Annie Hall를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 Annie Hall를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 Annie Hall가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Woody Allen의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Woody Allen의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 Annie Hall는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. Annie Hall는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. Woody Allen의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. Annie Hall를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
Deep Red
다른 사람들의 마음을 읽어낼 줄 아는 한 영매가 사람들이 많은 광장에서 살인자의 생각을 읽어낸다. 그러나 영매는 곧 살해되고 만다. 영국인 재즈 피아니스트 마크 데일리(데이빗 헤밍스)는 그 살인현장을 목격하게 되고 신문기자 자나 브레지(다리아 니콜로디)와 함께 사건의 비밀을 캐기 시작한다. 새로운 살인자들로부터 사건을 풀어내는 실마리를 얻어나가는 동안에도 사건의 열쇠를 쥔 사람들이 한 명씩 살해당한다. 살인자가 그 실마리에 따라 새로운 살인을 저지르는 것이다. 마커스는 살인자가 자기 주위에 있음을 느끼고 주변을 조사해 나가는데...
시청해야 하는 이유: Deep Red는 정직하게 긴장감을 얻습니다. 압박감은 인위적인 놀라움보다는 상황과 성격에서 비롯됩니다. Dario Argento는 청중이 이해관계를 느낄 것이라고 믿습니다.
1975에 개봉된 Deep Red는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Dario Argento는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.7 등급은 그 지속력의 증거입니다. Deep Red의 7.7 점수는 큰 약점 없이 전제를 전달하는 영화 중 하나입니다. Dario Argento는 전체적으로 의도한 대로 작동하는 것을 만들었지만, 생각보다 흔하지 않습니다. 영화를 스릴러로 만드는 것은 스테이크에는 투자가 필요하다는 이해입니다. 첫 번째 막은 압력이 가해지기 전에 성격을 형성합니다. 긴장이 고조될 때쯤에는 결과에 신경을 써야 할 이유가 생깁니다. 1970s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. Deep Red는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
Deep Red의 시각적 언어는 1975의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Dario Argento는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. Deep Red의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 Deep Red를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
Deep Red는 대기가 작동할 수 있는 조건, 즉 조명이 낮고 방해가 최소화되며 이상적으로는 문화적으로 잘 알려진 특정 순간에 대한 사전 지식이 없는 조건에서 가장 잘 시청됩니다. 공포는 관객이 무슨 일이 일어날지 정확히 알면 그 효과를 잃으며, Deep Red는 영화를 보지 않은 사람들에게도 주요 시퀀스 중 일부가 친숙할 정도로 충분히 논의되었습니다. 제한된 사전 지식으로 접근할 수 있다면 그렇게 하세요. Dario Argento가 Deep Red에 구축한 대기 기술은 청중이 진정한 불확실성 상태에 있는지 여부에 달려 있습니다. 7.7 등급은 시청 당시 해당 상태에 있었던 시청자를 반영합니다.
Deep Red는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. Dario Argento는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 7.7 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 Dario Argento의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 Deep Red가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
Manhattan
맨하탄에 사는 이혼남 아이삭은 자신의 직업에 회의를 느끼는 TV 쇼 작가다. 아이삭은 17세 소녀와 내키지 않는 불편한 데이트를 하고, 그의 유부남 친구 예일은 메리와 바람을 핀다. 아이삭은 예일에게 메리와의 관계를 정리하라고 충고를 하는데, 메리를 만난 아이삭은 오히려 사랑을 느끼게 된다. 재즈음악가이기도 한 우디 앨런이 자신이 좋아하는 조지 거쉰의 음악과 자신이 아끼고 좋아하는 배우들과 함께 만든 ‘뉴욕 예찬’으로, 섬세한 연출력으로 맨하탄의 남녀 관계를 자전적 요소와 함께 로맨틱 코미디로 만들어냈다. 맨하탄의 도심 풍경이 세련되게 빛나는 흑백 영화로 동틀 무렵 앨런과 다이안 키튼이 다리를 배경으로 앉아 있는 아름다운 장면이 인상적이다.
시청해야 하는 이유: Manhattan가 드라마로 작동하는 이유는 Woody Allen가 관객이 느낄 수 있는 감정을 설명하기를 거부하기 때문입니다. 감정 기록은 신호를 받는 것이 아니라 생성되는 것입니다.
Manhattan는 1979에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. Manhattan가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.7에서 Manhattan는 품질이 일관된 범위에 있지만 영화는 더 높은 등급 타이틀에 대한 광범위한 합의를 달성하지 못했습니다. 이러한 좁은 합의는 특정 매력을 반영하는 경우가 많습니다. Manhattan는 모든 사람을 위한 것은 아니지만 올바른 시청자에게는 탁월합니다. 영화는 다른 장르에서는 할 수 없는 드라마가 무엇을 할 수 있는지 보여줍니다. 평범한 인간의 행동에 압력을 가하고 반응을 통해 성격을 드러내는 것입니다. 감독은 그러한 조건을 만들고 출연진은 진정한 확신을 가지고 그 조건에 적응합니다. 1970s는 특정한 관심과 특정한 미적 접근 방식을 지닌 특정한 문화적 순간이었습니다. Manhattan는 이러한 조건을 초월하면서 반영합니다. 감상하기 위해 1970s를 이해할 필요가 없는 1970s영화입니다.
Manhattan의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Woody Allen는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Woody Allen는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Manhattan에서 가장 잘 드러납니다.
Manhattan는 다른 곳에서 가져온 기대에 부응하기보다는 영화 그 자체로 만나고 싶은 시청자에게 믿을 수 있는 추천작입니다. 이 카테고리에서 더 높은 등급의 타이틀이 문화적 편재성을 갖고 있지 않습니다. 즉, 의무적으로 시청해야 하는 부담 없이 도착한다는 의미입니다. Manhattan를 보아야 한다는 말을 듣지 않고 발견한 청중은 그것을 의무적으로 접근하는 사람들보다 더 강력하게 반응하는 경우가 많습니다. Woody Allen는 특별한 매력을 지닌 무언가를 만들었습니다. 모든 사람에게 모든 것이 되려고 노력하는 것은 아닙니다. Manhattan에 연결하는 시청자는 7.7 등급이 제시하는 것보다 훨씬 더 좋다고 생각하는 경향이 있으며, 이는 제한된 마케팅 가시성에도 불구하고 해당 등급을 유지하는 이유입니다.
목록의 이 섹션에서 Manhattan의 위치는 모든 사람을 위한 모든 것을 열망하지 않고 특정 품질을 안정적으로 전달하는 영화를 반영합니다. Woody Allen는 영화가 무엇인지 이해하고 높은 수준의 제작으로 만들었습니다. 7.7 등급은 이러한 조건으로 영화에 참여했으며 높은 평가를 받을 가치가 있다고 생각하는 시청자를 나타냅니다. 서로 다른 기대를 품은 관객들은 평점보다 영화가 덜 만족스럽다고 느낄 때도 있는데, 이는 영화의 약점이 아니라 기대감에 있다. Manhattan는 바로 그 기술로 만들어졌고, 그것을 평가한 유권자들은 그것에 반응하고 있었습니다.
Jaws
뉴 잉글랜드의 작은 해안 피서지 애미티(Amity). 아주 평화로운 바닷가 마을로, 우정이란 뜻을 가진 이 마을은 전형적인 작은 바닷가 마을이다. 이곳은 여름 피서객들을 상대로 하는 것이 마을 수입의 전부다. 여름이 되어 막 해수욕장이 개장하기에 앞서 한 무리의 젊은이들이 한밤의 백사장에서 캠프파이어를 하며 젊음을 불태우고 있다. 이때 한 여자가 옷을 하나씩 벗어 던지면 모래밭을 달려가더니 바다로 헤엄쳐 들어간다. 달빛 아래 바다. 하지만 그 여자는 갑자기 무언가에 물리기라도 한 것처럼 바닷물 속으로 빨려 들어가더니 사라져버린다. 다음날, 바닷물을 싫어하는 도시 출신의 브로디 경찰서장이 전화를 받는다. 여자의 시체가 발견되었다는 것. 악어나 상어에게 묻어 뜯긴 게 분명한 그 시체는 찢겨져 있었고, 그는 즉시 해안을 폐쇄한다. 하지만, 마을의 책임자인 시장은 이 마을은 피서객들로 돈을 버는 곳이데 어떻게 하려고 그러느냐면서, 해안 경비를 강화하고, 감시 속에서 여름 해수욕장을 개장시킨다. 하지만 결국 일은 터지고, 한 소년이 상어의 습격을 받게 된다. 이제 이 마을은 상어의 공포에 휩싸이게 된다. 상어에 현상금이 붙자 상어사냥꾼들이 몰려든다. 하지만 다들 별볼 일 없이 그저 상금만 노리고 온 사람들이다. 그러나 그중에 두 명의 전문가가 찾아온다. 바로 상어 박사인 마틴 후퍼와 이 마을의 어부이자 카리스마 넘치는 퀸터 선장이 그들이다. 결국 브로디 서장과 퀸터 선장, 매트 박사는 배를 타고 바다로 나가 상어 사냥에 나서는데...
시청해야 하는 이유: Jaws는 최고의 스릴러가 절제를 통해 작동한다는 것을 보여줍니다. Steven Spielberg는 최대한 오랫동안 보류하며 결과는 기존 에스컬레이션보다 더 효과적입니다.
Jaws의 1975 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Jaws를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Jaws의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.7의 Jaws는 이 목록의 신뢰할 수 있는 계층을 나타냅니다. 실망시키지 않는 영화들입니다. Steven Spielberg는 영화에 필요한 것이 무엇인지 이해하고 타협 없이 실행했습니다. 기술은 감독이 보류하는 것에서 가장 눈에 띄게 나타납니다. 정보는 전략적으로 공개되며, 각 공개는 이전에 나온 내용을 재구성합니다. 성과는 통제된 공개에 맞춰 조정됩니다. 1970s의 영화 순위를 매기는 것은 부분적으로 살아남은 영화를 식별하는 연습입니다. Jaws가 살아남은 이유는 Steven Spielberg가 트렌드가 아닌 기술을 기반으로 선택했기 때문입니다. 7.7 등급은 이러한 선택이 여전히 유효하다고 생각하는 시청자를 반영합니다.
Jaws의 성능은 Steven Spielberg가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Roy Scheider는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Jaws에서 가장 어려운 순간은 Roy Scheider가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Jaws를 처음 시청하는 시청자는 Steven Spielberg가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Jaws의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Roy Scheider는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1975 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Steven Spielberg가 의도한 것입니다.
이와 같은 목록에서 11~25위 범위에 위치한 영화는 문화적 비중 없이 상위 10위권의 품질을 전달하기 때문에 가장 유용한 발견인 경우가 많습니다. Jaws가 이 위치에 있는 것은 위의 항목보다 훨씬 나쁘기 때문이 아니라 매력이 더 집중되어 있기 때문입니다. Jaws에서 Steven Spielberg의 활동을 접한 시청자들은 이 목록에 있는 어떤 영화보다도 높게 평가합니다. 더 넓은 유권자 기반의 평균이 여기에 위치합니다. 장르 선호도, 감독 관심도 또는 시대를 기준으로 이 영화가 자신에게 적합하다고 생각하는 구체적인 이유가 있는 시청자는 그보다 높은 순위의 여러 항목보다 우선순위를 두어야 합니다.
Duck, You Sucker
좀도둑질을 일삼는 무식하고 가난한 후안은 꾀를 내어 지나가는 역마차에 탄다. 부자들이나 타는 역마차에 동승한 그는 지주, 공증인, 성직자, 아델리타, 미국인 남자로부터 짐승 취급을 당한다. 그러나 마차의 길목에서 지키고 있던 후안의 패거리들은 마차를 탈취하고, 후안은 자기가 당했던 모욕을 고스란히 되돌려준다. 후안은 우연히 아일랜드 폭탄전문가 존 맬로리를 만나 다이너마이트의 위력을 알게 되고, 존을 자기의 계획에 끌어들이기 위해 애 쓰는데….
시청해야 하는 이유: 환자의 관심에 보답하는 영화. Sergio Leone는 단 한 장면도 낭비하지 않으며 Duck, You Sucker에 대한 투자는 완전히 정당하다고 느껴집니다.
Duck, You Sucker(1971)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Duck, You Sucker는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 대규모 유권자 풀의 7.7 등급은 영화가 시청자가 발견한 모든 약점보다 더 큰 장점을 가지고 있음을 의미합니다. Duck, You Sucker는 모든 영화가 충족해야 하는 최소 표준이자 개봉 횟수보다 적은 수의 달성이라는 핵심 약속을 이행합니다. 영화는 장면을 구성하는 방법, 정보의 속도를 조정하는 방법, 관객이 관심을 갖는 이해관계를 만드는 방법 등 감독의 공예에 대한 이해를 보여줍니다. Duck, You Sucker는 1970s영화에서 그 자리를 차지합니다. 그 이유는 지난 10년 동안 제작되었지만 이후 수십 년 동안 잃어버린 것을 포착하기 때문입니다. 1970s영화 제작의 문화적, 기술적 조건이 Sergio Leone가 여기서 무엇을 만들 수 있는지를 결정했습니다.
Duck, You Sucker의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Sergio Leone는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. Duck, You Sucker는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 Duck, You Sucker가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
Duck, You Sucker의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Sergio Leone가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. Duck, You Sucker는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Rod Steiger의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 Duck, You Sucker는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 Rod Steiger의 성능과 Sergio Leone의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
The Warriors
뉴욕 전체를 아우르는 최강 갱단의 리더가 암살당했다! 억울하게 살해 세력으로 몰린 한 갱단. 덕분에 경찰에게 쫓기는 것은 물론 다른 조직들의 먹잇감이 되고 마는데. 다시 본거지로 돌아가기 위한 이들의 사투가 뉴욕 한복판에서 펼쳐진다.
시청해야 하는 이유: The Warriors는 정직하게 긴장감을 얻습니다. 압박감은 인위적인 놀라움보다는 상황과 성격에서 비롯됩니다. Walter Hill는 청중이 이해관계를 느낄 것이라고 믿습니다.
1979에 개봉된 The Warriors는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Walter Hill는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.7 등급은 그 지속력의 증거입니다. The Warriors의 7.7 점수는 대안이 있었고 이를 높게 평가한 시청자를 바탕으로 만들어졌습니다. 그 선택은 자신의 주장을 명확하게 밝힌 영화를 반영합니다. 이것이 바로 The Warriors가 하는 일입니다. Walter Hill가 주장을 펼쳤고 청중은 이를 받아들였습니다. 영화를 스릴러로 만드는 것은 스테이크에는 투자가 필요하다는 이해입니다. 첫 번째 막은 압력이 가해지기 전에 성격을 형성합니다. 긴장이 고조될 때쯤에는 결과에 신경을 써야 할 이유가 생깁니다. 매 10년마다 그 당시에는 꼭 필요해 보이다가 사라지는 영화를 제작합니다. The Warriors는 더 작은 범주에 속합니다. 1970s영화는 그 시대에 대한 향수가 없는 시청자들에게 여전히 높은 평가를 받고 있습니다. 세대 간 품질이 실제 테스트입니다.
The Warriors의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Walter Hill는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. The Warriors의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Michael Beck는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
The Warriors는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.7 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. The Warriors를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Walter Hill 및 Michael Beck가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 The Warriors를 배치하는 7.7 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. The Warriors에 높은 점수를 주기로 한 결정은 Walter Hill가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. The Warriors는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
최고의 영화관은 당신의 관심에 보답합니다. 여기에 있는 모든 영화는 필요한 시간을 얻었습니다.
All the President's Men
1972년 6월 미국 워싱턴 워터게이트빌딩 내에 소재한 민주당 전국위원회 본부에서 도청장치를 갖고 침입한 다섯명의 남자들이 체포된다. 취재를 맡은 "워싱턴 포스트" 기자 밥 우드워드는 이들의 심리가 열리는 재판정에서 수상한 징후를 발견하고 이 사내들이 CIA, 더 나아가 현직 대통령이자 차기 공화당 대권주자인 리처드 닉슨의 측근과 연계되어 있다는 의혹을 품게 된다. "워싱턴 포스트" 편집국에서는 기사 작성에 노련한 또 다른 젊은 기자 칼 번스타인을 우드워드에게 붙여주고, 약간의 신경전 끝에 두 사람은 진실을 규명하기 위해 의기투합하게 된다. 사건의 배후를 좇는 과정에서 밥은 딥스로트라 불리는 정체불명의 취재원과 접촉하게 되는데, 모든 정황을 알고 있는 듯 보이는 그는 밥에게 “돈을 따르라”라는 수수께끼 같은 조언을 건넨다. 다섯명의 사내를 움직인 자금이 닉슨 대통령의 재선위원회에서 유입되었다는 정보를 포착한 두 기자는 선거 운동을 담당했던 직원들에 대한 탐문 취재를 시작한다. 그리고 여러 난관을 극복한 끝에 마침내 워터게이트 사건의 배후에는 백악관의 실세가 존재하고, 빌딩 침입 훨씬 이전부터 이들이 민주당 대선후보군에 대해 조직적인 방해 공작을 시도했었다는 사실을 알게 된다. 닉슨은 결국 재선에 성공하고, 두 기자는 신변의 위협 속에서 좀더 확실한 증거와 증인 확보를 위한 분투를 이어간다.
시청해야 하는 이유: 최고의 스릴러 기술은 명백한 일이 일어나기 전에 청중이 두려움을 느낀다는 것을 의미합니다. Alan J. Pakula는 정보 및 타이밍 제어를 통해 All the President's Men에서 이를 달성합니다.
All the President's Men는 1976에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. All the President's Men가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.7의 All the President's Men는 여러 차원에서 지속적으로 평균 이상의 작품을 보여주는 영화입니다. 단일 요소가 다른 요소를 전달하지 않습니다. 연출, 글쓰기, 퍼포먼스 모두 같은 방향으로 끌려가고 있다. 이것은 긴장이 육체적이기보다는 심리적인 스릴러의 범주에 속합니다. 감독은 관객이 명백한 위험을 보여주지 않고도 압박감을 느낄 것이라고 믿는다. 결과는 기존 스릴러 메커니즘보다 더 불안합니다. All the President's Men에 대한 1970s 컨텍스트는 부수적인 것이 아닙니다. 기술이 허용하는 것, 문화가 요구하는 것 등 지난 10년의 구체적인 미적 조건이 Alan J. Pakula의 선택을 결정했습니다. 그러한 선택은 그 순간과 별개로 유지됩니다.
All the President's Men의 시각적 언어는 1976의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Alan J. Pakula는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. All the President's Men의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 All the President's Men를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
All the President's Men를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 All the President's Men를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 All the President's Men가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Alan J. Pakula의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Robert Redford의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 All the President's Men는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. All the President's Men는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. Alan J. Pakula의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. All the President's Men를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
Fantastic Planet
고도의 문명을 지닌 거인 드러그족은 옴족을 길들여 벌레처럼 취급한다. 드러그족의 선진 문명을 습득한 주인공 옴족이 탈출하여 다른 옴족들에게 문명이라는 것을 전해 줌으로서 지능이 생긴 옴족들이 드러그의 망상을 분쇄한다. 드러그족의 몸은 청색이고, 눈은 붉게 설정되어 있으며 황량한 배경과 괴이한 동식물이 있고 그들이 사용하는 문자도 나온다.
시청해야 하는 이유: Fantastic Planet의 내부 논리는 전체적으로 일관됩니다. René Laloux는 전제를 고수하고 이를 따릅니다. 이를 통해 청중은 불일치를 방어하기보다는 아이디어에 참여할 수 있습니다.
Fantastic Planet의 1973 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Fantastic Planet를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Fantastic Planet의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.6 범위의 영화는 목록에서 제시된 위치보다 더 흥미로운 경우가 많습니다. 그들은 높은 등급의 타이틀에 대한 문화적 포화를 달성하지 못했습니다. 이는 Fantastic Planet가 선입견 없이 접근하기 더 쉽다는 것을 의미합니다. Fantastic Planet는 그로부터 이익을 얻습니다. 공상과학 소설은 인물의 관점에 기초를 두고 있습니다. 감독은 추측적인 요소가 주인공에게 미치는 영향을 통해 걸러냅니다. 이는 추상이 구체적이고 정서적으로 읽기 쉬워진다는 것을 의미합니다. 오늘날에도 여전히 7.6 등급을 받고 있는 1970s의 영화는 동시대 개봉 영화보다 더 오랜 테스트를 거쳐 살아남았습니다. Fantastic Planet는 그 핵심인 스토리텔링, 퍼포먼스, 공예가 시대를 불문하고 작동하기 때문에 이 테스트를 통과했습니다.
Fantastic Planet의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. René Laloux는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Gérard Hernandez는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Fantastic Planet에서 가장 잘 드러납니다.
Fantastic Planet는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.6 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Fantastic Planet를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. René Laloux 및 Gérard Hernandez가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
Fantastic Planet는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. René Laloux는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 7.6 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 René Laloux의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 Fantastic Planet가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
Harold and Maude
비참한 삶을 살고 있는 해롤드는 자살을 시도하는 등 자신만의 세계에 갇혀 살고 있다. 그러던 중 해롤드는 똑같이 자신만의 세계에 살고 있지만 인생 최고의 시간을 보내고 있는 80세의 모드라는 여성을 만나게 된다. 정반대의 두 사람은 서로의 차이가 중요하지 않다는 것을 깨달아가며 가장 친한 친구가 되어가는데...
시청해야 하는 이유: 크레딧을 받고 나서도 여운이 남는 그런 드라마. Hal Ashby는 표준 요금보다 높은 수준의 소재에 인내심을 제공합니다.
Harold and Maude(1971)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Harold and Maude는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 7.6 등급은 일관된 수준에서 동시에 작동하는 감독, 각본 및 성능을 반영합니다. 이 범위의 점수를 받은 영화는 단일 차원에서 크게 실패하는 경우가 거의 없으며 Harold and Maude도 예외는 아닙니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. 1970s 시네마 전체의 맥락에서 Harold and Maude는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1970s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
Harold and Maude의 성능은 Hal Ashby가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Ruth Gordon는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Harold and Maude에서 가장 어려운 순간은 Ruth Gordon가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Harold and Maude는 다른 곳에서 가져온 기대에 부응하기보다는 영화 그 자체로 만나고 싶은 시청자에게 믿을 수 있는 추천작입니다. 이 카테고리에서 더 높은 등급의 타이틀이 문화적 편재성을 갖고 있지 않습니다. 즉, 의무적으로 시청해야 하는 부담 없이 도착한다는 의미입니다. Harold and Maude를 보아야 한다는 말을 듣지 않고 발견한 청중은 그것을 의무적으로 접근하는 사람들보다 더 강력하게 반응하는 경우가 많습니다. Hal Ashby는 특별한 매력을 지닌 무언가를 만들었습니다. 모든 사람에게 모든 것이 되려고 노력하는 것은 아닙니다. Harold and Maude에 연결하는 시청자는 7.6 등급이 제시하는 것보다 훨씬 더 좋다고 생각하는 경향이 있으며, 이는 제한된 마케팅 가시성에도 불구하고 해당 등급을 유지하는 이유입니다.
목록의 이 섹션에서 Harold and Maude의 위치는 모든 사람을 위한 모든 것을 열망하지 않고 특정 품질을 안정적으로 전달하는 영화를 반영합니다. Hal Ashby는 영화가 무엇인지 이해하고 높은 수준의 제작으로 만들었습니다. 7.6 등급은 이러한 조건으로 영화에 참여했으며 높은 평가를 받을 가치가 있다고 생각하는 시청자를 나타냅니다. 서로 다른 기대를 품은 관객들은 평점보다 영화가 덜 만족스럽다고 느낄 때도 있는데, 이는 영화의 약점이 아니라 기대감에 있다. Harold and Maude는 바로 그 기술로 만들어졌고, 그것을 평가한 유권자들은 그것에 반응하고 있었습니다.
Being There
챈스라는 이름의 소박한 정원사는 평생을 워싱턴 DC에 있는 한 노인의 집에서 살았다. 노인이 죽자 챈스는 텔레비전을 통해 배운 것 외에는 세상 물정을 전혀 모르는 채로 길거리에 나앉게 되는데...
시청해야 하는 이유: Being There는 침묵을 믿는 드라마다. Hal Ashby는 장면에 명백한 끝점을 지나 숨을 쉴 수 있는 공간을 제공하여 캐릭터가 수행을 중단할 때 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다.
1979에 개봉된 Being There는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Hal Ashby는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.6 등급은 그 지속력의 증거입니다. Being There의 7.6 점수는 큰 약점 없이 전제를 전달하는 영화 중 하나입니다. Hal Ashby는 전체적으로 의도한 대로 작동하는 것을 만들었지만, 생각보다 흔하지 않습니다. 드라마는 보편성보다는 특수성에서 나온다. 감독은 이런 상황에서 등장인물들에게 정확하게 적용되는 선택을 하는데, 이는 역설적으로 일반적인 감정 비트보다 더 보편적인 것을 만들어낸다. 1970s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. Being There는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
Being There의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Hal Ashby는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. Being There는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 Being There가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
Being There를 처음 시청하는 시청자는 Hal Ashby가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Being There의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Peter Sellers는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1979 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Hal Ashby가 의도한 것입니다.
이와 같은 목록에서 11~25위 범위에 위치한 영화는 문화적 비중 없이 상위 10위권의 품질을 전달하기 때문에 가장 유용한 발견인 경우가 많습니다. Being There가 이 위치에 있는 것은 위의 항목보다 훨씬 나쁘기 때문이 아니라 매력이 더 집중되어 있기 때문입니다. Being There에서 Hal Ashby의 활동을 접한 시청자들은 이 목록에 있는 어떤 영화보다도 높게 평가합니다. 더 넓은 유권자 기반의 평균이 여기에 위치합니다. 장르 선호도, 감독 관심도 또는 시대를 기준으로 이 영화가 자신에게 적합하다고 생각하는 구체적인 이유가 있는 시청자는 그보다 높은 순위의 여러 항목보다 우선순위를 두어야 합니다.
The Tenant
폴란드 출신의 사무원 트렐코프스키는 투신 자살한 여자가 살았던 파리의 허름한 아파트에 입주한다. 별로 친절하지 않은 이웃이 그와 자주 충돌하기 시작하자 그는 점점 편집증적인 사고에 빠져들게 되는데...
시청해야 하는 이유: 최고의 스릴러 기술은 명백한 일이 일어나기 전에 청중이 두려움을 느낀다는 것을 의미합니다. Roman Polanski는 정보 및 타이밍 제어를 통해 The Tenant에서 이를 달성합니다.
The Tenant는 1976에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. The Tenant가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.6에서 The Tenant는 품질이 일관된 범위에 있지만 영화는 더 높은 등급 타이틀에 대한 광범위한 합의를 달성하지 못했습니다. 이러한 좁은 합의는 특정 매력을 반영하는 경우가 많습니다. The Tenant는 모든 사람을 위한 것은 아니지만 올바른 시청자에게는 탁월합니다. 이것은 긴장이 육체적이기보다는 심리적인 스릴러의 범주에 속합니다. 감독은 관객이 명백한 위험을 보여주지 않고도 압박감을 느낄 것이라고 믿는다. 결과는 기존 스릴러 메커니즘보다 더 불안합니다. 1970s는 특정한 관심과 특정한 미적 접근 방식을 지닌 특정한 문화적 순간이었습니다. The Tenant는 이러한 조건을 초월하면서 반영합니다. 감상하기 위해 1970s를 이해할 필요가 없는 1970s영화입니다.
The Tenant의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Roman Polanski는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. The Tenant의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Roman Polanski는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
The Tenant의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Roman Polanski가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. The Tenant는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Roman Polanski의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 The Tenant는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 Roman Polanski의 성능과 Roman Polanski의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
Kramer vs. Kramer
광고 회사에 다니는 남편 테드(더스틴 호프만 분)와 일곱살난 아들 빌리(저스틴 헨리 분)를 뒷바라지하며 살던 조안나(메릴 스트립 분)는 어느날 새 인생을 찾겠다고 부자를 남겨둔 채 집을 나간다. 가정일이라곤 해 본적도 없는 테드는 직장 다니랴, 살림하랴, 애키우랴, 정신이 하나도 없지만 최선을 다한다. 그렇게 18개월이 지난 어느날 테드와 빌리가 나름대로 적응하며 잘 지내고 있을때 조안나는 빌리를 데려가겠다고 양육권 소송을 제기한다. 분노한 테드는 변호사를 선임하고 만반의 준비를 하지만, 그동안 빌리를 키우느라 회사 생활이 소홀해 진 것을 못마땅하게 여긴 회사측에 의해 해고를 당하는데..
시청해야 하는 이유: Robert Benton는 좋은 드라마가 요구하지만 거의 얻지 못하는 인내심을 가지고 Kramer vs. Kramer에 접근합니다. 그 결과 일정을 잡는 것이 아니라 감정적인 순간을 얻는 영화가 탄생했습니다.
Kramer vs. Kramer의 1979 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Kramer vs. Kramer를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Kramer vs. Kramer의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.6의 Kramer vs. Kramer는 이 목록의 신뢰할 수 있는 계층을 나타냅니다. 실망시키지 않는 영화들입니다. Robert Benton는 영화에 필요한 것이 무엇인지 이해하고 타협 없이 실행했습니다. 이것이 드라마와 구별되는 점은 감독이 관객이 느낄 수 있는 것을 설명하기를 거부한다는 점이다. 영화는 감정적인 무게를 지닌 상황을 만들어내고 관객들이 그 무게를 스스로 짊어질 것이라고 믿습니다. 공연은 과도한 신호를 보내지 않고 감정적 기록을 제공합니다. 1970s의 영화 순위를 매기는 것은 부분적으로 살아남은 영화를 식별하는 연습입니다. Kramer vs. Kramer가 살아남은 이유는 Robert Benton가 트렌드가 아닌 기술을 기반으로 선택했기 때문입니다. 7.6 등급은 이러한 선택이 여전히 유효하다고 생각하는 시청자를 반영합니다.
Kramer vs. Kramer의 시각적 언어는 1979의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Robert Benton는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. Kramer vs. Kramer의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 Kramer vs. Kramer를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
Kramer vs. Kramer는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.6 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Kramer vs. Kramer를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Robert Benton 및 Dustin Hoffman가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 Kramer vs. Kramer를 배치하는 7.6 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. Kramer vs. Kramer에 높은 점수를 주기로 한 결정은 Robert Benton가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. Kramer vs. Kramer는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
They Call Me Trinity
감옥을 탈출한 말도둑 밤비노는 노상에서 만난 보안관을 쏘아 부상을 입히고 대신 보안관 역할을 한다. 동료들과 만나 캘리포니아로 떠날 때 까지 신분을 감추고 숨어있기 위함이었는데, 문제는 해리먼 소령이란 악당이 이 마을을 장악하고 있다는 것이었다. 해리먼 소령은 인근 계곡의 드넓고 푸른 비옥한 초원지대에 눈독을 들이고 있었고, 자기보다 먼저 그곳에 정착하여 살고있는 몰몬 농부들을 몰아낼 생각이었기 때문에 틈만나면 농부들을 못 살게 굴었다. 보안관으로서 이를 못 본 척 할 수도 없고, 그렇다고 말도둑 주제에 나서서 해결해야 할 이유도 없기 때문에 그때 그때 임기응변으로 어영부영 시간만 보내고 있는 마당에 말썽꾸러기 동생 튜니티가 나타난다.
시청해야 하는 이유: 지리의 명확성을 바탕으로 제작된 액션. Enzo Barboni는 모든 사람이 어디에 있는지 항상 알기 때문에 최상의 시퀀스가 작동한다는 것을 이해합니다.
They Call Me Trinity(1970)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, They Call Me Trinity는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 대규모 유권자 풀의 7.6 등급은 영화가 시청자가 발견한 모든 약점보다 더 큰 장점을 가지고 있음을 의미합니다. They Call Me Trinity는 모든 영화가 충족해야 하는 최소 표준이자 개봉 횟수보다 적은 수의 달성이라는 핵심 약속을 이행합니다. 감독은 액션 영화의 핵심 문제를 해결합니다. 액션을 보여주기 전에 결과에 관심을 갖도록 만드는 것입니다. 지리적 명확성은 누가 어디에 있는지, 성공하려면 무엇이 필요한지 항상 알 수 있기 때문에 시퀀스가 작동합니다. They Call Me Trinity는 1970s영화에서 그 자리를 차지합니다. 그 이유는 지난 10년 동안 제작되었지만 이후 수십 년 동안 잃어버린 것을 포착하기 때문입니다. 1970s영화 제작의 문화적, 기술적 조건이 Enzo Barboni가 여기서 무엇을 만들 수 있는지를 결정했습니다.
They Call Me Trinity의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Enzo Barboni는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Terence Hill는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 They Call Me Trinity에서 가장 잘 드러납니다.
They Call Me Trinity를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 They Call Me Trinity를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 They Call Me Trinity가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Enzo Barboni의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Terence Hill의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 They Call Me Trinity는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. They Call Me Trinity는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. Enzo Barboni의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. They Call Me Trinity를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
Halloween
1963년 할로윈, 6살의 마이클 마이어스는 누나와 누나의 남자 친구를 살해하고 정신 병원으로 보내진다. 15년 후인 1978년 10월 30일, 태풍을 틈타 주치의 루미스 박사의 차를 훔쳐 탈출한 마이크는 고향으로 돌아간다. 한편 학생이자 부동산 중개인의 딸인 로리는 아이들을 봐주고 있는데, 로리의 친구들이 하나씩 사라지기 시작한다.
시청해야 하는 이유: Halloween는 정직하게 긴장감을 얻습니다. 압박감은 인위적인 놀라움보다는 상황과 성격에서 비롯됩니다. John Carpenter는 청중이 이해관계를 느낄 것이라고 믿습니다.
1978에 개봉된 Halloween는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. John Carpenter는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.6 등급은 그 지속력의 증거입니다. Halloween의 7.6 점수는 대안이 있었고 이를 높게 평가한 시청자를 바탕으로 만들어졌습니다. 그 선택은 자신의 주장을 명확하게 밝힌 영화를 반영합니다. 이것이 바로 Halloween가 하는 일입니다. John Carpenter가 주장을 펼쳤고 청중은 이를 받아들였습니다. 영화를 스릴러로 만드는 것은 스테이크에는 투자가 필요하다는 이해입니다. 첫 번째 막은 압력이 가해지기 전에 성격을 형성합니다. 긴장이 고조될 때쯤에는 결과에 신경을 써야 할 이유가 생깁니다. 매 10년마다 그 당시에는 꼭 필요해 보이다가 사라지는 영화를 제작합니다. Halloween는 더 작은 범주에 속합니다. 1970s영화는 그 시대에 대한 향수가 없는 시청자들에게 여전히 높은 평가를 받고 있습니다. 세대 간 품질이 실제 테스트입니다.
Halloween의 성능은 John Carpenter가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Donald Pleasence는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Halloween에서 가장 어려운 순간은 Donald Pleasence가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Halloween는 대기가 작동할 수 있는 조건, 즉 조명이 낮고 방해가 최소화되며 이상적으로는 문화적으로 잘 알려진 특정 순간에 대한 사전 지식이 없는 조건에서 가장 잘 시청됩니다. 공포는 관객이 무슨 일이 일어날지 정확히 알면 그 효과를 잃으며, Halloween는 영화를 보지 않은 사람들에게도 주요 시퀀스 중 일부가 친숙할 정도로 충분히 논의되었습니다. 제한된 사전 지식으로 접근할 수 있다면 그렇게 하세요. John Carpenter가 Halloween에 구축한 대기 기술은 청중이 진정한 불확실성 상태에 있는지 여부에 달려 있습니다. 7.6 등급은 시청 당시 해당 상태에 있었던 시청자를 반영합니다.
Halloween는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. John Carpenter는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 7.6 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 John Carpenter의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 Halloween가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
The Holy Mountain
예수를 닮은 한 사내. 이름 모를 기이하고도 그로테스크한 곳에 떨어졌다. 그는 벌거벗은 채로 난쟁이를 따라 얽히고 설킨 ‘세상’에 조금씩 눈을 뜨게 되고, 복잡한 세상을 정신없이 헤매던 그는 기묘한 여정에 들어서게 된다. 우선 사내는 우연히 신비의 지도자를 만나게 된다. 지도자를 통해 ‘연금술’의 능력을 배우면서 인정을 받게 된 그는 세상에서 가장 부유하고 영향력 있는 7명의 인물을 만난다. 이 7명의 인물들은 태양계의 행성들을 각각 수호하고 있다. 이후 예수를 닮은 사내와 지도자, 7명의 수행원들은 속세의 물건을 모두 버리고 신의 일을 대신하고 있는 불사의 현자들을 찾아 성스러운 산으로 길을 나선다. 그들이 성스러운 산을 오르기까지 과연 어떤 놀랄만한 사건들이 그들을 엄습해 올 것인가. 성스러운 산에 올라 깨달음을 얻기까지의 과정은 절대 쉽지 않다.
시청해야 하는 이유: The Holy Mountain가 드라마로 작동하는 이유는 Alejandro Jodorowsky가 관객이 느낄 수 있는 감정을 설명하기를 거부하기 때문입니다. 감정 기록은 신호를 받는 것이 아니라 생성되는 것입니다.
The Holy Mountain는 1973에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. The Holy Mountain가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.5의 The Holy Mountain는 여러 차원에서 지속적으로 평균 이상의 작품을 보여주는 영화입니다. 단일 요소가 다른 요소를 전달하지 않습니다. 연출, 글쓰기, 퍼포먼스 모두 같은 방향으로 끌려가고 있다. 영화는 다른 장르에서는 할 수 없는 드라마가 무엇을 할 수 있는지 보여줍니다. 평범한 인간의 행동에 압력을 가하고 반응을 통해 성격을 드러내는 것입니다. 감독은 그러한 조건을 만들고 출연진은 진정한 확신을 가지고 그 조건에 적응합니다. The Holy Mountain에 대한 1970s 컨텍스트는 부수적인 것이 아닙니다. 기술이 허용하는 것, 문화가 요구하는 것 등 지난 10년의 구체적인 미적 조건이 Alejandro Jodorowsky의 선택을 결정했습니다. 그러한 선택은 그 순간과 별개로 유지됩니다.
The Holy Mountain의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Alejandro Jodorowsky는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. The Holy Mountain는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 The Holy Mountain가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
The Holy Mountain는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.5 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. The Holy Mountain를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Alejandro Jodorowsky 및 Alejandro Jodorowsky가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에서 The Holy Mountain의 위치는 모든 사람을 위한 모든 것을 열망하지 않고 특정 품질을 안정적으로 전달하는 영화를 반영합니다. Alejandro Jodorowsky는 영화가 무엇인지 이해하고 높은 수준의 제작으로 만들었습니다. 7.5 등급은 이러한 조건으로 영화에 참여했으며 높은 평가를 받을 가치가 있다고 생각하는 시청자를 나타냅니다. 서로 다른 기대를 품은 관객들은 평점보다 영화가 덜 만족스럽다고 느낄 때도 있는데, 이는 영화의 약점이 아니라 기대감에 있다. The Holy Mountain는 바로 그 기술로 만들어졌고, 그것을 평가한 유권자들은 그것에 반응하고 있었습니다.
Serpico
갓 부임한 신참 형사 프랭크 서피코(알 파치노)는 자신의 방식을 고수하겠다는 결심이 대단하다. 그의 방식이란 정직하게 일한다는 것과 자유롭게 복장을 입는 것이다. 서피코는 히피처럼 옷을 입고, 정성스럽게 턱수염을 기르고, 목에는 염주 목걸이를 주렁주렁 달고 다닌다. 동료 경찰들은 서피코는 괴짜로 취급하면서 공공연히 그를 따돌린다. 하지만 서피코는 누구보다도 청렴결백하고 경찰로서의 의무에 충실하다. 그러던 어느 날 편지로 알고 받은 봉투 속에 거액의 돈이 들어 있는 것을 보게 되는데 그것은 다름 아닌 뇌물이었다. 서피코는 이를 거절하지만 동료 경찰들의 비웃음 사고 경찰이 뇌물을 받는 게 아주 당연시 되어 있는 분위기에 경악케 된다. 상관을 찾아가 뇌물 수수의 부당함을 알리지만 무시만 당하자 서피코는 경찰 고위층을 찾아가 시정을 요구한다. 서피코의 정의의 폭로는 경찰 내부조사의 계기가 되지만 그는 요주의 인물이 되어 경계의 대상이 된다. 하지만 뿌리 깊은 경찰 부패의 고리는 쉽게 끊어지지 않고 서피코는 이에 실망해 뉴욕 타임즈 기자를 만나 경찰들의 부정행위를 고발한다. 여론은 들끓고, 경찰에서는 개혁의 조짐이 보이기 시작한다. 마약반으로 부서를 이동한 서피코는 의문의 총기 사고를 당한다.
시청해야 하는 이유: Sidney Lumet는 좋은 드라마가 요구하지만 거의 얻지 못하는 인내심을 가지고 Serpico에 접근합니다. 그 결과 일정을 잡는 것이 아니라 감정적인 순간을 얻는 영화가 탄생했습니다.
Serpico의 1973 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Serpico를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Serpico의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.5 범위의 영화는 목록에서 제시된 위치보다 더 흥미로운 경우가 많습니다. 그들은 높은 등급의 타이틀에 대한 문화적 포화를 달성하지 못했습니다. 이는 Serpico가 선입견 없이 접근하기 더 쉽다는 것을 의미합니다. Serpico는 그로부터 이익을 얻습니다. 이것이 드라마와 구별되는 점은 감독이 관객이 느낄 수 있는 것을 설명하기를 거부한다는 점이다. 영화는 감정적인 무게를 지닌 상황을 만들어내고 관객들이 그 무게를 스스로 짊어질 것이라고 믿습니다. 공연은 과도한 신호를 보내지 않고 감정적 기록을 제공합니다. 오늘날에도 여전히 7.5 등급을 받고 있는 1970s의 영화는 동시대 개봉 영화보다 더 오랜 테스트를 거쳐 살아남았습니다. Serpico는 그 핵심인 스토리텔링, 퍼포먼스, 공예가 시대를 불문하고 작동하기 때문에 이 테스트를 통과했습니다.
Serpico의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Sidney Lumet는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. Serpico의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Al Pacino는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
Serpico를 처음 시청하는 시청자는 Sidney Lumet가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Serpico의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Al Pacino는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1973 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Sidney Lumet가 의도한 것입니다.
이와 같은 목록에서 11~25위 범위에 위치한 영화는 문화적 비중 없이 상위 10위권의 품질을 전달하기 때문에 가장 유용한 발견인 경우가 많습니다. Serpico가 이 위치에 있는 것은 위의 항목보다 훨씬 나쁘기 때문이 아니라 매력이 더 집중되어 있기 때문입니다. Serpico에서 Sidney Lumet의 활동을 접한 시청자들은 이 목록에 있는 어떤 영화보다도 높게 평가합니다. 더 넓은 유권자 기반의 평균이 여기에 위치합니다. 장르 선호도, 감독 관심도 또는 시대를 기준으로 이 영화가 자신에게 적합하다고 생각하는 구체적인 이유가 있는 시청자는 그보다 높은 순위의 여러 항목보다 우선순위를 두어야 합니다.
좋은 영화를 보면 세상을 보는 방식이 달라집니다. 그렇기 때문에 우리는 신중하게 선택합니다.
The Castle of Cagliostro
대도둑 루팡 3세는 국제 카지노를 털고 도망가지만, 그 돈이 모두 위조지폐라는 것을 깨닫고 위조지폐가 만들어진 칼리오스트로로 향한다. 그리고 우연히 괴한에게 쫓기던 여인을 구하고, 여인은 자신을 구하기 위해 애쓰다 다친 루팡을 보살펴준다. 그러나 다시 나타난 괴한들 때문에 도망을 치던 여인은 결국 괴한들에게 잡혀가고, 남겨진 그녀의 장갑을 살펴본 루팡은 그녀의 정체를 알아낸다. 그녀를 구하기로 결심한 루팡은 동료인 고에몽을 부르는데…
시청해야 하는 이유: 단순히 홍보된 영화라기보다 정말 재미있는 영화입니다. The Castle of Cagliostro의 유머는 설정이 아닌 캐릭터에서 나옵니다.
The Castle of Cagliostro(1979)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, The Castle of Cagliostro는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 7.5 등급은 일관된 수준에서 동시에 작동하는 감독, 각본 및 성능을 반영합니다. 이 범위의 점수를 받은 영화는 단일 차원에서 크게 실패하는 경우가 거의 없으며 The Castle of Cagliostro도 예외는 아닙니다. 영화를 코미디로 만드는 이유는 감독이 유머가 어디에 있는지 알려주기를 거부하기 때문입니다. 농담은 성격과 상황에서 나오는데, 이는 웃어야 한다는 말을 기다리는 시청자보다 주의를 기울이는 시청자가 더 많은 것을 발견한다는 것을 의미합니다. 1970s 시네마 전체의 맥락에서 The Castle of Cagliostro는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1970s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
The Castle of Cagliostro의 시각적 언어는 1979의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Hayao Miyazaki는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. The Castle of Cagliostro의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 The Castle of Cagliostro를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
The Castle of Cagliostro의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Hayao Miyazaki가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. The Castle of Cagliostro는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Yasuo Yamada의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 The Castle of Cagliostro는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 Yasuo Yamada의 성능과 Hayao Miyazaki의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
Escape from Alcatraz
1960년, 샌프란시스코. 중죄수들만 수감하는 샌프란시스코만 바로 앞의 작은섬 알카트래즈 연방 교도소. 냉철하고 이지적인 죄수 모리스는 입소 첫날부터 탈옥할 생각을 하지만 악마같이 집요한 소장의 표현대로 아직 한번도 탈옥에 성공한 예가 없는 교도소답게 허점이 보이지 않는다. 그러나 모리스는 감방 건물이 낡고 바다의 염분 습기 때문에 시멘트와 철근이 많이 삭았다는 점에 착안하고 환기통을 뚫고 천정을 통해서 탈출할 계획을 세운다. 존과 클리렌스 형제와 함께 탈옥을 약속하고 환기통 구멍을 파면서 교도관들의 눈속임을 위한 위장물과 탈옥장비들을 동료 죄수들의 도움으로 하나씩 준비한다. 몇차례 위기를 넘긴 일행은 치밀한 계획과 대담한 행동으로 환기통을 통하여 교도소 건물을 빠져나간다. 다음날 아침 교도소는 비상령이 내리고 근처 바다에서 대대적인 수색 작업을 폈으나, 끝내 찾지못하고 곧이어 알카트래즈 감옥이 폐쇄되는데...
시청해야 하는 이유: Escape from Alcatraz는 정직하게 긴장감을 얻습니다. 압박감은 인위적인 놀라움보다는 상황과 성격에서 비롯됩니다. Don Siegel는 청중이 이해관계를 느낄 것이라고 믿습니다.
1979에 개봉된 Escape from Alcatraz는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Don Siegel는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.5 등급은 그 지속력의 증거입니다. Escape from Alcatraz의 7.5 점수는 큰 약점 없이 전제를 전달하는 영화 중 하나입니다. Don Siegel는 전체적으로 의도한 대로 작동하는 것을 만들었지만, 생각보다 흔하지 않습니다. 영화를 스릴러로 만드는 것은 스테이크에는 투자가 필요하다는 이해입니다. 첫 번째 막은 압력이 가해지기 전에 성격을 형성합니다. 긴장이 고조될 때쯤에는 결과에 신경을 써야 할 이유가 생깁니다. 1970s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. Escape from Alcatraz는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
Escape from Alcatraz의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Don Siegel는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Clint Eastwood는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Escape from Alcatraz에서 가장 잘 드러납니다.
Escape from Alcatraz는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.5 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Escape from Alcatraz를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Don Siegel 및 Clint Eastwood가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 Escape from Alcatraz를 배치하는 7.5 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. Escape from Alcatraz에 높은 점수를 주기로 한 결정은 Don Siegel가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. Escape from Alcatraz는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
The Conversation
도청 전문가인 해리는 어느 사장의 의뢰로 두 남녀의 대화를 도청하다 이상한 낌새를 챈다. 사장의 부인인 그녀가 살해될지도 모른다는 추측을 하게 된 것. 그는 이 사실을 사장에게 알리고 테이프를 건네주려 하지만 비서인 마틴의 개입으로 실패한다. 그러던 어느 날 친구들과의 모임에서 메레디스라는 낯선 여인이 그에게 접근해온다. 그녀는 해리에게서 테이프를 빼돌리고, 해리는 마틴을 찾아가지만 아무런 말도 하지 못한다. 도청한 대화 내용 중 '일요일 호텔에서 만나자'라는 말을 기억한 해리는 그들의 옆방으로 잠입하는데...
시청해야 하는 이유: The Conversation가 드라마로 작동하는 이유는 Francis Ford Coppola가 관객이 느낄 수 있는 감정을 설명하기를 거부하기 때문입니다. 감정 기록은 신호를 받는 것이 아니라 생성되는 것입니다.
The Conversation는 1974에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. The Conversation가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.5에서 The Conversation는 품질이 일관된 범위에 있지만 영화는 더 높은 등급 타이틀에 대한 광범위한 합의를 달성하지 못했습니다. 이러한 좁은 합의는 특정 매력을 반영하는 경우가 많습니다. The Conversation는 모든 사람을 위한 것은 아니지만 올바른 시청자에게는 탁월합니다. 영화는 다른 장르에서는 할 수 없는 드라마가 무엇을 할 수 있는지 보여줍니다. 평범한 인간의 행동에 압력을 가하고 반응을 통해 성격을 드러내는 것입니다. 감독은 그러한 조건을 만들고 출연진은 진정한 확신을 가지고 그 조건에 적응합니다. 1970s는 특정한 관심과 특정한 미적 접근 방식을 지닌 특정한 문화적 순간이었습니다. The Conversation는 이러한 조건을 초월하면서 반영합니다. 감상하기 위해 1970s를 이해할 필요가 없는 1970s영화입니다.
The Conversation의 성능은 Francis Ford Coppola가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Gene Hackman는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. The Conversation에서 가장 어려운 순간은 Gene Hackman가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
The Conversation를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 The Conversation를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 The Conversation가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Francis Ford Coppola의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Gene Hackman의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 The Conversation는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. The Conversation는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. Francis Ford Coppola의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. The Conversation를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
The French Connection
프랑스의 마르세유 뒷골목에서 한 형사가 살해된다. 뉴욕에서는 마약 밀매 조직 소탕에 힘을 쏟는 강력계 형사 도일과 그의 파트너 루소가 마약 밀매자를 잡아 그 경로를 추궁하지만 경로는 밝혀지지 않는다. 그들은 의심이 되는 나이트 클럽을 덮쳐 범인을 체포하고, 그 클럽이 프랑스 마르세유의 조직과 연관된 최대의 마약 밀매 조직인 '프렌치 커넥션'의 중심지라는 사실을 알아내는데...
시청해야 하는 이유: The French Connection는 최고의 스릴러가 절제를 통해 작동한다는 것을 보여줍니다. William Friedkin는 최대한 오랫동안 보류하며 결과는 기존 에스컬레이션보다 더 효과적입니다.
The French Connection의 1971 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. The French Connection를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. The French Connection의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.5의 The French Connection는 이 목록의 신뢰할 수 있는 계층을 나타냅니다. 실망시키지 않는 영화들입니다. William Friedkin는 영화에 필요한 것이 무엇인지 이해하고 타협 없이 실행했습니다. 기술은 감독이 보류하는 것에서 가장 눈에 띄게 나타납니다. 정보는 전략적으로 공개되며, 각 공개는 이전에 나온 내용을 재구성합니다. 성과는 통제된 공개에 맞춰 조정됩니다. 1970s의 영화 순위를 매기는 것은 부분적으로 살아남은 영화를 식별하는 연습입니다. The French Connection가 살아남은 이유는 William Friedkin가 트렌드가 아닌 기술을 기반으로 선택했기 때문입니다. 7.5 등급은 이러한 선택이 여전히 유효하다고 생각하는 시청자를 반영합니다.
The French Connection의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. William Friedkin는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. The French Connection는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 The French Connection가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
The French Connection는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.5 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. The French Connection를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. William Friedkin 및 Gene Hackman가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
The French Connection는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. William Friedkin는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 7.5 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 William Friedkin의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 The French Connection가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
Dawn of the Dead
어떤 병원체로 인해 수 많은 사람들이 좀비가 되어 뇌만 죽은 채 의식없이 거리를 방황한다. 이들은 오직 살아있는 사람들을 먹기 위해 달려들고, 좀비에게 물리게 되면 그 사람도 같은 상태가 된다. 이로 인해 좀비들은 점차 늘어나고 세상은 온통 무질서의 마비 상태가 된다. 이때 네 사람이 헬기로 어떤 한적한 곳의 백화점에 피신하게 되고 좀비들로부터 포위되는데...
시청해야 하는 이유: 분위기와 암시를 통해 작동하는 공포. Dawn of the Dead는 보여주는 것보다 숨기는 것을 통해 두려움을 얻습니다.
Dawn of the Dead(1978)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Dawn of the Dead는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 대규모 유권자 풀의 7.5 등급은 영화가 시청자가 발견한 모든 약점보다 더 큰 장점을 가지고 있음을 의미합니다. Dawn of the Dead는 모든 영화가 충족해야 하는 최소 표준이자 개봉 횟수보다 적은 수의 달성이라는 핵심 약속을 이행합니다. 감독은 그것이 명백한 위험으로 나타나기 전에 표면 아래에서 뭔가 잘못된 느낌을 받을 때 공포가 작동한다는 것을 이해합니다. 영화는 첫 번째 공포 이전의 톤과 분위기를 통해 그 잘못을 만들어낸다. Dawn of the Dead는 1970s영화에서 그 자리를 차지합니다. 그 이유는 지난 10년 동안 제작되었지만 이후 수십 년 동안 잃어버린 것을 포착하기 때문입니다. 1970s영화 제작의 문화적, 기술적 조건이 George A. Romero가 여기서 무엇을 만들 수 있는지를 결정했습니다.
Dawn of the Dead의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. George A. Romero는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. Dawn of the Dead의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. David Emge는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
Dawn of the Dead는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.5 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Dawn of the Dead를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. George A. Romero 및 David Emge가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에서 Dawn of the Dead의 위치는 모든 사람을 위한 모든 것을 열망하지 않고 특정 품질을 안정적으로 전달하는 영화를 반영합니다. George A. Romero는 영화가 무엇인지 이해하고 높은 수준의 제작으로 만들었습니다. 7.5 등급은 이러한 조건으로 영화에 참여했으며 높은 평가를 받을 가치가 있다고 생각하는 시청자를 나타냅니다. 서로 다른 기대를 품은 관객들은 평점보다 영화가 덜 만족스럽다고 느낄 때도 있는데, 이는 영화의 약점이 아니라 기대감에 있다. Dawn of the Dead는 바로 그 기술로 만들어졌고, 그것을 평가한 유권자들은 그것에 반응하고 있었습니다.
Willy Wonka & the Chocolate Factory
세계적인 초콜릿과 과자 재벌 윌리 윙커(Willy Wonka: 진 와일더 분)는 어느날 100개의 초콜릿 상자 속에 단 5개의 황금 티켓을 넣어 발매하였다는 발표를 한다. 티켓을 찾아낸 어린이들은 평생 동안 웡카 초콜릿을 무상으로 공급받을 수 있고, 비밀에 싸인 웡카 공장의 견학을 할 수 있는 자격이 생긴다. 온세계는 웡카 열풍에 휩싸이고, 어른이며 애며 할 것없이 웡카 초콜릿을 박스째로 사다가 뜯어본다. 한반 아이들은 평균 수백개의 초콜릿을 사본 경험이 있을 정도로 대 인기를 얻은 이벤트가 되었다. 하지만, 집이 가난한 찰리(Charlie: 피터 오스트럼 분)는 친조부모와 외조부모, 그리고 혼자된 어머니를 모시고 살며, 가족의 끼니 걱정을 하는 어린이이다. 수백개의 상자를 뜯고 있는 사람들의 모습은 찰리에겐 너무나도 먼 일이지만, 할머니와 할아버지들은 어렵게 모은 돈으로 찰리에게 웡카 초콜릿을 선물한다. 헛된 꿈을 키우는 것을 원치않는 찰리의 어머니는 반대하지만, 겉으로 내색않는 찰리에게도 남들의 이야기는 마냥 부럽다. 영국, 미국, 독일 등지에서 황금 티켓을 가진 어린이들이 나타난다. 마지막 한개의 티켓은 남미의 어느 나라에서 발견되고 찰리에게는 더 이상 별다른 희망이 없다. 길을 걷다가 커다란 은화를 발견한 찰리는 먹고 싶던 초콜릿을 두 개 산다. 하나는 자신을 위해 하나는 할아버지(Grandpa Joe: 잭 알버트슨 분)를 위해. 그때, 남미에서 발견된 황금 티켓이 위조된 것이라는 뉴스 발표가 나온다. 찰리는 할아버지를 위해 남겨둔 마지막 초콜릿 포장을 뜯고. 그 안에 든 것은 이제 전 세계에 단 하나 남은 황금티켓. 한명의 동반자만을 허용한다는 웡카 회사의 이야기를 들은 찰리는 할아버지와 함께 가기로 하고, 공장 견학의 날, 다섯 어린이들은 각자의 부모와 함께 공장앞에 모인다. 윌리 웡카가 안내하는 초콜릿 공장. 어린이들은 이제껏 어디서도 본 적 없는 꿈과 환상의 세계에 들어가게 되는데.
시청해야 하는 이유: Willy Wonka & the Chocolate Factory는 핵심을 중심으로 설계된 상황이 아니라 이 사람들이 누구인지에 대한 농담이 나오기 때문에 계속해서 다시 시청할 수 있는 코미디입니다.
1971에 개봉된 Willy Wonka & the Chocolate Factory는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Mel Stuart는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.5 등급은 그 지속력의 증거입니다. Willy Wonka & the Chocolate Factory의 7.5 점수는 대안이 있었고 이를 높게 평가한 시청자를 바탕으로 만들어졌습니다. 그 선택은 자신의 주장을 명확하게 밝힌 영화를 반영합니다. 이것이 바로 Willy Wonka & the Chocolate Factory가 하는 일입니다. Mel Stuart가 주장을 펼쳤고 청중은 이를 받아들였습니다. 영화는 관객의 코믹한 타이밍 감각을 신뢰합니다. 감독은 리듬을 설정한 다음 유머가 살아 있는 곳에 잠시 휴식을 취합니다. 공연은 절제가 강조보다 더 재미있다는 것을 이해합니다. 매 10년마다 그 당시에는 꼭 필요해 보이다가 사라지는 영화를 제작합니다. Willy Wonka & the Chocolate Factory는 더 작은 범주에 속합니다. 1970s영화는 그 시대에 대한 향수가 없는 시청자들에게 여전히 높은 평가를 받고 있습니다. 세대 간 품질이 실제 테스트입니다.
Willy Wonka & the Chocolate Factory의 시각적 언어는 1971의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Mel Stuart는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. Willy Wonka & the Chocolate Factory의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 Willy Wonka & the Chocolate Factory를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
Willy Wonka & the Chocolate Factory를 처음 시청하는 시청자는 Mel Stuart가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Willy Wonka & the Chocolate Factory의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Gene Wilder는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1971 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Mel Stuart가 의도한 것입니다.
이와 같은 목록에서 11~25위 범위에 위치한 영화는 문화적 비중 없이 상위 10위권의 품질을 전달하기 때문에 가장 유용한 발견인 경우가 많습니다. Willy Wonka & the Chocolate Factory가 이 위치에 있는 것은 위의 항목보다 훨씬 나쁘기 때문이 아니라 매력이 더 집중되어 있기 때문입니다. Willy Wonka & the Chocolate Factory에서 Mel Stuart의 활동을 접한 시청자들은 이 목록에 있는 어떤 영화보다도 높게 평가합니다. 더 넓은 유권자 기반의 평균이 여기에 위치합니다. 장르 선호도, 감독 관심도 또는 시대를 기준으로 이 영화가 자신에게 적합하다고 생각하는 구체적인 이유가 있는 시청자는 그보다 높은 순위의 여러 항목보다 우선순위를 두어야 합니다.
황무지
사우디 다코다의 포트 되프르에 살고 있는 15살의 홀리는 엄마없이, 다른 그 또래의 소년들처럼 물고기와 강아지를 키우고 음악 레슨을 받고 스페인어를 배우면서 생활하는 평범한 소녀이다. 평범한 생활을 하던 홀리는 영화 잡지 속의 스타들의 생활을 읽으면서 강한 인상을 받는다. 그런 그녀가 키트에 끌리는 것은 당연할 일일 수밖에 없다. 키트는 마치 영화 속의 제임스 딘이 살아나온 것 같은 데 에서 그랬던 것처럼 키트는 흰색 티셔츠에 자켓을 걸치고, 입술에 담배를 반쯤 걸치고는 흔들어 댄다. 홀리는 키트를 사랑해서가 아니라 그와 함께 도망다님으로써 자신이 모험 영화의 주인공이 될 수 있다고 믿었다. 그녀는 자동차 뒷자석에서 키트를 애무하고 그와 함께 황야에 집을 짓고 총을 장전하고 총쏘는 법을 배운다. 하지만 여행 중 일어난 모든 일들이 그녀에게 진실로 느껴지지 않는다. 심지어 죽어가는 사람들 조차도 이라는 이야기 속에서 죽어 넘어지는 영화속의 한 장면일 뿐이다. 한편 키트는 자신이 존재하는 세계에 자신의 존재를 보여주기 위해 벽을 온통 낙서로 장식하는 빈민가의 십대처럼 자신의 존재를 증명하기 위해 또한 법률에 따르는 사람들 가운데 특별하다는 사실을 보여주기 위해 자신의 기록을 남기는데 사로 잡혀있다. 그는 유명인이 되면 사인을 해주고 생활의 비도덕성까지도 허용받을 수 있다고 믿었다.
시청해야 하는 이유: A movie worth discovering in this decade selection.
More information available after watching.
황무지의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Director TBA는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. the lead는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 황무지에서 가장 잘 드러납니다.
황무지의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Director TBA가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. 황무지는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 the lead performance의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
황무지의 상위 10위 순위는 경쟁 대상을 고려할 때 가장 의미가 있습니다. 이 모드와 시대에 대한 카탈로그의 모든 영화가 평가되었으며, 황무지는 평가 품질과 투표자 수의 조합이 선택 항목의 다른 모든 영화보다 우선했기 때문에 여기 순위에 올랐습니다. Director TBA는 황무지에서 같은 카테고리의 대안, 즉 좋은 영화인 대안과 구별되는 선택을 했습니다. 상위 10위와 상위 20위 사이의 격차는 보이는 것보다 절대 등급 측면에서는 작지만 시청자 경험이 실제로 전달하는 측면에서는 중요합니다.
Suspiria
독일의 유명한 발레 학교로 유학 온 미국인 소녀 수지는 도착 첫날 밤, 겁에 질려 학교에서 도망쳐나오는 학생을 목격하고, 이튿날 아침 도망치던 학생과 다른 여학생이 끔찍하게 살해당했다는 소식을 듣는다. 수지는 발레 학교에 적응하려고 애쓰지만 이상한 선생과 학생들, 밤에 기숙사에 울려퍼지는 기이한 소리들 때문에 힘이 든다. 그 지방 전설로 내려오는 마녀 이야기와 살인 사건이 관련있으리라 추측하던 수지는 자신도 모르는 사이에 흑마술의 표적이 되는데...
시청해야 하는 이유: Suspiria의 두려움은 실제와 연결되어 있습니다. Dario Argento는 표면적인 공포에는 관심이 없습니다. 여기서 공포는 장르 역학을 넘어서는 것을 의미합니다.
Suspiria는 1977에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. Suspiria가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.5의 Suspiria는 여러 차원에서 지속적으로 평균 이상의 작품을 보여주는 영화입니다. 단일 요소가 다른 요소를 전달하지 않습니다. 연출, 글쓰기, 퍼포먼스 모두 같은 방향으로 끌려가고 있다. 영화는 감독이 보류한 것을 통해 공포로 작용한다. 카메라는 안전한 것을 보여주고 그렇지 않은 것을 잘라냅니다. 이는 역설적으로 숨겨진 위협을 그 어떤 유혈 사태보다 더 무섭게 만듭니다. Suspiria에 대한 1970s 컨텍스트는 부수적인 것이 아닙니다. 기술이 허용하는 것, 문화가 요구하는 것 등 지난 10년의 구체적인 미적 조건이 Dario Argento의 선택을 결정했습니다. 그러한 선택은 그 순간과 별개로 유지됩니다.
Suspiria의 성능은 Dario Argento가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Jessica Harper는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Suspiria에서 가장 어려운 순간은 Jessica Harper가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Suspiria는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.5 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Suspiria를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Dario Argento 및 Jessica Harper가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 Suspiria를 배치하는 7.5 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. Suspiria에 높은 점수를 주기로 한 결정은 Dario Argento가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. Suspiria는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
Days of Heaven
1916년, 시카고 슬럼가 제철소에서 고된 노동을 하는 빌은 우발적으로 공장장을 살해하고 여동생과 애인 애비를 데리고 도망친다. 텍사스까지 흘러든 빌 일행은 떠돌이 노동자들과 함께 수확철의 밀 농장에서 일자리를 얻는다. 빌은 사람들에게 애비를 여동생이라고 속이고, 이들이 남매인 줄로만 안 젊고 병약한 농장주는 애비에게 청혼한다. 우연히 농장주와 의사의 대화를 들은 빌은 농장주가 불치병에 걸렸다는 것을 알게 되고, 지긋지긋한 가난에서 벗어나려는 욕심에 애비에게 농장주와 결혼하도록 설득한다. 두 사람의 결혼으로 빌 일행은 농장주의 집으로 옮겨가 한적하고 아름다운 농장에서 꿈같은 나날을 보내게 된다. 그러나 금방 죽을 거라는 빌의 예상과는 달리 농장주의 병세는 악화되지 않고, 시간이 지날수록 빌과 애비의 관계는 모호해진다. 한편, 둘의 관계를 눈치챈 농장주는 배신감과 분노를 삭이는 가운데 애비의 마음 속엔 차츰 농장주에 대한 사랑의 감정이 싹트게 된다. 이듬해 수확철을 앞두고 거대한 메뚜기떼가 습격하여 밀 농장을 뒤덮고 잘못 던진 불씨로 인해 농장은 하룻밤 사이에 잿더미가 된다. 이 와중에 빌과 애비가 함께 있는 것을 목격한 농장주는 빌에게 덤벼드는데...
시청해야 하는 이유: Terrence Malick는 좋은 드라마가 요구하지만 거의 얻지 못하는 인내심을 가지고 Days of Heaven에 접근합니다. 그 결과 일정을 잡는 것이 아니라 감정적인 순간을 얻는 영화가 탄생했습니다.
Days of Heaven의 1978 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Days of Heaven를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Days of Heaven의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.5 범위의 영화는 목록에서 제시된 위치보다 더 흥미로운 경우가 많습니다. 그들은 높은 등급의 타이틀에 대한 문화적 포화를 달성하지 못했습니다. 이는 Days of Heaven가 선입견 없이 접근하기 더 쉽다는 것을 의미합니다. Days of Heaven는 그로부터 이익을 얻습니다. 이것이 드라마와 구별되는 점은 감독이 관객이 느낄 수 있는 것을 설명하기를 거부한다는 점이다. 영화는 감정적인 무게를 지닌 상황을 만들어내고 관객들이 그 무게를 스스로 짊어질 것이라고 믿습니다. 공연은 과도한 신호를 보내지 않고 감정적 기록을 제공합니다. 오늘날에도 여전히 7.5 등급을 받고 있는 1970s의 영화는 동시대 개봉 영화보다 더 오랜 테스트를 거쳐 살아남았습니다. Days of Heaven는 그 핵심인 스토리텔링, 퍼포먼스, 공예가 시대를 불문하고 작동하기 때문에 이 테스트를 통과했습니다.
Days of Heaven의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Terrence Malick는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. Days of Heaven는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 Days of Heaven가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
Days of Heaven를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 Days of Heaven를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 Days of Heaven가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Terrence Malick의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Richard Gere의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 Days of Heaven는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. Days of Heaven는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. Terrence Malick의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. Days of Heaven를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
Patton
1943년 아프리카 카세린 요충지 튜니지아(Kasserine Pass Tunisia). 롬멜 장군이 이끄는 최강의 독일군과 격렬한 공방전을 전개 중인 미국 제2기갑병단에 패튼 장군(Gen. George S. Patton Jr. : 조지 C. 스캇 분)이 부임해온다. 화력의 열세로 독일군에게 연패를 하고 있던 이 기갑병단을 재건해야 할 병단장으로서 유능한 부관 브래들리 소장과 함께 온다. 패튼은 기갑병단을 엄격한 훈련으로 강화하여 롬멜 군단을 분쇄한다. 그는 영국의 몽고메리 장군(Field Marshal Sir Bernard Law Montgomery : 마이클 베이츠 분)을 지원하기 위해 시칠리아섬 침공의 제2병단 사령관으로 영전되어 이탈리아로 재배치된다. 패튼은 자신의 공만을 세우려는 몽고메리 장군을 지원하지 않고 독단적인 결정으로 팔레보에 진격하여 가볍게 탈환한다. 몽고메리 측에서는 패튼의 이러한 결정을 탐탁해 하지 않으며, 패튼이 난공불락으로 여겨지던 메시나 탈환에 실패할 것이라고 기대한다. 메시나로 진격한 패튼은 무리한 강행군을 통해 부하들을 이끌며 몽고메리 장군보다 먼저 고지를 탈환하고 다시 한번 그의 위용을 과시한다. 그러나 어느 날 전쟁 노이로제에 걸린 병사들을 구타한 사건으로 사령관직에서 해임된다. 영국으로 전속을 명령받지만 그곳에서도 폭언을 하여 상부로부터 문책을 당한다.
시청해야 하는 이유: 크레딧을 받고 나서도 여운이 남는 그런 드라마. Franklin J. Schaffner는 표준 요금보다 높은 수준의 소재에 인내심을 제공합니다.
Patton(1970)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Patton는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 7.5 등급은 일관된 수준에서 동시에 작동하는 감독, 각본 및 성능을 반영합니다. 이 범위의 점수를 받은 영화는 단일 차원에서 크게 실패하는 경우가 거의 없으며 Patton도 예외는 아닙니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. 1970s 시네마 전체의 맥락에서 Patton는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1970s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
Patton의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Franklin J. Schaffner는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. Patton의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. George C. Scott는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
Patton는 단순히 시간을 채우는 것보다 진정한 내용을 담고 싶은 저녁 시간에 적합합니다. 그것은 배경 영화도 아니고 수동적인 경험도 아닙니다. Franklin J. Schaffner는 여러분의 관심을 끌고 일반적이 아닌 구체적으로 보상하는 무언가를 구성했습니다. 다른 일을 하면서 Patton를 시청하는 시청자는 영화에 완전히 집중한 사람이 볼 수 있는 버전보다 훨씬 적은 버전의 영화를 보게 됩니다. 7.5 등급은 집중 시청 경험을 반영합니다. 출연진(구체적으로 George C. Scott)은 집중해서 볼 때 기록되고 주의가 산만해지면 사라지는 공연 세부 정보를 제공합니다.
Patton는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. Franklin J. Schaffner는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 7.5 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 Franklin J. Schaffner의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 Patton가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
1970s 영화의 순위를 매긴 방법
이 페이지의 모든 영화는 영화 데이터베이스 API의 데이터를 사용하여 선택되었으며 품질 일관성을 보장하기 위해 최소 투표 기준으로 필터링되었습니다. 이 프로세스는 이 카테고리의 모든 영화로 시작하여 투표 평균을 기준으로 내림차순으로 정렬된 다음 필터링하여 필요한 투표 수보다 적은 영화를 제외합니다.
더 큰 목록에서 각 항목의 정확성을 수동으로 확인했습니다. 높은 평점이 자동으로 시청 가능성으로 해석되는 것은 아닙니다. 최근 뉴스 때문에 인기 급상승 중인 영화는 정말 좋기 때문에 인기 급상승 중인 영화와는 다릅니다. 각 항목에 대한 편집 분석은 문화적 소음보다는 실제 영화 품질을 반영합니다.
선택은 접근성과 깊이 사이의 균형을 유지합니다. 여기에 있는 영화는 현대 개봉작부터 재발견할 가치가 있는 카탈로그 타이틀까지 다양합니다. 모두 기술과 의도로 만들어졌습니다. 모든 보상보기.
장르별 최고의 1970s 영화
이 페이지의 50 영화는 다양한 장르와 하위 장르에 걸쳐 있습니다. 장르는 필터로는 유용하지만 최종 카테고리로는 유용하지 않습니다. 드라마 태그가 붙은 영화는 스릴러 태그가 붙은 영화만큼 긴장감을 느낄 수 있습니다. 액션 태그가 붙은 영화는 드라마 태그가 붙은 영화만큼 정서적으로 지능적일 수 있습니다. 장르를 전체 그림이 아닌 출발점으로 활용하세요.
각 영화의 장르 태그는 영화의 위치를 범주별로 보여줍니다. 필터를 사용하여 1970s 내에서 가장 관심 있는 장르를 찾으세요.
등급별 최고의 1970s 영화
이 페이지의 영화는 세 가지 등급으로 구분됩니다. 8.5 이상의 영화는 모든 측면에서 예외적이며 이 카테고리에서 가장 뛰어난 영화를 나타냅니다. 7.5에서 8.4까지의 영화는 일관된 기술을 보여주며 안정적으로 강력합니다. 7.0에서 7.4까지의 영화는 약간 더 넓은 품질 범위를 나타내지만 여전히 훌륭하고 볼만한 가치가 있습니다.
TMDB에서 8.0 등급을 받으려면 통계적으로 신뢰할 수 있을 만큼 충분히 큰 유권자 기반이 필요합니다. 이는 시간이 지남에 따라 테스트된 진정한 청중 감사를 반영합니다.
Runtime 최고의 1970s 영화
런타임은 시청할 항목을 선택할 때 가장 유용한 필터 중 하나이며 가장 적게 사용되는 필터 중 하나입니다. 90분 미만의 영화는 정밀하게 완벽한 경험을 제공합니다. 대부분의 시청 상황에 가장 적합한 영화 길이는 90~120분입니다. 120분이 넘는 영화는 헌신이 필요하지만 그에 대한 보상을 제공합니다.
예상보다 훨씬 오래 걸리는 일을 밤늦게 시작하기보다는 여유 시간을 활용하여 적합한 영화를 찾으세요.
찾을 가치가 있는 숨겨진 보석
모든 1970s 선택 항목에는 최고 가시성 순위보다 낮지만 뛰어난 내용을 제공하는 영화가 포함되어 있습니다. 프랜차이즈 인지도나 최근 언론 보도가 부족하기 때문에 알고리즘이 과소평가하는 영화입니다. 모호하다고 해서 숨겨지는 것이 아닙니다. 플랫폼에서 가장 큰 옵션이 먼저 표시되기 때문에 숨겨져 있습니다.
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자주 묻는 질문
1970s의 최고의 영화는 무엇입니까?
1970s의 최고의 영화는 이 페이지에 순위가 매겨져 있으며 전체 목록이 나열되어 있습니다. 이 목록은 향수보다는 진정한 청중의 감사를 반영합니다. 모든 영화는 충분히 많은 관객의 지속적인 긍정적인 반응을 통해 그 자리를 차지했습니다.
1970s의 최고 평점을 받은 영화는 무엇인가요?
1970s의 최고 등급 영화가 이 페이지 상단에 나열되어 있습니다. 등급이 8.5 이상인 영화는 이후 제작된 모든 콘텐츠에 액세스할 수 있었던 시청자의 평가를 받았기 때문에 등급이 수치만으로 제시되는 것보다 더 의미가 있습니다.
최고의 1970s 스릴러는 무엇입니까?
1970s의 스릴러는 이 페이지 전체에서 장르 태그로 식별됩니다. 스릴러 또는 범죄 스릴러 태그가 붙은 영화를 찾아보세요. 최고의 1970s 스릴러는 조작된 충격보다는 캐릭터 투자를 통해 긴장감을 조성합니다.
1970s 드라마 중 최고의 드라마는 무엇인가요?
1970s의 드라마 영화는 이 시대의 가장 지속적인 작품을 대표합니다. 최고의 1970s 드라마는 시청자가 밑줄을 긋지 않고 감정 정보를 등록하고 출시 후에도 수십 년 동안 시청에 대한 보상을 계속할 것이라고 신뢰했습니다.
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액션 영화는 1970s 기간 동안 크게 발전했습니다. 액션이라는 태그가 붙은 이 페이지의 영화는 이해가 먼저이고 충격이 두 번째로 이어지는 시퀀스를 통해 이러한 진화의 최고를 나타냅니다.
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최고의 1970s 코미디는 설정과 펀치라인 메커니즘보다는 캐릭터에서 유머를 이끌어 냈습니다. 원래의 문화적 참조가 희미해진 경우에도 캐릭터가 구체적이고 알아볼 수 있기 때문에 여전히 재미있습니다.
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최고의 1970s SF 영화는 무엇입니까?
최고의 1970s 공상과학 영화는 볼거리보다는 인간의 질문을 탐구하기 위해 추측적 전제를 사용했습니다. 이 장르는 실제 아이디어를 담은 프로젝트가 제작되어 극장에서 개봉될 정도로 진지하게 받아들여졌습니다.
최고의 1970s 범죄 영화는 무엇입니까?
1970s의 범죄 영화는 해당 장르가 제작한 가장 강력한 작품 중 일부를 대표합니다. 이 영화들은 도덕적 모호함을 해결하지 못한 채 다루었고, 낭만주의 없이 범죄 생활의 대가를 보여주었습니다.
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1970s의 가장 과소평가된 영화는 무엇인가요?
이 페이지의 숨겨진 보석 섹션에서는 의미 있는 유권자 기반에서 6.5~7.4점 사이의 점수를 얻은 1970s 영화를 식별합니다. 이 영화들은 모호해서가 아니라 프랜차이즈 인지도나 최근 언론 보도가 부족하기 때문에 과소평가됩니다.
누구나 한 번쯤은 봐야 할 1970s 영화는 무엇일까요?
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일반적으로 오래된 영화를 보지 않는 사람을 위한 최고의 1970s 영화는 무엇입니까?
이 페이지에서 등급이 8.5 이상인 영화부터 시작하세요. 품질은 노화되지 않습니다. 장르 태그를 사용하여 좋아하는 장르의 1970s 영화를 찾고 거기서 시작하세요.
1970s 영화는 현대 영화와 어떻게 다릅니까?
1970s는 다양한 제약과 다양한 야망을 가지고 영화를 제작했습니다. 예산 구조 덕분에 독창적인 전제를 갖춘 중급 영화가 극장 개봉을 할 수 있었습니다. 감독에게는 현재 일반적인 것보다 스튜디오에 비해 더 많은 창의적인 통제권이 주어졌습니다.
1970s 영화는 오늘날에도 여전히 볼 가치가 있나요?
네, 자격이 없습니다. 이 목록에 있는 영화는 역사적으로 흥미로워서가 아니라 지속력이 있기 때문에 선택되었습니다. 훌륭한 영화 제작은 기술이나 패션이 늙어가는 것처럼 늙어가는 것이 아닙니다. 현대 관객들은 이 영화들을 계속해서 높게 평가하고 있습니다.