Baba
Mario Puzo'nun çok satan kitabından Puzo ve yönetmen Francis Ford Coppola tarafından sinemaya uyarlanan eser, 40'lar ve 50'lerin Amerika'sında, bir İtalyan mafya ailesinin destansı öyküsünü konu alıyor. Corleone ailesi, Don Vito Corleone'nin başında olduğu, suça dayalı bir örgüt kurmuş olan İtalyan asıllı meşhur bir ailedir. Aile, New York'taki diğer dört aileyle birlikte New York'un yeraltı işlerini yönetmektedir. Ancak Corleone ailesini diğerlerinden ayıran özelliği, Don Corleone'nin cebinde bozuk para gibi taşıdığı politikacılar ve yargıçlardır. Politikacılar ve yargıçlarla olan bu yakın ilişkileri diğer ailelerin açamadığı kapıları açabilmesini sağlamaktadır.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Baba, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Baba (1972), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Baba, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Film Veritabanında 8.7 derecelendirmesi istatistiksel olarak nadirdir. Bireysel görüşlerin ortalamasını alacak kadar geniş bir seçmen tabanı gerektirir ve geriye yalnızca farklı izleyicilere tutarlı bir şekilde ulaştırılan filmler kalır. Baba bu fikir birliğine sahip. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Genel olarak 1970s sineması bağlamında, Baba, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1970s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Baba'in görsel dili, 1972'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Francis Ford Coppola, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Baba'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Baba'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Baba'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Baba'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Baba'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Francis Ford Coppola'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Marlon Brando'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Baba'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.7 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve Baba bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Francis Ford Coppola'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Baba II
Genç Vito Corleone, Amerika'ya yeni gelmiştir. 1917 yılında, New York şehri'nin yerel mafyalarından birinin liderini öldürünce saygınlık kazanır ve korkulan biri haline gelir.Bu arada, 50 yıl sonra, Michael Corleone, Washington'da senato komitesine aile işleriyle ilgili ifade vermektedir.1972 yapımı ilk filmin devamı niteliğinde, yine yazar Mario Puzo ve yönetmen Francis Ford Coppola'nın yaratıcı ellerinden çıkmış usta işi bir yapım. Eleştirmenler tarafından, önceki filmden daha başarılı bulunan az sayıdaki devam filminden biri olarak kabul ediliyor.
Neden izliyorsunuz?: Baba II bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1974'te gösterime giren Baba II, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Francis Ford Coppola hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.6 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Baba II için 8.6 puanı, tek bir sayıya indirgenmiş binlerce bireysel görüntüleme kararını temsil eder. Bu sayı gerçek bir şeyi yansıtıyor: Bu filmi izleyen insanlar bunun olağanüstü olduğunu düşündü ve yeterli sayıda kişi derecelendirmeyi anlamlı kılmayı kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. 1970s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Baba II kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Baba II'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Francis Ford Coppola, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Al Pacino, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Baba II'te en çok görülür.
Baba II, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Francis Ford Coppola, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Baba II'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.6 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Al Pacino - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Baba II'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Baba II'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Francis Ford Coppola, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. Al Pacino'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
Guguk Kuşu
Eyalet Akıl Hastanesi'nde kısa bir tatil kulağa pek de kötü gelmiyor, öyle değil mi? Randle P. McMurphy, damarlarında kan yerine elektrik dolaşan, ağzı çok iyi laf yapan özgür ruhlu bir mahkumdur. McMurphy, deli numarası yaparak kendisini "kaçıklar" olarak nitelediği adamların yanına aldırır. Hemen ardından, onun bulaşıcı düzensizlik sevdası, yeni geldiği yerdeki uyuşturucu rutinle karşı karşıya gelir. McMurphy, Dünya Kupası maçları oynanırken yeni arkadaşlarının yatıştırıcı ilaçlara boğulmuş bir şekilde ortalıkta bornozlarla dolaşmasına dayanamaz.
Neden izliyorsunuz?: Guguk Kuşu'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Guguk Kuşu, 1975'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Guguk Kuşu'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.4'te Guguk Kuşu, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Guguk Kuşu herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. 1970s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Guguk Kuşu bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 1970s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 1970s filmi.
Guguk Kuşu'teki performanslar, Miloš Forman'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Jack Nicholson, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Guguk Kuşu'te en zor anlar, Jack Nicholson'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Guguk Kuşu, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.4 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Guguk Kuşu'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Miloš Forman ve Jack Nicholson işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Guguk Kuşu ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Miloš Forman, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Guguk Kuşu'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Kıyamet
Yönetmenin kurguladığı Final Cut versiyonu ile izleyici karşısına çıkan film, Vietnam'da görev alan bir Amerikan askerine verilen görev sonrasında yaşananları konu ediyor. Yüzbaşı Benjamin Willard, zorlu bir görevle karşı karşıyadır. Willard'dan, Vietnam Savaşı sırasında ordu emirlerini görmezden gelip kendisini tanrı ilan eden özel tim albayını öldürmesi istenir. Willard, gizli görevi yerine getirmeye çalışırken kendisini zorlu durumlarla karşı karşıya bulur.
Neden izliyorsunuz?: Kıyamet, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Kıyamet'in 1979 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Kıyamet'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Kıyamet'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.3'teki Kıyamet, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Francis Ford Coppola, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. 1970s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Kıyamet hayatta kaldı çünkü Francis Ford Coppola trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 8.3 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Kıyamet'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Francis Ford Coppola, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Kıyamet karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Kıyamet'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Kıyamet'i ilk kez izleyen izleyiciler, Francis Ford Coppola'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Kıyamet'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Martin Sheen, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1979 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Francis Ford Coppola'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Kıyamet'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Francis Ford Coppola, Kıyamet ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Yıldız Savaşları: Yeni Umut
Yıldız Savaşları: Yeni Umut'ta Luke Skywalker, galaksiyi değiştirecek bir yolculuğa çıkar. Luke, İmparatorluğun kuruluşundan 19 yıl sonra çöl gezegen Tatooine'de yıllardır tek başına yaşayan Obi-Wan Kenobi ile karşılaşınca Asiler İttifakı mücadelesinin içine çekilir. Obi-Wan, Luke'u Jedi olarak eğitmeye başlarken Luke da güzel Asi Prenses Leia'yı Darth Vader ve kötü İmparatorluğun pençesinden kurtarmak için Obi-Wan ile zorlu bir göreve girişir.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Yıldız Savaşları: Yeni Umut, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Yıldız Savaşları: Yeni Umut (1977), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Yıldız Savaşları: Yeni Umut, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.2 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Yıldız Savaşları: Yeni Umut, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen aksiyon sinemasının temel sorununu çözüyor: Aksiyonu size göstermeden önce sonucu önemsemenizi sağlıyor. Sıralamalar işe yarıyor çünkü coğrafi netlik, kimin nerede olduğunu ve başarının neleri gerektirdiğini her zaman bilmeniz anlamına geliyor. Yıldız Savaşları: Yeni Umut, 1970s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 1970s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, George Lucas'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Yıldız Savaşları: Yeni Umut'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. George Lucas, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Yıldız Savaşları: Yeni Umut'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Mark Hamill, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Yıldız Savaşları: Yeni Umut'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, George Lucas'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Yıldız Savaşları: Yeni Umut, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Mark Hamill'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Yıldız Savaşları: Yeni Umut'in ilk 10'da yer alması, neyle rekabet ettiğini düşündüğünüzde çok anlamlıdır. Bu mod ve döneme ait katalogdaki her filmler değerlendirildi ve Yıldız Savaşları: Yeni Umut burada sıralandı çünkü derecelendirme kalitesi ve seçmen hacminin birleşimi, onu seçimdeki diğer her şeyin üstünde tutuyordu. George Lucas, Yıldız Savaşları: Yeni Umut'te onu aynı kategorideki alternatiflerden (aynı zamanda iyi filmler olan alternatiflerden) ayıran seçimler yaptı. İlk on ile ilk yirmi arasındaki fark, mutlak derecelendirme açısından göründüğünden daha küçük ancak izleyici deneyiminin gerçekte sunduğu şey açısından önemli.
Otomatik Portakal
Alex (Malcolm McDowell), huzur dolu fütürist evinde tüm gün uyuyan ve de geceleri arkadaşları ile masum insanlara sokaklarda ve evlerinde saldıran acımasız genç bir hayduttur. Sonunda polis tarafından yakalanınca Alex rehabilitasyona gönderilir. Bu istek azaltma formunda olan rehabilitasyonda yaptıklarının kat ve kat fazlası şiddet içeren ve insanı dehşete düşüren bir zaman geçirir.
Neden izliyorsunuz?: Otomatik Portakal bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1971'te gösterime giren Otomatik Portakal, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Stanley Kubrick hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.2 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Otomatik Portakal için 8.2 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Otomatik Portakal'in yaptığı da tam olarak bu. Stanley Kubrick bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmi bilim kurgu olarak ayıran şey, yönetmenin iç mantığa olan bağlılığıdır. Dünyanın kuralları baştan sona belirlenmiş ve saygı görmüştür; bu da izleyicinin sürekli olarak yeni bilgilere yeniden yönelmek yerine fikirlerle meşgul olabileceği anlamına gelir. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Otomatik Portakal daha küçük bir kategoriye ait; 1970s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Otomatik Portakal'in görsel dili, 1971'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Stanley Kubrick, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Otomatik Portakal'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Otomatik Portakal'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Otomatik Portakal, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.2 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Otomatik Portakal'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Stanley Kubrick ve Malcolm McDowell işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Otomatik Portakal ilk on sırasını kültürel itibarı sayesinde değil, izleyicilerin oturup izlediğinde yaşananlar sayesinde kazanıyor. 8.2 derecelendirmesi, bu deneyimi geniş bir bağımsız görüntüleme örneğinde yansıtıyor. Bunun gibi listelerde ilk on durumuna ulaşan filmler, alternatiflere tam erişimi olan ve bu filmi deneyimlerinin en üstünde derecelendirmeyi seçen izleyiciler tarafından test edildi. Stanley Kubrick ve Malcolm McDowell bu beklentiyi tutarlı bir şekilde karşılayan bir şey yaptı; sürekli yeni izleyicilerin yeni standartlar getirmesine rağmen reytingin devam etmesinin nedeni de budur.
Yaratık
Görevini tamamlayarak Dünya'ya dönmeye hazırlanan kargo gemisi Nostromo'nun beş erkek, iki kadın ve bir kediden oluşan mürettebatı özel kabinlerinde uykudadır. Bilgisayarların çevredeki bir gezegende yabancı bir yaşam türü tespit etmeleri üzerine uyandırılırlar. Yasalar, akıllı olabilecek her canlının araştırılmasını emretmektedir. Dallas, Lambert ve Kane'den oluşan ekip, gezegene gittiğinde terk edilmiş bir uzay gemisiyle karşılaşır. Buldukları yumurta benzeri organizmaları incelerken, bir tanesi kırılır ve yengeç benzeri bir yaratık Kane'in yüzüne yapışır. Ekip gemiye döndüğünde Ripley, Kane'i içeri almakta tereddüt eder. Karantina kuralları çok açıktır. Fakat mürettebat, arkadaşlarını kurtarmak için bu sorumluluğu alır.
Neden izliyorsunuz?: Yaratık'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Yaratık, 1979'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Yaratık'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.2'teki Yaratık, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, yönetmenin sakladığı şeyler sayesinde korku filmi gibi işliyor. Kamera neyin güvenli olduğunu gösteriyor ve olmayandan uzaklaşıyor; bu da paradoksal olarak gizli tehdidi her türlü kandan daha korkutucu hale getiriyor. Yaratık için 1970s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Ridley Scott'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Yaratık'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Ridley Scott, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Tom Skerritt, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Yaratık'te en çok görülür.
Yaratık'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Yaratık'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Yaratık'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Ridley Scott'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Tom Skerritt'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Yaratık'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.2 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve Yaratık bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Ridley Scott'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Taksi Şoförü
Hem Martin Scorsese’nin hem de Robert De Niro’nun filmografilerindeki belki de bu en çarpıcı filmde, 70’lerin Manhattan gecelerinde taksicilik yapan Vietnam gazisi Travis’le birlikte sokaklardayız.Hikaye boyunca etrafındaki hayatla ve yolunun kesişeceği "toplumun pisliğiyle" (bir çocuk fahişe, güzel bir sarışın, başkan adayı bir senatör, gözü dönmüş bir kadın satıcısı) bir türlü iletişim kuramayacak olan Travis, en nihayetinde ipleri eline alacaktır. Üstelik gündüzleri izlemeye gittiği belden aşağı filmlerdeki "vahşi" bir stilde...Sadece eşsiz senaryosu ve oyunculuklarıyla değil, sıradışı sinematografisiyle de tüm zamanların en etkili filmlerinden biri...
Neden izliyorsunuz?: Taksi Şoförü, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Taksi Şoförü'in 1976 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Taksi Şoförü'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Taksi Şoförü'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.1 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Taksi Şoförü'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Taksi Şoförü bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Bugün hala 8.1 olarak derecelendirilen 1970s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Taksi Şoförü bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Taksi Şoförü'teki performanslar, Martin Scorsese'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Robert De Niro, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Taksi Şoförü'te en zor anlar, Robert De Niro'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Taksi Şoförü, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Martin Scorsese, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Taksi Şoförü'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.1 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Robert De Niro - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Taksi Şoförü'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Taksi Şoförü'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Martin Scorsese, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. Robert De Niro'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
İz Sürücü
Bir nevi kıyamet sonrası gelecekte, isimsiz bir ülkedeyiz. Düşen dev bir meteor açıklanması güç olaylara sebep olmuştur. Yarattığı etki 'Bölge' adı verilen bir alanda etkili olmaktadır. Bu alanın ortasında yer alan bir odada insanlığın en derin tutkularını gerçek yapacağı söylenen bir güç vardır. Dikenli teller ve askerlerle korunan Bölge'ye sadece zihinsel güçleri ve yeterli cesaretleri olan İz Sürücüler girebilmekte ve eşlik ettikleri insanları odadaki güçle yüzleşmeye götürmektedirler. Kahramanımız da böyle bir İz Sürücü'dür. Karısının itirazlarına rağmen bir bilim adamını ve bir de yazarı yanına alarak hayatının yolculuğuna çıkar.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. İz Sürücü, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
İz Sürücü (1979), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve İz Sürücü, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 8.1 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve İz Sürücü de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Genel olarak 1970s sineması bağlamında, İz Sürücü, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1970s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
İz Sürücü'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Andrei Tarkovsky, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. İz Sürücü karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, İz Sürücü'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
İz Sürücü, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. İz Sürücü'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Andrei Tarkovsky ve Alisa Freyndlikh işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
İz Sürücü ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Andrei Tarkovsky, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, İz Sürücü'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Belalılar
Chicago'da dolandırıcılık yaparak yaşayan Johnny Hooker ve Luther Coleman arasında usta-çırak ilişkisi vardır. Deyim yerindeyse Luther Coleman, Johnny Hooker'ı üçkâğıtçılık konusunda eğitmektedir. Ancak Luther, kendisinden daha güçlü bir suç patronu olan Doyle Lonnegan tarafından öldürülür.
Neden izliyorsunuz?: Belalılar bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1973'te gösterime giren Belalılar, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. George Roy Hill hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.0 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Belalılar'in 8.0 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. George Roy Hill, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. 1970s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Belalılar kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Belalılar'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. George Roy Hill, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Belalılar'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Paul Newman, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Belalılar'i ilk kez izleyen izleyiciler, George Roy Hill'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Belalılar'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Paul Newman, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1973 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey George Roy Hill'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Belalılar'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. George Roy Hill, Belalılar ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Sinema önemli hikayelerle ilgilidir. Bu bölümdeki filmler bu prensibi kanıtlıyor.
Barry Lyndon
1700'lerin tam ortasındayız. Genç bir İrlandalı olan Redmond Barry, bir subayı düelloda öldürünce kaçıp yeni bir hayat kurmak ister. Serüvenler sonucu kendisini savaşın ortasında Prusya ordusunda bulur. Savaştan sonra casuslukla görevlendirilip İrlandalı bir Şövalye'nin peşine takılır. Onunla birlikte Prusya'dan kaçar ve kumarbazlığa başlayarak Avrupa'nın kalburüstü sosyetesine burnunun ucunu sokmayı başarır. Ama gözü daha yükseklerdedir.
Neden izliyorsunuz?: Barry Lyndon'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Barry Lyndon, 1975'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Barry Lyndon'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.0'te Barry Lyndon, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Barry Lyndon herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. 1970s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Barry Lyndon bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 1970s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 1970s filmi.
Barry Lyndon'in görsel dili, 1975'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Stanley Kubrick, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Barry Lyndon'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Barry Lyndon'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Barry Lyndon'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Stanley Kubrick'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Barry Lyndon, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Ryan O'Neal'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Barry Lyndon, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Ryan O'Neal'in performansının ve Stanley Kubrick'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Avcı
Vietnam sonrası sendromunu en iyi anlatan filmlerden birisi Avcı. Savaş sonrası herşeyin bittiğine ve artık herşeyin iyi olacağına inanmak isteyen bir kaç arkadaşın sivil yaşama uyum sağlayamamaları öykünün odak noktasını oluşturuyor. Savaşın insanlar üzerindeki tahribatı ile bir savaş karşıtı film olmasının yanısıra, Michael Cimino'nun karakterler üczerinde yaptığı usta çalışmayla da öne çıkan bir film. Birlikte savaştığı ve aynı kasabaya döndüğü arkadaşına yardım etmek için elinden geleni yapan Robert De Niro'nun varlığını ve usta oyunculuğunu da vurgulamadan geçmemek gerek. Bu arada, filmde savaşın anlamsızlığını vurguluyan Rus ruleti sahnesi çok beğenilmiş ve konuşulmuştu...
Neden izliyorsunuz?: Avcı, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Avcı'in 1978 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Avcı'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Avcı'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.0'teki Avcı, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Michael Cimino, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. 1970s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Avcı hayatta kaldı çünkü Michael Cimino trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 8.0 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Avcı'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Michael Cimino, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Robert De Niro, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Avcı'te en çok görülür.
Avcı, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Avcı'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Michael Cimino ve Robert De Niro işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Avcı'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.0 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Avcı'e yüksek puan verme kararları, Michael Cimino'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Avcı genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Ayna
Türkçesi ayna olarak çevirilen Andrei Tarkovsky'nin en kişisel filmi. Zaman kavramının tamamen yitirildiği şiirsel bir dille, ölmekte olan bir adamın ikinci dünya savaşı sırasında çocukluğu, ergenlik dönemi ve annesiyle babasının boşanması sırasında yaşadığı travmanın Rusya'nın tarihi ve toplumunun evrimi fonunda verildiği bir başyapıt. 2. Dünya Savaşı'nın karanlık günlerini anlatan film, yönetmenin kendi çocukluğundan da izler taşıdığı gibi, Rus tarihine dair ilginç göndermeler de yapıyor. Filmde çocukluğun masumiyetinin savaşın dehşetine kurban gidişi anlatılıyor.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Ayna, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Ayna (1975), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Ayna, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.0 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Ayna, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Ayna, 1970s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 1970s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, Andrei Tarkovsky'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Ayna'teki performanslar, Andrei Tarkovsky'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Margarita Terekhova, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Ayna'te en zor anlar, Margarita Terekhova'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Ayna'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Ayna'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Ayna'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Andrei Tarkovsky'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Margarita Terekhova'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Ayna, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Ayna, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Andrei Tarkovsky'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Ayna'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Çin Mahallesi
Roman Polanski'nin en ünlü ve başarılı filmlerinden birisi olan "Çin Mahallesi", zengin ve saygın bir toprak sahibi olan Hollis Mulwray'in (Darrell Zwerling) araştırılmasıyla başlayan gizemi anlatıyor. Mulwray'in karısı Evelyn Cross Mulwray (Faye Dunaway), özel dedektif Jake Gittes'den (Jack Nicholson) kocasının diğer kadınlarla olan ilişkisini araştırmasını istiyor. Mulwray'in başka kadınlarla fotoğraflarını çeken Gittes, bir süre sonra kendini korkunç bir komplonun ve sıradışı bir ilişkiler ağının içerisinde buluyor.
Neden izliyorsunuz?: Çin Mahallesi gerilimini dürüstçe kazanıyor; baskı, yapay sürprizden ziyade durum ve karakterden kaynaklanıyor. Roman Polanski, riskleri hissedecekleri konusunda izleyiciye güveniyor.
1974'te gösterime giren Çin Mahallesi, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Roman Polanski hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.9 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Çin Mahallesi için 7.9 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Çin Mahallesi'in yaptığı da tam olarak bu. Roman Polanski bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Çin Mahallesi daha küçük bir kategoriye ait; 1970s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Çin Mahallesi'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Roman Polanski, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Çin Mahallesi karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Çin Mahallesi'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Çin Mahallesi, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Çin Mahallesi'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Roman Polanski ve Jack Nicholson işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Çin Mahallesi bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Roman Polanski, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.9 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Roman Polanski'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Çin Mahallesi'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Hatırlıyorum
Büyük beğeni kazanan bir yarı otobiyografi olan Amarcord, 1930larda Mussolini hakimiyetinden hemen önce küçük bir Adriyatik köyündeki yaşam üzerine odaklanmaktadır. Bahar geldiğinde köyde bir festival düzenlenir ve yeni yaşamı kutlamak için sembolik bir şenlik ateşi yakılır. Meydandaki bu buluşma, film boyunca gerçekleşecek birçok buluşmanın ilkidir. Her bir araya geldiklerinde, topluluğun renkli üyeleri kendilerini bütünüyle ortaya koyup tuhaf kişiliklerinden övünç duyarlar. Fesat hâkim olur her yerde. Filme yayılan kaotik hava filmde açık bir olay örgüsü görülmesini zorlaştırır. Amarcord gerçeküstü birkaç sekansa bölünür ve bunlardan birkaçı rengârenk köy ortamında oradan oraya dolaşıp duran Titta adlı genç bir adamın çevresinde gelişir. Siyaset ve aile ilişkileri grotesk bir uyumsuzluk ortamında birbirine karışır. Amarcord 1975 yılındaki En İyi Yabancı Film Akademi Ödülü de dahil tam 13 ödül kazandı.
Neden izliyorsunuz?: Hatırlıyorum'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Federico Fellini'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
Hatırlıyorum, 1973'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Hatırlıyorum'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.9'teki Hatırlıyorum, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Hatırlıyorum için 1970s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Federico Fellini'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Hatırlıyorum'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Federico Fellini, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Hatırlıyorum'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Pupella Maggio, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Hatırlıyorum, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Hatırlıyorum'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Federico Fellini özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Hatırlıyorum ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 7.9 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Hatırlıyorum'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Federico Fellini filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.9 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Hatırlıyorum tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Genç Frankenstein
Frederick Frankenstein, Amerika’da nöroloji alanında çalışmalar yapan genç ve azimli bir doktordur. Mesleğine ve pozitivizme aşık Frederick’in hayattaki en büyük trajedisi, ölülerle yaptığı deneyler yüzünden büyük ve kötü bir şöhrete sahip Baron Frankenstein’ın torunu olmasıdır. Büyük dedesinin çalışmalarını biilimdışı gören ve bu çalışmalarla ilgili tüm bağlarını koparmak isteyen doktorun hayatı, Avrupa’dan gelen egzantrik bir avukatın kendisini görmesiyle baştan aşağı değişecektir. Avukatın bilgilendirdiği üzere, Frederick’e büyük dedesinin şatosu miras kalmıştır ve acilen anavatanı Transilvanya’ya gitmesi gerekmektedir. Aile mirasını ziyarete giden Frederick, Frankenstein’ın şatosunda uçarı kambur Igor ve güzel asistan Inga ile tanışır. Frederick, Igor ve Inga; kısa zamanda Baron Frankenstein’ın gizli çalışmalarına ulaşacak ve tarihin en ünlü deli biliminsanının deneyini yinelemeye çalışacaklardır...
Neden izliyorsunuz?: Komedi sürdürülmesi en zor türdür. Mel Brooks, Genç Frankenstein'in zahmetsiz görünmesini sağlar; bu, çoğu izleyicinin bilinçli olarak fark etmediği önemli bir zanaatın işaretidir.
Genç Frankenstein'in 1974 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Genç Frankenstein'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Genç Frankenstein'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.9 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Genç Frankenstein'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Genç Frankenstein bundan faydalanıyor. Filmin bir komedi olarak tutarlılığı tutarlılıktan geliyor. Yönetmen dünyanın kurallarını ve karakterlerin bu kurallar içindeki davranışlarını belirliyor ve mizah, bu karakterlerin bir durumu nasıl yönlendirdiğinden ortaya çıkıyor. Bugün hala 7.9 olarak derecelendirilen 1970s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Genç Frankenstein bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Genç Frankenstein'in görsel dili, 1974'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Mel Brooks, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Genç Frankenstein'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Genç Frankenstein'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Genç Frankenstein'i ilk kez izleyen izleyiciler, Mel Brooks'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Genç Frankenstein'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Gene Wilder, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1974 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Mel Brooks'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Genç Frankenstein, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Mel Brooks'in Genç Frankenstein'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Köpeklerin Günü
22 Ağustos 1972 tarihinde John Wojtowicz ve Salvatore Naturile bir Brooklyn bankasında yaptığı soygundan esinlenen filmde, Sonny ve Salvatore, Brooklyn'deki bir Tasarruf Bankası'nı soymaya kalkışırlar. Hızla kötüye giden ve bir rehine krizine dönüşen durumuna polis müdahale eder. Sonny'in kısa sürede bitirmeyi planladığı soygun bir medya sirkine dönüşecektir.
Neden izliyorsunuz?: Gerilimi hassasiyetle inşa eden bir gerilim filmi. Sidney Lumet, üretilmiş şoklar yerine mantık yoluyla ivme kazanıyor.
Köpeklerin Günü (1975), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Köpeklerin Günü, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.8 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Köpeklerin Günü de bir istisna değildir. Yönetmen filmi bilgi asimetrisi etrafında inşa ediyor: Seyirci karakterlerden daha fazlasını veya daha azını biliyor ve filmler her iki durumu da hassasiyetle yönetiyor. Oyuncu kadrosu gerilimi yoğunluktan ziyade kısıtlama yoluyla iletiyor. Genel olarak 1970s sineması bağlamında, Köpeklerin Günü, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1970s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Köpeklerin Günü'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Sidney Lumet, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Al Pacino, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Köpeklerin Günü'te en çok görülür.
Köpeklerin Günü'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Sidney Lumet'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Köpeklerin Günü, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Al Pacino'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Köpeklerin Günü, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Al Pacino'in performansının ve Sidney Lumet'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Kelebek
Henri Channiere'nin romanından uyarlanan bu film ihtilalden sonra hapis cezasına çarptırılan bir grup Fransız mahkumun yaşadıklarını anlatan etkileyici ve dram yüklü bir macera. Fransız Guyana'sındaki kaçışı olmayan bir adada ki hapishaneye gönderilen kelebek lakaplı Henri "Papillion" Charriere (Steve Mcqueen) sürekli olarak kaçmaya çalışmaktadır ve bu çabaları başarısız olur. Oda bundan asla vazgeçmeyecektir. Burada tanıştığı Louis Depo (Dustin Hoffman)'la oluşan dostluklarıyla birlikte onunda yardımını alan Henri hapishanenin vahşi kurallarına karşı daha büyük bir azimle mücadelesine devam eder.
Neden izliyorsunuz?: Kelebek sessizliğe güvenen bir drama. Franklin J. Schaffner, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
1973'te gösterime giren Kelebek, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Franklin J. Schaffner hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.8 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Kelebek'in 7.8 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Franklin J. Schaffner, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. 1970s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Kelebek kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Kelebek'teki performanslar, Franklin J. Schaffner'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Steve McQueen, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Kelebek'te en zor anlar, Steve McQueen'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Kelebek, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Kelebek'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Franklin J. Schaffner ve Steve McQueen işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Kelebek'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.8 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Kelebek'e yüksek puan verme kararları, Franklin J. Schaffner'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Kelebek genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Monty Python ve Kutsal Kâse
Kral Arthur ve şövalyeleri, Kutsal Kâse'yi aramak için ilahi bir görev alırlar. Ancak bu yolculukta karşılarına türlü düşmanlar çıkar: kötü niyetli rakip şövalyeler, yalnızca çizgi film olarak görülebilen kanlı canavarlar, İngiltere'de bir kaleye sığınmış küstah Fransız şövalyeleri, cadılar, şeytani kahinler, Scotland Yard ve hatta bir katil tavşan! Neyse ki bu ölümcül tavşanı alt etmek için Haçlı Seferleri’nden getirilen komik bir kutsal emanetleri vardır: "Antakya’nın Kutsal El Bombası!"
Neden izliyorsunuz?: Terry Jones, Monty Python ve Kutsal Kâse'in komedisini gerçek karakter gözleminden yola çıkarak oluşturuyor. Film ilerledikçe kahkahalar artıyor çünkü insanları daha iyi tanıyorsunuz.
Monty Python ve Kutsal Kâse, 1975'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Monty Python ve Kutsal Kâse'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.8'te Monty Python ve Kutsal Kâse, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Monty Python ve Kutsal Kâse herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Karakter komedisi, yönetmenin ve oyuncu kadrosunun en komik anların abartıdan ziyade gerçeklerden geldiğini anlamasını gerektirir. Film işe yarıyor çünkü karakterlerin yaptıkları, kim olduklarına göre anlamlı. 1970s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Monty Python ve Kutsal Kâse bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 1970s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 1970s filmi.
Monty Python ve Kutsal Kâse'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Terry Jones, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Monty Python ve Kutsal Kâse karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Monty Python ve Kutsal Kâse'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Monty Python ve Kutsal Kâse'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Monty Python ve Kutsal Kâse'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Monty Python ve Kutsal Kâse'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Terry Jones'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Graham Chapman'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Monty Python ve Kutsal Kâse, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Monty Python ve Kutsal Kâse, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Terry Jones'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Monty Python ve Kutsal Kâse'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Şebeke
Şebeke, uzun yıllardır UBS Akşam Haberleri isimli programda haber spikerliği yapan Howard Beale’nin hikayesini konu alır. Beale’in ratingleri günden güne düşmektedir ve nihayetinde bir çalışma arkadaşından, iki hafta içerisinde işinden kovulacağını öğrenir. Bunu öğrendiğinde büyük bir depresyona giren adam, ertesi akşam canlı yayında, gelecek Salı günü canlı yayında intihar edeceğini anons eder. Haliyle bu şok duyurudan sonra işler fazlasıyla karışır.
Neden izliyorsunuz?: Sidney Lumet, Şebeke'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Şebeke'in 1976 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Şebeke'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Şebeke'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.8'teki Şebeke, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Sidney Lumet, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. 1970s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Şebeke hayatta kaldı çünkü Sidney Lumet trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 7.8 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Şebeke'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Sidney Lumet, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Şebeke'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Faye Dunaway, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Şebeke, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Sidney Lumet, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Şebeke'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 7.8 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Faye Dunaway - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Şebeke bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Sidney Lumet, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.8 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Sidney Lumet'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Şebeke'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Harika filmler kendi kategorilerinin ötesine geçer. Zanaat olağanüstü olduğu için çalışıyorlar.
Rocky
Dünya Ağır Sıklet şampiyonu Apollo Creed’in Philadelphia’da yapacağı unvan maçında ki rakibi maç gününe beş hafta kala sakatlanır. Creed kendisine rakip olarak Philadelphia’da yaşayan adı duyulmamış, yoksul ve kimsesiz bir boksör olan “İtalyan Aygırı” Rocky Balboa’yı seçer. Rocky yerel bir mafya babası için borç tahsildarı olarak çalışmakta ve boksör olarak adını duyurmaya çalışmaktadır. Rocky artık yılın en önemli maçının aktörlerinden biridir. Creed bu maçı çok kolay kazanacağını düşünürken, Rocky’nin bu zorlu hazırlanma sürecinde en büyük yardımcısı antrenörü Mickey ve büyük aşkı Adrian olacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. John G. Avildsen, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Rocky (1976), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Rocky, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.8 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Rocky, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Rocky, 1970s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 1970s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, John G. Avildsen'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Rocky'in görsel dili, 1976'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. John G. Avildsen, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Rocky'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Rocky'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Rocky, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Rocky'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. John G. Avildsen ve Sylvester Stallone işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Rocky'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. John G. Avildsen filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.8 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Rocky tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Solaris
Ünlü bilimkurgu yazarı Stanislaw Lem'in kitabından uyarlanmış olan Solaris'te, araştırma yapılan bir gezegendeki, bir çeşit zeka barındırdığı bilinen, fakat açıklanamayan olaylar yüzünden çok gizli tutulan Solaris Okyanusu görevi anlatılıyor. Uzay üssündeki üç bilim adamının başına açıklanamayan olayların gelmesiyle birlikte, filmimizin ana karakteri, görevi devamı hakkında karar vermek üzere Solaris Okyanusu üzerindeki üsse gönderilir. İstasyonda hayat durmuş gibidir ve hayatta kalan iki bilim adamı da çok gizemli ve ketum davranmaktadır. Üste, yedi yıl önce ölmüş olan karısıyla karşılaşmasıyla birlikte, bu yabancı zekanın doğasını anlamaya başlar...
Neden izliyorsunuz?: Solaris sessizliğe güvenen bir drama. Andrei Tarkovsky, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
1972'te gösterime giren Solaris, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Andrei Tarkovsky hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.8 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Solaris için 7.8 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Solaris'in yaptığı da tam olarak bu. Andrei Tarkovsky bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Solaris daha küçük bir kategoriye ait; 1970s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Solaris'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Andrei Tarkovsky, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Natalya Bondarchuk, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Solaris'te en çok görülür.
Solaris'i ilk kez izleyen izleyiciler, Andrei Tarkovsky'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Solaris'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Natalya Bondarchuk, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1972 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Andrei Tarkovsky'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Solaris, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Andrei Tarkovsky'in Solaris'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Brian'ın Hayatı
Brian adında bir bebek İsa'yla aynı gece doğdu. Büyüdü, büyüdü daha da büyüdü ve oldu Brian isimli bir oğlan. Brian adındaki oğlan büyüyünce Brian adında bir delikanlı oldu, kesinlikle Brian denen bir kız değildi. İngiliz komedisinin belki de en çok tartışmaya yol açan filmi Brian'ın Hayatı, İsa'yla aynı gece doğan köylü bir çocuğun uzun hikayesini anlatıyor. Hayatları kesiştikçe kahkahalar yükseliyor. M.S 33 yılında geçen filmde sahte mesih Brian sizleri kahkahalara boğuyor. Efsanevi İngiliz komedi grubu Monty Python'ın gelmiş geçmiş en komik filmlerden birine imza attığı yapım.
Neden izliyorsunuz?: Terry Jones, Brian'ın Hayatı'in komedisini gerçek karakter gözleminden yola çıkarak oluşturuyor. Film ilerledikçe kahkahalar artıyor çünkü insanları daha iyi tanıyorsunuz.
Brian'ın Hayatı, 1979'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Brian'ın Hayatı'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.8'teki Brian'ın Hayatı, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Karakter komedisi, yönetmenin ve oyuncu kadrosunun en komik anların abartıdan ziyade gerçeklerden geldiğini anlamasını gerektirir. Film işe yarıyor çünkü karakterlerin yaptıkları, kim olduklarına göre anlamlı. Brian'ın Hayatı için 1970s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Terry Jones'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Brian'ın Hayatı'teki performanslar, Terry Jones'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Graham Chapman, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Brian'ın Hayatı'te en zor anlar, Graham Chapman'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Brian'ın Hayatı'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Terry Jones'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Brian'ın Hayatı, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Graham Chapman'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Brian'ın Hayatı, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Graham Chapman'in performansının ve Terry Jones'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Şeytan
Bu caddede, bu evde küçük kıza alışılmadık şeyler oluyor. Son çare olarak onu kurtarması için bir adam çağrıldı. Bu adam şeytan çıkarıcıydı. William Peter Blatty'nin 1971'de yazdığı romana dayanarak üç değişik senaryoyla çekilen Exorcist tek bir sona çıkmaktaydı. Geçici olarak Washington D.C.'de bulunan bir kadın oyuncu, 12 yaşındaki kızının davranışlarında ve görünüşünde dramatik ve tehlikeli değişiklikler farkeder. Bu sırada Georgetown Üniversitesi'nde genç bir rahip, annesinin ölümcül hastalığı ile uğraşırken inancından şüphe duymaya başlamıştır. Ve finalde, genç rahip eski şeytani düşmanıyla yüzleşme zamanının geldiğini farkeder...
Neden izliyorsunuz?: William Friedkin, Şeytan'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Şeytan'in 1973 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Şeytan'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Şeytan'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.7 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Şeytan'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Şeytan bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Bugün hala 7.7 olarak derecelendirilen 1970s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Şeytan bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Şeytan'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. William Friedkin, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Şeytan karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Şeytan'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Şeytan, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.7 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Şeytan'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. William Friedkin ve Ellen Burstyn işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Şeytan'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.7 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Şeytan'e yüksek puan verme kararları, William Friedkin'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Şeytan genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Annie Hall
New York'lu komedyen yazar Alvy Singer aşkın peşinden gitmek istese de, yaşadığı entellektüel ortamda aradığını bulabileceği konusunda oldukça umutsuzdur. En az kendisi kadar nörotik olan şarkıcı Annie Hall ile tanışması ise önyargılarını sona erdirir. Yoğun olduğu kadar farklı olan bir ilişki yaşamaya başlarlar. Annie Hall'u etkileyici kılan, aşk üzerine öncekilerden farklı şeyler söylemeye çalışması. Komedi ve romantizm karışımı film, 70ler de gezinmek isteyenler ya da klişe aşk tasvirlerinden sıkılmışlar için iyi bir alternatif.
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. Woody Allen, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Annie Hall (1977), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Annie Hall, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.7 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Annie Hall de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Genel olarak 1970s sineması bağlamında, Annie Hall, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1970s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Annie Hall'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Woody Allen, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Annie Hall'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Woody Allen, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Annie Hall'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Annie Hall'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Annie Hall'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Woody Allen'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Woody Allen'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Annie Hall, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Annie Hall, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Woody Allen'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Annie Hall'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Derin Kırmızı
Caz piyanisti ve müzik hocası Marcus Daly, kanlı bir cinayete şahit olduktan sonra, cinayetin ardındaki gizemi araştırmaya başlar. Zamanla cinayetlerin sayısı artmaya başlar ve Daly cinayetlerle kendisi arasındaki bağlantıdan yola çıkarak, katilin kim olduğunu bulmaya çalışır. Katile giden yol, sırlarla dolu bir bulmacayı andırmaktadır.
Neden izliyorsunuz?: Derin Kırmızı gerilimini dürüstçe kazanıyor; baskı, yapay sürprizden ziyade durum ve karakterden kaynaklanıyor. Dario Argento, riskleri hissedecekleri konusunda izleyiciye güveniyor.
1975'te gösterime giren Derin Kırmızı, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Dario Argento hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.7 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Derin Kırmızı'in 7.7 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Dario Argento, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. 1970s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Derin Kırmızı kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Derin Kırmızı'in görsel dili, 1975'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Dario Argento, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Derin Kırmızı'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Derin Kırmızı'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Derin Kırmızı en iyi atmosferin işlemesine izin veren koşullarda izlenir: düşük ışık, minimum kesinti ve ideal olarak kültürel olarak iyi bilinen belirli anlara ilişkin önceden bilgi olmadan. İzleyici tam olarak neyin geleceğini bildiğinde korku etkisini kaybediyor ve Derin Kırmızı, bazı önemli sahneleri filmi izlememiş kişilere bile tanıdık gelecek kadar tartışıldı. Sınırlı ön bilgiyle yaklaşabiliyorsanız, yapın. Dario Argento'in Derin Kırmızı'e yerleştirdiği atmosferik zanaat, izleyicinin gerçek bir belirsizlik durumunda olmasına bağlı. 7.7 derecelendirmesi, filmi izlerken bu durumda olan izleyicileri yansıtır.
Derin Kırmızı bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Dario Argento, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.7 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Dario Argento'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Derin Kırmızı'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Manhattan
Stil ve varlığın, mizah ve insanlığın muhteşem bir bileşimi! 42 yaşındaki Manhattan yerlisi Isaac Davis işinden nefret etmektedir. 17 yaşında Tracy adında hiç sevmediği kız arkadaşı ve evlilikleri hakkında bir kitap yazan Jill adında lezbiyen bir eski karısı vardır. Ve Isaac onu boğazlamak istemektedir. Ancak en iyi arkadaşının seksi ve entellektüel metresi Mary ile tanışınca, Isaac tepeden tırnağa şehvetle dolar * Manhattan, New York aşığı Allen’ın kendi şehrine, semtine yazdığı bir aşk mektubu gibidir, kendi dünyasına bir güzellemedir. Manhattan, 70’ler sonu Amerikası’nın güvensizliğini başarıyla yakalamış bir film. Eskisinden daha çok kazanan, daha fazla özgürlüğe ve seçme hakkına sahip olan şehirliler, suçluluk ve güvensizlik duygularıyla boğuşuyorlar. Bu zeka eseri, dengeli, aynı zamanda hüzünlü siyah/beyaz komedi en sevilen filmler arasındaki yerini hep korudu.
Neden izliyorsunuz?: Manhattan'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Woody Allen'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
Manhattan, 1979'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Manhattan'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.7'te Manhattan, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Manhattan herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. 1970s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Manhattan bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 1970s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 1970s filmi.
Manhattan'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Woody Allen, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Woody Allen, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Manhattan'te en çok görülür.
Manhattan, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Manhattan'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Woody Allen özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Manhattan ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 7.7 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Manhattan'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Woody Allen filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.7 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Manhattan tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Jaws
Küçük bir sahil kasabasının tek geçim kaynağı yaz ayları boyunca kasabaya tatil yapmaya gelen turistlerin bıraktığı paradır. Bu kasabanın belediye reisi kasaba sahilinde bir kızın köpekbalığı tarafından öldürülmesini örtbas etmeye çalışır ama küçük bir çocuk herkesin gözü önünde köpekbalığı tarafından öldürülünce balığı yakalayana ödül verileceği açıklanır ve büyük bir köpekbalığı yakalanınca da herkes rahat bir nefes alır. Şerifin yardıma çağırdığı uzman yakalanan köpekbalığının aradıkları balık olmadığını söylese de kimse ona inanmaz. Onun sözünü dinleyen şerif ile balığın peşin gitmeye karar verirler ve bir köpekbalığı avcısı ile yola çıkarlar.
Neden izliyorsunuz?: Jaws, en iyi gerilim filmlerinin kısıtlama yoluyla çalıştığını gösteriyor. Steven Spielberg, mümkün olduğu kadar uzun süre boyunca, mümkün olduğu kadar fazlasını tutar ve sonuç, geleneksel yükseltmeden daha etkilidir.
Jaws'in 1975 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Jaws'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Jaws'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.7'teki Jaws, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Steven Spielberg, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Zanaat en çok yönetmenin sakladığı şeylerde görülür. Bilgi stratejik olarak yayınlanıyor, her açıklama daha önce olanı yeniden bağlamlandırıyor. Performanslar kontrollü açıklamaya göre kalibre edilir. 1970s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Jaws hayatta kaldı çünkü Steven Spielberg trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 7.7 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Jaws'teki performanslar, Steven Spielberg'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Roy Scheider, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Jaws'te en zor anlar, Roy Scheider'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Jaws'i ilk kez izleyen izleyiciler, Steven Spielberg'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Jaws'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Roy Scheider, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1975 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Steven Spielberg'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Jaws, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Steven Spielberg'in Jaws'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Yabandan Gelen Adam
Meksika Devrimi sırasında geçen film, patlayıcı madde ustası bir İrlandalı asker ile onun bu maharetini banka soymakta değerlendirmek isteyen bir başka paralı askerin başlarından geçenleri anlatıyor. Bir grup politik mahkumun kurtulmasına da sebep olan Sean Mallory bir anda halk kahramanı olur. Tek amacı çok paraya ve biraz şöhrete konmak olmasına rağmen, devrim kahramanlığı pek beklemediği bir şeydir. Bir zaman sonra tüm kontrolü yitirir ve ok yaydan çıkmış olur.
Neden izliyorsunuz?: Hastanın dikkatini ödüllendiren bir filmler. Sergio Leone tek bir sahneyi bile israf etmiyor ve Yabandan Gelen Adam'e yapılan yatırım tamamen haklı görünüyor.
Yabandan Gelen Adam (1971), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Yabandan Gelen Adam, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.7 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Yabandan Gelen Adam, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Film, yönetmenin zanaat anlayışını gösteriyor: sahnelerin nasıl oluşturulacağı, bilginin hızının nasıl ayarlanacağı, izleyicinin önemsediği risklerin nasıl yaratılacağı. Yabandan Gelen Adam, 1970s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 1970s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, Sergio Leone'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Yabandan Gelen Adam'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Sergio Leone, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Yabandan Gelen Adam karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Yabandan Gelen Adam'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Yabandan Gelen Adam'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Sergio Leone'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Yabandan Gelen Adam, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Rod Steiger'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Yabandan Gelen Adam, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Rod Steiger'in performansının ve Sergio Leone'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Savaşçılar
Walter Hill bu filmde gangster hikayesini ortaya koymuş. 1979 yapımı filmde New York’ta Coney Adası Çetesi The Warriors’un; büyük çeteler arası toplantıda en büyük çete Riffs’in liderini öldürmesi suçlamasıyla başlıyor. Warriors’un bu olay sonrasında yaşadıkları birgünü konu alıyor.
Neden izliyorsunuz?: Savaşçılar gerilimini dürüstçe kazanıyor; baskı, yapay sürprizden ziyade durum ve karakterden kaynaklanıyor. Walter Hill, riskleri hissedecekleri konusunda izleyiciye güveniyor.
1979'te gösterime giren Savaşçılar, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Walter Hill hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.7 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Savaşçılar için 7.7 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Savaşçılar'in yaptığı da tam olarak bu. Walter Hill bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Savaşçılar daha küçük bir kategoriye ait; 1970s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Savaşçılar'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Walter Hill, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Savaşçılar'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Michael Beck, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Savaşçılar, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.7 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Savaşçılar'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Walter Hill ve Michael Beck işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Savaşçılar'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.7 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Savaşçılar'e yüksek puan verme kararları, Walter Hill'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Savaşçılar genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
En iyi sinema dikkatinizi ödüllendirir. Buradaki her filmler ihtiyaç duyduğu zamanı kazandı.
Başkanın Bütün Adamları
Başkan Nixon, Amerikan tarihinde istifaya zorlanmış ilk ve -şimdilik- tek başkandır. Her şey, Washington Post gazetesi muhabiri iki gözüpek gazetecinin, Carl Bernstein ve Bob Woodward'ın, bir dedektif kalitesinde yaptıkları takip sonucu tarihe Watergate Skandalı olarak geçecek vaka ortaya çıkar: 17 Haziran 1972 günü, Nixon'ın mensubu olduğu Cumhuriyetçi Parti'den bir kaç kişi, seçimi kazanması muhtemel olan Demokratların merkezine sızıp dinleme cihazı yerleştirmiştir. İki gazetecinin yakın takibi, olayın sorumlusunun, Cumhuriyetçi Parti'nin en tepesinde bulunduğunu gözler önüne serer. 4 Oscar'lı filmin merkezindeki gazetecileri Dustin Hoffman ve Robert Redford canlandırıyor.Alan J. Pakula'nın filmi aradan geçen yıllara rağmen gücünü fazlasıyla koruyor. Medyanın gücünü olumlu yönde kullandığında nelere kadir olduğunu gösteren çarpıcı bir yapım.
Neden izliyorsunuz?: Gerilim sanatı en iyi haliyle izleyicinin açık bir şey olmadan önce dehşete düşmesi anlamına gelir. Alan J. Pakula, Başkanın Bütün Adamları'te bunu bilgi ve zamanlamanın kontrolü yoluyla başarıyor.
Başkanın Bütün Adamları, 1976'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Başkanın Bütün Adamları'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.7'teki Başkanın Bütün Adamları, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Bu, gerilimin fiziksel olmaktan ziyade psikolojik olduğu gerilim kategorisine aittir. Yönetmen izleyicinin açık bir tehlike gösterilmeden baskı hissedeceğine güveniyor. Sonuç, geleneksel gerilim mekaniğinden daha rahatsız edici. Başkanın Bütün Adamları için 1970s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Alan J. Pakula'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Başkanın Bütün Adamları'in görsel dili, 1976'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Alan J. Pakula, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Başkanın Bütün Adamları'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Başkanın Bütün Adamları'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Başkanın Bütün Adamları'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Başkanın Bütün Adamları'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Başkanın Bütün Adamları'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Alan J. Pakula'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Robert Redford'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Başkanın Bütün Adamları, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Başkanın Bütün Adamları, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Alan J. Pakula'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Başkanın Bütün Adamları'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Vahşi Gezegen
Fransız animasyoncu René Laloux imzalı başyapıt, iki farklı tür arasındaki ezeli mücadeleyi anlatıyor. Dev yaratıklar ve küçük 'insansılar' arasındaki mücadele, içerdiği etkileyici fantastik unsurlara rağmen son derece tanıdık geliyor. Laloux ve senarist arkadaşları, 70'lerin politik iklimini çok iyi yansıtan bu filmde, sınıf mücadelesine dair düşüncelerini paylaşıyorlar aslında. 70'lerin en başarılı animasyon filmlerinden biri olduğunu özellikle belirtmek gerek. Saykodelik teknikleri, bilinçaltına işleyen müzikleri ve müthiş detaylar ve göndermeler içeren senaryosuyla ölümsüz bir klasik.
Neden izliyorsunuz?: Vahşi Gezegen'in dahili mantığı baştan sona tutarlıdır. René Laloux öncülüne bağlı kalıyor ve onu takip ediyor; bu da izleyicinin tutarsızlığa karşı savunma yapmak yerine fikirlerle etkileşime geçmesine olanak tanıyor.
Vahşi Gezegen'in 1973 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Vahşi Gezegen'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Vahşi Gezegen'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.6 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Vahşi Gezegen'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Vahşi Gezegen bundan faydalanıyor. Bilimkurgu karakter perspektifine dayanır. Yönetmen spekülatif unsurları kahramanı nasıl etkilediklerine göre filtreliyor; bu da soyutun somut ve duygusal olarak okunabilir hale geldiği anlamına geliyor. Bugün hala 7.6 olarak derecelendirilen 1970s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Vahşi Gezegen bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Vahşi Gezegen'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. René Laloux, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Gérard Hernandez, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Vahşi Gezegen'te en çok görülür.
Vahşi Gezegen, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.6 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Vahşi Gezegen'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. René Laloux ve Gérard Hernandez işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Vahşi Gezegen bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. René Laloux, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.6 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri René Laloux'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Vahşi Gezegen'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Harold ve Maude
Klasik bir kült olan bu filmde alışılmadık bir çifti izliyoruz. Ekranlarda görmeye alışık olduğumuz türden çiftlere ait bildiğimiz ne varsa tümüne meydan okuyan bir birliktelik. Harold olarak izlediğimiz Bud Cort, zenginliğinden sıkılmış ve tüm ilgisine ölüme vermişa. Maude ise hayat hakkında pek çok şey bilen eski bir serseridir. Senaryosu Colin Higgins'e ait olan filmi Hal Ashby yönetmiş. Sevginin sınır tanımadığına dair eğlenceli ve etkileyici bir film. Müzikler ise Cat Stevens'e ait.
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. Hal Ashby, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Harold ve Maude (1971), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Harold ve Maude, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.6 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Harold ve Maude de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Genel olarak 1970s sineması bağlamında, Harold ve Maude, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1970s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Harold ve Maude'teki performanslar, Hal Ashby'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Ruth Gordon, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Harold ve Maude'te en zor anlar, Ruth Gordon'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Harold ve Maude, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Harold ve Maude'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Hal Ashby özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Harold ve Maude ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 7.6 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Harold ve Maude'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Hal Ashby filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.6 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Harold ve Maude tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Bir Yerde
Chance, kendisini bildi bileli yanında yaşadığı yaşlı adamın evinde bahçıvanlık yaparak büyümüş ve hayatında bir kez olsun sokağa çıkmamıştır. Bütün hayatı bahçede bakımını yapıp büyüttüğü çiçeklerden ve televizyondan ibaret olan Chance, yaşlı adam bir gün ölünce ortada kalır. Çünkü ev artık satılacaktır. Kendi varlığının haricinde yaşadığına dair hiçbir kanıt olmayan Chance, avukatlara yıllardır yaşlı adamın yanında kaldığını kabul ettiremez. Nüfus kağıdı bile yoktur. Kendini birden sokaklarda bulunca yıllardır görüp bilmediği hayatın rutinleri ile tanışır. İlk defa sokaklarda yürür, arabaya biner... Ve birden şansı hiç tahmin etmediği bir yerde dönüverir.
Neden izliyorsunuz?: Bir Yerde sessizliğe güvenen bir drama. Hal Ashby, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
1979'te gösterime giren Bir Yerde, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Hal Ashby hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.6 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Bir Yerde'in 7.6 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Hal Ashby, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. 1970s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Bir Yerde kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Bir Yerde'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Hal Ashby, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Bir Yerde karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Bir Yerde'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Bir Yerde'i ilk kez izleyen izleyiciler, Hal Ashby'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Bir Yerde'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Peter Sellers, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1979 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Hal Ashby'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Bir Yerde, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Hal Ashby'in Bir Yerde'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Kiracı
Mutsuz bir geçmişi olan bir daire ve tekin olmayan sakinleriyle bir apartman Roman Polanski'nin gerilim filmi Kiracı'nın mekanını oluşturuyor. Polanski'nin canlandırdığı Trelkovsky'nin sıradan memur hayatı, yeni bir binaya taşınmasıyla birden bire değişir. Binanın diğer sakinleri ve eski kiracıların trajik kaderleri paranoyalarına yenilerini ekler. Trelkovsky'nin gerçekleri ortaya çıkacak mıdır yoksa bütün bunlar yalnızca hayal ürünü müdür?
Neden izliyorsunuz?: Gerilim sanatı en iyi haliyle izleyicinin açık bir şey olmadan önce dehşete düşmesi anlamına gelir. Roman Polanski, Kiracı'te bunu bilgi ve zamanlamanın kontrolü yoluyla başarıyor.
Kiracı, 1976'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Kiracı'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.6'te Kiracı, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Kiracı herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Bu, gerilimin fiziksel olmaktan ziyade psikolojik olduğu gerilim kategorisine aittir. Yönetmen izleyicinin açık bir tehlike gösterilmeden baskı hissedeceğine güveniyor. Sonuç, geleneksel gerilim mekaniğinden daha rahatsız edici. 1970s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Kiracı bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 1970s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 1970s filmi.
Kiracı'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Roman Polanski, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Kiracı'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Roman Polanski, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Kiracı'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Roman Polanski'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Kiracı, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Roman Polanski'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Kiracı, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Roman Polanski'in performansının ve Roman Polanski'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Kramer Kramer'e Karşı
Ted Kramer, işine son derece bağlı bir babadır ve bir gece eve geç döndüğünde, karısı Joanna onu terk etmek üzere olduğunu söyler. Kocasından ayrılıp, kendisini bulmaya çalışacaktır. Altı yaşındaki oğullarını da bakması için ona bırakacaktır. Bir taraftan işini sürdürmeye çalışan Ted diğer yandan da, pek az babanın bildiği kadarıyla, oğlunu tanımaya çalışmaktadır. Ona yemekler pişirmekte, parka gezmeye götürmekte ve onun her ihtiyacı ile korkularını anlamaya çalışmaktadır.
Neden izliyorsunuz?: Robert Benton, Kramer Kramer'e Karşı'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Kramer Kramer'e Karşı'in 1979 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Kramer Kramer'e Karşı'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Kramer Kramer'e Karşı'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.6'teki Kramer Kramer'e Karşı, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Robert Benton, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. 1970s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Kramer Kramer'e Karşı hayatta kaldı çünkü Robert Benton trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 7.6 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Kramer Kramer'e Karşı'in görsel dili, 1979'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Robert Benton, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Kramer Kramer'e Karşı'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Kramer Kramer'e Karşı'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Kramer Kramer'e Karşı, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.6 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Kramer Kramer'e Karşı'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Robert Benton ve Dustin Hoffman işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Kramer Kramer'e Karşı'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.6 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Kramer Kramer'e Karşı'e yüksek puan verme kararları, Robert Benton'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Kramer Kramer'e Karşı genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Bana Trinity Derler
"Yorgun Joe", Şeytan'ın sağ kolu olarak bilinen, silahını çekme hızına kimsenin yetişemediği bir kanun kaçağıdır. Ancak Şeytan'ın sol kolu olarak nam salmış "Küçük" lakaplı at hırsızı kardeşi ona denk olabilir. Ne var ki Küçük, tesadüfen eline geçen bir şerif yıldızının etkisiyle bu sefer kanunun tarafına geçer ve küçük bir kasabada şerif olarak rahat bir hayata başlar. Tam da bu sırada Yorgun Joe da kasabaya gelir. İki kabadayı, önce birkaç ailevi meseleyi kendi yöntemleriyle çözdükten sonra bu kez toprak ve para hırsıyla kasabayı ele geçirmeye çalışan acımasız bir albaya karşı birleşirler.
Neden izliyorsunuz?: Coğrafyanın netliğiyle hazırlanmış aksiyon. Enzo Barboni, en iyi dizilerin işe yaradığını biliyor çünkü her zaman herkesin nerede olduğunu biliyorsunuz.
Bana Trinity Derler (1970), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Bana Trinity Derler, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.6 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Bana Trinity Derler, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen aksiyon sinemasının temel sorununu çözüyor: Aksiyonu size göstermeden önce sonucu önemsemenizi sağlıyor. Sıralamalar işe yarıyor çünkü coğrafi netlik, kimin nerede olduğunu ve başarının neleri gerektirdiğini her zaman bilmeniz anlamına geliyor. Bana Trinity Derler, 1970s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 1970s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, Enzo Barboni'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Bana Trinity Derler'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Enzo Barboni, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Terence Hill, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Bana Trinity Derler'te en çok görülür.
Bana Trinity Derler'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Bana Trinity Derler'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Bana Trinity Derler'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Enzo Barboni'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Terence Hill'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Bana Trinity Derler, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Bana Trinity Derler, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Enzo Barboni'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Bana Trinity Derler'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Cadılar Bayramı
Korku sinemasının ustalarından John Carpenter'ı üne kavuşturan filmi "Cadılar Bayramı", ilk cinayetini altı yaşında işleyen bir çocuğun onbeş yıl sonra hapisten kaçarak geçmişini tekrarlamasını anlatıyor. Azizler günü arifesinde işlediği cinayeti hayatının merkezi haline getiren ve sıradan insanları öldürerek adeta sorunlarıyla hesaplaşan gencin hikayesi.
Neden izliyorsunuz?: Cadılar Bayramı gerilimini dürüstçe kazanıyor; baskı, yapay sürprizden ziyade durum ve karakterden kaynaklanıyor. John Carpenter, riskleri hissedecekleri konusunda izleyiciye güveniyor.
1978'te gösterime giren Cadılar Bayramı, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. John Carpenter hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.6 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Cadılar Bayramı için 7.6 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Cadılar Bayramı'in yaptığı da tam olarak bu. John Carpenter bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Cadılar Bayramı daha küçük bir kategoriye ait; 1970s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Cadılar Bayramı'teki performanslar, John Carpenter'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Donald Pleasence, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Cadılar Bayramı'te en zor anlar, Donald Pleasence'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Cadılar Bayramı en iyi atmosferin işlemesine izin veren koşullarda izlenir: düşük ışık, minimum kesinti ve ideal olarak kültürel olarak iyi bilinen belirli anlara ilişkin önceden bilgi olmadan. İzleyici tam olarak neyin geleceğini bildiğinde korku etkisini kaybediyor ve Cadılar Bayramı, bazı önemli sahneleri filmi izlememiş kişilere bile tanıdık gelecek kadar tartışıldı. Sınırlı ön bilgiyle yaklaşabiliyorsanız, yapın. John Carpenter'in Cadılar Bayramı'e yerleştirdiği atmosferik zanaat, izleyicinin gerçek bir belirsizlik durumunda olmasına bağlı. 7.6 derecelendirmesi, filmi izlerken bu durumda olan izleyicileri yansıtır.
Cadılar Bayramı bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. John Carpenter, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.6 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri John Carpenter'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Cadılar Bayramı'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Kutsal Dağ
İsa benzeri bir karakter ruhani bir liderin dünyasına girer ve onun aracılığıyla, gezegenleri temsil eden renkli bir grupla tanışır. Her birinin farklı dünyası vardır ve başlangıçta onların dünyalarını izleriz. Daha sonra kutsal dağa doğru gerçekleştirilecek yolculuk başlar. Öncelikle her Jodorowsky filmi gibi, anlatılması, özetlenmesi zor bir çalışma olduğunu belirtmek gerek. Her tür özet filmi anlatmak için yetersiz ve hatta 'saçma' kalıyor.
Neden izliyorsunuz?: Kutsal Dağ'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Alejandro Jodorowsky'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
Kutsal Dağ, 1973'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Kutsal Dağ'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.5'teki Kutsal Dağ, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Kutsal Dağ için 1970s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Alejandro Jodorowsky'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Kutsal Dağ'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Alejandro Jodorowsky, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Kutsal Dağ karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Kutsal Dağ'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Kutsal Dağ, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.5 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Kutsal Dağ'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Alejandro Jodorowsky ve Alejandro Jodorowsky işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Kutsal Dağ'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Alejandro Jodorowsky filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.5 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Kutsal Dağ tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Serpiko
1970'lerin başında yozlaşmış New York Polis Teşkilatı'nda görevli dürüst bir polis memurunun gerçek hikâyesine dayanan filmde New York Polis teşkilatına yeni katılmış olan devriye polisi Frank Serpico'nun rüşvet çarkına açtığı savaş anlatılmaktadır.
Neden izliyorsunuz?: Sidney Lumet, Serpiko'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Serpiko'in 1973 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Serpiko'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Serpiko'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.5 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Serpiko'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Serpiko bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Bugün hala 7.5 olarak derecelendirilen 1970s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Serpiko bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Serpiko'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Sidney Lumet, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Serpiko'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Al Pacino, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Serpiko'i ilk kez izleyen izleyiciler, Sidney Lumet'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Serpiko'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Al Pacino, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1973 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Sidney Lumet'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Serpiko, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Sidney Lumet'in Serpiko'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Harika filmler izlemek dünyaya bakışınızı değiştirir. Bu yüzden onları dikkatle seçiyoruz.
Cagliostro'nun Şatosu
Meşhur uluslararası hırsız Lupin, Monte Carlo’da bir kumarhane üzerine çalışırken keşfettiği para sahtekarlığı izini Avrupa’da monarşiyle yönetilen ufak bir ülke olan Cagliostro’ya kadar sürer. Eksantrik hırsızlardan oluşan küçük ekibiyle kötü yürekli Kont Cagliostro’nun yönettiği ülkeye varır. Burada zorla kontla evlendirilmek istenen güzel Clarice ile tanışırlar ve gizli bir hazinenin varlığını da keşfederler.
Neden izliyorsunuz?: Sadece bir tane olarak pazarlanmak yerine gerçekten komik bir filmler. Cagliostro'nun Şatosu'teki mizah düzenden değil karakterden geliyor.
Cagliostro'nun Şatosu (1979), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Cagliostro'nun Şatosu, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.5 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Cagliostro'nun Şatosu de bir istisna değildir. Filmin komedi gibi çalışmasını sağlayan şey, yönetmenin mizahın nerede olduğunu belirtmeyi reddetmesidir. Şakalar karakter ve durumdan kaynaklanıyor; bu da, dikkat eden izleyicilerin, gülmeleri gerektiğinin söylenmesini bekleyen izleyicilerden daha fazlasını bulduğu anlamına geliyor. Genel olarak 1970s sineması bağlamında, Cagliostro'nun Şatosu, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1970s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Cagliostro'nun Şatosu'in görsel dili, 1979'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Hayao Miyazaki, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Cagliostro'nun Şatosu'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Cagliostro'nun Şatosu'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Cagliostro'nun Şatosu'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Hayao Miyazaki'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Cagliostro'nun Şatosu, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Yasuo Yamada'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Cagliostro'nun Şatosu, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Yasuo Yamada'in performansının ve Hayao Miyazaki'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Alcatraz'dan Kaçış
Ömür boyu hapse mahkûm olan Frank Morris, Alcatraz'dan kaçışını planlar. Bu gerilim filmi, Alcatraz cezaevinin tarihindeki tek başarılı firardan uyarlandı.
Neden izliyorsunuz?: Alcatraz'dan Kaçış gerilimini dürüstçe kazanıyor; baskı, yapay sürprizden ziyade durum ve karakterden kaynaklanıyor. Don Siegel, riskleri hissedecekleri konusunda izleyiciye güveniyor.
1979'te gösterime giren Alcatraz'dan Kaçış, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Don Siegel hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.5 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Alcatraz'dan Kaçış'in 7.5 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Don Siegel, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. 1970s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Alcatraz'dan Kaçış kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Alcatraz'dan Kaçış'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Don Siegel, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Clint Eastwood, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Alcatraz'dan Kaçış'te en çok görülür.
Alcatraz'dan Kaçış, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.5 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Alcatraz'dan Kaçış'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Don Siegel ve Clint Eastwood işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Alcatraz'dan Kaçış'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.5 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Alcatraz'dan Kaçış'e yüksek puan verme kararları, Don Siegel'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Alcatraz'dan Kaçış genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Konuşma
Harry Caul (Gene Hackman) çok gelişmiş elektronik aletler kullanarak dinleme ve izleme yapma konusunda uzman bir özel dedektiftir. Sahibi olduğu özel dedektiflik bürosuna başvuran müşterilerinin istediği kişileri izleyip seslerini banda almaktadır. Paranoid ve ketum bir kişiliğe sahip Caul'e başvuran bir iş adamı, dedektiften genç bir erkek ve kadını izlemesini ister. Caul genç çifti izlerken kaydettiği konuşmalardan etkilenir ve artık olaya sadece bir "iş" olarak bakmaz.
Neden izliyorsunuz?: Konuşma'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Francis Ford Coppola'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
Konuşma, 1974'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Konuşma'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.5'te Konuşma, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Konuşma herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. 1970s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Konuşma bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 1970s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 1970s filmi.
Konuşma'teki performanslar, Francis Ford Coppola'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Gene Hackman, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Konuşma'te en zor anlar, Gene Hackman'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Konuşma'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Konuşma'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Konuşma'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Francis Ford Coppola'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Gene Hackman'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Konuşma, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Konuşma, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Francis Ford Coppola'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Konuşma'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Kanunun Kuvveti
New York şehri dedektifleri "Popeye" Doyle (Gene Hackman) ve Buddy Russo (Roy Scheider) narkotik kaçakçılık çemberini kırıp eninde sonunda French Connection'ı meydana çıkarmak isterler. Fakat suçlulardan biri Doyle'ı öldürmeye çalışınca, kendisini şehrin sınırlarının dışına taşıyan öldürücü bir takibe başlar. Gerçek bir hikayeden uyarlanan bu gerilim yüklü macera filmi yenilenmiş kovalama sahnesiyle, 1971 yılında en iyi film, en iyi yönetmen (William Friedkin) ve en iyi erkek oyuncu (Gene Hackman) dahil olmak üzere bu film toplam beş tane Oscar® ödülü kazandı.
Neden izliyorsunuz?: Kanunun Kuvveti, en iyi gerilim filmlerinin kısıtlama yoluyla çalıştığını gösteriyor. William Friedkin, mümkün olduğu kadar uzun süre boyunca, mümkün olduğu kadar fazlasını tutar ve sonuç, geleneksel yükseltmeden daha etkilidir.
Kanunun Kuvveti'in 1971 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Kanunun Kuvveti'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Kanunun Kuvveti'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.5'teki Kanunun Kuvveti, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. William Friedkin, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Zanaat en çok yönetmenin sakladığı şeylerde görülür. Bilgi stratejik olarak yayınlanıyor, her açıklama daha önce olanı yeniden bağlamlandırıyor. Performanslar kontrollü açıklamaya göre kalibre edilir. 1970s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Kanunun Kuvveti hayatta kaldı çünkü William Friedkin trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 7.5 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Kanunun Kuvveti'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. William Friedkin, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Kanunun Kuvveti karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Kanunun Kuvveti'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Kanunun Kuvveti, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.5 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Kanunun Kuvveti'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. William Friedkin ve Gene Hackman işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Kanunun Kuvveti bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. William Friedkin, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.5 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri William Friedkin'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Kanunun Kuvveti'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Zombi
Ülkemizde Zombi adı ile vizyona giren korku klasiği 1978 yapımı Dawn of the Dead, zombi filmlerinin babası ünlü yönetmen George A. Romero’nun ‘Yaşayan Ölüler’ serisinin ikinci filmi. Zombi istilasından kaçarken bir alışveriş merkezine sığınan dört kişinin başına gelenleri konu edinen filmde Romero, ilk film Yaşayan Ölülerin Gecesi’nin (Night of the Living Dead, 1968) sahip olduğu politik alt metnin dozunu bir miktar daha arttırıyor.
Neden izliyorsunuz?: Atmosfer ve ima yoluyla işleyen korku. Zombi, korkularını gösterdiğinden ziyade sakladığı şeylerle kazanıyor.
Zombi (1978), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Zombi, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.5 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Zombi, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen korkunun, açık bir tehlike olarak ortaya çıkmadan önce yüzeyin altında bir şeylerin ters gittiğini hissettiğinde işe yaradığını anlıyor. Film, ilk korkudan önceki ton ve atmosferle bu yanlışlığı yaratıyor. Zombi, 1970s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 1970s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, George A. Romero'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Zombi'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. George A. Romero, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Zombi'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. David Emge, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Zombi, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.5 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Zombi'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. George A. Romero ve David Emge işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Zombi'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. George A. Romero filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.5 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Zombi tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Willy Wonka ve Çikolata Fabrikası
Charlie, zengin ailelerin şımarık çocukları ile birlikte Willy Wonka'nın çikolata fabrikasını gezmeye hak kazanır. Yolculuk esnasında sayıları gittikçe azalır. Bu bir geziden çok aslında bir sınavdır.
Neden izliyorsunuz?: Willy Wonka ve Çikolata Fabrikası yeniden izlenmeye devam eden bir komedi çünkü espriler can alıcı nokta etrafında tasarlanmış durumlardan ziyade bu insanların kim olduğundan kaynaklanıyor.
1971'te gösterime giren Willy Wonka ve Çikolata Fabrikası, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Mel Stuart hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.5 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Willy Wonka ve Çikolata Fabrikası için 7.5 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Willy Wonka ve Çikolata Fabrikası'in yaptığı da tam olarak bu. Mel Stuart bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Film izleyicinin komik zamanlama anlayışına güveniyor. Yönetmen ritmi kuruyor ve ardından mizahın yaşadığı yerlerde duraklamalara izin veriyor. Performanslar, kısıtlamanın vurgu yapmaktan daha eğlenceli olduğunu anlıyor. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Willy Wonka ve Çikolata Fabrikası daha küçük bir kategoriye ait; 1970s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Willy Wonka ve Çikolata Fabrikası'in görsel dili, 1971'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Mel Stuart, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Willy Wonka ve Çikolata Fabrikası'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Willy Wonka ve Çikolata Fabrikası'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Willy Wonka ve Çikolata Fabrikası'i ilk kez izleyen izleyiciler, Mel Stuart'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Willy Wonka ve Çikolata Fabrikası'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Gene Wilder, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1971 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Mel Stuart'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Willy Wonka ve Çikolata Fabrikası, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Mel Stuart'in Willy Wonka ve Çikolata Fabrikası'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Kanlı Toprak
1959 yılında, pek çok insanı öldürmüş bir katil olan Kit (Martin Sheen) ile yeni kız arkadaşı Holly (Sissy Spacek), Güney Dakota'dan Montana'ya giderken suç ve cezanın hayal alemine dalmış kendi halinde bir çifttir. Gerçek mermi kullanırlar ve insanları öldürürler ama herşey aslında onlar için bir oyundur.
Neden izliyorsunuz?: Kanlı Toprak'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Terrence Malick'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
Kanlı Toprak, 1974'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Kanlı Toprak'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.5'teki Kanlı Toprak, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Kanlı Toprak için 1970s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Terrence Malick'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Kanlı Toprak'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Terrence Malick, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Martin Sheen, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Kanlı Toprak'te en çok görülür.
Kanlı Toprak'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Terrence Malick'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Kanlı Toprak, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Martin Sheen'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Kanlı Toprak, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Martin Sheen'in performansının ve Terrence Malick'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Suspiria
Amerikalı bale öğrencisi Suzy Bannion, dünyaca ünlü ve saygın bir Alman yatılı dans akademisinde eğitim görmeye gelir. Suzy okula adım attığı andan itibaren bir dizi esrarengiz olaya tanıklık eder. Önceki gece okuldan kaçan bir öğrenci, ölü bulunmuştur. Piyanist Daniel ise kendi köpeği tarafından öldürülür. Akademide bir salgın hastalık baş gösterir ve korkutucu okul binasının her yanından tuhaf sesler yükselmektedir. Suzy biraz araştırma yapınca okulun geçmişte bir “cadılar meclisi” mekanı olduğunu öğrenir. Ama işaretler, binada cadı geleneğinin ve ayinlerinin geçmişte kalmadığını, hâlâ devam ettiğini göstermektedir!
Neden izliyorsunuz?: Suspiria, süren korku kategorisine giriyor. Yarattığı rahatsızlık, şok anları gibi dağılmayan imalardan ve atmosferden kaynaklanıyor.
Suspiria'in 1977 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Suspiria'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Suspiria'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.5 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Suspiria'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Suspiria bundan faydalanıyor. Korkunun hayatta kalmanın ötesine geçen riskleri var. Yönetmen korkuyu gerçek bir şeye, karaktere, ilişkiye ya da ahlaka bağlıyor. Korkular önemlidir çünkü tehdit edilen şey önemlidir. Bugün hala 7.5 olarak derecelendirilen 1970s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Suspiria bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Suspiria'teki performanslar, Dario Argento'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Jessica Harper, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Suspiria'te en zor anlar, Jessica Harper'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Suspiria, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.5 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Suspiria'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Dario Argento ve Jessica Harper işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Suspiria'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.5 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Suspiria'e yüksek puan verme kararları, Dario Argento'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Suspiria genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Cennet Günleri
Ağır sanayi işçileri Bill ve Abby güneye doğru daha iyi bir iş bulmak için yola çıkarlar. Yanlarında manevi kardeşleri saydıkları Linda da bulunmaktadır. İki kardeş olduklarını söyleyen Bill ve Abby büyük bir çiftlikte mevsimlik işçi olarak çalışmaya başlarlar. Toprak sahibinin Abby’ye olan duygularının farkında olan ve onun ölümcül bir hastalığa sahip olduğunu şans eseri öğrenen Bill, zengin olmanın yolunu bulduğunu düşünür. Gerçekten de kardeş gibi davranarak çiftlikte kalan ve ardından toprak sahibi ile evlenen Abby, bir süre sonra Bill ve eşi arasında kalmaya başlar. Abby’ye aşık olan Bill ise gün geçtikçe bu evlilikten rahatsızlık duyacak ve olmadık işlere başvuracaktır.
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. Terrence Malick, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Cennet Günleri (1978), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Cennet Günleri, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.5 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Cennet Günleri de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Genel olarak 1970s sineması bağlamında, Cennet Günleri, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1970s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Cennet Günleri'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Terrence Malick, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Cennet Günleri karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Cennet Günleri'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Cennet Günleri'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Cennet Günleri'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Cennet Günleri'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Terrence Malick'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Richard Gere'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Cennet Günleri, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Cennet Günleri, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Terrence Malick'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Cennet Günleri'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Patton
Film 1943 yılında 2.Dünya Savaşı'nın Kuzey Afrika cephesi ile başlar.Savaş tarihinin en eksantrik komutanlarından biri olan Tankçı General George S. Patton Jr.(George C. Scott) 'ın karşısında Çöl Tikisi lakaplı ünlü Alman Mareşali Rommel (Karl Michael Vogler) vardır.Askeri dehasının yanı sıra savaş tarihini de çok iyi bilen Patton,Rommel'in yazdığı kitapları da okumuştur ve onun taktiklerini kullanarak 'Çöl Tilkisi' ni Kuzey Afrika'dan sürer.Bu başarısı üzerine korgeneralliğe terfi ettirilerek Sicilya 'ya gönderilir.Burada Müttefiklerin diğer bir ünlü komutanı İngiliz mareşali Montgomery (Michael Bates) ile bir rekabete girer.Kimi zaman üstlerinin emirlerine itaatsizlik eden,bencil,boşboğaz ve küfürbaz bir asker olan Patton'un bu huyları onun askeri dehasının önüne geçer.Disiplin takıntısı yüzünden bir hastane teftişi sırasında korkaklıkla suçladığı hasta bir eri tokatlaması ve ona herkesin içinde hakaretler yağdırması kariyerini tehlikeye sokar.
Neden izliyorsunuz?: Patton sessizliğe güvenen bir drama. Franklin J. Schaffner, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
1970'te gösterime giren Patton, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Franklin J. Schaffner hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.5 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Patton'in 7.5 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Franklin J. Schaffner, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. 1970s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Patton kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Patton'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Franklin J. Schaffner, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Patton'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. George C. Scott, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Patton, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Franklin J. Schaffner, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Patton'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 7.5 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle George C. Scott - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Patton bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Franklin J. Schaffner, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.5 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Franklin J. Schaffner'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Patton'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Bu 1970s Filmlerini Nasıl Sıraladık?
Bu sayfadaki her film, Film Veritabanı API'sinden alınan veriler kullanılarak seçilmiştir ve kalite tutarlılığını sağlamak amacıyla minimum oy eşiklerine göre filtrelenmiştir. Süreç, bu kategorideki tüm filmlerin oy ortalamasına göre azalan sırada sıralanmasıyla başlar, ardından gereken sayıdan daha az oy alan filmleri hariç tutacak şekilde filtrelenir.
Bu daha büyük listedeki her girişin doğruluğu manuel olarak doğrulandı. Yüksek derecelendirme, otomatik olarak izlenebilirlik anlamına gelmez. Son haberler nedeniyle trend olan bir film, gerçekten iyi olduğu için trend olan bir filmle aynı değildir. Her girişteki editoryal analiz, kültürel gürültüden ziyade gerçek film kalitesini yansıtıyor.
Seçim, erişilebilirlik ve derinlik arasında bir denge sağlar. Buradaki filmler, çağdaş gösterimlerden yeniden keşfedilmeyi hak eden katalog başlıklarına kadar çeşitlilik göstermektedir. Hepsi ustalık ve niyetle yapıldı. Tüm ödül görüntüleme.
Türe Göre En İyi 1970s Filmleri
Bu sayfadaki 50 filmleri birden fazla türü ve alt türü kapsar. Tür bir filtre olarak kullanışlıdır ancak kesin bir kategori olarak kullanışlı değildir. Drama etiketli bir film, Gerilim etiketli bir film kadar merak uyandırıcı olabilir. Aksiyon etiketli bir film, Drama etiketli bir film kadar duygusal açıdan zeki olabilir. Türü resmin tamamı olarak değil, başlangıç noktası olarak kullanın.
Her filmdeki tür etiketleri, filmin kategorik olarak nerede bulunduğunu gösterir. 1970s'te en çok ilginizi çeken türleri bulmak için filtreleri kullanın.
Derecelendirmeye Göre En İyi 1970s Filmleri
Bu sayfadaki filmler üç derecelendirme aşamasına ayrılmıştır. 8,5'in üzerindeki filmler her açıdan olağanüstüdür ve bu kategorideki en iyi sinemayı temsil eder. 7,5'ten 8,4'e kadar olan filmler tutarlı bir işçilik gösterir ve güvenilir bir şekilde güçlüdür. 7.0'dan 7.4'e kadar olan filmler, biraz daha geniş bir kalite aralığını temsil etseler de hala mükemmel ve izlenmeye değerdir.
TMDB'de 8,0 puan, istatistiksel olarak güvenilir olması için yeterince geniş bir seçmen tabanını gerektirir. Zaman içinde test edilen gerçek izleyici beğenisini yansıtır.
Runtime'a göre En İyi 1970s Filmleri
Çalışma zamanı, ne izleneceğini seçerken en kullanışlı ve en az kullanılan filtrelerden biridir. 90 dakikanın altındaki filmler, kusursuz deneyimler sunar. 90 ila 120 dakika arasındaki filmler çoğu izleme durumu için en uygun uzunluktur. 120 dakikanın üzerindeki filmler bağlılık gerektirir ancak ödüllendirir.
Beklenenden çok daha uzun süren bir şeye gece geç saatlerde başlamak yerine, doğru filmi bulmak için mevcut zamanınızı kullanın.
Bulunmaya Değer Gizli Mücevherler
Her 1970s seçkisi, en üst görünürlük sıralamasının altında yer alan ancak olağanüstü bir şey sunan filmleri içerir. Bunlar, franchise'ın tanınmaması veya yakın zamanda basında yer almaması nedeniyle algoritmanın hafife aldığı filmlerdir. Belirsiz oldukları için gizli değiller. Platformlar en gürültülü seçenekleri ilk önce ortaya çıkardığı için gizlenirler.
Explore Related 1970s Content
The 1970s is best understood through multiple lenses. Below are related ways to explore movies from this decade and era.
Sıkça Sorulan Sorular
1970s'in en iyi filmleri hangileri?
1970s'in en iyi filmleri bu sayfada tam olarak sıralanır ve listelenir. Bu liste nostaljiden ziyade gerçek izleyici takdirini yansıtıyor. Her film, yerini yeterince büyük bir izleyici kitlesinden gelen sürekli olumlu tepkilerle kazandı.
1970s'in en yüksek reytingli filmi hangisi?
1970s'in en yüksek puan alan filmleri bu sayfanın üst kısmında listelenmiştir. 8,5 ve üzeri puan alan filmler, o zamandan beri yapılan her şeye erişebilen izleyiciler tarafından beğenildi ve bu da, derecelendirmeyi tek başına sayının gösterdiğinden daha anlamlı kılıyor.
En iyi 1970s gerilim filmleri nelerdir?
1970s'in gerilim filmleri bu sayfa boyunca tür etiketleriyle tanımlanır. Gerilim veya Suç Gerilimi etiketli filmleri arayın. En iyi 1970s gerilim filmleri, üretilmiş şok yerine karakter yatırımı yoluyla gerilim yaratır.
En iyi 1970s dizileri hangileri?
1970s'in drama filmleri dönemin en kalıcı eserlerinden bazılarını temsil ediyor. En iyi 1970s dramaları, izleyicilerin duygusal bilgileri altını çizmeden kaydetmesine ve yayınlandıktan onlarca yıl sonra bile izlemeyi ödüllendirmeye devam etmesine güvenir.
En iyi 1970s aksiyon filmleri nelerdir?
Aksiyon sineması 1970s sırasında önemli ölçüde gelişti. Bu sayfadaki Aksiyon etiketli filmler, bu evrimin en iyilerini temsil ediyor; sekansları önce kavramaya, sonra etkilemeye yönelik.
En iyi 1970s komedileri nelerdir?
En iyi 1970s komedileri mizahı kurgu ve can alıcı nokta mekaniklerinden ziyade karakterden türetmiştir. Orijinal kültürel referanslar kaybolsa bile karakterler spesifik ve tanınabilir olduğundan komik kalıyorlar.
En iyi 1970s korku filmleri nelerdir?
En iyi 1970s korku filmleri, atmosferin şoktan daha dayanıklı olduğunu ve korkunun karakterlere önceden yatırım yapılmasını gerektirdiğini anlamıştı. Açık içerikten ziyade atmosferik zanaat ve yapısal zeka nedeniyle seçildiler.
En iyi 1970s bilim kurgu filmleri nelerdir?
En iyi 1970s bilimkurgu filmleri gösteriden ziyade insanın sorularını keşfetmek için spekülatif öncülleri kullandı. Tür yeterince ciddiye alındı ve gerçek fikirlerin yer aldığı projeler yapıldı ve teatral olarak yayınlandı.
En iyi 1970s suç filmleri nelerdir?
1970s'in polisiye sineması türün ürettiği en güçlü çalışmalardan bazılarını temsil ediyor. Bu filmler ahlaki belirsizliği çözümlemeden ele alıyor ve suç yaşamının bedelini romantizm olmadan gösteriyordu.
1970s'in en iyi yabancı dil filmleri hangileri?
1970s'in uluslararası sineması bu listede temsil edilmektedir. Bu dönemde birçok ulusal sinema yaratıcılığın zirvesindeydi. Altyazı şüphesi olanlar bu sayfada 8,5 ve üzeri puan alan herhangi bir yabancı dil filmiyle başlamalıdır.
1970s'in en az değer verilen filmleri hangileri?
Bu sayfadaki Gizli Mücevher bölümü, anlamlı seçmen tabanlarından 6,5 ile 7,4 arasında puan alan 1970s filmlerini tanımlar. Bu filmler, belirsiz oldukları için değil, franchise'ın tanınmaması veya son zamanlarda basında yer almaması nedeniyle küçümseniyor.
Herkes en az bir kez hangi 1970s filmlerini izlemeli?
Bu listede 8,0 ve üzeri puan alan filmler, pazarlıksız 1970s izlemeyi temsil etmektedir. Bunlar, birden fazla nesilden izleyici arasında gerçek anlamda eleştirel fikir birliğine ulaştı ve yeni izleyicilere ulaşmaya devam ediyor.
Genellikle eski filmleri izlemeyen biri için en iyi 1970s filmleri hangileridir?
Bu sayfadan 8,5 ve üzeri puan alan herhangi bir filmle başlayın. Kalite eskimez. Hoşunuza giden bir türde bir 1970s filmi bulmak ve oradan başlamak için tür etiketlerini kullanın.
1970s filmleri modern sinemayla karşılaştırıldığında nasıldır?
1970s farklı kısıtlamalar altında ve farklı amaçlarla filmler üretti. Bütçe yapıları, orijinal öncüllere sahip orta sınıf filmlerin sinemalarda gösterime girmesine izin verdi. Yönetmenlere stüdyolarla ilgili olarak şu anda yaygın olandan daha fazla yaratıcı kontrol verildi.
1970s filmleri bugün hâlâ izlenmeye değer mi?
Evet, yeterlilik olmadan. Bu listedeki filmler tarihsel açıdan ilginç oldukları için değil, dayandıkları için seçildi. Harika film yapımcılığı, teknolojinin veya modanın eskidiği gibi eskimez. Çağdaş izleyiciler bu filmleri yüksek oranda derecelendirmeye devam ediyor.