Le Tombeau des Lucioles
Japon, été 1945. Après le bombardement de Kobé, Seita, un adolescent de quatorze ans et sa petite sœur de quatre ans, Setsuko, orphelins, vont s’installer chez leur tante à quelques dizaines de kilomètres de chez eux. Celle‐ci leur fait comprendre qu’ils sont une gêne pour la famille et doivent mériter leur riz quotidien. Seita décide de partir avec sa petite sœur. Ils se réfugient dans un bunker désaffecté en pleine campagne et vivent des jours heureux illuminés par la présence de milliers de lucioles. Mais bientôt la nourriture commence cruellement à manquer.
Pourquoi regarder: L'un des films les mieux notés de cette sélection. Le Tombeau des Lucioles a gagné sa réputation grâce à une appréciation critique soutenue auprès de plusieurs générations de téléspectateurs.
Le Tombeau des Lucioles (1988) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Le Tombeau des Lucioles a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 8.4 reflète la réalisation, l’écriture et la performance fonctionnant simultanément à des niveaux cohérents. Les films qui obtiennent des scores dans cette fourchette échouent rarement de manière significative dans une seule dimension, et Le Tombeau des Lucioles ne fait pas exception. Le réalisateur travaille avec une patience que la plupart des drames contemporains ne peuvent se permettre. Les scènes peuvent dépasser leur point final évident, trouvant la vérité dans ce que font les personnages après avoir dit ce qu'ils sont venus dire. Les acteurs comprennent ce rythme. Dans le contexte global du cinéma 1980s, Le Tombeau des Lucioles représente ce que la décennie a apporté et que les décennies précédentes et suivantes n’ont pas apporté. Les conditions spécifiques du cinéma 1980s – budgets, technologie, contexte culturel – ont produit ici quelque chose qui ne pouvait provenir que de ce moment-là.
Le langage visuel de Le Tombeau des Lucioles reflète le cinéma de 1988 dans sa forme la plus réfléchie. Isao Takahata a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Le Tombeau des Lucioles a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Le Tombeau des Lucioles avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Les nouveaux spectateurs de Le Tombeau des Lucioles devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Le Tombeau des Lucioles pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Le Tombeau des Lucioles change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Isao Takahata semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Tsutomu Tatsumi dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Le classement de Le Tombeau des Lucioles dans le top dix de cette liste ne nécessite aucun argument particulier. L’argument est la note 8.4 provenant d’une base d’électeurs suffisamment large pour être statistiquement significative. Les films figurant dans le top dix de toute liste sérieuse occupent cette position car ils s'adressent systématiquement au plus large éventail de téléspectateurs, et Le Tombeau des Lucioles l'a fait auprès de tous les groupes démographiques qui l'ont rencontré. Le travail de Isao Takahata opère ici à un niveau où la qualité d'une scène individuelle se combine en quelque chose qui résiste au niveau du films dans son ensemble, ce qui est plus rare qu'il n'y paraît.
Cinema Paradiso
Alfredo vient de mourir. Pour Salvatore, cinéaste en vogue, c’est tout un pan de son passé qui s’écroule. On l’appelait Toto a l’époque. Il partageait son temps libre entre l’office où il était enfant de chœur et la salle de cinéma paroissiale, en particulier la cabine de projection où régnait Alfredo.
Pourquoi regarder: Cinema Paradiso se situe à la fin exceptionnelle de cette liste. Une note aussi élevée, construite à partir d’une large base d’électeurs, reflète un véritable consensus plutôt qu’un battage médiatique.
Sorti en 1988, Cinema Paradiso a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Giuseppe Tornatore a créé quelque chose qui a survécu, et la note 8.4 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 8.4 pour Cinema Paradiso le place parmi les films qui tiennent leurs promesses sans faiblesses significatives. Giuseppe Tornatore a créé quelque chose qui fonctionne comme prévu, ce qui est moins courant qu'il n'y paraît. Le drame vient de la spécificité plutôt que de l’universalité. Le réalisateur fait des choix qui s'appliquent précisément à ces personnages dans cette situation, ce qui crée paradoxalement quelque chose de plus universel que ne le feraient des battements émotionnels génériques. 1980s a produit de nombreux films. Ceux qui restent sur des listes comme celle-ci des décennies plus tard sont ceux qui ont compris quelque chose de vrai sur les gens plutôt que sur le moment présent. Cinema Paradiso est là parce qu'il a compris quelque chose de durable.
Le scénario de Cinema Paradiso démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Giuseppe Tornatore a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Philippe Noiret propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Cinema Paradiso lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Cinema Paradiso convient aux soirées où vous souhaitez regarder quelque chose avec une véritable substance plutôt que quelque chose qui remplit simplement le temps. Ce n’est pas un films de fond ni une expérience passive. Giuseppe Tornatore a construit quelque chose qui demande votre attention et la récompense spécifiquement plutôt que généralement. Les téléspectateurs qui regardent Cinema Paradiso tout en faisant autre chose obtiendront une version du films considérablement réduite par rapport à la version disponible pour quelqu'un qui lui accorde toute son attention. La note 8.4 reflète l’expérience visuelle avec toute l’attention. Le casting - Philippe Noiret en particulier - offre des détails de performance qui s'enregistrent en cas de vision concentrée et disparaissent en cas de vision distraite.
La position de Cinema Paradiso dans le top 10 de cette liste reflète quelque chose de difficile à fabriquer : une excellence soutenue que les nouveaux téléspectateurs continuent de découvrir et d'apprécier hautement. La plupart des films perdent de leur élan après leur public initiale. Cinema Paradiso ne l'a pas fait. Les téléspectateurs qui le rencontrent des années ou des décennies après sa sortie lui accordent les mêmes notes élevées que les premiers téléspectateurs. Giuseppe Tornatore a créé quelque chose qui fonctionne indépendamment du moment culturel dont il est issu, ce qui est la définition d'une qualité durable. Les performances du Philippe Noiret font partie de cette durabilité - elles ne sont pas considérées comme une période d'action.
L'Empire contre-attaque
Malgré la destruction de l’Étoile Noire, l'Empire maintient son emprise sur la galaxie, et poursuit sans relâche sa lutte contre l'Alliance rebelle. Basés sur la planète glacée de Hoth, les rebelles essuient un assaut des troupes impériales. Parvenus à s'échapper, la princesse Leia, Han Solo, Chewbacca et C-3P0 se dirigent vers Bespin, la cité des nuages gouvernée par Lando Calrissian, ancien compagnon de Han. Suivant les instructions d'Obi-Wan Kenobi, Luke Skywalker se rend quant à lui vers le système de Dagobah, planète marécageuse où il doit recevoir l'enseignement du dernier maître Jedi, Yoda. Apprenant l'arrestation de ses compagnons par les stormtroopers de Dark Vador après la trahison de Lando, Luke décide d'interrompre son entraînement pour porter secours à ses amis et affronter le sombre seigneur Sith...
Pourquoi regarder: Les chiffres derrière L'Empire contre-attaque sont difficiles à atteindre : des milliers de téléspectateurs indépendants lui accordent une note élevée sans coordination. Ce consensus constitue le signal de qualité le plus fiable disponible.
L'Empire contre-attaque date de 1980, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que L'Empire contre-attaque occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Chez 8.4, L'Empire contre-attaque se situe dans une gamme où la qualité est constante, mais le films n'a pas atteint le large consensus des titres mieux notés. Ce consensus plus restreint reflète souvent un attrait spécifique : L'Empire contre-attaque n'est pas pour tout le monde, mais pour le bon téléspectateur, il est excellent. Le réalisateur filme l'action à l'échelle humaine plutôt qu'à la caméra. Les personnages occupent un espace cohérent et leurs corps se déplacent dans cet espace avec un objectif lisible. Le résultat est une action qui accumule l’impact plutôt que de générer de l’adrénaline momentanée. Les 1980s furent un moment culturel spécifique avec des préoccupations spécifiques et des approches esthétiques spécifiques. L'Empire contre-attaque reflète ces conditions tout en les transcendant – c'est un films 1980s qui ne nécessite pas que vous compreniez le 1980s pour l'apprécier.
Les performances de L'Empire contre-attaque sont calibrées sur un registre spécifique que Irvin Kershner a établi et maintenu tout au long de la production. Mark Hamill a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de L'Empire contre-attaque qui sont les plus difficiles sont ceux où Mark Hamill fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
L'Empire contre-attaque s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.4 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent L'Empire contre-attaque comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Irvin Kershner et Mark Hamill font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
L'Empire contre-attaque appartient au top dix car il fait quelque chose que la plupart des films tentent et que peu réussissent : il est excellent au premier visionnage et révèle des couches supplémentaires lors du revoyage. Le public novice et le public récurrent vivent des expériences différentes, et les deux expériences sont fortes. Irvin Kershner a intégré cette profondeur dans le films en travaillant simultanément à plusieurs niveaux : l'histoire de surface est au rendez-vous, et en dessous se trouve une couche de décisions artisanales qui ne deviennent pleinement visibles qu'une fois que vous savez où tout va. Cette structure à deux niveaux place L'Empire contre-attaque dans le top dix plutôt que dans le niveau suivant.
Il était une fois en Amérique
À New York, à la fin de la prohibition, Noodles se réfugie dans une fumerie d'opium après un coup qui a mal tourné. Plus de trente ans plus tard, il est de retour en ville et se remémore son passé de gangster : de sa jeunesse de voyou dans les années 20, marquée par sa rencontre avec son ami Max et leurs nombreux trafics dans le ghetto juif de la ville, jusqu'à la période de prohibition où leur bande, liée par une profonde amitié, s'enrichit et marque son ascension dans la pègre grâce au commerce illégal d'alcool. Noodles se rappelle aussi de sa relation amoureuse échouée avec Deborah durant toute sa vie.
Pourquoi regarder: Il était une fois en Amérique a conservé sa notation suffisamment longtemps pour que le note soit stable. Les films aussi bien notés auprès d’un public diversifié sont exceptionnels plutôt que simplement bons.
La version 1984 de Il était une fois en Amérique est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Il était une fois en Amérique l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Il était une fois en Amérique s'auto-sélectionne pour s'engager. Il était une fois en Amérique à 8.4 représente le niveau fiable de cette liste. Ce sont les films qui ne déçoivent pas. Sergio Leone a compris ce que le films devait être et l'a exécuté sans compromis. Ce qui distingue ce films d'un drame est le refus du réalisateur d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le films crée des situations avec un poids émotionnel et fait ensuite confiance aux spectateurs pour porter eux-mêmes ce poids. Les performances apportent le registre émotionnel sans sur-signalisation. Classer les films du 1980s les uns par rapport aux autres est en partie un exercice d’identification de ce qui a survécu. Il était une fois en Amérique a survécu parce que Sergio Leone a fait des choix basés sur l'artisanat plutôt que sur la tendance. La note 8.4 reflète que le public trouve toujours ces choix valables.
La structure de Il était une fois en Amérique est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Sergio Leone réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Il était une fois en Amérique coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Il était une fois en Amérique désorientant de manière productive.
Les téléspectateurs qui regardent Il était une fois en Amérique pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Sergio Leone gère les transitions entre les scènes. Les montages de Il était une fois en Amérique ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Robert De Niro travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 1984 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Sergio Leone voulait dire.
Une position parmi les dix premiers sur une liste classée établie à partir des classements de The Movie Database représente un véritable consensus critique. Il ne s'agit pas d'un concours de popularité : le seuil de vote filtre les films qui ont été vus et notés par suffisamment de personnes pour que les opinions aberrantes individuelles fassent la moyenne. Il était une fois en Amérique à cette position signifie que divers téléspectateurs, dans différents pays et avec différentes habitudes de visionnage, ont conclu indépendamment que ce films était excellent. Sergio Leone a réalisé quelque chose avec Il était une fois en Amérique qui résiste aux variations culturelles. L’approche narrative spécifique utilisée ici se traduit dans tous les contextes.
Retour vers le futur
En 1985, Marty, un adolescent comme les autres, mène une existence morne et ennuyeuse. Heureusement, il est épris de la jolie Jennifer et entretient une profonde amitié avec Doc, un savant fou qui prétend avoir inventé une machine à explorer le temps. Un jour, Doc invite Marty à l'essayer…
Pourquoi regarder: L'un des films les mieux notés de cette sélection. Retour vers le futur a gagné sa réputation grâce à une appréciation critique soutenue auprès de plusieurs générations de téléspectateurs.
Retour vers le futur (1985) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Retour vers le futur a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 8.3 provenant d'un large bassin d'électeurs signifie que le films possède de véritables atouts qui l'emportent sur les faiblesses trouvées par les téléspectateurs. Retour vers le futur tient sa promesse centrale, qui est la norme minimale que tout films devrait respecter et qui est moins atteinte que ne le suggère le nombre de sorties. Ce qui fait que le films fonctionne comme une comédie, c'est le refus du réalisateur de signaler où se trouve l'humour. Les blagues viennent du personnage et de la situation, ce qui signifie que les téléspectateurs qui y prêtent attention trouvent plus que ceux qui attendent qu'on leur dise qu'ils devraient rire. Retour vers le futur mérite sa place dans tout récit du cinéma 1980s car il capture quelque chose que la décennie a produit et que les décennies suivantes ont perdu. Les conditions culturelles et technologiques du cinéma 1980s ont façonné ce que Robert Zemeckis pourrait faire ici.
L’environnement sonore de Retour vers le futur est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Robert Zemeckis comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Retour vers le futur utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Michael J. Fox travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Les téléspectateurs qui ont vu les films influencés par Retour vers le futur trouveront que regarder l’original est une expérience différente de celle d’un films contemporain. Les techniques qui semblent familières parce qu'elles ont été largement copiées sont visibles ici dans leur forme originale, ce qui révèle souvent que les copies ont compris la surface de ce que Robert Zemeckis a fait sans en comprendre le raisonnement. Retour vers le futur utilise ses choix stylistiques au service d’objectifs narratifs spécifiques. Les films ultérieurs qui ont emprunté ces choix les ont souvent utilisés comme style sans fonction. Regarder l’original clarifie ce qui était réellement accompli. Le travail de Michael J. Fox présente ici également une spécificité qui manque à de nombreuses performances qui s'en inspirent : les imitations captent la manière sans l'intériorité qui lui donne un sens.
La position dans le top dix de Retour vers le futur est plus significative si l’on considère ses concurrents. Chaque films du catalogue pour ce mode et cette époque a été évalué, et Retour vers le futur a été classé ici parce que la combinaison de la qualité de l'public et du volume des votes l'a placé au-dessus de tout le reste de la sélection. Robert Zemeckis a fait des choix dans Retour vers le futur qui le distinguent des alternatives de la même catégorie – des alternatives qui sont aussi de bons films. L'écart entre les dix et les vingt premiers est plus petit en termes de notation absolue qu'il n'y paraît, mais significatif en termes de ce que l'expérience du téléspectateur offre réellement.
Le Cercle des poètes disparus
Todd Anderson est un garçon plutôt timide. Désormais élève de la prestigieuse académie Welton, réputée pour être l'une des plus fermées et austères des États-Unis, tout le monde attend de lui qu'il suive les traces de son frère, qui avait fait à Welton de brillantes études. C'est là qu'il va faire la rencontre de M. Keating, un professeur de lettres anglaises qui, c'est le moins que l'on puisse dire, sort des sentiers battus. Jour après jour, M. Keating encourage ses élèves à penser par eux-mêmes et à refuser l'ordre établi. Cette rencontre va bouleverser la vie du jeune Todd, mais aussi celle de ses amis.
Pourquoi regarder: Le Cercle des poètes disparus se situe à la fin exceptionnelle de cette liste. Une note aussi élevée, construite à partir d’une large base d’électeurs, reflète un véritable consensus plutôt qu’un battage médiatique.
Sorti en 1989, Le Cercle des poètes disparus a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Peter Weir a créé quelque chose qui a survécu, et la note 8.3 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 8.3 pour Le Cercle des poètes disparus est construit à partir de téléspectateurs qui avaient des alternatives et ont choisi de lui attribuer une note élevée. Ce choix reflète un films qui a clairement fait valoir ses arguments – ce qui est exactement ce que fait Le Cercle des poètes disparus. Peter Weir a présenté cet argument et le public l'a accepté. Le drame vient de la spécificité plutôt que de l’universalité. Le réalisateur fait des choix qui s'appliquent précisément à ces personnages dans cette situation, ce qui crée paradoxalement quelque chose de plus universel que ne le feraient des battements émotionnels génériques. Chaque décennie produit des films qui semblent essentiels à l’époque et qui s’estompent. Le Cercle des poètes disparus appartient à la catégorie la plus petite : les films 1980s sont toujours très bien notés par les téléspectateurs qui n'ont aucune nostalgie de l'époque. Cette qualité transgénérationnelle est le véritable test.
Le langage visuel de Le Cercle des poètes disparus reflète le cinéma de 1989 dans sa forme la plus réfléchie. Peter Weir a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Le Cercle des poètes disparus a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Le Cercle des poètes disparus avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Le Cercle des poètes disparus s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.3 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Le Cercle des poètes disparus comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Peter Weir et Robin Williams font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
Le Cercle des poètes disparus mérite sa place dans le top dix non pas grâce à sa réputation culturelle, mais grâce à ce qui se passe lorsque les téléspectateurs s'assoient et le regardent. La classification 8.3 capture cette expérience sur un large échantillon de visionnages indépendants. Les films qui atteignent le top 10 sur des listes comme celle-ci ont été testés par des téléspectateurs qui avaient un accès complet aux alternatives et ont choisi de noter celui-ci au sommet de leur expérience. Peter Weir et Robin Williams ont créé quelque chose qui répond constamment à ces attentes, ce qui explique pourquoi la note reste maintenue malgré l'arrivée constante de nouveaux téléspectateurs apportant de nouvelles normes.
Requiem pour un massacre
Pendant la Seconde Guerre mondiale, Fliora, jeune garçon d'un village de Biélorussie occupé par les troupes nazies, s'engage, bien que trop jeune, chez les partisans. Il va découvrir l'amour, la fraternité, la souffrance, la guerre.
Pourquoi regarder: Les chiffres derrière Requiem pour un massacre sont difficiles à atteindre : des milliers de téléspectateurs indépendants lui accordent une note élevée sans coordination. Ce consensus constitue le signal de qualité le plus fiable disponible.
Requiem pour un massacre date de 1985, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Requiem pour un massacre occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Requiem pour un massacre à 8.2 est un films où le métier est constamment au-dessus de la moyenne dans plusieurs dimensions. Aucun élément ne porte les autres. La mise en scène, l’écriture et la performance vont toutes dans la même direction. Le films démontre ce que le drame peut faire que d'autres genres ne peuvent pas faire : mettre le comportement humain ordinaire sous pression et révéler le caractère à travers la réponse. Le réalisateur crée ces conditions et les acteurs les habitent avec une véritable conviction. Le contexte 1980s pour Requiem pour un massacre n’est pas accessoire. Les conditions esthétiques spécifiques de cette décennie – ce que la technologie permettait, ce que la culture exigeait – ont façonné les choix que Elem Klimov a faits ici. Ces choix tiennent indépendamment du moment.
Le scénario de Requiem pour un massacre démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Elem Klimov a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Aleksei Kravchenko propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Requiem pour un massacre lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Les nouveaux spectateurs de Requiem pour un massacre devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Requiem pour un massacre pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Requiem pour un massacre change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Elem Klimov semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Aleksei Kravchenko dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Le classement de Requiem pour un massacre dans le top dix de cette liste ne nécessite aucun argument particulier. L’argument est la note 8.2 provenant d’une base d’électeurs suffisamment large pour être statistiquement significative. Les films figurant dans le top dix de toute liste sérieuse occupent cette position car ils s'adressent systématiquement au plus large éventail de téléspectateurs, et Requiem pour un massacre l'a fait auprès de tous les groupes démographiques qui l'ont rencontré. Le travail de Elem Klimov opère ici à un niveau où la qualité d'une scène individuelle se combine en quelque chose qui résiste au niveau du films dans son ensemble, ce qui est plus rare qu'il n'y paraît.
Shining
Jack Torrance, gardien d’un hôtel fermé l’hiver, sa femme et son fils Danny s’apprêtent à vivre de longs mois de solitude. Danny, qui possède un don de médium, le «Shining», est effrayé à l’idée d’habiter ce lieu, théâtre marqué par de terribles événements passés…
Pourquoi regarder: Shining a conservé sa notation suffisamment longtemps pour que le note soit stable. Les films aussi bien notés auprès d’un public diversifié sont exceptionnels plutôt que simplement bons.
La version 1980 de Shining est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Shining l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Shining s'auto-sélectionne pour s'engager. Les films de la gamme 8.2 sont souvent plus intéressants que ne le suggère leur position dans une liste. Ils n’ont pas atteint la saturation culturelle des titres mieux notés, ce qui signifie que Shining est plus facile à aborder sans préjugés. Shining en profite. Le métier est plus visible dans ce que le réalisateur retient. Les informations sont diffusées de manière stratégique, chaque révélation recontextualisant ce qui précède. Les performances sont calibrées pour une divulgation contrôlée. Les films du 1980s qui sont encore classés 8.2 aujourd'hui ont survécu à un test plus long que n'importe quelle sortie contemporaine. Shining a réussi ce test parce que l'essentiel - la narration, les performances, l'artisanat - fonctionne sans avoir besoin de son époque.
Les performances de Shining sont calibrées sur un registre spécifique que Stanley Kubrick a établi et maintenu tout au long de la production. Jack Nicholson a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Shining qui sont les plus difficiles sont ceux où Jack Nicholson fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Il est préférable de regarder Shining dans des conditions qui permettent à l'atmosphère de fonctionner : faible luminosité, interruption minimale et idéalement sans connaissance préalable des moments spécifiques devenus culturellement connus. L'horreur perd de son efficacité lorsque le public sait exactement ce qui s'en vient, et Shining a été suffisamment discuté pour que certaines de ses séquences clés soient familières même aux personnes qui n'ont pas vu le films. Si vous pouvez l’aborder avec des connaissances préalables limitées, faites-le. Le vaisseau atmosphérique que Stanley Kubrick a intégré à Shining dépend du fait que le public soit dans un état de véritable incertitude. La note 8.2 reflète les téléspectateurs qui étaient dans cet état lorsqu'ils l'ont regardé.
La position de Shining dans le top 10 de cette liste reflète quelque chose de difficile à fabriquer : une excellence soutenue que les nouveaux téléspectateurs continuent de découvrir et d'apprécier hautement. La plupart des films perdent de leur élan après leur public initiale. Shining ne l'a pas fait. Les téléspectateurs qui le rencontrent des années ou des décennies après sa sortie lui accordent les mêmes notes élevées que les premiers téléspectateurs. Stanley Kubrick a créé quelque chose qui fonctionne indépendamment du moment culturel dont il est issu, ce qui est la définition d'une qualité durable. Les performances du Jack Nicholson font partie de cette durabilité - elles ne sont pas considérées comme une période d'action.
Scarface
En 1980, le gouvernement cubain expulse plusieurs centaines de prisonniers dangereux vers la Floride. Parmi eux, Tony Montana : ambitieux et sans scrupules, il élabore un plan pour prendre la place d'un caïd de la drogue.
Pourquoi regarder: L'un des films les mieux notés de cette sélection. Scarface a gagné sa réputation grâce à une appréciation critique soutenue auprès de plusieurs générations de téléspectateurs.
Scarface (1983) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Scarface a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 8.2 reflète la réalisation, l’écriture et la performance fonctionnant simultanément à des niveaux cohérents. Les films qui obtiennent des scores dans cette fourchette échouent rarement de manière significative dans une seule dimension, et Scarface ne fait pas exception. Le réalisateur travaille avec une patience que la plupart des drames contemporains ne peuvent se permettre. Les scènes peuvent dépasser leur point final évident, trouvant la vérité dans ce que font les personnages après avoir dit ce qu'ils sont venus dire. Les acteurs comprennent ce rythme. Dans le contexte global du cinéma 1980s, Scarface représente ce que la décennie a apporté et que les décennies précédentes et suivantes n’ont pas apporté. Les conditions spécifiques du cinéma 1980s – budgets, technologie, contexte culturel – ont produit ici quelque chose qui ne pouvait provenir que de ce moment-là.
La structure de Scarface est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Brian De Palma réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Scarface coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Scarface désorientant de manière productive.
Scarface s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.2 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Scarface comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Brian De Palma et Al Pacino font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
Scarface appartient au top dix car il fait quelque chose que la plupart des films tentent et que peu réussissent : il est excellent au premier visionnage et révèle des couches supplémentaires lors du revoyage. Le public novice et le public récurrent vivent des expériences différentes, et les deux expériences sont fortes. Brian De Palma a intégré cette profondeur dans le films en travaillant simultanément à plusieurs niveaux : l'histoire de surface est au rendez-vous, et en dessous se trouve une couche de décisions artisanales qui ne deviennent pleinement visibles qu'une fois que vous savez où tout va. Cette structure à deux niveaux place Scarface dans le top dix plutôt que dans le niveau suivant.
Full Metal Jacket
Pendant la guerre du Vietnam, la préparation et l’entraînement d’un groupe de jeunes marines, jusqu’au terrible baptême du feu et la sanglante offensive du Tết à Hue, en 1968.
Pourquoi regarder: Full Metal Jacket se situe à la fin exceptionnelle de cette liste. Une note aussi élevée, construite à partir d’une large base d’électeurs, reflète un véritable consensus plutôt qu’un battage médiatique.
Sorti en 1987, Full Metal Jacket a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Stanley Kubrick a créé quelque chose qui a survécu, et la note 8.1 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 8.1 pour Full Metal Jacket le place parmi les films qui tiennent leurs promesses sans faiblesses significatives. Stanley Kubrick a créé quelque chose qui fonctionne comme prévu, ce qui est moins courant qu'il n'y paraît. Le drame vient de la spécificité plutôt que de l’universalité. Le réalisateur fait des choix qui s'appliquent précisément à ces personnages dans cette situation, ce qui crée paradoxalement quelque chose de plus universel que ne le feraient des battements émotionnels génériques. 1980s a produit de nombreux films. Ceux qui restent sur des listes comme celle-ci des décennies plus tard sont ceux qui ont compris quelque chose de vrai sur les gens plutôt que sur le moment présent. Full Metal Jacket est là parce qu'il a compris quelque chose de durable.
L’environnement sonore de Full Metal Jacket est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Stanley Kubrick comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Full Metal Jacket utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Matthew Modine travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Les téléspectateurs qui regardent Full Metal Jacket pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Stanley Kubrick gère les transitions entre les scènes. Les montages de Full Metal Jacket ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Matthew Modine travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 1987 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Stanley Kubrick voulait dire.
Une position parmi les dix premiers sur une liste classée établie à partir des classements de The Movie Database représente un véritable consensus critique. Il ne s'agit pas d'un concours de popularité : le seuil de vote filtre les films qui ont été vus et notés par suffisamment de personnes pour que les opinions aberrantes individuelles fassent la moyenne. Full Metal Jacket à cette position signifie que divers téléspectateurs, dans différents pays et avec différentes habitudes de visionnage, ont conclu indépendamment que ce films était excellent. Stanley Kubrick a réalisé quelque chose avec Full Metal Jacket qui résiste aux variations culturelles. L’approche narrative spécifique utilisée ici se traduit dans tous les contextes.
Le cinéma concerne les histoires qui comptent. Les films de cette section prouvent ce principe.
Paris, Texas
Un homme réapparaît subitement après quatre années d'errance, période sur laquelle il ne donne aucune explication à son frère venu le retrouver. Accompagné de son fils, il part au Texas à la recherche de Jane, la mère de l'enfant. Une quête vers l'inconnu, une découverte mutuelle réunit ces deux êtres au passé tourmenté.
Pourquoi regarder: Les chiffres derrière Paris, Texas sont difficiles à atteindre : des milliers de téléspectateurs indépendants lui accordent une note élevée sans coordination. Ce consensus constitue le signal de qualité le plus fiable disponible.
Paris, Texas date de 1984, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Paris, Texas occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Chez 8.1, Paris, Texas se situe dans une gamme où la qualité est constante, mais le films n'a pas atteint le large consensus des titres mieux notés. Ce consensus plus restreint reflète souvent un attrait spécifique : Paris, Texas n'est pas pour tout le monde, mais pour le bon téléspectateur, il est excellent. Le films démontre ce que le drame peut faire que d'autres genres ne peuvent pas faire : mettre le comportement humain ordinaire sous pression et révéler le caractère à travers la réponse. Le réalisateur crée ces conditions et les acteurs les habitent avec une véritable conviction. Les 1980s furent un moment culturel spécifique avec des préoccupations spécifiques et des approches esthétiques spécifiques. Paris, Texas reflète ces conditions tout en les transcendant – c'est un films 1980s qui ne nécessite pas que vous compreniez le 1980s pour l'apprécier.
Le langage visuel de Paris, Texas reflète le cinéma de 1984 dans sa forme la plus réfléchie. Wim Wenders a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Paris, Texas a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Paris, Texas avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Les téléspectateurs qui ont vu les films influencés par Paris, Texas trouveront que regarder l’original est une expérience différente de celle d’un films contemporain. Les techniques qui semblent familières parce qu'elles ont été largement copiées sont visibles ici dans leur forme originale, ce qui révèle souvent que les copies ont compris la surface de ce que Wim Wenders a fait sans en comprendre le raisonnement. Paris, Texas utilise ses choix stylistiques au service d’objectifs narratifs spécifiques. Les films ultérieurs qui ont emprunté ces choix les ont souvent utilisés comme style sans fonction. Regarder l’original clarifie ce qui était réellement accompli. Le travail de Harry Dean Stanton présente ici également une spécificité qui manque à de nombreuses performances qui s'en inspirent : les imitations captent la manière sans l'intériorité qui lui donne un sens.
Paris, Texas, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de Harry Dean Stanton et le savoir-faire de Wim Wenders peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
Le Bateau
Pendant la deuxième Guerre Mondiale, 40 000 sous-mariniers allemands envoyés par Hitler embarquent pour une mission de routine dans l'Atlantique Nord. L'insouciance règne à bord. Ce qu'ils ne savent pas, c'est que seuls 10 000 hommes retourneront chez eux vivants.
Pourquoi regarder: Le Bateau a conservé sa notation suffisamment longtemps pour que le note soit stable. Les films aussi bien notés auprès d’un public diversifié sont exceptionnels plutôt que simplement bons.
La version 1981 de Le Bateau est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Le Bateau l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Le Bateau s'auto-sélectionne pour s'engager. Le Bateau à 8.1 représente le niveau fiable de cette liste. Ce sont les films qui ne déçoivent pas. Wolfgang Petersen a compris ce que le films devait être et l'a exécuté sans compromis. Ce qui distingue ce films d'un drame est le refus du réalisateur d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le films crée des situations avec un poids émotionnel et fait ensuite confiance aux spectateurs pour porter eux-mêmes ce poids. Les performances apportent le registre émotionnel sans sur-signalisation. Classer les films du 1980s les uns par rapport aux autres est en partie un exercice d’identification de ce qui a survécu. Le Bateau a survécu parce que Wolfgang Petersen a fait des choix basés sur l'artisanat plutôt que sur la tendance. La note 8.1 reflète que le public trouve toujours ces choix valables.
Le scénario de Le Bateau démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Wolfgang Petersen a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Jürgen Prochnow propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Le Bateau lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Le Bateau s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.1 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Le Bateau comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Wolfgang Petersen et Jürgen Prochnow font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 8.1 qui place Le Bateau dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à Le Bateau un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que Wolfgang Petersen a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. Le Bateau est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
The Thing
Hiver 1982 au cœur de l’Antarctique. Une équipe de recherche composée de 12 hommes, découvre un corps enfoui sous la neige depuis plus de 100 000 ans. Décongelée, la créature retourne à la vie et témoigne très vite de sa capacité à parasiter puis assimiler toute forme de vie. Isolés du monde, ne sachant plus qui est contaminé et qui ne l'est pas, les hommes de l'équipe vont sombrer dans la peur et la paranoïa. Un véritable combat s’engage.
Pourquoi regarder: L'un des films les mieux notés de cette sélection. The Thing a gagné sa réputation grâce à une appréciation critique soutenue auprès de plusieurs générations de téléspectateurs.
The Thing (1982) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et The Thing a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 8.1 provenant d'un large bassin d'électeurs signifie que le films possède de véritables atouts qui l'emportent sur les faiblesses trouvées par les téléspectateurs. The Thing tient sa promesse centrale, qui est la norme minimale que tout films devrait respecter et qui est moins atteinte que ne le suggère le nombre de sorties. Le réalisateur comprend que l’horreur fonctionne lorsque quelque chose ne va pas sous la surface avant de se manifester par un danger explicite. Le films crée cette erreur à travers le ton et l’atmosphère avant la première frayeur. The Thing mérite sa place dans tout récit du cinéma 1980s car il capture quelque chose que la décennie a produit et que les décennies suivantes ont perdu. Les conditions culturelles et technologiques du cinéma 1980s ont façonné ce que John Carpenter pourrait faire ici.
Les performances de The Thing sont calibrées sur un registre spécifique que John Carpenter a établi et maintenu tout au long de la production. Kurt Russell a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de The Thing qui sont les plus difficiles sont ceux où Kurt Russell fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Les nouveaux spectateurs de The Thing devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder The Thing pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que The Thing change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par John Carpenter semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Kurt Russell dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, The Thing occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : The Thing arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de John Carpenter ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent The Thing ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
Mon voisin Totoro
Mei, 4 ans, et Satsuki, 10 ans, s’installent à la campagne avec leur père pour se rapprocher de l’hôpital où séjourne leur mère. Elles découvrent la nature tout autour de la maison et, surtout, l’existence d’animaux étranges et merveilleux, les Totoros, avec qui elles deviennent très amies. Un jour, alors que Satsuki et Mei attendent le retour de leur mère, elles apprennent que sa sortie de l’hôpital a été repoussée. Mei décide alors d’aller lui rendre visite seule. Satsuki et les gens du village la recherchent en vain. Désespérée, Satsuki va finalement demander de l’aide à son voisin Totoro.
Pourquoi regarder: Mon voisin Totoro se situe à la fin exceptionnelle de cette liste. Une note aussi élevée, construite à partir d’une large base d’électeurs, reflète un véritable consensus plutôt qu’un battage médiatique.
Sorti en 1988, Mon voisin Totoro a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Hayao Miyazaki a créé quelque chose qui a survécu, et la note 8.1 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 8.1 pour Mon voisin Totoro est construit à partir de téléspectateurs qui avaient des alternatives et ont choisi de lui attribuer une note élevée. Ce choix reflète un films qui a clairement fait valoir ses arguments – ce qui est exactement ce que fait Mon voisin Totoro. Hayao Miyazaki a présenté cet argument et le public l'a accepté. Ce qui distingue le films de l'animation, c'est la compréhension du réalisateur selon laquelle la forme peut transmettre l'intériorité à travers le design. Le mouvement, la couleur et la composition communiquent ce que ressent le personnage avant ou à la place du dialogue. Chaque décennie produit des films qui semblent essentiels à l’époque et qui s’estompent. Mon voisin Totoro appartient à la catégorie la plus petite : les films 1980s sont toujours très bien notés par les téléspectateurs qui n'ont aucune nostalgie de l'époque. Cette qualité transgénérationnelle est le véritable test.
La structure de Mon voisin Totoro est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Hayao Miyazaki réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Mon voisin Totoro coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Mon voisin Totoro désorientant de manière productive.
Mon voisin Totoro s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.1 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Mon voisin Totoro comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Hayao Miyazaki et Noriko Hidaka font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
Mon voisin Totoro se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. Hayao Miyazaki a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 8.1 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de Hayao Miyazaki à l'égard de ce matériel trouvent généralement que Mon voisin Totoro fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
Elephant Man
Londres, 1884. Le chirurgien Frederick Treves découvre un homme complètement défiguré et difforme, devenu une attraction de foire. John Merrick, «le monstre», doit son nom de Elephant Man au terrible accident que subit sa mère. Alors enceinte de quelques mois, elle est renversée par un éléphant. Impressionné par de telles difformités, le Dr. Treves achète Merrick, l'arrachant ainsi à la violence de son propriétaire, et à l'humiliation quotidienne d'être mis en spectacle. Le chirurgien pense alors que «le monstre» est un idiot congénital. Il découvre rapidement en Merrick un homme meurtri, intelligent et doté d'une grande sensibilité.
Pourquoi regarder: Les chiffres derrière Elephant Man sont difficiles à atteindre : des milliers de téléspectateurs indépendants lui accordent une note élevée sans coordination. Ce consensus constitue le signal de qualité le plus fiable disponible.
Elephant Man date de 1980, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Elephant Man occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Elephant Man à 8.0 est un films où le métier est constamment au-dessus de la moyenne dans plusieurs dimensions. Aucun élément ne porte les autres. La mise en scène, l’écriture et la performance vont toutes dans la même direction. Le films démontre ce que le drame peut faire que d'autres genres ne peuvent pas faire : mettre le comportement humain ordinaire sous pression et révéler le caractère à travers la réponse. Le réalisateur crée ces conditions et les acteurs les habitent avec une véritable conviction. Le contexte 1980s pour Elephant Man n’est pas accessoire. Les conditions esthétiques spécifiques de cette décennie – ce que la technologie permettait, ce que la culture exigeait – ont façonné les choix que David Lynch a faits ici. Ces choix tiennent indépendamment du moment.
L’environnement sonore de Elephant Man est aussi délibérément construit que son environnement visuel. David Lynch comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Elephant Man utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Anthony Hopkins travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Elephant Man s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.0 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Elephant Man comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. David Lynch et Anthony Hopkins font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La position de Elephant Man dans cette section de la liste reflète un films qui offre ses qualités spécifiques de manière fiable sans aspirer à tout pour tout le monde. David Lynch a compris ce qu'était le films et l'a réalisé avec un haut niveau de savoir-faire. La note 8.0 représente les téléspectateurs qui ont interagi avec le films selon ces conditions et qui ont trouvé qu'il valait la peine d'être noté. Les téléspectateurs qui ont des attentes différentes trouvent parfois le films moins satisfaisant que ce que suggère la note - ce qui n'est pas une faiblesse du films mais une faiblesse des attentes. Elephant Man est exactement ce qu'il est, réalisé avec compétence, et les électeurs qui l'ont évalué y ont répondu.
Amadeus
En 1781, un jeune artiste arrive à Vienne précédé d’une enviable réputation ; il s’appelle Wolfgang Amadeus Mozart. Accueilli de façons diverses au palais de l’Empereur Joseph, il se fait un ennemi acharné d’Antonio Salieri, musicien réputé et compositeur officiel de la Cour. Ce dernier ne comprend pas pourquoi ce jeune homme arrogant, paillard, a un tel génie, une telle puissance créatrice. Se sentant trahi par Dieu, Salieri décide de faire obstacle à Mozart par tous les moyens…
Pourquoi regarder: Amadeus a conservé sa notation suffisamment longtemps pour que le note soit stable. Les films aussi bien notés auprès d’un public diversifié sont exceptionnels plutôt que simplement bons.
La version 1984 de Amadeus est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Amadeus l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Amadeus s'auto-sélectionne pour s'engager. Les films de la gamme 8.0 sont souvent plus intéressants que ne le suggère leur position dans une liste. Ils n’ont pas atteint la saturation culturelle des titres mieux notés, ce qui signifie que Amadeus est plus facile à aborder sans préjugés. Amadeus en profite. Ce qui distingue ce films d'un drame est le refus du réalisateur d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le films crée des situations avec un poids émotionnel et fait ensuite confiance aux spectateurs pour porter eux-mêmes ce poids. Les performances apportent le registre émotionnel sans sur-signalisation. Les films du 1980s qui sont encore classés 8.0 aujourd'hui ont survécu à un test plus long que n'importe quelle sortie contemporaine. Amadeus a réussi ce test parce que l'essentiel - la narration, les performances, l'artisanat - fonctionne sans avoir besoin de son époque.
Le langage visuel de Amadeus reflète le cinéma de 1984 dans sa forme la plus réfléchie. Miloš Forman a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Amadeus a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Amadeus avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Les téléspectateurs qui regardent Amadeus pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Miloš Forman gère les transitions entre les scènes. Les montages de Amadeus ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. F. Murray Abraham travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 1984 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Miloš Forman voulait dire.
Les films classés entre onze et vingt-cinq sur des listes comme celle-ci sont souvent les découvertes les plus utiles car ils présentent la qualité des dix premiers sans le poids culturel. Amadeus se trouve dans cette position non pas parce qu'il est nettement pire que les entrées ci-dessus, mais parce que son attrait est plus concentré. Les téléspectateurs qui se connectent à ce que fait Miloš Forman dans Amadeus l'évaluent aussi bien que n'importe quel films de cette liste. La moyenne sur une base électorale plus large le place ici. Les téléspectateurs qui ont des raisons spécifiques de penser que ce films est fait pour eux – en fonction de leur préférence de genre, de l’intérêt du réalisateur ou de leur époque – devraient le donner la priorité à plusieurs entrées qui lui sont supérieures.
Ran
Dans le Japon du XVIème siècle, le seigneur Hidetora Ichimonji décide de se retirer et de partager son domaine entre ses trois fils, Taro, Jiro et Saburo. Mais la répartition de cet héritage va déchirer la famille.
Pourquoi regarder: L'un des films les mieux notés de cette sélection. Ran a gagné sa réputation grâce à une appréciation critique soutenue auprès de plusieurs générations de téléspectateurs.
Ran (1985) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Ran a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 8.0 reflète la réalisation, l’écriture et la performance fonctionnant simultanément à des niveaux cohérents. Les films qui obtiennent des scores dans cette fourchette échouent rarement de manière significative dans une seule dimension, et Ran ne fait pas exception. Le réalisateur travaille avec une patience que la plupart des drames contemporains ne peuvent se permettre. Les scènes peuvent dépasser leur point final évident, trouvant la vérité dans ce que font les personnages après avoir dit ce qu'ils sont venus dire. Les acteurs comprennent ce rythme. Dans le contexte global du cinéma 1980s, Ran représente ce que la décennie a apporté et que les décennies précédentes et suivantes n’ont pas apporté. Les conditions spécifiques du cinéma 1980s – budgets, technologie, contexte culturel – ont produit ici quelque chose qui ne pouvait provenir que de ce moment-là.
Le scénario de Ran démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Akira Kurosawa a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Tatsuya Nakadai propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Ran lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Les téléspectateurs qui ont vu les films influencés par Ran trouveront que regarder l’original est une expérience différente de celle d’un films contemporain. Les techniques qui semblent familières parce qu'elles ont été largement copiées sont visibles ici dans leur forme originale, ce qui révèle souvent que les copies ont compris la surface de ce que Akira Kurosawa a fait sans en comprendre le raisonnement. Ran utilise ses choix stylistiques au service d’objectifs narratifs spécifiques. Les films ultérieurs qui ont emprunté ces choix les ont souvent utilisés comme style sans fonction. Regarder l’original clarifie ce qui était réellement accompli. Le travail de Tatsuya Nakadai présente ici également une spécificité qui manque à de nombreuses performances qui s'en inspirent : les imitations captent la manière sans l'intériorité qui lui donne un sens.
Ran, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de Tatsuya Nakadai et le savoir-faire de Akira Kurosawa peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
Le Château dans le ciel
Sheeta, seule héritière des secrets de Laputa, la cité volante, attire l’avidité des pirates et de l’armée. Poursuivie, elle est sauvée par Pazu, un jeune pilote d’avion travaillant dans une cité minière.
Pourquoi regarder: Le Château dans le ciel se situe à la fin exceptionnelle de cette liste. Une note aussi élevée, construite à partir d’une large base d’électeurs, reflète un véritable consensus plutôt qu’un battage médiatique.
Sorti en 1986, Le Château dans le ciel a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Hayao Miyazaki a créé quelque chose qui a survécu, et la note 8.0 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 8.0 pour Le Château dans le ciel le place parmi les films qui tiennent leurs promesses sans faiblesses significatives. Hayao Miyazaki a créé quelque chose qui fonctionne comme prévu, ce qui est moins courant qu'il n'y paraît. Ce qui distingue le films de l'animation, c'est la compréhension du réalisateur selon laquelle la forme peut transmettre l'intériorité à travers le design. Le mouvement, la couleur et la composition communiquent ce que ressent le personnage avant ou à la place du dialogue. 1980s a produit de nombreux films. Ceux qui restent sur des listes comme celle-ci des décennies plus tard sont ceux qui ont compris quelque chose de vrai sur les gens plutôt que sur le moment présent. Le Château dans le ciel est là parce qu'il a compris quelque chose de durable.
Les performances de Le Château dans le ciel sont calibrées sur un registre spécifique que Hayao Miyazaki a établi et maintenu tout au long de la production. Keiko Yokozawa a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Le Château dans le ciel qui sont les plus difficiles sont ceux où Keiko Yokozawa fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Le Château dans le ciel s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.0 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Le Château dans le ciel comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Hayao Miyazaki et Keiko Yokozawa font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 8.0 qui place Le Château dans le ciel dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à Le Château dans le ciel un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que Hayao Miyazaki a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. Le Château dans le ciel est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
Aliens, le retour
Après 57 ans de dérive dans l’espace, Ellen Ripley est secourue par la corporation Weyland‐Yutani. Malgré son rapport concernant l’incident survenu sur le Nostromo, elle n’est pas prise au sérieux par les militaires quant à la présence de xénomorphes sur la planète LV‐426 où se posa son équipage… planète où plusieurs familles de colons ont été envoyées en mission de « terraformage ». Après la disparition de ces derniers, Ripley décide d’accompagner une escouade de marines dans leur mission de sauvetage… et d’affronter à nouveau la Bête.
Pourquoi regarder: Les chiffres derrière Aliens, le retour sont difficiles à atteindre : des milliers de téléspectateurs indépendants lui accordent une note élevée sans coordination. Ce consensus constitue le signal de qualité le plus fiable disponible.
Aliens, le retour date de 1986, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Aliens, le retour occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Chez 8.0, Aliens, le retour se situe dans une gamme où la qualité est constante, mais le films n'a pas atteint le large consensus des titres mieux notés. Ce consensus plus restreint reflète souvent un attrait spécifique : Aliens, le retour n'est pas pour tout le monde, mais pour le bon téléspectateur, il est excellent. Celui-ci appartient à la catégorie des thrillers où la tension est plutôt psychologique que physique. Le réalisateur fait confiance au public pour ressentir de la pression sans se montrer explicitement en danger. Le résultat est plus déstabilisant que les mécaniques classiques du thriller. Les 1980s furent un moment culturel spécifique avec des préoccupations spécifiques et des approches esthétiques spécifiques. Aliens, le retour reflète ces conditions tout en les transcendant – c'est un films 1980s qui ne nécessite pas que vous compreniez le 1980s pour l'apprécier.
La structure de Aliens, le retour est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. James Cameron réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Aliens, le retour coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Aliens, le retour désorientant de manière productive.
Les nouveaux spectateurs de Aliens, le retour devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Aliens, le retour pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Aliens, le retour change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par James Cameron semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Sigourney Weaver dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, Aliens, le retour occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : Aliens, le retour arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de James Cameron ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent Aliens, le retour ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
Nausicaä de la vallée du vent
Dans un monde où la nature est hostile à l’Homme, Nausicaä – princesse de la Vallée du Vent – se bat pour protéger son village. Mais la guerre des hommes frappe à leur porte. Les vestiges d’une humanité industrielle menacent l’équilibre entre les rescapés humains du grand cataclysme et les insectes, protecteurs de la forêt toxique.
Pourquoi regarder: Nausicaä de la vallée du vent a conservé sa notation suffisamment longtemps pour que le note soit stable. Les films aussi bien notés auprès d’un public diversifié sont exceptionnels plutôt que simplement bons.
La version 1984 de Nausicaä de la vallée du vent est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Nausicaä de la vallée du vent l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Nausicaä de la vallée du vent s'auto-sélectionne pour s'engager. Nausicaä de la vallée du vent à 8.0 représente le niveau fiable de cette liste. Ce sont les films qui ne déçoivent pas. Hayao Miyazaki a compris ce que le films devait être et l'a exécuté sans compromis. L’animation est au service de la narration plutôt que d’une démonstration de capacités techniques. Le réalisateur utilise la forme pour obtenir des effets émotionnels et narratifs au service de l’histoire spécifique racontée. Classer les films du 1980s les uns par rapport aux autres est en partie un exercice d’identification de ce qui a survécu. Nausicaä de la vallée du vent a survécu parce que Hayao Miyazaki a fait des choix basés sur l'artisanat plutôt que sur la tendance. La note 8.0 reflète que le public trouve toujours ces choix valables.
L’environnement sonore de Nausicaä de la vallée du vent est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Hayao Miyazaki comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Nausicaä de la vallée du vent utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Sumi Shimamoto travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Nausicaä de la vallée du vent s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 8.0 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Nausicaä de la vallée du vent comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Hayao Miyazaki et Sumi Shimamoto font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
Nausicaä de la vallée du vent se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. Hayao Miyazaki a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 8.0 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de Hayao Miyazaki à l'égard de ce matériel trouvent généralement que Nausicaä de la vallée du vent fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
Les grands films transcendent leur catégorie. Ils travaillent parce que le métier est exceptionnel.
Akira
Tetsuo, un adolescent ayant vécu une enfance difficile, est la victime d'expériences visant à développer les capacités psychiques qui dorment en chacun de nous. Ainsi doté d'une puissance que lui-même ne peut imaginer, Tetsuo décide de partir en guerre contre le monde qui l'a opprimé. Dès lors, Il se retrouve au cœur d'une légende populaire qui annonce le retour prochain d'Akira, un enfant aux pouvoirs extra-ordinaires censé délivrer Tokyo du chaos...
Pourquoi regarder: Action conçue avec une clarté géographique. Katsuhiro Otomo comprend que les meilleures séquences fonctionnent parce que vous savez toujours où se trouve tout le monde.
Akira (1988) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Akira a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 7.9 provenant d'un large bassin d'électeurs signifie que le films possède de véritables atouts qui l'emportent sur les faiblesses trouvées par les téléspectateurs. Akira tient sa promesse centrale, qui est la norme minimale que tout films devrait respecter et qui est moins atteinte que ne le suggère le nombre de sorties. Le réalisateur résout le problème central du cinéma d’action : vous faire vous soucier du résultat avant de vous montrer l’action. Les séquences fonctionnent parce que la clarté géographique signifie que vous savez toujours qui se trouve où et ce qu'exige le succès. Akira mérite sa place dans tout récit du cinéma 1980s car il capture quelque chose que la décennie a produit et que les décennies suivantes ont perdu. Les conditions culturelles et technologiques du cinéma 1980s ont façonné ce que Katsuhiro Otomo pourrait faire ici.
Le langage visuel de Akira reflète le cinéma de 1988 dans sa forme la plus réfléchie. Katsuhiro Otomo a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Akira a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Akira avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Akira s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.9 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Akira comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Katsuhiro Otomo et Mitsuo Iwata font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La position de Akira dans cette section de la liste reflète un films qui offre ses qualités spécifiques de manière fiable sans aspirer à tout pour tout le monde. Katsuhiro Otomo a compris ce qu'était le films et l'a réalisé avec un haut niveau de savoir-faire. La note 7.9 représente les téléspectateurs qui ont interagi avec le films selon ces conditions et qui ont trouvé qu'il valait la peine d'être noté. Les téléspectateurs qui ont des attentes différentes trouvent parfois le films moins satisfaisant que ce que suggère la note - ce qui n'est pas une faiblesse du films mais une faiblesse des attentes. Akira est exactement ce qu'il est, réalisé avec compétence, et les électeurs qui l'ont évalué y ont répondu.
Blade Runner
2019, Los Angeles. La Terre est surpeuplée et l’humanité est partie coloniser l’espace. Les nouveaux colons sont assistés de Replicants, androïdes que rien ne peut distinguer de l'être humain. Conçus comme de nouveaux esclaves, certains parmi les plus évolués s’affranchissent de leurs chaînes et s’enfuient. Rick Deckard, un ancien Blade Runner, catégorie spéciale de policiers chargés de "retirer" ces replicants, accepte une nouvelle mission consistant à retrouver quatre de ces individus qui viennent de regagner la Terre après avoir volé une navette spatiale.
Pourquoi regarder: Blade Runner gagne honnêtement sa tension – la pression vient de la situation et du caractère plutôt que d’une surprise artificielle. Ridley Scott fait confiance au public pour ressentir les enjeux.
Sorti en 1982, Blade Runner a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Ridley Scott a créé quelque chose qui a survécu, et la note 7.9 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 7.9 pour Blade Runner est construit à partir de téléspectateurs qui avaient des alternatives et ont choisi de lui attribuer une note élevée. Ce choix reflète un films qui a clairement fait valoir ses arguments – ce qui est exactement ce que fait Blade Runner. Ridley Scott a présenté cet argument et le public l'a accepté. Ce qui fait que le films fonctionne comme un thriller, c’est la compréhension que les enjeux nécessitent des investissements. Le premier acte forge le caractère avant que la pression n’arrive. Au moment où la tension monte, vous avez des raisons de vous soucier du résultat. Chaque décennie produit des films qui semblent essentiels à l’époque et qui s’estompent. Blade Runner appartient à la catégorie la plus petite : les films 1980s sont toujours très bien notés par les téléspectateurs qui n'ont aucune nostalgie de l'époque. Cette qualité transgénérationnelle est le véritable test.
Le scénario de Blade Runner démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Ridley Scott a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Harrison Ford propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Blade Runner lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Les téléspectateurs qui regardent Blade Runner pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Ridley Scott gère les transitions entre les scènes. Les montages de Blade Runner ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Harrison Ford travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 1982 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Ridley Scott voulait dire.
Les films classés entre onze et vingt-cinq sur des listes comme celle-ci sont souvent les découvertes les plus utiles car ils présentent la qualité des dix premiers sans le poids culturel. Blade Runner se trouve dans cette position non pas parce qu'il est nettement pire que les entrées ci-dessus, mais parce que son attrait est plus concentré. Les téléspectateurs qui se connectent à ce que fait Ridley Scott dans Blade Runner l'évaluent aussi bien que n'importe quel films de cette liste. La moyenne sur une base électorale plus large le place ici. Les téléspectateurs qui ont des raisons spécifiques de penser que ce films est fait pour eux – en fonction de leur préférence de genre, de l’intérêt du réalisateur ou de leur époque – devraient le donner la priorité à plusieurs entrées qui lui sont supérieures.
Pink Floyd: The Wall
Après le décès de son père pendant la Seconde Guerre mondiale, Pink est élevé par une mère tyrannique. Devenu rock star, il mène une vie tourmentée et s'enferme sur lui-même dans sa chambre d'hôtel. Peu à peu, il sombre dans la drogue tandis que la folie commence à s'emparer de lui…
Pourquoi regarder: Ce qui fait que Pink Floyd: The Wall fonctionne comme un drame, c'est le refus de Alan Parker d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le registre émotionnel est créé, non signalé.
Pink Floyd: The Wall date de 1982, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Pink Floyd: The Wall occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Pink Floyd: The Wall à 7.9 est un films où le métier est constamment au-dessus de la moyenne dans plusieurs dimensions. Aucun élément ne porte les autres. La mise en scène, l’écriture et la performance vont toutes dans la même direction. Le films démontre ce que le drame peut faire que d'autres genres ne peuvent pas faire : mettre le comportement humain ordinaire sous pression et révéler le caractère à travers la réponse. Le réalisateur crée ces conditions et les acteurs les habitent avec une véritable conviction. Le contexte 1980s pour Pink Floyd: The Wall n’est pas accessoire. Les conditions esthétiques spécifiques de cette décennie – ce que la technologie permettait, ce que la culture exigeait – ont façonné les choix que Alan Parker a faits ici. Ces choix tiennent indépendamment du moment.
Les performances de Pink Floyd: The Wall sont calibrées sur un registre spécifique que Alan Parker a établi et maintenu tout au long de la production. Bob Geldof a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Pink Floyd: The Wall qui sont les plus difficiles sont ceux où Bob Geldof fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Les téléspectateurs qui ont vu les films influencés par Pink Floyd: The Wall trouveront que regarder l’original est une expérience différente de celle d’un films contemporain. Les techniques qui semblent familières parce qu'elles ont été largement copiées sont visibles ici dans leur forme originale, ce qui révèle souvent que les copies ont compris la surface de ce que Alan Parker a fait sans en comprendre le raisonnement. Pink Floyd: The Wall utilise ses choix stylistiques au service d’objectifs narratifs spécifiques. Les films ultérieurs qui ont emprunté ces choix les ont souvent utilisés comme style sans fonction. Regarder l’original clarifie ce qui était réellement accompli. Le travail de Bob Geldof présente ici également une spécificité qui manque à de nombreuses performances qui s'en inspirent : les imitations captent la manière sans l'intériorité qui lui donne un sens.
Pink Floyd: The Wall, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de Bob Geldof et le savoir-faire de Alan Parker peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
Les Aventuriers de l'arche perdue
L'Arche d'Alliance contenant les tables de la Loi brisées par Moïse, voici 3.000 ans, est l'objet de la convoitise des nazis. L'archéologue aventurier Indiana Jones se lance à sa recherche, poursuivi par son ennemi Belloq.
Pourquoi regarder: L'action dans Les Aventuriers de l'arche perdue est gagnée plutôt que planifiée. Steven Spielberg s'appuie sur chaque séquence, donc quand elle arrive, elle a un poids au-delà du spectacle.
La version 1981 de Les Aventuriers de l'arche perdue est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Les Aventuriers de l'arche perdue l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Les Aventuriers de l'arche perdue s'auto-sélectionne pour s'engager. Les films de la gamme 7.9 sont souvent plus intéressants que ne le suggère leur position dans une liste. Ils n’ont pas atteint la saturation culturelle des titres mieux notés, ce qui signifie que Les Aventuriers de l'arche perdue est plus facile à aborder sans préjugés. Les Aventuriers de l'arche perdue en profite. L’action est subordonnée à la narration plutôt que de la remplacer. Le réalisateur construit des séquences qui ne fonctionnent que grâce à ce qui précède. L'investissement du public dans les personnages et les enjeux détermine si l'action aboutit. Les films du 1980s qui sont encore classés 7.9 aujourd'hui ont survécu à un test plus long que n'importe quelle sortie contemporaine. Les Aventuriers de l'arche perdue a réussi ce test parce que l'essentiel - la narration, les performances, l'artisanat - fonctionne sans avoir besoin de son époque.
La structure de Les Aventuriers de l'arche perdue est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Steven Spielberg réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Les Aventuriers de l'arche perdue coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Les Aventuriers de l'arche perdue désorientant de manière productive.
Les Aventuriers de l'arche perdue s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.9 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Les Aventuriers de l'arche perdue comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Steven Spielberg et Harrison Ford font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 7.9 qui place Les Aventuriers de l'arche perdue dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à Les Aventuriers de l'arche perdue un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que Steven Spielberg a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. Les Aventuriers de l'arche perdue est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
Le Retour du Jedi
L'Empire galactique est plus puissant que jamais : la construction de la nouvelle arme, l’Étoile de la Mort, menace l'univers tout entier... Arrêté après la trahison de Lando Calrissian, Han Solo est remis à l'ignoble contrebandier Jabba Le Hutt par le chasseur de primes Boba Fett. Après l'échec d'une première tentative d'évasion menée par la princesse Leia, également arrêtée par Jabba, Luke Skywalker et Lando parviennent à libérer leurs amis. Han, Leia, Chewbacca, C-3PO et Luke, devenu un Jedi, s'envolent dès lors pour une mission d'extrême importance sur la lune forestière d'Endor, afin de détruire le générateur du bouclier de l’Étoile de la Mort et permettre une attaque des pilotes de l'Alliance rebelle. Conscient d'être un danger pour ses compagnons, Luke préfère se rendre aux mains de Dark Vador, son père et ancien Jedi passé du côté obscur de la Force.
Pourquoi regarder: Action conçue avec une clarté géographique. Richard Marquand comprend que les meilleures séquences fonctionnent parce que vous savez toujours où se trouve tout le monde.
Le Retour du Jedi (1983) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Le Retour du Jedi a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 7.9 reflète la réalisation, l’écriture et la performance fonctionnant simultanément à des niveaux cohérents. Les films qui obtiennent des scores dans cette fourchette échouent rarement de manière significative dans une seule dimension, et Le Retour du Jedi ne fait pas exception. Le réalisateur résout le problème central du cinéma d’action : vous faire vous soucier du résultat avant de vous montrer l’action. Les séquences fonctionnent parce que la clarté géographique signifie que vous savez toujours qui se trouve où et ce qu'exige le succès. Dans le contexte global du cinéma 1980s, Le Retour du Jedi représente ce que la décennie a apporté et que les décennies précédentes et suivantes n’ont pas apporté. Les conditions spécifiques du cinéma 1980s – budgets, technologie, contexte culturel – ont produit ici quelque chose qui ne pouvait provenir que de ce moment-là.
L’environnement sonore de Le Retour du Jedi est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Richard Marquand comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Le Retour du Jedi utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Mark Hamill travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Les nouveaux spectateurs de Le Retour du Jedi devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Le Retour du Jedi pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Le Retour du Jedi change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Richard Marquand semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Mark Hamill dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, Le Retour du Jedi occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : Le Retour du Jedi arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de Richard Marquand ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent Le Retour du Jedi ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
Raging Bull
Raging Bull retrace les moments forts de la carrière flamboyante de Jack La Motta, champion de boxe poids moyen. Issu d'un milieu modeste, il fut le héros de combats mythiques, notamment contre Robinson et Cerdan. Autodestructeur, paranoïaque, déchiré entre le désir du salut personnel et la damnation, il termine son existence, bouffi, en tant que gérant de boîte de nuit et amuseur. Quand l'ascension et le déclin d'une vie deviennent une épopée...
Pourquoi regarder: Raging Bull est un drame qui fait confiance au silence. Martin Scorsese donne aux scènes la possibilité de respirer au-delà de leur point final évident, en trouvant quelque chose de vrai dans ce que font les personnages lorsqu'ils arrêtent de jouer.
Sorti en 1980, Raging Bull a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Martin Scorsese a créé quelque chose qui a survécu, et la note 7.9 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 7.9 pour Raging Bull le place parmi les films qui tiennent leurs promesses sans faiblesses significatives. Martin Scorsese a créé quelque chose qui fonctionne comme prévu, ce qui est moins courant qu'il n'y paraît. Le drame vient de la spécificité plutôt que de l’universalité. Le réalisateur fait des choix qui s'appliquent précisément à ces personnages dans cette situation, ce qui crée paradoxalement quelque chose de plus universel que ne le feraient des battements émotionnels génériques. 1980s a produit de nombreux films. Ceux qui restent sur des listes comme celle-ci des décennies plus tard sont ceux qui ont compris quelque chose de vrai sur les gens plutôt que sur le moment présent. Raging Bull est là parce qu'il a compris quelque chose de durable.
Le langage visuel de Raging Bull reflète le cinéma de 1980 dans sa forme la plus réfléchie. Martin Scorsese a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Raging Bull a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Raging Bull avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Raging Bull convient aux soirées où vous souhaitez regarder quelque chose avec une véritable substance plutôt que quelque chose qui remplit simplement le temps. Ce n’est pas un films de fond ni une expérience passive. Martin Scorsese a construit quelque chose qui demande votre attention et la récompense spécifiquement plutôt que généralement. Les téléspectateurs qui regardent Raging Bull tout en faisant autre chose obtiendront une version du films considérablement réduite par rapport à la version disponible pour quelqu'un qui lui accorde toute son attention. La note 7.9 reflète l’expérience visuelle avec toute l’attention. Le casting - Robert De Niro en particulier - offre des détails de performance qui s'enregistrent en cas de vision concentrée et disparaissent en cas de vision distraite.
Raging Bull se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. Martin Scorsese a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 7.9 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de Martin Scorsese à l'égard de ce matériel trouvent généralement que Raging Bull fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
Indiana Jones et la dernière croisade
Indiana Jones se lance cette fois‐ci à la recherche du Saint Graal, accompagné de l'éminent et très maladroit Dr Henry Jones, son père. Malheureusement, ils ne sont pas les seuls lancés sur la trace du trésor, les nazis le convoitent également.
Pourquoi regarder: Steven Spielberg filme l'action dans Indiana Jones et la dernière croisade pour la compréhension plutôt que pour un simple impact. La logique spatiale est maintenue partout, ce qui est plus rare qu’elle ne devrait l’être.
Indiana Jones et la dernière croisade date de 1989, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Indiana Jones et la dernière croisade occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Chez 7.9, Indiana Jones et la dernière croisade se situe dans une gamme où la qualité est constante, mais le films n'a pas atteint le large consensus des titres mieux notés. Ce consensus plus restreint reflète souvent un attrait spécifique : Indiana Jones et la dernière croisade n'est pas pour tout le monde, mais pour le bon téléspectateur, il est excellent. Le réalisateur filme l'action à l'échelle humaine plutôt qu'à la caméra. Les personnages occupent un espace cohérent et leurs corps se déplacent dans cet espace avec un objectif lisible. Le résultat est une action qui accumule l’impact plutôt que de générer de l’adrénaline momentanée. Les 1980s furent un moment culturel spécifique avec des préoccupations spécifiques et des approches esthétiques spécifiques. Indiana Jones et la dernière croisade reflète ces conditions tout en les transcendant – c'est un films 1980s qui ne nécessite pas que vous compreniez le 1980s pour l'apprécier.
Le scénario de Indiana Jones et la dernière croisade démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Steven Spielberg a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Harrison Ford propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Indiana Jones et la dernière croisade lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Indiana Jones et la dernière croisade s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.9 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Indiana Jones et la dernière croisade comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Steven Spielberg et Harrison Ford font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La position de Indiana Jones et la dernière croisade dans cette section de la liste reflète un films qui offre ses qualités spécifiques de manière fiable sans aspirer à tout pour tout le monde. Steven Spielberg a compris ce qu'était le films et l'a réalisé avec un haut niveau de savoir-faire. La note 7.9 représente les téléspectateurs qui ont interagi avec le films selon ces conditions et qui ont trouvé qu'il valait la peine d'être noté. Les téléspectateurs qui ont des attentes différentes trouvent parfois le films moins satisfaisant que ce que suggère la note - ce qui n'est pas une faiblesse du films mais une faiblesse des attentes. Indiana Jones et la dernière croisade est exactement ce qu'il est, réalisé avec compétence, et les électeurs qui l'ont évalué y ont répondu.
Compte sur moi
Un événement peu ordinaire va marquer la vie du jeune Gordie Lachance. Au cours de l’été 1959, un adolescent a disparu mystérieusement dans l'Oregon. Gordie et ses inséparables copains, Chris, Teddy et Vern savent qu'il est mort pour avoir approché de trop près la voie ferrée, un train l'a heurté. Son corps gît au fond des bois. C'est le frère de Vern qui l'a découvert. Les enfants décident de s'attribuer le scoop et partent pour la grande forêt de Castle Rock. Cette aventure va rester pour Gordie et ses trois amis la plus étrange et la plus exaltante de leur vie.
Pourquoi regarder: Rob Reiner aborde Compte sur moi avec la patience qu'un bon drame requiert et qu'il obtient rarement. Le résultat est un films qui gagne ses moments d’émotion plutôt que de les programmer.
La version 1986 de Compte sur moi est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Compte sur moi l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Compte sur moi s'auto-sélectionne pour s'engager. Compte sur moi à 7.8 représente le niveau fiable de cette liste. Ce sont les films qui ne déçoivent pas. Rob Reiner a compris ce que le films devait être et l'a exécuté sans compromis. Ce qui distingue ce films d'un drame est le refus du réalisateur d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le films crée des situations avec un poids émotionnel et fait ensuite confiance aux spectateurs pour porter eux-mêmes ce poids. Les performances apportent le registre émotionnel sans sur-signalisation. Classer les films du 1980s les uns par rapport aux autres est en partie un exercice d’identification de ce qui a survécu. Compte sur moi a survécu parce que Rob Reiner a fait des choix basés sur l'artisanat plutôt que sur la tendance. La note 7.8 reflète que le public trouve toujours ces choix valables.
Les performances de Compte sur moi sont calibrées sur un registre spécifique que Rob Reiner a établi et maintenu tout au long de la production. Wil Wheaton a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Compte sur moi qui sont les plus difficiles sont ceux où Wil Wheaton fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Les téléspectateurs qui regardent Compte sur moi pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Rob Reiner gère les transitions entre les scènes. Les montages de Compte sur moi ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Wil Wheaton travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 1986 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Rob Reiner voulait dire.
Les films classés entre onze et vingt-cinq sur des listes comme celle-ci sont souvent les découvertes les plus utiles car ils présentent la qualité des dix premiers sans le poids culturel. Compte sur moi se trouve dans cette position non pas parce qu'il est nettement pire que les entrées ci-dessus, mais parce que son attrait est plus concentré. Les téléspectateurs qui se connectent à ce que fait Rob Reiner dans Compte sur moi l'évaluent aussi bien que n'importe quel films de cette liste. La moyenne sur une base électorale plus large le place ici. Les téléspectateurs qui ont des raisons spécifiques de penser que ce films est fait pour eux – en fonction de leur préférence de genre, de l’intérêt du réalisateur ou de leur époque – devraient le donner la priorité à plusieurs entrées qui lui sont supérieures.
Kiki la petite sorcière
À l'âge de 13 ans, une future sorcière doit partir faire son apprentissage dans une ville inconnue durant un an. Une expérience que va vivre la jeune et espiègle Kiki aux côtés de Osono, une gentille boulangère qui lui propose un emploi de livreuse.
Pourquoi regarder: Animation au niveau où l'engin à lui seul vaut la peine d'être regardé. Chaque image de Kiki la petite sorcière est un choix artistique délibéré.
Kiki la petite sorcière (1989) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Kiki la petite sorcière a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 7.8 provenant d'un large bassin d'électeurs signifie que le films possède de véritables atouts qui l'emportent sur les faiblesses trouvées par les téléspectateurs. Kiki la petite sorcière tient sa promesse centrale, qui est la norme minimale que tout films devrait respecter et qui est moins atteinte que ne le suggère le nombre de sorties. Le films démontre que l’animation est un outil permettant d’atteindre des registres émotionnels que l’action réelle ne peut atteindre. Le réalisateur utilise les possibilités formelles du médium pour créer des moments spécifiques à la forme animée. Kiki la petite sorcière mérite sa place dans tout récit du cinéma 1980s car il capture quelque chose que la décennie a produit et que les décennies suivantes ont perdu. Les conditions culturelles et technologiques du cinéma 1980s ont façonné ce que Hayao Miyazaki pourrait faire ici.
La structure de Kiki la petite sorcière est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Hayao Miyazaki réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Kiki la petite sorcière coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Kiki la petite sorcière désorientant de manière productive.
Les téléspectateurs qui ont vu les films influencés par Kiki la petite sorcière trouveront que regarder l’original est une expérience différente de celle d’un films contemporain. Les techniques qui semblent familières parce qu'elles ont été largement copiées sont visibles ici dans leur forme originale, ce qui révèle souvent que les copies ont compris la surface de ce que Hayao Miyazaki a fait sans en comprendre le raisonnement. Kiki la petite sorcière utilise ses choix stylistiques au service d’objectifs narratifs spécifiques. Les films ultérieurs qui ont emprunté ces choix les ont souvent utilisés comme style sans fonction. Regarder l’original clarifie ce qui était réellement accompli. Le travail de Minami Takayama présente ici également une spécificité qui manque à de nombreuses performances qui s'en inspirent : les imitations captent la manière sans l'intériorité qui lui donne un sens.
Kiki la petite sorcière, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de Minami Takayama et le savoir-faire de Hayao Miyazaki peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
Piège de cristal
John McClane, un policier de New York, tente de sauver sa femme Holly Gennaro et un groupe d'autres personnes prises en otage par le terroriste allemand Hans Gruber lors d'une fête de Noël au Nakatomi Plaza de Los Angeles.
Pourquoi regarder: Piège de cristal gagne honnêtement sa tension – la pression vient de la situation et du caractère plutôt que d’une surprise artificielle. John McTiernan fait confiance au public pour ressentir les enjeux.
Sorti en 1988, Piège de cristal a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. John McTiernan a créé quelque chose qui a survécu, et la note 7.8 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 7.8 pour Piège de cristal est construit à partir de téléspectateurs qui avaient des alternatives et ont choisi de lui attribuer une note élevée. Ce choix reflète un films qui a clairement fait valoir ses arguments – ce qui est exactement ce que fait Piège de cristal. John McTiernan a présenté cet argument et le public l'a accepté. Ce qui fait que le films fonctionne comme un thriller, c’est la compréhension que les enjeux nécessitent des investissements. Le premier acte forge le caractère avant que la pression n’arrive. Au moment où la tension monte, vous avez des raisons de vous soucier du résultat. Chaque décennie produit des films qui semblent essentiels à l’époque et qui s’estompent. Piège de cristal appartient à la catégorie la plus petite : les films 1980s sont toujours très bien notés par les téléspectateurs qui n'ont aucune nostalgie de l'époque. Cette qualité transgénérationnelle est le véritable test.
L’environnement sonore de Piège de cristal est aussi délibérément construit que son environnement visuel. John McTiernan comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Piège de cristal utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Bruce Willis travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Piège de cristal s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.8 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Piège de cristal comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. John McTiernan et Bruce Willis font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 7.8 qui place Piège de cristal dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à Piège de cristal un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que John McTiernan a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. Piège de cristal est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
Le meilleur cinéma récompense votre attention. Chaque films ici a gagné le temps dont il a besoin.
La Valse des pantins
Un comique méconnu, pour se faire reconnaître, enlève le présentateur d'un show télévisé et n'accepte de le libérer qu'à la condition de participer à son spectacle.
Pourquoi regarder: Ce qui fait que La Valse des pantins fonctionne comme un drame, c'est le refus de Martin Scorsese d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le registre émotionnel est créé, non signalé.
La Valse des pantins date de 1982, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que La Valse des pantins occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. La Valse des pantins à 7.8 est un films où le métier est constamment au-dessus de la moyenne dans plusieurs dimensions. Aucun élément ne porte les autres. La mise en scène, l’écriture et la performance vont toutes dans la même direction. Le films démontre ce que le drame peut faire que d'autres genres ne peuvent pas faire : mettre le comportement humain ordinaire sous pression et révéler le caractère à travers la réponse. Le réalisateur crée ces conditions et les acteurs les habitent avec une véritable conviction. Le contexte 1980s pour La Valse des pantins n’est pas accessoire. Les conditions esthétiques spécifiques de cette décennie – ce que la technologie permettait, ce que la culture exigeait – ont façonné les choix que Martin Scorsese a faits ici. Ces choix tiennent indépendamment du moment.
Le langage visuel de La Valse des pantins reflète le cinéma de 1982 dans sa forme la plus réfléchie. Martin Scorsese a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de La Valse des pantins a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder La Valse des pantins avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Les nouveaux spectateurs de La Valse des pantins devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder La Valse des pantins pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que La Valse des pantins change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Martin Scorsese semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Robert De Niro dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, La Valse des pantins occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : La Valse des pantins arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de Martin Scorsese ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent La Valse des pantins ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
Retour vers le futur II
En 1985, Marty McFly a retrouvé sa famille et sa petite amie après un voyage mouvementé dans le passé. Surgit alors Doc Brown, au volant de sa machine à explorer le temps. Il lui enjoint de le suivre dans le futur, en l'an 2015, pour secourir son fils tombé sous la coupe du sinistre Biff Tannen.
Pourquoi regarder: La comédie est le genre le plus difficile à maintenir. Robert Zemeckis donne à Retour vers le futur II une apparence simple, ce qui est la marque d'un savoir-faire considérable que la plupart des publics n'enregistrent pas consciemment.
La version 1989 de Retour vers le futur II est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Retour vers le futur II l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Retour vers le futur II s'auto-sélectionne pour s'engager. Les films de la gamme 7.8 sont souvent plus intéressants que ne le suggère leur position dans une liste. Ils n’ont pas atteint la saturation culturelle des titres mieux notés, ce qui signifie que Retour vers le futur II est plus facile à aborder sans préjugés. Retour vers le futur II en profite. La cohérence du films en tant que comédie vient de la cohérence. Le réalisateur établit les règles du monde et le comportement des personnages, et l'humour émerge de la façon dont ces personnages gèrent une situation. Les films du 1980s qui sont encore classés 7.8 aujourd'hui ont survécu à un test plus long que n'importe quelle sortie contemporaine. Retour vers le futur II a réussi ce test parce que l'essentiel - la narration, les performances, l'artisanat - fonctionne sans avoir besoin de son époque.
Le scénario de Retour vers le futur II démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Robert Zemeckis a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Michael J. Fox propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Retour vers le futur II lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Retour vers le futur II est l’un des rares films à fonctionner à la fois dans des contextes de visionnage en solo et en groupe, ce qui n’est pas le cas de la plupart des comédies. Les films qui tirent leur humour du personnage plutôt que du décor ont tendance à bien jouer, quelle que soit la personne présente dans la salle, car les rires viennent de la reconnaissance plutôt que de la permission collective. Regarder Retour vers le futur II seul vous permet de capturer les moments les plus calmes d'observation des personnages que les visionnages de groupe peuvent manquer. Le regarder avec quelqu'un d'autre qui connaît le films produit le plaisir spécifique de partager quelque chose dont vous savez qu'il fonctionne. La durée d'exécution de Retour vers le futur II en fait un choix pratique pour les soirées où vous souhaitez quelque chose d'une qualité authentique qui ne nécessite pas l'engagement d'un films plus long. Le rythme de Robert Zemeckis signifie que le films gagne sa durée sans dépasser la durée.
Retour vers le futur II se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. Robert Zemeckis a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 7.8 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de Robert Zemeckis à l'égard de ce matériel trouvent généralement que Retour vers le futur II fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
Do the Right Thing
À Brooklyn, c'est littéralement le jour le plus chaud de l'année. Mookie, un jeune afro-américain, est livreur à la pizzeria du quartier, tenue par Sal et ses deux fils, d'origine italienne. Chacun vaque à ses occupations, mais la chaleur estivale va bientôt cristalliser les tensions raciales.
Pourquoi regarder: Le genre de drame qui vous reste bien après le générique. Spike Lee apporte une patience au matériel qui l'élève au-dessus du tarif standard.
Do the Right Thing (1989) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Do the Right Thing a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 7.8 reflète la réalisation, l’écriture et la performance fonctionnant simultanément à des niveaux cohérents. Les films qui obtiennent des scores dans cette fourchette échouent rarement de manière significative dans une seule dimension, et Do the Right Thing ne fait pas exception. Le réalisateur travaille avec une patience que la plupart des drames contemporains ne peuvent se permettre. Les scènes peuvent dépasser leur point final évident, trouvant la vérité dans ce que font les personnages après avoir dit ce qu'ils sont venus dire. Les acteurs comprennent ce rythme. Dans le contexte global du cinéma 1980s, Do the Right Thing représente ce que la décennie a apporté et que les décennies précédentes et suivantes n’ont pas apporté. Les conditions spécifiques du cinéma 1980s – budgets, technologie, contexte culturel – ont produit ici quelque chose qui ne pouvait provenir que de ce moment-là.
Les performances de Do the Right Thing sont calibrées sur un registre spécifique que Spike Lee a établi et maintenu tout au long de la production. Danny Aiello a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Do the Right Thing qui sont les plus difficiles sont ceux où Danny Aiello fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Do the Right Thing s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.8 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Do the Right Thing comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Spike Lee et Danny Aiello font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La position de Do the Right Thing dans cette section de la liste reflète un films qui offre ses qualités spécifiques de manière fiable sans aspirer à tout pour tout le monde. Spike Lee a compris ce qu'était le films et l'a réalisé avec un haut niveau de savoir-faire. La note 7.8 représente les téléspectateurs qui ont interagi avec le films selon ces conditions et qui ont trouvé qu'il valait la peine d'être noté. Les téléspectateurs qui ont des attentes différentes trouvent parfois le films moins satisfaisant que ce que suggère la note - ce qui n'est pas une faiblesse du films mais une faiblesse des attentes. Do the Right Thing est exactement ce qu'il est, réalisé avec compétence, et les électeurs qui l'ont évalué y ont répondu.
Les Ailes du désir
Deux anges, Daniel et Cassiel, descendent du ciel à Berlin. Ils peuvent côtoyer les humains sans être vus... Ils rencontrent un ancien ange devenu humain qui peut sentir leur présence et leur communique sa foi dans l'humanité. Daniel fait une autre rencontre qui sera pour lui décisive puisqu'il tombe amoureux...
Pourquoi regarder: Les Ailes du désir est un drame qui fait confiance au silence. Wim Wenders donne aux scènes la possibilité de respirer au-delà de leur point final évident, en trouvant quelque chose de vrai dans ce que font les personnages lorsqu'ils arrêtent de jouer.
Sorti en 1987, Les Ailes du désir a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Wim Wenders a créé quelque chose qui a survécu, et la note 7.8 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 7.8 pour Les Ailes du désir le place parmi les films qui tiennent leurs promesses sans faiblesses significatives. Wim Wenders a créé quelque chose qui fonctionne comme prévu, ce qui est moins courant qu'il n'y paraît. Le drame vient de la spécificité plutôt que de l’universalité. Le réalisateur fait des choix qui s'appliquent précisément à ces personnages dans cette situation, ce qui crée paradoxalement quelque chose de plus universel que ne le feraient des battements émotionnels génériques. 1980s a produit de nombreux films. Ceux qui restent sur des listes comme celle-ci des décennies plus tard sont ceux qui ont compris quelque chose de vrai sur les gens plutôt que sur le moment présent. Les Ailes du désir est là parce qu'il a compris quelque chose de durable.
La structure de Les Ailes du désir est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Wim Wenders réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Les Ailes du désir coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Les Ailes du désir désorientant de manière productive.
Les téléspectateurs qui regardent Les Ailes du désir pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont Wim Wenders gère les transitions entre les scènes. Les montages de Les Ailes du désir ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Bruno Ganz travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 1987 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que Wim Wenders voulait dire.
Les films classés entre onze et vingt-cinq sur des listes comme celle-ci sont souvent les découvertes les plus utiles car ils présentent la qualité des dix premiers sans le poids culturel. Les Ailes du désir se trouve dans cette position non pas parce qu'il est nettement pire que les entrées ci-dessus, mais parce que son attrait est plus concentré. Les téléspectateurs qui se connectent à ce que fait Wim Wenders dans Les Ailes du désir l'évaluent aussi bien que n'importe quel films de cette liste. La moyenne sur une base électorale plus large le place ici. Les téléspectateurs qui ont des raisons spécifiques de penser que ce films est fait pour eux – en fonction de leur préférence de genre, de l’intérêt du réalisateur ou de leur époque – devraient le donner la priorité à plusieurs entrées qui lui sont supérieures.
Les Incorruptibles
À Chicago en 1930, à l’époque de la prohibition, le trafic d’alcool bat son plein et permet à des truands de bâtir des fortunes colossales. Eliot Ness, jeune policier frais émoulu du FBI, est chargé de démanteler un réseau de contrebande d’alcool. L’ennemi est facilement identifiable : Al Capone, inattaquable officiellement, est pourtant impliqué dans les affaires les plus sordides. La première mission de Ness, maladroitement conduite, se solde par un échec humiliant. Loin de se laisser décourager par ce premier affront, Ness décide de s’entourer de personnes de confiance. Il recrute ainsi Jim Malone, un flic qui connaît bien le monde des truands…
Pourquoi regarder: Le thriller à son meilleur signifie que le public ressent de la peur avant que quelque chose d'explicite ne se produise. Brian De Palma y parvient dans Les Incorruptibles grâce au contrôle des informations et du timing.
Les Incorruptibles date de 1987, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Les Incorruptibles occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Chez 7.8, Les Incorruptibles se situe dans une gamme où la qualité est constante, mais le films n'a pas atteint le large consensus des titres mieux notés. Ce consensus plus restreint reflète souvent un attrait spécifique : Les Incorruptibles n'est pas pour tout le monde, mais pour le bon téléspectateur, il est excellent. Celui-ci appartient à la catégorie des thrillers où la tension est plutôt psychologique que physique. Le réalisateur fait confiance au public pour ressentir de la pression sans se montrer explicitement en danger. Le résultat est plus déstabilisant que les mécaniques classiques du thriller. Les 1980s furent un moment culturel spécifique avec des préoccupations spécifiques et des approches esthétiques spécifiques. Les Incorruptibles reflète ces conditions tout en les transcendant – c'est un films 1980s qui ne nécessite pas que vous compreniez le 1980s pour l'apprécier.
L’environnement sonore de Les Incorruptibles est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Brian De Palma comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Les Incorruptibles utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Kevin Costner travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Les téléspectateurs qui ont vu les films influencés par Les Incorruptibles trouveront que regarder l’original est une expérience différente de celle d’un films contemporain. Les techniques qui semblent familières parce qu'elles ont été largement copiées sont visibles ici dans leur forme originale, ce qui révèle souvent que les copies ont compris la surface de ce que Brian De Palma a fait sans en comprendre le raisonnement. Les Incorruptibles utilise ses choix stylistiques au service d’objectifs narratifs spécifiques. Les films ultérieurs qui ont emprunté ces choix les ont souvent utilisés comme style sans fonction. Regarder l’original clarifie ce qui était réellement accompli. Le travail de Kevin Costner présente ici également une spécificité qui manque à de nombreuses performances qui s'en inspirent : les imitations captent la manière sans l'intériorité qui lui donne un sens.
Les Incorruptibles, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de Kevin Costner et le savoir-faire de Brian De Palma peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
Rain Man
À la mort de son père, Charlie Babbitt hérite d'une vieille Buick qu'il convoitait depuis longtemps, mais se voit spolié de quelque trois millions de francs versés à l'Institution psychiatrique Wallbrook au profit d'un bénéficiaire anonyme. Charlie se rend a Wallbrook et découvre l'heureux bénéficiaire. Il s'agit de Raymond, savant autiste, celui qu'il appelait dans son enfance Rain Man, qui représente ses seuls souvenirs heureux et qui n'est autre que son frère.
Pourquoi regarder: Barry Levinson aborde Rain Man avec la patience qu'un bon drame requiert et qu'il obtient rarement. Le résultat est un films qui gagne ses moments d’émotion plutôt que de les programmer.
La version 1988 de Rain Man est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Rain Man l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Rain Man s'auto-sélectionne pour s'engager. Rain Man à 7.8 représente le niveau fiable de cette liste. Ce sont les films qui ne déçoivent pas. Barry Levinson a compris ce que le films devait être et l'a exécuté sans compromis. Ce qui distingue ce films d'un drame est le refus du réalisateur d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le films crée des situations avec un poids émotionnel et fait ensuite confiance aux spectateurs pour porter eux-mêmes ce poids. Les performances apportent le registre émotionnel sans sur-signalisation. Classer les films du 1980s les uns par rapport aux autres est en partie un exercice d’identification de ce qui a survécu. Rain Man a survécu parce que Barry Levinson a fait des choix basés sur l'artisanat plutôt que sur la tendance. La note 7.8 reflète que le public trouve toujours ces choix valables.
Le langage visuel de Rain Man reflète le cinéma de 1988 dans sa forme la plus réfléchie. Barry Levinson a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Rain Man a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Rain Man avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Rain Man s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.8 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Rain Man comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Barry Levinson et Dustin Hoffman font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 7.8 qui place Rain Man dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à Rain Man un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que Barry Levinson a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. Rain Man est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
Platoon
Septembre 1967 : Chris Taylor, dix‐neuf ans, rejoint la compagnie Bravo du 25ème régiment d’infanterie, près de la frontière cambodgienne. Chris, issu d’une famille bourgeoise s’est engagé volontairement et, plein d’idéal entend bien servir son pays. Mais la réalité est tout autre et ses illusions vont tomber les unes après les autres. Il sera également témoin de la rivalité sanglante qui oppose deux officiers qu’il admire.
Pourquoi regarder: Le genre de drame qui vous reste bien après le générique. Oliver Stone apporte une patience au matériel qui l'élève au-dessus du tarif standard.
Platoon (1986) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Platoon a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 7.7 provenant d'un large bassin d'électeurs signifie que le films possède de véritables atouts qui l'emportent sur les faiblesses trouvées par les téléspectateurs. Platoon tient sa promesse centrale, qui est la norme minimale que tout films devrait respecter et qui est moins atteinte que ne le suggère le nombre de sorties. Le réalisateur travaille avec une patience que la plupart des drames contemporains ne peuvent se permettre. Les scènes peuvent dépasser leur point final évident, trouvant la vérité dans ce que font les personnages après avoir dit ce qu'ils sont venus dire. Les acteurs comprennent ce rythme. Platoon mérite sa place dans tout récit du cinéma 1980s car il capture quelque chose que la décennie a produit et que les décennies suivantes ont perdu. Les conditions culturelles et technologiques du cinéma 1980s ont façonné ce que Oliver Stone pourrait faire ici.
Le scénario de Platoon démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Oliver Stone a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Charlie Sheen propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Platoon lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Les nouveaux spectateurs de Platoon devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Platoon pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Platoon change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Oliver Stone semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Charlie Sheen dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, Platoon occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : Platoon arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de Oliver Stone ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent Platoon ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
Non ci resta che piangere
Two 20th-century friends accidentally stumble into the year 1492, where they meet a charming teen and try to alter history.
Pourquoi regarder: Non ci resta che piangere est une comédie qui résiste à être revue parce que les blagues viennent de qui sont ces gens plutôt que de situations conçues autour de punchlines.
Sorti en 1984, Non ci resta che piangere a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Roberto Benigni a créé quelque chose qui a survécu, et la note 7.7 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 7.7 pour Non ci resta che piangere est construit à partir de téléspectateurs qui avaient des alternatives et ont choisi de lui attribuer une note élevée. Ce choix reflète un films qui a clairement fait valoir ses arguments – ce qui est exactement ce que fait Non ci resta che piangere. Roberto Benigni a présenté cet argument et le public l'a accepté. Le films fait confiance au sens du timing comique du public. Le réalisateur donne le rythme puis autorise des pauses où vit l'humour. Les performances comprennent que la retenue est plus drôle que l'emphase. Chaque décennie produit des films qui semblent essentiels à l’époque et qui s’estompent. Non ci resta che piangere appartient à la catégorie la plus petite : les films 1980s sont toujours très bien notés par les téléspectateurs qui n'ont aucune nostalgie de l'époque. Cette qualité transgénérationnelle est le véritable test.
Les performances de Non ci resta che piangere sont calibrées sur un registre spécifique que Roberto Benigni a établi et maintenu tout au long de la production. Massimo Troisi a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Non ci resta che piangere qui sont les plus difficiles sont ceux où Massimo Troisi fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Non ci resta che piangere est l’un des rares films à fonctionner à la fois dans des contextes de visionnage en solo et en groupe, ce qui n’est pas le cas de la plupart des comédies. Les films qui tirent leur humour du personnage plutôt que du décor ont tendance à bien jouer, quelle que soit la personne présente dans la salle, car les rires viennent de la reconnaissance plutôt que de la permission collective. Regarder Non ci resta che piangere seul vous permet de capturer les moments les plus calmes d'observation des personnages que les visionnages de groupe peuvent manquer. Le regarder avec quelqu'un d'autre qui connaît le films produit le plaisir spécifique de partager quelque chose dont vous savez qu'il fonctionne. La durée d'exécution de Non ci resta che piangere en fait un choix pratique pour les soirées où vous souhaitez quelque chose d'une qualité authentique qui ne nécessite pas l'engagement d'un films plus long. Le rythme de Roberto Benigni signifie que le films gagne sa durée sans dépasser la durée.
Non ci resta che piangere se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. Roberto Benigni a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 7.7 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de Roberto Benigni à l'égard de ce matériel trouvent généralement que Non ci resta che piangere fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
La Couleur pourpre
Début du XXe siècle. Au cœur de la communauté noire du sud des États-Unis, Celie et Nettie, deux sœurs, vivent avec leur beau-père. Celui-ci veut se débarrasser de Celie et l'offre à Albert, un veuf tyrannique qui l'emmène vivre chez lui…
Pourquoi regarder: Ce qui fait que La Couleur pourpre fonctionne comme un drame, c'est le refus de Steven Spielberg d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le registre émotionnel est créé, non signalé.
La Couleur pourpre date de 1985, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que La Couleur pourpre occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. La Couleur pourpre à 7.7 est un films où le métier est constamment au-dessus de la moyenne dans plusieurs dimensions. Aucun élément ne porte les autres. La mise en scène, l’écriture et la performance vont toutes dans la même direction. Le films démontre ce que le drame peut faire que d'autres genres ne peuvent pas faire : mettre le comportement humain ordinaire sous pression et révéler le caractère à travers la réponse. Le réalisateur crée ces conditions et les acteurs les habitent avec une véritable conviction. Le contexte 1980s pour La Couleur pourpre n’est pas accessoire. Les conditions esthétiques spécifiques de cette décennie – ce que la technologie permettait, ce que la culture exigeait – ont façonné les choix que Steven Spielberg a faits ici. Ces choix tiennent indépendamment du moment.
La structure de La Couleur pourpre est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Steven Spielberg réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. La Couleur pourpre coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent La Couleur pourpre désorientant de manière productive.
La Couleur pourpre s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.7 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent La Couleur pourpre comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Steven Spielberg et Danny Glover font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La position de La Couleur pourpre dans cette section de la liste reflète un films qui offre ses qualités spécifiques de manière fiable sans aspirer à tout pour tout le monde. Steven Spielberg a compris ce qu'était le films et l'a réalisé avec un haut niveau de savoir-faire. La note 7.7 représente les téléspectateurs qui ont interagi avec le films selon ces conditions et qui ont trouvé qu'il valait la peine d'être noté. Les téléspectateurs qui ont des attentes différentes trouvent parfois le films moins satisfaisant que ce que suggère la note - ce qui n'est pas une faiblesse du films mais une faiblesse des attentes. La Couleur pourpre est exactement ce qu'il est, réalisé avec compétence, et les électeurs qui l'ont évalué y ont répondu.
Breakfast Club
Cinq lycéens aux personnalités totalement opposées se retrouvent en colle un samedi. Le professeur qui les surveille leur demande à chacun de faire une dissertation de 1 000 mots avec pour sujet : « Qui pensez‐vous être ? ». Au fur et à mesure que la journée passe, ils discutent, se déchirent et finissent par se trouver plus de points communs qu’ils ne pensaient.
Pourquoi regarder: John Hughes aborde Breakfast Club avec la patience qu'un bon drame requiert et qu'il obtient rarement. Le résultat est un films qui gagne ses moments d’émotion plutôt que de les programmer.
La version 1985 de Breakfast Club est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Breakfast Club l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Breakfast Club s'auto-sélectionne pour s'engager. Les films de la gamme 7.7 sont souvent plus intéressants que ne le suggère leur position dans une liste. Ils n’ont pas atteint la saturation culturelle des titres mieux notés, ce qui signifie que Breakfast Club est plus facile à aborder sans préjugés. Breakfast Club en profite. Ce qui distingue ce films d'un drame est le refus du réalisateur d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le films crée des situations avec un poids émotionnel et fait ensuite confiance aux spectateurs pour porter eux-mêmes ce poids. Les performances apportent le registre émotionnel sans sur-signalisation. Les films du 1980s qui sont encore classés 7.7 aujourd'hui ont survécu à un test plus long que n'importe quelle sortie contemporaine. Breakfast Club a réussi ce test parce que l'essentiel - la narration, les performances, l'artisanat - fonctionne sans avoir besoin de son époque.
L’environnement sonore de Breakfast Club est aussi délibérément construit que son environnement visuel. John Hughes comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Breakfast Club utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Emilio Estevez travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Les téléspectateurs qui regardent Breakfast Club pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont John Hughes gère les transitions entre les scènes. Les montages de Breakfast Club ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Emilio Estevez travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 1985 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que John Hughes voulait dire.
Les films classés entre onze et vingt-cinq sur des listes comme celle-ci sont souvent les découvertes les plus utiles car ils présentent la qualité des dix premiers sans le poids culturel. Breakfast Club se trouve dans cette position non pas parce qu'il est nettement pire que les entrées ci-dessus, mais parce que son attrait est plus concentré. Les téléspectateurs qui se connectent à ce que fait John Hughes dans Breakfast Club l'évaluent aussi bien que n'importe quel films de cette liste. La moyenne sur une base électorale plus large le place ici. Les téléspectateurs qui ont des raisons spécifiques de penser que ce films est fait pour eux – en fonction de leur préférence de genre, de l’intérêt du réalisateur ou de leur époque – devraient le donner la priorité à plusieurs entrées qui lui sont supérieures.
Regarder de bons films change votre façon de voir le monde. C'est pourquoi nous les choisissons avec soin.
The Blues Brothers
Dès sa sortie de prison, Jake Blues est emmené par son frère Elwood chez Sœur Mary Stigmata, qui dirige l’orphelinat dans lequel ils ont été élevés. Ils doivent réunir 5 000 dollars pour sauver l’établissement, sinon c’est l’expulsion.
Pourquoi regarder: Un films vraiment drôle plutôt que simplement commercialisé comme tel. L'humour dans The Blues Brothers vient du personnage, pas de la configuration.
The Blues Brothers (1980) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et The Blues Brothers a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 7.7 reflète la réalisation, l’écriture et la performance fonctionnant simultanément à des niveaux cohérents. Les films qui obtiennent des scores dans cette fourchette échouent rarement de manière significative dans une seule dimension, et The Blues Brothers ne fait pas exception. Ce qui fait que le films fonctionne comme une comédie, c'est le refus du réalisateur de signaler où se trouve l'humour. Les blagues viennent du personnage et de la situation, ce qui signifie que les téléspectateurs qui y prêtent attention trouvent plus que ceux qui attendent qu'on leur dise qu'ils devraient rire. Dans le contexte global du cinéma 1980s, The Blues Brothers représente ce que la décennie a apporté et que les décennies précédentes et suivantes n’ont pas apporté. Les conditions spécifiques du cinéma 1980s – budgets, technologie, contexte culturel – ont produit ici quelque chose qui ne pouvait provenir que de ce moment-là.
Le langage visuel de The Blues Brothers reflète le cinéma de 1980 dans sa forme la plus réfléchie. John Landis a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de The Blues Brothers a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder The Blues Brothers avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Les téléspectateurs qui ont vu les films influencés par The Blues Brothers trouveront que regarder l’original est une expérience différente de celle d’un films contemporain. Les techniques qui semblent familières parce qu'elles ont été largement copiées sont visibles ici dans leur forme originale, ce qui révèle souvent que les copies ont compris la surface de ce que John Landis a fait sans en comprendre le raisonnement. The Blues Brothers utilise ses choix stylistiques au service d’objectifs narratifs spécifiques. Les films ultérieurs qui ont emprunté ces choix les ont souvent utilisés comme style sans fonction. Regarder l’original clarifie ce qui était réellement accompli. Le travail de John Belushi présente ici également une spécificité qui manque à de nombreuses performances qui s'en inspirent : les imitations captent la manière sans l'intériorité qui lui donne un sens.
The Blues Brothers, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de John Belushi et le savoir-faire de John Landis peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
Princess Bride
Que peut bien faire un petit garçon cloué au lit par la grippe, condamné à écouter les conseils des grands et même de subir un grand-père rabat-joie, au lieu d'aller faire les quatre cents coups avec ses copains ? Et voilà en plus que le papy se met en tête de lire à haute voix un conte de fée aux antipodes de Superman et de Rambo ! Au Moyen-Age, dans le pays imaginaire de Florin, la belle Bouton d'Or se languit après le départ de son bien-aimé Westley, parti chercher fortune et qu'elle croit mort. Cinq ans plus tard, elle accepte d'épouser le prince Humperdinck pour qui elle n'éprouve aucun amour. Mais peu avant son mariage, elle est enlevée par trois bandits et entraînée dans une aventure mouvementée au cours de laquelle elle retrouvera sa raison de vivre...
Pourquoi regarder: Princess Bride est une comédie qui résiste à être revue parce que les blagues viennent de qui sont ces gens plutôt que de situations conçues autour de punchlines.
Sorti en 1987, Princess Bride a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. Rob Reiner a créé quelque chose qui a survécu, et la note 7.7 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 7.7 pour Princess Bride le place parmi les films qui tiennent leurs promesses sans faiblesses significatives. Rob Reiner a créé quelque chose qui fonctionne comme prévu, ce qui est moins courant qu'il n'y paraît. Le films fait confiance au sens du timing comique du public. Le réalisateur donne le rythme puis autorise des pauses où vit l'humour. Les performances comprennent que la retenue est plus drôle que l'emphase. 1980s a produit de nombreux films. Ceux qui restent sur des listes comme celle-ci des décennies plus tard sont ceux qui ont compris quelque chose de vrai sur les gens plutôt que sur le moment présent. Princess Bride est là parce qu'il a compris quelque chose de durable.
Le scénario de Princess Bride démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Rob Reiner a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. Cary Elwes propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Princess Bride lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Princess Bride s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.7 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Princess Bride comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. Rob Reiner et Cary Elwes font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 7.7 qui place Princess Bride dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à Princess Bride un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que Rob Reiner a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. Princess Bride est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
Terminator
À Los Angeles en 1984, un Terminator, cyborg surgi du futur, a pour mission d'exécuter Sarah Connor, une jeune femme dont l'enfant à naître doit sauver l'humanité. Kyle Reese, un résistant humain, débarque lui aussi pour combattre le robot, et aider la jeune femme…
Pourquoi regarder: Le thriller à son meilleur signifie que le public ressent de la peur avant que quelque chose d'explicite ne se produise. James Cameron y parvient dans Terminator grâce au contrôle des informations et du timing.
Terminator date de 1984, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Terminator occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Chez 7.7, Terminator se situe dans une gamme où la qualité est constante, mais le films n'a pas atteint le large consensus des titres mieux notés. Ce consensus plus restreint reflète souvent un attrait spécifique : Terminator n'est pas pour tout le monde, mais pour le bon téléspectateur, il est excellent. Celui-ci appartient à la catégorie des thrillers où la tension est plutôt psychologique que physique. Le réalisateur fait confiance au public pour ressentir de la pression sans se montrer explicitement en danger. Le résultat est plus déstabilisant que les mécaniques classiques du thriller. Les 1980s furent un moment culturel spécifique avec des préoccupations spécifiques et des approches esthétiques spécifiques. Terminator reflète ces conditions tout en les transcendant – c'est un films 1980s qui ne nécessite pas que vous compreniez le 1980s pour l'apprécier.
Les performances de Terminator sont calibrées sur un registre spécifique que James Cameron a établi et maintenu tout au long de la production. Arnold Schwarzenegger a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de Terminator qui sont les plus difficiles sont ceux où Arnold Schwarzenegger fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
Les nouveaux spectateurs de Terminator devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Terminator pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Terminator change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par James Cameron semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Arnold Schwarzenegger dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, Terminator occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : Terminator arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de James Cameron ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent Terminator ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
Mississippi Burning
Alors qu'ils roulent sur une autoroute déserte, 3 activistes des Droits Civiques aperçoivent, dans leur rétroviseurs, des phares qui se rapprochent dangereusement. À cet instant, ils ignorent encore qu'ils disparaîtront à tout jamais dans la nuit. Ces meurtres marquent le début de l'une des enquêtes les plus explosives de l'histoire, menée par deux agents du FBI qui vont devoir faire face à une explosion de violence raciale…
Pourquoi regarder: Alan Parker aborde Mississippi Burning avec la patience qu'un bon drame requiert et qu'il obtient rarement. Le résultat est un films qui gagne ses moments d’émotion plutôt que de les programmer.
La version 1988 de Mississippi Burning est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté Mississippi Burning l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour Mississippi Burning s'auto-sélectionne pour s'engager. Mississippi Burning à 7.7 représente le niveau fiable de cette liste. Ce sont les films qui ne déçoivent pas. Alan Parker a compris ce que le films devait être et l'a exécuté sans compromis. Ce qui distingue ce films d'un drame est le refus du réalisateur d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le films crée des situations avec un poids émotionnel et fait ensuite confiance aux spectateurs pour porter eux-mêmes ce poids. Les performances apportent le registre émotionnel sans sur-signalisation. Classer les films du 1980s les uns par rapport aux autres est en partie un exercice d’identification de ce qui a survécu. Mississippi Burning a survécu parce que Alan Parker a fait des choix basés sur l'artisanat plutôt que sur la tendance. La note 7.7 reflète que le public trouve toujours ces choix valables.
La structure de Mississippi Burning est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Alan Parker réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Mississippi Burning coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Mississippi Burning désorientant de manière productive.
Mississippi Burning convient aux soirées où vous souhaitez regarder quelque chose avec une véritable substance plutôt que quelque chose qui remplit simplement le temps. Ce n’est pas un films de fond ni une expérience passive. Alan Parker a construit quelque chose qui demande votre attention et la récompense spécifiquement plutôt que généralement. Les téléspectateurs qui regardent Mississippi Burning tout en faisant autre chose obtiendront une version du films considérablement réduite par rapport à la version disponible pour quelqu'un qui lui accorde toute son attention. La note 7.7 reflète l’expérience visuelle avec toute l’attention. Le casting - Gene Hackman en particulier - offre des détails de performance qui s'enregistrent en cas de vision concentrée et disparaissent en cas de vision distraite.
Mississippi Burning se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. Alan Parker a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 7.7 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de Alan Parker à l'égard de ce matériel trouvent généralement que Mississippi Burning fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
Brazil
Sam Lowry est un technocrate harcelé dans une société futuriste complètement alambiquée et inefficace. Dans son fantasme, il rêve d'une vie où il pourra échapper à la bureaucratie écrasante et passer l'éternité avec la femme de ses rêves. L'improbable se produit alors que Sam essaie de rectifier l'arrestation injustifiée d'un certain Archibald Buttle ; l'ordinateur omniprésent qui contrôle tout dans le monde « réel » dysfonctionne. Lorsque cela se produit, Sam rencontre vraiment la femme qu'il poursuit depuis toujours dans ses rêves, Jill Layton. Cependant, la bureaucratie mécanique l'a pointé du doigt pour une vague d'attentats terroristes, et les vies de Sam et de Jill sont mises en danger.
Pourquoi regarder: Un films vraiment drôle plutôt que simplement commercialisé comme tel. L'humour dans Brazil vient du personnage, pas de la configuration.
Brazil (1985) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Brazil a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 7.7 provenant d'un large bassin d'électeurs signifie que le films possède de véritables atouts qui l'emportent sur les faiblesses trouvées par les téléspectateurs. Brazil tient sa promesse centrale, qui est la norme minimale que tout films devrait respecter et qui est moins atteinte que ne le suggère le nombre de sorties. Ce qui fait que le films fonctionne comme une comédie, c'est le refus du réalisateur de signaler où se trouve l'humour. Les blagues viennent du personnage et de la situation, ce qui signifie que les téléspectateurs qui y prêtent attention trouvent plus que ceux qui attendent qu'on leur dise qu'ils devraient rire. Brazil mérite sa place dans tout récit du cinéma 1980s car il capture quelque chose que la décennie a produit et que les décennies suivantes ont perdu. Les conditions culturelles et technologiques du cinéma 1980s ont façonné ce que Terry Gilliam pourrait faire ici.
L’environnement sonore de Brazil est aussi délibérément construit que son environnement visuel. Terry Gilliam comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Brazil utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Jonathan Pryce travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Brazil est une recommandation fiable pour les téléspectateurs qui souhaitent découvrir un films selon ses propres conditions plutôt que d'exiger qu'il se conforme aux attentes venues d'ailleurs. Il n'a pas l'omniprésence culturelle des titres mieux notés dans cette catégorie, ce qui signifie qu'il arrive sans le poids du visionnage obligatoire. Les publics qui découvrent Brazil sans qu’on leur ait dit qu’ils devaient le voir réagissent souvent plus fortement que ceux qui l’abordent comme une obligation. Terry Gilliam a créé quelque chose avec un attrait spécifique - il ne s'agit pas d'essayer de tout plaire à tout le monde. Les téléspectateurs qui se connectent à Brazil ont tendance à le trouver considérablement meilleur que ne le suggère la note 7.7, c'est pourquoi il conserve cette note malgré une visibilité marketing limitée.
La position de Brazil dans cette section de la liste reflète un films qui offre ses qualités spécifiques de manière fiable sans aspirer à tout pour tout le monde. Terry Gilliam a compris ce qu'était le films et l'a réalisé avec un haut niveau de savoir-faire. La note 7.7 représente les téléspectateurs qui ont interagi avec le films selon ces conditions et qui ont trouvé qu'il valait la peine d'être noté. Les téléspectateurs qui ont des attentes différentes trouvent parfois le films moins satisfaisant que ce que suggère la note - ce qui n'est pas une faiblesse du films mais une faiblesse des attentes. Brazil est exactement ce qu'il est, réalisé avec compétence, et les électeurs qui l'ont évalué y ont répondu.
Blue Velvet
Il se passe quelque chose d’étrange derrière les palissades blanches de Lumberton, Caroline du Nord. Après avoir fait la découverte d’une oreille humaine coupée dans un champ, Jeffrey Beaumont, un étudiant attiré par le mystère, est bien déterminé à enquêter. Avec l’aide de sa petite amie, Jeffrey pénètre dans l’univers sombre et dangereux de Dorothy Vallens, une chanteuse de boîte de nuit mystérieusement unie à Frank, un gangster sadique, autour d’une histoire de kidnapping.
Pourquoi regarder: Blue Velvet gagne honnêtement sa tension – la pression vient de la situation et du caractère plutôt que d’une surprise artificielle. David Lynch fait confiance au public pour ressentir les enjeux.
Sorti en 1986, Blue Velvet a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. David Lynch a créé quelque chose qui a survécu, et la note 7.6 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 7.6 pour Blue Velvet est construit à partir de téléspectateurs qui avaient des alternatives et ont choisi de lui attribuer une note élevée. Ce choix reflète un films qui a clairement fait valoir ses arguments – ce qui est exactement ce que fait Blue Velvet. David Lynch a présenté cet argument et le public l'a accepté. Ce qui fait que le films fonctionne comme un thriller, c’est la compréhension que les enjeux nécessitent des investissements. Le premier acte forge le caractère avant que la pression n’arrive. Au moment où la tension monte, vous avez des raisons de vous soucier du résultat. Chaque décennie produit des films qui semblent essentiels à l’époque et qui s’estompent. Blue Velvet appartient à la catégorie la plus petite : les films 1980s sont toujours très bien notés par les téléspectateurs qui n'ont aucune nostalgie de l'époque. Cette qualité transgénérationnelle est le véritable test.
Le langage visuel de Blue Velvet reflète le cinéma de 1986 dans sa forme la plus réfléchie. David Lynch a travaillé dans le cadre de contraintes techniques qui exigeaient que la composition et l'éclairage portent un poids émotionnel que les productions modernes confient à la post-production. Chaque cadre de Blue Velvet a été conçu plutôt qu'ajusté. Le résultat est une cohérence visuelle que les films contemporains, avec leurs options de post-production illimitées, atteignent rarement. Regarder Blue Velvet avec attention à la façon dont les plans sont composés révèle un cinéaste qui a compris que la caméra n'enregistre pas seulement quelque chose, elle débat sur la façon de le voir.
Les téléspectateurs qui regardent Blue Velvet pour la première fois doivent prêter une attention particulière à la manière dont David Lynch gère les transitions entre les scènes. Les montages de Blue Velvet ne sont pas conventionnels : ils ont tendance à atterrir sur les moments des personnages plutôt que sur les rythmes de l'intrigue, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel du films sont la même chose. Si une scène semble se terminer plus tôt ou plus tard que prévu, ce timing est un choix et il vous indique généralement quelque chose de spécifique sur l'état du personnage à ce moment-là. Isabella Rossellini travaille dans ce rythme avec une performance physique qui est plus visible dans les scènes qui suivent immédiatement les événements majeurs - les plans de réaction et les moments calmes où le personnage se consolide plutôt qu'il n'avance. Le contexte de production 1986 signifie que ces choix ont été faits sans les filets de sécurité numériques qui permettent aux films contemporains de s'adapter en post-production. Ce que vous voyez correspond à ce que David Lynch voulait dire.
Les films classés entre onze et vingt-cinq sur des listes comme celle-ci sont souvent les découvertes les plus utiles car ils présentent la qualité des dix premiers sans le poids culturel. Blue Velvet se trouve dans cette position non pas parce qu'il est nettement pire que les entrées ci-dessus, mais parce que son attrait est plus concentré. Les téléspectateurs qui se connectent à ce que fait David Lynch dans Blue Velvet l'évaluent aussi bien que n'importe quel films de cette liste. La moyenne sur une base électorale plus large le place ici. Les téléspectateurs qui ont des raisons spécifiques de penser que ce films est fait pour eux – en fonction de leur préférence de genre, de l’intérêt du réalisateur ou de leur époque – devraient le donner la priorité à plusieurs entrées qui lui sont supérieures.
Le Dernier Empereur
L'évocation, presque aux dimensions de la Chine, de la vie du dernier empereur Pu Yi. De 1908, où il monte à trois ans sur le trône impérial à 1967, la fin de sa vie où il devient jardinier du parc botanique de Pékin, en passant par la révolution chinoise durant laquelle il est rééduqué.
Pourquoi regarder: Ce qui fait que Le Dernier Empereur fonctionne comme un drame, c'est le refus de Bernardo Bertolucci d'expliquer ce que le public peut ressentir. Le registre émotionnel est créé, non signalé.
Le Dernier Empereur date de 1987, ce qui signifie qu'il a été testé par plusieurs générations de téléspectateurs. Le fait que Le Dernier Empereur occupe toujours une place élevée reflète un véritable artisanat plutôt que de la nostalgie. Le Dernier Empereur à 7.6 est un films où le métier est constamment au-dessus de la moyenne dans plusieurs dimensions. Aucun élément ne porte les autres. La mise en scène, l’écriture et la performance vont toutes dans la même direction. Le films démontre ce que le drame peut faire que d'autres genres ne peuvent pas faire : mettre le comportement humain ordinaire sous pression et révéler le caractère à travers la réponse. Le réalisateur crée ces conditions et les acteurs les habitent avec une véritable conviction. Le contexte 1980s pour Le Dernier Empereur n’est pas accessoire. Les conditions esthétiques spécifiques de cette décennie – ce que la technologie permettait, ce que la culture exigeait – ont façonné les choix que Bernardo Bertolucci a faits ici. Ces choix tiennent indépendamment du moment.
Le scénario de Le Dernier Empereur démontre quelque chose que la plupart des films ne réalisent pas : chaque scène fait deux choses simultanément. L’action de surface fait avancer l’intrigue. Le sous-texte fait progresser le personnage. Bernardo Bertolucci a travaillé avec du matériel qui faisait confiance au public pour enregistrer ce qui n'était pas dit aussi clairement que ce qui l'était. John Lone propose des lignes qui signifient des choses différentes selon ce que vous savez à ce moment-là du films. Les nouveaux spectateurs découvrent un films. Les téléspectateurs qui connaissent la fin en vivent une autre. Cette sophistication structurelle est plus visible dans Le Dernier Empereur lorsque vous faites attention à ce que les personnages évitent systématiquement de dire directement.
Les téléspectateurs qui ont vu les films influencés par Le Dernier Empereur trouveront que regarder l’original est une expérience différente de celle d’un films contemporain. Les techniques qui semblent familières parce qu'elles ont été largement copiées sont visibles ici dans leur forme originale, ce qui révèle souvent que les copies ont compris la surface de ce que Bernardo Bertolucci a fait sans en comprendre le raisonnement. Le Dernier Empereur utilise ses choix stylistiques au service d’objectifs narratifs spécifiques. Les films ultérieurs qui ont emprunté ces choix les ont souvent utilisés comme style sans fonction. Regarder l’original clarifie ce qui était réellement accompli. Le travail de John Lone présente ici également une spécificité qui manque à de nombreuses performances qui s'en inspirent : les imitations captent la manière sans l'intériorité qui lui donne un sens.
Le Dernier Empereur, à cette position sur la liste, représente un films qui a atteint une qualité authentique et une appréciation soutenue sans devenir un monument culturel. L'avantage de cette position est que les performances de John Lone et le savoir-faire de Bernardo Bertolucci peuvent être découverts de manière fraîche plutôt qu'à travers le filtre d'une discussion préalable approfondie. Les éléments spécifiques qui font que ce films vaut la peine d'être regardé - décrits dans les notes éditoriales ci-dessus - sont plus faciles à voir lorsque vous ne vous attendez pas à confirmer une réputation. Une note dans la section centrale de cette liste n’est pas une rétrogradation. C'est une description d'un films qui est excellente pour son public spécifique.
La Folle Journée de Ferris Bueller
Ferris Bueller, un adolescent populaire et charmeur mais aussi cancre invétéré, convainc sa petite amie et son meilleur ami hypocondriaque (dont le père a une Ferrari) de sécher les cours pour aller passer la journée à Chicago. Pendant qu’ils font les 400 coups dans la grande ville, le proviseur et la sœur de Ferris tentent, chacun de leurs côtés, de prouver aux parents que leur fils est un cancre et qu’il a séché.
Pourquoi regarder: La comédie est le genre le plus difficile à maintenir. John Hughes donne à La Folle Journée de Ferris Bueller une apparence simple, ce qui est la marque d'un savoir-faire considérable que la plupart des publics n'enregistrent pas consciemment.
La version 1986 de La Folle Journée de Ferris Bueller est entièrement antérieure à l’ère du streaming. Chaque téléspectateur qui a noté La Folle Journée de Ferris Bueller l'a découvert grâce à un effort délibéré – projection en salle, sur support physique ou recommandation. Cette public pour La Folle Journée de Ferris Bueller s'auto-sélectionne pour s'engager. Les films de la gamme 7.6 sont souvent plus intéressants que ne le suggère leur position dans une liste. Ils n’ont pas atteint la saturation culturelle des titres mieux notés, ce qui signifie que La Folle Journée de Ferris Bueller est plus facile à aborder sans préjugés. La Folle Journée de Ferris Bueller en profite. La cohérence du films en tant que comédie vient de la cohérence. Le réalisateur établit les règles du monde et le comportement des personnages, et l'humour émerge de la façon dont ces personnages gèrent une situation. Les films du 1980s qui sont encore classés 7.6 aujourd'hui ont survécu à un test plus long que n'importe quelle sortie contemporaine. La Folle Journée de Ferris Bueller a réussi ce test parce que l'essentiel - la narration, les performances, l'artisanat - fonctionne sans avoir besoin de son époque.
Les performances de La Folle Journée de Ferris Bueller sont calibrées sur un registre spécifique que John Hughes a établi et maintenu tout au long de la production. Matthew Broderick a compris que le matériel devait être minimisé plutôt que souligné. Les moments de La Folle Journée de Ferris Bueller qui sont les plus difficiles sont ceux où Matthew Broderick fait moins qu'un acteur moins qualifié ne le ferait. L'ensemble travaille ensemble avec un rythme qui suggère une préparation approfondie plutôt qu'un simple talent. Les scènes où plusieurs acteurs sont présents révèlent une dynamique de collaboration rare dans les films où la performance individuelle est privilégiée au détriment de la vérité d'ensemble.
La Folle Journée de Ferris Bueller s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.6 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent La Folle Journée de Ferris Bueller comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. John Hughes et Matthew Broderick font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
La note 7.6 qui place La Folle Journée de Ferris Bueller dans cette section de la liste a été obtenue auprès des téléspectateurs qui avaient accès à tout ce qui était classé au-dessus. Ils ont noté ce films après avoir vu ou connu ces titres. Leur décision de donner à La Folle Journée de Ferris Bueller un note élevé reflète une véritable appréciation pour ce que John Hughes a réalisé ici - quelque chose de différent plutôt que d'inférieur aux dix premières entrées. La gamme de qualité sur une liste comme celle-ci est plus étroite que ne le suggère la gamme de positions. La différence entre la position huit et la position dix-huit tient en partie à la spécificité de l'appel. La Folle Journée de Ferris Bueller est particulièrement excellent plutôt que globalement excellent. Pour le bon spectateur, cette spécificité est un atout.
Gandhi
Reconstitution historique à grand spectacle de la vie de celui que l'on surnomma le "mahatma". La carrière de Gandhi comme avocat débute en Afrique du Sud où il défend les droits de la minorité indienne, ce qui a un grand retentissement dans son pays. Plus tard, dans ses luttes contre les Anglais, il prônera toujours la non-violence et usera essentiellement de l'arme de la grève de la faim.
Pourquoi regarder: Le genre de drame qui vous reste bien après le générique. Richard Attenborough apporte une patience au matériel qui l'élève au-dessus du tarif standard.
Gandhi (1982) est arrivé avant qu'Internet ne rende chaque films instantanément disponible partout. Atteindre le public nécessitait un véritable bouche à oreille, et Gandhi a construit ce bouche à oreille parce qu'il délivrait quelque chose de réel. Une note 7.6 reflète la réalisation, l’écriture et la performance fonctionnant simultanément à des niveaux cohérents. Les films qui obtiennent des scores dans cette fourchette échouent rarement de manière significative dans une seule dimension, et Gandhi ne fait pas exception. Le réalisateur travaille avec une patience que la plupart des drames contemporains ne peuvent se permettre. Les scènes peuvent dépasser leur point final évident, trouvant la vérité dans ce que font les personnages après avoir dit ce qu'ils sont venus dire. Les acteurs comprennent ce rythme. Dans le contexte global du cinéma 1980s, Gandhi représente ce que la décennie a apporté et que les décennies précédentes et suivantes n’ont pas apporté. Les conditions spécifiques du cinéma 1980s – budgets, technologie, contexte culturel – ont produit ici quelque chose qui ne pouvait provenir que de ce moment-là.
La structure de Gandhi est construite de telle sorte que le rythme sert du sens plutôt que des conventions. Richard Attenborough réalise des coupes à des moments qui semblent légèrement inattendus, ce qui maintient le public dans un état d'attention engagée plutôt que de visionnage passif. Les films qui suivent des rythmes évidents deviennent prévisibles. Gandhi coupe les moments des personnages, ce qui signifie que le rythme de montage et le rythme émotionnel sont la même chose. Le résultat est un films où la structure elle-même communique quelque chose sur les états intérieurs des personnages. Les téléspectateurs qui ont été engourdis par le montage conventionnel trouvent Gandhi désorientant de manière productive.
Les nouveaux spectateurs de Gandhi devraient y aller avec le moins de connaissances préalables possible. Le films a été si largement discuté et référencé qu'il est facile d'arriver à des attentes façonnées par les réactions des autres plutôt que par le films lui-même. L’expérience réelle de regarder Gandhi pour la première fois, sans savoir exactement ce qui s’en vient, est très différente de celle de le regarder en tant que quantité connue. Si vous ne l’avez pas encore vu, c’est un avantage à préserver. Les téléspectateurs qui reviennent constatent que Gandhi change lors de la relecture - non pas parce que le films change, mais parce que connaître le résultat modifie les détails que vous remarquez et ce que font réellement les premières scènes. La construction du premier acte par Richard Attenborough semble différente une fois que vous savez où elle se termine. La performance de Ben Kingsley dans les premières scènes contient des informations qui ne sont lisibles que lors d'un deuxième visionnage.
Positionné entre onze et vingt-cinq sur cette liste, Gandhi occupe le territoire où la qualité est constante mais le films n'a pas atteint la saturation culturelle du top dix. Cette position présente un avantage pour les nouveaux téléspectateurs : Gandhi arrive sans la pression de visionnage obligatoire qui s'attache aux titres mieux classés. Le films peut être vécu selon ses propres conditions plutôt que face au poids des réactions des autres. Le travail de Richard Attenborough ici est suffisamment solide pour rivaliser avec les dix meilleures entrées et suffisamment différent pour offrir quelque chose que ces titres n'offrent pas. Les qualités spécifiques qui placent Gandhi ici plutôt que plus haut sont souvent celles qui le rendent le plus intéressant pour les téléspectateurs qui ont déjà vu les titres les plus largement recommandés.
Predator
Le Major Dutch Schaefer et son équipe sont envoyés dans la jungle sud-américaine avec pour mission de délivrer des alliés pris en otage par une bande de guérilleros. Mais pendant l'opération, Dutsch et ses hommes s'aperçoivent que les preneurs d'otages ont été... dépecés et suspendus à la plus haute cime des arbres. Très vite, le commando comprend qu'il a en face de lui un ennemi hors du commun. Un monstre invisible et indestructible venu d'une autre planète. Un extraterrestre rompu à toutes les formes d'attaques et qui ne poursuit qu'un seul but : la chasse à l'être humain. Schaefer et sa troupe sont pour lui du gibier de premier choix.
Pourquoi regarder: Predator résout le problème central du cinéma d'action : vous faire prendre soin avant de vous montrer l'action. Les séquences atterrissent parce que les scènes précédentes ont établi pourquoi elles sont importantes.
Sorti en 1987, Predator a été réalisé à une époque où les sorties en salles déterminaient la survie d'un films. John McTiernan a créé quelque chose qui a survécu, et la note 7.6 qu'il détient aujourd'hui est la preuve de cette endurance. Le note 7.6 pour Predator le place parmi les films qui tiennent leurs promesses sans faiblesses significatives. John McTiernan a créé quelque chose qui fonctionne comme prévu, ce qui est moins courant qu'il n'y paraît. Le cinéma d’action échoue lorsque la logique spatiale s’effondre et que les séquences deviennent un spectacle abstrait. Ce films évite cet échec. Le réalisateur réalise des storyboards pour la compréhension, pas seulement pour l'impact. Le public comprend toujours les enjeux de chaque instant. 1980s a produit de nombreux films. Ceux qui restent sur des listes comme celle-ci des décennies plus tard sont ceux qui ont compris quelque chose de vrai sur les gens plutôt que sur le moment présent. Predator est là parce qu'il a compris quelque chose de durable.
L’environnement sonore de Predator est aussi délibérément construit que son environnement visuel. John McTiernan comprend que la conception sonore et la musique opèrent sous l'attention consciente, façonnant la réponse émotionnelle avant que le public puisse analyser ce qui se passe. Les séquences plus calmes de Predator utilisent le son ambiant pour créer une présence plutôt qu'une absence. Les séquences musicales utilisent une musique qui répond au personnage plutôt que de signaler ce que le public devrait ressentir. Arnold Schwarzenegger travaille dans cet environnement sonore avec une performance physique qui rend compte de la façon dont la scène sera vécue autant auditivement que visuellement. La combinaison produit quelque chose qui fonctionne sur le public plutôt que simplement sur lui.
Predator s'adresse aux téléspectateurs qui ne recherchent normalement pas de films de cette époque ou de ce genre. Les qualités qui lui ont valu la classification 7.6 ne sont pas spécifiques à un genre ou à une période – ce sont les qualités qui rendent tout films excellent : une narration claire, des performances convaincantes et une direction qui sert le matériau plutôt que de s'afficher. Les téléspectateurs qui considèrent Predator comme un films plutôt que comme un artefact culturel ont tendance à avoir les réponses les plus fortes. Le poids culturel qu’il a accumulé depuis sa libération peut créer une distance plutôt qu’un accès. Le cadre le plus utile est simplement : il s’agit d’un films bien réalisé sur des personnes spécifiques dans une situation spécifique. Tout le reste découle du fait d’observer cela avec attention. John McTiernan et Arnold Schwarzenegger font le travail ; le travail du spectateur est d'y être présent.
Predator se classe dans la section médiane de cette liste parce que son attrait est spécifique plutôt qu'universel - et l'attrait spécifique, évalué honnêtement, produit une note moyenne inférieure à l'attrait général, même lorsque le films est excellent pour le bon spectateur. John McTiernan a fait des choix que certains téléspectateurs trouvent convaincants et d'autres exigeants. La note 7.6 reflète cette réponse mitigée mais finalement positive de la part d’une base électorale comprenant les deux groupes. Les téléspectateurs dont les préférences correspondent à l'approche de John McTiernan à l'égard de ce matériel trouvent généralement que Predator fait partie des entrées les plus fortes de la liste. L’évaluer dans son contexte plutôt que isolément produit une impression différente de celle suggérée par le chiffre seul.
Comment nous avons classé ces films 1980s
Chaque film de cette page a été sélectionné à l'aide des données de l'API Movie Database, filtrées pour des seuils de vote minimum afin de garantir la cohérence de la qualité. Le processus commence par tous les films de cette catégorie, triés par moyenne de votes par ordre décroissant, puis filtrés pour exclure les films ayant obtenu moins de votes que le nombre requis.
À partir de cette liste plus grande, l’exactitude de chaque entrée a été vérifiée manuellement. Une note élevée ne se traduit pas automatiquement par une observabilité. Un film tendance en raison de l’actualité récente n’est pas la même chose qu’un film tendance parce qu’il est vraiment bon. L'analyse éditoriale de chaque entrée reflète la qualité réelle du film plutôt que le bruit culturel.
La sélection maintient un équilibre entre accessibilité et profondeur. Les films ici vont des sorties contemporaines aux titres de catalogue qui méritent d'être redécouverts. Tous ont été fabriqués avec artisanat et intention. Tous les visionnages récompensent.
Meilleurs films 1980s par genre
Les films 50 sur cette page couvrent plusieurs genres et sous-genres. Le genre est utile comme filtre mais pas comme catégorie définitive. Un film étiqueté Drame pourrait être aussi plein de suspense qu'un film étiqueté Thriller. Un film étiqueté Action pourrait être aussi intelligent sur le plan émotionnel qu'un film étiqueté Drame. Utilisez le genre comme point de départ, et non comme une image complète.
Les balises de genre sur chaque film vous montrent où se situe catégoriquement le film. Utilisez les filtres pour trouver les genres dans 1980s qui vous intéressent le plus.
Meilleurs films 1980s par classement
Les films sur cette page sont divisés en trois niveaux de notation. Les films supérieurs à 8,5 sont exceptionnels à tous égards et représentent le meilleur cinéma absolu de cette catégorie. Les films de 7,5 à 8,4 montrent une qualité de fabrication constante et sont fiables et solides. Les films de 7,0 à 7,4 sont toujours excellents et valent la peine d'être visionnés, même s'ils représentent une gamme de qualité légèrement plus large.
Une note de 8,0 sur TMDB nécessite une base électorale suffisamment large pour être statistiquement fiable. Cela reflète une véritable appréciation du public testée au fil du temps.
Meilleurs films 1980s par durée d'exécution
Le temps d'exécution est l'un des filtres les plus utiles pour choisir ce qu'il faut regarder et l'un des moins utilisés. Les films de moins de 90 minutes offrent des expériences complètes avec précision. Les films de 90 à 120 minutes constituent la durée optimale pour la plupart des situations de visionnage. Les films de plus de 120 minutes nécessitent un engagement mais le récompensent.
Utilisez votre temps disponible pour trouver le bon film plutôt que de commencer quelque chose tard dans la nuit qui dure beaucoup plus longtemps que prévu.
Des joyaux cachés qui valent la peine d'être découverts
Chaque sélection 1980s contient des films qui se situent en dessous des meilleurs classements de visibilité mais offrent quelque chose d'exceptionnel. Ce sont les films que l’algorithme sous-pondère parce qu’ils manquent de reconnaissance de franchise ou de couverture médiatique récente. Ils ne sont pas cachés parce qu’ils sont obscurs. Ils sont masqués car les plates-formes présentent en premier les options les plus bruyantes.
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The 1980s is best understood through multiple lenses. Below are related ways to explore movies from this decade and era.
Foire aux questions
Quels sont les meilleurs films du 1980s ?
Les meilleurs films du 1980s sont classés et répertoriés intégralement sur cette page. Cette liste reflète une véritable appréciation du public plutôt que de la nostalgie. Chaque film a gagné sa place grâce à une réponse positive et soutenue d’un public suffisamment large pour compter.
Quel est le film le mieux noté du 1980s ?
Les films les mieux notés du 1980s sont répertoriés en haut de cette page. Les films notés 8,5 et plus ont été appréciés par les téléspectateurs qui ont eu accès à tout ce qui a été réalisé depuis, ce qui rend la note plus significative que le seul chiffre ne le suggère.
Quels sont les meilleurs thrillers 1980s ?
Les thrillers du 1980s sont identifiés par leurs balises de genre tout au long de cette page. Recherchez les films étiquetés Thriller ou Crime Thriller. Les meilleurs thrillers 1980s créent de la tension grâce à l'investissement dans les personnages plutôt qu'à un choc fabriqué.
Quels sont les meilleurs drames 1980s ?
Les films dramatiques de 1980s représentent certaines des œuvres les plus durables de l'époque. Les meilleurs drames 1980s ont fait confiance au public pour enregistrer des informations émotionnelles sans les souligner et continuent de récompenser leur visionnage des décennies après leur sortie.
Quels sont les meilleurs films d'action 1980s ?
Le cinéma d'action a considérablement évolué au cours du 1980s. Les films sur cette page étiquetés Action représentent le meilleur de cette évolution, avec des séquences dirigées pour la compréhension d'abord et l'impact ensuite.
Quelles sont les meilleures comédies 1980s ?
Les meilleures comédies 1980s dérivent l'humour du personnage plutôt que de la mécanique de la configuration et de la punchline. Ils restent drôles car les personnages sont spécifiques et reconnaissables même lorsque les références culturelles d'origine se sont estompées.
Quels sont les meilleurs films d'horreur 1980s ?
Les meilleurs films d'horreur 1980s ont compris que l'atmosphère est plus durable que le choc, et que la peur nécessite un investissement préalable dans les personnages. Ils ont été sélectionnés pour leur artisanat atmosphérique et leur intelligence structurelle plutôt que pour leur contenu explicite.
Quels sont les meilleurs films de science-fiction 1980s ?
Les meilleurs films de science-fiction 1980s utilisaient des prémisses spéculatives pour explorer des questions humaines plutôt que comme un spectacle. Le genre a été pris suffisamment au sérieux pour que des projets contenant des idées réelles soient réalisés et diffusés en salles.
Quels sont les meilleurs films policiers 1980s ?
Le cinéma policier du 1980s représente certaines des œuvres les plus fortes que le genre ait produites. Ces films abordaient l’ambiguïté morale sans la résoudre et montraient les coûts de la vie criminelle sans romantisme.
Quels sont les meilleurs films en langue étrangère du 1980s ?
Le cinéma international du 1980s est représenté tout au long de cette liste. Plusieurs cinémas nationaux étaient en pleine période de création à cette époque. Les sceptiques des sous-titres devraient commencer par n'importe quel film en langue étrangère noté 8,5 ou plus sur cette page.
Quels sont les films les plus sous-estimés du 1980s ?
La section Trésors cachés de cette page identifie les films 1980s qui ont obtenu entre 6,5 et 7,4 à partir de bases d'électeurs significatives. Ces films sont sous-estimés non pas parce qu’ils sont obscurs, mais parce qu’ils manquent de reconnaissance de franchise ou de couverture médiatique récente.
Quels films 1980s tout le monde devrait-il voir au moins une fois ?
Les films notés 8,0 et plus sur cette liste représentent le visionnage 1980s non négociable. Celles-ci ont atteint un véritable consensus critique parmi plusieurs générations de téléspectateurs et continuent de s'adresser à de nouveaux publics.
Quels sont les meilleurs films 1980s pour quelqu'un qui ne regarde généralement pas de films plus anciens ?
Commencez par n’importe quel film noté 8,5 ou plus à partir de cette page. La qualité ne vieillit pas. Utilisez les balises de genre pour trouver un film 1980s dans un genre que vous appréciez et commencez par là.
Comment les films 1980s se comparent-ils au cinéma moderne ?
Le 1980s a produit des films sous différentes contraintes et avec différentes ambitions. Les structures budgétaires ont permis aux films de milieu de gamme avec des prémisses originales de sortir en salles. Les réalisateurs ont eu plus de contrôle créatif par rapport aux studios que ce qui est courant aujourd'hui.
Les films 1980s valent-ils encore la peine d’être regardés aujourd’hui ?
Oui, sans réserve. Les films de cette liste ont été sélectionnés parce qu’ils tiennent le coup, et non parce qu’ils sont historiquement intéressants. Le grand cinéma ne vieillit pas comme la technologie ou la mode. Le public contemporain continue d’accorder une note élevée à ces films.