La tomba delle lucciole
Giappone, 21 settembre 1945. Alla stazione di Kobe, il quattordicenne Seita muore di inedia. Il suo spirito ripercorre i tragici eventi degli ultimi quattro mesi: i bombardamenti americani, il cadavere della madre sfigurato dalle ustioni, il padre a difendere la gloria dell'impero nella sua bianca uniforme da ufficiale di marina. E poi l'orgoglio, la fuga, i furti, la fame. Questa notte spaventosa è rischiarata dai flebili bagliori delle lucciole. Ma all'alba non ne rimarrà più nessuna.
Perché guardare: Uno dei film con il punteggio più alto in questa selezione. La tomba delle lucciole si è guadagnato la sua reputazione grazie al continuo apprezzamento della critica da parte di più generazioni di spettatori.
La tomba delle lucciole (1988) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e La tomba delle lucciole ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 8.4 riflette la regia, la scrittura e la performance che operano a livelli costanti simultaneamente. I film che ottengono punteggi in questo intervallo raramente falliscono in modo significativo in ogni singola dimensione e La tomba delle lucciole non fa eccezione. Il regista lavora con una pazienza che la maggior parte del dramma contemporaneo non può permettersi. Le scene possono andare oltre il loro ovvio punto finale, trovando la verità in ciò che fanno i personaggi dopo che hanno detto quello che erano venuti a dire. Il cast capisce questo ritmo. Nel contesto del cinema 1980s in generale, La tomba delle lucciole rappresenta ciò che il decennio ha contribuito rispetto ai decenni precedenti e successivi. Le condizioni specifiche del cinema di 1980s – budget, tecnologia, contesto culturale – hanno prodotto qui qualcosa che poteva provenire solo da quel momento.
Il linguaggio visivo di La tomba delle lucciole riflette il cinema di 1988 nella sua massima espressione. Isao Takahata ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di La tomba delle lucciole è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare La tomba delle lucciole con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Coloro che guardano La tomba delle lucciole per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare La tomba delle lucciole per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che La tomba delle lucciole cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Isao Takahata sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Tsutomu Tatsumi nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionare La tomba delle lucciole tra i primi dieci di questo elenco non richiede argomenti speciali. L’argomentazione è la valutazione 8.4 da parte di una base elettorale abbastanza ampia da essere statisticamente significativa. I film nella top ten di qualsiasi elenco serio occupano quella posizione perché raggiungono costantemente la più ampia gamma di spettatori, e La tomba delle lucciole lo ha fatto in ogni gruppo demografico che lo ha incontrato. Il lavoro di Isao Takahata qui opera al livello in cui la qualità della singola scena si combina in qualcosa che regge al livello dell'intero film, il che è più raro di quanto sembri.
Nuovo Cinema Paradiso
E' la storia dell'amicizia tra Alfredo, proiezionista del cinematografo parrocchiale del paesino di Giancaldo in Sicilia, e Salvatore, diventato poi da grande affermato regista a Roma. Alla notizia della morte di Alfredo, Salvatore ripercorre nella sua memoria i momenti più significativi di questa amicizia e decide di tornare al suo paese per i funerali.Ma tra le altre sorprese scoprirà che la sala del Nuovo Cinema Paradiso sta per essere abbattuta.
Perché guardare: Nuovo Cinema Paradiso si trova all'estremità eccezionale di questo elenco. Una valutazione così alta, costruita sulla base di un’ampia base elettorale, riflette un consenso genuino piuttosto che una campagna pubblicitaria.
Pubblicato nel 1988, Nuovo Cinema Paradiso è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Giuseppe Tornatore ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 8.4 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 8.4 di Nuovo Cinema Paradiso lo colloca tra i film che mantengono le premesse senza debolezze significative. Giuseppe Tornatore ha realizzato qualcosa che funziona come previsto, il che è meno comune di quanto sembri. Il dramma deriva dalla specificità piuttosto che dall’universalità. Il regista fa delle scelte che si applicano proprio a questi personaggi in questa situazione, che paradossalmente crea qualcosa di più universale di quanto farebbero i battiti emotivi generici. 1980s ha prodotto molti film. Quelli che rimangono in elenchi come questo decenni dopo sono quelli che hanno capito qualcosa di vero sulle persone piuttosto che solo sul momento. Nuovo Cinema Paradiso è qui perché ha capito qualcosa di duraturo.
La sceneggiatura di Nuovo Cinema Paradiso dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Giuseppe Tornatore ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Philippe Noiret fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Nuovo Cinema Paradiso quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Nuovo Cinema Paradiso è adatto alle serate in cui si desidera guardare qualcosa che abbia sostanza genuina piuttosto che qualcosa che riempia semplicemente il tempo. Non è un film di sottofondo e non è un'esperienza passiva. Giuseppe Tornatore ha costruito qualcosa che richiede la tua attenzione e la premia in modo specifico anziché generale. Gli spettatori che guardano Nuovo Cinema Paradiso mentre fanno altre cose otterranno una versione del film notevolmente ridotta rispetto alla versione disponibile a qualcuno che gli presta tutta la sua attenzione. La classificazione 8.4 riflette l'esperienza visiva con piena attenzione. Il cast, nello specifico Philippe Noiret, offre dettagli prestazionali che si registrano in una visione concentrata e scompaiono in una visione distratta.
La posizione nei primi dieci di Nuovo Cinema Paradiso in questa lista riflette qualcosa di difficile da costruire: un'eccellenza sostenuta che nuovi spettatori continuano a scoprire e a valutare positivamente. La maggior parte dei film perde slancio dopo il pubblico iniziale. Nuovo Cinema Paradiso no. Gli spettatori che lo incontrano anni o decenni dopo il rilascio gli danno gli stessi voti alti dei primi spettatori. Giuseppe Tornatore ha realizzato qualcosa che funziona indipendentemente dal momento culturale da cui proviene, che è la definizione di qualità duratura. La performance di Philippe Noiret fa parte di questa durabilità: non va letta come una recitazione d'epoca.
L'Impero colpisce ancora
Malgrado la Morte Nera sia stata distrutta, le truppe imperiali si sono impadronite nuovamente di Yavin. I ribelli si sono rifugiati sul pianeta di ghiaccio, ma sono costretti ancora alla fuga. Ian Solo (Han Solo nome originale), la principessa Leia e il droide D3BO (C-3PO), seminano gli inseguitori, mentre Luke, assieme al fido C1P8 (R2-D2) , si reca dal maestro jedi Yoda, sul pianeta Dogabahd, per ritrovare la "Forza". Nel tentativo di liberare Leila e gli amici, incontra poi Darth Vader, che si rivela essere suo padre. Seconda puntata (ma in realtà è la quinta) della saga di "Guerre stellari", con parecchie allusioni al celebre ciclo narrativo dei cavalieri bretoni: abbastanza evidente il parallelo tra Luke alla ricerca della "forza" e Parsifal.
Perché guardare: I numeri dietro L'Impero colpisce ancora sono difficili da raggiungere: migliaia di spettatori indipendenti, lo valutano molto bene senza coordinamento. Questo consenso è il segnale di qualità più affidabile disponibile.
L'Impero colpisce ancora risale a 1980, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che L'Impero colpisce ancora si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Con 8.4, L'Impero colpisce ancora si colloca in un intervallo in cui la qualità è costante ma il film non ha ottenuto l'ampio consenso dei titoli con rating più elevato. Questo consenso più ristretto spesso riflette un fascino specifico: L'Impero colpisce ancora non è per tutti, ma per lo spettatore giusto è eccellente. Il regista riprende l'azione a misura d'uomo piuttosto che per lo spettacolo della telecamera. I personaggi occupano uno spazio coerente e i loro corpi si muovono attraverso quello spazio con uno scopo leggibile. Il risultato è un'azione che accumula impatto anziché generare adrenalina momentanea. Gli 1980s sono stati un momento culturale specifico con preoccupazioni specifiche e approcci estetici specifici. L'Impero colpisce ancora riflette quelle condizioni trascendendole: è un film 1980s che non richiede di comprendere 1980s per apprezzarlo.
Le prestazioni in L'Impero colpisce ancora sono calibrate su un registro specifico che Irvin Kershner ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Mark Hamill ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in L'Impero colpisce ancora that land hardest are the ones where Mark Hamill does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
L'Impero colpisce ancora funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.4 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a L'Impero colpisce ancora come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Irvin Kershner e Mark Hamill fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
L'Impero colpisce ancora appartiene alla top ten perché fa qualcosa che la maggior parte dei film tenta e che pochi riescono a realizzare: è eccellente alla prima visione e rivela livelli aggiuntivi quando si guarda di nuovo. Il pubblico alle prime armi e quello che ritorna stanno vivendo esperienze diverse ed entrambe le esperienze sono forti. Irvin Kershner ha incorporato questa profondità nel film lavorando su più livelli contemporaneamente: la storia superficiale funziona e sotto c'è uno strato di decisioni artigianali che diventano pienamente visibili solo quando sai dove stanno andando le cose. Questa struttura a due livelli è ciò che colloca L'Impero colpisce ancora nella top ten anziché nel livello successivo.
C'era una volta in America
Il quartiere ebraico della New York anni '20 costituisce il campo delle gesta di una piccola banda di ragazzini. Li capeggiano Max e Noodles, la strada è il loro regno per scippi, furterelli, ricatti al poliziotto di zona e così via. Ma i ragazzi crescono, e l'epoca del proibizionismo incalza...
Perché guardare: C'era una volta in America ha mantenuto la sua valutazione abbastanza a lungo da rendere il punteggio stabile. I film così apprezzati da un pubblico diversificato sono eccezionali piuttosto che semplicemente buoni.
La versione 1984 di C'era una volta in America è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato C'era una volta in America l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di C'era una volta in America si autoseleziona per il coinvolgimento. C'era una volta in America a 8.4 rappresenta il livello affidabile di questo elenco. Questi sono i film che non deludono. Sergio Leone ha capito cosa doveva essere il film e lo ha realizzato senza compromessi. Ciò che lo distingue come dramma è il rifiuto del regista di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il film crea situazioni con un peso emotivo e quindi confida che gli spettatori portino da soli quel peso. Le performance forniscono il registro emotivo senza eccessivi segnali. Classificare i film del 1980s uno contro l'altro è in parte un esercizio per identificare ciò che è sopravvissuto. C'era una volta in America è sopravvissuto perché Sergio Leone ha fatto scelte basate sull'artigianato piuttosto che sulla tendenza. La valutazione 8.4 riflette il pubblico che trova ancora valide quelle scelte.
La struttura di C'era una volta in America è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Sergio Leone effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. C'era una volta in America taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano C'era una volta in America disorientante in modo produttivo.
Gli spettatori che guardano C'era una volta in America per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Sergio Leone gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in C'era una volta in America non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Robert De Niro lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 1984 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Sergio Leone.
Una posizione tra le prime dieci in una classifica costruita in base alle valutazioni del database dei film rappresenta un autentico consenso critico. Non è un concorso di popolarità: la soglia degli elettori filtra per i film che sono stati visti e valutati da un numero sufficiente di persone da mediare le opinioni individuali anomale. C'era una volta in America in questa posizione significa che spettatori diversi, in paesi diversi e con abitudini di visione diverse, hanno concluso in modo indipendente che questo film era eccellente. Sergio Leone ha ottenuto qualcosa con C'era una volta in America resistente alle variazioni culturali. Lo specifico approccio narrativo utilizzato qui si traduce in contesti diversi.
Ritorno al futuro
Marty McFly è stato catapultato per errore nel 1955, grazie alla macchina del tempo ideata dal suo amico scienziato Doc. Non avendo più "carburante" per poter tornare nel futuro si rivolge alla versione più giovane di Doc, che nonostante l'incredulità iniziale si farà in quattro per aiutarlo. Ma nel 1955 non è solo Doc ad essere più giovane, Marty infatti si imbatte casualmente nei suoi genitori, all'epoca teenager, ma l'incontro aggiungerà altri problemi.
Perché guardare: Uno dei film con il punteggio più alto in questa selezione. Ritorno al futuro si è guadagnato la sua reputazione grazie al continuo apprezzamento della critica da parte di più generazioni di spettatori.
Ritorno al futuro (1985) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Ritorno al futuro ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 8.3 da parte di un ampio pool di elettori significa che il film ha punti di forza autentici che superano qualsiasi debolezza riscontrata dagli spettatori. Ritorno al futuro mantiene la sua promessa principale, ovvero lo standard minimo che ogni film dovrebbe soddisfare e meno di quanto suggerisce il numero di uscite. Ciò che fa sì che il film funzioni come una commedia è il rifiuto del regista di segnalare dove sia l'umorismo. Le battute provengono dal personaggio e dalla situazione, il che significa che gli spettatori che prestano attenzione trovano di più degli spettatori che aspettano che gli venga detto che dovrebbero ridere. Ritorno al futuro guadagna il suo posto in qualsiasi resoconto del cinema 1980s perché cattura qualcosa che il decennio ha prodotto e che i decenni successivi hanno perso. Le condizioni culturali e tecnologiche del cinema di 1980s hanno plasmato ciò che Robert Zemeckis ha potuto realizzare qui.
L'ambiente sonoro di Ritorno al futuro è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Robert Zemeckis comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Ritorno al futuro utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Michael J. Fox lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Gli spettatori che hanno visto i film influenzati da Ritorno al futuro troveranno l'originale un'esperienza diversa rispetto a un film contemporaneo. Le tecniche che sembrano familiari perché sono state ampiamente copiate sono visibili qui nella loro forma originale, il che spesso rivela che le copie comprendevano la superficie di ciò che Robert Zemeckis faceva senza capirne il ragionamento dietro. Ritorno al futuro utilizza le sue scelte stilistiche al servizio di obiettivi narrativi specifici. I film successivi che presero in prestito quelle scelte spesso le usarono come stile senza la funzione. Guardare l'originale chiarisce cosa si stava effettivamente realizzando. Il lavoro di Michael J. Fox qui ha anche una specificità che manca a molte performance ad esso ispirate: le imitazioni catturano la maniera senza l'interiorità che fa sì che la maniera significhi qualcosa.
La posizione nella top ten di Ritorno al futuro è molto significativa se si considera contro cosa ha gareggiato. Ogni film nel catalogo per questa modalità ed epoca è stato valutato e Ritorno al futuro si è classificato qui perché la combinazione della qualità della valutazione e del volume degli elettori lo ha posizionato sopra ogni altra cosa nella selezione. Robert Zemeckis ha fatto delle scelte in Ritorno al futuro che lo distinguono dalle alternative della stessa categoria: alternative che sono anche buoni film. Il divario tra i primi dieci e i primi venti è minore in termini di valutazione assoluta di quanto sembri, ma significativo in termini di ciò che effettivamente offre l’esperienza dello spettatore.
L'attimo fuggente
Stato del Vermont (Stati Uniti), 1959: nel college maschile Welton, molto tradizionale, viene trasferito il professore John Keating, un insegnante di lettere simpatico e anticonformista. Fin dal primo contatto con i giovani allievi, traspare non solo il suo diverso modo d'insegnamento ma anche il suo approccio che esorta i ragazzi ad affrontare lo studio e la vita seguendo le proprie idee e non quelle dei nonni. Uno degli studenti, entrato in conflitto con i suoi genitori, si suiciderà. La responsabilità viene fatta ricadere sul professore. Lui sarà cacciato, ma i suoi allievi non lo dimenticheranno.
Perché guardare: L'attimo fuggente si trova all'estremità eccezionale di questo elenco. Una valutazione così alta, costruita sulla base di un’ampia base elettorale, riflette un consenso genuino piuttosto che una campagna pubblicitaria.
Pubblicato nel 1989, L'attimo fuggente è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Peter Weir ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 8.3 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 8.3 per L'attimo fuggente è calcolato in base agli spettatori che avevano alternative e hanno scelto di dargli un punteggio elevato. Questa scelta riflette un film che ha espresso chiaramente le sue ragioni, che è esattamente ciò che fa L'attimo fuggente. Peter Weir ha presentato la sua argomentazione e il pubblico l'ha accettata. Il dramma deriva dalla specificità piuttosto che dall’universalità. Il regista fa delle scelte che si applicano proprio a questi personaggi in questa situazione, che paradossalmente crea qualcosa di più universale di quanto farebbero i battiti emotivi generici. Ogni decennio produce film che al momento sembrano essenziali e poi svaniscono. L'attimo fuggente appartiene alla categoria più piccola: i film 1980s sono ancora apprezzati dagli spettatori che non hanno nostalgia dell'epoca. Quella qualità intergenerazionale è il vero test.
Il linguaggio visivo di L'attimo fuggente riflette il cinema di 1989 nella sua massima espressione. Peter Weir ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di L'attimo fuggente è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare L'attimo fuggente con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
L'attimo fuggente funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.3 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a L'attimo fuggente come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Peter Weir e Robin Williams fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
L'attimo fuggente guadagna il suo posto nella top ten non grazie alla reputazione culturale ma grazie a ciò che accade quando gli spettatori si siedono e lo guardano. La valutazione 8.3 cattura quell'esperienza attraverso un ampio campione di visualizzazioni indipendenti. I film che raggiungono lo status di top ten in elenchi come questo sono stati testati da spettatori che avevano pieno accesso alle alternative e hanno scelto di valutare questo come il migliore della loro esperienza. Peter Weir e Robin Williams hanno realizzato qualcosa che soddisfa costantemente tale aspettativa, motivo per cui la valutazione mantiene nonostante i continui nuovi spettatori che apportano nuovi standard.
Va' e vedi
Protagonista della dolorosa vicenda è un ragazzo di sedici anni, originario della Bielorussia, che vive la seconda guerra mondiale con lo strazio di un'adolescenza sprecata e la ferma convinzione che chi uccide deve pagare, perché nessuno ha il diritto di togliere la vita a un altro essere umano.
Perché guardare: I numeri dietro Va' e vedi sono difficili da raggiungere: migliaia di spettatori indipendenti, lo valutano molto bene senza coordinamento. Questo consenso è il segnale di qualità più affidabile disponibile.
Va' e vedi risale a 1985, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che Va' e vedi si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Va' e vedi at 8.2 è un film in cui l'imbarcazione è costantemente al di sopra della media in più dimensioni. Nessun singolo elemento trasporta gli altri. La regia, la scrittura e la performance vanno tutte nella stessa direzione. Il film dimostra cosa può fare il dramma che altri generi non possono fare: mettere sotto pressione il comportamento umano ordinario e rivelare il carattere attraverso la risposta. Il regista crea queste condizioni e il cast le vive con genuina convinzione. Il contesto 1980s per Va' e vedi non è casuale. Le condizioni estetiche specifiche del decennio - cosa la tecnologia ha permesso, cosa la cultura ha richiesto - hanno plasmato le scelte che Elem Klimov ha fatto qui. Quelle scelte reggono indipendentemente dal loro momento.
La sceneggiatura di Va' e vedi dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Elem Klimov ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Aleksei Kravchenko fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Va' e vedi quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Coloro che guardano Va' e vedi per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Va' e vedi per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Va' e vedi cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Elem Klimov sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Aleksei Kravchenko nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionare Va' e vedi tra i primi dieci di questo elenco non richiede argomenti speciali. L’argomentazione è la valutazione 8.2 da parte di una base elettorale abbastanza ampia da essere statisticamente significativa. I film nella top ten di qualsiasi elenco serio occupano quella posizione perché raggiungono costantemente la più ampia gamma di spettatori, e Va' e vedi lo ha fatto in ogni gruppo demografico che lo ha incontrato. Il lavoro di Elem Klimov qui opera al livello in cui la qualità della singola scena si combina in qualcosa che regge al livello dell'intero film, il che è più raro di quanto sembri.
Shining
L'aspirante scrittore Jack Torrance si trasferisce tra i monti per trovare il giusto isolamento che gli permetterà di completare il suo romanzo. L'uomo accetta quindi l'incarico di custode invernale di un enorme albergo tra le montagne, dove lo seguono la moglie e il figlioletto Danny, il quale possiede poteri paranormali che gli permettono di vedere nel passato e nel futuro.
Perché guardare: Shining ha mantenuto la sua valutazione abbastanza a lungo da rendere il punteggio stabile. I film così apprezzati da un pubblico diversificato sono eccezionali piuttosto che semplicemente buoni.
La versione 1980 di Shining è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Shining l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Shining si autoseleziona per il coinvolgimento. I film della gamma 8.2 sono spesso più interessanti di quanto suggerisca la loro posizione in un elenco. Non hanno raggiunto la saturazione culturale dei titoli con rating più alto, il che significa che Shining è più facile da avvicinare senza preconcetti. Shining ne trae vantaggio. L'abilità è più visibile in ciò che il regista nasconde. Le informazioni vengono rilasciate strategicamente, ogni rivelazione ricontestualizza ciò che è accaduto prima. Le performance sono calibrate per una divulgazione controllata. I film del 1980s che ancora oggi valgono 8.2 sono sopravvissuti a un test più lungo di qualsiasi altra uscita contemporanea. Shining ha superato quel test perché il suo nucleo - narrazione, performance, artigianato - funziona senza richiedere la sua epoca.
Le prestazioni in Shining sono calibrate su un registro specifico che Stanley Kubrick ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Jack Nicholson ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Shining that land hardest are the ones where Jack Nicholson does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Shining è meglio guardarlo in condizioni che consentono all'atmosfera di funzionare: scarsa illuminazione, interruzioni minime e, idealmente, senza previa conoscenza dei momenti specifici che sono diventati culturalmente noti. L'horror perde la sua efficacia quando il pubblico sa esattamente cosa sta per accadere, e Shining è stato discusso abbastanza da far sì che alcune delle sue sequenze chiave siano familiari anche a chi non ha visto il film. Se puoi affrontarlo con una conoscenza preliminare limitata, fallo. L'atmosfera che Stanley Kubrick ha incorporato in Shining dipende dal fatto che il pubblico si trovi in uno stato di genuina incertezza. La valutazione 8.2 riflette gli spettatori che si trovavano in quello stato quando lo hanno guardato.
La posizione nei primi dieci di Shining in questa lista riflette qualcosa di difficile da costruire: un'eccellenza sostenuta che nuovi spettatori continuano a scoprire e a valutare positivamente. La maggior parte dei film perde slancio dopo il pubblico iniziale. Shining no. Gli spettatori che lo incontrano anni o decenni dopo il rilascio gli danno gli stessi voti alti dei primi spettatori. Stanley Kubrick ha realizzato qualcosa che funziona indipendentemente dal momento culturale da cui proviene, che è la definizione di qualità duratura. La performance di Jack Nicholson fa parte di questa durabilità: non va letta come una recitazione d'epoca.
Scarface
Ambientato nella Miami degli anni 80, l'intreccio si dipana tra il mondo degli immigrati cubani e quello dei signori della droga della east-coast. Tony Montana, lo sfregiato, è uno tra i tanti "rifugiati politici" in territorio statunitense, sbarcati sulle coste della Florida in seguito all'apertura delle carceri cubane. Per i profughi la via più veloce per abbandonare la degenza economica è darsi al crimine, e Tony, non certo uno stinco di santo, non ci penserà due volte. Comincerà così per il gangster una rapida ascesa, che arriverà a vertiginose quanto pericolose altezze.
Perché guardare: Uno dei film con il punteggio più alto in questa selezione. Scarface si è guadagnato la sua reputazione grazie al continuo apprezzamento della critica da parte di più generazioni di spettatori.
Scarface (1983) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Scarface ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 8.2 riflette la regia, la scrittura e la performance che operano a livelli costanti simultaneamente. I film che ottengono punteggi in questo intervallo raramente falliscono in modo significativo in ogni singola dimensione e Scarface non fa eccezione. Il regista lavora con una pazienza che la maggior parte del dramma contemporaneo non può permettersi. Le scene possono andare oltre il loro ovvio punto finale, trovando la verità in ciò che fanno i personaggi dopo che hanno detto quello che erano venuti a dire. Il cast capisce questo ritmo. Nel contesto del cinema 1980s in generale, Scarface rappresenta ciò che il decennio ha contribuito rispetto ai decenni precedenti e successivi. Le condizioni specifiche del cinema di 1980s – budget, tecnologia, contesto culturale – hanno prodotto qui qualcosa che poteva provenire solo da quel momento.
La struttura di Scarface è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Brian De Palma effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Scarface taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Scarface disorientante in modo produttivo.
Scarface funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.2 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Scarface come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Brian De Palma e Al Pacino fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
Scarface appartiene alla top ten perché fa qualcosa che la maggior parte dei film tenta e che pochi riescono a realizzare: è eccellente alla prima visione e rivela livelli aggiuntivi quando si guarda di nuovo. Il pubblico alle prime armi e quello che ritorna stanno vivendo esperienze diverse ed entrambe le esperienze sono forti. Brian De Palma ha incorporato questa profondità nel film lavorando su più livelli contemporaneamente: la storia superficiale funziona e sotto c'è uno strato di decisioni artigianali che diventano pienamente visibili solo quando sai dove stanno andando le cose. Questa struttura a due livelli è ciò che colloca Scarface nella top ten anziché nel livello successivo.
Full Metal Jacket
In un campo di addestramento dei Marines nel South Carolina diciassette giovani civili vengono trasformati in macchine da guerra e di morte. Partito per il Vietnam, uno dei diciassette lavora per un giornale militare e si trova coinvolto nell'offensiva del Tet.
Perché guardare: Full Metal Jacket si trova all'estremità eccezionale di questo elenco. Una valutazione così alta, costruita sulla base di un’ampia base elettorale, riflette un consenso genuino piuttosto che una campagna pubblicitaria.
Pubblicato nel 1987, Full Metal Jacket è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Stanley Kubrick ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 8.1 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 8.1 di Full Metal Jacket lo colloca tra i film che mantengono le premesse senza debolezze significative. Stanley Kubrick ha realizzato qualcosa che funziona come previsto, il che è meno comune di quanto sembri. Il dramma deriva dalla specificità piuttosto che dall’universalità. Il regista fa delle scelte che si applicano proprio a questi personaggi in questa situazione, che paradossalmente crea qualcosa di più universale di quanto farebbero i battiti emotivi generici. 1980s ha prodotto molti film. Quelli che rimangono in elenchi come questo decenni dopo sono quelli che hanno capito qualcosa di vero sulle persone piuttosto che solo sul momento. Full Metal Jacket è qui perché ha capito qualcosa di duraturo.
L'ambiente sonoro di Full Metal Jacket è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Stanley Kubrick comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Full Metal Jacket utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Matthew Modine lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Gli spettatori che guardano Full Metal Jacket per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Stanley Kubrick gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Full Metal Jacket non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Matthew Modine lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 1987 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Stanley Kubrick.
Una posizione tra le prime dieci in una classifica costruita in base alle valutazioni del database dei film rappresenta un autentico consenso critico. Non è un concorso di popolarità: la soglia degli elettori filtra per i film che sono stati visti e valutati da un numero sufficiente di persone da mediare le opinioni individuali anomale. Full Metal Jacket in questa posizione significa che spettatori diversi, in paesi diversi e con abitudini di visione diverse, hanno concluso in modo indipendente che questo film era eccellente. Stanley Kubrick ha ottenuto qualcosa con Full Metal Jacket resistente alle variazioni culturali. Lo specifico approccio narrativo utilizzato qui si traduce in contesti diversi.
Il cinema riguarda le storie che contano. I film in questa sezione dimostrano questo principio.
Paris, Texas
Travis crolla stremato nel deserto della Califoria. Suo fratello lo porta a casa propria e qui l'uomo ritrova suo figlio di otto anni. Poco a poco Travis esce dal silenzio e stabilisce un buon rapporto col bambino. Saputo che sua moglie vive a Houston, vi si reca col figlio. Ritrova Jane che lavora in un "peep show", rievoca con lei il loro passato e le lascia il bambino. Poi riparte verso l'ignoto.
Perché guardare: I numeri dietro Paris, Texas sono difficili da raggiungere: migliaia di spettatori indipendenti, lo valutano molto bene senza coordinamento. Questo consenso è il segnale di qualità più affidabile disponibile.
Paris, Texas risale a 1984, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che Paris, Texas si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Con 8.1, Paris, Texas si colloca in un intervallo in cui la qualità è costante ma il film non ha ottenuto l'ampio consenso dei titoli con rating più elevato. Questo consenso più ristretto spesso riflette un fascino specifico: Paris, Texas non è per tutti, ma per lo spettatore giusto è eccellente. Il film dimostra cosa può fare il dramma che altri generi non possono fare: mettere sotto pressione il comportamento umano ordinario e rivelare il carattere attraverso la risposta. Il regista crea queste condizioni e il cast le vive con genuina convinzione. Gli 1980s sono stati un momento culturale specifico con preoccupazioni specifiche e approcci estetici specifici. Paris, Texas riflette quelle condizioni trascendendole: è un film 1980s che non richiede di comprendere 1980s per apprezzarlo.
Il linguaggio visivo di Paris, Texas riflette il cinema di 1984 nella sua massima espressione. Wim Wenders ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di Paris, Texas è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare Paris, Texas con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Gli spettatori che hanno visto i film influenzati da Paris, Texas troveranno l'originale un'esperienza diversa rispetto a un film contemporaneo. Le tecniche che sembrano familiari perché sono state ampiamente copiate sono visibili qui nella loro forma originale, il che spesso rivela che le copie comprendevano la superficie di ciò che Wim Wenders faceva senza capirne il ragionamento dietro. Paris, Texas utilizza le sue scelte stilistiche al servizio di obiettivi narrativi specifici. I film successivi che presero in prestito quelle scelte spesso le usarono come stile senza la funzione. Guardare l'originale chiarisce cosa si stava effettivamente realizzando. Il lavoro di Harry Dean Stanton qui ha anche una specificità che manca a molte performance ad esso ispirate: le imitazioni catturano la maniera senza l'interiorità che fa sì che la maniera significhi qualcosa.
Paris, Texas in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di Harry Dean Stanton e l'imbarcazione di Wim Wenders possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
U-Boot 96
Nell'autunno 1941 dal porto di La Rochelle esce in missione un sottomarino tedesco, per attaccare e affondare i convogli provenienti dagli Stati Uniti con aiuti destinati agli Inglesi. Dopo aver subito due attacchi, riesce a rientrare a La Rochelle, ma un attacco aereo ne provoca l'affondamento definitivo e la morte di quasi tutto l'equipaggio.
Perché guardare: U-Boot 96 ha mantenuto la sua valutazione abbastanza a lungo da rendere il punteggio stabile. I film così apprezzati da un pubblico diversificato sono eccezionali piuttosto che semplicemente buoni.
La versione 1981 di U-Boot 96 è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato U-Boot 96 l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di U-Boot 96 si autoseleziona per il coinvolgimento. U-Boot 96 a 8.1 rappresenta il livello affidabile di questo elenco. Questi sono i film che non deludono. Wolfgang Petersen ha capito cosa doveva essere il film e lo ha realizzato senza compromessi. Ciò che lo distingue come dramma è il rifiuto del regista di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il film crea situazioni con un peso emotivo e quindi confida che gli spettatori portino da soli quel peso. Le performance forniscono il registro emotivo senza eccessivi segnali. Classificare i film del 1980s uno contro l'altro è in parte un esercizio per identificare ciò che è sopravvissuto. U-Boot 96 è sopravvissuto perché Wolfgang Petersen ha fatto scelte basate sull'artigianato piuttosto che sulla tendenza. La valutazione 8.1 riflette il pubblico che trova ancora valide quelle scelte.
La sceneggiatura di U-Boot 96 dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Wolfgang Petersen ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Jürgen Prochnow fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in U-Boot 96 quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
U-Boot 96 funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.1 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a U-Boot 96 come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Wolfgang Petersen e Jürgen Prochnow fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 8.1 che colloca U-Boot 96 in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a U-Boot 96 riflette un genuino apprezzamento per ciò che Wolfgang Petersen ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. U-Boot 96 è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
La cosa
Gli scienziati di una base di ricerche in Alaska raccolgono un cane lupo che i loro colleghi norvegesi hanno tentato di abbattere. Lo mettono nel canile mentre due di essi si recano nella base norvegese che trovano abbandonata e piena di cadaveri. Trovano anche i resti di quello che sembra un disco volante. In breve il cane viene posseduto da una strana forza e si trasforma in belva. Il panico si diffonde nella base.
Perché guardare: Uno dei film con il punteggio più alto in questa selezione. La cosa si è guadagnato la sua reputazione grazie al continuo apprezzamento della critica da parte di più generazioni di spettatori.
La cosa (1982) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e La cosa ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 8.1 da parte di un ampio pool di elettori significa che il film ha punti di forza autentici che superano qualsiasi debolezza riscontrata dagli spettatori. La cosa mantiene la sua promessa principale, ovvero lo standard minimo che ogni film dovrebbe soddisfare e meno di quanto suggerisce il numero di uscite. Il regista capisce che l'horror funziona quando qualcosa sembra sbagliato sotto la superficie prima che si manifesti come pericolo esplicito. Il film crea quell'errore attraverso il tono e l'atmosfera prima del primo spavento. La cosa guadagna il suo posto in qualsiasi resoconto del cinema 1980s perché cattura qualcosa che il decennio ha prodotto e che i decenni successivi hanno perso. Le condizioni culturali e tecnologiche del cinema di 1980s hanno plasmato ciò che John Carpenter ha potuto realizzare qui.
Le prestazioni in La cosa sono calibrate su un registro specifico che John Carpenter ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Kurt Russell ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in La cosa that land hardest are the ones where Kurt Russell does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Coloro che guardano La cosa per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare La cosa per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che La cosa cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di John Carpenter sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Kurt Russell nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, La cosa occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: La cosa arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di John Carpenter qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano La cosa qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Il mio vicino Totoro
Le sorelline Satsuki e Mei si trasferiscono insieme al padre in una nuova casa in campagna. Per le due bambine inizia un viaggio alla scoperta di un nuovo mondo, abitato da creature fantastiche: dai nerini del buio, spiritelli della fuliggine, a buffi esseri di pelo di varie dimensioni, tra cui Totoro, lo spirito buono della foresta! Insieme a lui, Satsuki e la piccola Mei vivranno una magica e straordinaria avventura all’insegna dell’amicizia!
Perché guardare: Il mio vicino Totoro si trova all'estremità eccezionale di questo elenco. Una valutazione così alta, costruita sulla base di un’ampia base elettorale, riflette un consenso genuino piuttosto che una campagna pubblicitaria.
Pubblicato nel 1988, Il mio vicino Totoro è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Hayao Miyazaki ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 8.1 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 8.1 per Il mio vicino Totoro è calcolato in base agli spettatori che avevano alternative e hanno scelto di dargli un punteggio elevato. Questa scelta riflette un film che ha espresso chiaramente le sue ragioni, che è esattamente ciò che fa Il mio vicino Totoro. Hayao Miyazaki ha presentato la sua argomentazione e il pubblico l'ha accettata. Ciò che distingue il film come animazione è la comprensione da parte del regista che la forma può trasmettere l'interiorità attraverso il design. Il movimento, il colore e la composizione comunicano ciò che prova il personaggio prima o al posto del dialogo. Ogni decennio produce film che al momento sembrano essenziali e poi svaniscono. Il mio vicino Totoro appartiene alla categoria più piccola: i film 1980s sono ancora apprezzati dagli spettatori che non hanno nostalgia dell'epoca. Quella qualità intergenerazionale è il vero test.
La struttura di Il mio vicino Totoro è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Hayao Miyazaki effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Il mio vicino Totoro taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Il mio vicino Totoro disorientante in modo produttivo.
Il mio vicino Totoro funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.1 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Il mio vicino Totoro come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Hayao Miyazaki e Noriko Hidaka fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
Il mio vicino Totoro si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. Hayao Miyazaki ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 8.1 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di Hayao Miyazaki a questo materiale in genere trovano Il mio vicino Totoro tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
The Elephant Man
Londra, seconda metà dell'Ottocento. A causa di una malattia molto rara, la neurofibromatosi, che gli ha dato sembianze mostruose, il giovane John Merrick viene esposto come "uomo elefante" nel baraccone di Bytes, un alcolizzato che campa sfruttando la sua mostruosità e lo tratta come una bestia. E' qui che Merrick viene scoperto dal dottor Frederick Treves, un chirurgo del London Hospital che convince Bytes a cederglielo per qualche tempo in modo da poterlo studiare e curare. Portato in ospedale e presentato a un congresso di scienziati, John si rivela ben presto agli occhi di Treves come un uomo di intelligenza superiore e di animo raffinato e sensibile.
Perché guardare: I numeri dietro The Elephant Man sono difficili da raggiungere: migliaia di spettatori indipendenti, lo valutano molto bene senza coordinamento. Questo consenso è il segnale di qualità più affidabile disponibile.
The Elephant Man risale a 1980, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che The Elephant Man si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. The Elephant Man at 8.0 è un film in cui l'imbarcazione è costantemente al di sopra della media in più dimensioni. Nessun singolo elemento trasporta gli altri. La regia, la scrittura e la performance vanno tutte nella stessa direzione. Il film dimostra cosa può fare il dramma che altri generi non possono fare: mettere sotto pressione il comportamento umano ordinario e rivelare il carattere attraverso la risposta. Il regista crea queste condizioni e il cast le vive con genuina convinzione. Il contesto 1980s per The Elephant Man non è casuale. Le condizioni estetiche specifiche del decennio - cosa la tecnologia ha permesso, cosa la cultura ha richiesto - hanno plasmato le scelte che David Lynch ha fatto qui. Quelle scelte reggono indipendentemente dal loro momento.
L'ambiente sonoro di The Elephant Man è costruito deliberatamente quanto quello visivo. David Lynch comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di The Elephant Man utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Anthony Hopkins lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
The Elephant Man funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.0 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a The Elephant Man come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. David Lynch e Anthony Hopkins fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La posizione di The Elephant Man in questa sezione della lista riflette un film che offre in modo affidabile le sue qualità specifiche senza aspirare a essere tutto per tutti. David Lynch ha capito di cosa si trattava il film e lo ha realizzato ad alto livello artigianale. La valutazione 8.0 rappresenta gli spettatori che hanno apprezzato il film in questi termini e hanno ritenuto che valesse la pena valutarlo molto bene. Gli spettatori che hanno aspettative diverse a volte trovano il film meno soddisfacente di quanto suggerisca la valutazione, il che non è un punto debole del film ma delle aspettative. The Elephant Man è esattamente quello che è, realizzato con abilità, e gli elettori che lo hanno valutato hanno risposto così.
Amadeus
Nel 1823 al manicomio di Vienna Antonio Salieri, acclamato musicista di Corte, confessa un tremendo segreto: ha consumato la vita nel tentativo di distruggere Mozart, volgare e libertino, indegno, secondo lui, dei doni divini. Sotto il segno del più scatenato gusto del gioco, è una riflessione sul contrasto tra genio e mediocrità e sull'invidia. Scritto dall'inglese Peter Shaffer, da una sua pièce (1979). Omaggio a Praga. Splendide immagini, due grandi interpreti. 8 Oscar: film, regia, sceneggiatura, attore, costumi, suono, trucco, scenografia. Non tenendo conto che, in fondo, è un Mozart visto da Salieri i molti mozartiani di stretta osservanza hanno eccepito sulla fedeltà storica, specialmente sulle libertà prese per la genesi del Requiem, ma avrebbero da lamentarsi di più i pochi ammiratori di Salieri. Al Festival di Berlino 2002 fu presentata una edizione restaurata (Director's Cut) e allungata di oltre 20´.
Perché guardare: Amadeus ha mantenuto la sua valutazione abbastanza a lungo da rendere il punteggio stabile. I film così apprezzati da un pubblico diversificato sono eccezionali piuttosto che semplicemente buoni.
La versione 1984 di Amadeus è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Amadeus l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Amadeus si autoseleziona per il coinvolgimento. I film della gamma 8.0 sono spesso più interessanti di quanto suggerisca la loro posizione in un elenco. Non hanno raggiunto la saturazione culturale dei titoli con rating più alto, il che significa che Amadeus è più facile da avvicinare senza preconcetti. Amadeus ne trae vantaggio. Ciò che lo distingue come dramma è il rifiuto del regista di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il film crea situazioni con un peso emotivo e quindi confida che gli spettatori portino da soli quel peso. Le performance forniscono il registro emotivo senza eccessivi segnali. I film del 1980s che ancora oggi valgono 8.0 sono sopravvissuti a un test più lungo di qualsiasi altra uscita contemporanea. Amadeus ha superato quel test perché il suo nucleo - narrazione, performance, artigianato - funziona senza richiedere la sua epoca.
Il linguaggio visivo di Amadeus riflette il cinema di 1984 nella sua massima espressione. Miloš Forman ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di Amadeus è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare Amadeus con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Gli spettatori che guardano Amadeus per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Miloš Forman gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Amadeus non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. F. Murray Abraham lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 1984 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Miloš Forman.
I film posizionati tra gli undici e i venticinque in elenchi come questo sono spesso le scoperte più utili perché portano la qualità dei primi dieci senza il peso culturale. Amadeus è in questa posizione non perché sia significativamente peggiore delle voci precedenti, ma perché il suo fascino è più concentrato. Gli spettatori che si collegano a ciò che Miloš Forman sta facendo in Amadeus lo valutano tanto quanto qualsiasi altro film in questo elenco. La media su una base elettorale più ampia lo colloca qui. Gli spettatori che hanno ragioni specifiche per pensare che questo film sia per loro - in base alla preferenza del genere, all'interesse del regista o all'epoca - dovrebbero dargli la priorità rispetto a diverse voci che si collocano al di sopra di esso.
Ran
Dopo aver spartito l'impero fra i suoi tre figli, il vecchio feudatario Hidetora Ichimonji assiste allo scatenarsi di una guerra fratricida che porterà a conseguenze imprevedibili per tutta la prestigiosa casata.
Perché guardare: Uno dei film con il punteggio più alto in questa selezione. Ran si è guadagnato la sua reputazione grazie al continuo apprezzamento della critica da parte di più generazioni di spettatori.
Ran (1985) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Ran ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 8.0 riflette la regia, la scrittura e la performance che operano a livelli costanti simultaneamente. I film che ottengono punteggi in questo intervallo raramente falliscono in modo significativo in ogni singola dimensione e Ran non fa eccezione. Il regista lavora con una pazienza che la maggior parte del dramma contemporaneo non può permettersi. Le scene possono andare oltre il loro ovvio punto finale, trovando la verità in ciò che fanno i personaggi dopo che hanno detto quello che erano venuti a dire. Il cast capisce questo ritmo. Nel contesto del cinema 1980s in generale, Ran rappresenta ciò che il decennio ha contribuito rispetto ai decenni precedenti e successivi. Le condizioni specifiche del cinema di 1980s – budget, tecnologia, contesto culturale – hanno prodotto qui qualcosa che poteva provenire solo da quel momento.
La sceneggiatura di Ran dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Akira Kurosawa ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Tatsuya Nakadai fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Ran quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Gli spettatori che hanno visto i film influenzati da Ran troveranno l'originale un'esperienza diversa rispetto a un film contemporaneo. Le tecniche che sembrano familiari perché sono state ampiamente copiate sono visibili qui nella loro forma originale, il che spesso rivela che le copie comprendevano la superficie di ciò che Akira Kurosawa faceva senza capirne il ragionamento dietro. Ran utilizza le sue scelte stilistiche al servizio di obiettivi narrativi specifici. I film successivi che presero in prestito quelle scelte spesso le usarono come stile senza la funzione. Guardare l'originale chiarisce cosa si stava effettivamente realizzando. Il lavoro di Tatsuya Nakadai qui ha anche una specificità che manca a molte performance ad esso ispirate: le imitazioni catturano la maniera senza l'interiorità che fa sì che la maniera significhi qualcosa.
Ran in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di Tatsuya Nakadai e l'imbarcazione di Akira Kurosawa possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
Il castello nel cielo
Per sfuggire ai pirati dell'aria la giovane Sheeta cade da un aereo, ma si salva levitando nell'aria e atterrando dolcemente tra le braccia di Pazu, un giovane minatore che decide di prendersi cura di lei. Mentre si susseguono i tentativi di catturare Sheeta e la misteriosa pietra che la ragazza porta al collo, cresce la consapevolezza che Sheeta nasconda dei segreti che vanno ben oltre quel che l'apparenza sembri indicare, legati a una misteriosa città nel cielo, Laputa, di cui si favoleggia l'esistenza.
Perché guardare: Il castello nel cielo si trova all'estremità eccezionale di questo elenco. Una valutazione così alta, costruita sulla base di un’ampia base elettorale, riflette un consenso genuino piuttosto che una campagna pubblicitaria.
Pubblicato nel 1986, Il castello nel cielo è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Hayao Miyazaki ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 8.0 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 8.0 di Il castello nel cielo lo colloca tra i film che mantengono le premesse senza debolezze significative. Hayao Miyazaki ha realizzato qualcosa che funziona come previsto, il che è meno comune di quanto sembri. Ciò che distingue il film come animazione è la comprensione da parte del regista che la forma può trasmettere l'interiorità attraverso il design. Il movimento, il colore e la composizione comunicano ciò che prova il personaggio prima o al posto del dialogo. 1980s ha prodotto molti film. Quelli che rimangono in elenchi come questo decenni dopo sono quelli che hanno capito qualcosa di vero sulle persone piuttosto che solo sul momento. Il castello nel cielo è qui perché ha capito qualcosa di duraturo.
Le prestazioni in Il castello nel cielo sono calibrate su un registro specifico che Hayao Miyazaki ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Keiko Yokozawa ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Il castello nel cielo that land hardest are the ones where Keiko Yokozawa does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Il castello nel cielo funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.0 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Il castello nel cielo come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Hayao Miyazaki e Keiko Yokozawa fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 8.0 che colloca Il castello nel cielo in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a Il castello nel cielo riflette un genuino apprezzamento per ciò che Hayao Miyazaki ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. Il castello nel cielo è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
Aliens - Scontro finale
Il capitano Ellen Ripley, ibernata per sessant'anni in un sofisticato contenitore del traghetto spaziale Nostromo, è l'unica sopravvissuta alla terribile disavventura che ne ha distrutto l'equipaggio e che ora sconvolge le sue notti con incubi ricorrenti sulle mostruose forme di vita incontrate sul pianeta Archeron, dove ora è insediata una colonia di pionieri dello spazio. Quando le viene affidata la missione di scoprire il motivo dell'interruzione di contatto col remoto pianeta, Ellen si trova ad affrontare le spaventose proliferazioni del mostro da cui era avventurosamente sfuggita che si riproducono con ritmo frenetico, sempre più avidamente affamati di essere umani.
Perché guardare: I numeri dietro Aliens - Scontro finale sono difficili da raggiungere: migliaia di spettatori indipendenti, lo valutano molto bene senza coordinamento. Questo consenso è il segnale di qualità più affidabile disponibile.
Aliens - Scontro finale risale a 1986, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che Aliens - Scontro finale si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Con 8.0, Aliens - Scontro finale si colloca in un intervallo in cui la qualità è costante ma il film non ha ottenuto l'ampio consenso dei titoli con rating più elevato. Questo consenso più ristretto spesso riflette un fascino specifico: Aliens - Scontro finale non è per tutti, ma per lo spettatore giusto è eccellente. Questo appartiene alla categoria dei thriller in cui la tensione è psicologica piuttosto che fisica. Il regista confida che il pubblico senta la pressione senza che venga mostrato un pericolo esplicito. Il risultato è più inquietante rispetto alla meccanica del thriller convenzionale. Gli 1980s sono stati un momento culturale specifico con preoccupazioni specifiche e approcci estetici specifici. Aliens - Scontro finale riflette quelle condizioni trascendendole: è un film 1980s che non richiede di comprendere 1980s per apprezzarlo.
La struttura di Aliens - Scontro finale è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. James Cameron effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Aliens - Scontro finale taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Aliens - Scontro finale disorientante in modo produttivo.
Coloro che guardano Aliens - Scontro finale per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Aliens - Scontro finale per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Aliens - Scontro finale cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di James Cameron sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Sigourney Weaver nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, Aliens - Scontro finale occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: Aliens - Scontro finale arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di James Cameron qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano Aliens - Scontro finale qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Nausicaä della Valle del vento
È trascorso un millennio da quando una serie di guerre, culminata nelle esplosioni termonucleari dei Sette Giorni del Fuoco, ha alterato l'ecosistema mondiale. Il Mare della Rovina si è espanso drammaticamente, occupando i regni degli uomini e invadendo la Terra con i suoi insetti giganti e le sue spore velenose. Solo pochi territori sono rimasti indenni, ma i loro abitanti continuano incessantemente a combattere tra loro. In un regno neutrale e pacifico, la Valle del Vento, vive la principessa Nausicaa, dotata di un potere extrasensoriale che le permette di comunicare con gli animali e con i temibili insetti Ohm. Nausicaa è convinta che la soluzione non sia attaccare gli insetti, bensì comprendere il segreto alla base del Mare della Rovina.
Perché guardare: Nausicaä della Valle del vento ha mantenuto la sua valutazione abbastanza a lungo da rendere il punteggio stabile. I film così apprezzati da un pubblico diversificato sono eccezionali piuttosto che semplicemente buoni.
La versione 1984 di Nausicaä della Valle del vento è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Nausicaä della Valle del vento l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Nausicaä della Valle del vento si autoseleziona per il coinvolgimento. Nausicaä della Valle del vento a 8.0 rappresenta il livello affidabile di questo elenco. Questi sono i film che non deludono. Hayao Miyazaki ha capito cosa doveva essere il film e lo ha realizzato senza compromessi. L'animazione è al servizio della narrazione piuttosto che di una dimostrazione di capacità tecnica. Il regista utilizza la forma per ottenere effetti emotivi e narrativi che servono alla storia specifica raccontata. Classificare i film del 1980s uno contro l'altro è in parte un esercizio per identificare ciò che è sopravvissuto. Nausicaä della Valle del vento è sopravvissuto perché Hayao Miyazaki ha fatto scelte basate sull'artigianato piuttosto che sulla tendenza. La valutazione 8.0 riflette il pubblico che trova ancora valide quelle scelte.
L'ambiente sonoro di Nausicaä della Valle del vento è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Hayao Miyazaki comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Nausicaä della Valle del vento utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Sumi Shimamoto lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Nausicaä della Valle del vento funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 8.0 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Nausicaä della Valle del vento come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Hayao Miyazaki e Sumi Shimamoto fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
Nausicaä della Valle del vento si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. Hayao Miyazaki ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 8.0 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di Hayao Miyazaki a questo materiale in genere trovano Nausicaä della Valle del vento tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
I grandi film trascendono la loro categoria. Funzionano perché il mestiere è eccezionale.
Akira
Nel 1988 il centro di Tokyo viene distrutto da una gigantesca e misteriosa esplosione che scatena il terzo conflitto mondiale. Nel 2019 il mondo riemerge lentamente dalla devastazione. A Neo Tokyo, ricostruita attorno al cratere provocato dalla prima deflagrazione, i militari portano avanti esperimenti su ragazzi dotati di poteri straordinari. Tetsuo, teppista amico di Kaneda, scatena le attenzioni dei vertici militari e viene prima catturato e poi sottoposto a controlli meticolosissimi: che sia lui il nuovo Akira? In lui vi è forse traccia del potere che distrusse Tokyo trent'anni prima?
Perché guardare: Azione realizzata con chiarezza geografica. Katsuhiro Otomo capisce che le sequenze migliori funzionano perché sai sempre dove si trovano tutti.
Akira (1988) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Akira ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 7.9 da parte di un ampio pool di elettori significa che il film ha punti di forza autentici che superano qualsiasi debolezza riscontrata dagli spettatori. Akira mantiene la sua promessa principale, ovvero lo standard minimo che ogni film dovrebbe soddisfare e meno di quanto suggerisce il numero di uscite. Il regista risolve il problema centrale del cinema d'azione: farti interessare al risultato prima di mostrarti l'azione. Le sequenze funzionano perché la chiarezza geografica significa che sai sempre chi è dove e cosa richiederebbe il successo. Akira guadagna il suo posto in qualsiasi resoconto del cinema 1980s perché cattura qualcosa che il decennio ha prodotto e che i decenni successivi hanno perso. Le condizioni culturali e tecnologiche del cinema di 1980s hanno plasmato ciò che Katsuhiro Otomo ha potuto realizzare qui.
Il linguaggio visivo di Akira riflette il cinema di 1988 nella sua massima espressione. Katsuhiro Otomo ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di Akira è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare Akira con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Akira funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.9 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Akira come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Katsuhiro Otomo e Mitsuo Iwata fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La posizione di Akira in questa sezione della lista riflette un film che offre in modo affidabile le sue qualità specifiche senza aspirare a essere tutto per tutti. Katsuhiro Otomo ha capito di cosa si trattava il film e lo ha realizzato ad alto livello artigianale. La valutazione 7.9 rappresenta gli spettatori che hanno apprezzato il film in questi termini e hanno ritenuto che valesse la pena valutarlo molto bene. Gli spettatori che hanno aspettative diverse a volte trovano il film meno soddisfacente di quanto suggerisca la valutazione, il che non è un punto debole del film ma delle aspettative. Akira è esattamente quello che è, realizzato con abilità, e gli elettori che lo hanno valutato hanno risposto così.
Blade Runner
Rick Deckard è un ex agente del dipartimento di polizia di Los Angeles, richiamato in servizio quando un gruppo di sofisticati androidi replicante Nexus 6 fugge dalle colonie Extra-Mondo e torna clandestinamente sulla Terra in cerca del loro costruttore, colpevole di averli dotati di una vita molto breve. La caccia di Deckard sarà violenta e serrata, resa più complessa dalla presenza di Rachael, un avanzato tipo sperimentale di replicante, femminile quanto e forse più di una donna autentica. I Nexus 6 saranno ritirati uno dopo l'altro fino allo scontro con l'elemento alfa del gruppo, l'angelico demone Roy Batty.
Perché guardare: Blade Runner guadagna onestamente la sua tensione: la pressione deriva dalla situazione e dal carattere piuttosto che dalla sorpresa artificiale. Ridley Scott confida che il pubblico percepisca la posta in gioco.
Pubblicato nel 1982, Blade Runner è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Ridley Scott ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 7.9 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 7.9 per Blade Runner è calcolato in base agli spettatori che avevano alternative e hanno scelto di dargli un punteggio elevato. Questa scelta riflette un film che ha espresso chiaramente le sue ragioni, che è esattamente ciò che fa Blade Runner. Ridley Scott ha presentato la sua argomentazione e il pubblico l'ha accettata. Ciò che fa sì che il film funzioni come un thriller è la consapevolezza che la posta in gioco richiede investimenti. Il primo atto costruisce il carattere prima che arrivi la pressione. Quando la tensione aumenta, hai motivo di preoccuparti del risultato. Ogni decennio produce film che al momento sembrano essenziali e poi svaniscono. Blade Runner appartiene alla categoria più piccola: i film 1980s sono ancora apprezzati dagli spettatori che non hanno nostalgia dell'epoca. Quella qualità intergenerazionale è il vero test.
La sceneggiatura di Blade Runner dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Ridley Scott ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Harrison Ford fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Blade Runner quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Gli spettatori che guardano Blade Runner per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Ridley Scott gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Blade Runner non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Harrison Ford lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 1982 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Ridley Scott.
I film posizionati tra gli undici e i venticinque in elenchi come questo sono spesso le scoperte più utili perché portano la qualità dei primi dieci senza il peso culturale. Blade Runner è in questa posizione non perché sia significativamente peggiore delle voci precedenti, ma perché il suo fascino è più concentrato. Gli spettatori che si collegano a ciò che Ridley Scott sta facendo in Blade Runner lo valutano tanto quanto qualsiasi altro film in questo elenco. La media su una base elettorale più ampia lo colloca qui. Gli spettatori che hanno ragioni specifiche per pensare che questo film sia per loro - in base alla preferenza del genere, all'interesse del regista o all'epoca - dovrebbero dargli la priorità rispetto a diverse voci che si collocano al di sopra di esso.
Pink Floyd: The Wall
In attesa di esibirsi all'ennesimo concerto, Pink, cantante rock tossicodipendente, ripensa agli episodi salienti della sua vita. Un film di guerra trasmesso in tv è l'occasione per questo percorso nella memoria a cavallo fra ricordi e allucinazioni. Diretto da Alan Parker su sceneggiatura dello stesso Waters, Pink Floyd The Wall non ebbe una genesi facile, e del resto accostare due personalità forti come Parker e Waters non poteva non far nascere qualche contrasto. Menzione speciale agli splendidi disegni di Gerald Scarfe, fumettista britannico, responsabile della scenografia e delle animazioni che danno vita ai deliri onirici di Pink.
Perché guardare: Ciò che fa sì che Pink Floyd: The Wall funzioni come dramma è il rifiuto di Alan Parker di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il registro emotivo viene creato, non segnalato.
Pink Floyd: The Wall risale a 1982, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che Pink Floyd: The Wall si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Pink Floyd: The Wall at 7.9 è un film in cui l'imbarcazione è costantemente al di sopra della media in più dimensioni. Nessun singolo elemento trasporta gli altri. La regia, la scrittura e la performance vanno tutte nella stessa direzione. Il film dimostra cosa può fare il dramma che altri generi non possono fare: mettere sotto pressione il comportamento umano ordinario e rivelare il carattere attraverso la risposta. Il regista crea queste condizioni e il cast le vive con genuina convinzione. Il contesto 1980s per Pink Floyd: The Wall non è casuale. Le condizioni estetiche specifiche del decennio - cosa la tecnologia ha permesso, cosa la cultura ha richiesto - hanno plasmato le scelte che Alan Parker ha fatto qui. Quelle scelte reggono indipendentemente dal loro momento.
Le prestazioni in Pink Floyd: The Wall sono calibrate su un registro specifico che Alan Parker ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Bob Geldof ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Pink Floyd: The Wall that land hardest are the ones where Bob Geldof does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Gli spettatori che hanno visto i film influenzati da Pink Floyd: The Wall troveranno l'originale un'esperienza diversa rispetto a un film contemporaneo. Le tecniche che sembrano familiari perché sono state ampiamente copiate sono visibili qui nella loro forma originale, il che spesso rivela che le copie comprendevano la superficie di ciò che Alan Parker faceva senza capirne il ragionamento dietro. Pink Floyd: The Wall utilizza le sue scelte stilistiche al servizio di obiettivi narrativi specifici. I film successivi che presero in prestito quelle scelte spesso le usarono come stile senza la funzione. Guardare l'originale chiarisce cosa si stava effettivamente realizzando. Il lavoro di Bob Geldof qui ha anche una specificità che manca a molte performance ad esso ispirate: le imitazioni catturano la maniera senza l'interiorità che fa sì che la maniera significhi qualcosa.
Pink Floyd: The Wall in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di Bob Geldof e l'imbarcazione di Alan Parker possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
I predatori dell'arca perduta
Dopo essere stato derubato di un prezioso idolo, Indiana Jones ritorna all'università da insegnante. Qui i servizi segreti gli offriranno il compito di trovare l'arca dell'alleanza e cercare così di non farla cadere nelle mani dei tedeschi. Giunto nel Nepal, incontrerà Marion, una sua vecchia conoscenza, con la quale giungerà dall'amico Sallah, trovando ospitalità e svolgendo da lì la definitiva ricerca dell'arca.
Perché guardare: L'azione in I predatori dell'arca perduta viene guadagnata anziché pianificata. Steven Spielberg si sviluppa verso ogni sequenza, quindi quando arriva ha un peso che va oltre lo spettacolo.
La versione 1981 di I predatori dell'arca perduta è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato I predatori dell'arca perduta l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di I predatori dell'arca perduta si autoseleziona per il coinvolgimento. I film della gamma 7.9 sono spesso più interessanti di quanto suggerisca la loro posizione in un elenco. Non hanno raggiunto la saturazione culturale dei titoli con rating più alto, il che significa che I predatori dell'arca perduta è più facile da avvicinare senza preconcetti. I predatori dell'arca perduta ne trae vantaggio. L'azione è subordinata alla narrazione piuttosto che sostituirla. Il regista costruisce sequenze che funzionano solo grazie a ciò che è accaduto prima. L'investimento del pubblico nei personaggi e nella posta in gioco determina se l'azione avrà successo. I film del 1980s che ancora oggi valgono 7.9 sono sopravvissuti a un test più lungo di qualsiasi altra uscita contemporanea. I predatori dell'arca perduta ha superato quel test perché il suo nucleo - narrazione, performance, artigianato - funziona senza richiedere la sua epoca.
La struttura di I predatori dell'arca perduta è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Steven Spielberg effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. I predatori dell'arca perduta taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano I predatori dell'arca perduta disorientante in modo produttivo.
I predatori dell'arca perduta funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.9 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a I predatori dell'arca perduta come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Steven Spielberg e Harrison Ford fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 7.9 che colloca I predatori dell'arca perduta in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a I predatori dell'arca perduta riflette un genuino apprezzamento per ciò che Steven Spielberg ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. I predatori dell'arca perduta è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
Il ritorno dello Jedi
Mentre gli Imperiali sono impegnati nella costruzione di una nuova e indistruttibile Morte Nera, Luke Skywalker diventato finalmente un cavaliere jedi, la principessa Leila, Chewbacca e i due droidi D3BO (C-3PO nome originale) e C1P8 (R2-D2 nome originale) cercano di liberare Ian Solo (Han Solo nome originale), che è prigioniero del criminale intergalattico Jabba.Per poi affronta il crudele alfiere del male Lord Vader (Darth Vader nome originale), scoprendo che gli è padre e che la principessa Leia è sua sorella, ma l'insurrezione non ha successo e Luke viene catturato dell'imperatore, che cerca di portare il giovane dalla sua parte. Terzo (o meglio sesto) e ultimo episodio della saga ideata da George Lucas.
Perché guardare: Azione realizzata con chiarezza geografica. Richard Marquand capisce che le sequenze migliori funzionano perché sai sempre dove si trovano tutti.
Il ritorno dello Jedi (1983) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Il ritorno dello Jedi ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 7.9 riflette la regia, la scrittura e la performance che operano a livelli costanti simultaneamente. I film che ottengono punteggi in questo intervallo raramente falliscono in modo significativo in ogni singola dimensione e Il ritorno dello Jedi non fa eccezione. Il regista risolve il problema centrale del cinema d'azione: farti interessare al risultato prima di mostrarti l'azione. Le sequenze funzionano perché la chiarezza geografica significa che sai sempre chi è dove e cosa richiederebbe il successo. Nel contesto del cinema 1980s in generale, Il ritorno dello Jedi rappresenta ciò che il decennio ha contribuito rispetto ai decenni precedenti e successivi. Le condizioni specifiche del cinema di 1980s – budget, tecnologia, contesto culturale – hanno prodotto qui qualcosa che poteva provenire solo da quel momento.
L'ambiente sonoro di Il ritorno dello Jedi è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Richard Marquand comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Il ritorno dello Jedi utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Mark Hamill lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Coloro che guardano Il ritorno dello Jedi per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Il ritorno dello Jedi per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Il ritorno dello Jedi cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Richard Marquand sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Mark Hamill nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, Il ritorno dello Jedi occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: Il ritorno dello Jedi arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di Richard Marquand qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano Il ritorno dello Jedi qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Toro scatenato
1941 - Jack La Motta inizia a tirare i primi pugni a New York, ma non riesce a sfondare perchè non vuole sottostare alle regole della malavita che controlla la boxe. Jack però é così bravo che riesce comunque a vincere il titolo della sua categoria. Ma gli anni dei trionfi passano ed arriva anche la crisi.
Perché guardare: Toro scatenato è un dramma che si affida al silenzio. Martin Scorsese dà alle scene spazio per respirare oltre il loro ovvio punto finale, trovando qualcosa di vero in ciò che fanno i personaggi quando smettono di recitare.
Pubblicato nel 1980, Toro scatenato è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Martin Scorsese ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 7.9 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 7.9 di Toro scatenato lo colloca tra i film che mantengono le premesse senza debolezze significative. Martin Scorsese ha realizzato qualcosa che funziona come previsto, il che è meno comune di quanto sembri. Il dramma deriva dalla specificità piuttosto che dall’universalità. Il regista fa delle scelte che si applicano proprio a questi personaggi in questa situazione, che paradossalmente crea qualcosa di più universale di quanto farebbero i battiti emotivi generici. 1980s ha prodotto molti film. Quelli che rimangono in elenchi come questo decenni dopo sono quelli che hanno capito qualcosa di vero sulle persone piuttosto che solo sul momento. Toro scatenato è qui perché ha capito qualcosa di duraturo.
Il linguaggio visivo di Toro scatenato riflette il cinema di 1980 nella sua massima espressione. Martin Scorsese ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di Toro scatenato è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare Toro scatenato con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Toro scatenato è adatto alle serate in cui si desidera guardare qualcosa che abbia sostanza genuina piuttosto che qualcosa che riempia semplicemente il tempo. Non è un film di sottofondo e non è un'esperienza passiva. Martin Scorsese ha costruito qualcosa che richiede la tua attenzione e la premia in modo specifico anziché generale. Gli spettatori che guardano Toro scatenato mentre fanno altre cose otterranno una versione del film notevolmente ridotta rispetto alla versione disponibile a qualcuno che gli presta tutta la sua attenzione. La classificazione 7.9 riflette l'esperienza visiva con piena attenzione. Il cast, nello specifico Robert De Niro, offre dettagli prestazionali che si registrano in una visione concentrata e scompaiono in una visione distratta.
Toro scatenato si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. Martin Scorsese ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 7.9 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di Martin Scorsese a questo materiale in genere trovano Toro scatenato tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
Indiana Jones e l'ultima crociata
Nel 1938, Indiana Jones, celebre archeologo, apprende che suo padre, Henry, anch'egli archeologo, è stato rapito perchè prossimo, con i suoi studi, ad individuare il luogo dove è custodito il Santo Graal, il calice in cui, secondo la leggenda, Gesù Cristo bevve nell'Ultima Cena.
Perché guardare: Steven Spielberg riprende l'azione in Indiana Jones e l'ultima crociata per la comprensione piuttosto che per il semplice impatto. La logica spaziale è mantenuta ovunque, il che è più raro di quanto dovrebbe essere.
Indiana Jones e l'ultima crociata risale a 1989, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che Indiana Jones e l'ultima crociata si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Con 7.9, Indiana Jones e l'ultima crociata si colloca in un intervallo in cui la qualità è costante ma il film non ha ottenuto l'ampio consenso dei titoli con rating più elevato. Questo consenso più ristretto spesso riflette un fascino specifico: Indiana Jones e l'ultima crociata non è per tutti, ma per lo spettatore giusto è eccellente. Il regista riprende l'azione a misura d'uomo piuttosto che per lo spettacolo della telecamera. I personaggi occupano uno spazio coerente e i loro corpi si muovono attraverso quello spazio con uno scopo leggibile. Il risultato è un'azione che accumula impatto anziché generare adrenalina momentanea. Gli 1980s sono stati un momento culturale specifico con preoccupazioni specifiche e approcci estetici specifici. Indiana Jones e l'ultima crociata riflette quelle condizioni trascendendole: è un film 1980s che non richiede di comprendere 1980s per apprezzarlo.
La sceneggiatura di Indiana Jones e l'ultima crociata dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Steven Spielberg ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Harrison Ford fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Indiana Jones e l'ultima crociata quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Indiana Jones e l'ultima crociata funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.9 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Indiana Jones e l'ultima crociata come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Steven Spielberg e Harrison Ford fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La posizione di Indiana Jones e l'ultima crociata in questa sezione della lista riflette un film che offre in modo affidabile le sue qualità specifiche senza aspirare a essere tutto per tutti. Steven Spielberg ha capito di cosa si trattava il film e lo ha realizzato ad alto livello artigianale. La valutazione 7.9 rappresenta gli spettatori che hanno apprezzato il film in questi termini e hanno ritenuto che valesse la pena valutarlo molto bene. Gli spettatori che hanno aspettative diverse a volte trovano il film meno soddisfacente di quanto suggerisca la valutazione, il che non è un punto debole del film ma delle aspettative. Indiana Jones e l'ultima crociata è esattamente quello che è, realizzato con abilità, e gli elettori che lo hanno valutato hanno risposto così.
Stand by Me - Ricordo di un'estate
Oregon, estate del 1959. Quattro ragazzini partono per un'escursione di 50 chilometri lungo la ferrovia, affrontando varie avventure per cercare il cadavere di un ragazzo scomparso giorni prima. Da un racconto (The Body, 1982) di Stephen King, uno dei film più belli sull'adolescenza degli anni '80, nel miracoloso equilibrio della memoria tra sentimento e avventura.
Perché guardare: Rob Reiner si avvicina a Stand by Me - Ricordo di un'estate con la pazienza che un buon dramma richiede e raramente ottiene. Il risultato è un film che si guadagna i suoi momenti emotivi piuttosto che programmarli.
La versione 1986 di Stand by Me - Ricordo di un'estate è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Stand by Me - Ricordo di un'estate l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Stand by Me - Ricordo di un'estate si autoseleziona per il coinvolgimento. Stand by Me - Ricordo di un'estate a 7.8 rappresenta il livello affidabile di questo elenco. Questi sono i film che non deludono. Rob Reiner ha capito cosa doveva essere il film e lo ha realizzato senza compromessi. Ciò che lo distingue come dramma è il rifiuto del regista di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il film crea situazioni con un peso emotivo e quindi confida che gli spettatori portino da soli quel peso. Le performance forniscono il registro emotivo senza eccessivi segnali. Classificare i film del 1980s uno contro l'altro è in parte un esercizio per identificare ciò che è sopravvissuto. Stand by Me - Ricordo di un'estate è sopravvissuto perché Rob Reiner ha fatto scelte basate sull'artigianato piuttosto che sulla tendenza. La valutazione 7.8 riflette il pubblico che trova ancora valide quelle scelte.
Le prestazioni in Stand by Me - Ricordo di un'estate sono calibrate su un registro specifico che Rob Reiner ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Wil Wheaton ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Stand by Me - Ricordo di un'estate that land hardest are the ones where Wil Wheaton does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Gli spettatori che guardano Stand by Me - Ricordo di un'estate per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Rob Reiner gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Stand by Me - Ricordo di un'estate non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Wil Wheaton lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 1986 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Rob Reiner.
I film posizionati tra gli undici e i venticinque in elenchi come questo sono spesso le scoperte più utili perché portano la qualità dei primi dieci senza il peso culturale. Stand by Me - Ricordo di un'estate è in questa posizione non perché sia significativamente peggiore delle voci precedenti, ma perché il suo fascino è più concentrato. Gli spettatori che si collegano a ciò che Rob Reiner sta facendo in Stand by Me - Ricordo di un'estate lo valutano tanto quanto qualsiasi altro film in questo elenco. La media su una base elettorale più ampia lo colloca qui. Gli spettatori che hanno ragioni specifiche per pensare che questo film sia per loro - in base alla preferenza del genere, all'interesse del regista o all'epoca - dovrebbero dargli la priorità rispetto a diverse voci che si collocano al di sopra di esso.
Kiki - Consegne a domicilio
Nella parabola della streghetta dagli umili abiti rivive il consueto viaggio iniziatico di Miyazaki, spesso condotto tra i cieli (in precedenza ne Il castello nel cielo, mentre Porco rosso innalzerà ai massimi livelli il feeling eroico con l'aria) e spesso con una ragazzina come protagonista. Kiki raggiunge la fatidica età di passaggio, quella dei quattordici anni, per abbandonare la dimora natia e scoprire la vecchia Europa, ancora una volta coacervo ideale di stilemi miyazakiani. Modellata su Stoccolma e Lisbona, la città in cui Kiki approda a cavallo della sua scopa volante è il luogo dello smarrimento e dell'emancipazione, in cui l'eroina è da un lato costretta ben presto a una necessaria e dura introspezione, ma può anche sentirsi accettata nonostante la sua diversità; il luogo in cui, attraverso il duro lavoro, conquistare la propria matura autonomia.
Perché guardare: Animazione al livello in cui vale la pena guardare solo l'imbarcazione. Ogni fotogramma di Kiki - Consegne a domicilio è una scelta artistica deliberata.
Kiki - Consegne a domicilio (1989) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Kiki - Consegne a domicilio ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 7.8 da parte di un ampio pool di elettori significa che il film ha punti di forza autentici che superano qualsiasi debolezza riscontrata dagli spettatori. Kiki - Consegne a domicilio mantiene la sua promessa principale, ovvero lo standard minimo che ogni film dovrebbe soddisfare e meno di quanto suggerisce il numero di uscite. Il film dimostra che l'animazione è uno strumento per raggiungere registri emotivi che l'azione dal vivo non può raggiungere. Il regista utilizza le possibilità formali del mezzo per creare momenti specifici della forma animata. Kiki - Consegne a domicilio guadagna il suo posto in qualsiasi resoconto del cinema 1980s perché cattura qualcosa che il decennio ha prodotto e che i decenni successivi hanno perso. Le condizioni culturali e tecnologiche del cinema di 1980s hanno plasmato ciò che Hayao Miyazaki ha potuto realizzare qui.
La struttura di Kiki - Consegne a domicilio è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Hayao Miyazaki effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Kiki - Consegne a domicilio taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Kiki - Consegne a domicilio disorientante in modo produttivo.
Gli spettatori che hanno visto i film influenzati da Kiki - Consegne a domicilio troveranno l'originale un'esperienza diversa rispetto a un film contemporaneo. Le tecniche che sembrano familiari perché sono state ampiamente copiate sono visibili qui nella loro forma originale, il che spesso rivela che le copie comprendevano la superficie di ciò che Hayao Miyazaki faceva senza capirne il ragionamento dietro. Kiki - Consegne a domicilio utilizza le sue scelte stilistiche al servizio di obiettivi narrativi specifici. I film successivi che presero in prestito quelle scelte spesso le usarono come stile senza la funzione. Guardare l'originale chiarisce cosa si stava effettivamente realizzando. Il lavoro di Minami Takayama qui ha anche una specificità che manca a molte performance ad esso ispirate: le imitazioni catturano la maniera senza l'interiorità che fa sì che la maniera significhi qualcosa.
Kiki - Consegne a domicilio in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di Minami Takayama e l'imbarcazione di Hayao Miyazaki possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
Trappola di cristallo
Durante la tradizionale festa di natale, un gruppo di terroristi prende in ostaggio i dipendenti di una multinazionale giapponese all'interno di un modernissimo grattacielo. John McClane, poliziotto, però sfugge ai terroristi e grazie all'aiuto dei nascondigli naturali del grattacielo conduce una battaglia solitaria per portare in salvo gli ostaggi, tra i quali si trova anche la moglie.
Perché guardare: Trappola di cristallo guadagna onestamente la sua tensione: la pressione deriva dalla situazione e dal carattere piuttosto che dalla sorpresa artificiale. John McTiernan confida che il pubblico percepisca la posta in gioco.
Pubblicato nel 1988, Trappola di cristallo è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. John McTiernan ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 7.8 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 7.8 per Trappola di cristallo è calcolato in base agli spettatori che avevano alternative e hanno scelto di dargli un punteggio elevato. Questa scelta riflette un film che ha espresso chiaramente le sue ragioni, che è esattamente ciò che fa Trappola di cristallo. John McTiernan ha presentato la sua argomentazione e il pubblico l'ha accettata. Ciò che fa sì che il film funzioni come un thriller è la consapevolezza che la posta in gioco richiede investimenti. Il primo atto costruisce il carattere prima che arrivi la pressione. Quando la tensione aumenta, hai motivo di preoccuparti del risultato. Ogni decennio produce film che al momento sembrano essenziali e poi svaniscono. Trappola di cristallo appartiene alla categoria più piccola: i film 1980s sono ancora apprezzati dagli spettatori che non hanno nostalgia dell'epoca. Quella qualità intergenerazionale è il vero test.
L'ambiente sonoro di Trappola di cristallo è costruito deliberatamente quanto quello visivo. John McTiernan comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Trappola di cristallo utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Bruce Willis lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Trappola di cristallo funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.8 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Trappola di cristallo come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. John McTiernan e Bruce Willis fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 7.8 che colloca Trappola di cristallo in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a Trappola di cristallo riflette un genuino apprezzamento per ciò che John McTiernan ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. Trappola di cristallo è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
Il miglior cinema premia la tua attenzione. Ogni film qui ha guadagnato il tempo necessario.
Re per una notte
Rupert Pupkin, aspirante divo, passa la sua vita a preparare spettacoli che sogna di poter interpretare, prima o poi, alla televisione. Un giorno riesce a salire sulla macchina del suo idolo, Jerry Langford, chiedendogli di poter partecipare al suo show. Langford, per liberarsene, lo invita a telefonargli in ufficio. Da questo momento, per Rupert, è tutto fatto, e comincia così il suo assedio a Langford...
Perché guardare: Ciò che fa sì che Re per una notte funzioni come dramma è il rifiuto di Martin Scorsese di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il registro emotivo viene creato, non segnalato.
Re per una notte risale a 1982, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che Re per una notte si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Re per una notte at 7.8 è un film in cui l'imbarcazione è costantemente al di sopra della media in più dimensioni. Nessun singolo elemento trasporta gli altri. La regia, la scrittura e la performance vanno tutte nella stessa direzione. Il film dimostra cosa può fare il dramma che altri generi non possono fare: mettere sotto pressione il comportamento umano ordinario e rivelare il carattere attraverso la risposta. Il regista crea queste condizioni e il cast le vive con genuina convinzione. Il contesto 1980s per Re per una notte non è casuale. Le condizioni estetiche specifiche del decennio - cosa la tecnologia ha permesso, cosa la cultura ha richiesto - hanno plasmato le scelte che Martin Scorsese ha fatto qui. Quelle scelte reggono indipendentemente dal loro momento.
Il linguaggio visivo di Re per una notte riflette il cinema di 1982 nella sua massima espressione. Martin Scorsese ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di Re per una notte è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare Re per una notte con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Coloro che guardano Re per una notte per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Re per una notte per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Re per una notte cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Martin Scorsese sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Robert De Niro nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, Re per una notte occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: Re per una notte arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di Martin Scorsese qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano Re per una notte qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Ritorno al futuro - Parte II
Il film comincia dove terminava il primo capitolo, ovvero con Marty e Jennifer che partono insieme allo scienziato Doc, inventore della macchina del tempo, per il 2015 allo scopo di evitare che il futuro dei loro figli possa essere in pericolo. Ma la situazione precipita e ad essere in pericolo non è più il futuro, ma il passato. Marty dovrà tornare nuovamente nel 1955 e...
Perché guardare: La commedia è il genere più difficile da sostenere. Robert Zemeckis fa sembrare Ritorno al futuro - Parte II senza sforzo, il che è il segno di una notevole maestria che la maggior parte del pubblico non registra consapevolmente.
La versione 1989 di Ritorno al futuro - Parte II è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Ritorno al futuro - Parte II l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Ritorno al futuro - Parte II si autoseleziona per il coinvolgimento. I film della gamma 7.8 sono spesso più interessanti di quanto suggerisca la loro posizione in un elenco. Non hanno raggiunto la saturazione culturale dei titoli con rating più alto, il che significa che Ritorno al futuro - Parte II è più facile da avvicinare senza preconcetti. Ritorno al futuro - Parte II ne trae vantaggio. La coerenza del film come commedia deriva dalla coerenza. Il regista stabilisce le regole del mondo e il comportamento dei personaggi al suo interno, e l'umorismo emerge dal modo in cui questi personaggi affrontano una situazione. I film del 1980s che ancora oggi valgono 7.8 sono sopravvissuti a un test più lungo di qualsiasi altra uscita contemporanea. Ritorno al futuro - Parte II ha superato quel test perché il suo nucleo - narrazione, performance, artigianato - funziona senza richiedere la sua epoca.
La sceneggiatura di Ritorno al futuro - Parte II dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Robert Zemeckis ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Michael J. Fox fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Ritorno al futuro - Parte II quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Ritorno al futuro - Parte II è uno dei rari film che funziona sia in contesti di visione solista che di gruppo, il che non è vero per la maggior parte delle commedie. Film that derive humor from character rather than setup tend to play well regardless of who is in the room, because the laughs come from recognition rather than from collective permission. Guardare Ritorno al futuro - Parte II da solo ti consente di cogliere i momenti più tranquilli di osservazione dei personaggi che le visioni di gruppo possono perdere. Guardarlo con qualcun altro che conosce il film produce il piacere specifico di condividere qualcosa che sai che funziona. The runtime of Ritorno al futuro - Parte II makes it a practical choice for evenings when you want something with genuine quality that does not require the commitment of a longer film. Il ritmo di Robert Zemeckis fa sì che il film guadagni la sua durata senza rimanere oltre.
Ritorno al futuro - Parte II si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. Robert Zemeckis ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 7.8 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di Robert Zemeckis a questo materiale in genere trovano Ritorno al futuro - Parte II tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
Fa' la cosa giusta
L'esplosione di tensioni razziali in un caldo pomeriggio in un quartiere di Brooklyn.
Perché guardare: Il tipo di dramma che ti rimane impresso anche dopo i titoli di coda. Spike Lee conferisce al materiale una pazienza che lo eleva al di sopra della tariffa standard.
Fa' la cosa giusta (1989) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Fa' la cosa giusta ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 7.8 riflette la regia, la scrittura e la performance che operano a livelli costanti simultaneamente. I film che ottengono punteggi in questo intervallo raramente falliscono in modo significativo in ogni singola dimensione e Fa' la cosa giusta non fa eccezione. Il regista lavora con una pazienza che la maggior parte del dramma contemporaneo non può permettersi. Le scene possono andare oltre il loro ovvio punto finale, trovando la verità in ciò che fanno i personaggi dopo che hanno detto quello che erano venuti a dire. Il cast capisce questo ritmo. Nel contesto del cinema 1980s in generale, Fa' la cosa giusta rappresenta ciò che il decennio ha contribuito rispetto ai decenni precedenti e successivi. Le condizioni specifiche del cinema di 1980s – budget, tecnologia, contesto culturale – hanno prodotto qui qualcosa che poteva provenire solo da quel momento.
Le prestazioni in Fa' la cosa giusta sono calibrate su un registro specifico che Spike Lee ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Danny Aiello ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Fa' la cosa giusta that land hardest are the ones where Danny Aiello does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Fa' la cosa giusta funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.8 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Fa' la cosa giusta come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Spike Lee e Danny Aiello fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La posizione di Fa' la cosa giusta in questa sezione della lista riflette un film che offre in modo affidabile le sue qualità specifiche senza aspirare a essere tutto per tutti. Spike Lee ha capito di cosa si trattava il film e lo ha realizzato ad alto livello artigianale. La valutazione 7.8 rappresenta gli spettatori che hanno apprezzato il film in questi termini e hanno ritenuto che valesse la pena valutarlo molto bene. Gli spettatori che hanno aspettative diverse a volte trovano il film meno soddisfacente di quanto suggerisca la valutazione, il che non è un punto debole del film ma delle aspettative. Fa' la cosa giusta è esattamente quello che è, realizzato con abilità, e gli elettori che lo hanno valutato hanno risposto così.
Il cielo sopra Berlino
Due angeli, Damiel e Cassiel, scendono dal cielo sopra Berlino sulla città ed osservano il comportamento degli umani, la loro disperazione, ma non possono fare nulla per aiutarli. Alla fine Damiel, innamoratosi di una bella trapezista dal cuore puro, perderà la sua condizione di angelo e resterà nella città.
Perché guardare: Il cielo sopra Berlino è un dramma che si affida al silenzio. Wim Wenders dà alle scene spazio per respirare oltre il loro ovvio punto finale, trovando qualcosa di vero in ciò che fanno i personaggi quando smettono di recitare.
Pubblicato nel 1987, Il cielo sopra Berlino è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Wim Wenders ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 7.8 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 7.8 di Il cielo sopra Berlino lo colloca tra i film che mantengono le premesse senza debolezze significative. Wim Wenders ha realizzato qualcosa che funziona come previsto, il che è meno comune di quanto sembri. Il dramma deriva dalla specificità piuttosto che dall’universalità. Il regista fa delle scelte che si applicano proprio a questi personaggi in questa situazione, che paradossalmente crea qualcosa di più universale di quanto farebbero i battiti emotivi generici. 1980s ha prodotto molti film. Quelli che rimangono in elenchi come questo decenni dopo sono quelli che hanno capito qualcosa di vero sulle persone piuttosto che solo sul momento. Il cielo sopra Berlino è qui perché ha capito qualcosa di duraturo.
La struttura di Il cielo sopra Berlino è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Wim Wenders effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Il cielo sopra Berlino taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Il cielo sopra Berlino disorientante in modo produttivo.
Gli spettatori che guardano Il cielo sopra Berlino per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come Wim Wenders gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Il cielo sopra Berlino non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Bruno Ganz lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 1987 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva Wim Wenders.
I film posizionati tra gli undici e i venticinque in elenchi come questo sono spesso le scoperte più utili perché portano la qualità dei primi dieci senza il peso culturale. Il cielo sopra Berlino è in questa posizione non perché sia significativamente peggiore delle voci precedenti, ma perché il suo fascino è più concentrato. Gli spettatori che si collegano a ciò che Wim Wenders sta facendo in Il cielo sopra Berlino lo valutano tanto quanto qualsiasi altro film in questo elenco. La media su una base elettorale più ampia lo colloca qui. Gli spettatori che hanno ragioni specifiche per pensare che questo film sia per loro - in base alla preferenza del genere, all'interesse del regista o all'epoca - dovrebbero dargli la priorità rispetto a diverse voci che si collocano al di sopra di esso.
The Untouchables - Gli intoccabili
A Chicago nel 1930, durante il Proibizionismo, Al Capone domina ormai incontrastato la malavita, avendo sterminato senza pietà le bande rivali e seminando il terrore nella città con le sue crudeli vendette. Il commercio clandestino degli alcolici, sua principale attività, è per lui una fonte di guadagno enorme e, per mantenerne l'esclusiva, egli non solo usa ogni sorta di violenze, ma si serve della corruzione su vasta scala, che gli consente di avere complici e spie perfino fra le autorità cittadine e la stessa polizia. Eliot Ness, un giovane agente del Dipartimento del tesoro, viene incaricato di stroncare la sua illecita attività. Egli, diffidando di tutti, si sceglie come aiuto soltanto tre uomini sicuri, incorruttibili, determinati: Jimmy Malone, un anziano poliziotto irlandese duro ed esperto; George Stone, un giovane oriundo italiano, e Oscar Wallace, un contabile incaricato di indagare nei conti di Capone.
Perché guardare: Il thriller nella sua forma migliore significa che il pubblico prova paura prima che accada qualcosa di esplicito. Brian De Palma raggiunge questo obiettivo in The Untouchables - Gli intoccabili attraverso il controllo delle informazioni e dei tempi.
The Untouchables - Gli intoccabili risale a 1987, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che The Untouchables - Gli intoccabili si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Con 7.8, The Untouchables - Gli intoccabili si colloca in un intervallo in cui la qualità è costante ma il film non ha ottenuto l'ampio consenso dei titoli con rating più elevato. Questo consenso più ristretto spesso riflette un fascino specifico: The Untouchables - Gli intoccabili non è per tutti, ma per lo spettatore giusto è eccellente. Questo appartiene alla categoria dei thriller in cui la tensione è psicologica piuttosto che fisica. Il regista confida che il pubblico senta la pressione senza che venga mostrato un pericolo esplicito. Il risultato è più inquietante rispetto alla meccanica del thriller convenzionale. Gli 1980s sono stati un momento culturale specifico con preoccupazioni specifiche e approcci estetici specifici. The Untouchables - Gli intoccabili riflette quelle condizioni trascendendole: è un film 1980s che non richiede di comprendere 1980s per apprezzarlo.
L'ambiente sonoro di The Untouchables - Gli intoccabili è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Brian De Palma comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di The Untouchables - Gli intoccabili utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Kevin Costner lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Gli spettatori che hanno visto i film influenzati da The Untouchables - Gli intoccabili troveranno l'originale un'esperienza diversa rispetto a un film contemporaneo. Le tecniche che sembrano familiari perché sono state ampiamente copiate sono visibili qui nella loro forma originale, il che spesso rivela che le copie comprendevano la superficie di ciò che Brian De Palma faceva senza capirne il ragionamento dietro. The Untouchables - Gli intoccabili utilizza le sue scelte stilistiche al servizio di obiettivi narrativi specifici. I film successivi che presero in prestito quelle scelte spesso le usarono come stile senza la funzione. Guardare l'originale chiarisce cosa si stava effettivamente realizzando. Il lavoro di Kevin Costner qui ha anche una specificità che manca a molte performance ad esso ispirate: le imitazioni catturano la maniera senza l'interiorità che fa sì che la maniera significhi qualcosa.
The Untouchables - Gli intoccabili in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di Kevin Costner e l'imbarcazione di Brian De Palma possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
Rain Man - L'uomo della pioggia
Charlie, un giovane commerciante di automobili, scopre alla morte del padre che l'eredità va tutta ad un fratello di cui ignorava l'esistenza. Essendo quest'ultimo affetto da autismo, Charlie, chiede ed ottiene l'affidamento per entrare in possesso del denaro. Ben presto però scoprirà anche le sue straordinarie doti...
Perché guardare: Barry Levinson si avvicina a Rain Man - L'uomo della pioggia con la pazienza che un buon dramma richiede e raramente ottiene. Il risultato è un film che si guadagna i suoi momenti emotivi piuttosto che programmarli.
La versione 1988 di Rain Man - L'uomo della pioggia è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Rain Man - L'uomo della pioggia l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Rain Man - L'uomo della pioggia si autoseleziona per il coinvolgimento. Rain Man - L'uomo della pioggia a 7.8 rappresenta il livello affidabile di questo elenco. Questi sono i film che non deludono. Barry Levinson ha capito cosa doveva essere il film e lo ha realizzato senza compromessi. Ciò che lo distingue come dramma è il rifiuto del regista di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il film crea situazioni con un peso emotivo e quindi confida che gli spettatori portino da soli quel peso. Le performance forniscono il registro emotivo senza eccessivi segnali. Classificare i film del 1980s uno contro l'altro è in parte un esercizio per identificare ciò che è sopravvissuto. Rain Man - L'uomo della pioggia è sopravvissuto perché Barry Levinson ha fatto scelte basate sull'artigianato piuttosto che sulla tendenza. La valutazione 7.8 riflette il pubblico che trova ancora valide quelle scelte.
Il linguaggio visivo di Rain Man - L'uomo della pioggia riflette il cinema di 1988 nella sua massima espressione. Barry Levinson ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di Rain Man - L'uomo della pioggia è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare Rain Man - L'uomo della pioggia con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Rain Man - L'uomo della pioggia funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.8 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Rain Man - L'uomo della pioggia come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Barry Levinson e Dustin Hoffman fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 7.8 che colloca Rain Man - L'uomo della pioggia in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a Rain Man - L'uomo della pioggia riflette un genuino apprezzamento per ciò che Barry Levinson ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. Rain Man - L'uomo della pioggia è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
Platoon
Un giovane, Chris, parte come volontario per la guerra del Vietnam, ma il suo idealismo si dovrà presto scontrare con gli orrori di quel conflitto, gli uomini trasformati in macchine da guerra e con il cinismo di molti ufficiali.
Perché guardare: Il tipo di dramma che ti rimane impresso anche dopo i titoli di coda. Oliver Stone conferisce al materiale una pazienza che lo eleva al di sopra della tariffa standard.
Platoon (1986) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Platoon ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 7.7 da parte di un ampio pool di elettori significa che il film ha punti di forza autentici che superano qualsiasi debolezza riscontrata dagli spettatori. Platoon mantiene la sua promessa principale, ovvero lo standard minimo che ogni film dovrebbe soddisfare e meno di quanto suggerisce il numero di uscite. Il regista lavora con una pazienza che la maggior parte del dramma contemporaneo non può permettersi. Le scene possono andare oltre il loro ovvio punto finale, trovando la verità in ciò che fanno i personaggi dopo che hanno detto quello che erano venuti a dire. Il cast capisce questo ritmo. Platoon guadagna il suo posto in qualsiasi resoconto del cinema 1980s perché cattura qualcosa che il decennio ha prodotto e che i decenni successivi hanno perso. Le condizioni culturali e tecnologiche del cinema di 1980s hanno plasmato ciò che Oliver Stone ha potuto realizzare qui.
La sceneggiatura di Platoon dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Oliver Stone ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Charlie Sheen fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in Platoon quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Coloro che guardano Platoon per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Platoon per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Platoon cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Oliver Stone sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Charlie Sheen nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, Platoon occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: Platoon arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di Oliver Stone qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano Platoon qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Non ci resta che piangere
Campagna toscana, estate 1984. Il bidello Mario e l'insegnante Saverio sono fermi ad un passaggio a livello, in attesa che il treno passi. I due sono amici e si confidano a vicenda. Saverio tra l'altro è preoccupato per sua sorella Gabriella. L'attesa si protrae e decidono di percorrere una stradina tra i campi. Dopo un po' restano in panne con l'auto in mezzo alla campagna. Si fa sera, piove. I due passano la notte in una locanda. Trovano posto in una stanza che ospita già un'altra persona.
Perché guardare: Non ci resta che piangere è una commedia che resiste alla revisione perché le battute provengono da chi sono queste persone piuttosto che da situazioni progettate attorno alle battute finali.
Pubblicato nel 1984, Non ci resta che piangere è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Roberto Benigni ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 7.7 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 7.7 per Non ci resta che piangere è calcolato in base agli spettatori che avevano alternative e hanno scelto di dargli un punteggio elevato. Questa scelta riflette un film che ha espresso chiaramente le sue ragioni, che è esattamente ciò che fa Non ci resta che piangere. Roberto Benigni ha presentato la sua argomentazione e il pubblico l'ha accettata. Il film si fida del senso del tempismo comico del pubblico. Il regista imposta il ritmo e poi concede delle pause dove vive l'umorismo. Le performance comprendono che la moderazione è più divertente dell'enfasi. Ogni decennio produce film che al momento sembrano essenziali e poi svaniscono. Non ci resta che piangere appartiene alla categoria più piccola: i film 1980s sono ancora apprezzati dagli spettatori che non hanno nostalgia dell'epoca. Quella qualità intergenerazionale è il vero test.
Le prestazioni in Non ci resta che piangere sono calibrate su un registro specifico che Roberto Benigni ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Massimo Troisi ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Non ci resta che piangere that land hardest are the ones where Massimo Troisi does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Non ci resta che piangere è uno dei rari film che funziona sia in contesti di visione solista che di gruppo, il che non è vero per la maggior parte delle commedie. Film that derive humor from character rather than setup tend to play well regardless of who is in the room, because the laughs come from recognition rather than from collective permission. Guardare Non ci resta che piangere da solo ti consente di cogliere i momenti più tranquilli di osservazione dei personaggi che le visioni di gruppo possono perdere. Guardarlo con qualcun altro che conosce il film produce il piacere specifico di condividere qualcosa che sai che funziona. The runtime of Non ci resta che piangere makes it a practical choice for evenings when you want something with genuine quality that does not require the commitment of a longer film. Il ritmo di Roberto Benigni fa sì che il film guadagni la sua durata senza rimanere oltre.
Non ci resta che piangere si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. Roberto Benigni ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 7.7 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di Roberto Benigni a questo materiale in genere trovano Non ci resta che piangere tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
Il colore viola
Celie è una ragazzina di quattordici anni che a seguito delle violenze subite da parte del padre dà alla luce due bambini, un maschio e una femmina, che le vengono brutalmente strappati. Allontanati i figli da sua figlia il padre decide di vendere Celie ad un vedovo con figli di nome Albert che la sposa, abusa di lei e la fa vivere come una schiava. In seguito ad Albert viene venduta anche Nettie, la sorella minore di Celie, nonché l'unica persona al mondo da cui Celie si senta amata e che ama profondamente.Nettie insegna a Celie a leggere e a scrivere, ma è insospettita da certi atteggiamenti di Albert: questi infatti desidera abusare anche di lei. Un giorno Albert decide di mettere in atto le sue fantasie, ma Nettie si ribella e di conseguenza viene scacciata dalla casa e dalla terra dell'uomo, con immenso dolore delle due sorelle. Andandosene, Nettie ripete con veemenza e più volte alla sorella che le avrebbe scritto e che solo la morte avrebbe potuto impedirglielo.
Perché guardare: Ciò che fa sì che Il colore viola funzioni come dramma è il rifiuto di Steven Spielberg di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il registro emotivo viene creato, non segnalato.
Il colore viola risale a 1985, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che Il colore viola si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Il colore viola at 7.7 è un film in cui l'imbarcazione è costantemente al di sopra della media in più dimensioni. Nessun singolo elemento trasporta gli altri. La regia, la scrittura e la performance vanno tutte nella stessa direzione. Il film dimostra cosa può fare il dramma che altri generi non possono fare: mettere sotto pressione il comportamento umano ordinario e rivelare il carattere attraverso la risposta. Il regista crea queste condizioni e il cast le vive con genuina convinzione. Il contesto 1980s per Il colore viola non è casuale. Le condizioni estetiche specifiche del decennio - cosa la tecnologia ha permesso, cosa la cultura ha richiesto - hanno plasmato le scelte che Steven Spielberg ha fatto qui. Quelle scelte reggono indipendentemente dal loro momento.
La struttura di Il colore viola è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Steven Spielberg effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Il colore viola taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Il colore viola disorientante in modo produttivo.
Il colore viola funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.7 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Il colore viola come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Steven Spielberg e Danny Glover fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La posizione di Il colore viola in questa sezione della lista riflette un film che offre in modo affidabile le sue qualità specifiche senza aspirare a essere tutto per tutti. Steven Spielberg ha capito di cosa si trattava il film e lo ha realizzato ad alto livello artigianale. La valutazione 7.7 rappresenta gli spettatori che hanno apprezzato il film in questi termini e hanno ritenuto che valesse la pena valutarlo molto bene. Gli spettatori che hanno aspettative diverse a volte trovano il film meno soddisfacente di quanto suggerisca la valutazione, il che non è un punto debole del film ma delle aspettative. Il colore viola è esattamente quello che è, realizzato con abilità, e gli elettori che lo hanno valutato hanno risposto così.
Breakfast Club
Chicago, sabato 24 marzo 1984. Cinque adolescenti di una scuola superiore (tre ragazzi, Andy, Brian e John e due ragazze, Allison e Claire), a causa di punizioni a vario titolo, sono costretti a trascorrere il pomeriggio, nella biblioteca dell'edificio. Il preside Richard Vernon, che a tratti dovrà sorvegliarli e sopportarne le esuberanze, assegna loro un tema, "Chi sono io?". Le lunghe ore consentono ai giovani di conoscersi e di parlarsi. Dopo le prime battute, le punzecchiature e i primi inevitabili urti, tutti e cinque, lungi dallo svolgere il compito stabilito, cominciano a esporre e confrontare i rispettivi problemi di vita.
Perché guardare: John Hughes si avvicina a Breakfast Club con la pazienza che un buon dramma richiede e raramente ottiene. Il risultato è un film che si guadagna i suoi momenti emotivi piuttosto che programmarli.
La versione 1985 di Breakfast Club è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Breakfast Club l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Breakfast Club si autoseleziona per il coinvolgimento. I film della gamma 7.7 sono spesso più interessanti di quanto suggerisca la loro posizione in un elenco. Non hanno raggiunto la saturazione culturale dei titoli con rating più alto, il che significa che Breakfast Club è più facile da avvicinare senza preconcetti. Breakfast Club ne trae vantaggio. Ciò che lo distingue come dramma è il rifiuto del regista di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il film crea situazioni con un peso emotivo e quindi confida che gli spettatori portino da soli quel peso. Le performance forniscono il registro emotivo senza eccessivi segnali. I film del 1980s che ancora oggi valgono 7.7 sono sopravvissuti a un test più lungo di qualsiasi altra uscita contemporanea. Breakfast Club ha superato quel test perché il suo nucleo - narrazione, performance, artigianato - funziona senza richiedere la sua epoca.
L'ambiente sonoro di Breakfast Club è costruito deliberatamente quanto quello visivo. John Hughes comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Breakfast Club utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Emilio Estevez lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Gli spettatori che guardano Breakfast Club per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come John Hughes gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Breakfast Club non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Emilio Estevez lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 1985 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva John Hughes.
I film posizionati tra gli undici e i venticinque in elenchi come questo sono spesso le scoperte più utili perché portano la qualità dei primi dieci senza il peso culturale. Breakfast Club è in questa posizione non perché sia significativamente peggiore delle voci precedenti, ma perché il suo fascino è più concentrato. Gli spettatori che si collegano a ciò che John Hughes sta facendo in Breakfast Club lo valutano tanto quanto qualsiasi altro film in questo elenco. La media su una base elettorale più ampia lo colloca qui. Gli spettatori che hanno ragioni specifiche per pensare che questo film sia per loro - in base alla preferenza del genere, all'interesse del regista o all'epoca - dovrebbero dargli la priorità rispetto a diverse voci che si collocano al di sopra di esso.
Guardare grandi film cambia il modo in cui vedi il mondo. Per questo li scegliamo con attenzione.
The Blues Brothers - I fratelli Blues
Tre anni dopo essere finito dietro le sbarre, il rapinatore armato Jake Blues viene liberato per buona condotta. Ad attenderlo fuori dal carcere c'è il fratello Elwood, una ex fidanzata inferocita, la notizia che l'orfanotrofio dove sono cresciuti sta per essere chiuso e l'illuminazione divina. Convinti di essere in missione per conto di Dio i Blues brothers riuniscono con le buone e le cattive la vecchia band e organizzano un grande concerto benefico mentre fuggono da polizia, una banda di musicisti, il proprietario di un locale e i nazisti dell'Illinois che li vogliono fare fuori.
Perché guardare: Un film che è veramente divertente piuttosto che semplicemente commercializzato come tale. L'umorismo in The Blues Brothers - I fratelli Blues deriva dal carattere, non dall'impostazione.
The Blues Brothers - I fratelli Blues (1980) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e The Blues Brothers - I fratelli Blues ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 7.7 riflette la regia, la scrittura e la performance che operano a livelli costanti simultaneamente. I film che ottengono punteggi in questo intervallo raramente falliscono in modo significativo in ogni singola dimensione e The Blues Brothers - I fratelli Blues non fa eccezione. Ciò che fa sì che il film funzioni come una commedia è il rifiuto del regista di segnalare dove sia l'umorismo. Le battute provengono dal personaggio e dalla situazione, il che significa che gli spettatori che prestano attenzione trovano di più degli spettatori che aspettano che gli venga detto che dovrebbero ridere. Nel contesto del cinema 1980s in generale, The Blues Brothers - I fratelli Blues rappresenta ciò che il decennio ha contribuito rispetto ai decenni precedenti e successivi. Le condizioni specifiche del cinema di 1980s – budget, tecnologia, contesto culturale – hanno prodotto qui qualcosa che poteva provenire solo da quel momento.
Il linguaggio visivo di The Blues Brothers - I fratelli Blues riflette il cinema di 1980 nella sua massima espressione. John Landis ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di The Blues Brothers - I fratelli Blues è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare The Blues Brothers - I fratelli Blues con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Gli spettatori che hanno visto i film influenzati da The Blues Brothers - I fratelli Blues troveranno l'originale un'esperienza diversa rispetto a un film contemporaneo. Le tecniche che sembrano familiari perché sono state ampiamente copiate sono visibili qui nella loro forma originale, il che spesso rivela che le copie comprendevano la superficie di ciò che John Landis faceva senza capirne il ragionamento dietro. The Blues Brothers - I fratelli Blues utilizza le sue scelte stilistiche al servizio di obiettivi narrativi specifici. I film successivi che presero in prestito quelle scelte spesso le usarono come stile senza la funzione. Guardare l'originale chiarisce cosa si stava effettivamente realizzando. Il lavoro di John Belushi qui ha anche una specificità che manca a molte performance ad esso ispirate: le imitazioni catturano la maniera senza l'interiorità che fa sì che la maniera significhi qualcosa.
The Blues Brothers - I fratelli Blues in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di John Belushi e l'imbarcazione di John Landis possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
La storia fantastica
Una principessa ama il suo servitore, che però deve partire per terre lontane. Durante la sua assenza, un malvagio nobiluomo s'invaghisce della principessa e la fa rapire da tre figuri. Ma, a salvarla torna, provvidenzialmente, l'innamorato, che, dopo alterne vicende, punisce il malvagio e sposa la bella.
Perché guardare: La storia fantastica è una commedia che resiste alla revisione perché le battute provengono da chi sono queste persone piuttosto che da situazioni progettate attorno alle battute finali.
Pubblicato nel 1987, La storia fantastica è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. Rob Reiner ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 7.7 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 7.7 di La storia fantastica lo colloca tra i film che mantengono le premesse senza debolezze significative. Rob Reiner ha realizzato qualcosa che funziona come previsto, il che è meno comune di quanto sembri. Il film si fida del senso del tempismo comico del pubblico. Il regista imposta il ritmo e poi concede delle pause dove vive l'umorismo. Le performance comprendono che la moderazione è più divertente dell'enfasi. 1980s ha prodotto molti film. Quelli che rimangono in elenchi come questo decenni dopo sono quelli che hanno capito qualcosa di vero sulle persone piuttosto che solo sul momento. La storia fantastica è qui perché ha capito qualcosa di duraturo.
La sceneggiatura di La storia fantastica dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Rob Reiner ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. Cary Elwes fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in La storia fantastica quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
La storia fantastica funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.7 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a La storia fantastica come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. Rob Reiner e Cary Elwes fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 7.7 che colloca La storia fantastica in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a La storia fantastica riflette un genuino apprezzamento per ciò che Rob Reiner ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. La storia fantastica è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
Terminator
Anno 2029: un computer chiamato Skynet sta lottando contro un gruppo di resistenza umana, dopo aver distrutto l'umanità nel 1997. Skynet manda nel passato uno dei suoi guerrieri, un cyborg di sembianze umane chiamato Terminator, per uccidere Sarah Connor, la madre del leader della resistenza, prima che dia alla luce suo figlio. La resistenza manda un guerriero di nome Kyle Reese nel 1984 per proteggere Sarah.
Perché guardare: Il thriller nella sua forma migliore significa che il pubblico prova paura prima che accada qualcosa di esplicito. James Cameron raggiunge questo obiettivo in Terminator attraverso il controllo delle informazioni e dei tempi.
Terminator risale a 1984, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che Terminator si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. Con 7.7, Terminator si colloca in un intervallo in cui la qualità è costante ma il film non ha ottenuto l'ampio consenso dei titoli con rating più elevato. Questo consenso più ristretto spesso riflette un fascino specifico: Terminator non è per tutti, ma per lo spettatore giusto è eccellente. Questo appartiene alla categoria dei thriller in cui la tensione è psicologica piuttosto che fisica. Il regista confida che il pubblico senta la pressione senza che venga mostrato un pericolo esplicito. Il risultato è più inquietante rispetto alla meccanica del thriller convenzionale. Gli 1980s sono stati un momento culturale specifico con preoccupazioni specifiche e approcci estetici specifici. Terminator riflette quelle condizioni trascendendole: è un film 1980s che non richiede di comprendere 1980s per apprezzarlo.
Le prestazioni in Terminator sono calibrate su un registro specifico che James Cameron ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Arnold Schwarzenegger ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Terminator that land hardest are the ones where Arnold Schwarzenegger does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Coloro che guardano Terminator per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Terminator per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Terminator cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di James Cameron sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Arnold Schwarzenegger nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, Terminator occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: Terminator arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di James Cameron qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano Terminator qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Mississippi Burning - Le radici dell'odio
Estate del 1964 in un piccolo centro dello stato del Mississippi. Due agenti dell' Fbi indagano sulla misteriosa scomparsa di tre attivisti del movimento per i diritti civili: due ebrei bianchi e un nero. Il detective Anderson è un duro ex sceriffo di quelle parti che conosce fin troppo bene vizi e pregiudizi del profondo Sud. Invece Alan Ward vorrebbe seguire alla lettera il regolamento del Bureau.
Perché guardare: Alan Parker si avvicina a Mississippi Burning - Le radici dell'odio con la pazienza che un buon dramma richiede e raramente ottiene. Il risultato è un film che si guadagna i suoi momenti emotivi piuttosto che programmarli.
La versione 1988 di Mississippi Burning - Le radici dell'odio è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Mississippi Burning - Le radici dell'odio l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Mississippi Burning - Le radici dell'odio si autoseleziona per il coinvolgimento. Mississippi Burning - Le radici dell'odio a 7.7 rappresenta il livello affidabile di questo elenco. Questi sono i film che non deludono. Alan Parker ha capito cosa doveva essere il film e lo ha realizzato senza compromessi. Ciò che lo distingue come dramma è il rifiuto del regista di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il film crea situazioni con un peso emotivo e quindi confida che gli spettatori portino da soli quel peso. Le performance forniscono il registro emotivo senza eccessivi segnali. Classificare i film del 1980s uno contro l'altro è in parte un esercizio per identificare ciò che è sopravvissuto. Mississippi Burning - Le radici dell'odio è sopravvissuto perché Alan Parker ha fatto scelte basate sull'artigianato piuttosto che sulla tendenza. La valutazione 7.7 riflette il pubblico che trova ancora valide quelle scelte.
La struttura di Mississippi Burning - Le radici dell'odio è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Alan Parker effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Mississippi Burning - Le radici dell'odio taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Mississippi Burning - Le radici dell'odio disorientante in modo produttivo.
Mississippi Burning - Le radici dell'odio è adatto alle serate in cui si desidera guardare qualcosa che abbia sostanza genuina piuttosto che qualcosa che riempia semplicemente il tempo. Non è un film di sottofondo e non è un'esperienza passiva. Alan Parker ha costruito qualcosa che richiede la tua attenzione e la premia in modo specifico anziché generale. Gli spettatori che guardano Mississippi Burning - Le radici dell'odio mentre fanno altre cose otterranno una versione del film notevolmente ridotta rispetto alla versione disponibile a qualcuno che gli presta tutta la sua attenzione. La classificazione 7.7 riflette l'esperienza visiva con piena attenzione. Il cast, nello specifico Gene Hackman, offre dettagli prestazionali che si registrano in una visione concentrata e scompaiono in una visione distratta.
Mississippi Burning - Le radici dell'odio si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. Alan Parker ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 7.7 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di Alan Parker a questo materiale in genere trovano Mississippi Burning - Le radici dell'odio tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
Brazil
Sam Lowry è un tecnocrate in una società futuristica che è inutilmente contorta e inefficiente. Sogna una vita dove può volare via dalla tecnologia, dalla burocrazia opprimente e trascorrere l'eternità con la donna dei suoi sogni. Cercando di correggere l'arresto illegittimo di Harry Buttle, Lowry incontra la donna che insegue sempre nei suoi sogni, Jill Layton. Nel frattempo, la burocrazia lo ha indicato come responsabile di una serie di attentati terroristici, e le vite di Sam e Jill sono in pericolo.
Perché guardare: Un film che è veramente divertente piuttosto che semplicemente commercializzato come tale. L'umorismo in Brazil deriva dal carattere, non dall'impostazione.
Brazil (1985) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Brazil ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 7.7 da parte di un ampio pool di elettori significa che il film ha punti di forza autentici che superano qualsiasi debolezza riscontrata dagli spettatori. Brazil mantiene la sua promessa principale, ovvero lo standard minimo che ogni film dovrebbe soddisfare e meno di quanto suggerisce il numero di uscite. Ciò che fa sì che il film funzioni come una commedia è il rifiuto del regista di segnalare dove sia l'umorismo. Le battute provengono dal personaggio e dalla situazione, il che significa che gli spettatori che prestano attenzione trovano di più degli spettatori che aspettano che gli venga detto che dovrebbero ridere. Brazil guadagna il suo posto in qualsiasi resoconto del cinema 1980s perché cattura qualcosa che il decennio ha prodotto e che i decenni successivi hanno perso. Le condizioni culturali e tecnologiche del cinema di 1980s hanno plasmato ciò che Terry Gilliam ha potuto realizzare qui.
L'ambiente sonoro di Brazil è costruito deliberatamente quanto quello visivo. Terry Gilliam comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Brazil utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Jonathan Pryce lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Brazil è una raccomandazione affidabile per gli spettatori che sono disposti ad affrontare un film alle sue condizioni piuttosto che pretendere che si conformi alle aspettative portate da altrove. Non ha l'onnipresenza culturale dei titoli più quotati in questa categoria, il che significa che arriva senza il peso della visione obbligatoria. Il pubblico che scopre Brazil senza che gli sia stato detto che deve vederlo spesso risponde in modo più deciso rispetto a chi lo affronta come un obbligo. Terry Gilliam ha realizzato qualcosa con un fascino specifico: non cercare di essere tutto per tutti. Gli spettatori che si connettono con Brazil tendono a trovarlo notevolmente migliore di quanto suggerito dalla valutazione 7.7, motivo per cui mantiene quella valutazione nonostante la visibilità di marketing limitata.
La posizione di Brazil in questa sezione della lista riflette un film che offre in modo affidabile le sue qualità specifiche senza aspirare a essere tutto per tutti. Terry Gilliam ha capito di cosa si trattava il film e lo ha realizzato ad alto livello artigianale. La valutazione 7.7 rappresenta gli spettatori che hanno apprezzato il film in questi termini e hanno ritenuto che valesse la pena valutarlo molto bene. Gli spettatori che hanno aspettative diverse a volte trovano il film meno soddisfacente di quanto suggerisca la valutazione, il che non è un punto debole del film ma delle aspettative. Brazil è esattamente quello che è, realizzato con abilità, e gli elettori che lo hanno valutato hanno risposto così.
Velluto blu
Sotto l'apparente serenità di una cittadina si nasconde un mondo oscuro dove regna l'imprevedibile e da cui gli innocenti si tengono alla larga. È l'ammaliante regno di Velluto Blu. Generato dalla fantasia di David Linch (Mulholland Drive, Twin Peaks), Velluto Blu mescola in maniera scioccante e profondamente inquietante orrore e schiettezza. Jeffrey Beaumont, un onesto giovane interpretato da Kyle MacLachlan, quando trova un orecchio umano in un campo si rende conto che la sua cittadina natale non è poi così tranquilla. Le sue indagini lo catapultano nel mistero seducente ed erotico di un assassinio che coinvolge una problematica cantante di nightclub (Isabella Rossellini) e un tossicodipendente sadico (Dennis Hopper). Ben presto Jeffrey si trova invischiato nelle loro esistenze depravate, sino al punto di non ritorno.
Perché guardare: Velluto blu guadagna onestamente la sua tensione: la pressione deriva dalla situazione e dal carattere piuttosto che dalla sorpresa artificiale. David Lynch confida che il pubblico percepisca la posta in gioco.
Pubblicato nel 1986, Velluto blu è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. David Lynch ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 7.6 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 7.6 per Velluto blu è calcolato in base agli spettatori che avevano alternative e hanno scelto di dargli un punteggio elevato. Questa scelta riflette un film che ha espresso chiaramente le sue ragioni, che è esattamente ciò che fa Velluto blu. David Lynch ha presentato la sua argomentazione e il pubblico l'ha accettata. Ciò che fa sì che il film funzioni come un thriller è la consapevolezza che la posta in gioco richiede investimenti. Il primo atto costruisce il carattere prima che arrivi la pressione. Quando la tensione aumenta, hai motivo di preoccuparti del risultato. Ogni decennio produce film che al momento sembrano essenziali e poi svaniscono. Velluto blu appartiene alla categoria più piccola: i film 1980s sono ancora apprezzati dagli spettatori che non hanno nostalgia dell'epoca. Quella qualità intergenerazionale è il vero test.
Il linguaggio visivo di Velluto blu riflette il cinema di 1986 nella sua massima espressione. David Lynch ha lavorato entro limiti tecnici che richiedevano che la composizione e l'illuminazione portassero il peso emotivo che le produzioni moderne scaricano nella post-produzione. Ogni fotogramma di Velluto blu è stato progettato anziché modificato. Il risultato è una coerenza visiva che i film contemporanei, con le loro illimitate opzioni di post-produzione, raramente raggiungono. Guardare Velluto blu con attenzione a come sono composte le inquadrature rivela un regista che ha capito che la telecamera non sta semplicemente registrando qualcosa, ma sta discutendo su come vederlo.
Gli spettatori che guardano Velluto blu per la prima volta dovrebbero prestare particolare attenzione a come David Lynch gestisce le transizioni tra le scene. I tagli in Velluto blu non sono convenzionali: tendono a concentrarsi sui momenti dei personaggi piuttosto che sui ritmi della trama, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo del film sono la stessa cosa. Se una scena sembra finire prima o più tardi del previsto, il tempismo è una scelta e di solito ti dice qualcosa di specifico sullo stato del personaggio in quel momento. Isabella Rossellini lavora all'interno di questo ritmo con una prestazione fisica che è più visibile nelle scene immediatamente successive agli eventi più importanti: le inquadrature di reazione e i momenti tranquilli in cui il personaggio si consolida anziché andare avanti. Il contesto di produzione di 1986 significa che queste scelte sono state fatte senza le reti di sicurezza digitali che consentono ai film contemporanei di adattarsi in post-produzione. Quello che vedi è ciò che intendeva David Lynch.
I film posizionati tra gli undici e i venticinque in elenchi come questo sono spesso le scoperte più utili perché portano la qualità dei primi dieci senza il peso culturale. Velluto blu è in questa posizione non perché sia significativamente peggiore delle voci precedenti, ma perché il suo fascino è più concentrato. Gli spettatori che si collegano a ciò che David Lynch sta facendo in Velluto blu lo valutano tanto quanto qualsiasi altro film in questo elenco. La media su una base elettorale più ampia lo colloca qui. Gli spettatori che hanno ragioni specifiche per pensare che questo film sia per loro - in base alla preferenza del genere, all'interesse del regista o all'epoca - dovrebbero dargli la priorità rispetto a diverse voci che si collocano al di sopra di esso.
L'ultimo imperatore
Manciuria, confine tra Unione Sovietica e Cina, anno 1950. Un treno militare proveniente dalla Russia sovietica e carico di criminali di guerra accusati di aver collaborato con l'invasore giapponese durante la guerra fa il suo arrivo in un avamposto della Repubblica Popolare Cinese. Tra i prigionieri vi è Aisin Gioro Pu Yi, l'ultimo e ormai ex imperatore cinese: non si distingue per nulla dagli altri prigionieri, e i soldati lo trattano con la stessa durezza che riservano agli altri ostaggi. Facendo drammaticamente i conti con un avvenire nei panni di un carcerato senza importanza e prospettive, peraltro alla totale mercé di un feroce e onnipotente regime comunista, tenta il suicidio tagliandosi le vene e immergendole nell'acqua calda di uno squallido gabinetto. Mentre i guardiani tentano di sfondare la porta, intuendo il sospetto, la mente del moribondo inizia a rievocare la sua vita fin dal primo ricordo d'infanzia.
Perché guardare: Ciò che fa sì che L'ultimo imperatore funzioni come dramma è il rifiuto di Bernardo Bertolucci di spiegare ciò che il pubblico può provare. Il registro emotivo viene creato, non segnalato.
L'ultimo imperatore risale a 1987, il che significa che è stato testato da più generazioni di spettatori. Il fatto che L'ultimo imperatore si classifichi ancora in alto riflette l'artigianato genuino piuttosto che la nostalgia. L'ultimo imperatore at 7.6 è un film in cui l'imbarcazione è costantemente al di sopra della media in più dimensioni. Nessun singolo elemento trasporta gli altri. La regia, la scrittura e la performance vanno tutte nella stessa direzione. Il film dimostra cosa può fare il dramma che altri generi non possono fare: mettere sotto pressione il comportamento umano ordinario e rivelare il carattere attraverso la risposta. Il regista crea queste condizioni e il cast le vive con genuina convinzione. Il contesto 1980s per L'ultimo imperatore non è casuale. Le condizioni estetiche specifiche del decennio - cosa la tecnologia ha permesso, cosa la cultura ha richiesto - hanno plasmato le scelte che Bernardo Bertolucci ha fatto qui. Quelle scelte reggono indipendentemente dal loro momento.
La sceneggiatura di L'ultimo imperatore dimostra qualcosa che la maggior parte dei film non riesce a raggiungere: ogni scena fa due cose contemporaneamente. L'azione di superficie fa avanzare la trama. Il sottotesto fa avanzare il carattere. Bernardo Bertolucci ha lavorato con materiale che confidava nel fatto che il pubblico registrasse ciò che non era stato detto così chiaramente come ciò che era. John Lone fornisce battute che significano cose diverse a seconda di ciò che sai in quel punto del film. Gli spettatori che guardano per la prima volta un film. Gli spettatori che conoscono il finale ne sperimentano un altro. Questa sofisticazione strutturale è più visibile in L'ultimo imperatore quando presti attenzione a ciò che i personaggi evitano costantemente di dire direttamente.
Gli spettatori che hanno visto i film influenzati da L'ultimo imperatore troveranno l'originale un'esperienza diversa rispetto a un film contemporaneo. Le tecniche che sembrano familiari perché sono state ampiamente copiate sono visibili qui nella loro forma originale, il che spesso rivela che le copie comprendevano la superficie di ciò che Bernardo Bertolucci faceva senza capirne il ragionamento dietro. L'ultimo imperatore utilizza le sue scelte stilistiche al servizio di obiettivi narrativi specifici. I film successivi che presero in prestito quelle scelte spesso le usarono come stile senza la funzione. Guardare l'originale chiarisce cosa si stava effettivamente realizzando. Il lavoro di John Lone qui ha anche una specificità che manca a molte performance ad esso ispirate: le imitazioni catturano la maniera senza l'interiorità che fa sì che la maniera significhi qualcosa.
L'ultimo imperatore in questa posizione nell'elenco rappresenta un film che ha raggiunto una qualità genuina e un apprezzamento duraturo senza diventare un monumento culturale. Il vantaggio di questa posizione è che le prestazioni di John Lone e l'imbarcazione di Bernardo Bertolucci possono essere scoperte in modo fresco piuttosto che attraverso il filtro di ampie discussioni precedenti. Le cose specifiche per cui vale la pena guardare questo film - descritte nelle note editoriali sopra - sono più facili da vedere quando non ti aspetti di confermare una reputazione. La valutazione nella sezione centrale di questo elenco non rappresenta una retrocessione. È una descrizione di un film eccellente per il suo pubblico specifico.
Una pazza giornata di vacanza
Ferris è un adolescente molto sveglio e popolare. Un giorno, decide di marinare la scuola in barba a famigliari e insegnanti, in compagnia della fidanzata e di un amico.
Perché guardare: La commedia è il genere più difficile da sostenere. John Hughes fa sembrare Una pazza giornata di vacanza senza sforzo, il che è il segno di una notevole maestria che la maggior parte del pubblico non registra consapevolmente.
La versione 1986 di Una pazza giornata di vacanza è completamente antecedente all'era dello streaming. Ogni spettatore che ha valutato Una pazza giornata di vacanza l'ha scoperto attraverso uno sforzo deliberato: proiezione nelle sale, supporto fisico o raccomandazione. Il pubblico di Una pazza giornata di vacanza si autoseleziona per il coinvolgimento. I film della gamma 7.6 sono spesso più interessanti di quanto suggerisca la loro posizione in un elenco. Non hanno raggiunto la saturazione culturale dei titoli con rating più alto, il che significa che Una pazza giornata di vacanza è più facile da avvicinare senza preconcetti. Una pazza giornata di vacanza ne trae vantaggio. La coerenza del film come commedia deriva dalla coerenza. Il regista stabilisce le regole del mondo e il comportamento dei personaggi al suo interno, e l'umorismo emerge dal modo in cui questi personaggi affrontano una situazione. I film del 1980s che ancora oggi valgono 7.6 sono sopravvissuti a un test più lungo di qualsiasi altra uscita contemporanea. Una pazza giornata di vacanza ha superato quel test perché il suo nucleo - narrazione, performance, artigianato - funziona senza richiedere la sua epoca.
Le prestazioni in Una pazza giornata di vacanza sono calibrate su un registro specifico che John Hughes ha stabilito e mantenuto durante tutta la produzione. Matthew Broderick ha capito che il materiale richiedeva di essere sottovalutato piuttosto che enfatizzato. The moments in Una pazza giornata di vacanza that land hardest are the ones where Matthew Broderick does less than a less skilled actor would. L'ensemble lavora insieme con un ritmo che suggerisce una preparazione approfondita più che solo talento. Le scene in cui sono presenti più membri del cast rivelano una dinamica collaborativa rara nei film in cui la performance individuale viene messa in primo piano a scapito della verità dell'insieme.
Una pazza giornata di vacanza funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.6 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Una pazza giornata di vacanza come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. John Hughes e Matthew Broderick fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
La valutazione 7.6 che colloca Una pazza giornata di vacanza in questa sezione dell'elenco è stata ottenuta dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che si trova sopra di essa. Hanno valutato questo film dopo aver visto o conosciuto quei titoli. La loro decisione di assegnare un punteggio elevato a Una pazza giornata di vacanza riflette un genuino apprezzamento per ciò che John Hughes ha ottenuto qui: qualcosa di diverso piuttosto che inferiore rispetto ai primi dieci classificati. La gamma di qualità in un elenco come questo è più ristretta di quanto suggerisca la gamma di posizioni. La differenza tra la posizione otto e la posizione diciotto è in parte una differenza nella specificità dell'appello. Una pazza giornata di vacanza è specificamente eccellente piuttosto che ampiamente eccellente. Per lo spettatore giusto, quella specificità è una risorsa.
Gandhi
Vita, attività politica e morte di Mohandas Karamchand Gandhi (1869-1948): studi a Londra, apprendistato in Sudafrica, attività politica, digiuni di protesta, morte violenta per mano di un bramino e solenni funerali. Nell'impersonare il grande apostolo dell'indipendenza dell'India e della non violenza, Kingsley è straordinario. Appartenente alla categoria dei colossi con un'idea, il film è coinvolgente, convincente, un po' didattico. 8 premi Oscar: film, regia, Kingsley, sceneggiatura (John Briley), fotografia, costumi, scenografie, montaggio.
Perché guardare: Il tipo di dramma che ti rimane impresso anche dopo i titoli di coda. Richard Attenborough conferisce al materiale una pazienza che lo eleva al di sopra della tariffa standard.
Gandhi (1982) è arrivato prima che Internet rendesse ogni film immediatamente disponibile ovunque. Raggiungere il pubblico richiedeva un passaparola autentico e Gandhi ha costruito quel passaparola perché offrisse qualcosa di reale. Una valutazione 7.6 riflette la regia, la scrittura e la performance che operano a livelli costanti simultaneamente. I film che ottengono punteggi in questo intervallo raramente falliscono in modo significativo in ogni singola dimensione e Gandhi non fa eccezione. Il regista lavora con una pazienza che la maggior parte del dramma contemporaneo non può permettersi. Le scene possono andare oltre il loro ovvio punto finale, trovando la verità in ciò che fanno i personaggi dopo che hanno detto quello che erano venuti a dire. Il cast capisce questo ritmo. Nel contesto del cinema 1980s in generale, Gandhi rappresenta ciò che il decennio ha contribuito rispetto ai decenni precedenti e successivi. Le condizioni specifiche del cinema di 1980s – budget, tecnologia, contesto culturale – hanno prodotto qui qualcosa che poteva provenire solo da quel momento.
La struttura di Gandhi è costruita in modo tale che il ritmo serva al significato piuttosto che alla convenzione. Richard Attenborough effettua tagli in momenti che sembrano leggermente inaspettati, mantenendo il pubblico in uno stato di attenzione impegnata piuttosto che di visione passiva. I film che seguono ritmi ovvi diventano prevedibili. Gandhi taglia i momenti dei personaggi, il che significa che il ritmo del montaggio e il ritmo emotivo sono la stessa cosa. Il risultato è un film in cui la struttura stessa comunica qualcosa sugli stati interiori dei personaggi. Gli spettatori che sono stati intorpiditi dal montaggio convenzionale trovano Gandhi disorientante in modo produttivo.
Coloro che guardano Gandhi per la prima volta dovrebbero accedere con la minima conoscenza preliminare possibile. Il film è stato discusso e citato così ampiamente che è facile arrivare con aspettative modellate dalle reazioni di altre persone piuttosto che dal film stesso. L'esperienza reale di guardare Gandhi per la prima volta, senza sapere esattamente cosa accadrà, è significativamente diversa dal guardarlo come una quantità nota. Se non l’avete ancora visto, è un vantaggio che vale la pena preservare. Gli spettatori di ritorno scoprono che Gandhi cambia quando lo rivedi, non perché cambia il film, ma perché conoscere il risultato cambia i dettagli che noti e cosa stanno effettivamente facendo le prime scene. La costruzione del primo atto di Richard Attenborough sembra diversa una volta che sai dove finisce. La performance di Ben Kingsley nelle prime scene contiene informazioni leggibili solo ad una seconda visione.
Posizionato tra gli undici e i venticinque in questo elenco, Gandhi occupa il territorio in cui la qualità è costante ma il film non ha raggiunto la saturazione culturale dei primi dieci. Questa posizione ha un vantaggio per i nuovi spettatori: Gandhi arriva senza la pressione visiva obbligatoria che si attribuisce ai titoli di alto livello. Il film può essere affrontato alle sue condizioni piuttosto che contro il peso delle reazioni degli altri. Il lavoro di Richard Attenborough qui è abbastanza forte da reggere il confronto con i primi dieci titoli e abbastanza diverso da offrire qualcosa che questi titoli non offrono. Le qualità specifiche che collocano Gandhi qui anziché più in alto sono spesso le qualità che lo rendono più interessante per gli spettatori che hanno già visto i titoli più consigliati.
Predator
Un commando di soldati americani specialisti in guerriglia viene inviato nella giungla del centro america per distruggere un gruppo di guerriglieri. La missione viene rapidamente eseguita, ma sulla via del ritorno il commando diviene il bersaglio di un terrificante essere invisibile, il quale attacca gli uomini, li uccide e li squarta. In breve tempo Dutch, il comandante del gruppo rimane solo a fronteggiare quello che si rivela essere un cacciatore alieno dotato di armi e tecnologia superiori. Il coraggio, l'addestramento e un po' di fortuna consentiranno all'uomo di individuare i punti deboli del mostro.
Perché guardare: Predator risolve il problema centrale del cinema d'azione: farti interessare prima di mostrarti l'azione. Le sequenze arrivano perché le scene precedenti stabiliscono il motivo per cui sono importanti.
Pubblicato nel 1987, Predator è stato realizzato in un'epoca in cui le proiezioni nelle sale determinavano la sopravvivenza di un film. John McTiernan ha creato qualcosa che è sopravvissuto e la valutazione 7.6 che detiene oggi è la prova di tale capacità di resistenza. Il punteggio 7.6 di Predator lo colloca tra i film che mantengono le premesse senza debolezze significative. John McTiernan ha realizzato qualcosa che funziona come previsto, il che è meno comune di quanto sembri. Il cinema d’azione fallisce quando la logica spaziale crolla e le sequenze diventano uno spettacolo astratto. Questo film evita questo fallimento. Il regista realizza storyboard per la comprensione, non solo per l'impatto. Il pubblico capisce sempre la posta in gioco di ogni momento. 1980s ha prodotto molti film. Quelli che rimangono in elenchi come questo decenni dopo sono quelli che hanno capito qualcosa di vero sulle persone piuttosto che solo sul momento. Predator è qui perché ha capito qualcosa di duraturo.
L'ambiente sonoro di Predator è costruito deliberatamente quanto quello visivo. John McTiernan comprende che il sound design e la colonna sonora operano al di sotto dell'attenzione cosciente, modellando la risposta emotiva prima che il pubblico possa analizzare ciò che sta accadendo. Le sequenze più silenziose di Predator utilizzano il suono ambientale per creare presenza piuttosto che assenza. Le sequenze composte utilizzano musica che risponde al personaggio piuttosto che segnalare ciò che il pubblico dovrebbe provare. Arnold Schwarzenegger lavora in questo ambiente sonoro con una performance fisica che spiega come la scena verrà vissuta sia dal punto di vista uditivo che visivo. La combinazione produce qualcosa che funziona sul pubblico piuttosto che semplicemente su di lui.
Predator funziona per gli spettatori che normalmente non cercano film di quest'epoca o genere. Le qualità che gli hanno valso una valutazione 7.6 non sono specifiche del genere o del periodo: sono le qualità che rendono eccellente qualsiasi film: narrazione chiara, performance avvincente e regia che serve il materiale piuttosto che mostrarsi. Gli spettatori che si avvicinano a Predator come a un film piuttosto che come a un artefatto culturale tendono ad avere le risposte più forti. Il peso culturale che ha accumulato dopo il rilascio può creare distanza piuttosto che accesso. La cornice più utile è semplicemente: questo è un film ben realizzato su persone specifiche in una situazione specifica. Tutto il resto deriva dal guardarlo con attenzione. John McTiernan e Arnold Schwarzenegger fanno il lavoro; il compito dello spettatore è essere presente.
Predator si colloca nella sezione centrale di questa lista perché il suo appeal è specifico piuttosto che universale - e l'attrattiva specifica, valutata onestamente, produce una valutazione media inferiore rispetto all'attrattiva generale anche quando il film è eccellente per lo spettatore giusto. John McTiernan ha fatto scelte che alcuni spettatori trovano convincenti e altri impegnative. La valutazione 7.6 riflette quella risposta mista ma in definitiva positiva da parte di una base elettorale che includeva entrambi i gruppi. Gli spettatori le cui preferenze sono in linea con l'approccio di John McTiernan a questo materiale in genere trovano Predator tra le voci più forti dell'elenco. Valutarlo nel contesto piuttosto che isolatamente produce un'impressione diversa da quella suggerita dal solo numero.
Come abbiamo classificato questi film 1980s
Ogni film in questa pagina è stato selezionato utilizzando i dati dell'API Movie Database, filtrati per soglie di voto minime per garantire coerenza di qualità. Il processo inizia con tutti i film di questa categoria, ordinati in base alla media dei voti in ordine decrescente, quindi filtrati per escludere i film con un numero di voti inferiore a quello richiesto.
Da quell'elenco più ampio, ogni voce è stata verificata manualmente per verificarne l'accuratezza. Una valutazione elevata non si traduce automaticamente in guardabilità. Un film che è di tendenza a causa delle notizie recenti non è la stessa cosa di un film che è di tendenza perché è veramente bello. L'analisi editoriale su ciascuna voce riflette la qualità effettiva del film piuttosto che il rumore culturale.
La selezione mantiene un equilibrio tra accessibilità e profondità. I film qui spaziano dalle uscite contemporanee ai titoli di catalogo che meritano di essere riscoperti. Tutti sono stati realizzati con mestiere e intenzione. Tutta la visualizzazione della ricompensa.
I migliori film 1980s per genere
I film 50 in questa pagina abbracciano più generi e sottogeneri. Il genere è utile come filtro ma non come categoria definitiva. Un film etichettato Drama potrebbe essere pieno di suspense quanto uno etichettato Thriller. Un film etichettato Azione potrebbe essere emotivamente intelligente quanto uno etichettato Drammatico. Usa il genere come punto di partenza, non come quadro completo.
I tag di genere su ogni film ti mostrano dove si trova il film categoricamente. Utilizza i filtri per trovare i generi all'interno di 1980s che ti interessano di più.
I migliori film 1980s per valutazione
I film in questa pagina sono divisi in tre livelli di classificazione. I film superiori a 8,5 sono eccezionali sotto ogni aspetto e rappresentano il miglior cinema in assoluto in questa categoria. I film da 7,5 a 8,4 mostrano una maestria coerente e sono affidabili e forti. I film da 7.0 a 7.4 sono comunque eccellenti e vale la pena guardarli, sebbene rappresentino una gamma di qualità leggermente più ampia.
Una valutazione di 8,0 su TMDB richiede una base elettorale sufficientemente ampia per essere statisticamente affidabile. Riflette un genuino apprezzamento del pubblico testato nel tempo.
I migliori film 1980s per Runtime
Il runtime è uno dei filtri più utili quando si sceglie cosa guardare e uno dei meno utilizzati. I film di durata inferiore a 90 minuti offrono esperienze complete e precise. I film da 90 a 120 minuti rappresentano la durata ottimale per la maggior parte delle situazioni di visualizzazione. I film superiori a 120 minuti richiedono impegno ma lo premiano.
Usa il tuo tempo a disposizione per trovare il film giusto piuttosto che iniziare qualcosa a tarda notte che dura molto più a lungo del previsto.
Gemme nascoste che vale la pena trovare
Ogni selezione 1980s contiene film che si collocano al di sotto delle prime classifiche di visibilità ma offrono qualcosa di eccezionale. Questi sono i film che l'algoritmo sottopondera perché non hanno il riconoscimento del franchise o una recente copertura da parte della stampa. Non sono nascosti perché sono oscuri. Sono nascosti perché le piattaforme emergono per prime le opzioni più rumorose.
Explore Related 1980s Content
The 1980s is best understood through multiple lenses. Below are related ways to explore movies from this decade and era.
Domande frequenti
Quali sono i migliori film di 1980s?
I migliori film di 1980s sono classificati ed elencati per intero in questa pagina. Questo elenco riflette il genuino apprezzamento del pubblico piuttosto che la nostalgia. Ogni film ha guadagnato la sua posizione grazie alla risposta positiva sostenuta da un pubblico abbastanza vasto da avere importanza.
Qual è il film con il punteggio più alto di 1980s?
I film con il punteggio più alto di 1980s sono elencati nella parte superiore di questa pagina. I film con punteggio pari o superiore a 8,5 sono stati apprezzati dagli spettatori che hanno avuto accesso a tutto ciò che è stato realizzato da allora, il che rende la valutazione più significativa di quanto suggerisca il solo numero.
Quali sono i migliori thriller 1980s?
I thriller di 1980s sono identificati dai tag di genere in questa pagina. Cerca i film contrassegnati con Thriller o Crime Thriller. I migliori thriller 1980s creano tensione attraverso l'investimento nei personaggi piuttosto che attraverso lo shock prodotto.
Quali sono i migliori drammi 1980s?
I film drammatici del 1980s rappresentano alcuni dei lavori più duraturi dell'epoca. I migliori drammi 1980s hanno avuto fiducia nel pubblico nel registrare informazioni emotive senza sottolinearle e continuano a premiare la visione decenni dopo l'uscita.
Quali sono i migliori film d'azione 1980s?
Il cinema d'azione si è evoluto in modo significativo durante il 1980s. I film in questa pagina contrassegnati con Azione rappresentano il meglio di quell'evoluzione, con sequenze dirette prima alla comprensione e poi all'impatto.
Quali sono le migliori commedie 1980s?
Le migliori commedie di 1980s derivano l'umorismo dai personaggi piuttosto che dalla meccanica della preparazione e della battuta finale. Rimangono divertenti perché i personaggi sono specifici e riconoscibili anche quando i riferimenti culturali originari sono sbiaditi.
Quali sono i migliori film horror 1980s?
I migliori film horror di 1980s hanno capito che l'atmosfera è più duratura dello shock e che la paura richiede un investimento preventivo nei personaggi. Sono stati selezionati per la capacità atmosferica e l'intelligenza strutturale piuttosto che per il contenuto esplicito.
Quali sono i migliori film di fantascienza 1980s?
I migliori film di fantascienza 1980s utilizzavano premesse speculative per esplorare le questioni umane piuttosto che come spettacolo. Il genere è stato preso abbastanza sul serio che i progetti con idee reali al loro interno sono stati realizzati e distribuiti nelle sale.
Quali sono i migliori film polizieschi 1980s?
Il cinema poliziesco di 1980s rappresenta alcuni dei lavori più forti che il genere abbia prodotto. Questi film affrontavano l’ambiguità morale senza risolverla e mostravano i costi della vita criminale senza romanticismo.
Quali sono i migliori film in lingua straniera di 1980s?
Il cinema internazionale del 1980s è rappresentato in questo elenco. Diversi cinema nazionali attraversarono periodi di massima creatività durante quest'epoca. Gli scettici dei sottotitoli dovrebbero iniziare con qualsiasi film in lingua straniera con classificazione 8,5 e superiore in questa pagina.
Quali sono i film più sottovalutati della 1980s?
La sezione Gemme nascoste in questa pagina identifica i film 1980s che hanno ottenuto un punteggio compreso tra 6,5 e 7,4 da basi di elettori significative. Questi film sono sottovalutati non perché siano oscuri, ma perché mancano di riconoscimento in franchising o di recente copertura da parte della stampa.
Quali film di 1980s tutti dovrebbero vedere almeno una volta?
I film con punteggio 8.0 e superiore in questo elenco rappresentano la visualizzazione 1980s non negoziabile. Questi hanno ottenuto un autentico consenso critico tra più generazioni di spettatori e continuano a raggiungere un nuovo pubblico.
Quali sono i migliori film 1980s per qualcuno che di solito non guarda i film più vecchi?
Inizia con qualsiasi film con classificazione 8,5 e superiore da questa pagina. La qualità non invecchia. Utilizza i tag di genere per trovare un film 1980s in un genere che ti piace e inizia da lì.
Come si confrontano i film 1980s con il cinema moderno?
La 1980s ha prodotto film sotto vincoli diversi e con ambizioni diverse. Le strutture economiche consentivano ai film di fascia media con premesse originali di ottenere l'uscita nelle sale. Directors were given more creative control relative to studios than is common now.
Vale ancora la pena guardare i film 1980s oggi?
Sì, senza qualifica. I film in questo elenco sono stati selezionati perché reggono, non perché sono storicamente interessanti. Il grande cinema non invecchia come invecchiano la tecnologia o la moda. Il pubblico contemporaneo continua ad apprezzare molto questi film.