Grave of the Fireflies
昭和20年6月9日、神戸は大空襲に見舞われ、清太は心臓の悪い母を先に防空壕へ避難させ、幼い妹節子を連れて後を追う。空襲の後、避難所である学校に着いた清太だったが、そこには、全身にやけどを負い瀕死の母の姿があった。母はそのまま息を引き取り、清太は節子と共に西宮にある叔母の家に間借りするが、次第に清太たちを厄介者扱いするようになる。嫌味を言われ、ご飯も満足に食べさせてもらえない生活に耐え切れなくなった清太は、家出を決意し、節子と２人で池のほとりの横穴での生活を始める。
なぜ見るのか: このセレクションの中で最も評価の高い映画の 1 つ。 Grave of the Fireflies は、複数の世代の視聴者の間で継続的に高い評価を受けることでその評判を獲得してきました。
Grave of the Fireflies (1988) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Grave of the Fireflies がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 8.4 の評価は、一貫したレベルで同時に動作する監督、脚本、パフォーマンスを反映します。この範囲のスコアの映画が単一の側面で大きく失敗することはほとんどなく、Grave of the Fireflies も例外ではありません。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 1980s映画全体のコンテキストでは、Grave of the Fireflies は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1980s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
Grave of the Fireflies のビジュアル言語は、1988 の映画制作を最大限に反映しています。 Isao Takahata は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 Grave of the Fireflies のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して Grave of the Fireflies を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
Grave of the Fireflies を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて Grave of the Fireflies を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると Grave of the Fireflies が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Isao Takahata の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Tsutomu Tatsumi のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの上位 10 位に Grave of the Fireflies をランク付けるには、特別な議論は必要ありません。統計的に意味があるのに十分な規模の有権者ベースからの 8.4 評価が議論です。深刻なリストのトップ 10 に入る映画がその位置を占めているのは、常に最も幅広い視聴者に配信しているためであり、Grave of the Fireflies は、これを見たすべての層にそれを実現しました。ここでの Isao Takahata の作品は、個々のシーンの品質が映画全体のレベルに耐えられるものに複合されるレベルで機能していますが、これは思っているよりも珍しいことです。
Cinema Paradiso
シチリア島のとある映画館の過去と現在を背景に、少年と映写技師が映画を通して心を通わせていく様と、時を超える映画への愛情を、感動的な音楽と繊細な人物描写で描き出す。本作が長編映画第2作となったG・トルナトーレ監督による映画史に残る至高の名作。日本でも1989年の東京地区単館ロードショーが40週間のロングランを記録。あまりの人気に、50分以上に及ぶ場面を復活させた［３時間オリジナル完全版］も後に公開された。 映画監督のサルヴァトーレは故郷の母から、映写技師のアルフレードの訃報を受け取り、トトと呼ばれていた少年時代を振り返る。戦後間もないシチリア島。父が戦地から帰らず、母と妹と暮らしていたトト。当時の彼の一番の楽しみは地元の映画館“パラダイス座”に入りびたることだった。そこで出会った映写技師アルフレードとの交際は後々まで続き、幸せな時もつらい時もトトはアルフレードから人生を学んでいった……。
なぜ見るのか: Cinema Paradiso は、このリストの例外的な最後に位置します。大規模な有権者ベースに基づいて構築されたこの高い評価は、誇大広告ではなく、真のコンセンサスを反映しています。
1988 年に公開された Cinema Paradiso は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Giuseppe Tornatore は生き残ったものを作り、今日の 8.4 の評価はその持続力の証拠です。 Cinema Paradiso の 8.4 スコアは、重大な弱点がなく前提条件を満たしている映画の中にランクされています。 Giuseppe Tornatore は、全体を通して意図したとおりに機能するものを作成しましたが、これは思っているほど一般的ではありません。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 1980s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 Cinema Paradiso は永続的なものを理解したためにここにいます。
Cinema Paradiso の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Giuseppe Tornatore は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Philippe Noiret は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Cinema Paradiso で最も顕著に現れます。
Cinema Paradiso は、単に時間を埋めるものではなく、本質的なものを見たい夜に適しています。これは背景ムービーではなく、受動的な体験でもありません。 Giuseppe Tornatore は、ユーザーの注意を求め、一般的ではなく具体的に報酬を与える何かを構築しました。他のことをしながら Cinema Paradiso を視聴する視聴者は、フルに注意を払った人が視聴できるバージョンよりも大幅に縮小されたバージョンの映画を視聴することになります。 8.4 評価は、フルアテンションの視聴エクスペリエンスを反映しています。キャスト (具体的には Philippe Noiret) は、集中して視聴すると記録され、気を散らして視聴すると消えてしまうパフォーマンスの詳細を提供します。
このリストの Cinema Paradiso のトップ 10 の位置は、新しい視聴者が発見し続け、高く評価し続ける持続的な卓越性という、作るのが難しいものを反映しています。ほとんどの映画は、最初に観客を魅了した後は勢いが失われます。 Cinema Paradisoはそうではありません。公開から数年、数十年後にこの作品に出会った視聴者は、初期の視聴者と同じように高い評価を与えます。 Giuseppe Tornatore は、その由来となった文化的瞬間とは独立して機能するものを作りました。これが永続的な品質の定義です。 Philippe Noiret のパフォーマンスは耐久性の一部であり、時代劇としては解釈されません。
The Empire Strikes Back
デス・スター壊滅の痛手から復活した帝国軍の前に、今や雪の惑星ホスで機会をうかがうしかない反乱軍。総攻撃を前にホスを脱出したレイアやハン・ソロたちは雲の惑星ベスピンへと旅立つが、ひとりルークはフォースの訓練を積むために伝説の＜ジェダイ・マスター＞ヨーダの住む惑星ダゴバへと向かった。ベスピンのクラウド・シティでソロの友人ランド・カルリシアン男爵の歓待を受けるレイアたち。だがそれはダース・ベイダーの仕組んだ罠だった。
なぜ見るのか: The Empire Strikes Back の背後にある数字は達成するのが困難です。何千人もの独立した視聴者が調整なしで高く評価しています。このコンセンサスは、入手可能な最も信頼できる品質の信号です。
The Empire Strikes Back の日付は 1980 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 The Empire Strikes Backが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 8.4 では、The Empire Strikes Back は品質が安定している範囲内にありますが、映画は高評価のタイトルの広範なコンセンサスに達していません。この狭いコンセンサスは、多くの場合、特定の魅力を反映しています。The Empire Strikes Back は万人向けではありませんが、適切な視聴者にとっては優れています。 監督はカメラのスペクタクルではなく、人間のスケールでアクションを撮影します。キャラクターは一貫した空間を占有し、その身体は読みやすい目的を持ってその空間を移動します。その結果、瞬間的なアドレナリンを生成するのではなく、衝撃を蓄積するアクションが得られます。 1980s は、特定の関心事と特定の美的アプローチを備えた特定の文化的瞬間でした。 The Empire Strikes Back はそれらの条件を反映しながら、それらを超越しています。この映画は、鑑賞するために 1980s を理解する必要がない 1980s映画です。
The Empire Strikes Back のパフォーマンスは、Irvin Kershner が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Mark Hamill は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 The Empire Strikes Back で最も着地が難しい瞬間は、Mark Hamill の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
The Empire Strikes Back は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.4 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 The Empire Strikes Back を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Irvin Kershner と Mark Hamill が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
The Empire Strikes Back がトップ 10 に入るのは、ほとんどの映画が試み、達成できるものはほとんどないことを実現しているからです。つまり、最初に見たときは素晴らしく、再視聴するとさらに多くの層が明らかになります。初めての観客と再訪の観客は異なる経験をしており、どちらの経験も強いです。 Irvin Kershner は、複数のレベルで同時に作業することで、この深みを映画に組み込みました。表面的なストーリーは実現しますが、その下には、すべてがどこへ向かうのかを知ったときに初めて完全に見えるようになる、巧妙な決定の層があります。この 2 レベルの構造により、The Empire Strikes Back は次の層ではなくトップ 10 にランクされます。
Once Upon a Time in America
1920年代のニューヨーク。仲間と悪事の数々を働いていた少年ヌードルスはある日、マックスと運命的な出会いを果たす。そして彼らは禁酒法の隙間をぬって荒稼ぎを続け、ギャング集団として頭角を現わしていった。だがある時、ヌードルスは無謀な計画を立てたマックスを裏切り、マックスは警察に殺されてしまう。30年後、未だ自責の念に駆られるヌードルスは、ある一通の手紙を受け、久々にニューヨークへ戻って来た。
なぜ見るのか: Once Upon a Time in America は、スコアが安定しているほど十分に長く評価を維持しています。さまざまな視聴者の間でこれほど高く評価されている映画は、単に良いというだけではなく、並外れたものです。
Once Upon a Time in America の 1984 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Once Upon a Time in America を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Once Upon a Time in America の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 8.4 の Once Upon a Time in America は、このリストの信頼できる層を表します。これらは期待を裏切らない映画です。 Sergio Leone は映画がどうあるべきかを理解し、妥協することなくそれを実行しました。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1980s の映画を相互にランク付けすることは、何が生き残ったかを特定するための演習の一部です。 Once Upon a Time in America が生き残ったのは、Sergio Leone がトレンドではなく技術に基づいて選択をしたからです。 8.4 の評価は、これらの選択肢が依然として有効であると考えている視聴者を反映しています。
Once Upon a Time in America の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Sergio Leone は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 Once Upon a Time in America は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、Once Upon a Time in America が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
初めて Once Upon a Time in America を視聴する視聴者は、Sergio Leone がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Once Upon a Time in America のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Robert De Niro はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1984 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Sergio Leone が意図したものです。
The Movie Database の評価に基づいて作成されたランキング リストのトップ 10 の位置は、真の重要なコンセンサスを表します。これは人気コンテストではありません。投票者の基準値は、個々の外れ値の意見が平均化されるほど多くの人が視聴して評価した映画をフィルターします。この位置の Once Upon a Time in America は、国や視聴習慣が異なる多様な視聴者がこの映画が優れていると独自に結論付けたことを意味します。 Sergio Leone は、Once Upon a Time in America で文化的変動に強い何かを達成しました。ここで使用されている特定のストーリーテリング アプローチは、さまざまな文脈に翻訳されます。
Back to the Future
スティーブン・スピルバーグとロバート・ゼメキスが贈るSFアドベンチャーシリーズ第1弾。高校生のマーティは、科学者・ドクの発明したタイムマシン・デロリアンで過去にタイムスリップしてしまう。
なぜ見るのか: このセレクションの中で最も評価の高い映画の 1 つ。 Back to the Future は、複数の世代の視聴者の間で継続的に高い評価を受けることでその評判を獲得してきました。
Back to the Future (1985) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Back to the Future がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 大規模な有権者による 8.3 の評価は、この映画が視聴者が見つけた弱点を上回る真の強みを持っていることを意味します。 Back to the Future は、映画が満たすべき最低基準である中心的な約束を果たしますが、リリース数が示すよりも達成できるものはほとんどありません。 この映画をコメディとして成立させているのは、監督がどこにユーモアがあるのかを示すことを拒否しているからだ。ジョークは性格や状況から生まれます。つまり、笑いなさいと言われるのを待っている視聴者よりも、注意を払っている視聴者のほうが多くのことを見つけることができます。 Back to the Future は、1980s映画のあらゆる説明の中でその地位を獲得しています。それは、この 10 年間に生み出され、その後の 10 年間に失われたものを捉えているからです。 1980s映画製作の文化的および技術的条件が、Robert Zemeckis がここで制作できるものを形作りました。
Back to the Future の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Robert Zemeckis は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Back to the Future の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Michael J. Fox は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
Back to the Future が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Robert Zemeckis の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 Back to the Future は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Michael J. Fox の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
Back to the Future のトップ 10 の位置が最も意味を持つのは、何と競合したかを考えるときです。このモードと時代のカタログ内のすべての映画が評価され、評価の質と投票者数の組み合わせにより、Back to the Future が他のすべての映画よりも優先されたため、ここにランクされました。 Robert Zemeckis は、Back to the Future で、同じカテゴリの代替作品、つまり優れた映画である代替作品とは区別する選択をしました。トップ 10 とトップ 20 の差は、絶対評価の点では見た目よりも小さいですが、視聴者が実際に提供するものという点では大きな差があります。
Dead Poets Society
1959年、バーモントにある全寮制の名門進学校にやって来た新任の英語教師。破天荒な授業を通して、詩の美しさや人生の素晴らしさを説く教師に惹かれていった生徒たちは、彼がかつて学生だった頃に作っていた“死せる詩人の会”という同好会を自分たちの手で復活させる。ドラマの背景となる、初秋から冬にかけてのニューイングランド地方の風景も美しい。
なぜ見るのか: Dead Poets Society は、このリストの例外的な最後に位置します。大規模な有権者ベースに基づいて構築されたこの高い評価は、誇大広告ではなく、真のコンセンサスを反映しています。
1989 年に公開された Dead Poets Society は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Peter Weir は生き残ったものを作り、今日の 8.3 の評価はその持続力の証拠です。 Dead Poets Society の 8.3 スコアは、選択肢があり、これを高く評価することを選択した視聴者から構築されています。この選択は、自分の主張を明確に主張した映画を反映しています。まさに Dead Poets Society が行っていることです。 Peter Weir が主張し、聴衆はそれを受け入れました。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 10年ごとに、その時では不可欠に見えては消え去ってしまう映画が生み出されます。 Dead Poets Society はより小さなカテゴリーに属します。1980s映画は、当時を懐かしむことのない視聴者から今でも高く評価されています。世代を超えた品質こそが本当の試練だ。
Dead Poets Society のビジュアル言語は、1989 の映画制作を最大限に反映しています。 Peter Weir は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 Dead Poets Society のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して Dead Poets Society を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
Dead Poets Society は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.3 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Dead Poets Society を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Peter Weir と Robin Williams が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
Dead Poets Society は、文化的な評判によってではなく、視聴者が座ってそれを見たときに何が起こるかによってトップ 10 の地位を獲得しました。 8.3 評価は、独立した視聴の大規模なサンプル全体でのその体験をキャプチャします。このようなリストでトップ 10 に入る映画は、代替作品に完全にアクセスできる視聴者によってテストされ、この作品を体験のトップに評価することを選択しました。 Peter Weir と Robin Williams は、その期待に一貫して応えられるものを作りました。それが、新しい視聴者が継続的に新しい基準をもたらしているにもかかわらず、評価が維持されている理由です。
Come and See
1943年、ドイツ占領下のベラルーシの村。少年のフリョーラは、土の下に埋もれた銃を掘り出したことから、母親の反対も聞かずパルチザン部隊に参加。しかし、部隊は彼を置き去りにして行軍に出発し、フリョーラは金髪の少女グラーシャと2人、あとに取り残されてしまう。そこへ敵の落下傘部隊が上空から飛来して攻撃を始め、フリョーラはグラーシャを連れて自分の家へ逃げ帰るが、そこで思いも寄らぬ光景を目の当たりにする。
なぜ見るのか: Come and See の背後にある数字は達成するのが困難です。何千人もの独立した視聴者が調整なしで高く評価しています。このコンセンサスは、入手可能な最も信頼できる品質の信号です。
Come and See の日付は 1985 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 Come and Seeが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 8.2 の Come and See は、航空機が複数の側面にわたって常に平均を上回っている映画です。単一の要素が他の要素を引き継ぐことはありません。演出も脚本も演技もすべて同じ方向を向いている。 この映画は、ドラマが他のジャンルにできずにできること、つまり、普通の人間の行動にプレッシャーを与え、その反応を通じて性格を明らかにすることを示しています。監督はそのような状況を作り出し、キャストは真の信念を持ってその状況を生きています。 Come and See の 1980s コンテキストは偶然ではありません。この 10 年間の特定の美的条件、つまりどのテクノロジーが許可し、どのような文化が要求したかが、Elem Klimov がここで行った選択を形作りました。それらの選択は、その瞬間とは関係なく維持されます。
Come and See の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Elem Klimov は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Aleksei Kravchenko は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Come and See で最も顕著に現れます。
Come and See を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて Come and See を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると Come and See が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Elem Klimov の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Aleksei Kravchenko のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの上位 10 位に Come and See をランク付けるには、特別な議論は必要ありません。統計的に意味があるのに十分な規模の有権者ベースからの 8.2 評価が議論です。深刻なリストのトップ 10 に入る映画がその位置を占めているのは、常に最も幅広い視聴者に配信しているためであり、Come and See は、これを見たすべての層にそれを実現しました。ここでの Elem Klimov の作品は、個々のシーンの品質が映画全体のレベルに耐えられるものに複合されるレベルで機能していますが、これは思っているよりも珍しいことです。
The Shining
冬の間は豪雪で閉鎖されるホテルの管理人職を得た小説家志望のジャック・トランスは、妻のウェンディーと心霊能力のある息子ダニーとともにホテルへやってくる。そのホテルでは、かつて精神に異常をきたした管理人が家族を惨殺するという事件が起きており、当初は何も気にしていなかったジャックも、次第に邪悪な意思に飲みこまれていく。
なぜ見るのか: The Shining は、スコアが安定しているほど十分に長く評価を維持しています。さまざまな視聴者の間でこれほど高く評価されている映画は、単に良いというだけではなく、並外れたものです。
The Shining の 1980 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 The Shining を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 The Shining の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 8.2 の範囲の映画は、リスト上の順位が示すよりも興味深いことがよくあります。これらは、高評価のタイトルほど文化的に飽和していないため、The Shining は先入観なしでアプローチしやすいことを意味します。 The Shining はその恩恵を受けます。 その技巧は、監督が伏せた内容に最もよく表れる。情報は戦略的に公開され、それぞれの啓示が以前のものを再文脈化します。パフォーマンスは、管理された開示に合わせて調整されています。 1980s の映画で、現在でも 8.2 のレートを維持している映画は、現代のどのリリースよりも長いテストを生き延びています。 The Shining はその核心であるストーリーテリング、パフォーマンス、クラフトが時代を必要とせずに機能するため、そのテストに合格しました。
The Shining のパフォーマンスは、Stanley Kubrick が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Jack Nicholson は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 The Shining で最も着地が難しい瞬間は、Jack Nicholson の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
The Shining は、雰囲気が機能する条件で視聴するのが最適です。つまり、照明が低く、中断が最小限に抑えられ、理想的には文化的によく知られるようになった特定の瞬間についての事前知識なしで視聴することができます。観客が何が起こるかを正確に知っている場合、ホラーはその効果を失います。The Shining は十分に議論されているため、その主要なシーケンスのいくつかは映画を観たことがない人でもよく知られています。限られた予備知識でそれに取り組むことができるのであれば、そうしてください。 Stanley Kubrick が The Shining に組み込んだ雰囲気のクラフトは、聴衆が真の不確実性の状態にあることに依存します。 8.2 の評価は、視聴時にその状態にあった視聴者を反映しています。
このリストの The Shining のトップ 10 の位置は、新しい視聴者が発見し続け、高く評価し続ける持続的な卓越性という、作るのが難しいものを反映しています。ほとんどの映画は、最初に観客を魅了した後は勢いが失われます。 The Shiningはそうではありません。公開から数年、数十年後にこの作品に出会った視聴者は、初期の視聴者と同じように高い評価を与えます。 Stanley Kubrick は、その由来となった文化的瞬間とは独立して機能するものを作りました。これが永続的な品質の定義です。 Jack Nicholson のパフォーマンスは耐久性の一部であり、時代劇としては解釈されません。
Scarface
1980年春、キューバから何千もの人間が自由を求めてアメリカを目指した。その中に、太陽が降り注ぐマイアミに一攫千金を夢見る男がいた。彼の名は、トニー・モンタナ。彼の野望と情熱は、白い粉’コカイン’の一大大国を築き上げていくこと。無一文から暗黒街のボスにのし上がっていくが、頂点に上り詰めた彼を待ち受けた末路とは・・・。
なぜ見るのか: このセレクションの中で最も評価の高い映画の 1 つ。 Scarface は、複数の世代の視聴者の間で継続的に高い評価を受けることでその評判を獲得してきました。
Scarface (1983) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Scarface がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 8.2 の評価は、一貫したレベルで同時に動作する監督、脚本、パフォーマンスを反映します。この範囲のスコアの映画が単一の側面で大きく失敗することはほとんどなく、Scarface も例外ではありません。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 1980s映画全体のコンテキストでは、Scarface は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1980s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
Scarface の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Brian De Palma は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 Scarface は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、Scarface が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
Scarface は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.2 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Scarface を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Brian De Palma と Al Pacino が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
Scarface がトップ 10 に入るのは、ほとんどの映画が試み、達成できるものはほとんどないことを実現しているからです。つまり、最初に見たときは素晴らしく、再視聴するとさらに多くの層が明らかになります。初めての観客と再訪の観客は異なる経験をしており、どちらの経験も強いです。 Brian De Palma は、複数のレベルで同時に作業することで、この深みを映画に組み込みました。表面的なストーリーは実現しますが、その下には、すべてがどこへ向かうのかを知ったときに初めて完全に見えるようになる、巧妙な決定の層があります。この 2 レベルの構造により、Scarface は次の層ではなくトップ 10 にランクされます。
Full Metal Jacket
スタンリー・キューブリック監督が、G・ハスフォードの原作を基にベトナム戦争の狂気を描く。徴兵された若者が、次第に戦闘マシーンとして人間性を失っていく様を二部構成で描く。 ベトナム戦争の時代、ジェイムズ（愛称ジョーカー）は、サウスカロライナの海兵新兵訓練キャンプ（ブートキャンプ）で、ハートマン軍曹による厳しい訓練を受ける。新兵たちの中で落ちこぼれの「ほほえみデブ」ことレナードは、徹底的なしごきの中で徐々に正気を失っていく…。 新兵訓練を卒業し海兵隊員となったジョーカーは、テト攻勢が始まる中、軍の報道部員としてフエ市街の前線取材を命じられる。だが、交戦の中で小隊長が戦死、分隊長をブービートラップで失う。下士官が指揮を引き継ぎ転進を図るも進路を誤り、今度は狙撃兵の襲撃を受ける。残されたジョーカーは狙撃兵への復讐を図るのだが…。
なぜ見るのか: Full Metal Jacket は、このリストの例外的な最後に位置します。大規模な有権者ベースに基づいて構築されたこの高い評価は、誇大広告ではなく、真のコンセンサスを反映しています。
1987 年に公開された Full Metal Jacket は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Stanley Kubrick は生き残ったものを作り、今日の 8.1 の評価はその持続力の証拠です。 Full Metal Jacket の 8.1 スコアは、重大な弱点がなく前提条件を満たしている映画の中にランクされています。 Stanley Kubrick は、全体を通して意図したとおりに機能するものを作成しましたが、これは思っているほど一般的ではありません。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 1980s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 Full Metal Jacket は永続的なものを理解したためにここにいます。
Full Metal Jacket の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Stanley Kubrick は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Full Metal Jacket の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Matthew Modine は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
初めて Full Metal Jacket を視聴する視聴者は、Stanley Kubrick がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Full Metal Jacket のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Matthew Modine はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1987 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Stanley Kubrick が意図したものです。
The Movie Database の評価に基づいて作成されたランキング リストのトップ 10 の位置は、真の重要なコンセンサスを表します。これは人気コンテストではありません。投票者の基準値は、個々の外れ値の意見が平均化されるほど多くの人が視聴して評価した映画をフィルターします。この位置の Full Metal Jacket は、国や視聴習慣が異なる多様な視聴者がこの映画が優れていると独自に結論付けたことを意味します。 Stanley Kubrick は、Full Metal Jacket で文化的変動に強い何かを達成しました。ここで使用されている特定のストーリーテリング アプローチは、さまざまな文脈に翻訳されます。
映画とは重要な物語です。このセクションの映画はその原則を証明しています。
Paris, Texas
テキサス州の町パリをめざす男。彼は失踪した妻を探し求めていた。男は、4年間置き去りにしていた幼い息子との間にも親子の情を取り戻す。そして、やがて巡り会った妻に、彼は愛するがゆえの苦悩を打ち明ける……。
なぜ見るのか: Paris, Texas の背後にある数字は達成するのが困難です。何千人もの独立した視聴者が調整なしで高く評価しています。このコンセンサスは、入手可能な最も信頼できる品質の信号です。
Paris, Texas の日付は 1984 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 Paris, Texasが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 8.1 では、Paris, Texas は品質が安定している範囲内にありますが、映画は高評価のタイトルの広範なコンセンサスに達していません。この狭いコンセンサスは、多くの場合、特定の魅力を反映しています。Paris, Texas は万人向けではありませんが、適切な視聴者にとっては優れています。 この映画は、ドラマが他のジャンルにできずにできること、つまり、普通の人間の行動にプレッシャーを与え、その反応を通じて性格を明らかにすることを示しています。監督はそのような状況を作り出し、キャストは真の信念を持ってその状況を生きています。 1980s は、特定の関心事と特定の美的アプローチを備えた特定の文化的瞬間でした。 Paris, Texas はそれらの条件を反映しながら、それらを超越しています。この映画は、鑑賞するために 1980s を理解する必要がない 1980s映画です。
Paris, Texas のビジュアル言語は、1984 の映画制作を最大限に反映しています。 Wim Wenders は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 Paris, Texas のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して Paris, Texas を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
Paris, Texas が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Wim Wenders の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 Paris, Texas は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Harry Dean Stanton の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある Paris, Texas は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、Harry Dean Stanton のパフォーマンスと Wim Wenders の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
Das Boot
第2次世界大戦の1941年。ナチスドイツに占領されたフランスのラ・ロシェルの港から、出撃命令によって出航する潜水艦U96にヴェルナー（ヘルバート・グリューネマイヤー）が乗り込む。ベテランの艦長（ユルゲン・プロフノウ）や乗組員に囲まれながら、荒れた海での過酷な哨戒、次々と爆雷を放ってくる敵駆逐艦との攻防、海の藻くずと化していく敵の姿など、戦争の現実を次々と目の当たりにするヴェルナー。そんな中、U96に新たな命令が下される。
なぜ見るのか: Das Boot は、スコアが安定しているほど十分に長く評価を維持しています。さまざまな視聴者の間でこれほど高く評価されている映画は、単に良いというだけではなく、並外れたものです。
Das Boot の 1981 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Das Boot を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Das Boot の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 8.1 の Das Boot は、このリストの信頼できる層を表します。これらは期待を裏切らない映画です。 Wolfgang Petersen は映画がどうあるべきかを理解し、妥協することなくそれを実行しました。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1980s の映画を相互にランク付けすることは、何が生き残ったかを特定するための演習の一部です。 Das Boot が生き残ったのは、Wolfgang Petersen がトレンドではなく技術に基づいて選択をしたからです。 8.1 の評価は、これらの選択肢が依然として有効であると考えている視聴者を反映しています。
Das Boot の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Wolfgang Petersen は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Jürgen Prochnow は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Das Boot で最も顕著に現れます。
Das Boot は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.1 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Das Boot を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Wolfgang Petersen と Jürgen Prochnow が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに Das Boot を入れる 8.1 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 Das Boot に高いスコアを与えるという決定は、Wolfgang Petersen がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 Das Boot は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
The Thing
1982年の南極。ノルウェー隊のヘリが、1匹の犬を追ってアメリカ南極観測隊第4基地へ現れた。銃や手榴弾を使い執拗に犬を狙うが失敗し、手違いからヘリは爆発。一人生き残ったノルウェー隊員は基地内へ逃げた犬を追って銃撃を続け、基地の隊員を負傷させるが基地の隊長により射殺される。ノルウェー基地へ向かったヘリ操縦士のマクレディらが見つけたものは、自殺し凍りついた隊員の死体、何かを取り出したと思しき氷塊、そして異様に変形し固まったおぞましい焼死体だった。一行は調査のため、記録フィルムと焼死体を持ち帰る。
なぜ見るのか: このセレクションの中で最も評価の高い映画の 1 つ。 The Thing は、複数の世代の視聴者の間で継続的に高い評価を受けることでその評判を獲得してきました。
The Thing (1982) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、The Thing がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 大規模な有権者による 8.1 の評価は、この映画が視聴者が見つけた弱点を上回る真の強みを持っていることを意味します。 The Thing は、映画が満たすべき最低基準である中心的な約束を果たしますが、リリース数が示すよりも達成できるものはほとんどありません。 監督は、ホラーは、明らかな危険として現れる前に、水面下で何かがおかしいと感じたときに機能することを理解しています。この映画は、最初の恐怖の前にトーンと雰囲気を通してその間違いを作り出します。 The Thing は、1980s映画のあらゆる説明の中でその地位を獲得しています。それは、この 10 年間に生み出され、その後の 10 年間に失われたものを捉えているからです。 1980s映画製作の文化的および技術的条件が、John Carpenter がここで制作できるものを形作りました。
The Thing のパフォーマンスは、John Carpenter が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Kurt Russell は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 The Thing で最も着地が難しい瞬間は、Kurt Russell の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
The Thing を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて The Thing を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると The Thing が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 John Carpenter の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Kurt Russell のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する The Thing は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。The Thing は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの John Carpenter の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 The Thing を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
My Neighbor Totoro
都会からそんなに遠くない田舎町に引っ越してきたサツキとメイ。お化けやしきみたいに古い家には、何かが棲んでいる気配がいっぱい。サツキたちの家の裏にある神社の大木をすみかにしているトトロ。人の住んでいない家をススやホコリだらけにしてしまうススワタリ（まっくろくろすけ）。大きな目と大きな口、そして何本もある足で空間を自由自在に走りまわる巨大なネコバス。サツキとメイは次々に奇妙ないきものと出会い、ステキな冒険に飛び出す。
なぜ見るのか: My Neighbor Totoro は、このリストの例外的な最後に位置します。大規模な有権者ベースに基づいて構築されたこの高い評価は、誇大広告ではなく、真のコンセンサスを反映しています。
1988 年に公開された My Neighbor Totoro は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Hayao Miyazaki は生き残ったものを作り、今日の 8.1 の評価はその持続力の証拠です。 My Neighbor Totoro の 8.1 スコアは、選択肢があり、これを高く評価することを選択した視聴者から構築されています。この選択は、自分の主張を明確に主張した映画を反映しています。まさに My Neighbor Totoro が行っていることです。 Hayao Miyazaki が主張し、聴衆はそれを受け入れました。 この映画をアニメーションとして区別しているのは、デザインを通じて形式が内面性を伝えることができるという監督の理解です。動き、色、構成は、会話の前、または会話の代わりに、キャラクターが感じていることを伝えます。 10年ごとに、その時では不可欠に見えては消え去ってしまう映画が生み出されます。 My Neighbor Totoro はより小さなカテゴリーに属します。1980s映画は、当時を懐かしむことのない視聴者から今でも高く評価されています。世代を超えた品質こそが本当の試練だ。
My Neighbor Totoro の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Hayao Miyazaki は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 My Neighbor Totoro は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、My Neighbor Totoro が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
My Neighbor Totoro は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.1 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 My Neighbor Totoro を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Hayao Miyazaki と Noriko Hidaka が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
My Neighbor Totoro がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 Hayao Miyazaki は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 8.1 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する Hayao Miyazaki のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、My Neighbor Totoro がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
The Elephant Man
19世紀末、ロンドン。医師トリーブスは、街の見世物小屋で象人間と呼ばれていたジョン・メリックに出会う。研究のために彼を病院で生活させるが、やがてメリックの知性と純粋な心に触れ、人間らしい交流が生まれる。＜19世紀末に実在した奇型の青年の数奇な運命と、彼をとりまく人々との交流を描き世界的に大ヒットした不朽の名作。鬼才デイヴィッド・リンチは本作の成功で一躍脚光を浴びた。出演には、本作で英国アカデミー賞主演男優賞に輝いたジョン・ハート、アンソニー・ホプキンス、サー・ジョン・ギールグッドら＞
なぜ見るのか: The Elephant Man の背後にある数字は達成するのが困難です。何千人もの独立した視聴者が調整なしで高く評価しています。このコンセンサスは、入手可能な最も信頼できる品質の信号です。
The Elephant Man の日付は 1980 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 The Elephant Manが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 8.0 の The Elephant Man は、航空機が複数の側面にわたって常に平均を上回っている映画です。単一の要素が他の要素を引き継ぐことはありません。演出も脚本も演技もすべて同じ方向を向いている。 この映画は、ドラマが他のジャンルにできずにできること、つまり、普通の人間の行動にプレッシャーを与え、その反応を通じて性格を明らかにすることを示しています。監督はそのような状況を作り出し、キャストは真の信念を持ってその状況を生きています。 The Elephant Man の 1980s コンテキストは偶然ではありません。この 10 年間の特定の美的条件、つまりどのテクノロジーが許可し、どのような文化が要求したかが、David Lynch がここで行った選択を形作りました。それらの選択は、その瞬間とは関係なく維持されます。
The Elephant Man の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 David Lynch は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 The Elephant Man の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Anthony Hopkins は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
The Elephant Man は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.0 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 The Elephant Man を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 David Lynch と Anthony Hopkins が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションにおける The Elephant Man の位置は、万人向けのすべてを目指すことなく、その映画特有の品質を確実に提供する映画を反映しています。 David Lynch は映画の内容を理解し、高いレベルの技術で映画を作りました。 8.0 評価は、これらの条件で映画を鑑賞し、高く評価する価値があると判断した視聴者を表します。異なる期待を持った視聴者は、評価が示すほど映画が満足できないと感じることがあります。これは映画の弱点ではなく、期待の弱点です。 The Elephant Man はまさに技術を駆使して作られたものであり、それを評価した有権者はそれに応えました。
Amadeus
天才音楽家モーツァルトの早過ぎた死は、何者かによる暗殺だったのか。“音楽史上最大のミステリー”に迫ったP・シェーファーの戯曲を、「カッコーの巣の上で」の名匠M・フォアマン監督が豪華絢爛に映画化。第57回アカデミー賞で作品賞など計8部門を受賞。 1823年11月のある晩、ウィーンの街でひとりの老人が発狂して自殺を図り、病院へ運ばれた。この老人は、かつてウィーンで最も尊敬された宮廷音楽家、アントニオ・サリエリ。数週間後、サリエリの告白を聞くために若年の神父・フォーグラーが病室を訪れた。サリエリは自分がかつて若き音楽家“アマデウス”モーツァルトを殺したと告白する…。18世紀のオーストリア。イタリアに生まれたサリエリは、作曲家として優れた才能を持っていた。やがて音楽の都ウィーンへ赴き、皇帝ヨーゼフ2世付きの宮廷音楽家になった。そんな順調なサリエリの人生も、音楽の神童と噂されるヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトに出会ったことで狂わされていく…。
なぜ見るのか: Amadeus は、スコアが安定しているほど十分に長く評価を維持しています。さまざまな視聴者の間でこれほど高く評価されている映画は、単に良いというだけではなく、並外れたものです。
Amadeus の 1984 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Amadeus を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Amadeus の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 8.0 の範囲の映画は、リスト上の順位が示すよりも興味深いことがよくあります。これらは、高評価のタイトルほど文化的に飽和していないため、Amadeus は先入観なしでアプローチしやすいことを意味します。 Amadeus はその恩恵を受けます。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1980s の映画で、現在でも 8.0 のレートを維持している映画は、現代のどのリリースよりも長いテストを生き延びています。 Amadeus はその核心であるストーリーテリング、パフォーマンス、クラフトが時代を必要とせずに機能するため、そのテストに合格しました。
Amadeus のビジュアル言語は、1984 の映画制作を最大限に反映しています。 Miloš Forman は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 Amadeus のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して Amadeus を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
初めて Amadeus を視聴する視聴者は、Miloš Forman がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Amadeus のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 F. Murray Abraham はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1984 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Miloš Forman が意図したものです。
このようなリストの 11 ～ 25 位に位置する映画は、文化的な重みを持たずにトップ 10 の品質を備えているため、多くの場合、最も有益な発見となります。 Amadeus がこの位置にあるのは、上のエントリよりも大幅に劣っているからではなく、その魅力がより集中しているためです。 Miloš Forman が Amadeus で行っていることに共感した視聴者は、このリストにあるどの映画と同じくらい高く評価しています。より広範な有権者ベースの平均がここに位置します。ジャンルの好み、監督の興味、時代などに基づいて、この映画が自分に向いていると考える特定の理由がある視聴者は、その上にランクされているいくつかのエントリーよりもこの映画を優先する必要があります。
Ran
戦乱の世を生き抜いた武将・一文字秀虎も70歳を迎え、家督を息子3人に譲ることを決意。長男の太郎には一の城、次男の次郎には二の城、三男・三郎には三の城をそれぞれ与えた上、3人兄弟、仲良く相和して暮らすように説く。だが、三郎は、父の今後の身を案じたのがかえって秀虎の不興を買い、地方へ追放されてしまう。さらに3人兄弟の城を泊まり歩いて余生を暮らすつもりだった秀虎だが、太郎、次郎にそれぞれ疎んじられる。
なぜ見るのか: このセレクションの中で最も評価の高い映画の 1 つ。 Ran は、複数の世代の視聴者の間で継続的に高い評価を受けることでその評判を獲得してきました。
Ran (1985) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Ran がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 8.0 の評価は、一貫したレベルで同時に動作する監督、脚本、パフォーマンスを反映します。この範囲のスコアの映画が単一の側面で大きく失敗することはほとんどなく、Ran も例外ではありません。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 1980s映画全体のコンテキストでは、Ran は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1980s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
Ran の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Akira Kurosawa は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Tatsuya Nakadai は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Ran で最も顕著に現れます。
Ran が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Akira Kurosawa の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 Ran は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Tatsuya Nakadai の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある Ran は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、Tatsuya Nakadai のパフォーマンスと Akira Kurosawa の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
Castle in the Sky
鉱山町で、見習い機械工として働く少年パズーは、ある日、空から降ってきた不思議な少女シータと出会う。2人は、シータの身に着けていた不思議な「飛行石」を狙う様々な陰謀に巻き込まれていく。
なぜ見るのか: Castle in the Sky は、このリストの例外的な最後に位置します。大規模な有権者ベースに基づいて構築されたこの高い評価は、誇大広告ではなく、真のコンセンサスを反映しています。
1986 年に公開された Castle in the Sky は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Hayao Miyazaki は生き残ったものを作り、今日の 8.0 の評価はその持続力の証拠です。 Castle in the Sky の 8.0 スコアは、重大な弱点がなく前提条件を満たしている映画の中にランクされています。 Hayao Miyazaki は、全体を通して意図したとおりに機能するものを作成しましたが、これは思っているほど一般的ではありません。 この映画をアニメーションとして区別しているのは、デザインを通じて形式が内面性を伝えることができるという監督の理解です。動き、色、構成は、会話の前、または会話の代わりに、キャラクターが感じていることを伝えます。 1980s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 Castle in the Sky は永続的なものを理解したためにここにいます。
Castle in the Sky のパフォーマンスは、Hayao Miyazaki が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Keiko Yokozawa は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Castle in the Sky で最も着地が難しい瞬間は、Keiko Yokozawa の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
Castle in the Sky は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.0 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Castle in the Sky を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Hayao Miyazaki と Keiko Yokozawa が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに Castle in the Sky を入れる 8.0 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 Castle in the Sky に高いスコアを与えるという決定は、Hayao Miyazaki がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 Castle in the Sky は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
Aliens
冷凍睡眠のまま宇宙を漂流していたリプリーは奇跡的に宇宙船に救出される。地球に戻った彼女は貨物船で起こったエイリアンによる恐ろしい出来事を語る。リプリーが漂流していた間にエイリアンを発見した小惑星は地球の殖民惑星となっていた事を知りエイリアン殲滅を訴える。しかしエイリアンを兵器として利用したい企業に拒まれてしまう。その時小惑星より連絡が途絶えたことからアメリカ海兵隊が住民救出に向かうが同乗したリプリーの話をまともに聞かなかった兵士達だが、凶悪生命体エイリアンを目の当たりにし一気に追い詰められてゆく。
なぜ見るのか: Aliens の背後にある数字は達成するのが困難です。何千人もの独立した視聴者が調整なしで高く評価しています。このコンセンサスは、入手可能な最も信頼できる品質の信号です。
Aliens の日付は 1986 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 Aliensが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 8.0 では、Aliens は品質が安定している範囲内にありますが、映画は高評価のタイトルの広範なコンセンサスに達していません。この狭いコンセンサスは、多くの場合、特定の魅力を反映しています。Aliens は万人向けではありませんが、適切な視聴者にとっては優れています。 これは、緊張が物理的ではなく心理的なものであるスリラーのカテゴリーに属します。監督は、明らかな危険を見せなくても観客がプレッシャーを感じることを信頼している。その結果、従来のスリラーの仕組みよりもさらに不安が生じます。 1980s は、特定の関心事と特定の美的アプローチを備えた特定の文化的瞬間でした。 Aliens はそれらの条件を反映しながら、それらを超越しています。この映画は、鑑賞するために 1980s を理解する必要がない 1980s映画です。
Aliens の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 James Cameron は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 Aliens は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、Aliens が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
Aliens を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて Aliens を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると Aliens が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 James Cameron の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Sigourney Weaver のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する Aliens は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。Aliens は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの James Cameron の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 Aliens を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
Nausicaä of the Valley of the Wind
高度な産業文明を破壊させた「火の七日間」呼ばれる大戦争から1000年。人類は、巨大な虫や、毒の森・腐海に脅かされながら生きていた。辺境の小国「風の谷」の族長の娘、ナウシカは、人間同士の争いに巻き込まれていく。
なぜ見るのか: Nausicaä of the Valley of the Wind は、スコアが安定しているほど十分に長く評価を維持しています。さまざまな視聴者の間でこれほど高く評価されている映画は、単に良いというだけではなく、並外れたものです。
Nausicaä of the Valley of the Wind の 1984 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Nausicaä of the Valley of the Wind を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Nausicaä of the Valley of the Wind の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 8.0 の Nausicaä of the Valley of the Wind は、このリストの信頼できる層を表します。これらは期待を裏切らない映画です。 Hayao Miyazaki は映画がどうあるべきかを理解し、妥協することなくそれを実行しました。 アニメーションは技術力を誇示するものではなく、ストーリーテリングを目的としています。監督はこの形式を使用して、語られる特定のストーリーに役立つ感情的および物語的効果を実現します。 1980s の映画を相互にランク付けすることは、何が生き残ったかを特定するための演習の一部です。 Nausicaä of the Valley of the Wind が生き残ったのは、Hayao Miyazaki がトレンドではなく技術に基づいて選択をしたからです。 8.0 の評価は、これらの選択肢が依然として有効であると考えている視聴者を反映しています。
Nausicaä of the Valley of the Wind の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Hayao Miyazaki は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Nausicaä of the Valley of the Wind の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Sumi Shimamoto は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
Nausicaä of the Valley of the Wind は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.0 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Nausicaä of the Valley of the Wind を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Hayao Miyazaki と Sumi Shimamoto が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
Nausicaä of the Valley of the Wind がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 Hayao Miyazaki は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 8.0 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する Hayao Miyazaki のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、Nausicaä of the Valley of the Wind がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
素晴らしい映画はそのカテゴリーを超えます。工芸品が優れているため、機能します。
AKIRA
1988年、関東地区に新型爆弾が使用され、第3次世界大戦が勃発した――。2019年、ネオ東京。金田をリーダーとするバイクの一団は進入禁止の高速道を疾走していた。しかし、先頭にいた島鉄雄は突然視界に入った奇妙な小男をよけきれずに転倒、負傷する。小男と鉄雄は直ちに現れたアーミーのヘリに収容され飛び去ってしまった。翌日、鉄雄を捜す金田は、少女ケイと出会う。彼女は反政府ゲリラの一員で“アキラ”という存在を追っていた。その頃、鉄雄はアーミーのラボで強力なクスリを連続投与され、不思議な力を覚醒し始めていた…。
なぜ見るのか: 明確な地理を考慮して作られたアクション。 Katsuhiro Otomo は、全員がどこにいるかを常に把握しているため、最適なシーケンスが機能することを理解しています。
AKIRA (1988) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、AKIRA がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 大規模な有権者による 7.9 の評価は、この映画が視聴者が見つけた弱点を上回る真の強みを持っていることを意味します。 AKIRA は、映画が満たすべき最低基準である中心的な約束を果たしますが、リリース数が示すよりも達成できるものはほとんどありません。 この監督は、アクションを見せる前に結果を気にさせるというアクション映画の核心的な問題を解決した。このシーケンスが機能するのは、地理が明確であるため、誰がどこにいるのか、成功には何が必要なのかが常にわかるからです。 AKIRA は、1980s映画のあらゆる説明の中でその地位を獲得しています。それは、この 10 年間に生み出され、その後の 10 年間に失われたものを捉えているからです。 1980s映画製作の文化的および技術的条件が、Katsuhiro Otomo がここで制作できるものを形作りました。
AKIRA のビジュアル言語は、1988 の映画制作を最大限に反映しています。 Katsuhiro Otomo は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 AKIRA のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して AKIRA を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
AKIRA は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.9 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 AKIRA を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Katsuhiro Otomo と Mitsuo Iwata が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションにおける AKIRA の位置は、万人向けのすべてを目指すことなく、その映画特有の品質を確実に提供する映画を反映しています。 Katsuhiro Otomo は映画の内容を理解し、高いレベルの技術で映画を作りました。 7.9 評価は、これらの条件で映画を鑑賞し、高く評価する価値があると判断した視聴者を表します。異なる期待を持った視聴者は、評価が示すほど映画が満足できないと感じることがあります。これは映画の弱点ではなく、期待の弱点です。 AKIRA はまさに技術を駆使して作られたものであり、それを評価した有権者はそれに応えました。
Blade Runner
2019年、酸性雨が降りしきり、昼なお暗いロサンゼルス。かつて逃亡した人造人間「レプリカント」を処分することが任務の特捜刑事「ブレードランナー」であったデッカードは、引退していたが強引に復職させられ、殺人を犯して逃亡する4体のレプリカントを追う任務に就くことになる。ネクサス6という最新型である彼らは、一見しただけでは普通の人間と区別がつかない。デッカードはネクサス6型を製造するタイレル社へ行き、社長秘書レイチェルに対して警察のレプリカント識別テストを試してみる。
なぜ見るのか: Blade Runner は正直に緊張感を感じます。プレッシャーは人為的な驚きではなく、状況と性格から来ます。 Ridley Scott は、視聴者がリスクを感じてくれると信じています。
1982 年に公開された Blade Runner は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Ridley Scott は生き残ったものを作り、今日の 7.9 の評価はその持続力の証拠です。 Blade Runner の 7.9 スコアは、選択肢があり、これを高く評価することを選択した視聴者から構築されています。この選択は、自分の主張を明確に主張した映画を反映しています。まさに Blade Runner が行っていることです。 Ridley Scott が主張し、聴衆はそれを受け入れました。 この映画をスリラーとして機能させるのは、賭け金には投資が必要であるという理解です。最初の行為は、プレッシャーがかかる前に人格を構築します。緊張が高まる頃には、結果を気にする理由ができています。 10年ごとに、その時では不可欠に見えては消え去ってしまう映画が生み出されます。 Blade Runner はより小さなカテゴリーに属します。1980s映画は、当時を懐かしむことのない視聴者から今でも高く評価されています。世代を超えた品質こそが本当の試練だ。
Blade Runner の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Ridley Scott は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Harrison Ford は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Blade Runner で最も顕著に現れます。
初めて Blade Runner を視聴する視聴者は、Ridley Scott がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Blade Runner のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Harrison Ford はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1982 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Ridley Scott が意図したものです。
このようなリストの 11 ～ 25 位に位置する映画は、文化的な重みを持たずにトップ 10 の品質を備えているため、多くの場合、最も有益な発見となります。 Blade Runner がこの位置にあるのは、上のエントリよりも大幅に劣っているからではなく、その魅力がより集中しているためです。 Ridley Scott が Blade Runner で行っていることに共感した視聴者は、このリストにあるどの映画と同じくらい高く評価しています。より広範な有権者ベースの平均がここに位置します。ジャンルの好み、監督の興味、時代などに基づいて、この映画が自分に向いていると考える特定の理由がある視聴者は、その上にランクされているいくつかのエントリーよりもこの映画を優先する必要があります。
Pink Floyd: The Wall
A troubled rock star descends into madness in the midst of his physical and social isolation from everyone.
なぜ見るのか: Pink Floyd: The Wall をドラマとして機能させているのは、Alan Parker が視聴者が何を感じられるかを説明することを拒否していることです。感情のレジスターは信号によって生成されるものではなく、作成されます。
Pink Floyd: The Wall の日付は 1982 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 Pink Floyd: The Wallが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 7.9 の Pink Floyd: The Wall は、航空機が複数の側面にわたって常に平均を上回っている映画です。単一の要素が他の要素を引き継ぐことはありません。演出も脚本も演技もすべて同じ方向を向いている。 この映画は、ドラマが他のジャンルにできずにできること、つまり、普通の人間の行動にプレッシャーを与え、その反応を通じて性格を明らかにすることを示しています。監督はそのような状況を作り出し、キャストは真の信念を持ってその状況を生きています。 Pink Floyd: The Wall の 1980s コンテキストは偶然ではありません。この 10 年間の特定の美的条件、つまりどのテクノロジーが許可し、どのような文化が要求したかが、Alan Parker がここで行った選択を形作りました。それらの選択は、その瞬間とは関係なく維持されます。
Pink Floyd: The Wall のパフォーマンスは、Alan Parker が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Bob Geldof は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Pink Floyd: The Wall で最も着地が難しい瞬間は、Bob Geldof の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
Pink Floyd: The Wall が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Alan Parker の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 Pink Floyd: The Wall は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Bob Geldof の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある Pink Floyd: The Wall は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、Bob Geldof のパフォーマンスと Alan Parker の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
Raiders of the Lost Ark
舞台は1936年。プリンストン大学で教鞭を執る高名な考古学者インディアナ・ジョーンズ教授（インディ）には、世界中の宝物を探し発見するというトレジャーハンターとしての顔があった。ある日、陸軍諜報部よりインディの下にナチス・ドイツがタニスの遺跡を発見して聖櫃（アーク）の発掘に着手したという情報が舞い込む。また情報部が傍受したドイツ軍の電報によれば、聖櫃の在り処を示す重大な手がかりラーの杖飾りはインディの恩師であるアブナー・レイヴンウッド教授の手にあるという。何としてでもナチスより先に聖櫃を手に入れろとの依頼を受け、インディは聖櫃の争奪戦に臨む。
なぜ見るのか: Raiders of the Lost Ark のアクションは、スケジュールされたものではなく取得されます。 Steven Spielberg は各シーケンスに向けて構築されているため、到着すると、壮観を超えた重みが生まれます。
Raiders of the Lost Ark の 1981 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Raiders of the Lost Ark を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Raiders of the Lost Ark の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 7.9 の範囲の映画は、リスト上の順位が示すよりも興味深いことがよくあります。これらは、高評価のタイトルほど文化的に飽和していないため、Raiders of the Lost Ark は先入観なしでアプローチしやすいことを意味します。 Raiders of the Lost Ark はその恩恵を受けます。 アクションはストーリーテリングに代わるものではなく、ストーリーテリングに従属するものです。監督は、これまでに起こったことがあるからこそ機能するシーケンスを構築します。観客のキャラクターと賭け金への投資が、アクションが成功するかどうかを決定します。 1980s の映画で、現在でも 7.9 のレートを維持している映画は、現代のどのリリースよりも長いテストを生き延びています。 Raiders of the Lost Ark はその核心であるストーリーテリング、パフォーマンス、クラフトが時代を必要とせずに機能するため、そのテストに合格しました。
Raiders of the Lost Ark の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Steven Spielberg は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 Raiders of the Lost Ark は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、Raiders of the Lost Ark が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
Raiders of the Lost Ark は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.9 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Raiders of the Lost Ark を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Steven Spielberg と Harrison Ford が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに Raiders of the Lost Ark を入れる 7.9 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 Raiders of the Lost Ark に高いスコアを与えるという決定は、Steven Spielberg がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 Raiders of the Lost Ark は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
Return of the Jedi
反乱同盟軍のルークとレイア姫は、悪党ジャバ・ザ・ハットに身柄を奪われた仲間のハン・ソロを奪回すると、帝国軍との決戦に備える。ルークは帝国の皇帝もいる新たな基地衛星、第2デス・スターが軌道上に浮かぶ森の惑星エンドアに潜入。住民イウォーク族を味方につけるのに成功する。だがそこへ帝国の最新兵器陣も到着。やがてルークは、かつて自分がルークの父親だと言い放った宿敵ダース・ベイダーと再会し、最後の対決に挑むのであった。
なぜ見るのか: 明確な地理を考慮して作られたアクション。 Richard Marquand は、全員がどこにいるかを常に把握しているため、最適なシーケンスが機能することを理解しています。
Return of the Jedi (1983) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Return of the Jedi がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 7.9 の評価は、一貫したレベルで同時に動作する監督、脚本、パフォーマンスを反映します。この範囲のスコアの映画が単一の側面で大きく失敗することはほとんどなく、Return of the Jedi も例外ではありません。 この監督は、アクションを見せる前に結果を気にさせるというアクション映画の核心的な問題を解決した。このシーケンスが機能するのは、地理が明確であるため、誰がどこにいるのか、成功には何が必要なのかが常にわかるからです。 1980s映画全体のコンテキストでは、Return of the Jedi は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1980s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
Return of the Jedi の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Richard Marquand は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Return of the Jedi の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Mark Hamill は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
Return of the Jedi を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて Return of the Jedi を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると Return of the Jedi が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Richard Marquand の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Mark Hamill のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する Return of the Jedi は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。Return of the Jedi は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの Richard Marquand の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 Return of the Jedi を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
Raging Bull
実在のミドル級ボクサー、ジェイク・ラモッタの栄光と挫折の半生。試合シーンの壮絶な迫力は筆舌に尽くし難く、ボクシング映画としてのクォリティも高いが、あくまでも作品の根底にあるのは、自らの猜疑心によって妻や弟を失う男を描いた人間ドラマ。引退後のシーンのため体重を25キロ増やしてまで破滅型の主人公を演じきったデ・ニーロはアカデミー主演男優賞を受賞。全編のほとんどを占める白黒画面も美しい。
なぜ見るのか: Raging Bullは沈黙を信頼するドラマです。 Martin Scorsese はシーンに明白な終点を超えて呼吸する余地を与え、キャラクターが演技をやめたときの行動に真実を見出します。
1980 年に公開された Raging Bull は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Martin Scorsese は生き残ったものを作り、今日の 7.9 の評価はその持続力の証拠です。 Raging Bull の 7.9 スコアは、重大な弱点がなく前提条件を満たしている映画の中にランクされています。 Martin Scorsese は、全体を通して意図したとおりに機能するものを作成しましたが、これは思っているほど一般的ではありません。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 1980s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 Raging Bull は永続的なものを理解したためにここにいます。
Raging Bull のビジュアル言語は、1980 の映画制作を最大限に反映しています。 Martin Scorsese は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 Raging Bull のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して Raging Bull を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
Raging Bull は、単に時間を埋めるものではなく、本質的なものを見たい夜に適しています。これは背景ムービーではなく、受動的な体験でもありません。 Martin Scorsese は、ユーザーの注意を求め、一般的ではなく具体的に報酬を与える何かを構築しました。他のことをしながら Raging Bull を視聴する視聴者は、フルに注意を払った人が視聴できるバージョンよりも大幅に縮小されたバージョンの映画を視聴することになります。 7.9 評価は、フルアテンションの視聴エクスペリエンスを反映しています。キャスト (具体的には Robert De Niro) は、集中して視聴すると記録され、気を散らして視聴すると消えてしまうパフォーマンスの詳細を提供します。
Raging Bull がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 Martin Scorsese は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 7.9 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する Martin Scorsese のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、Raging Bull がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
Indiana Jones and the Last Crusade
舞台は1938年。冒険家として、また考古学教授として多忙な日々を過ごすインディ・ジョーンズに、大富豪ドノヴァンから相談が持ちかけられる。イエス・キリストの聖杯の所在を示す重大な遺物を手に入れたが、調査隊の隊長が行方不明になり、それを探して欲しいというのだ。 最初は渋っていたインディだったが、その行方不明になった隊長というのが自分の父、ヘンリー・ジョーンズであると聞き、仕方なく依頼を承諾。父が最後に消息を絶ったヴェネツィアに向かった。
なぜ見るのか: Steven Spielberg は、単なるインパクトではなく理解のために Indiana Jones and the Last Crusade でアクションを撮影します。空間ロジックは全体を通して維持されていますが、これは必要以上にまれです。
Indiana Jones and the Last Crusade の日付は 1989 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 Indiana Jones and the Last Crusadeが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 7.9 では、Indiana Jones and the Last Crusade は品質が安定している範囲内にありますが、映画は高評価のタイトルの広範なコンセンサスに達していません。この狭いコンセンサスは、多くの場合、特定の魅力を反映しています。Indiana Jones and the Last Crusade は万人向けではありませんが、適切な視聴者にとっては優れています。 監督はカメラのスペクタクルではなく、人間のスケールでアクションを撮影します。キャラクターは一貫した空間を占有し、その身体は読みやすい目的を持ってその空間を移動します。その結果、瞬間的なアドレナリンを生成するのではなく、衝撃を蓄積するアクションが得られます。 1980s は、特定の関心事と特定の美的アプローチを備えた特定の文化的瞬間でした。 Indiana Jones and the Last Crusade はそれらの条件を反映しながら、それらを超越しています。この映画は、鑑賞するために 1980s を理解する必要がない 1980s映画です。
Indiana Jones and the Last Crusade の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Steven Spielberg は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Harrison Ford は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Indiana Jones and the Last Crusade で最も顕著に現れます。
Indiana Jones and the Last Crusade は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.9 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Indiana Jones and the Last Crusade を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Steven Spielberg と Harrison Ford が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションにおける Indiana Jones and the Last Crusade の位置は、万人向けのすべてを目指すことなく、その映画特有の品質を確実に提供する映画を反映しています。 Steven Spielberg は映画の内容を理解し、高いレベルの技術で映画を作りました。 7.9 評価は、これらの条件で映画を鑑賞し、高く評価する価値があると判断した視聴者を表します。異なる期待を持った視聴者は、評価が示すほど映画が満足できないと感じることがあります。これは映画の弱点ではなく、期待の弱点です。 Indiana Jones and the Last Crusade はまさに技術を駆使して作られたものであり、それを評価した有権者はそれに応えました。
Stand by Me
1959年、オレゴン州の田舎町に暮らす12歳の仲良し少年4人組、背が低いゴーディ、リーダー格のクリス、メガネのテディ、ふとっちょのバーンは思春期を迎え、親や兄弟に対する愛憎や将来の不安などそれぞれ悩んでいた。ある夏の日、彼らはクリスの兄ら不良グループから、行方不明になった少年の遺体が森にあるという噂を聞く。遺体を発見できれば英雄になれると興奮した4人は、こっそり家を抜け出して探索へ出発する。
なぜ見るのか: Rob Reiner は、優れたドラマに必要で、めったに得られない忍耐をもって Stand by Me に取り組みます。その結果、感情的な瞬間を予定に入れるのではなく、自分で獲得する映画が生まれました。
Stand by Me の 1986 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Stand by Me を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Stand by Me の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 7.8 の Stand by Me は、このリストの信頼できる層を表します。これらは期待を裏切らない映画です。 Rob Reiner は映画がどうあるべきかを理解し、妥協することなくそれを実行しました。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1980s の映画を相互にランク付けすることは、何が生き残ったかを特定するための演習の一部です。 Stand by Me が生き残ったのは、Rob Reiner がトレンドではなく技術に基づいて選択をしたからです。 7.8 の評価は、これらの選択肢が依然として有効であると考えている視聴者を反映しています。
Stand by Me のパフォーマンスは、Rob Reiner が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Wil Wheaton は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Stand by Me で最も着地が難しい瞬間は、Wil Wheaton の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
初めて Stand by Me を視聴する視聴者は、Rob Reiner がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Stand by Me のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Wil Wheaton はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1986 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Rob Reiner が意図したものです。
このようなリストの 11 ～ 25 位に位置する映画は、文化的な重みを持たずにトップ 10 の品質を備えているため、多くの場合、最も有益な発見となります。 Stand by Me がこの位置にあるのは、上のエントリよりも大幅に劣っているからではなく、その魅力がより集中しているためです。 Rob Reiner が Stand by Me で行っていることに共感した視聴者は、このリストにあるどの映画と同じくらい高く評価しています。より広範な有権者ベースの平均がここに位置します。ジャンルの好み、監督の興味、時代などに基づいて、この映画が自分に向いていると考える特定の理由がある視聴者は、その上にランクされているいくつかのエントリーよりもこの映画を優先する必要があります。
Kiki's Delivery Service
13歳の魔女キキは、古い一族の掟に従い、黒猫ジジと修業の旅に出る。そして、海辺の大きな街で修行をすることに。箒で飛ぶ以外に能がないのキキは、空飛ぶ宅急便を始める。しかし、最初の仕事でいきなり荷物を無くしてしまう……。
なぜ見るのか: 工作だけでも見る価値があるレベルのアニメーション。 Kiki's Delivery Service のすべてのフレームは、意図的に芸術的に選択されたものです。
Kiki's Delivery Service (1989) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Kiki's Delivery Service がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 大規模な有権者による 7.8 の評価は、この映画が視聴者が見つけた弱点を上回る真の強みを持っていることを意味します。 Kiki's Delivery Service は、映画が満たすべき最低基準である中心的な約束を果たしますが、リリース数が示すよりも達成できるものはほとんどありません。 この映画は、アニメーションが実写では達成できない感情の領域に到達するためのツールであることを示しています。監督は、メディアの形式的な可能性を利用して、アニメーション形式に特有の瞬間を作成します。 Kiki's Delivery Service は、1980s映画のあらゆる説明の中でその地位を獲得しています。それは、この 10 年間に生み出され、その後の 10 年間に失われたものを捉えているからです。 1980s映画製作の文化的および技術的条件が、Hayao Miyazaki がここで制作できるものを形作りました。
Kiki's Delivery Service の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Hayao Miyazaki は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 Kiki's Delivery Service は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、Kiki's Delivery Service が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
Kiki's Delivery Service が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Hayao Miyazaki の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 Kiki's Delivery Service は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Minami Takayama の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある Kiki's Delivery Service は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、Minami Takayama のパフォーマンスと Hayao Miyazaki の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
Die Hard
クリスマス・イブの夜、LAのハイテクビルを最新兵器で武装した謎のテロリスト集団が襲う。彼らの要求を拒んだ重役達は即座に射殺。なすすべも無く怯える人質たち。ビルの中にいた非番警官ジョン・マクレーンは外部との連絡が一切遮断された中、ただ一人命をかけた闘いを挑んだ！
なぜ見るのか: Die Hard は正直に緊張感を感じます。プレッシャーは人為的な驚きではなく、状況と性格から来ます。 John McTiernan は、視聴者がリスクを感じてくれると信じています。
1988 年に公開された Die Hard は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 John McTiernan は生き残ったものを作り、今日の 7.8 の評価はその持続力の証拠です。 Die Hard の 7.8 スコアは、選択肢があり、これを高く評価することを選択した視聴者から構築されています。この選択は、自分の主張を明確に主張した映画を反映しています。まさに Die Hard が行っていることです。 John McTiernan が主張し、聴衆はそれを受け入れました。 この映画をスリラーとして機能させるのは、賭け金には投資が必要であるという理解です。最初の行為は、プレッシャーがかかる前に人格を構築します。緊張が高まる頃には、結果を気にする理由ができています。 10年ごとに、その時では不可欠に見えては消え去ってしまう映画が生み出されます。 Die Hard はより小さなカテゴリーに属します。1980s映画は、当時を懐かしむことのない視聴者から今でも高く評価されています。世代を超えた品質こそが本当の試練だ。
Die Hard の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 John McTiernan は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Die Hard の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Bruce Willis は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
Die Hard は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.8 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Die Hard を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 John McTiernan と Bruce Willis が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに Die Hard を入れる 7.8 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 Die Hard に高いスコアを与えるという決定は、John McTiernan がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 Die Hard は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
最高の映画はあなたの注意を報います。ここにあるどの映画も、必要な時間を稼いでくれています。
The King of Comedy
ニューヨークに住むパプキンは人気コメディアン、ジェリー・ラングフォードの大ファン。ある日、やはり熱狂的なラングフォード・ファンであるマーシャと知り合い、2人で大胆な作戦をくわだてる。なんとラングフォードを誘拐し、替わりにパプキンがTVショーに出演しようというのだ。ラングフォードを縛りあげ、TV局に向かうパプキンだが……。
なぜ見るのか: The King of Comedy をドラマとして機能させているのは、Martin Scorsese が視聴者が何を感じられるかを説明することを拒否していることです。感情のレジスターは信号によって生成されるものではなく、作成されます。
The King of Comedy の日付は 1982 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 The King of Comedyが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 7.8 の The King of Comedy は、航空機が複数の側面にわたって常に平均を上回っている映画です。単一の要素が他の要素を引き継ぐことはありません。演出も脚本も演技もすべて同じ方向を向いている。 この映画は、ドラマが他のジャンルにできずにできること、つまり、普通の人間の行動にプレッシャーを与え、その反応を通じて性格を明らかにすることを示しています。監督はそのような状況を作り出し、キャストは真の信念を持ってその状況を生きています。 The King of Comedy の 1980s コンテキストは偶然ではありません。この 10 年間の特定の美的条件、つまりどのテクノロジーが許可し、どのような文化が要求したかが、Martin Scorsese がここで行った選択を形作りました。それらの選択は、その瞬間とは関係なく維持されます。
The King of Comedy のビジュアル言語は、1982 の映画制作を最大限に反映しています。 Martin Scorsese は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 The King of Comedy のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して The King of Comedy を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
The King of Comedy を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて The King of Comedy を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると The King of Comedy が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Martin Scorsese の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Robert De Niro のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する The King of Comedy は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。The King of Comedy は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの Martin Scorsese の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 The King of Comedy を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
Back to the Future Part II
スティーブン・スピルバーグとロバート・ゼメキスが贈るSFアドベンチャーシリーズ第2弾。現代に戻って来たマーティは、2015年から帰って来たドクに連れられ今度は未来へタイムスリップすることに。
なぜ見るのか: コメディは維持するのが最も難しいジャンルです。 Robert Zemeckis は Back to the Future Part II を簡単に見せますが、これは、ほとんどの視聴者が意識的に認識していない、かなりの技術の印です。
Back to the Future Part II の 1989 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Back to the Future Part II を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Back to the Future Part II の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 7.8 の範囲の映画は、リスト上の順位が示すよりも興味深いことがよくあります。これらは、高評価のタイトルほど文化的に飽和していないため、Back to the Future Part II は先入観なしでアプローチしやすいことを意味します。 Back to the Future Part II はその恩恵を受けます。 コメディとしての映画の一貫性は一貫性から生まれます。監督は世界のルールとその中での登場人物の行動を確立し、登場人物が状況をどう乗り切るかからユーモアが生まれます。 1980s の映画で、現在でも 7.8 のレートを維持している映画は、現代のどのリリースよりも長いテストを生き延びています。 Back to the Future Part II はその核心であるストーリーテリング、パフォーマンス、クラフトが時代を必要とせずに機能するため、そのテストに合格しました。
Back to the Future Part II の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Robert Zemeckis は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Michael J. Fox は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Back to the Future Part II で最も顕著に現れます。
Back to the Future Part II は、ほとんどのコメディには当てはまらない、単独視聴とグループ視聴の両方の状況で機能する珍しい映画の 1 つです。設定ではなくキャラクターからユーモアを引き出す映画は、部屋に誰がいるかに関係なく、うまくいく傾向があります。笑いは集団の許可ではなく認識から生まれるからです。 Back to the Future Part II を 1 人で視聴すると、グループで視聴すると見逃してしまう、キャラクターを観察する静かな瞬間を捉えることができます。映画を知っている誰かと一緒に見ると、自分が知っている作品を共有するという特別な喜びが生まれます。 Back to the Future Part II のランタイムは、長い映画を観る必要のない本物の品質のものが必要な夜に実用的な選択肢となります。 Robert Zemeckis のペースは、映画がオーバーステイすることなく上映時間を稼ぐことを意味します。
Back to the Future Part II がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 Robert Zemeckis は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 7.8 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する Robert Zemeckis のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、Back to the Future Part II がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
Do the Right Thing
ブルックリンの黒人街の夏を舞台に、さまざまなタイプの人々をリアルに描く。やがて街中が暴動へ至って……。都会の人権対立をパワフルに描いた、スパイク・リー監督の代表作。
なぜ見るのか: クレジットが終わってもずっと記憶に残るタイプのドラマ。 Spike Lee は、素材に忍耐力をもたらし、標準的な運賃を超えています。
Do the Right Thing (1989) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Do the Right Thing がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 7.8 の評価は、一貫したレベルで同時に動作する監督、脚本、パフォーマンスを反映します。この範囲のスコアの映画が単一の側面で大きく失敗することはほとんどなく、Do the Right Thing も例外ではありません。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 1980s映画全体のコンテキストでは、Do the Right Thing は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1980s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
Do the Right Thing のパフォーマンスは、Spike Lee が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Danny Aiello は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Do the Right Thing で最も着地が難しい瞬間は、Danny Aiello の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
Do the Right Thing は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.8 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Do the Right Thing を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Spike Lee と Danny Aiello が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションにおける Do the Right Thing の位置は、万人向けのすべてを目指すことなく、その映画特有の品質を確実に提供する映画を反映しています。 Spike Lee は映画の内容を理解し、高いレベルの技術で映画を作りました。 7.8 評価は、これらの条件で映画を鑑賞し、高く評価する価値があると判断した視聴者を表します。異なる期待を持った視聴者は、評価が示すほど映画が満足できないと感じることがあります。これは映画の弱点ではなく、期待の弱点です。 Do the Right Thing はまさに技術を駆使して作られたものであり、それを評価した有権者はそれに応えました。
Wings of Desire
守護天使ダミエルは、長い歴史を天使として見届け、人間のあらゆるドラマを寄り添うように見守った。だが親友カシエルに永遠の生命を放棄し、人間になりたい、と打ち明ける。やがてサーカスの舞姫マリオンに想いを寄せるダミエルはついに「壁」を境に東西に隔てられた街「ベルリン」に降り立つ。
なぜ見るのか: Wings of Desireは沈黙を信頼するドラマです。 Wim Wenders はシーンに明白な終点を超えて呼吸する余地を与え、キャラクターが演技をやめたときの行動に真実を見出します。
1987 年に公開された Wings of Desire は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Wim Wenders は生き残ったものを作り、今日の 7.8 の評価はその持続力の証拠です。 Wings of Desire の 7.8 スコアは、重大な弱点がなく前提条件を満たしている映画の中にランクされています。 Wim Wenders は、全体を通して意図したとおりに機能するものを作成しましたが、これは思っているほど一般的ではありません。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 1980s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 Wings of Desire は永続的なものを理解したためにここにいます。
Wings of Desire の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Wim Wenders は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 Wings of Desire は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、Wings of Desire が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
初めて Wings of Desire を視聴する視聴者は、Wim Wenders がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Wings of Desire のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Bruno Ganz はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1987 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Wim Wenders が意図したものです。
このようなリストの 11 ～ 25 位に位置する映画は、文化的な重みを持たずにトップ 10 の品質を備えているため、多くの場合、最も有益な発見となります。 Wings of Desire がこの位置にあるのは、上のエントリよりも大幅に劣っているからではなく、その魅力がより集中しているためです。 Wim Wenders が Wings of Desire で行っていることに共感した視聴者は、このリストにあるどの映画と同じくらい高く評価しています。より広範な有権者ベースの平均がここに位置します。ジャンルの好み、監督の興味、時代などに基づいて、この映画が自分に向いていると考える特定の理由がある視聴者は、その上にランクされているいくつかのエントリーよりもこの映画を優先する必要があります。
The Untouchables
1930年、禁酒法下のシカゴ。財務省から派遣された特別捜査官エリオット・ネスは街を牛耳るギャングのボス、アル・カポネに敢然と戦いを挑む。ベテラン警官のマローンを始め、射撃の名手ストーン、税理士のウォレスといったメンバーに支えられ、ネスの捜査が始まる。しかし巨悪カポネの差し向けた殺し屋によって、ひとり、またひとりと犠牲者が……。かつてテレビドラマでも人気を博したアクション・ロマンを映画化。ケビン・コスナーはこの作品で一躍トップスターに。そしてデ・ニーロがまたも肉体改造に挑戦。
なぜ見るのか: 最高のスリラー クラフトとは、何か明らかなことが起こる前に観客が恐怖を感じることを意味します。 Brian De Palmaは情報とタイミングの制御によりThe Untouchablesのそれを実現します。
The Untouchables の日付は 1987 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 The Untouchablesが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 7.8 では、The Untouchables は品質が安定している範囲内にありますが、映画は高評価のタイトルの広範なコンセンサスに達していません。この狭いコンセンサスは、多くの場合、特定の魅力を反映しています。The Untouchables は万人向けではありませんが、適切な視聴者にとっては優れています。 これは、緊張が物理的ではなく心理的なものであるスリラーのカテゴリーに属します。監督は、明らかな危険を見せなくても観客がプレッシャーを感じることを信頼している。その結果、従来のスリラーの仕組みよりもさらに不安が生じます。 1980s は、特定の関心事と特定の美的アプローチを備えた特定の文化的瞬間でした。 The Untouchables はそれらの条件を反映しながら、それらを超越しています。この映画は、鑑賞するために 1980s を理解する必要がない 1980s映画です。
The Untouchables の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Brian De Palma は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 The Untouchables の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Kevin Costner は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
The Untouchables が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Brian De Palma の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 The Untouchables は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Kevin Costner の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある The Untouchables は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、Kevin Costner のパフォーマンスと Brian De Palma の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
Rain Man
自由奔放な青年が重度の自閉症の兄と出会って心を開き、忘れていた愛情を取り戻して行く過程を描いた心暖まる感動のロード・ムービー。高級外車のディーラーをしているチャーリーの元に自分を勘当した父の訃報が届く。遺産目当てに故郷に戻った彼だったが遺産の300万ドルは見た事もない自閉症の兄、レイモンドの手に渡る事を聞かされる。なんとか金を物にしようとチャーリーは施設にいるレイモンドを誘拐まがいに連れ出し、ロスに戻ろうとするのだったが……。
なぜ見るのか: Barry Levinson は、優れたドラマに必要で、めったに得られない忍耐をもって Rain Man に取り組みます。その結果、感情的な瞬間を予定に入れるのではなく、自分で獲得する映画が生まれました。
Rain Man の 1988 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Rain Man を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Rain Man の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 7.8 の Rain Man は、このリストの信頼できる層を表します。これらは期待を裏切らない映画です。 Barry Levinson は映画がどうあるべきかを理解し、妥協することなくそれを実行しました。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1980s の映画を相互にランク付けすることは、何が生き残ったかを特定するための演習の一部です。 Rain Man が生き残ったのは、Barry Levinson がトレンドではなく技術に基づいて選択をしたからです。 7.8 の評価は、これらの選択肢が依然として有効であると考えている視聴者を反映しています。
Rain Man のビジュアル言語は、1988 の映画制作を最大限に反映しています。 Barry Levinson は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 Rain Man のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して Rain Man を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
Rain Man は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.8 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Rain Man を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Barry Levinson と Dustin Hoffman が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに Rain Man を入れる 7.8 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 Rain Man に高いスコアを与えるという決定は、Barry Levinson がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 Rain Man は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
Platoon
実体験を基に描かれた、O・ストーン監督によるベトナム映画。クリス・テイラーがベトナムにやって来たのは1967年。大学を中退してまでベトナムに志願したのは、次々と徴兵されてゆく彼と同年代の若者たちのほとんどが、少数民族や貧しい者たちだった事に対する義憤からであった。だが、いきなり最前線の戦闘小隊に配属されたテイラーにとって、戦争の現実は彼の想像をはるかに超えた過酷なものだった。
なぜ見るのか: クレジットが終わってもずっと記憶に残るタイプのドラマ。 Oliver Stone は、素材に忍耐力をもたらし、標準的な運賃を超えています。
Platoon (1986) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Platoon がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 大規模な有権者による 7.7 の評価は、この映画が視聴者が見つけた弱点を上回る真の強みを持っていることを意味します。 Platoon は、映画が満たすべき最低基準である中心的な約束を果たしますが、リリース数が示すよりも達成できるものはほとんどありません。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 Platoon は、1980s映画のあらゆる説明の中でその地位を獲得しています。それは、この 10 年間に生み出され、その後の 10 年間に失われたものを捉えているからです。 1980s映画製作の文化的および技術的条件が、Oliver Stone がここで制作できるものを形作りました。
Platoon の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Oliver Stone は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Charlie Sheen は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Platoon で最も顕著に現れます。
Platoon を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて Platoon を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると Platoon が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Oliver Stone の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Charlie Sheen のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する Platoon は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。Platoon は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの Oliver Stone の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 Platoon を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
Non ci resta che piangere
Two 20th-century friends accidentally stumble into the year 1492, where they meet a charming teen and try to alter history.
なぜ見るのか: Non ci resta che piangere は、オチを中心に仕組まれた状況からではなく、これらの人々が誰であるかからジョークが生まれるため、再視聴に耐えるコメディです。
1984 年に公開された Non ci resta che piangere は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Roberto Benigni は生き残ったものを作り、今日の 7.7 の評価はその持続力の証拠です。 Non ci resta che piangere の 7.7 スコアは、選択肢があり、これを高く評価することを選択した視聴者から構築されています。この選択は、自分の主張を明確に主張した映画を反映しています。まさに Non ci resta che piangere が行っていることです。 Roberto Benigni が主張し、聴衆はそれを受け入れました。 この映画は観客の滑稽なタイミングの感覚を信頼している。監督はリズムを設定し、ユーモアが生きているところで一時停止を許可します。パフォーマンスは、強調するよりも抑制する方が面白いことを理解しています。 10年ごとに、その時では不可欠に見えては消え去ってしまう映画が生み出されます。 Non ci resta che piangere はより小さなカテゴリーに属します。1980s映画は、当時を懐かしむことのない視聴者から今でも高く評価されています。世代を超えた品質こそが本当の試練だ。
Non ci resta che piangere のパフォーマンスは、Roberto Benigni が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Massimo Troisi は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Non ci resta che piangere で最も着地が難しい瞬間は、Massimo Troisi の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
Non ci resta che piangere は、ほとんどのコメディには当てはまらない、単独視聴とグループ視聴の両方の状況で機能する珍しい映画の 1 つです。設定ではなくキャラクターからユーモアを引き出す映画は、部屋に誰がいるかに関係なく、うまくいく傾向があります。笑いは集団の許可ではなく認識から生まれるからです。 Non ci resta che piangere を 1 人で視聴すると、グループで視聴すると見逃してしまう、キャラクターを観察する静かな瞬間を捉えることができます。映画を知っている誰かと一緒に見ると、自分が知っている作品を共有するという特別な喜びが生まれます。 Non ci resta che piangere のランタイムは、長い映画を観る必要のない本物の品質のものが必要な夜に実用的な選択肢となります。 Roberto Benigni のペースは、映画がオーバーステイすることなく上映時間を稼ぐことを意味します。
Non ci resta che piangere がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 Roberto Benigni は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 7.7 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する Roberto Benigni のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、Non ci resta che piangere がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
The Color Purple
1909年、人種差別が色濃く残るジョージア州。幼くして出産経験がある少女セリーにとって心の支えは、美人で頭がいい妹ネティだった。そんなセリーは“ミスター”と呼ばれる男性に嫁ぐことに。奴隷も同然の毎日を過ごす中、家出をしたネティがセリーの家に訪ねてくるが、ミスターは彼女を追い払ってしまう。やがてミスターは昔の恋人で歌手のシャグを家に住まわせるように。セリーはシャグとの出会いを機に自立を意識しだす。
なぜ見るのか: The Color Purple をドラマとして機能させているのは、Steven Spielberg が視聴者が何を感じられるかを説明することを拒否していることです。感情のレジスターは信号によって生成されるものではなく、作成されます。
The Color Purple の日付は 1985 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 The Color Purpleが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 7.7 の The Color Purple は、航空機が複数の側面にわたって常に平均を上回っている映画です。単一の要素が他の要素を引き継ぐことはありません。演出も脚本も演技もすべて同じ方向を向いている。 この映画は、ドラマが他のジャンルにできずにできること、つまり、普通の人間の行動にプレッシャーを与え、その反応を通じて性格を明らかにすることを示しています。監督はそのような状況を作り出し、キャストは真の信念を持ってその状況を生きています。 The Color Purple の 1980s コンテキストは偶然ではありません。この 10 年間の特定の美的条件、つまりどのテクノロジーが許可し、どのような文化が要求したかが、Steven Spielberg がここで行った選択を形作りました。それらの選択は、その瞬間とは関係なく維持されます。
The Color Purple の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Steven Spielberg は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 The Color Purple は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、The Color Purple が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
The Color Purple は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.7 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 The Color Purple を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Steven Spielberg と Danny Glover が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションにおける The Color Purple の位置は、万人向けのすべてを目指すことなく、その映画特有の品質を確実に提供する映画を反映しています。 Steven Spielberg は映画の内容を理解し、高いレベルの技術で映画を作りました。 7.7 評価は、これらの条件で映画を鑑賞し、高く評価する価値があると判断した視聴者を表します。異なる期待を持った視聴者は、評価が示すほど映画が満足できないと感じることがあります。これは映画の弱点ではなく、期待の弱点です。 The Color Purple はまさに技術を駆使して作られたものであり、それを評価した有権者はそれに応えました。
The Breakfast Club
土曜の休日と言うのに学校に登校させられた高校生5人。彼等はさまざまな問題を起こした懲罰として自分についての作文を書かされるハメになった問題児ばかりだった。大きな図書館に軟禁状態にされ、何から書いていいのかわからないままだらだらと時間だけ過ぎて行く中、雑談からお互いの身の上話を交わし始めた彼等は次第に心を開かせて行く。＜ジョン・ヒューズ監督が、デビュー作「すてきな片想い」に続いてM・リングウォルドを起用し、その魅力を十二分に引きだして彼女の人気が大ブレイクするキッカケにもなった、いわゆる“ヤッピー映画”の傑作。＞
なぜ見るのか: John Hughes は、優れたドラマに必要で、めったに得られない忍耐をもって The Breakfast Club に取り組みます。その結果、感情的な瞬間を予定に入れるのではなく、自分で獲得する映画が生まれました。
The Breakfast Club の 1985 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 The Breakfast Club を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 The Breakfast Club の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 7.7 の範囲の映画は、リスト上の順位が示すよりも興味深いことがよくあります。これらは、高評価のタイトルほど文化的に飽和していないため、The Breakfast Club は先入観なしでアプローチしやすいことを意味します。 The Breakfast Club はその恩恵を受けます。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1980s の映画で、現在でも 7.7 のレートを維持している映画は、現代のどのリリースよりも長いテストを生き延びています。 The Breakfast Club はその核心であるストーリーテリング、パフォーマンス、クラフトが時代を必要とせずに機能するため、そのテストに合格しました。
The Breakfast Club の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 John Hughes は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 The Breakfast Club の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Emilio Estevez は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
初めて The Breakfast Club を視聴する視聴者は、John Hughes がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 The Breakfast Club のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Emilio Estevez はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1985 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、John Hughes が意図したものです。
このようなリストの 11 ～ 25 位に位置する映画は、文化的な重みを持たずにトップ 10 の品質を備えているため、多くの場合、最も有益な発見となります。 The Breakfast Club がこの位置にあるのは、上のエントリよりも大幅に劣っているからではなく、その魅力がより集中しているためです。 John Hughes が The Breakfast Club で行っていることに共感した視聴者は、このリストにあるどの映画と同じくらい高く評価しています。より広範な有権者ベースの平均がここに位置します。ジャンルの好み、監督の興味、時代などに基づいて、この映画が自分に向いていると考える特定の理由がある視聴者は、その上にランクされているいくつかのエントリーよりもこの映画を優先する必要があります。
素晴らしい映画を見ると世界の見方が変わります。だからこそ、私たちはそれらを慎重に選んでいます。
The Blues Brothers
シカゴ郊外の刑務所（ジョリエット刑務所）を出所したジョリエット・ジェイクと、彼を迎えに来た弟のエルウッドは、兄弟を育ててくれた孤児院に出所の挨拶に行くが、そこで、孤児院が5000ドルの税金を払えないため立ち退きの瀬戸際にあることを知る。孤児院の危機を救うため援助を申し出る二人だが、犯罪で得た汚れた金は要らないと逆に院長に追い払われてしまう。
なぜ見るのか: 単に映画として宣伝されているのではなく、本当に面白い映画です。 The Blues Brothers のユーモアは設定ではなく、キャラクターから来ています。
The Blues Brothers (1980) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、The Blues Brothers がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 7.7 の評価は、一貫したレベルで同時に動作する監督、脚本、パフォーマンスを反映します。この範囲のスコアの映画が単一の側面で大きく失敗することはほとんどなく、The Blues Brothers も例外ではありません。 この映画をコメディとして成立させているのは、監督がどこにユーモアがあるのかを示すことを拒否しているからだ。ジョークは性格や状況から生まれます。つまり、笑いなさいと言われるのを待っている視聴者よりも、注意を払っている視聴者のほうが多くのことを見つけることができます。 1980s映画全体のコンテキストでは、The Blues Brothers は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1980s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
The Blues Brothers のビジュアル言語は、1980 の映画制作を最大限に反映しています。 John Landis は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 The Blues Brothers のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して The Blues Brothers を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
The Blues Brothers が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、John Landis の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 The Blues Brothers は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの John Belushi の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある The Blues Brothers は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、John Belushi のパフォーマンスと John Landis の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
The Princess Bride
昔々のフローリン国。美しい娘・キンポウゲと青年・ウェスリーは互いに愛し合っていたが、ウェスリーの訃報にキンポウゲは生きる希望を失い、腹黒いフンテバーティング王子の求婚を受け入れる。
なぜ見るのか: The Princess Bride は、オチを中心に仕組まれた状況からではなく、これらの人々が誰であるかからジョークが生まれるため、再視聴に耐えるコメディです。
1987 年に公開された The Princess Bride は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Rob Reiner は生き残ったものを作り、今日の 7.7 の評価はその持続力の証拠です。 The Princess Bride の 7.7 スコアは、重大な弱点がなく前提条件を満たしている映画の中にランクされています。 Rob Reiner は、全体を通して意図したとおりに機能するものを作成しましたが、これは思っているほど一般的ではありません。 この映画は観客の滑稽なタイミングの感覚を信頼している。監督はリズムを設定し、ユーモアが生きているところで一時停止を許可します。パフォーマンスは、強調するよりも抑制する方が面白いことを理解しています。 1980s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 The Princess Bride は永続的なものを理解したためにここにいます。
The Princess Bride の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Rob Reiner は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Cary Elwes は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、The Princess Bride で最も顕著に現れます。
The Princess Bride は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.7 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 The Princess Bride を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Rob Reiner と Cary Elwes が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに The Princess Bride を入れる 7.7 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 The Princess Bride に高いスコアを与えるという決定は、Rob Reiner がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 The Princess Bride は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
The Terminator
アメリカのとある街、深夜突如奇怪な放電と共に屈強な肉体をもった男が現れる。同じくして放電の中からもう一人の男カイル・リースが現れる。屈強な肉体を持った男はモラルや常識もない。あるのはただ１つの目的アメリカ人女性サラ・コナーという名の人物の殺害だった。電話帳名簿から「サラ・コナー」の名を持つ女性をかたっぱしから銃殺していく男。その頃カイルは目的のサラ・コナーと接触し間一髪で彼女を救う。カイルはサラに、サラを狙っているのは近未来から送られた人類殺戮ロボット「ターミネーター」であり、未来ではロボットの反乱による機械対人類の最終戦争が起こっている事、そしてサラは人類軍の希望のリーダー ジョン・コナーの母親である事を告げる。 サラを連れカイルはターミネーターからの逃亡を開始する。
なぜ見るのか: 最高のスリラー クラフトとは、何か明らかなことが起こる前に観客が恐怖を感じることを意味します。 James Cameronは情報とタイミングの制御によりThe Terminatorのそれを実現します。
The Terminator の日付は 1984 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 The Terminatorが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 7.7 では、The Terminator は品質が安定している範囲内にありますが、映画は高評価のタイトルの広範なコンセンサスに達していません。この狭いコンセンサスは、多くの場合、特定の魅力を反映しています。The Terminator は万人向けではありませんが、適切な視聴者にとっては優れています。 これは、緊張が物理的ではなく心理的なものであるスリラーのカテゴリーに属します。監督は、明らかな危険を見せなくても観客がプレッシャーを感じることを信頼している。その結果、従来のスリラーの仕組みよりもさらに不安が生じます。 1980s は、特定の関心事と特定の美的アプローチを備えた特定の文化的瞬間でした。 The Terminator はそれらの条件を反映しながら、それらを超越しています。この映画は、鑑賞するために 1980s を理解する必要がない 1980s映画です。
The Terminator のパフォーマンスは、James Cameron が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Arnold Schwarzenegger は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 The Terminator で最も着地が難しい瞬間は、Arnold Schwarzenegger の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
The Terminator を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて The Terminator を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると The Terminator が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 James Cameron の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Arnold Schwarzenegger のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する The Terminator は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。The Terminator は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの James Cameron の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 The Terminator を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
Mississippi Burning
1964年、ミシシッピーの小さな町から公民権運動家3人が突然消えた。事件解明のために派遣されたFBI捜査官の二人は、やがて恐るべき事実を暴き出す……。第一級の社会派サスペンス映画。アラン・パーカー監督作。
なぜ見るのか: Alan Parker は、優れたドラマに必要で、めったに得られない忍耐をもって Mississippi Burning に取り組みます。その結果、感情的な瞬間を予定に入れるのではなく、自分で獲得する映画が生まれました。
Mississippi Burning の 1988 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Mississippi Burning を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Mississippi Burning の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 7.7 の Mississippi Burning は、このリストの信頼できる層を表します。これらは期待を裏切らない映画です。 Alan Parker は映画がどうあるべきかを理解し、妥協することなくそれを実行しました。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1980s の映画を相互にランク付けすることは、何が生き残ったかを特定するための演習の一部です。 Mississippi Burning が生き残ったのは、Alan Parker がトレンドではなく技術に基づいて選択をしたからです。 7.7 の評価は、これらの選択肢が依然として有効であると考えている視聴者を反映しています。
Mississippi Burning の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Alan Parker は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 Mississippi Burning は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、Mississippi Burning が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
Mississippi Burning は、単に時間を埋めるものではなく、本質的なものを見たい夜に適しています。これは背景ムービーではなく、受動的な体験でもありません。 Alan Parker は、ユーザーの注意を求め、一般的ではなく具体的に報酬を与える何かを構築しました。他のことをしながら Mississippi Burning を視聴する視聴者は、フルに注意を払った人が視聴できるバージョンよりも大幅に縮小されたバージョンの映画を視聴することになります。 7.7 評価は、フルアテンションの視聴エクスペリエンスを反映しています。キャスト (具体的には Gene Hackman) は、集中して視聴すると記録され、気を散らして視聴すると消えてしまうパフォーマンスの詳細を提供します。
Mississippi Burning がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 Alan Parker は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 7.7 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する Alan Parker のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、Mississippi Burning がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
Brazil
20世紀のどこかの国。情報省はテロの容疑者「タトル」を「バトル」と打ち間違えてしまい、無関係なバトル氏を無理やり連行していく。それを一部始終見ていた上の階に住むトラック運転手のジルが抗議をするも、全く相手にされない。 一方、情報局に勤めるサムは、このミスをなんとかするために試行錯誤していた。近頃サムは、夢の中でナイトの格好をして、美女を助け出すというおかしな夢を見ていたが、情報省に抗議に来ていたジルがその美女にそっくりだということに気づく。 ある日、サムが家に帰るとダクトが故障しており、非合法のダクト修理屋と名乗るタトルが勝手に直してしまう。サムはまた夢の中でサムライの怪物と戦い、美女を救う夢を見る。サムはジルの正体を知るために断っていた昇格を望み、友人であったジャックの元を訪ねる。そして、様々な事柄が複雑に絡まりあっていく。
なぜ見るのか: 単に映画として宣伝されているのではなく、本当に面白い映画です。 Brazil のユーモアは設定ではなく、キャラクターから来ています。
Brazil (1985) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Brazil がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 大規模な有権者による 7.7 の評価は、この映画が視聴者が見つけた弱点を上回る真の強みを持っていることを意味します。 Brazil は、映画が満たすべき最低基準である中心的な約束を果たしますが、リリース数が示すよりも達成できるものはほとんどありません。 この映画をコメディとして成立させているのは、監督がどこにユーモアがあるのかを示すことを拒否しているからだ。ジョークは性格や状況から生まれます。つまり、笑いなさいと言われるのを待っている視聴者よりも、注意を払っている視聴者のほうが多くのことを見つけることができます。 Brazil は、1980s映画のあらゆる説明の中でその地位を獲得しています。それは、この 10 年間に生み出され、その後の 10 年間に失われたものを捉えているからです。 1980s映画製作の文化的および技術的条件が、Terry Gilliam がここで制作できるものを形作りました。
Brazil の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Terry Gilliam は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Brazil の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Jonathan Pryce は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
Brazil は、他所から持ち込まれた期待に従うことを要求するのではなく、独自の条件で映画に出会うことをいとわない視聴者にとって、信頼できる推奨作品です。このカテゴリの高評価タイトルにあるような文化的な偏在性はありません。つまり、強制視聴の重みを感じずに配信されます。 「必ず見なければならない」と言われずに Brazil を発見した視聴者は、義務として視聴する視聴者よりも強く反応することがよくあります。 Terry Gilliam は、特定の魅力を持ったものを作りました。それがすべての人にとってすべてであるように努めているわけではありません。 Brazil に接続した視聴者は、7.7 の評価が示すよりもかなり優れていると感じる傾向があり、マーケティングでの可視性が限られているにもかかわらず、この評価が維持されているのはそのためです。
リストのこのセクションにおける Brazil の位置は、万人向けのすべてを目指すことなく、その映画特有の品質を確実に提供する映画を反映しています。 Terry Gilliam は映画の内容を理解し、高いレベルの技術で映画を作りました。 7.7 評価は、これらの条件で映画を鑑賞し、高く評価する価値があると判断した視聴者を表します。異なる期待を持った視聴者は、評価が示すほど映画が満足できないと感じることがあります。これは映画の弱点ではなく、期待の弱点です。 Brazil はまさに技術を駆使して作られたものであり、それを評価した有権者はそれに応えました。
Blue Velvet
デヴィッド・リンチ監督によるスリラー。ノース・キャロライナ州ランバートン。製材が主産業ののどかな町。よく晴れた日、大学生のジェフリーは、庭仕事をしていて突然異常な発作に襲われた父を見舞った病院からの帰り道、野原で異様な物を見つけた。手に取ってみると、それは何と切り落とされた人間の片耳だった……。
なぜ見るのか: Blue Velvet は正直に緊張感を感じます。プレッシャーは人為的な驚きではなく、状況と性格から来ます。 David Lynch は、視聴者がリスクを感じてくれると信じています。
1986 年に公開された Blue Velvet は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 David Lynch は生き残ったものを作り、今日の 7.6 の評価はその持続力の証拠です。 Blue Velvet の 7.6 スコアは、選択肢があり、これを高く評価することを選択した視聴者から構築されています。この選択は、自分の主張を明確に主張した映画を反映しています。まさに Blue Velvet が行っていることです。 David Lynch が主張し、聴衆はそれを受け入れました。 この映画をスリラーとして機能させるのは、賭け金には投資が必要であるという理解です。最初の行為は、プレッシャーがかかる前に人格を構築します。緊張が高まる頃には、結果を気にする理由ができています。 10年ごとに、その時では不可欠に見えては消え去ってしまう映画が生み出されます。 Blue Velvet はより小さなカテゴリーに属します。1980s映画は、当時を懐かしむことのない視聴者から今でも高く評価されています。世代を超えた品質こそが本当の試練だ。
Blue Velvet のビジュアル言語は、1986 の映画制作を最大限に反映しています。 David Lynch は、現代の作品ではポストプロダクションに負荷がかかる感情的な重みを伝える構成と照明を必要とする技術的制約の中で作業しました。 Blue Velvet のすべてのフレームは、調整されたものではなく、デザインされたものです。その結果、無制限のポストプロダクションオプションを備えた現代の映画ではめったに達成できない視覚的な一貫性が得られます。ショットがどのように構成されているかに注意して Blue Velvet を観察すると、カメラが単に何かを記録しているだけではなく、それをどのように見るかについて議論していることを映画制作者が理解していることがわかります。
初めて Blue Velvet を視聴する視聴者は、David Lynch がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Blue Velvet のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Isabella Rossellini はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1986 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、David Lynch が意図したものです。
このようなリストの 11 ～ 25 位に位置する映画は、文化的な重みを持たずにトップ 10 の品質を備えているため、多くの場合、最も有益な発見となります。 Blue Velvet がこの位置にあるのは、上のエントリよりも大幅に劣っているからではなく、その魅力がより集中しているためです。 David Lynch が Blue Velvet で行っていることに共感した視聴者は、このリストにあるどの映画と同じくらい高く評価しています。より広範な有権者ベースの平均がここに位置します。ジャンルの好み、監督の興味、時代などに基づいて、この映画が自分に向いていると考える特定の理由がある視聴者は、その上にランクされているいくつかのエントリーよりもこの映画を優先する必要があります。
The Last Emperor
1950年。第二次世界大戦の終結による満州国の崩壊と国共内戦の終結により、共産主義国である中華人民共和国の一都市となったハルビン駅の構内。5年間にわたるソビエト連邦での抑留を解かれ、中華人民共和国に送還された「戦犯」達がごった返す中で、列から外れた1人の男が洗面所で自殺を試みる。男は監視人の手により一命を取り留めるものの、薄れ行く意識の中で幼い日々の頃を思い出していた。この男こそ清朝最後の皇帝にして満州国の皇帝、「ラスト・エンペラー」と呼ばれた愛新覚羅溥儀その人であった。
なぜ見るのか: The Last Emperor をドラマとして機能させているのは、Bernardo Bertolucci が視聴者が何を感じられるかを説明することを拒否していることです。感情のレジスターは信号によって生成されるものではなく、作成されます。
The Last Emperor の日付は 1987 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 The Last Emperorが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 7.6 の The Last Emperor は、航空機が複数の側面にわたって常に平均を上回っている映画です。単一の要素が他の要素を引き継ぐことはありません。演出も脚本も演技もすべて同じ方向を向いている。 この映画は、ドラマが他のジャンルにできずにできること、つまり、普通の人間の行動にプレッシャーを与え、その反応を通じて性格を明らかにすることを示しています。監督はそのような状況を作り出し、キャストは真の信念を持ってその状況を生きています。 The Last Emperor の 1980s コンテキストは偶然ではありません。この 10 年間の特定の美的条件、つまりどのテクノロジーが許可し、どのような文化が要求したかが、Bernardo Bertolucci がここで行った選択を形作りました。それらの選択は、その瞬間とは関係なく維持されます。
The Last Emperor の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Bernardo Bertolucci は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 John Lone は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、The Last Emperor で最も顕著に現れます。
The Last Emperor が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Bernardo Bertolucci の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 The Last Emperor は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの John Lone の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある The Last Emperor は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、John Lone のパフォーマンスと Bernardo Bertolucci の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
Ferris Bueller's Day Off
快晴のシカゴ。サボりの常習犯である高校生フェリスはこの日、仮病でズル休みすることに。そして、彼の姉や校長をイラ立たせ校内も騒然とする中、フェリスは病欠している金持ちの親友キャメロンを誘い、車で街へと繰り出していく。さらにはフェリスのガールフレンドも学校から誘い出すことに成功。こうして3人は、パレードに飛び入りしてはロックを歌い踊るなど、休日を存分に楽しむのだった。だが一方、フェリスの自宅では、校長や姉がそれぞれフェリスの仮病を暴こうと待ち構え、まだ何も事情を知らない両親も帰宅しようとしていた…。
なぜ見るのか: コメディは維持するのが最も難しいジャンルです。 John Hughes は Ferris Bueller's Day Off を簡単に見せますが、これは、ほとんどの視聴者が意識的に認識していない、かなりの技術の印です。
Ferris Bueller's Day Off の 1986 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Ferris Bueller's Day Off を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Ferris Bueller's Day Off の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 7.6 の範囲の映画は、リスト上の順位が示すよりも興味深いことがよくあります。これらは、高評価のタイトルほど文化的に飽和していないため、Ferris Bueller's Day Off は先入観なしでアプローチしやすいことを意味します。 Ferris Bueller's Day Off はその恩恵を受けます。 コメディとしての映画の一貫性は一貫性から生まれます。監督は世界のルールとその中での登場人物の行動を確立し、登場人物が状況をどう乗り切るかからユーモアが生まれます。 1980s の映画で、現在でも 7.6 のレートを維持している映画は、現代のどのリリースよりも長いテストを生き延びています。 Ferris Bueller's Day Off はその核心であるストーリーテリング、パフォーマンス、クラフトが時代を必要とせずに機能するため、そのテストに合格しました。
Ferris Bueller's Day Off のパフォーマンスは、John Hughes が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Matthew Broderick は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Ferris Bueller's Day Off で最も着地が難しい瞬間は、Matthew Broderick の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
Ferris Bueller's Day Off は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.6 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Ferris Bueller's Day Off を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 John Hughes と Matthew Broderick が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに Ferris Bueller's Day Off を入れる 7.6 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 Ferris Bueller's Day Off に高いスコアを与えるという決定は、John Hughes がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 Ferris Bueller's Day Off は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
Gandhi
南アフリカ、1893年。ただ白人では無いことを理由に一人の青年紳士が列車の一等車から放り出され、この人種差別に青年は激しい怒りを覚えた。青年の名はモハンダス・Ｋ・ガンジー。ロンドンで法律を学んだ彼はインド人商社の顧問弁護士として南アフリカのダーバンへ渡って来たのだ。彼はインド人移民に呼びかけて身分証明カードを焼き拾てることを提唱する。
なぜ見るのか: クレジットが終わってもずっと記憶に残るタイプのドラマ。 Richard Attenborough は、素材に忍耐力をもたらし、標準的な運賃を超えています。
Gandhi (1982) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Gandhi がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 7.6 の評価は、一貫したレベルで同時に動作する監督、脚本、パフォーマンスを反映します。この範囲のスコアの映画が単一の側面で大きく失敗することはほとんどなく、Gandhi も例外ではありません。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 1980s映画全体のコンテキストでは、Gandhi は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1980s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
Gandhi の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Richard Attenborough は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 Gandhi は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、Gandhi が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
Gandhi を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて Gandhi を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると Gandhi が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Richard Attenborough の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Ben Kingsley のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する Gandhi は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。Gandhi は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの Richard Attenborough の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 Gandhi を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
Predator
南米某国で行方を絶った重要人物奪還のためにジャングルに潜入する特殊コマンド部隊。だがゲリラを掃討した彼らを待ち受けていたのは宇宙から飛来した肉食異星人プレデターだった。体を透明化させて周囲の風景に溶け込み、どこからともなく牙を向くプレデターに隊員たちは次々に倒されていく。仲間を全て失った隊長シェイファーは、姿なき敵が熱に反応して攻撃してくる事を突き止め、ついに一対一の闘いを挑む。
なぜ見るのか: Predator は、アクション映画の中心的な問題、つまりアクションを見せる前に気を配らせるという問題を解決します。シーケンスが着地するのは、前のシーンでそれらが重要である理由が確立されたためです。
1987 年に公開された Predator は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 John McTiernan は生き残ったものを作り、今日の 7.6 の評価はその持続力の証拠です。 Predator の 7.6 スコアは、重大な弱点がなく前提条件を満たしている映画の中にランクされています。 John McTiernan は、全体を通して意図したとおりに機能するものを作成しましたが、これは思っているほど一般的ではありません。 空間ロジックが崩壊し、シーケンスが抽象的なスペクタクルになると、アクション映画は失敗します。この映画はその失敗を回避します。監督はインパクトだけでなく、理解のために絵コンテを作成します。観客は常に、各瞬間のリスクを理解しています。 1980s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 Predator は永続的なものを理解したためにここにいます。
Predator の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 John McTiernan は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Predator の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Arnold Schwarzenegger は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
Predator は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.6 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Predator を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 John McTiernan と Arnold Schwarzenegger が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
Predator がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 John McTiernan は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 7.6 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する John McTiernan のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、Predator がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
これらの 1980s 映画のランク付け方法
このページのすべての映画は、映画データベース API のデータを使用して選択され、品質の一貫性を確保するために最小投票しきい値でフィルタリングされています。このプロセスは、このカテゴリのすべての映画から始まり、投票平均によって降順に並べ替えられ、次にフィルタリングされて、必要な投票数に満たない映画が除外されます。
その大きなリストから、各エントリの正確性が手動で検証されました。高い評価が自動的に視聴可能につながるわけではありません。最近のニュースで話題になっている映画と、本当に良いから話題になっている映画は同じではありません。各エントリーの編集分析は、文化的なノイズではなく、実際の映画の品質を反映しています。
この選択では、アクセシビリティと奥深さのバランスが保たれています。ここにある映画は、最近公開されたものから、再発見に値するカタログ タイトルまで多岐にわたります。すべては工芸と意図を持って作られました。すべてご褒美視聴。
ジャンル別ベスト 1980s 映画
このページの 50 映画は複数のジャンルやサブジャンルにまたがっています。ジャンルはフィルターとしては便利ですが、決定的なカテゴリとしては役立ちません。 「ドラマ」とタグ付けされた映画は、「スリラー」とタグ付けされた映画と同じくらいサスペンスフルになる可能性があります。 「アクション」とタグ付けされた映画は、「ドラマ」とタグ付けされた映画と同じくらい感情的に知的な可能性があります。全体像としてではなく、出発点としてジャンルを使用します。
各映画のジャンル タグは、その映画がどの位置にあるかを明確に示します。フィルターを使用して、1980s 内で最も興味のあるジャンルを見つけます。
評価別の最高の 1980s 映画
このページの映画は 3 つの評価段階に分かれています。 8.5 を超える映画は、どのような基準から見ても例外的であり、このカテゴリーでは絶対的に最高の映画と言えます。 7.5 から 8.4 までのムービーは一貫した技術を示しており、確実に強力です。 7.0 から 7.4 までのムービーは依然として優れており、見る価値がありますが、品質の範囲は若干広くなります。
TMDB で 8.0 の評価を得るには、統計的に信頼できる十分な規模の有権者ベースが必要です。それは時間をかけてテストされた本物の視聴者の評価を反映しています。
ランタイム別のベスト 1980s 映画
ランタイムは、監視するものを選択するときに最も役立つフィルターの 1 つであり、最も使用されないフィルターの 1 つです。 90 分未満の映画は、完全な体験を正確に提供します。 90 ～ 120 分の映画は、ほとんどの視聴状況に最適な長さです。 120 分を超える映画にはコミットメントが必要ですが、それに見合った価値があります。
予想よりもはるかに長い上映時間を深夜に開始するのではなく、利用可能な時間を使って適切な映画を見つけてください。
見つける価値のある隠された宝石
1980s のすべてのセレクションには、知名度ランキングでは上位にランクされていないものの、優れたものを提供する映画が含まれています。これらの映画は、フランチャイズの認知度や最近の報道が不足しているため、アルゴリズムによって過小評価されます。目立たないから隠されるわけではありません。プラットフォームでは最も騒々しいオプションが最初に表示されるため、これらは非表示になります。
Explore Related 1980s Content
The 1980s is best understood through multiple lenses. Below are related ways to explore movies from this decade and era.
よくある質問
1980sの最高の映画は何ですか？
1980s の最高の映画がランク付けされ、このページに完全にリストされています。このリストは、ノスタルジーではなく、純粋な視聴者の評価を反映しています。どの映画も、十分な数の観客からの持続的な肯定的な反応によってその地位を獲得しました。
1980sの最高評価の映画は何ですか？
1980s の最高評価の映画がこのページの上部に表示されます。 8.5 以上の評価を受けた映画は、それ以降に制作されたすべての作品にアクセスできる視聴者から高く評価されており、そのため、この評価は数字だけが示すよりも意味のあるものになります。
1980s の最高のスリラーは何ですか?
1980s のスリラーは、このページ全体でジャンル タグによって識別されます。スリラーまたは犯罪スリラーのタグが付いた映画を探してください。最高の 1980s スリラーは、作られたショックではなく、キャラクターへの投資を通じて緊張感を高めます。
1980sの最高のドラマは何ですか?
1980s のドラマ映画は、この時代で最も不朽の作品のひとつです。最高の 1980s ドラマは、視聴者が感情的な情報に下線を引くことなく登録し、公開後数十年経っても視聴に報い続けると信頼していました。
1980s の最高のアクション映画は何ですか?
アクション映画は1980s時代に大きく進化しました。このページの「アクション」とタグ付けされた映画は、その進化の最良の部分を表しており、最初に理解を、次に衝撃を与えることを目的としたシーケンスを備えています。
1980s の最高のコメディは何ですか?
最高の 1980s コメディは、設定やオチの仕組みではなく、キャラクターからユーモアを引き出しました。元の文化的参照が薄れても、登場人物が具体的で認識しやすいため、面白いままです。
1980s の最高のホラー映画は何ですか?
最高の 1980s ホラー映画は、雰囲気はショックよりも持続性があり、恐怖にはキャラクターへの事前の投資が必要であることを理解していました。これらは、露骨な内容ではなく、雰囲気のある工芸品と構造的知性を重視して選ばれました。
1980s の最高の SF 映画は何ですか?
1980s の最高の SF 映画は、スペクタクルとしてではなく、人間の疑問を探求するために思索的な前提を使用していました。このジャンルは真剣に受け止められ、実際のアイデアを盛り込んだプロジェクトが作成され、劇場公開されました。
1980s の最高の犯罪映画は何ですか?
1980s の犯罪映画は、このジャンルが生み出した最も強力な作品の一部を表しています。これらの映画は、道徳的な曖昧さを解決することなく関与し、ロマンチシズムのない犯罪生活の代償を示していました。
1980s の最高の外国語映画は何ですか?
このリストには、1980s の国際映画が含まれています。この時代、いくつかの国立映画館は創造性のピークを迎えていました。字幕に懐疑的な人は、このページで評価が 8.5 以上の外国語映画から始めるべきです。
1980s で最も過小評価されている映画は何ですか?
このページの「隠れた宝石」セクションでは、有意義な投票者ベースから 6.5 ～ 7.4 のスコアを獲得した 1980s 映画を特定します。これらの映画が過小評価されているのは、無名だからではなく、シリーズとしての知名度や最近の報道が不足しているためです。
誰もが一度は見るべき1980sの映画は何ですか？
このリストで 8.0 以上の評価を得た映画は、交渉の余地のない 1980s の視聴を表します。これらは、複数の世代の視聴者の間で真の批判的なコンセンサスを達成し、新たな視聴者に届け続けています。
普段古い映画を見ない人にとって最高の 1980s 映画は何ですか?
このページから 8.5 以上の評価の映画から始めてください。品質は古くなりません。ジャンル タグを使用して、好きなジャンルの 1980s 映画を見つけて、そこから始めます。
1980s の映画は現代の映画とどう違うのですか?
1980s は、さまざまな制約の下、さまざまな野心を持って映画を制作しました。予算構造により、オリジナルの前提を備えた中級映画が劇場公開されることが可能になりました。ディレクターには、現在一般的であるよりもスタジオに対してよりクリエイティブなコントロールが与えられていました。
1980s の映画は今でも見る価値がありますか?
はい、資格なしでも大丈夫です。このリストにある映画は、歴史的に興味深いからではなく、歴史に残るという理由で選ばれています。優れた映画製作は、テクノロジーやファッションのように老化することはありません。現代の観客はこれらの映画を高く評価し続けています。