Grave of the Fireflies
2차 세계대전, 일본의 한 마을에 폭격기로 인한 대공습이 일어난다. 마을이 화염으로 휩싸이자, 14살인 세이타는 부모님과 따로 만나기로 약속한 채 4살짜리 여동생 세츠코를 업고 피신한다. 결국 집과 어머니를 잃고 먼 친척아주머니의 집으로 향하는 세이타와 세츠코. 힘들고 어려운 환경에서도 오빠 세이타는 천진하고 착한 여동생 세츠코를 보면서 희망과 용기를 잃지 않는다. 하지만 시간이 지날수록 친척아주머니의 남매에 대한 냉대는 더욱 심해지고, 세이타는 어머니가 남겨주었던 마지막 여비를 챙겨 세츠코와 함께 산 속에 있는 방공호로 거처를 옮긴다. 두 남매는 산 속 동굴에서 반딧불이를 잡아 불을 밝히고, 물고기와 개구리를 잡아먹으며 살아가는데...
시청해야 하는 이유: 이번 선정작에서 가장 높은 평가를 받은 영화 중 하나입니다. Grave of the Fireflies는 여러 세대의 시청자들 사이에서 지속적인 비판적 평가를 통해 명성을 얻었습니다.
Grave of the Fireflies(1988)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Grave of the Fireflies는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 8.4 등급은 일관된 수준에서 동시에 작동하는 감독, 각본 및 성능을 반영합니다. 이 범위의 점수를 받은 영화는 단일 차원에서 크게 실패하는 경우가 거의 없으며 Grave of the Fireflies도 예외는 아닙니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. 1980s 시네마 전체의 맥락에서 Grave of the Fireflies는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1980s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
Grave of the Fireflies의 시각적 언어는 1988의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Isao Takahata는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. Grave of the Fireflies의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 Grave of the Fireflies를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
Grave of the Fireflies를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 Grave of the Fireflies를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 Grave of the Fireflies가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Isao Takahata의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Tsutomu Tatsumi의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록의 상위 10위 안에 Grave of the Fireflies 순위를 지정하려면 특별한 인수가 필요하지 않습니다. 통계적으로 의미가 있을 만큼 충분히 큰 유권자 기반의 8.4 등급이 주장입니다. 진지한 목록의 상위 10위 안에 드는 영화는 가장 광범위한 시청자에게 지속적으로 서비스를 제공하기 때문에 그 위치를 차지하고 있으며 Grave of the Fireflies는 이 영화를 접한 모든 인구 통계에 걸쳐 이를 수행했습니다. 여기서 Isao Takahata의 작업은 개별 장면의 품질이 영화 전체의 수준을 유지하는 수준으로 결합되는 수준에서 작동하고 있는데, 이는 보기보다 드물다.
Cinema Paradiso
어린 시절 영화가 세상의 전부였던 소년 토토는 학교 수업을 마치면 마을 광장에 있는 낡은 시네마 천국이라는 극장으로 달려가 영사 기사 알프레도와 친구로 지내며 어깨너머로 영사기술을 배운다. 어느 날 관객들을 위해 광장에서 야외 상영을 해주던 알프레도가 그만 화재 사고로 실명하게 되고, 토토가 그의 뒤를 이어 시네마 천국의 영상기사로 일하게 된다. 실명한 후에도 토토의 친구이자 아버지로 든든한 정신적 지주가 되어준 알프레도는 청년이 된 토토가 사랑하는 여자 엘레나의 부모님의 반대로 좌절하자 넓은 세상으로 나가서 더 많은 것을 배우라며 권유하는데...
시청해야 하는 이유: Cinema Paradiso는 이 목록의 예외적인 끝에 위치합니다. 대규모 유권자 기반을 바탕으로 구축된 이 높은 등급은 과대 광고가 아닌 진정한 합의를 반영합니다.
1988에 개봉된 Cinema Paradiso는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Giuseppe Tornatore는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 8.4 등급은 그 지속력의 증거입니다. Cinema Paradiso의 8.4 점수는 큰 약점 없이 전제를 전달하는 영화 중 하나입니다. Giuseppe Tornatore는 전체적으로 의도한 대로 작동하는 것을 만들었지만, 생각보다 흔하지 않습니다. 드라마는 보편성보다는 특수성에서 나온다. 감독은 이런 상황에서 등장인물들에게 정확하게 적용되는 선택을 하는데, 이는 역설적으로 일반적인 감정 비트보다 더 보편적인 것을 만들어낸다. 1980s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. Cinema Paradiso는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
Cinema Paradiso의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Giuseppe Tornatore는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Philippe Noiret는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Cinema Paradiso에서 가장 잘 드러납니다.
Cinema Paradiso는 단순히 시간을 채우는 것보다 진정한 내용을 담고 싶은 저녁 시간에 적합합니다. 그것은 배경 영화도 아니고 수동적인 경험도 아닙니다. Giuseppe Tornatore는 여러분의 관심을 끌고 일반적이 아닌 구체적으로 보상하는 무언가를 구성했습니다. 다른 일을 하면서 Cinema Paradiso를 시청하는 시청자는 영화에 완전히 집중한 사람이 볼 수 있는 버전보다 훨씬 적은 버전의 영화를 보게 됩니다. 8.4 등급은 집중 시청 경험을 반영합니다. 출연진(구체적으로 Philippe Noiret)은 집중해서 볼 때 기록되고 주의가 산만해지면 사라지는 공연 세부 정보를 제공합니다.
이 목록에서 Cinema Paradiso의 상위 10위는 제조하기 어려운 것, 즉 새로운 시청자가 계속해서 발견하고 높은 평가를 하는 지속적인 우수성을 반영합니다. 대부분의 영화는 첫 관객 이후 추진력을 잃습니다. Cinema Paradiso는 그렇지 않았습니다. 개봉 후 몇 년 또는 수십 년 후에 이 작품을 접한 시청자는 초기 시청자와 마찬가지로 높은 평가를 받았습니다. Giuseppe Tornatore는 문화적 순간과 별개로 작동하는 제품을 만들었습니다. 이것이 바로 지속적인 품질의 정의입니다. Philippe Noiret의 성능은 내구성의 일부입니다. 이는 기간 작용으로 읽히지 않습니다.
The Empire Strikes Back
제국군은 데스스타를 잃은 뒤에도 여전히 강력한 화력으로 반란군을 수세로 몰아넣었고, 반란군은 게릴라전을 위해 얼음으로 뒤덮인 행성 호스에 은신한다. 하지만 결국 제국군에 의해 호스의 반란군 기지마저 탄로나게 되고, 일행은 필사적으로 호스를 탈출해 다시 정처없는 피난길에 오른다. 반란군의 피난길에 함께 오르던 루크는 포스의 영이 된 오비완으로부터 제다이 마스터 요다를 찾아가라는 메시지를 받고 요다가 있는 정글 행성 대고바로 향한다. 루크는 요다를 만나 제다이가 되기 위한 훈련을 시작하고 솔로 일행은 제국군을 따돌리기 위해 옛 친구 랜도를 찾아가는데...
시청해야 하는 이유: The Empire Strikes Back 뒤에 있는 숫자는 달성하기 어렵습니다. 수천 명의 독립적인 시청자가 조정 없이 높은 평가를 받았습니다. 이러한 합의는 이용 가능한 가장 신뢰할 수 있는 품질 신호입니다.
The Empire Strikes Back는 1980에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. The Empire Strikes Back가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 8.4에서 The Empire Strikes Back는 품질이 일관된 범위에 있지만 영화는 더 높은 등급 타이틀에 대한 광범위한 합의를 달성하지 못했습니다. 이러한 좁은 합의는 특정 매력을 반영하는 경우가 많습니다. The Empire Strikes Back는 모든 사람을 위한 것은 아니지만 올바른 시청자에게는 탁월합니다. 감독은 카메라 스펙타클보다는 휴먼 스케일로 액션을 촬영합니다. 캐릭터는 일관된 공간을 차지하고 그들의 몸은 읽을 수 있는 목적을 가지고 그 공간을 통해 움직입니다. 그 결과는 순간적인 아드레날린을 생성하기보다는 임팩트를 축적하는 액션이다. 1980s는 특정한 관심과 특정한 미적 접근 방식을 지닌 특정한 문화적 순간이었습니다. The Empire Strikes Back는 이러한 조건을 초월하면서 반영합니다. 감상하기 위해 1980s를 이해할 필요가 없는 1980s영화입니다.
The Empire Strikes Back의 성능은 Irvin Kershner가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Mark Hamill는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. The Empire Strikes Back에서 가장 어려운 순간은 Mark Hamill가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
The Empire Strikes Back는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 8.4 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. The Empire Strikes Back를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Irvin Kershner 및 Mark Hamill가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
The Empire Strikes Back는 대부분의 영화가 시도하지만 거의 달성하지 못하는 작업을 수행하기 때문에 상위 10위 안에 속합니다. 즉, 처음 볼 때 훌륭하고 다시 볼 때 추가 레이어를 보여줍니다. 처음 관객과 복귀 관객이 서로 다른 경험을 하고 있는데, 두 경험 모두 강렬하다. Irvin Kershner는 여러 수준에서 동시에 작업하여 영화에 이러한 깊이를 구축했습니다. 표면적인 스토리가 전달되고 그 아래에는 모든 것이 어디로 가고 있는지 알아야만 완전히 볼 수 있는 공예 결정 계층이 있습니다. 이러한 2단계 구조로 인해 The Empire Strikes Back가 다음 계층이 아닌 상위 10위 안에 들었습니다.
Once Upon a Time in America
1921년, 좀도둑질을 일삼던 누들스는 친구들과 함께 밀수품 운반 일을 하며 돈을 벌어들인다. 누들스 무리에 위협을 느낀 벅시는 누들스의 친구를 죽이고, 분노한 누들스는 벅시를 살해한 후 감옥에 들어가게 된다. 1932년, 출소한 누들스는 어린 시절 첫사랑 데보라와 밀주 사업으로 크게 성공한 맥스를 다시 만나지만, 금주법 철폐로 밀주 사업도 위기를 맞는다. 맥스는 누들스에게 연방준비은행을 털 것을 제안하지만 누들스는 거절한다. 1968년, 베일리 재단 파티에 초대 받은 누들스는 재단 창립 기념 사진 속에서 데보라를 발견하고 그녀를 찾아가는데...
시청해야 하는 이유: Once Upon a Time in America는 점수가 안정적일 만큼 오랫동안 등급을 유지했습니다. 다양한 관객들에게 이렇게 높은 평가를 받은 영화는 단지 좋다기보다는 예외적입니다.
Once Upon a Time in America의 1984 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Once Upon a Time in America를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Once Upon a Time in America의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 8.4의 Once Upon a Time in America는 이 목록의 신뢰할 수 있는 계층을 나타냅니다. 실망시키지 않는 영화들입니다. Sergio Leone는 영화에 필요한 것이 무엇인지 이해하고 타협 없이 실행했습니다. 이것이 드라마와 구별되는 점은 감독이 관객이 느낄 수 있는 것을 설명하기를 거부한다는 점이다. 영화는 감정적인 무게를 지닌 상황을 만들어내고 관객들이 그 무게를 스스로 짊어질 것이라고 믿습니다. 공연은 과도한 신호를 보내지 않고 감정적 기록을 제공합니다. 1980s의 영화 순위를 매기는 것은 부분적으로 살아남은 영화를 식별하는 연습입니다. Once Upon a Time in America가 살아남은 이유는 Sergio Leone가 트렌드가 아닌 기술을 기반으로 선택했기 때문입니다. 8.4 등급은 이러한 선택이 여전히 유효하다고 생각하는 시청자를 반영합니다.
Once Upon a Time in America의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Sergio Leone는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. Once Upon a Time in America는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 Once Upon a Time in America가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
Once Upon a Time in America를 처음 시청하는 시청자는 Sergio Leone가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Once Upon a Time in America의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Robert De Niro는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1984 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Sergio Leone가 의도한 것입니다.
영화 데이터베이스 등급을 바탕으로 작성된 순위 목록의 상위 10개 위치는 진정한 비판적 합의를 나타냅니다. 이는 인기 콘테스트가 아닙니다. 유권자 임계값은 개별 특이 의견의 평균이 나올 만큼 충분한 사람들이 보고 평가한 영화를 필터링합니다. 이 위치에 있는 Once Upon a Time in America는 다양한 국가와 시청 습관에 걸쳐 다양한 시청자가 독립적으로 이 영화가 훌륭하다고 결론을 내렸다는 것을 의미합니다. Sergio Leone는 Once Upon a Time in America를 통해 문화적 변화에 저항하는 무언가를 달성했습니다. 여기에 사용된 구체적인 스토리텔링 접근 방식은 상황에 따라 해석됩니다.
Back to the Future
마티 맥플라이(마이클 J. 폭스)는 평범한 고등학생이다. 그런데 평소 친하게 지내던 괴상한 발명가 에메트 브라운 박사(크리스토퍼 로이드)가 스포츠카 드로리안을 개조해 타임머신을 만들고, 뜻밖의 사고로 브라운 박사가 테러범들에게 총을 맞고 위험해진 상황에서 마티는 30년 전으로 가게 된다. 극장 간판에는 2류 배우인 로널드 레이건이 보이고 청년인 아버지와 어머니를 보게 된다. 젊은 아버진 멍청하고, 어머니는 미래의 아들인 마티를 좋아해 야단이다. 마티가 미래로 가는 것을 도와 줄 사람은 30년 전인 젊은 브라운 박사뿐인데...
시청해야 하는 이유: 이번 선정작에서 가장 높은 평가를 받은 영화 중 하나입니다. Back to the Future는 여러 세대의 시청자들 사이에서 지속적인 비판적 평가를 통해 명성을 얻었습니다.
Back to the Future(1985)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Back to the Future는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 대규모 유권자 풀의 8.3 등급은 영화가 시청자가 발견한 모든 약점보다 더 큰 장점을 가지고 있음을 의미합니다. Back to the Future는 모든 영화가 충족해야 하는 최소 표준이자 개봉 횟수보다 적은 수의 달성이라는 핵심 약속을 이행합니다. 영화를 코미디로 만드는 이유는 감독이 유머가 어디에 있는지 알려주기를 거부하기 때문입니다. 농담은 성격과 상황에서 나오는데, 이는 웃어야 한다는 말을 기다리는 시청자보다 주의를 기울이는 시청자가 더 많은 것을 발견한다는 것을 의미합니다. Back to the Future는 1980s영화에서 그 자리를 차지합니다. 그 이유는 지난 10년 동안 제작되었지만 이후 수십 년 동안 잃어버린 것을 포착하기 때문입니다. 1980s영화 제작의 문화적, 기술적 조건이 Robert Zemeckis가 여기서 무엇을 만들 수 있는지를 결정했습니다.
Back to the Future의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Robert Zemeckis는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. Back to the Future의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Michael J. Fox는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
Back to the Future의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Robert Zemeckis가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. Back to the Future는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Michael J. Fox의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
Back to the Future의 상위 10위 순위는 경쟁 대상을 고려할 때 가장 의미가 있습니다. 이 모드와 시대에 대한 카탈로그의 모든 영화가 평가되었으며, Back to the Future는 평가 품질과 투표자 수의 조합이 선택 항목의 다른 모든 영화보다 우선했기 때문에 여기 순위에 올랐습니다. Robert Zemeckis는 Back to the Future에서 같은 카테고리의 대안, 즉 좋은 영화인 대안과 구별되는 선택을 했습니다. 상위 10위와 상위 20위 사이의 격차는 보이는 것보다 절대 등급 측면에서는 작지만 시청자 경험이 실제로 전달하는 측면에서는 중요합니다.
Dead Poets Society
1859년에 창립된 미국의 명문 사립학교인 웰튼 고등학교의 새 학기를 맞아 신입생들도 들어오고, 이 학교 출신인 새로운 영어 교사 존 키팅(로빈 윌리엄스)도 부임한다. 키팅 선생은 학생들에게 관습에 맞서고 자신의 삶을 남다르게 가꾸라며 새로운 학습 방법으로 학생들을 지도하며 학생들에게 신선한 충격을 준다. 닐(로버트 숀 레오나드)은 키팅 선생을 캡틴이라 부르며 따르게 되고, 몇몇 학생들과 함께 죽은 시인의 사회라는 시낭독 클럽을 조직한다. 닐과 그의 친구들은 엄격한 학교 규율을 어기고 서클에 참여하면서 키팅 선생을 통해 참된 인생이 무엇인지를 조금씩 느끼게 되는데...
시청해야 하는 이유: Dead Poets Society는 이 목록의 예외적인 끝에 위치합니다. 대규모 유권자 기반을 바탕으로 구축된 이 높은 등급은 과대 광고가 아닌 진정한 합의를 반영합니다.
1989에 개봉된 Dead Poets Society는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Peter Weir는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 8.3 등급은 그 지속력의 증거입니다. Dead Poets Society의 8.3 점수는 대안이 있었고 이를 높게 평가한 시청자를 바탕으로 만들어졌습니다. 그 선택은 자신의 주장을 명확하게 밝힌 영화를 반영합니다. 이것이 바로 Dead Poets Society가 하는 일입니다. Peter Weir가 주장을 펼쳤고 청중은 이를 받아들였습니다. 드라마는 보편성보다는 특수성에서 나온다. 감독은 이런 상황에서 등장인물들에게 정확하게 적용되는 선택을 하는데, 이는 역설적으로 일반적인 감정 비트보다 더 보편적인 것을 만들어낸다. 매 10년마다 그 당시에는 꼭 필요해 보이다가 사라지는 영화를 제작합니다. Dead Poets Society는 더 작은 범주에 속합니다. 1980s영화는 그 시대에 대한 향수가 없는 시청자들에게 여전히 높은 평가를 받고 있습니다. 세대 간 품질이 실제 테스트입니다.
Dead Poets Society의 시각적 언어는 1989의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Peter Weir는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. Dead Poets Society의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 Dead Poets Society를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
Dead Poets Society는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 8.3 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Dead Poets Society를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Peter Weir 및 Robin Williams가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
Dead Poets Society는 문화적 평판이 아니라 시청자가 앉아서 시청할 때 일어나는 일을 통해 상위 10위권을 차지합니다. 8.3 등급은 독립적인 시청의 대규모 샘플에서 이러한 경험을 포착합니다. 이와 같은 목록에서 상위 10위권에 도달한 영화는 대안에 대한 전체 액세스 권한을 갖고 이 영화를 최고의 경험으로 평가하기로 선택한 시청자에 의해 테스트되었습니다. Peter Weir와 Robin Williams는 지속적으로 그 기대에 부응하는 작품을 만들었고, 이것이 새로운 기준을 제시하는 지속적인 신규 시청자에도 불구하고 시청률이 유지되는 이유입니다.
Come and See
소년 플로리아는 나치 독일의 침공을 받고 있는 벨라루스에 살고 있다. 그런데 첫 장면에서 그는 모래밭의 흙을 파고 있는 중이다. 제대로 매장되지 못한 죽은 병사들의 시체들이 나오지만, 어떻게든 쓸 만한 총을 찾아낸다. 플로리아는 독일군과의 전투에 참여하길 원하지만 어른들은 그를 무시한다. 더 경험 많은 군인에게 그의 총은 인계되고, 그는 군인들의 행진을 지켜볼 뿐이다. 이윽고 플로리아는 글로샤라는 독특한 매력의 소녀와 함께 뒤에 처져 있음을 깨닫는다. 이들은 숲으로 가지만 거기서 나치 독일의 엄청난 폭격을 당하고, 그 바람에 플로리아의 청력에 문제가 생긴다. 정신이 혼미해진 플로리아는 마을로 돌아가는데, 거기서 엄청난 대량 학살의 흔적과 널부러진 시신들을 보고 경악한다. 문득 어머니의 생사가 궁금해져 필사적으로 찾아다니던 그는 비극적인 장면을 목격하게 되는데..
시청해야 하는 이유: Come and See 뒤에 있는 숫자는 달성하기 어렵습니다. 수천 명의 독립적인 시청자가 조정 없이 높은 평가를 받았습니다. 이러한 합의는 이용 가능한 가장 신뢰할 수 있는 품질 신호입니다.
Come and See는 1985에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. Come and See가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 8.2의 Come and See는 여러 차원에서 지속적으로 평균 이상의 작품을 보여주는 영화입니다. 단일 요소가 다른 요소를 전달하지 않습니다. 연출, 글쓰기, 퍼포먼스 모두 같은 방향으로 끌려가고 있다. 영화는 다른 장르에서는 할 수 없는 드라마가 무엇을 할 수 있는지 보여줍니다. 평범한 인간의 행동에 압력을 가하고 반응을 통해 성격을 드러내는 것입니다. 감독은 그러한 조건을 만들고 출연진은 진정한 확신을 가지고 그 조건에 적응합니다. Come and See에 대한 1980s 컨텍스트는 부수적인 것이 아닙니다. 기술이 허용하는 것, 문화가 요구하는 것 등 지난 10년의 구체적인 미적 조건이 Elem Klimov의 선택을 결정했습니다. 그러한 선택은 그 순간과 별개로 유지됩니다.
Come and See의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Elem Klimov는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Aleksei Kravchenko는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Come and See에서 가장 잘 드러납니다.
Come and See를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 Come and See를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 Come and See가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Elem Klimov의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Aleksei Kravchenko의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록의 상위 10위 안에 Come and See 순위를 지정하려면 특별한 인수가 필요하지 않습니다. 통계적으로 의미가 있을 만큼 충분히 큰 유권자 기반의 8.2 등급이 주장입니다. 진지한 목록의 상위 10위 안에 드는 영화는 가장 광범위한 시청자에게 지속적으로 서비스를 제공하기 때문에 그 위치를 차지하고 있으며 Come and See는 이 영화를 접한 모든 인구 통계에 걸쳐 이를 수행했습니다. 여기서 Elem Klimov의 작업은 개별 장면의 품질이 영화 전체의 수준을 유지하는 수준으로 결합되는 수준에서 작동하고 있는데, 이는 보기보다 드물다.
The Shining
소설가인 잭 토랜스는 콜로라도 산맥에 있는 오버룩 호텔의 관리인으로 취직한다. 다음 시즌 준비를 하는 이곳은 겨울 동안 폐쇄되기 때문에 토랜스의 가족들만 호텔에 머물게 된다. 갑자기 몰아친 폭설로 잭과 아내 웬디와 아들과 함께 호텔에 고립되고, 투시와 텔레파시 능력이 있는 잭의 아들 대니는 호텔에 유령이 있으며 유령들이 천천히 아버지를 미치게 하고 있음을 알게 된다. 잭은 과거에 스스로 자신의 아내와 두 딸을 죽인 이곳의 예전 관리인 그레이디의 유령을 만난다. 과거에 있었던 살인사건의 악령에 휘말린 잭은 호텔을 공포의 도가니로 몰아가는데...
시청해야 하는 이유: The Shining는 점수가 안정적일 만큼 오랫동안 등급을 유지했습니다. 다양한 관객들에게 이렇게 높은 평가를 받은 영화는 단지 좋다기보다는 예외적입니다.
The Shining의 1980 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. The Shining를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. The Shining의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 8.2 범위의 영화는 목록에서 제시된 위치보다 더 흥미로운 경우가 많습니다. 그들은 높은 등급의 타이틀에 대한 문화적 포화를 달성하지 못했습니다. 이는 The Shining가 선입견 없이 접근하기 더 쉽다는 것을 의미합니다. The Shining는 그로부터 이익을 얻습니다. 기술은 감독이 보류하는 것에서 가장 눈에 띄게 나타납니다. 정보는 전략적으로 공개되며, 각 공개는 이전에 나온 내용을 재구성합니다. 성과는 통제된 공개에 맞춰 조정됩니다. 오늘날에도 여전히 8.2 등급을 받고 있는 1980s의 영화는 동시대 개봉 영화보다 더 오랜 테스트를 거쳐 살아남았습니다. The Shining는 그 핵심인 스토리텔링, 퍼포먼스, 공예가 시대를 불문하고 작동하기 때문에 이 테스트를 통과했습니다.
The Shining의 성능은 Stanley Kubrick가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Jack Nicholson는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. The Shining에서 가장 어려운 순간은 Jack Nicholson가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
The Shining는 대기가 작동할 수 있는 조건, 즉 조명이 낮고 방해가 최소화되며 이상적으로는 문화적으로 잘 알려진 특정 순간에 대한 사전 지식이 없는 조건에서 가장 잘 시청됩니다. 공포는 관객이 무슨 일이 일어날지 정확히 알면 그 효과를 잃으며, The Shining는 영화를 보지 않은 사람들에게도 주요 시퀀스 중 일부가 친숙할 정도로 충분히 논의되었습니다. 제한된 사전 지식으로 접근할 수 있다면 그렇게 하세요. Stanley Kubrick가 The Shining에 구축한 대기 기술은 청중이 진정한 불확실성 상태에 있는지 여부에 달려 있습니다. 8.2 등급은 시청 당시 해당 상태에 있었던 시청자를 반영합니다.
이 목록에서 The Shining의 상위 10위는 제조하기 어려운 것, 즉 새로운 시청자가 계속해서 발견하고 높은 평가를 하는 지속적인 우수성을 반영합니다. 대부분의 영화는 첫 관객 이후 추진력을 잃습니다. The Shining는 그렇지 않았습니다. 개봉 후 몇 년 또는 수십 년 후에 이 작품을 접한 시청자는 초기 시청자와 마찬가지로 높은 평가를 받았습니다. Stanley Kubrick는 문화적 순간과 별개로 작동하는 제품을 만들었습니다. 이것이 바로 지속적인 품질의 정의입니다. Jack Nicholson의 성능은 내구성의 일부입니다. 이는 기간 작용으로 읽히지 않습니다.
Scarface
1980년 5월 쿠바가 마리엘 항을 개항하여 반카스트로 지지자들이 미국 플로리다에 입항한다. 토니 몬타나와 마니리베라도 이민 수용소로 보내진다. 3개월 후 마니가 수용소에 있는 레벤가라는 자를 살해해 주면 신분증을 입수해 주겠다는 일을 받아 수용소에 폭동을 일으켜 레벤가를 암살한다. 접시닦이로 근근히 살아가던 토니는 프랭크의 부하로부터 콜롬비아 마약상과의 거래일을 맡았다가 위험천만한 위기를 넘긴다. 그 사건을 계기로, 토니는 프랭크의 신임을 얻고 그의 부하가 되지만, 수 개월 후 결국 자신을 없애려는 프랭크를 죽이고 조직을 장악, 보스 자리에 오르는데...
시청해야 하는 이유: 이번 선정작에서 가장 높은 평가를 받은 영화 중 하나입니다. Scarface는 여러 세대의 시청자들 사이에서 지속적인 비판적 평가를 통해 명성을 얻었습니다.
Scarface(1983)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Scarface는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 8.2 등급은 일관된 수준에서 동시에 작동하는 감독, 각본 및 성능을 반영합니다. 이 범위의 점수를 받은 영화는 단일 차원에서 크게 실패하는 경우가 거의 없으며 Scarface도 예외는 아닙니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. 1980s 시네마 전체의 맥락에서 Scarface는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1980s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
Scarface의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Brian De Palma는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. Scarface는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 Scarface가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
Scarface는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 8.2 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Scarface를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Brian De Palma 및 Al Pacino가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
Scarface는 대부분의 영화가 시도하지만 거의 달성하지 못하는 작업을 수행하기 때문에 상위 10위 안에 속합니다. 즉, 처음 볼 때 훌륭하고 다시 볼 때 추가 레이어를 보여줍니다. 처음 관객과 복귀 관객이 서로 다른 경험을 하고 있는데, 두 경험 모두 강렬하다. Brian De Palma는 여러 수준에서 동시에 작업하여 영화에 이러한 깊이를 구축했습니다. 표면적인 스토리가 전달되고 그 아래에는 모든 것이 어디로 가고 있는지 알아야만 완전히 볼 수 있는 공예 결정 계층이 있습니다. 이러한 2단계 구조로 인해 Scarface가 다음 계층이 아닌 상위 10위 안에 들었습니다.
Full Metal Jacket
조커와 로렌스, 카우보이 등은 베트남전에 참전하기 위해 입대한 신병들이다. 이들은 전투 베테랑인 하트만 상사의 교육하에 철두철미한 해병으로 다시 태어나기 위해 훈련을 받는다. 뚱뚱하고 약간 지능이 모자라는 로렌스는 신병 교육대 최고의 고문관으로, 고된 훈련을 겪는 이들은 로렌스로 인해 자신들이 얼차려를 받게 되는 사실이 싫다. 언제부터인가 로렌스는 자신의 총과 대화를 나누고, 훈련생들은 그가 어딘지 모르게 달라지고 있다는 사실을 느낀다. 8주간의 훈련이 끝나갈 무렵, 윗 침대에서 자고있어야 할 로렌스가 사라진 것을 알게된 조커는 화장실에서 그를 찾아내는데...
시청해야 하는 이유: Full Metal Jacket는 이 목록의 예외적인 끝에 위치합니다. 대규모 유권자 기반을 바탕으로 구축된 이 높은 등급은 과대 광고가 아닌 진정한 합의를 반영합니다.
1987에 개봉된 Full Metal Jacket는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Stanley Kubrick는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 8.1 등급은 그 지속력의 증거입니다. Full Metal Jacket의 8.1 점수는 큰 약점 없이 전제를 전달하는 영화 중 하나입니다. Stanley Kubrick는 전체적으로 의도한 대로 작동하는 것을 만들었지만, 생각보다 흔하지 않습니다. 드라마는 보편성보다는 특수성에서 나온다. 감독은 이런 상황에서 등장인물들에게 정확하게 적용되는 선택을 하는데, 이는 역설적으로 일반적인 감정 비트보다 더 보편적인 것을 만들어낸다. 1980s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. Full Metal Jacket는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
Full Metal Jacket의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Stanley Kubrick는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. Full Metal Jacket의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Matthew Modine는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
Full Metal Jacket를 처음 시청하는 시청자는 Stanley Kubrick가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Full Metal Jacket의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Matthew Modine는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1987 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Stanley Kubrick가 의도한 것입니다.
영화 데이터베이스 등급을 바탕으로 작성된 순위 목록의 상위 10개 위치는 진정한 비판적 합의를 나타냅니다. 이는 인기 콘테스트가 아닙니다. 유권자 임계값은 개별 특이 의견의 평균이 나올 만큼 충분한 사람들이 보고 평가한 영화를 필터링합니다. 이 위치에 있는 Full Metal Jacket는 다양한 국가와 시청 습관에 걸쳐 다양한 시청자가 독립적으로 이 영화가 훌륭하다고 결론을 내렸다는 것을 의미합니다. Stanley Kubrick는 Full Metal Jacket를 통해 문화적 변화에 저항하는 무언가를 달성했습니다. 여기에 사용된 구체적인 스토리텔링 접근 방식은 상황에 따라 해석됩니다.
영화는 중요한 이야기에 관한 것입니다. 이 섹션의 영화는 그 원리를 증명합니다.
Paris, Texas
미국과 멕시코의 국경 사이, 붉은 모자를 쓴 트래비스가 사막에서 걸어 나온다. 기억을 잃고 말조차 잊은 그는 동생 월트의 도움으로 4년 만에 아들 헌터와 재회한다. 서먹했던 부자는 4년 전 사라진 아내 제인을 찾기 위해 텍사스 휴스턴으로 떠난다.
시청해야 하는 이유: Paris, Texas 뒤에 있는 숫자는 달성하기 어렵습니다. 수천 명의 독립적인 시청자가 조정 없이 높은 평가를 받았습니다. 이러한 합의는 이용 가능한 가장 신뢰할 수 있는 품질 신호입니다.
Paris, Texas는 1984에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. Paris, Texas가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 8.1에서 Paris, Texas는 품질이 일관된 범위에 있지만 영화는 더 높은 등급 타이틀에 대한 광범위한 합의를 달성하지 못했습니다. 이러한 좁은 합의는 특정 매력을 반영하는 경우가 많습니다. Paris, Texas는 모든 사람을 위한 것은 아니지만 올바른 시청자에게는 탁월합니다. 영화는 다른 장르에서는 할 수 없는 드라마가 무엇을 할 수 있는지 보여줍니다. 평범한 인간의 행동에 압력을 가하고 반응을 통해 성격을 드러내는 것입니다. 감독은 그러한 조건을 만들고 출연진은 진정한 확신을 가지고 그 조건에 적응합니다. 1980s는 특정한 관심과 특정한 미적 접근 방식을 지닌 특정한 문화적 순간이었습니다. Paris, Texas는 이러한 조건을 초월하면서 반영합니다. 감상하기 위해 1980s를 이해할 필요가 없는 1980s영화입니다.
Paris, Texas의 시각적 언어는 1984의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Wim Wenders는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. Paris, Texas의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 Paris, Texas를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
Paris, Texas의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Wim Wenders가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. Paris, Texas는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Harry Dean Stanton의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 Paris, Texas는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 Harry Dean Stanton의 성능과 Wim Wenders의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
Das Boot
제2차 세계대전이 한창인 1941년. 잠수함 U-96호에 승선한 젊은 독일군들은 먹고 마시며 하루 하루를 보내지만, 시간이 지날수록 잠수함이라는 공간에 답답함을 느끼고 전쟁의 비정함을 조금씩 깨닫게 된다. 그리고 크리스마스를 앞둔 어느 날, 그들에게 위험한 명령이 떨어진다. 영국군이 장악하고 있는 지브롤터 해협을 통과하라는, 마치 자살 명령과 다름 없는 지령이다. 적지를 통과하던 U보트는 폭탄에 맞아 바닷 속 깊은 곳으로 침몰해 가고, 군인들은 극도의 공포 속에 놓이게 되는데...
시청해야 하는 이유: Das Boot는 점수가 안정적일 만큼 오랫동안 등급을 유지했습니다. 다양한 관객들에게 이렇게 높은 평가를 받은 영화는 단지 좋다기보다는 예외적입니다.
Das Boot의 1981 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Das Boot를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Das Boot의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 8.1의 Das Boot는 이 목록의 신뢰할 수 있는 계층을 나타냅니다. 실망시키지 않는 영화들입니다. Wolfgang Petersen는 영화에 필요한 것이 무엇인지 이해하고 타협 없이 실행했습니다. 이것이 드라마와 구별되는 점은 감독이 관객이 느낄 수 있는 것을 설명하기를 거부한다는 점이다. 영화는 감정적인 무게를 지닌 상황을 만들어내고 관객들이 그 무게를 스스로 짊어질 것이라고 믿습니다. 공연은 과도한 신호를 보내지 않고 감정적 기록을 제공합니다. 1980s의 영화 순위를 매기는 것은 부분적으로 살아남은 영화를 식별하는 연습입니다. Das Boot가 살아남은 이유는 Wolfgang Petersen가 트렌드가 아닌 기술을 기반으로 선택했기 때문입니다. 8.1 등급은 이러한 선택이 여전히 유효하다고 생각하는 시청자를 반영합니다.
Das Boot의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Wolfgang Petersen는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Jürgen Prochnow는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Das Boot에서 가장 잘 드러납니다.
Das Boot는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 8.1 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Das Boot를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Wolfgang Petersen 및 Jürgen Prochnow가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 Das Boot를 배치하는 8.1 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. Das Boot에 높은 점수를 주기로 한 결정은 Wolfgang Petersen가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. Das Boot는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
The Thing
남극의 노르웨이 탐사팀이 이상한 개를 쫓아 미국 기지까지 오게 된다. 거의 발광하다시피 개를 공격하다가 그만 방어하던 미국인들에게 사살된다. 미국인들은 진상을 조사하기 위해 노르웨이 기지로 사람을 보낸다. 그곳은 사람은 하나도 없고 이상하게 일그러진 시체와 잔해들을 발견한다. 시체들을 해부해 봤지만 별 이상이 발견되지는 않았다. 그러던 어느 날 노르웨이 탐사팀의 추격을 받았던 개가 개집에서 끔찍한 괴물로 변하게 되는데...
시청해야 하는 이유: 이번 선정작에서 가장 높은 평가를 받은 영화 중 하나입니다. The Thing는 여러 세대의 시청자들 사이에서 지속적인 비판적 평가를 통해 명성을 얻었습니다.
The Thing(1982)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, The Thing는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 대규모 유권자 풀의 8.1 등급은 영화가 시청자가 발견한 모든 약점보다 더 큰 장점을 가지고 있음을 의미합니다. The Thing는 모든 영화가 충족해야 하는 최소 표준이자 개봉 횟수보다 적은 수의 달성이라는 핵심 약속을 이행합니다. 감독은 그것이 명백한 위험으로 나타나기 전에 표면 아래에서 뭔가 잘못된 느낌을 받을 때 공포가 작동한다는 것을 이해합니다. 영화는 첫 번째 공포 이전의 톤과 분위기를 통해 그 잘못을 만들어낸다. The Thing는 1980s영화에서 그 자리를 차지합니다. 그 이유는 지난 10년 동안 제작되었지만 이후 수십 년 동안 잃어버린 것을 포착하기 때문입니다. 1980s영화 제작의 문화적, 기술적 조건이 John Carpenter가 여기서 무엇을 만들 수 있는지를 결정했습니다.
The Thing의 성능은 John Carpenter가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Kurt Russell는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. The Thing에서 가장 어려운 순간은 Kurt Russell가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
The Thing를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 The Thing를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 The Thing가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. John Carpenter의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Kurt Russell의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 The Thing는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. The Thing는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. John Carpenter의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. The Thing를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
My Neighbor Totoro
1955년 일본의 아름다운 시골 마을, 상냥하고 의젓한 11살 사츠키와 장난꾸러기에 호기심 많은 4살의 메이 는 사이좋은 자매로 아빠와 함께 도시를 떠나 시골로 이사온다. 자상한 아빠 쿠사카베타츠오는 도쿄에서 대학 연구원이며, 입원 중이지만 따뜻한 미소를 잃지 않는 엄마가 있다. 곧 퇴원하실 엄마를 공기가 맑은 곳에서 맞이하기 위해서다. 숲 한복판에 금방이라도 쓰러질 것처럼 낡은 집을 보며 자매는 새로운 환경에 대한 호기심으로 잔뜩 들뜬다. 그러던 어느 날 사츠키가 학교에 간 동안 메이는 숲에서 정령을 만나다. 메이는 그 정령에게 토토로란 이름을 붙여주는데...
시청해야 하는 이유: My Neighbor Totoro는 이 목록의 예외적인 끝에 위치합니다. 대규모 유권자 기반을 바탕으로 구축된 이 높은 등급은 과대 광고가 아닌 진정한 합의를 반영합니다.
1988에 개봉된 My Neighbor Totoro는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Hayao Miyazaki는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 8.1 등급은 그 지속력의 증거입니다. My Neighbor Totoro의 8.1 점수는 대안이 있었고 이를 높게 평가한 시청자를 바탕으로 만들어졌습니다. 그 선택은 자신의 주장을 명확하게 밝힌 영화를 반영합니다. 이것이 바로 My Neighbor Totoro가 하는 일입니다. Hayao Miyazaki가 주장을 펼쳤고 청중은 이를 받아들였습니다. 영화가 애니메이션과 다른 점은 형태가 디자인을 통해 내면성을 전달할 수 있다는 감독의 이해이다. 움직임, 색상 및 구성은 캐릭터가 대화 전이나 대화 대신에 느끼는 감정을 전달합니다. 매 10년마다 그 당시에는 꼭 필요해 보이다가 사라지는 영화를 제작합니다. My Neighbor Totoro는 더 작은 범주에 속합니다. 1980s영화는 그 시대에 대한 향수가 없는 시청자들에게 여전히 높은 평가를 받고 있습니다. 세대 간 품질이 실제 테스트입니다.
My Neighbor Totoro의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Hayao Miyazaki는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. My Neighbor Totoro는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 My Neighbor Totoro가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
My Neighbor Totoro는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 8.1 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. My Neighbor Totoro를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Hayao Miyazaki 및 Noriko Hidaka가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
My Neighbor Totoro는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. Hayao Miyazaki는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 8.1 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 Hayao Miyazaki의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 My Neighbor Totoro가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
The Elephant Man
차마 보기 힘들 만큼의 선천적인 기형을 가지고 태어나 시장에서 사람들에게 비인간적인 학대를 받으며 살아가는 '엘리펀트 맨', 존을 발견한 의사 프레디는 그를 병원으로 데려와 보살펴준다. 존은 흉측한 외모와는 달리 지적이고 선한 마음을 지닌 인물이였다. 그에 대한 기사와 연구논문이 세상에 알려지자 사람들은 그를 보기 위해 찾아오기 시작한다.
시청해야 하는 이유: The Elephant Man 뒤에 있는 숫자는 달성하기 어렵습니다. 수천 명의 독립적인 시청자가 조정 없이 높은 평가를 받았습니다. 이러한 합의는 이용 가능한 가장 신뢰할 수 있는 품질 신호입니다.
The Elephant Man는 1980에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. The Elephant Man가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 8.0의 The Elephant Man는 여러 차원에서 지속적으로 평균 이상의 작품을 보여주는 영화입니다. 단일 요소가 다른 요소를 전달하지 않습니다. 연출, 글쓰기, 퍼포먼스 모두 같은 방향으로 끌려가고 있다. 영화는 다른 장르에서는 할 수 없는 드라마가 무엇을 할 수 있는지 보여줍니다. 평범한 인간의 행동에 압력을 가하고 반응을 통해 성격을 드러내는 것입니다. 감독은 그러한 조건을 만들고 출연진은 진정한 확신을 가지고 그 조건에 적응합니다. The Elephant Man에 대한 1980s 컨텍스트는 부수적인 것이 아닙니다. 기술이 허용하는 것, 문화가 요구하는 것 등 지난 10년의 구체적인 미적 조건이 David Lynch의 선택을 결정했습니다. 그러한 선택은 그 순간과 별개로 유지됩니다.
The Elephant Man의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. David Lynch는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. The Elephant Man의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Anthony Hopkins는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
The Elephant Man는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 8.0 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. The Elephant Man를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. David Lynch 및 Anthony Hopkins가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에서 The Elephant Man의 위치는 모든 사람을 위한 모든 것을 열망하지 않고 특정 품질을 안정적으로 전달하는 영화를 반영합니다. David Lynch는 영화가 무엇인지 이해하고 높은 수준의 제작으로 만들었습니다. 8.0 등급은 이러한 조건으로 영화에 참여했으며 높은 평가를 받을 가치가 있다고 생각하는 시청자를 나타냅니다. 서로 다른 기대를 품은 관객들은 평점보다 영화가 덜 만족스럽다고 느낄 때도 있는데, 이는 영화의 약점이 아니라 기대감에 있다. The Elephant Man는 바로 그 기술로 만들어졌고, 그것을 평가한 유권자들은 그것에 반응하고 있었습니다.
Amadeus
비엔나 왕실의 궁정음악가였던 ‘살리에리’ 천재라 불리는 신성, ‘모차르트’가 등장한 어느 날 그의 천재성을 확인하고자 했던 ‘살리에리’는 방탕하고, 오만하고, 천박한 ‘모차르트’의 행동에 충격을 받는다 그런 ‘모차르트’를 인정할 수 없었던 ‘살리에리’는 부던한 노력에도 ‘모차르트’의 천재성을 이겨낼 수 없었고 결국 ‘모차르트’를 파멸로 이끌 거대한 음모를 준비하는데… 신의 사랑을 받은 천재, ‘볼프강 아마데우스 모차르트’ 그를 파멸시킨 인간의 이야기가 펼쳐진다!
시청해야 하는 이유: Amadeus는 점수가 안정적일 만큼 오랫동안 등급을 유지했습니다. 다양한 관객들에게 이렇게 높은 평가를 받은 영화는 단지 좋다기보다는 예외적입니다.
Amadeus의 1984 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Amadeus를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Amadeus의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 8.0 범위의 영화는 목록에서 제시된 위치보다 더 흥미로운 경우가 많습니다. 그들은 높은 등급의 타이틀에 대한 문화적 포화를 달성하지 못했습니다. 이는 Amadeus가 선입견 없이 접근하기 더 쉽다는 것을 의미합니다. Amadeus는 그로부터 이익을 얻습니다. 이것이 드라마와 구별되는 점은 감독이 관객이 느낄 수 있는 것을 설명하기를 거부한다는 점이다. 영화는 감정적인 무게를 지닌 상황을 만들어내고 관객들이 그 무게를 스스로 짊어질 것이라고 믿습니다. 공연은 과도한 신호를 보내지 않고 감정적 기록을 제공합니다. 오늘날에도 여전히 8.0 등급을 받고 있는 1980s의 영화는 동시대 개봉 영화보다 더 오랜 테스트를 거쳐 살아남았습니다. Amadeus는 그 핵심인 스토리텔링, 퍼포먼스, 공예가 시대를 불문하고 작동하기 때문에 이 테스트를 통과했습니다.
Amadeus의 시각적 언어는 1984의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Miloš Forman는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. Amadeus의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 Amadeus를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
Amadeus를 처음 시청하는 시청자는 Miloš Forman가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Amadeus의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. F. Murray Abraham는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1984 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Miloš Forman가 의도한 것입니다.
이와 같은 목록에서 11~25위 범위에 위치한 영화는 문화적 비중 없이 상위 10위권의 품질을 전달하기 때문에 가장 유용한 발견인 경우가 많습니다. Amadeus가 이 위치에 있는 것은 위의 항목보다 훨씬 나쁘기 때문이 아니라 매력이 더 집중되어 있기 때문입니다. Amadeus에서 Miloš Forman의 활동을 접한 시청자들은 이 목록에 있는 어떤 영화보다도 높게 평가합니다. 더 넓은 유권자 기반의 평균이 여기에 위치합니다. 장르 선호도, 감독 관심도 또는 시대를 기준으로 이 영화가 자신에게 적합하다고 생각하는 구체적인 이유가 있는 시청자는 그보다 높은 순위의 여러 항목보다 우선순위를 두어야 합니다.
Ran
16세기 일본 전국시대, 손님들과 함께 멧돼지 사냥을 끝낸 성주 이치몬지 히데토라는 일흔의 나이로 자신의 권력을 아들들에게 넘겨주겠다는 결심을 굳힌다. 그리고 사냥을 함께 한 다른 영주는 자신의 딸을 그의 아들과 혼인시키려 한다. 아들들을 따로 불러 모은 그는 오랫동안 곰곰이 생각해서 내린 결정이라며 장남인 타로가 자신의 뒤를 이어 가문을 이끌 것이라 선언한다. 그리고 둘째, 셋째 아들인 지로와 사부로에게는 두 번째와 세 번째 성과 그에 딸린 영토를 주겠다고 한다. 그는 난세에 외곽에서 호위대를 거느리고 자식들에게 기대어 안락하게 여생을 보낼 생각이였다. 하지만 막내인 사부로는 그 자리에서 아버지가 망령이 들었다고 비난하게 되고 이에 분개한 히데토라는 사부로와 절연한다. 충직한 탄고가 사부로를 감싸지만 그는 들은 체 만 체다. 그 과정을 지켜본 후지마키는 사부로를 자신의 영지로 받아들인다. 한편 처음에는 권력에 별로 욕심이 없었던 장남 타로는 ‘모든 권력과 호칭을 넘겨받지 못하면 그림자에 불과하다’는 아내 카에데의 부추김에 차츰 히데토라의 권력을 완전히 차지하려고 한다. 그리고 그 사이 히데토라가 타로의 부하를 화살로 쏴 죽이는 일까지 발생하면서 갈등이 점점 고조되는데...
시청해야 하는 이유: 이번 선정작에서 가장 높은 평가를 받은 영화 중 하나입니다. Ran는 여러 세대의 시청자들 사이에서 지속적인 비판적 평가를 통해 명성을 얻었습니다.
Ran(1985)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Ran는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 8.0 등급은 일관된 수준에서 동시에 작동하는 감독, 각본 및 성능을 반영합니다. 이 범위의 점수를 받은 영화는 단일 차원에서 크게 실패하는 경우가 거의 없으며 Ran도 예외는 아닙니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. 1980s 시네마 전체의 맥락에서 Ran는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1980s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
Ran의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Akira Kurosawa는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Tatsuya Nakadai는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Ran에서 가장 잘 드러납니다.
Ran의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Akira Kurosawa가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. Ran는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Tatsuya Nakadai의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 Ran는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 Tatsuya Nakadai의 성능과 Akira Kurosawa의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
Castle in the Sky
광산촌 슬랙 계곡의 기계 견습공인 고아 소년 파즈는 어느날 빛이 나는 목걸이를 한 채 하늘에서 떨어지던 소녀시타를 구해준다. 소녀는 대대로 전해져 오던 목걸이(비행석)로 인해 정부군과 해적 도라 일당들에게 쫓기고 있던 신세. 시타가 이들로부터 무사히 도망갈 수 있게 도와주던 중 파즈는 비행석과 하늘에 떠 있는 성 라퓨타가 실제로 존재한다는 사실을 알게 된다. 라퓨타의 존재를 믿고 있던 파즈는 시타와 함께 라퓨타를 찾기로 결심한다. 하지만 파즈와 시타는 그들을 쫓던 군대에게 잡히고, 시타는 정부 비밀 조사관인 무스카에게 파즈를 풀어주는 조건으로 협력을 약속하는데...
시청해야 하는 이유: Castle in the Sky는 이 목록의 예외적인 끝에 위치합니다. 대규모 유권자 기반을 바탕으로 구축된 이 높은 등급은 과대 광고가 아닌 진정한 합의를 반영합니다.
1986에 개봉된 Castle in the Sky는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Hayao Miyazaki는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 8.0 등급은 그 지속력의 증거입니다. Castle in the Sky의 8.0 점수는 큰 약점 없이 전제를 전달하는 영화 중 하나입니다. Hayao Miyazaki는 전체적으로 의도한 대로 작동하는 것을 만들었지만, 생각보다 흔하지 않습니다. 영화가 애니메이션과 다른 점은 형태가 디자인을 통해 내면성을 전달할 수 있다는 감독의 이해이다. 움직임, 색상 및 구성은 캐릭터가 대화 전이나 대화 대신에 느끼는 감정을 전달합니다. 1980s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. Castle in the Sky는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
Castle in the Sky의 성능은 Hayao Miyazaki가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Keiko Yokozawa는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Castle in the Sky에서 가장 어려운 순간은 Keiko Yokozawa가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Castle in the Sky는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 8.0 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Castle in the Sky를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Hayao Miyazaki 및 Keiko Yokozawa가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 Castle in the Sky를 배치하는 8.0 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. Castle in the Sky에 높은 점수를 주기로 한 결정은 Hayao Miyazaki가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. Castle in the Sky는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
Aliens
에일리언과의 싸움에서 간신히 살아남은 리플리는 잠든 채로 57년을 떠돌다 구조선에 의해 구출된다. 회사는 리플리를 비롯한 당시 승무원들이 노스트로모호를 잃어버린 것을 추궁하지만 에이리언 얘기는 믿지 않는다. 이때 지구와 한 혹성 거주민들의 통신이 두절되는 사건이 벌어지자 리플리는 고문 자격으로 해병대와 동행하게 된다. 혹성에 도착한 해병대원들은 곧 혹성 거주민들이 에일리언 유충의 산 먹이로 된 것을 목격하고, 곧이어 벌어진 교전에서 여러 대원들을 잃는다. 그들은 혹성 거주민들의 실험실로 대피하고, 리플리는 이곳에서 마지막 생존자인 뉴트를 발견하게 된다.
시청해야 하는 이유: Aliens 뒤에 있는 숫자는 달성하기 어렵습니다. 수천 명의 독립적인 시청자가 조정 없이 높은 평가를 받았습니다. 이러한 합의는 이용 가능한 가장 신뢰할 수 있는 품질 신호입니다.
Aliens는 1986에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. Aliens가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 8.0에서 Aliens는 품질이 일관된 범위에 있지만 영화는 더 높은 등급 타이틀에 대한 광범위한 합의를 달성하지 못했습니다. 이러한 좁은 합의는 특정 매력을 반영하는 경우가 많습니다. Aliens는 모든 사람을 위한 것은 아니지만 올바른 시청자에게는 탁월합니다. 이것은 긴장이 육체적이기보다는 심리적인 스릴러의 범주에 속합니다. 감독은 관객이 명백한 위험을 보여주지 않고도 압박감을 느낄 것이라고 믿는다. 결과는 기존 스릴러 메커니즘보다 더 불안합니다. 1980s는 특정한 관심과 특정한 미적 접근 방식을 지닌 특정한 문화적 순간이었습니다. Aliens는 이러한 조건을 초월하면서 반영합니다. 감상하기 위해 1980s를 이해할 필요가 없는 1980s영화입니다.
Aliens의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. James Cameron는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. Aliens는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 Aliens가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
Aliens를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 Aliens를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 Aliens가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. James Cameron의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Sigourney Weaver의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 Aliens는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. Aliens는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. James Cameron의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. Aliens를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
Nausicaä of the Valley of the Wind
천 년 전, 불의 7일간으로 불리는 전쟁이 끝난 후 지구는 죽음의 행성으로 변했다. 점점 커지는 곰팡이의 숲인 부해가 유독가스를 내뿜어 사람이 살 수 있는 땅도 얼마 남지 않았다. 자연과 대화를 나눌 수 있는 특별한 소녀 나우시카는 그 중 깨끗한 바람계곡에서 살고 있지만 부해는 이곳마저 먹어치울 듯 가깝게 다가온다. 그러나 위기는 인간들의 다툼에서 시작된다. 군사제국 토르메키아가 불의 7일간을 초래했던 병기 거신병을 부활시키려는 계획을 시작했기 때문. 바람계곡은 분쟁에 휘말리고 나우시카는 토르메키아와 맞서는 도시 국가 페지테의 인질이 된다. 그 와중에 나우시카는 부해가 지구를 정화하고 있었다는 사실을 깨닫는데...
시청해야 하는 이유: Nausicaä of the Valley of the Wind는 점수가 안정적일 만큼 오랫동안 등급을 유지했습니다. 다양한 관객들에게 이렇게 높은 평가를 받은 영화는 단지 좋다기보다는 예외적입니다.
Nausicaä of the Valley of the Wind의 1984 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Nausicaä of the Valley of the Wind를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Nausicaä of the Valley of the Wind의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 8.0의 Nausicaä of the Valley of the Wind는 이 목록의 신뢰할 수 있는 계층을 나타냅니다. 실망시키지 않는 영화들입니다. Hayao Miyazaki는 영화에 필요한 것이 무엇인지 이해하고 타협 없이 실행했습니다. 애니메이션은 기술적인 능력을 보여주기보다는 스토리텔링을 제공하는 역할을 합니다. 감독은 전달되는 특정 이야기에 도움이 되는 감정적, 내러티브 효과를 얻기 위해 형식을 사용합니다. 1980s의 영화 순위를 매기는 것은 부분적으로 살아남은 영화를 식별하는 연습입니다. Nausicaä of the Valley of the Wind가 살아남은 이유는 Hayao Miyazaki가 트렌드가 아닌 기술을 기반으로 선택했기 때문입니다. 8.0 등급은 이러한 선택이 여전히 유효하다고 생각하는 시청자를 반영합니다.
Nausicaä of the Valley of the Wind의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Hayao Miyazaki는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. Nausicaä of the Valley of the Wind의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Sumi Shimamoto는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
Nausicaä of the Valley of the Wind는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 8.0 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Nausicaä of the Valley of the Wind를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Hayao Miyazaki 및 Sumi Shimamoto가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
Nausicaä of the Valley of the Wind는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. Hayao Miyazaki는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 8.0 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 Hayao Miyazaki의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 Nausicaä of the Valley of the Wind가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
훌륭한 영화는 카테고리를 초월합니다. 기술이 탁월하기 때문에 작동합니다.
Akira
알 수 없는 폭발로 도쿄가 폐허가 된 지 31년이 지난 2019년의 일본. 신도시 네오도쿄는 정치와 자본의 결탁으로 첨단의 경제적 풍요를 누리고 있지만 이면에서는 퇴폐, 약물, 폭력, 광신으로 몸살을 앓고 있으며 반정부 시위가 곳곳에서 일어나고 있다. 고아이자 직업학교 출신 폭주족인 카네다 패거리는 오토바이로 거리를 누비며 아슬아슬한 심야의 레이싱을 즐긴다. 그중 한명인 테츠오는 자신에게 통제할 수 없는 엄청난 힘이 내재해 있음을 알고는 세상에 복수하듯 그 힘을 남용하기 시작한다. 과학자들은 진화된 인간에 도달하기 위해 아이들을 대상으로 능력을 각성시킬 실험을 자행하고, 30년 전의 도쿄 폭발은 실험대상 중 아키라라는 미지의 아이와 연관되어 있는데...
시청해야 하는 이유: 지리의 명확성을 바탕으로 제작된 액션. Katsuhiro Otomo는 모든 사람이 어디에 있는지 항상 알기 때문에 최상의 시퀀스가 작동한다는 것을 이해합니다.
Akira(1988)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Akira는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 대규모 유권자 풀의 7.9 등급은 영화가 시청자가 발견한 모든 약점보다 더 큰 장점을 가지고 있음을 의미합니다. Akira는 모든 영화가 충족해야 하는 최소 표준이자 개봉 횟수보다 적은 수의 달성이라는 핵심 약속을 이행합니다. 감독은 액션 영화의 핵심 문제를 해결합니다. 액션을 보여주기 전에 결과에 관심을 갖도록 만드는 것입니다. 지리적 명확성은 누가 어디에 있는지, 성공하려면 무엇이 필요한지 항상 알 수 있기 때문에 시퀀스가 작동합니다. Akira는 1980s영화에서 그 자리를 차지합니다. 그 이유는 지난 10년 동안 제작되었지만 이후 수십 년 동안 잃어버린 것을 포착하기 때문입니다. 1980s영화 제작의 문화적, 기술적 조건이 Katsuhiro Otomo가 여기서 무엇을 만들 수 있는지를 결정했습니다.
Akira의 시각적 언어는 1988의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Katsuhiro Otomo는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. Akira의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 Akira를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
Akira는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.9 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Akira를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Katsuhiro Otomo 및 Mitsuo Iwata가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에서 Akira의 위치는 모든 사람을 위한 모든 것을 열망하지 않고 특정 품질을 안정적으로 전달하는 영화를 반영합니다. Katsuhiro Otomo는 영화가 무엇인지 이해하고 높은 수준의 제작으로 만들었습니다. 7.9 등급은 이러한 조건으로 영화에 참여했으며 높은 평가를 받을 가치가 있다고 생각하는 시청자를 나타냅니다. 서로 다른 기대를 품은 관객들은 평점보다 영화가 덜 만족스럽다고 느낄 때도 있는데, 이는 영화의 약점이 아니라 기대감에 있다. Akira는 바로 그 기술로 만들어졌고, 그것을 평가한 유권자들은 그것에 반응하고 있었습니다.
Blade Runner
2019년, 지구의 파괴와 엄청난 인구증가로 인해 다른 행성을 식민지 이주가 본격화된다. 2주전 6명의 복제 인간 리플리컨트가 식민행성에서 탈출, 23명을 죽이고 우주선을 탈취하여 지구로 잠입한다. 전투용 로이 베티와 리온, 살인 훈련을 받은 조라, 식민행성 군인 클럽 소속의 위안부 프리스가 그들이다. 이들은 타이렐사에 침입하려 하지만 한 사람이 죽고, 직원으로 위장한 리온이 회사 간부의 테스트에 발각되어 도주한다. 이에 경찰은 복제 인간을 구별할 능력을 지닌 블레이드 러너 데커드를 호출하는데...
시청해야 하는 이유: Blade Runner는 정직하게 긴장감을 얻습니다. 압박감은 인위적인 놀라움보다는 상황과 성격에서 비롯됩니다. Ridley Scott는 청중이 이해관계를 느낄 것이라고 믿습니다.
1982에 개봉된 Blade Runner는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Ridley Scott는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.9 등급은 그 지속력의 증거입니다. Blade Runner의 7.9 점수는 대안이 있었고 이를 높게 평가한 시청자를 바탕으로 만들어졌습니다. 그 선택은 자신의 주장을 명확하게 밝힌 영화를 반영합니다. 이것이 바로 Blade Runner가 하는 일입니다. Ridley Scott가 주장을 펼쳤고 청중은 이를 받아들였습니다. 영화를 스릴러로 만드는 것은 스테이크에는 투자가 필요하다는 이해입니다. 첫 번째 막은 압력이 가해지기 전에 성격을 형성합니다. 긴장이 고조될 때쯤에는 결과에 신경을 써야 할 이유가 생깁니다. 매 10년마다 그 당시에는 꼭 필요해 보이다가 사라지는 영화를 제작합니다. Blade Runner는 더 작은 범주에 속합니다. 1980s영화는 그 시대에 대한 향수가 없는 시청자들에게 여전히 높은 평가를 받고 있습니다. 세대 간 품질이 실제 테스트입니다.
Blade Runner의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Ridley Scott는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Harrison Ford는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Blade Runner에서 가장 잘 드러납니다.
Blade Runner를 처음 시청하는 시청자는 Ridley Scott가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Blade Runner의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Harrison Ford는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1982 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Ridley Scott가 의도한 것입니다.
이와 같은 목록에서 11~25위 범위에 위치한 영화는 문화적 비중 없이 상위 10위권의 품질을 전달하기 때문에 가장 유용한 발견인 경우가 많습니다. Blade Runner가 이 위치에 있는 것은 위의 항목보다 훨씬 나쁘기 때문이 아니라 매력이 더 집중되어 있기 때문입니다. Blade Runner에서 Ridley Scott의 활동을 접한 시청자들은 이 목록에 있는 어떤 영화보다도 높게 평가합니다. 더 넓은 유권자 기반의 평균이 여기에 위치합니다. 장르 선호도, 감독 관심도 또는 시대를 기준으로 이 영화가 자신에게 적합하다고 생각하는 구체적인 이유가 있는 시청자는 그보다 높은 순위의 여러 항목보다 우선순위를 두어야 합니다.
Pink Floyd: The Wall
전쟁으로 아버지를 잃은 핑크(Pink: 봅 제도프 분)는 엄마와 단둘이 외롭게 살아간다. 늘 혼자인 핑크는 전쟁 공포증과 더불어 자유로운 사고를 가로막는 교육 제도에 적응하지 못하고 방황한다. 이런 부적응이 세상이 다 자신을 향해 쌓은 벽이라 생각한 그는 틀에 박힌 관념과 행동양식에 파괴의식을 느낀다. 성장하여 록스타가 되었지만 사람들의 박수는 참을 수 없는 짐이 되고, 사랑에도 실패한 핑크는 세상과 벽을 쌓는 자학적인 행동을 하면서 소외도디고 불안정한 생활을 지속한다.
시청해야 하는 이유: Pink Floyd: The Wall가 드라마로 작동하는 이유는 Alan Parker가 관객이 느낄 수 있는 감정을 설명하기를 거부하기 때문입니다. 감정 기록은 신호를 받는 것이 아니라 생성되는 것입니다.
Pink Floyd: The Wall는 1982에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. Pink Floyd: The Wall가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.9의 Pink Floyd: The Wall는 여러 차원에서 지속적으로 평균 이상의 작품을 보여주는 영화입니다. 단일 요소가 다른 요소를 전달하지 않습니다. 연출, 글쓰기, 퍼포먼스 모두 같은 방향으로 끌려가고 있다. 영화는 다른 장르에서는 할 수 없는 드라마가 무엇을 할 수 있는지 보여줍니다. 평범한 인간의 행동에 압력을 가하고 반응을 통해 성격을 드러내는 것입니다. 감독은 그러한 조건을 만들고 출연진은 진정한 확신을 가지고 그 조건에 적응합니다. Pink Floyd: The Wall에 대한 1980s 컨텍스트는 부수적인 것이 아닙니다. 기술이 허용하는 것, 문화가 요구하는 것 등 지난 10년의 구체적인 미적 조건이 Alan Parker의 선택을 결정했습니다. 그러한 선택은 그 순간과 별개로 유지됩니다.
Pink Floyd: The Wall의 성능은 Alan Parker가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Bob Geldof는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Pink Floyd: The Wall에서 가장 어려운 순간은 Bob Geldof가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Pink Floyd: The Wall의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Alan Parker가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. Pink Floyd: The Wall는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Bob Geldof의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 Pink Floyd: The Wall는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 Bob Geldof의 성능과 Alan Parker의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
Raiders of the Lost Ark
1936년 남아메리카. 인디아나 존스 박사는 험난한 밀림 지대를 헤치고 독거미와 온갖 부비트랩을 뚫고서 고대 문명의 동굴에 보관된 보물을 손에 넣는데 성공하지만, 마지막 순간 악덕 고고학자 벨로크에게 빼앗기고 만다. 대학으로 돌아온 인디에게 정보국 사람들이 찾아온다. 정부로부터 성서에 나오는 성궤를 찾으라는 명령을 받는은 인디는 단서를 하나하나 찾아가며 성궤의 행방을 추적해 나간다. 그런데 나치군들도 역시 전쟁에 가지고 나가기만 하면 모든 전쟁에서 승리를 거둘 수 있는 무서운 힘을 지닌 성궤를 찾아나서는데...
시청해야 하는 이유: Raiders of the Lost Ark의 작업은 예약된 것이 아니라 획득되었습니다. Steven Spielberg는 각 시퀀스를 기반으로 구축되므로 도착 시 볼거리 이상의 무게를 전달합니다.
Raiders of the Lost Ark의 1981 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Raiders of the Lost Ark를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Raiders of the Lost Ark의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.9 범위의 영화는 목록에서 제시된 위치보다 더 흥미로운 경우가 많습니다. 그들은 높은 등급의 타이틀에 대한 문화적 포화를 달성하지 못했습니다. 이는 Raiders of the Lost Ark가 선입견 없이 접근하기 더 쉽다는 것을 의미합니다. Raiders of the Lost Ark는 그로부터 이익을 얻습니다. 액션은 스토리텔링을 대체하기보다는 스토리텔링에 종속됩니다. 감독은 이전에 나온 내용 때문에만 작동하는 시퀀스를 만듭니다. 캐릭터와 이해관계에 대한 관객의 투자가 액션의 성공 여부를 결정합니다. 오늘날에도 여전히 7.9 등급을 받고 있는 1980s의 영화는 동시대 개봉 영화보다 더 오랜 테스트를 거쳐 살아남았습니다. Raiders of the Lost Ark는 그 핵심인 스토리텔링, 퍼포먼스, 공예가 시대를 불문하고 작동하기 때문에 이 테스트를 통과했습니다.
Raiders of the Lost Ark의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Steven Spielberg는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. Raiders of the Lost Ark는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 Raiders of the Lost Ark가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
Raiders of the Lost Ark는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.9 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Raiders of the Lost Ark를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Steven Spielberg 및 Harrison Ford가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 Raiders of the Lost Ark를 배치하는 7.9 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. Raiders of the Lost Ark에 높은 점수를 주기로 한 결정은 Steven Spielberg가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. Raiders of the Lost Ark는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
Return of the Jedi
전작으로부터 약 1년 후의 이야기로, 전편의 클라이막스에서 엄청난 과거사를 접한 후 몸과 마음을 추스린 루크 스카이워커가 어엿한 제다이 기사로 성장해 동료들과 함께 결국 사악한 은하 제국을 무너뜨린다는 내용. 제국의 역습 때보다 배는 더 되는 금액[8]을 특수효과에 투입했으며, 흥행도 전작들(제국의 역습은 5억 3천만 달러, 새로운 희망은 재개봉까지 합쳐 7억 7천만 달러) 못잖게 엄청난 대박(전세계 5억 7천만 달러)을 쳤다. 한동안 최대 흥행 영화로 기네스북에 실렸으며 이는 타이타닉이 나올 때까지 깨지지 않았다.
시청해야 하는 이유: 지리의 명확성을 바탕으로 제작된 액션. Richard Marquand는 모든 사람이 어디에 있는지 항상 알기 때문에 최상의 시퀀스가 작동한다는 것을 이해합니다.
Return of the Jedi(1983)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Return of the Jedi는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 7.9 등급은 일관된 수준에서 동시에 작동하는 감독, 각본 및 성능을 반영합니다. 이 범위의 점수를 받은 영화는 단일 차원에서 크게 실패하는 경우가 거의 없으며 Return of the Jedi도 예외는 아닙니다. 감독은 액션 영화의 핵심 문제를 해결합니다. 액션을 보여주기 전에 결과에 관심을 갖도록 만드는 것입니다. 지리적 명확성은 누가 어디에 있는지, 성공하려면 무엇이 필요한지 항상 알 수 있기 때문에 시퀀스가 작동합니다. 1980s 시네마 전체의 맥락에서 Return of the Jedi는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1980s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
Return of the Jedi의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Richard Marquand는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. Return of the Jedi의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Mark Hamill는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
Return of the Jedi를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 Return of the Jedi를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 Return of the Jedi가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Richard Marquand의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Mark Hamill의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 Return of the Jedi는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. Return of the Jedi는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. Richard Marquand의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. Return of the Jedi를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
Raging Bull
1941년 제이크 라모타는 그의 매니저 동생 조이와 함께 복싱 미들급 챔피언을 향해 훈련하고 있다. 그의 첫 사랑은 15살된 비키와 함께 시작되었고 라모타는 비키와 결혼하기 위해 부인과 이혼한다. 그러나 의처증을 가진 라모타는 그의 형과 부인을 의심하기 시작한다. 라모타는 챔피언이 되지만 곧 쇠락의 길로 접어들어 슈거 레이 로빈슨과 6번 싸워 5번을 지고 만다. 그의 복싱 경력의 실패는 개인적인 삶에서의 실패도 의미했다. 결국 그의 형 내외와 사이가 틀어지고 그는 개인적인 구원을 위해 긴 여정에 들어간다.
시청해야 하는 이유: Raging Bull는 침묵을 믿는 드라마다. Martin Scorsese는 장면에 명백한 끝점을 지나 숨을 쉴 수 있는 공간을 제공하여 캐릭터가 수행을 중단할 때 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다.
1980에 개봉된 Raging Bull는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Martin Scorsese는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.9 등급은 그 지속력의 증거입니다. Raging Bull의 7.9 점수는 큰 약점 없이 전제를 전달하는 영화 중 하나입니다. Martin Scorsese는 전체적으로 의도한 대로 작동하는 것을 만들었지만, 생각보다 흔하지 않습니다. 드라마는 보편성보다는 특수성에서 나온다. 감독은 이런 상황에서 등장인물들에게 정확하게 적용되는 선택을 하는데, 이는 역설적으로 일반적인 감정 비트보다 더 보편적인 것을 만들어낸다. 1980s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. Raging Bull는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
Raging Bull의 시각적 언어는 1980의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Martin Scorsese는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. Raging Bull의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 Raging Bull를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
Raging Bull는 단순히 시간을 채우는 것보다 진정한 내용을 담고 싶은 저녁 시간에 적합합니다. 그것은 배경 영화도 아니고 수동적인 경험도 아닙니다. Martin Scorsese는 여러분의 관심을 끌고 일반적이 아닌 구체적으로 보상하는 무언가를 구성했습니다. 다른 일을 하면서 Raging Bull를 시청하는 시청자는 영화에 완전히 집중한 사람이 볼 수 있는 버전보다 훨씬 적은 버전의 영화를 보게 됩니다. 7.9 등급은 집중 시청 경험을 반영합니다. 출연진(구체적으로 Robert De Niro)은 집중해서 볼 때 기록되고 주의가 산만해지면 사라지는 공연 세부 정보를 제공합니다.
Raging Bull는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. Martin Scorsese는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 7.9 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 Martin Scorsese의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 Raging Bull가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
Indiana Jones and the Last Crusade
자신이 재직 중인 바네트 대학으로 돌아온 인디는 몇 달만을 비워뒀던 대학 연구실에서 오래 전에 도착한 아버지의 일기장을 발견한다. 고고학에 관심 많은 학생들을 피해 겨우 창문으로 빠져나온 존슨 박사는 윌터 도노반이라는 사람을 만난다. 도노반은 자신이 앙카라 북쪽에서 발견한 반쪽짜리 신의 석판의 탁본을 보여주며 헨리 박사의 일기장을 참고로 나머지 반쪽 석판과 예수가 최후의 만찬 때 사용했다는 술잔 성배를 찾아 달라고 부탁한다. 인디아나 존스는 아버지 헨리 존스 박사가 나치에게 납치 되었다는 소식을 듣고 베니스로 달려가는데...
시청해야 하는 이유: Steven Spielberg는 단순히 충격이 아닌 이해를 위해 Indiana Jones and the Last Crusade의 액션을 촬영합니다. 공간 논리는 전체적으로 유지되는데, 이는 필요한 것보다 더 드뭅니다.
Indiana Jones and the Last Crusade는 1989에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. Indiana Jones and the Last Crusade가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.9에서 Indiana Jones and the Last Crusade는 품질이 일관된 범위에 있지만 영화는 더 높은 등급 타이틀에 대한 광범위한 합의를 달성하지 못했습니다. 이러한 좁은 합의는 특정 매력을 반영하는 경우가 많습니다. Indiana Jones and the Last Crusade는 모든 사람을 위한 것은 아니지만 올바른 시청자에게는 탁월합니다. 감독은 카메라 스펙타클보다는 휴먼 스케일로 액션을 촬영합니다. 캐릭터는 일관된 공간을 차지하고 그들의 몸은 읽을 수 있는 목적을 가지고 그 공간을 통해 움직입니다. 그 결과는 순간적인 아드레날린을 생성하기보다는 임팩트를 축적하는 액션이다. 1980s는 특정한 관심과 특정한 미적 접근 방식을 지닌 특정한 문화적 순간이었습니다. Indiana Jones and the Last Crusade는 이러한 조건을 초월하면서 반영합니다. 감상하기 위해 1980s를 이해할 필요가 없는 1980s영화입니다.
Indiana Jones and the Last Crusade의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Steven Spielberg는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Harrison Ford는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Indiana Jones and the Last Crusade에서 가장 잘 드러납니다.
Indiana Jones and the Last Crusade는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.9 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Indiana Jones and the Last Crusade를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Steven Spielberg 및 Harrison Ford가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에서 Indiana Jones and the Last Crusade의 위치는 모든 사람을 위한 모든 것을 열망하지 않고 특정 품질을 안정적으로 전달하는 영화를 반영합니다. Steven Spielberg는 영화가 무엇인지 이해하고 높은 수준의 제작으로 만들었습니다. 7.9 등급은 이러한 조건으로 영화에 참여했으며 높은 평가를 받을 가치가 있다고 생각하는 시청자를 나타냅니다. 서로 다른 기대를 품은 관객들은 평점보다 영화가 덜 만족스럽다고 느낄 때도 있는데, 이는 영화의 약점이 아니라 기대감에 있다. Indiana Jones and the Last Crusade는 바로 그 기술로 만들어졌고, 그것을 평가한 유권자들은 그것에 반응하고 있었습니다.
Stand by Me
오레곤주의 작은 마을 캐슬록. 섬세한 성격으로 문학에 소질이 있는 고디, 알콜 중독인 아버지 밑에서 갑갑한 생활을 하지만 타고난 리더쉽으로 동네 꼬마들을 지휘하는 크리스, 2차대전의 영웅이었던 아버지를 존경하는 열정의 소년 테디, 착한 꼬마 뚱보 번은 이 마을에서 사는 단짝 친구들이다. 어느 날 번은 패거리들에게 며칠 전 행방불명된 소년의 시체가 저멀리 숲속에 있다는 소식을 전해준다. 만약 시체를 찾아낸다면 마을의 영웅이 되는 것. 네 명의 소년은 호기심과 모험심을 억누르지 못하고 숲을 향해 여행을 떠난다.
시청해야 하는 이유: Rob Reiner는 좋은 드라마가 요구하지만 거의 얻지 못하는 인내심을 가지고 Stand by Me에 접근합니다. 그 결과 일정을 잡는 것이 아니라 감정적인 순간을 얻는 영화가 탄생했습니다.
Stand by Me의 1986 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Stand by Me를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Stand by Me의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.8의 Stand by Me는 이 목록의 신뢰할 수 있는 계층을 나타냅니다. 실망시키지 않는 영화들입니다. Rob Reiner는 영화에 필요한 것이 무엇인지 이해하고 타협 없이 실행했습니다. 이것이 드라마와 구별되는 점은 감독이 관객이 느낄 수 있는 것을 설명하기를 거부한다는 점이다. 영화는 감정적인 무게를 지닌 상황을 만들어내고 관객들이 그 무게를 스스로 짊어질 것이라고 믿습니다. 공연은 과도한 신호를 보내지 않고 감정적 기록을 제공합니다. 1980s의 영화 순위를 매기는 것은 부분적으로 살아남은 영화를 식별하는 연습입니다. Stand by Me가 살아남은 이유는 Rob Reiner가 트렌드가 아닌 기술을 기반으로 선택했기 때문입니다. 7.8 등급은 이러한 선택이 여전히 유효하다고 생각하는 시청자를 반영합니다.
Stand by Me의 성능은 Rob Reiner가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Wil Wheaton는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Stand by Me에서 가장 어려운 순간은 Wil Wheaton가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Stand by Me를 처음 시청하는 시청자는 Rob Reiner가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Stand by Me의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Wil Wheaton는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1986 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Rob Reiner가 의도한 것입니다.
이와 같은 목록에서 11~25위 범위에 위치한 영화는 문화적 비중 없이 상위 10위권의 품질을 전달하기 때문에 가장 유용한 발견인 경우가 많습니다. Stand by Me가 이 위치에 있는 것은 위의 항목보다 훨씬 나쁘기 때문이 아니라 매력이 더 집중되어 있기 때문입니다. Stand by Me에서 Rob Reiner의 활동을 접한 시청자들은 이 목록에 있는 어떤 영화보다도 높게 평가합니다. 더 넓은 유권자 기반의 평균이 여기에 위치합니다. 장르 선호도, 감독 관심도 또는 시대를 기준으로 이 영화가 자신에게 적합하다고 생각하는 구체적인 이유가 있는 시청자는 그보다 높은 순위의 여러 항목보다 우선순위를 두어야 합니다.
Kiki's Delivery Service
마녀 엄마와 인간 아빠 사이에서 태어난 소녀 키키는 13살이 되던 만월의 어느 밤, 검은 고양이 지지와 함께 집을 나와 마녀 수업을 떠난다. 평소 바다를 동경하던 키키는 바다에 떠있는 커다란 마을에 정착하게 되고, 그 곳에서 갑자기 도로에 뛰어들게 되어 경찰에게 잡히지만 돔보라는 친구를 만나 도망을 치게 된다. 키키는 빵가게 앞을 지나가다 마음씨 좋은 아주머니를 만나게 되고 그 빵집에서 첫 배달이 시작된다. 어느날 비행선 사고가 일어나는데, 거기에 돔보가 포함되어있다는 것을 알고 급히 현장으로 가게 되고, 청소부의 대걸레를 빌려 마법을 사용, 돔보를 구출하려 하는데...
시청해야 하는 이유: 공예만으로도 볼만한 수준의 애니메이션. Kiki's Delivery Service의 모든 프레임은 의도적인 예술적 선택입니다.
Kiki's Delivery Service(1989)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Kiki's Delivery Service는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 대규모 유권자 풀의 7.8 등급은 영화가 시청자가 발견한 모든 약점보다 더 큰 장점을 가지고 있음을 의미합니다. Kiki's Delivery Service는 모든 영화가 충족해야 하는 최소 표준이자 개봉 횟수보다 적은 수의 달성이라는 핵심 약속을 이행합니다. 영화는 애니메이션이 실사에서는 달성할 수 없는 감정 영역에 도달하기 위한 도구임을 보여줍니다. 감독은 매체의 형식적 가능성을 활용하여 애니메이션 형식에 특정한 순간을 만들어냅니다. Kiki's Delivery Service는 1980s영화에서 그 자리를 차지합니다. 그 이유는 지난 10년 동안 제작되었지만 이후 수십 년 동안 잃어버린 것을 포착하기 때문입니다. 1980s영화 제작의 문화적, 기술적 조건이 Hayao Miyazaki가 여기서 무엇을 만들 수 있는지를 결정했습니다.
Kiki's Delivery Service의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Hayao Miyazaki는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. Kiki's Delivery Service는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 Kiki's Delivery Service가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
Kiki's Delivery Service의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Hayao Miyazaki가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. Kiki's Delivery Service는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Minami Takayama의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 Kiki's Delivery Service는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 Minami Takayama의 성능과 Hayao Miyazaki의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
Die Hard
뉴욕 경찰관 존 맥클레인(브루스 윌리스)은 떨어져 사는 아내 홀리 (보니 델리아)를 만나기 위해 LA의 나카도미 빌딩으로 찾아간다. 그러나 파티가 한창 무르익을 무렵, 한스 그루버(알란 릭맨)가 이끄는 일단의 테러리스트들이 침입, 사장을 비롯한 파티 참석자 30여 명을 인질로 삼고 건물 금고에 소장하고 있는 돈과 보물을 손에 넣으려 한다. 최첨단 하이테크에 의해 관리되던 34층짜리 나카토미 빌딩은 통채로 테러리스트들의 수중으로 넘어가 폐쇄되고 고층 빌딩은 살벌한 생존 게임의 전쟁터로 변해가는데...
시청해야 하는 이유: Die Hard는 정직하게 긴장감을 얻습니다. 압박감은 인위적인 놀라움보다는 상황과 성격에서 비롯됩니다. John McTiernan는 청중이 이해관계를 느낄 것이라고 믿습니다.
1988에 개봉된 Die Hard는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. John McTiernan는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.8 등급은 그 지속력의 증거입니다. Die Hard의 7.8 점수는 대안이 있었고 이를 높게 평가한 시청자를 바탕으로 만들어졌습니다. 그 선택은 자신의 주장을 명확하게 밝힌 영화를 반영합니다. 이것이 바로 Die Hard가 하는 일입니다. John McTiernan가 주장을 펼쳤고 청중은 이를 받아들였습니다. 영화를 스릴러로 만드는 것은 스테이크에는 투자가 필요하다는 이해입니다. 첫 번째 막은 압력이 가해지기 전에 성격을 형성합니다. 긴장이 고조될 때쯤에는 결과에 신경을 써야 할 이유가 생깁니다. 매 10년마다 그 당시에는 꼭 필요해 보이다가 사라지는 영화를 제작합니다. Die Hard는 더 작은 범주에 속합니다. 1980s영화는 그 시대에 대한 향수가 없는 시청자들에게 여전히 높은 평가를 받고 있습니다. 세대 간 품질이 실제 테스트입니다.
Die Hard의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. John McTiernan는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. Die Hard의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Bruce Willis는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
Die Hard는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.8 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Die Hard를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. John McTiernan 및 Bruce Willis가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 Die Hard를 배치하는 7.8 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. Die Hard에 높은 점수를 주기로 한 결정은 John McTiernan가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. Die Hard는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
최고의 영화관은 당신의 관심에 보답합니다. 여기에 있는 모든 영화는 필요한 시간을 얻었습니다.
The King of Comedy
건달 루퍼트 펍킨은 스스로 타고난 코미디언이라고 생각하고 있는 배우 지망생이다. 화려한 데뷔를 꿈꾸는 그는 거물 코미디언 제리 랭포드에게 접근하기 위해 갖은 수단을 다 쓰지만 효과는 시원치 않다. 그가 탄 자동차에 무조건 올라탄 펍킨은 한번 연락하라는 한마디에 벌써 유명 인사나 된 듯 과대망상에 빠진다. 그러나 기회는 좀처럼 오지 않고, 마지막 수단으로 펍킨은 랭포드의 열광적인 여성팬을 동원해 그를 납치한다. 랭포드에게 권총을 들이대고 협박한 펍킨은 그로 하여금 제작자에게 깜짝 놀랄 미지의 인물이 랭포드 쇼에 출연하게 된다는 전화를 걸게 하는데...
시청해야 하는 이유: The King of Comedy가 드라마로 작동하는 이유는 Martin Scorsese가 관객이 느낄 수 있는 감정을 설명하기를 거부하기 때문입니다. 감정 기록은 신호를 받는 것이 아니라 생성되는 것입니다.
The King of Comedy는 1982에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. The King of Comedy가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.8의 The King of Comedy는 여러 차원에서 지속적으로 평균 이상의 작품을 보여주는 영화입니다. 단일 요소가 다른 요소를 전달하지 않습니다. 연출, 글쓰기, 퍼포먼스 모두 같은 방향으로 끌려가고 있다. 영화는 다른 장르에서는 할 수 없는 드라마가 무엇을 할 수 있는지 보여줍니다. 평범한 인간의 행동에 압력을 가하고 반응을 통해 성격을 드러내는 것입니다. 감독은 그러한 조건을 만들고 출연진은 진정한 확신을 가지고 그 조건에 적응합니다. The King of Comedy에 대한 1980s 컨텍스트는 부수적인 것이 아닙니다. 기술이 허용하는 것, 문화가 요구하는 것 등 지난 10년의 구체적인 미적 조건이 Martin Scorsese의 선택을 결정했습니다. 그러한 선택은 그 순간과 별개로 유지됩니다.
The King of Comedy의 시각적 언어는 1982의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Martin Scorsese는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. The King of Comedy의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 The King of Comedy를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
The King of Comedy를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 The King of Comedy를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 The King of Comedy가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Martin Scorsese의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Robert De Niro의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 The King of Comedy는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. The King of Comedy는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. Martin Scorsese의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. The King of Comedy를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
Back to the Future Part II
우여곡절 끝에 과거에서 현재로 무사히 돌아온 마티 맥플라이는 숨 고를 겨를도 없이 에메트 브라운 박사 손에 이끌려 미래로 향하는 드로리안에 또다시 몸을 싣는다. 이유인 즉슨, 미래의 마티 주니어가 대형 사고를 쳐 감옥에 간다는 것. 30년 뒤 미래인 2015년에 당도한 마티와 브라운 박사가 사건을 수습하는 동안, 마티와 원수지간인 비프 태넌이 인생을 바꿀 중요한 물건인 스포츠 연감과 함께 드로리안을 타고 과거로 사라진다. 다시 현대로 돌아온 마티와 브라운 박사는 뒤죽박죽이 되어 버린 세상에 소스라치게 놀라는데...
시청해야 하는 이유: 코미디는 유지하기 가장 어려운 장르입니다. Robert Zemeckis는 Back to the Future Part II를 수월해 보이게 만듭니다. 이는 대부분의 청중이 의식적으로 등록하지 않는 상당한 기술의 표시입니다.
Back to the Future Part II의 1989 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Back to the Future Part II를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Back to the Future Part II의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.8 범위의 영화는 목록에서 제시된 위치보다 더 흥미로운 경우가 많습니다. 그들은 높은 등급의 타이틀에 대한 문화적 포화를 달성하지 못했습니다. 이는 Back to the Future Part II가 선입견 없이 접근하기 더 쉽다는 것을 의미합니다. Back to the Future Part II는 그로부터 이익을 얻습니다. 코미디로서의 영화의 일관성은 일관성에서 나온다. 감독은 세계의 규칙과 그 안에서 인물들의 행동을 설정하고, 인물들이 상황을 헤쳐나가는 방식에서 유머가 나온다. 오늘날에도 여전히 7.8 등급을 받고 있는 1980s의 영화는 동시대 개봉 영화보다 더 오랜 테스트를 거쳐 살아남았습니다. Back to the Future Part II는 그 핵심인 스토리텔링, 퍼포먼스, 공예가 시대를 불문하고 작동하기 때문에 이 테스트를 통과했습니다.
Back to the Future Part II의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Robert Zemeckis는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Michael J. Fox는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Back to the Future Part II에서 가장 잘 드러납니다.
Back to the Future Part II는 솔로 및 그룹 시청 환경 모두에서 작동하는 보기 드문 영화 중 하나인데, 이는 대부분의 코미디에는 해당되지 않습니다. 설정보다는 캐릭터에서 유머를 이끌어내는 영화는 방에 누가 있든 상관없이 잘 재생되는 경향이 있습니다. 왜냐하면 웃음은 집단적 허가보다는 인정에서 나오기 때문입니다. Back to the Future Part II를 혼자 시청하면 단체 시청에서는 놓칠 수 있는 캐릭터 관찰의 조용한 순간을 포착할 수 있습니다. 영화를 아는 다른 사람과 함께 영화를 보는 것은 효과가 있다고 알고 있는 것을 공유하는 특별한 즐거움을 선사합니다. Back to the Future Part II의 런타임은 더 긴 영화를 볼 필요가 없는 진정한 품질의 무언가를 원하는 저녁 시간에 실용적인 선택이 됩니다. Robert Zemeckis의 속도는 영화가 초과하지 않고 런타임을 얻는다는 것을 의미합니다.
Back to the Future Part II는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. Robert Zemeckis는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 7.8 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 Robert Zemeckis의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 Back to the Future Part II가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
Do the Right Thing
뉴욕의 하렘, 이탈리아인의 피자 가게에서 일하는 무키는 여자 친구와 아기를 위해 묵묵히 돈을 벌어야 한다. 브루클린의 다른 흑인들은 여름의 찌는 무더위 속에서 거리를 배회하며 자신들의 독특한 행동만 계속한다. 우연찮게 발생한 이탈리아인과 흑인들의 충돌, 조용하던 무키의 분노가 폭발하면서 피자 가게는 난장판이 되고 불이난다. 소방대원들은 물줄기를 불타는 가게가 아닌 흑인들에게 쏘고, 사건의 진상 조차 조사하지 않고 무조건 흑인들을 구타, 연행하는 경찰, 경찰의 폭력에 의해 라디오 하임은 사랑과 증오가 얽힌 눈으로 죽어가는데...
시청해야 하는 이유: 크레딧을 받고 나서도 여운이 남는 그런 드라마. Spike Lee는 표준 요금보다 높은 수준의 소재에 인내심을 제공합니다.
Do the Right Thing(1989)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Do the Right Thing는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 7.8 등급은 일관된 수준에서 동시에 작동하는 감독, 각본 및 성능을 반영합니다. 이 범위의 점수를 받은 영화는 단일 차원에서 크게 실패하는 경우가 거의 없으며 Do the Right Thing도 예외는 아닙니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. 1980s 시네마 전체의 맥락에서 Do the Right Thing는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1980s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
Do the Right Thing의 성능은 Spike Lee가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Danny Aiello는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Do the Right Thing에서 가장 어려운 순간은 Danny Aiello가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Do the Right Thing는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.8 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Do the Right Thing를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Spike Lee 및 Danny Aiello가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에서 Do the Right Thing의 위치는 모든 사람을 위한 모든 것을 열망하지 않고 특정 품질을 안정적으로 전달하는 영화를 반영합니다. Spike Lee는 영화가 무엇인지 이해하고 높은 수준의 제작으로 만들었습니다. 7.8 등급은 이러한 조건으로 영화에 참여했으며 높은 평가를 받을 가치가 있다고 생각하는 시청자를 나타냅니다. 서로 다른 기대를 품은 관객들은 평점보다 영화가 덜 만족스럽다고 느낄 때도 있는데, 이는 영화의 약점이 아니라 기대감에 있다. Do the Right Thing는 바로 그 기술로 만들어졌고, 그것을 평가한 유권자들은 그것에 반응하고 있었습니다.
Wings of Desire
베를린 하늘의 천사, 다니엘은 어느 날 공중 곡예를 하는 마리온을 보고 반한다. 그저 바라보기만 할 수 있는 천사로서는 사랑에 빠진 여자를 만질 수 없음이 그저 고통스럽기만 하다. 그러던 어느날, 천사였다가 인간이 된 콜롬보를 만난다. 그 후, 다니엘은 천사직을 포기하고 인간이 되어 마리온과 만질 수 있는 사랑에 빠진다. 인간이 되어 마리온과 접촉할 수 있는 사랑을 하게 되나, 인간으로서 살아가는 문제와도 봉착하게 된다.
시청해야 하는 이유: Wings of Desire는 침묵을 믿는 드라마다. Wim Wenders는 장면에 명백한 끝점을 지나 숨을 쉴 수 있는 공간을 제공하여 캐릭터가 수행을 중단할 때 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다.
1987에 개봉된 Wings of Desire는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Wim Wenders는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.8 등급은 그 지속력의 증거입니다. Wings of Desire의 7.8 점수는 큰 약점 없이 전제를 전달하는 영화 중 하나입니다. Wim Wenders는 전체적으로 의도한 대로 작동하는 것을 만들었지만, 생각보다 흔하지 않습니다. 드라마는 보편성보다는 특수성에서 나온다. 감독은 이런 상황에서 등장인물들에게 정확하게 적용되는 선택을 하는데, 이는 역설적으로 일반적인 감정 비트보다 더 보편적인 것을 만들어낸다. 1980s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. Wings of Desire는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
Wings of Desire의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Wim Wenders는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. Wings of Desire는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 Wings of Desire가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
Wings of Desire를 처음 시청하는 시청자는 Wim Wenders가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Wings of Desire의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Bruno Ganz는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1987 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 Wim Wenders가 의도한 것입니다.
이와 같은 목록에서 11~25위 범위에 위치한 영화는 문화적 비중 없이 상위 10위권의 품질을 전달하기 때문에 가장 유용한 발견인 경우가 많습니다. Wings of Desire가 이 위치에 있는 것은 위의 항목보다 훨씬 나쁘기 때문이 아니라 매력이 더 집중되어 있기 때문입니다. Wings of Desire에서 Wim Wenders의 활동을 접한 시청자들은 이 목록에 있는 어떤 영화보다도 높게 평가합니다. 더 넓은 유권자 기반의 평균이 여기에 위치합니다. 장르 선호도, 감독 관심도 또는 시대를 기준으로 이 영화가 자신에게 적합하다고 생각하는 구체적인 이유가 있는 시청자는 그보다 높은 순위의 여러 항목보다 우선순위를 두어야 합니다.
The Untouchables
금주법 시대 미국의 대표적인 갱단 보스 알 카포네는 밀주 제조와 살인 등 온갖 범죄를 저지르면서도 막대한 자금으로 경찰과 정치인들을 매수하며 암흑가에 군림하고 있었다. 미연방경찰 FBI는 알 카포네를 잡기 위해 엘리엇 네스를 책임자로 임명하고 부패하지 않은 경찰들로 팀을 구성한다. 노년의 순찰관 짐 말론과 경찰 학교 졸업생 조지 스톤, 회계사 오스카 왈라스 등이 엘리엇의 팀에 합류한다. 카포네를 비롯한 갱 조직을 타파하려는 특수수사반을 조직한 네스 반장은, 강직한 성품의 경관들과 함께 갱들을 상대로 전쟁을 벌인다. 수사관들은 우선 불법 밀주 공장을 급습하지만 갱들이 미리 눈치채는 바람에 일단 물러서는데...
시청해야 하는 이유: 최고의 스릴러 기술은 명백한 일이 일어나기 전에 청중이 두려움을 느낀다는 것을 의미합니다. Brian De Palma는 정보 및 타이밍 제어를 통해 The Untouchables에서 이를 달성합니다.
The Untouchables는 1987에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. The Untouchables가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.8에서 The Untouchables는 품질이 일관된 범위에 있지만 영화는 더 높은 등급 타이틀에 대한 광범위한 합의를 달성하지 못했습니다. 이러한 좁은 합의는 특정 매력을 반영하는 경우가 많습니다. The Untouchables는 모든 사람을 위한 것은 아니지만 올바른 시청자에게는 탁월합니다. 이것은 긴장이 육체적이기보다는 심리적인 스릴러의 범주에 속합니다. 감독은 관객이 명백한 위험을 보여주지 않고도 압박감을 느낄 것이라고 믿는다. 결과는 기존 스릴러 메커니즘보다 더 불안합니다. 1980s는 특정한 관심과 특정한 미적 접근 방식을 지닌 특정한 문화적 순간이었습니다. The Untouchables는 이러한 조건을 초월하면서 반영합니다. 감상하기 위해 1980s를 이해할 필요가 없는 1980s영화입니다.
The Untouchables의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Brian De Palma는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. The Untouchables의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Kevin Costner는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
The Untouchables의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Brian De Palma가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. The Untouchables는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 Kevin Costner의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 The Untouchables는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 Kevin Costner의 성능과 Brian De Palma의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
Rain Man
찰리(톰 크루즈)는 아버지와의 불화로 가출해 살아가는 거친 성격의 자동차 중개상. 그런데 아버지가 엄청난 재산을 형에게 물려주고 사망했다는 사실을 알고 충격을 받게 된다. 빚에 시달리던 찰리는 자신의 몫을 찾기 위해 '레인 맨'이라 부르던 형 레이먼드(더스틴 호프만)를 수소문하여 결국에는 정신병원에서 만난다. 그러나 형 레이먼드는 자폐증 환자, 하지만 찰리는 형의 유산을 탐내 기꺼이 그의 보호자가 되고, 세상 밖으로 데리고 나와 여행을 떠나는데...
시청해야 하는 이유: Barry Levinson는 좋은 드라마가 요구하지만 거의 얻지 못하는 인내심을 가지고 Rain Man에 접근합니다. 그 결과 일정을 잡는 것이 아니라 감정적인 순간을 얻는 영화가 탄생했습니다.
Rain Man의 1988 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Rain Man를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Rain Man의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.8의 Rain Man는 이 목록의 신뢰할 수 있는 계층을 나타냅니다. 실망시키지 않는 영화들입니다. Barry Levinson는 영화에 필요한 것이 무엇인지 이해하고 타협 없이 실행했습니다. 이것이 드라마와 구별되는 점은 감독이 관객이 느낄 수 있는 것을 설명하기를 거부한다는 점이다. 영화는 감정적인 무게를 지닌 상황을 만들어내고 관객들이 그 무게를 스스로 짊어질 것이라고 믿습니다. 공연은 과도한 신호를 보내지 않고 감정적 기록을 제공합니다. 1980s의 영화 순위를 매기는 것은 부분적으로 살아남은 영화를 식별하는 연습입니다. Rain Man가 살아남은 이유는 Barry Levinson가 트렌드가 아닌 기술을 기반으로 선택했기 때문입니다. 7.8 등급은 이러한 선택이 여전히 유효하다고 생각하는 시청자를 반영합니다.
Rain Man의 시각적 언어는 1988의 영화 제작을 최대한 반영합니다. Barry Levinson는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. Rain Man의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 Rain Man를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
Rain Man는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.8 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Rain Man를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Barry Levinson 및 Dustin Hoffman가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 Rain Man를 배치하는 7.8 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. Rain Man에 높은 점수를 주기로 한 결정은 Barry Levinson가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. Rain Man는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
Platoon
크리스 타일러(찰리 쉰)는 대학 생활의 권태로움에서 벗어나 영웅의 모습을 꿈꾸며 자원 입대해 월남전에 참가한다. 그러나 전쟁의 참혹함과 인간의 양면성, 전우들 사이의 갈등을 목격을 목격하고 정신적 충격을 받는다. 동료들이 죽어가는 현실 속에서 반즈 중사(톰 베린저)와 일라이어스 분대장(웰렘 데포)은 반목하게 되고, 이것을 이유로 반즈 중사는 일라이어스를 베트콩 지역에서 참혹하게 죽도록 놔둔다. 크리스는 직접 보지는 못했지만 반즈의 짓임을 알고, 킹(케이스 데이빗), 프랜시스(코리 글로버) 등과 반즈의 처치 여부를 놓고 의논하는 것을 반즈가 엿듣는데...
시청해야 하는 이유: 크레딧을 받고 나서도 여운이 남는 그런 드라마. Oliver Stone는 표준 요금보다 높은 수준의 소재에 인내심을 제공합니다.
Platoon(1986)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Platoon는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 대규모 유권자 풀의 7.7 등급은 영화가 시청자가 발견한 모든 약점보다 더 큰 장점을 가지고 있음을 의미합니다. Platoon는 모든 영화가 충족해야 하는 최소 표준이자 개봉 횟수보다 적은 수의 달성이라는 핵심 약속을 이행합니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. Platoon는 1980s영화에서 그 자리를 차지합니다. 그 이유는 지난 10년 동안 제작되었지만 이후 수십 년 동안 잃어버린 것을 포착하기 때문입니다. 1980s영화 제작의 문화적, 기술적 조건이 Oliver Stone가 여기서 무엇을 만들 수 있는지를 결정했습니다.
Platoon의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Oliver Stone는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Charlie Sheen는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 Platoon에서 가장 잘 드러납니다.
Platoon를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 Platoon를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 Platoon가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Oliver Stone의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Charlie Sheen의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 Platoon는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. Platoon는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. Oliver Stone의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. Platoon를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
Nothing Left to Do But Cry
두 남자의 15세기로 시간여행
시청해야 하는 이유: Nothing Left to Do But Cry는 핵심을 중심으로 설계된 상황이 아니라 이 사람들이 누구인지에 대한 농담이 나오기 때문에 계속해서 다시 시청할 수 있는 코미디입니다.
1984에 개봉된 Nothing Left to Do But Cry는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Roberto Benigni는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.7 등급은 그 지속력의 증거입니다. Nothing Left to Do But Cry의 7.7 점수는 대안이 있었고 이를 높게 평가한 시청자를 바탕으로 만들어졌습니다. 그 선택은 자신의 주장을 명확하게 밝힌 영화를 반영합니다. 이것이 바로 Nothing Left to Do But Cry가 하는 일입니다. Roberto Benigni가 주장을 펼쳤고 청중은 이를 받아들였습니다. 영화는 관객의 코믹한 타이밍 감각을 신뢰합니다. 감독은 리듬을 설정한 다음 유머가 살아 있는 곳에 잠시 휴식을 취합니다. 공연은 절제가 강조보다 더 재미있다는 것을 이해합니다. 매 10년마다 그 당시에는 꼭 필요해 보이다가 사라지는 영화를 제작합니다. Nothing Left to Do But Cry는 더 작은 범주에 속합니다. 1980s영화는 그 시대에 대한 향수가 없는 시청자들에게 여전히 높은 평가를 받고 있습니다. 세대 간 품질이 실제 테스트입니다.
Nothing Left to Do But Cry의 성능은 Roberto Benigni가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Massimo Troisi는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Nothing Left to Do But Cry에서 가장 어려운 순간은 Massimo Troisi가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Nothing Left to Do But Cry는 솔로 및 그룹 시청 환경 모두에서 작동하는 보기 드문 영화 중 하나인데, 이는 대부분의 코미디에는 해당되지 않습니다. 설정보다는 캐릭터에서 유머를 이끌어내는 영화는 방에 누가 있든 상관없이 잘 재생되는 경향이 있습니다. 왜냐하면 웃음은 집단적 허가보다는 인정에서 나오기 때문입니다. Nothing Left to Do But Cry를 혼자 시청하면 단체 시청에서는 놓칠 수 있는 캐릭터 관찰의 조용한 순간을 포착할 수 있습니다. 영화를 아는 다른 사람과 함께 영화를 보는 것은 효과가 있다고 알고 있는 것을 공유하는 특별한 즐거움을 선사합니다. Nothing Left to Do But Cry의 런타임은 더 긴 영화를 볼 필요가 없는 진정한 품질의 무언가를 원하는 저녁 시간에 실용적인 선택이 됩니다. Roberto Benigni의 속도는 영화가 초과하지 않고 런타임을 얻는다는 것을 의미합니다.
Nothing Left to Do But Cry는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. Roberto Benigni는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 7.7 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 Roberto Benigni의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 Nothing Left to Do But Cry가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
The Color Purple
착한 천성의 셀리(우피 골드버그)는 열네 살 때 의붓 아버지의 아이를 둘이나 낳는다. 셀리의 유일한 낙은 두 살 아래 여동생 네티(아코슈 부시아)와 서로 의지하며 다정하게 살아가는 것이다. 그러던 중 미스터(대니 글로버)라는 남자가 네티에게 청혼을 한다. 그러나 의붓 아버지는 네티가 너무 어리다며 대신 셀리를 데려가라고 한다. 셀리는 미스터의 아내가 되나, 미스터의 전처가 낳은 아이들과 미스터의 난폭한 성격 때문에 비참한 삶을 살게 되는데...
시청해야 하는 이유: The Color Purple가 드라마로 작동하는 이유는 Steven Spielberg가 관객이 느낄 수 있는 감정을 설명하기를 거부하기 때문입니다. 감정 기록은 신호를 받는 것이 아니라 생성되는 것입니다.
The Color Purple는 1985에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. The Color Purple가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.7의 The Color Purple는 여러 차원에서 지속적으로 평균 이상의 작품을 보여주는 영화입니다. 단일 요소가 다른 요소를 전달하지 않습니다. 연출, 글쓰기, 퍼포먼스 모두 같은 방향으로 끌려가고 있다. 영화는 다른 장르에서는 할 수 없는 드라마가 무엇을 할 수 있는지 보여줍니다. 평범한 인간의 행동에 압력을 가하고 반응을 통해 성격을 드러내는 것입니다. 감독은 그러한 조건을 만들고 출연진은 진정한 확신을 가지고 그 조건에 적응합니다. The Color Purple에 대한 1980s 컨텍스트는 부수적인 것이 아닙니다. 기술이 허용하는 것, 문화가 요구하는 것 등 지난 10년의 구체적인 미적 조건이 Steven Spielberg의 선택을 결정했습니다. 그러한 선택은 그 순간과 별개로 유지됩니다.
The Color Purple의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Steven Spielberg는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. The Color Purple는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 The Color Purple가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
The Color Purple는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.7 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. The Color Purple를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Steven Spielberg 및 Danny Glover가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에서 The Color Purple의 위치는 모든 사람을 위한 모든 것을 열망하지 않고 특정 품질을 안정적으로 전달하는 영화를 반영합니다. Steven Spielberg는 영화가 무엇인지 이해하고 높은 수준의 제작으로 만들었습니다. 7.7 등급은 이러한 조건으로 영화에 참여했으며 높은 평가를 받을 가치가 있다고 생각하는 시청자를 나타냅니다. 서로 다른 기대를 품은 관객들은 평점보다 영화가 덜 만족스럽다고 느낄 때도 있는데, 이는 영화의 약점이 아니라 기대감에 있다. The Color Purple는 바로 그 기술로 만들어졌고, 그것을 평가한 유권자들은 그것에 반응하고 있었습니다.
The Breakfast Club
셔머 고등학교의 토요일 아침. 문제아들이 벌로 토요일에 등교하게 된다. 부모에게 늘 인정받지 못하고 무시당하자 불량배가 된 존(John Bender: 쥬드 넬슨 분), 승부에 집착하는 아버지(Andy's Father: 론 딘 분) 때문에 동료 선수를 괴롭힌 레슬링 선수 앤디(Andrew Clark: 에밀리오 에스테베즈 분), 성적 때문에 스트레스를 받다가 자살 기도까지 한 천재 브라이언(Brian Johnson: 안소니 마이클 홀 분), 부모의 주도권 다툼에 가정에서 만족을 얻지 못하고 사치와 낭비로 소일하는 부잣집 딸 클레어(Claire Standish: 몰리 링왈드 분), 부모의 주의를 끌기 위해 이상 성격을 나타내는 알리슨(Allison Reynolds: 앨리 쉬디 분) 등이 한 교실에 모인다. 담임인 버논 교사(Richard Vernon: 폴 글리슨 분)는 학생들에게 자기 자신에 대해 글짓기를 하라고 시킨다. 다섯명의 문제아들은 토요일 하루를 같은 교실에서 다투고 논쟁하고 화해하면서 꼭 닫았던 마음의 문을 열고 서로 좋은 친구가 된다. 고민거리는 서로 달랐지만 공통점은 가정의 불화와 부모의 기대에 대한 중압감이 원인이었음이 밝혀진다. 드디어 헤어질 시간. 이들은 '토요일의 아이들'이라는 제목으로 담임에게 편지를 남긴다. 교사가 편견을 갖고 한사람 한사람에게 문제아 딱지를 붙이는 것 그것이 바로 문제라는 것.
시청해야 하는 이유: John Hughes는 좋은 드라마가 요구하지만 거의 얻지 못하는 인내심을 가지고 The Breakfast Club에 접근합니다. 그 결과 일정을 잡는 것이 아니라 감정적인 순간을 얻는 영화가 탄생했습니다.
The Breakfast Club의 1985 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. The Breakfast Club를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. The Breakfast Club의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.7 범위의 영화는 목록에서 제시된 위치보다 더 흥미로운 경우가 많습니다. 그들은 높은 등급의 타이틀에 대한 문화적 포화를 달성하지 못했습니다. 이는 The Breakfast Club가 선입견 없이 접근하기 더 쉽다는 것을 의미합니다. The Breakfast Club는 그로부터 이익을 얻습니다. 이것이 드라마와 구별되는 점은 감독이 관객이 느낄 수 있는 것을 설명하기를 거부한다는 점이다. 영화는 감정적인 무게를 지닌 상황을 만들어내고 관객들이 그 무게를 스스로 짊어질 것이라고 믿습니다. 공연은 과도한 신호를 보내지 않고 감정적 기록을 제공합니다. 오늘날에도 여전히 7.7 등급을 받고 있는 1980s의 영화는 동시대 개봉 영화보다 더 오랜 테스트를 거쳐 살아남았습니다. The Breakfast Club는 그 핵심인 스토리텔링, 퍼포먼스, 공예가 시대를 불문하고 작동하기 때문에 이 테스트를 통과했습니다.
The Breakfast Club의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. John Hughes는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. The Breakfast Club의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Emilio Estevez는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
The Breakfast Club를 처음 시청하는 시청자는 John Hughes가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. The Breakfast Club의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Emilio Estevez는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1985 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 John Hughes가 의도한 것입니다.
이와 같은 목록에서 11~25위 범위에 위치한 영화는 문화적 비중 없이 상위 10위권의 품질을 전달하기 때문에 가장 유용한 발견인 경우가 많습니다. The Breakfast Club가 이 위치에 있는 것은 위의 항목보다 훨씬 나쁘기 때문이 아니라 매력이 더 집중되어 있기 때문입니다. The Breakfast Club에서 John Hughes의 활동을 접한 시청자들은 이 목록에 있는 어떤 영화보다도 높게 평가합니다. 더 넓은 유권자 기반의 평균이 여기에 위치합니다. 장르 선호도, 감독 관심도 또는 시대를 기준으로 이 영화가 자신에게 적합하다고 생각하는 구체적인 이유가 있는 시청자는 그보다 높은 순위의 여러 항목보다 우선순위를 두어야 합니다.
좋은 영화를 보면 세상을 보는 방식이 달라집니다. 그렇기 때문에 우리는 신중하게 선택합니다.
The Blues Brothers
시카고 부근의 한 천주교 고아원에서 자란 형제 제이크(존 벨루시 분)와 엘우드(댄 애크로이드 분)는 검은 양복, 검은 모자, 검은 안경이 트레이드마크인 괴짜들이다. 본업은 리듬앤블루스 밴드 리더였던듯 한데, 오늘은 저간의 곡절로 옥살이를 한 형제 제이크가 모범수로 가석방되는 날이다. 경찰서 폐기처분장비 공매장에서 헐값에 산 중고 경찰차를 몰고 마중 나온 동생 엘우드는 출감한 제이크를 태우고 어렸을때 생활하던 고아원으로 간다. 5천달러의 세금을 며칠 안에 납부하지 않으면 고아원이 교육청에 팔리게 된다는 말을 원장 수녀로부터 들은 블루스 형제는 밴드를 다시 조직하여 큰 공연을 함으로서 5천달러를 마련하겠다는 계획을 세운다. 제이크가 감옥에 들어갈때 각자 살 길을 찾아나서서 지금은 나름대로 자리를 잡고 사는 옛 밴드 멤버들을 우역곡절 끝에 재규합하는데 성공한 블루스 형제는, 오라는 곳 없는 불청객으로 길을 가다 어느 컨트리 앤웨스턴 주점에 들어가 무조건 노래를 부른다. 주점 주인이 연주료 200달러를 주며 밴드가 마신 맥주값 300달러를 청구하자 돈이 없는 블루스 형제는 잽싸게 차에 올라 도주하여 극장 예약업자 모리(스티븐 로렌스 분)를 찾아간다. 모리의 약점을 이용하여 5천석 규모의 대극장 공연을 따낸 블루스 형제는 옛 고아원 교사 커티스(캡 콜로웨이 분)와 고아원 아이들의 도움을 받아 하루만에 대규모 선전을 성공리에 마친다. 극장에 구름같이 모여든 청중들은 블루스브라더스 밴드의 노래에 열광한다. 레코드사 사장이 취입 제안을 하면서 선약금 만달러를 내놓기까지 한다.
시청해야 하는 이유: 단순히 홍보된 영화라기보다 정말 재미있는 영화입니다. The Blues Brothers의 유머는 설정이 아닌 캐릭터에서 나옵니다.
The Blues Brothers(1980)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, The Blues Brothers는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 7.7 등급은 일관된 수준에서 동시에 작동하는 감독, 각본 및 성능을 반영합니다. 이 범위의 점수를 받은 영화는 단일 차원에서 크게 실패하는 경우가 거의 없으며 The Blues Brothers도 예외는 아닙니다. 영화를 코미디로 만드는 이유는 감독이 유머가 어디에 있는지 알려주기를 거부하기 때문입니다. 농담은 성격과 상황에서 나오는데, 이는 웃어야 한다는 말을 기다리는 시청자보다 주의를 기울이는 시청자가 더 많은 것을 발견한다는 것을 의미합니다. 1980s 시네마 전체의 맥락에서 The Blues Brothers는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1980s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
The Blues Brothers의 시각적 언어는 1980의 영화 제작을 최대한 반영합니다. John Landis는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. The Blues Brothers의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 The Blues Brothers를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
The Blues Brothers의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 John Landis가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. The Blues Brothers는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 John Belushi의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 The Blues Brothers는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 John Belushi의 성능과 John Landis의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
The Princess Bride
바람이 몹시 부는 추운 겨울밤, 감기에 걸려 누워있는 어린 소년에게 한 할아버지가 '프린세스 브라이드'라는 책을 읽어주면서 이야기는 시작된다. 환상의 플로린 나라엔 아름다운 소녀 버터컵(Buttercup: 로빈 라이트 분)이 살고 있다. 소녀는 마음 속으론 '분부시라면'이란 대답으로 무슨 일이든 들어주는 촌뜨기 일꾼 소년 웨스틀리(Westley: 캐리 엘위스 분)를 사랑하지만 곧 이웃 나라의 왕자 훔퍼딩크(Prince Humperdinck: 크리스 새런든 분)와 결혼하기로 돼 있다. 그러나 결혼식 직전에 전쟁 도발의 음모에 휩쓸려 세 악당에게 사로잡히게 된다. 이때 검은 복면의 남자가 나타나 세 악당과 차례로 결투해 버터컵을 구출한다. 그는 웨스틀리였다. 버터컵은 웨스틀리의 생명을 위해 어쩔 수 없이 왕자에게 돌아간다. 하지만 왕자는 약속을 어기고 웨스틀리를 죽이려하는데 웨스틀리와의 결투에 진 악당 이니고와 페직이 그를 위한 구출작전이 펼친다.
시청해야 하는 이유: The Princess Bride는 핵심을 중심으로 설계된 상황이 아니라 이 사람들이 누구인지에 대한 농담이 나오기 때문에 계속해서 다시 시청할 수 있는 코미디입니다.
1987에 개봉된 The Princess Bride는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. Rob Reiner는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.7 등급은 그 지속력의 증거입니다. The Princess Bride의 7.7 점수는 큰 약점 없이 전제를 전달하는 영화 중 하나입니다. Rob Reiner는 전체적으로 의도한 대로 작동하는 것을 만들었지만, 생각보다 흔하지 않습니다. 영화는 관객의 코믹한 타이밍 감각을 신뢰합니다. 감독은 리듬을 설정한 다음 유머가 살아 있는 곳에 잠시 휴식을 취합니다. 공연은 절제가 강조보다 더 재미있다는 것을 이해합니다. 1980s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. The Princess Bride는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
The Princess Bride의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Rob Reiner는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. Cary Elwes는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 The Princess Bride에서 가장 잘 드러납니다.
The Princess Bride는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.7 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. The Princess Bride를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. Rob Reiner 및 Cary Elwes가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 The Princess Bride를 배치하는 7.7 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. The Princess Bride에 높은 점수를 주기로 한 결정은 Rob Reiner가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. The Princess Bride는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
The Terminator
1997년, 인간이 만든 인공지능 컴퓨터 전략 방어 네트워크가 스스로의 지능을 갖추고는 인류를 핵전쟁의 참화을 일으켜 30억이라는 인류를 잿더미 속에 묻어버린다. 그리고 남은 인간들은 기계의 지배를 받아 시체를 처리하는 일 등에 동원된다. 이때 비상한 지휘력과 작전으로 인간들을 이끌던 사령관 존 코너는 반기계 연합을 구성, 기계와의 전쟁을 시작하면서 상황은 반전된다. 이에 기계는 존 코너의 탄생 자체를 막기 위해 2029년의 어느 날 타임머신에 터미네이터를 태워서 1984년의 L.A로 보내게 된다.
시청해야 하는 이유: 최고의 스릴러 기술은 명백한 일이 일어나기 전에 청중이 두려움을 느낀다는 것을 의미합니다. James Cameron는 정보 및 타이밍 제어를 통해 The Terminator에서 이를 달성합니다.
The Terminator는 1984에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. The Terminator가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.7에서 The Terminator는 품질이 일관된 범위에 있지만 영화는 더 높은 등급 타이틀에 대한 광범위한 합의를 달성하지 못했습니다. 이러한 좁은 합의는 특정 매력을 반영하는 경우가 많습니다. The Terminator는 모든 사람을 위한 것은 아니지만 올바른 시청자에게는 탁월합니다. 이것은 긴장이 육체적이기보다는 심리적인 스릴러의 범주에 속합니다. 감독은 관객이 명백한 위험을 보여주지 않고도 압박감을 느낄 것이라고 믿는다. 결과는 기존 스릴러 메커니즘보다 더 불안합니다. 1980s는 특정한 관심과 특정한 미적 접근 방식을 지닌 특정한 문화적 순간이었습니다. The Terminator는 이러한 조건을 초월하면서 반영합니다. 감상하기 위해 1980s를 이해할 필요가 없는 1980s영화입니다.
The Terminator의 성능은 James Cameron가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Arnold Schwarzenegger는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. The Terminator에서 가장 어려운 순간은 Arnold Schwarzenegger가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
The Terminator를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 The Terminator를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 The Terminator가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. James Cameron의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Arnold Schwarzenegger의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 The Terminator는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. The Terminator는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. James Cameron의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. The Terminator를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
Mississippi Burning
1964년 민권운동원 세 명이 사라지는 사건이 발생한다. FBI 앨런 워드와 보완관 출신인 루퍼트 앤더슨이 사건 수사를 맡는다. 실종된 세 명은 이미 KKK단에 의해 살해당한 뒤이다. 앨런과 루퍼트 KKK단에 대한 심증은 있지만 결정적인 증거를 찾지 못한다. 앨런이 원칙에 매이는데 비해 루퍼트는 능청스럽게 행동하면서 증거를 수집한다. 결국 KKK단원들 사이에 분열을 일으켜 범인을 체포하는데...
시청해야 하는 이유: Alan Parker는 좋은 드라마가 요구하지만 거의 얻지 못하는 인내심을 가지고 Mississippi Burning에 접근합니다. 그 결과 일정을 잡는 것이 아니라 감정적인 순간을 얻는 영화가 탄생했습니다.
Mississippi Burning의 1988 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Mississippi Burning를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Mississippi Burning의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.7의 Mississippi Burning는 이 목록의 신뢰할 수 있는 계층을 나타냅니다. 실망시키지 않는 영화들입니다. Alan Parker는 영화에 필요한 것이 무엇인지 이해하고 타협 없이 실행했습니다. 이것이 드라마와 구별되는 점은 감독이 관객이 느낄 수 있는 것을 설명하기를 거부한다는 점이다. 영화는 감정적인 무게를 지닌 상황을 만들어내고 관객들이 그 무게를 스스로 짊어질 것이라고 믿습니다. 공연은 과도한 신호를 보내지 않고 감정적 기록을 제공합니다. 1980s의 영화 순위를 매기는 것은 부분적으로 살아남은 영화를 식별하는 연습입니다. Mississippi Burning가 살아남은 이유는 Alan Parker가 트렌드가 아닌 기술을 기반으로 선택했기 때문입니다. 7.7 등급은 이러한 선택이 여전히 유효하다고 생각하는 시청자를 반영합니다.
Mississippi Burning의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Alan Parker는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. Mississippi Burning는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 Mississippi Burning가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
Mississippi Burning는 단순히 시간을 채우는 것보다 진정한 내용을 담고 싶은 저녁 시간에 적합합니다. 그것은 배경 영화도 아니고 수동적인 경험도 아닙니다. Alan Parker는 여러분의 관심을 끌고 일반적이 아닌 구체적으로 보상하는 무언가를 구성했습니다. 다른 일을 하면서 Mississippi Burning를 시청하는 시청자는 영화에 완전히 집중한 사람이 볼 수 있는 버전보다 훨씬 적은 버전의 영화를 보게 됩니다. 7.7 등급은 집중 시청 경험을 반영합니다. 출연진(구체적으로 Gene Hackman)은 집중해서 볼 때 기록되고 주의가 산만해지면 사라지는 공연 세부 정보를 제공합니다.
Mississippi Burning는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. Alan Parker는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 7.7 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 Alan Parker의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 Mississippi Burning가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
Brazil
연도를 알 수 없는 미래. 정보화로 인해 모든 것이 획일화된 사회에서 샘 로우리는 지극히 평범하고 심심한 삶을 살고 있다. 정보국에서 서기로 일하고 있는 말단 관리인 샘은 꿈속에서 중세의 기사가 되어 하늘을 날며, 아름다운 여인을 구해내곤 한다. 어느 날 정보국 직원의 실수로 터틀이란 테러범을 잡는다는 것이 버틀이란 무고한 시민의 생명을 빼앗는 일이 되어 버리고, 샘은 그의 가족들에게 보상금을 지급하는 임무를 맡게 된다. 그 곳에서 그는 꿈 속의 여인인 질을 만나게 된다. 꿈속에서와 달리 그녀는 거친 트럭 운전수이자 반정부주의자였는데...
시청해야 하는 이유: 단순히 홍보된 영화라기보다 정말 재미있는 영화입니다. Brazil의 유머는 설정이 아닌 캐릭터에서 나옵니다.
Brazil(1985)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Brazil는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 대규모 유권자 풀의 7.7 등급은 영화가 시청자가 발견한 모든 약점보다 더 큰 장점을 가지고 있음을 의미합니다. Brazil는 모든 영화가 충족해야 하는 최소 표준이자 개봉 횟수보다 적은 수의 달성이라는 핵심 약속을 이행합니다. 영화를 코미디로 만드는 이유는 감독이 유머가 어디에 있는지 알려주기를 거부하기 때문입니다. 농담은 성격과 상황에서 나오는데, 이는 웃어야 한다는 말을 기다리는 시청자보다 주의를 기울이는 시청자가 더 많은 것을 발견한다는 것을 의미합니다. Brazil는 1980s영화에서 그 자리를 차지합니다. 그 이유는 지난 10년 동안 제작되었지만 이후 수십 년 동안 잃어버린 것을 포착하기 때문입니다. 1980s영화 제작의 문화적, 기술적 조건이 Terry Gilliam가 여기서 무엇을 만들 수 있는지를 결정했습니다.
Brazil의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. Terry Gilliam는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. Brazil의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Jonathan Pryce는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
Brazil는 다른 곳에서 가져온 기대에 부응하기보다는 영화 그 자체로 만나고 싶은 시청자에게 믿을 수 있는 추천작입니다. 이 카테고리에서 더 높은 등급의 타이틀이 문화적 편재성을 갖고 있지 않습니다. 즉, 의무적으로 시청해야 하는 부담 없이 도착한다는 의미입니다. Brazil를 보아야 한다는 말을 듣지 않고 발견한 청중은 그것을 의무적으로 접근하는 사람들보다 더 강력하게 반응하는 경우가 많습니다. Terry Gilliam는 특별한 매력을 지닌 무언가를 만들었습니다. 모든 사람에게 모든 것이 되려고 노력하는 것은 아닙니다. Brazil에 연결하는 시청자는 7.7 등급이 제시하는 것보다 훨씬 더 좋다고 생각하는 경향이 있으며, 이는 제한된 마케팅 가시성에도 불구하고 해당 등급을 유지하는 이유입니다.
목록의 이 섹션에서 Brazil의 위치는 모든 사람을 위한 모든 것을 열망하지 않고 특정 품질을 안정적으로 전달하는 영화를 반영합니다. Terry Gilliam는 영화가 무엇인지 이해하고 높은 수준의 제작으로 만들었습니다. 7.7 등급은 이러한 조건으로 영화에 참여했으며 높은 평가를 받을 가치가 있다고 생각하는 시청자를 나타냅니다. 서로 다른 기대를 품은 관객들은 평점보다 영화가 덜 만족스럽다고 느낄 때도 있는데, 이는 영화의 약점이 아니라 기대감에 있다. Brazil는 바로 그 기술로 만들어졌고, 그것을 평가한 유권자들은 그것에 반응하고 있었습니다.
Blue Velvet
미국 작은 도시에 사는 순수한 남학생 제프리는 산책 중 잘린 귀 한쪽을 발견하고 윌리엄 형사에게 사건을 신고한다. <블루 벨벳>을 노래하는 매력적인 여가수 도로시가 사건의 용의자로 의심받자 제프리는 묘한 끌림과 호기심으로 그녀의 아파트에 몰래 숨어들어가지만 곧 들키고 만다. 그때, 갑자기 정체불명의 남자 프랭크가 들이닥쳐 옷장에 숨게 되고 이내 그곳에서 충격적인 장면을 엿보게 되는데...
시청해야 하는 이유: Blue Velvet는 정직하게 긴장감을 얻습니다. 압박감은 인위적인 놀라움보다는 상황과 성격에서 비롯됩니다. David Lynch는 청중이 이해관계를 느낄 것이라고 믿습니다.
1986에 개봉된 Blue Velvet는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. David Lynch는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.6 등급은 그 지속력의 증거입니다. Blue Velvet의 7.6 점수는 대안이 있었고 이를 높게 평가한 시청자를 바탕으로 만들어졌습니다. 그 선택은 자신의 주장을 명확하게 밝힌 영화를 반영합니다. 이것이 바로 Blue Velvet가 하는 일입니다. David Lynch가 주장을 펼쳤고 청중은 이를 받아들였습니다. 영화를 스릴러로 만드는 것은 스테이크에는 투자가 필요하다는 이해입니다. 첫 번째 막은 압력이 가해지기 전에 성격을 형성합니다. 긴장이 고조될 때쯤에는 결과에 신경을 써야 할 이유가 생깁니다. 매 10년마다 그 당시에는 꼭 필요해 보이다가 사라지는 영화를 제작합니다. Blue Velvet는 더 작은 범주에 속합니다. 1980s영화는 그 시대에 대한 향수가 없는 시청자들에게 여전히 높은 평가를 받고 있습니다. 세대 간 품질이 실제 테스트입니다.
Blue Velvet의 시각적 언어는 1986의 영화 제작을 최대한 반영합니다. David Lynch는 현대 프로덕션이 후반 작업에 부담을 주는 정서적 무게를 전달하기 위해 구성과 조명이 필요한 기술적 제약 내에서 작업했습니다. Blue Velvet의 모든 프레임은 조정된 것이 아니라 설계되었습니다. 그 결과, 무한한 후반 작업 옵션을 갖춘 현대 영화에서는 거의 달성할 수 없는 시각적 일관성이 탄생했습니다. 샷이 어떻게 구성되는지 주의 깊게 Blue Velvet를 보면 카메라가 단지 무언가를 기록하는 것이 아니라 그것을 보는 방법에 대해 논쟁을 벌이고 있다는 것을 이해한 영화 제작자가 드러납니다.
Blue Velvet를 처음 시청하는 시청자는 David Lynch가 장면 간 전환을 처리하는 방법에 특히 주의해야 합니다. Blue Velvet의 컷은 관습적이지 않습니다. 플롯 비트보다는 캐릭터 순간에 착륙하는 경향이 있습니다. 이는 편집 리듬과 영화의 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 장면이 예상보다 일찍 또는 늦게 끝나는 것처럼 보이면 그 타이밍은 선택 사항이며 일반적으로 그 순간의 캐릭터 상태에 대한 구체적인 정보를 알려줍니다. Isabella Rossellini는 주요 이벤트 직후 장면에서 가장 눈에 띄는 물리적 성능, 즉 반응 장면과 캐릭터가 앞으로 나아가기보다는 통합되는 조용한 순간을 통해 이러한 리듬 내에서 작동합니다. 1986 제작 맥락은 현대 영화를 후반 작업에서 조정할 수 있는 디지털 안전망 없이 이러한 선택이 이루어졌다는 것을 의미합니다. 당신이 보는 것은 David Lynch가 의도한 것입니다.
이와 같은 목록에서 11~25위 범위에 위치한 영화는 문화적 비중 없이 상위 10위권의 품질을 전달하기 때문에 가장 유용한 발견인 경우가 많습니다. Blue Velvet가 이 위치에 있는 것은 위의 항목보다 훨씬 나쁘기 때문이 아니라 매력이 더 집중되어 있기 때문입니다. Blue Velvet에서 David Lynch의 활동을 접한 시청자들은 이 목록에 있는 어떤 영화보다도 높게 평가합니다. 더 넓은 유권자 기반의 평균이 여기에 위치합니다. 장르 선호도, 감독 관심도 또는 시대를 기준으로 이 영화가 자신에게 적합하다고 생각하는 구체적인 이유가 있는 시청자는 그보다 높은 순위의 여러 항목보다 우선순위를 두어야 합니다.
The Last Emperor
1950년, 44세의 푸이는 소련군의 감시 아래 중국인 800명과 함께 조국으로 돌아가는 동안 자기 비판의 생애를 기록하며 황제였던 과거를 회상한다. 1906년 자식이 없는 광서제의 뒤를 이어 황제가 된 4살의 푸이는 즉위 3년째에 발발한 신해 혁명으로 궁중 생활의 마지막을 맞는다. 자금성에서 연금 생활을 하며 결혼을 하고 시대 상황을 깨달은 푸이는 영국인 가정교사의 영향으로 유학의 꿈을 가진다. 그러나 1924년의 군사 쿠데타로 일본으로 도피한 푸이는 유학의 꿈을 상실한 채 일본 특무기간원의 감언에 넘어가 만주국의 집정이 되고 2년 후에는 황제로 등극하게 되는데...
시청해야 하는 이유: The Last Emperor가 드라마로 작동하는 이유는 Bernardo Bertolucci가 관객이 느낄 수 있는 감정을 설명하기를 거부하기 때문입니다. 감정 기록은 신호를 받는 것이 아니라 생성되는 것입니다.
The Last Emperor는 1987에서 시작되었습니다. 즉, 여러 세대의 시청자가 테스트를 거쳤음을 의미합니다. The Last Emperor가 여전히 높은 순위를 차지하고 있다는 사실은 향수보다는 진정한 공예를 반영합니다. 7.6의 The Last Emperor는 여러 차원에서 지속적으로 평균 이상의 작품을 보여주는 영화입니다. 단일 요소가 다른 요소를 전달하지 않습니다. 연출, 글쓰기, 퍼포먼스 모두 같은 방향으로 끌려가고 있다. 영화는 다른 장르에서는 할 수 없는 드라마가 무엇을 할 수 있는지 보여줍니다. 평범한 인간의 행동에 압력을 가하고 반응을 통해 성격을 드러내는 것입니다. 감독은 그러한 조건을 만들고 출연진은 진정한 확신을 가지고 그 조건에 적응합니다. The Last Emperor에 대한 1980s 컨텍스트는 부수적인 것이 아닙니다. 기술이 허용하는 것, 문화가 요구하는 것 등 지난 10년의 구체적인 미적 조건이 Bernardo Bertolucci의 선택을 결정했습니다. 그러한 선택은 그 순간과 별개로 유지됩니다.
The Last Emperor의 각본은 대부분의 영화가 달성하지 못하는 것을 보여줍니다. 모든 장면은 동시에 두 가지 작업을 수행합니다. 표면 동작은 플롯을 발전시킵니다. 하위 텍스트가 문자를 향상시킵니다. Bernardo Bertolucci는 청중이 말한 내용만큼 명확하게 말하지 않은 내용을 등록할 수 있다고 신뢰하는 자료를 사용했습니다. John Lone는 영화의 그 시점에서 당신이 알고 있는 내용에 따라 다른 의미를 갖는 대사를 전달합니다. 처음 관객들은 한 편의 영화를 경험하게 된다. 결말을 아는 시청자들은 또 다른 경험을 하게 된다. 이러한 구조적 정교함은 캐릭터가 일관되게 직접적으로 말하는 것을 피하는 것에 주의를 기울일 때 The Last Emperor에서 가장 잘 드러납니다.
The Last Emperor의 영향을 받은 영화를 본 시청자들은 원작을 보는 것이 현대 영화를 보는 것과 다른 경험을 하게 될 것입니다. 광범위하게 복사되었기 때문에 친숙하게 느껴지는 기술은 원본 형식으로 여기에서 볼 수 있으며, 이는 복사본이 이면의 추론을 이해하지 못한 채 Bernardo Bertolucci가 수행한 작업의 표면만 이해했음을 종종 드러냅니다. The Last Emperor는 특정 스토리텔링 목표를 위해 스타일 선택을 사용합니다. 이후 영화에서는 이러한 선택지를 차용하여 기능 없이 스타일로 사용하는 경우가 많았습니다. 원본을 보면 실제로 달성된 내용이 명확해집니다. 여기에서 John Lone의 작업은 또한 그것에서 영감을 받은 많은 공연에는 부족하다는 특이성을 가지고 있습니다. 즉, 모방은 방식을 의미하게 만드는 내면성 없이 방식을 포착했습니다.
목록에서 이 위치에 있는 The Last Emperor는 문화적 기념물이 되지 않고도 진정한 품질과 지속적인 감상을 달성한 영화를 나타냅니다. 그 입장의 장점은 John Lone의 성능과 Bernardo Bertolucci의 공예를 광범위한 사전 논의의 필터를 통하지 않고 새롭게 접할 수 있다는 것입니다. 위의 편집 노트에서 설명하는 이 영화를 볼만한 가치가 있게 만드는 구체적인 사항은 평판을 확인할 것으로 기대하지 않을 때 더 쉽게 확인할 수 있습니다. 이 목록의 중간 부분에 있는 등급은 강등이 아닙니다. 특정 관객에게 탁월한 영화에 대한 설명입니다.
Ferris Bueller's Day Off
페리스(Ferris Bueller: 매튜 브로데릭 분)는 장난이 심한 고교 3년생 악동이다. 어느 날 아프다는 핑계를 대고 학교를 빠진 후 가장 친한 친구인 카머론(Cameron Frye: 알란 룩 분)과 예쁜 여자 친구 슬로안(Sloane Peterson: 미아 사라 분)에게도 핑계를 대고 거짓 조퇴를 만들어준다. 이를 수상하게 여긴 학생 주임 루니(Dean Edward 'Ed' R. Rooney: 제프리 존스 분)는 페리스의 장난을 짐작하고 이들을 찾아 거리로 나선다. 페리스, 카머론, 슬로안은 저녁 해질 때까지 온갖 장난을 치며 돌아다니다가 문득 서로의 문제점에 대해 의논하기로 한다. 카머론은 아버지에 대한 두려움이 지나치다고 실토하고 페리스와 슬로안도 각자의 고민을 털어놓는다. 그러는 사이 학생주임 루니는 페리스의 집으로 찾아가 그가 집에 없음을 확인해 보이려다 온갖 봉변을 당한다. 페리스는 저녁에 귀가하다 루니와 부딪치는 위기에 처하지만 여동생 지니(Jean 'Jeanie' Bueller: 제니퍼 그레이 분)가 재치를 발휘해 가까스로 모면한다. 페리스는 침대에 눕고, 아무일 없는 양 일터에서 돌아오는 부모를 맞이한다. 이렇게 페리스의 하루는 막을 내린다.
시청해야 하는 이유: 코미디는 유지하기 가장 어려운 장르입니다. John Hughes는 Ferris Bueller's Day Off를 수월해 보이게 만듭니다. 이는 대부분의 청중이 의식적으로 등록하지 않는 상당한 기술의 표시입니다.
Ferris Bueller's Day Off의 1986 릴리스는 스트리밍 시대보다 훨씬 이전 버전입니다. Ferris Bueller's Day Off를 평가한 모든 시청자는 연극 상영, 실제 미디어 또는 추천 등 의도적인 노력을 통해 이를 발견했습니다. Ferris Bueller's Day Off의 해당 청중은 참여를 위해 스스로 선택합니다. 7.6 범위의 영화는 목록에서 제시된 위치보다 더 흥미로운 경우가 많습니다. 그들은 높은 등급의 타이틀에 대한 문화적 포화를 달성하지 못했습니다. 이는 Ferris Bueller's Day Off가 선입견 없이 접근하기 더 쉽다는 것을 의미합니다. Ferris Bueller's Day Off는 그로부터 이익을 얻습니다. 코미디로서의 영화의 일관성은 일관성에서 나온다. 감독은 세계의 규칙과 그 안에서 인물들의 행동을 설정하고, 인물들이 상황을 헤쳐나가는 방식에서 유머가 나온다. 오늘날에도 여전히 7.6 등급을 받고 있는 1980s의 영화는 동시대 개봉 영화보다 더 오랜 테스트를 거쳐 살아남았습니다. Ferris Bueller's Day Off는 그 핵심인 스토리텔링, 퍼포먼스, 공예가 시대를 불문하고 작동하기 때문에 이 테스트를 통과했습니다.
Ferris Bueller's Day Off의 성능은 John Hughes가 생산 전반에 걸쳐 설정하고 유지 관리하는 특정 레지스터로 보정됩니다. Matthew Broderick는 자료에 강조보다는 과소평가가 필요하다는 점을 이해했습니다. Ferris Bueller's Day Off에서 가장 어려운 순간은 Matthew Broderick가 덜 숙련된 배우보다 덜 수행하는 순간입니다. 앙상블은 단순한 재능보다는 광범위한 준비를 암시하는 리듬과 함께 작동합니다. 여러 출연진이 등장하는 장면은 앙상블의 진실성을 희생하면서 개인의 연기가 우선시되는 영화에서는 보기 드문 협업의 역동성을 드러낸다.
Ferris Bueller's Day Off는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.6 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Ferris Bueller's Day Off를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. John Hughes 및 Matthew Broderick가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
목록의 이 섹션에 Ferris Bueller's Day Off를 배치하는 7.6 등급은 그 위의 모든 항목에 액세스할 수 있는 시청자로부터 얻은 것입니다. 그들은 그 제목을 보거나 알고 나서 이 영화를 평가했습니다. Ferris Bueller's Day Off에 높은 점수를 주기로 한 결정은 John Hughes가 여기서 달성한 성과에 대한 진정한 감사를 반영합니다. 이는 상위 10개 항목보다 열등하기보다는 다른 것입니다. 이와 같은 목록의 품질 범위는 제안된 위치 범위보다 좁습니다. 위치 8과 위치 18의 차이는 부분적으로 호소력이 얼마나 구체적인지에 대한 차이입니다. Ferris Bueller's Day Off는 전반적으로 우수하기보다는 특히 우수합니다. 올바른 시청자에게는 그 특이성이 자산입니다.
Gandhi
영국에 유학해 변호사 자격을 딴 간디(벤 킹슬리)는 1893년 남아프리카에 가 소송사건을 맡는다. 간디는 그 곳에서 유색인종에 대한 차별대우를 받게 된다. 이를 계기로 그는 남아프리카의 인도 거류민을 돕기 위한 다양한 활동을 시작한다. 이후 1915년, 간디는 인도로 돌아와 인도독립을 위한 노력을 하게 된다. 그는 비폭력운동을 주도하면서 수차례 투옥되기도 한다. 인도는 마침내 1947년 8월 영국으로부터 독립을 이룬다. 그러나 힌두교와 이슬람교의 종교적 대립으로 인해 인도와 파키스탄으로 나뉘어 독립을 하게 된다. 이후에도 종교분쟁을 해결하기 위해 노력했던 간디는 1948년 1월 과격파 힌두교도가 쏜 총탄에 암살당한다.
시청해야 하는 이유: 크레딧을 받고 나서도 여운이 남는 그런 드라마. Richard Attenborough는 표준 요금보다 높은 수준의 소재에 인내심을 제공합니다.
Gandhi(1982)는 인터넷이 등장하기 전에 모든 영화를 어디서나 즉시 볼 수 있게 되었습니다. 청중에게 다가가려면 진정한 입소문이 필요했고, Gandhi는 그것이 실제적인 내용을 전달했기 때문에 그 입소문을 구축했습니다. 7.6 등급은 일관된 수준에서 동시에 작동하는 감독, 각본 및 성능을 반영합니다. 이 범위의 점수를 받은 영화는 단일 차원에서 크게 실패하는 경우가 거의 없으며 Gandhi도 예외는 아닙니다. 감독은 대부분의 현대극이 감당할 수 없는 인내심을 갖고 작업한다. 장면은 명백한 끝점을 지나 실행될 수 있으며 캐릭터가 말하려는 내용을 말한 후 수행하는 작업에서 진실을 찾습니다. 출연진은 이 리듬을 이해한다. 1980s 시네마 전체의 맥락에서 Gandhi는 이전과 이후 수십 년 동안 기여하지 않았지만 10년이 기여한 것을 나타냅니다. 1980s영화 제작의 특정 조건(예산, 기술, 문화적 맥락)은 그 순간에만 나올 수 있는 무언가를 여기서 만들어냈습니다.
Gandhi의 구조는 속도가 관례보다는 의미를 제공하도록 구축되었습니다. Richard Attenborough는 약간 예상치 못한 순간에 컷을 만들어 관객이 수동적인 시청이 아닌 몰입된 주의를 기울이는 상태를 유지합니다. 분명한 비트를 자르는 영화는 예측 가능해집니다. Gandhi는 캐릭터의 순간을 컷팅하는데, 이는 편집 리듬과 감정적 리듬이 동일하다는 것을 의미합니다. 그 결과 구조 자체가 캐릭터의 내부 상태에 대해 전달하는 영화가 탄생했습니다. 기존 편집 방식에 무감각해진 시청자는 Gandhi가 생산적인 방식으로 방향 감각을 잃음을 발견합니다.
Gandhi를 처음 시청하는 시청자는 사전 지식을 최대한 적게 갖고 들어가야 합니다. 영화는 매우 광범위하게 논의되고 참조되었기 때문에 영화 자체보다는 다른 사람들의 반응에 의해 형성된 기대에 쉽게 도달할 수 있습니다. 무슨 일이 일어날지 정확히 알지 못한 채 처음으로 Gandhi를 시청하는 실제 경험은 알려진 수량으로 시청하는 것과 크게 다릅니다. 아직 본 적이 없다면 보존할 가치가 있는 이점입니다. 재방문 시청자는 다시 시청할 때 Gandhi가 변경된다는 사실을 발견합니다. 이는 영화가 변경되었기 때문이 아니라, 결과를 알면 눈에 띄는 세부 사항과 초기 장면이 실제로 수행하는 작업이 바뀌기 때문입니다. Richard Attenborough의 첫 번째 막 구성은 끝나는 위치를 알고 나면 다르게 보입니다. 초기 장면에서 Ben Kingsley의 성능은 두 번째 시청에서만 읽을 수 있는 정보를 전달합니다.
이 목록에서 11~25위 범위에 위치한 Gandhi는 품질이 일관된 영역을 차지하지만 영화는 상위 10위권의 문화적 포화도를 달성하지 못했습니다. 이러한 위치는 신규 시청자에게 이점이 있습니다. Gandhi는 더 높은 순위의 타이틀에 부여되는 필수 시청 압력 없이 도착합니다. 영화는 타인의 반응의 무게에 맞서기보다는 그 자체로 만날 수 있다. Richard Attenborough의 작품은 상위 10개 출품작에 맞설 만큼 강력하며, 해당 타이틀이 제공하지 못하는 것을 제공할 만큼 다릅니다. Gandhi를 더 높은 수준이 아닌 여기에 배치하는 특정 특성은 이미 널리 권장되는 타이틀을 본 시청자에게 가장 흥미로운 특성인 경우가 많습니다.
Predator
더치와 특수부대 동료들은 CIA와 계약을 맺어 중앙 아메리카 정글에서 게릴라들에게 붙잡힌 조종사를 구하러 간다. 임무는 순조롭게 진행되었으나 그들은 귀환 도중 무언가로 부터 공격을 받는다. 보이지 않는 적은 정글 속에 숨어서 그들의 사체를 전리품으로 수집해간다. 이 외계 괴물은 더치의 동료들을 하나씩 죽이면서 유희를 벌이는데...
시청해야 하는 이유: Predator는 액션 영화의 핵심 문제를 해결합니다. 즉, 액션을 보여주기 전에 관심을 갖게 만드는 것입니다. 시퀀스는 이전 장면이 중요한 이유를 확립했기 때문에 시작됩니다.
1987에 개봉된 Predator는 극장에서 영화의 생존 여부가 결정되던 시대에 제작되었습니다. John McTiernan는 살아남은 무언가를 만들었고, 현재 보유하고 있는 7.6 등급은 그 지속력의 증거입니다. Predator의 7.6 점수는 큰 약점 없이 전제를 전달하는 영화 중 하나입니다. John McTiernan는 전체적으로 의도한 대로 작동하는 것을 만들었지만, 생각보다 흔하지 않습니다. 공간적 논리가 무너지고 시퀀스가 추상적인 광경이 되면 액션 영화는 실패합니다. 이 영화는 그런 실패를 피한다. 감독의 스토리보드는 단지 임팩트만이 아닌 이해력을 위한 것입니다. 청중은 항상 매 순간의 이해관계를 이해합니다. 1980s는 많은 영화를 제작했습니다. 수십 년이 지난 후에도 이와 같은 목록에 남아 있는 사람들은 단지 그 순간보다는 사람에 대한 진실을 이해한 사람들입니다. Predator는 지속적인 것을 이해했기 때문에 여기에 있습니다.
Predator의 음향 환경은 시각적 환경과 마찬가지로 의도적으로 구성되었습니다. John McTiernan는 사운드 디자인과 악보가 의식적인 주의 아래에서 작동하여 청중이 무슨 일이 일어나고 있는지 분석하기 전에 감정적 반응을 형성한다는 것을 이해합니다. Predator의 더 조용한 시퀀스는 주변 소리를 사용하여 부재가 아닌 존재감을 생성합니다. 점수가 매겨진 시퀀스는 청중이 느껴야 하는 것을 전달하기보다는 캐릭터에 반응하는 음악을 사용합니다. Arnold Schwarzenegger는 장면이 시각적으로나 청각적으로 어떻게 경험되는지를 설명하는 물리적 성능을 통해 이러한 음향 환경에서 작동합니다. 이 조합은 단순히 청중에게만 작용하는 것이 아니라 청중에게 작용하는 무언가를 만들어냅니다.
Predator는 일반적으로 이 시대나 장르의 영화를 찾지 않는 시청자에게 적합합니다. 7.6 등급을 획득한 자질은 장르별이나 시대별이 아닙니다. 이는 모든 영화를 훌륭하게 만드는 자질입니다. 즉, 명확한 스토리텔링, 설득력 있는 성능, 자체를 보여주기보다는 자료를 제공하는 방향입니다. Predator를 문화적 유물이 아닌 영화로 접근하는 시청자들의 반응이 가장 강한 편이다. 발매 이후 축적된 문화적 무게는 접근보다는 거리를 만들어 낼 수 있다. 가장 유용한 프레임은 간단합니다. 이 영화는 특정 상황에 처한 특정 사람들에 대해 잘 만들어진 영화입니다. 다른 모든 것은 그것을 주의 깊게 관찰하는 것에서 비롯됩니다. John McTiernan 및 Arnold Schwarzenegger가 작업을 수행합니다. 시청자의 임무는 그것을 위해 참석하는 것입니다.
Predator는 그 매력이 보편적이기보다는 구체적이기 때문에 이 목록의 중간 부분에 위치합니다. 그리고 정직하게 평가하면 구체적인 매력은 영화가 올바른 시청자에게 탁월한 경우에도 폭넓은 매력보다 낮은 평균 등급을 생성합니다. John McTiernan는 일부 시청자는 매력적이라고 생각하고 다른 시청자는 까다롭다고 생각하는 선택을 했습니다. 7.6 등급은 두 그룹을 모두 포함하는 유권자 기반의 엇갈리지만 궁극적으로 긍정적인 반응을 반영합니다. 이 자료에 대한 John McTiernan의 접근 방식을 선호하는 시청자는 일반적으로 Predator가 목록에서 가장 강력한 항목 중 하나라고 생각합니다. 단독으로 평가하기보다는 맥락에 따라 평가하는 것은 숫자만으로 제시되는 것과는 다른 인상을 줍니다.
1980s 영화의 순위를 매긴 방법
이 페이지의 모든 영화는 영화 데이터베이스 API의 데이터를 사용하여 선택되었으며 품질 일관성을 보장하기 위해 최소 투표 기준으로 필터링되었습니다. 이 프로세스는 이 카테고리의 모든 영화로 시작하여 투표 평균을 기준으로 내림차순으로 정렬된 다음 필터링하여 필요한 투표 수보다 적은 영화를 제외합니다.
더 큰 목록에서 각 항목의 정확성을 수동으로 확인했습니다. 높은 평점이 자동으로 시청 가능성으로 해석되는 것은 아닙니다. 최근 뉴스 때문에 인기 급상승 중인 영화는 정말 좋기 때문에 인기 급상승 중인 영화와는 다릅니다. 각 항목에 대한 편집 분석은 문화적 소음보다는 실제 영화 품질을 반영합니다.
선택은 접근성과 깊이 사이의 균형을 유지합니다. 여기에 있는 영화는 현대 개봉작부터 재발견할 가치가 있는 카탈로그 타이틀까지 다양합니다. 모두 기술과 의도로 만들어졌습니다. 모든 보상보기.
장르별 최고의 1980s 영화
이 페이지의 50 영화는 다양한 장르와 하위 장르에 걸쳐 있습니다. 장르는 필터로는 유용하지만 최종 카테고리로는 유용하지 않습니다. 드라마 태그가 붙은 영화는 스릴러 태그가 붙은 영화만큼 긴장감을 느낄 수 있습니다. 액션 태그가 붙은 영화는 드라마 태그가 붙은 영화만큼 정서적으로 지능적일 수 있습니다. 장르를 전체 그림이 아닌 출발점으로 활용하세요.
각 영화의 장르 태그는 영화의 위치를 범주별로 보여줍니다. 필터를 사용하여 1980s 내에서 가장 관심 있는 장르를 찾으세요.
등급별 최고의 1980s 영화
이 페이지의 영화는 세 가지 등급으로 구분됩니다. 8.5 이상의 영화는 모든 측면에서 예외적이며 이 카테고리에서 가장 뛰어난 영화를 나타냅니다. 7.5에서 8.4까지의 영화는 일관된 기술을 보여주며 안정적으로 강력합니다. 7.0에서 7.4까지의 영화는 약간 더 넓은 품질 범위를 나타내지만 여전히 훌륭하고 볼만한 가치가 있습니다.
TMDB에서 8.0 등급을 받으려면 통계적으로 신뢰할 수 있을 만큼 충분히 큰 유권자 기반이 필요합니다. 이는 시간이 지남에 따라 테스트된 진정한 청중 감사를 반영합니다.
Runtime 최고의 1980s 영화
런타임은 시청할 항목을 선택할 때 가장 유용한 필터 중 하나이며 가장 적게 사용되는 필터 중 하나입니다. 90분 미만의 영화는 정밀하게 완벽한 경험을 제공합니다. 대부분의 시청 상황에 가장 적합한 영화 길이는 90~120분입니다. 120분이 넘는 영화는 헌신이 필요하지만 그에 대한 보상을 제공합니다.
예상보다 훨씬 오래 걸리는 일을 밤늦게 시작하기보다는 여유 시간을 활용하여 적합한 영화를 찾으세요.
찾을 가치가 있는 숨겨진 보석
모든 1980s 선택 항목에는 최고 가시성 순위보다 낮지만 뛰어난 내용을 제공하는 영화가 포함되어 있습니다. 프랜차이즈 인지도나 최근 언론 보도가 부족하기 때문에 알고리즘이 과소평가하는 영화입니다. 모호하다고 해서 숨겨지는 것이 아닙니다. 플랫폼에서 가장 큰 옵션이 먼저 표시되기 때문에 숨겨져 있습니다.
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The 1980s is best understood through multiple lenses. Below are related ways to explore movies from this decade and era.
자주 묻는 질문
1980s의 최고의 영화는 무엇입니까?
1980s의 최고의 영화는 이 페이지에 순위가 매겨져 있으며 전체 목록이 나열되어 있습니다. 이 목록은 향수보다는 진정한 청중의 감사를 반영합니다. 모든 영화는 충분히 많은 관객의 지속적인 긍정적인 반응을 통해 그 자리를 차지했습니다.
1980s의 최고 평점을 받은 영화는 무엇인가요?
1980s의 최고 등급 영화가 이 페이지 상단에 나열되어 있습니다. 등급이 8.5 이상인 영화는 이후 제작된 모든 콘텐츠에 액세스할 수 있었던 시청자의 평가를 받았기 때문에 등급이 수치만으로 제시되는 것보다 더 의미가 있습니다.
최고의 1980s 스릴러는 무엇입니까?
1980s의 스릴러는 이 페이지 전체에서 장르 태그로 식별됩니다. 스릴러 또는 범죄 스릴러 태그가 붙은 영화를 찾아보세요. 최고의 1980s 스릴러는 조작된 충격보다는 캐릭터 투자를 통해 긴장감을 조성합니다.
1980s 드라마 중 최고의 드라마는 무엇인가요?
1980s의 드라마 영화는 이 시대의 가장 지속적인 작품을 대표합니다. 최고의 1980s 드라마는 시청자가 밑줄을 긋지 않고 감정 정보를 등록하고 출시 후에도 수십 년 동안 시청에 대한 보상을 계속할 것이라고 신뢰했습니다.
최고의 1980s 액션 영화는 무엇입니까?
액션 영화는 1980s 기간 동안 크게 발전했습니다. 액션이라는 태그가 붙은 이 페이지의 영화는 이해가 먼저이고 충격이 두 번째로 이어지는 시퀀스를 통해 이러한 진화의 최고를 나타냅니다.
최고의 1980s 코미디는 무엇입니까?
최고의 1980s 코미디는 설정과 펀치라인 메커니즘보다는 캐릭터에서 유머를 이끌어 냈습니다. 원래의 문화적 참조가 희미해진 경우에도 캐릭터가 구체적이고 알아볼 수 있기 때문에 여전히 재미있습니다.
최고의 1980s 공포 영화는 무엇입니까?
최고의 1980s 공포 영화는 충격보다 분위기가 더 오래 지속되며 공포에는 캐릭터에 대한 사전 투자가 필요하다는 점을 이해했습니다. 명시적인 내용보다는 대기 공예 및 구조적 지능을 위해 선택되었습니다.
최고의 1980s SF 영화는 무엇입니까?
최고의 1980s 공상과학 영화는 볼거리보다는 인간의 질문을 탐구하기 위해 추측적 전제를 사용했습니다. 이 장르는 실제 아이디어를 담은 프로젝트가 제작되어 극장에서 개봉될 정도로 진지하게 받아들여졌습니다.
최고의 1980s 범죄 영화는 무엇입니까?
1980s의 범죄 영화는 해당 장르가 제작한 가장 강력한 작품 중 일부를 대표합니다. 이 영화들은 도덕적 모호함을 해결하지 못한 채 다루었고, 낭만주의 없이 범죄 생활의 대가를 보여주었습니다.
1980s의 최고의 외국영화는 무엇인가요?
1980s의 국제 영화가 이 목록 전체에 표시됩니다. 이 시대에는 몇몇 국립 영화관이 창작의 정점에 있었습니다. 자막 회의론자는 이 페이지에서 등급 8.5 이상인 외국어 영화부터 시작해야 합니다.
1980s의 가장 과소평가된 영화는 무엇인가요?
이 페이지의 숨겨진 보석 섹션에서는 의미 있는 유권자 기반에서 6.5~7.4점 사이의 점수를 얻은 1980s 영화를 식별합니다. 이 영화들은 모호해서가 아니라 프랜차이즈 인지도나 최근 언론 보도가 부족하기 때문에 과소평가됩니다.
누구나 한 번쯤은 봐야 할 1980s 영화는 무엇일까요?
이 목록에서 등급 8.0 이상인 영화는 협상할 수 없는 1980s 시청을 나타냅니다. 이는 여러 세대의 시청자들 사이에서 진정한 비판적 합의를 달성했으며 계속해서 새로운 시청자에게 전달됩니다.
일반적으로 오래된 영화를 보지 않는 사람을 위한 최고의 1980s 영화는 무엇입니까?
이 페이지에서 등급이 8.5 이상인 영화부터 시작하세요. 품질은 노화되지 않습니다. 장르 태그를 사용하여 좋아하는 장르의 1980s 영화를 찾고 거기서 시작하세요.
1980s 영화는 현대 영화와 어떻게 다릅니까?
1980s는 다양한 제약과 다양한 야망을 가지고 영화를 제작했습니다. 예산 구조 덕분에 독창적인 전제를 갖춘 중급 영화가 극장 개봉을 할 수 있었습니다. 감독에게는 현재 일반적인 것보다 스튜디오에 비해 더 많은 창의적인 통제권이 주어졌습니다.
1980s 영화는 오늘날에도 여전히 볼 가치가 있나요?
네, 자격이 없습니다. 이 목록에 있는 영화는 역사적으로 흥미로워서가 아니라 지속력이 있기 때문에 선택되었습니다. 훌륭한 영화 제작은 기술이나 패션이 늙어가는 것처럼 늙어가는 것이 아닙니다. 현대 관객들은 이 영화들을 계속해서 높게 평가하고 있습니다.