Ateşböceklerinin Mezarı
2. Dünya Savaşı sırasında Japonya'da hayatta kalmaya çalışan iki öksüz çocuk, Seita ve küçük kız kardeşi Setsuko, acımasız toplumda yiyecek bulmak ve savaşın neden olduğu zorluklardan kaçmak için mücadele eder.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Ateşböceklerinin Mezarı, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Ateşböceklerinin Mezarı (1988), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Ateşböceklerinin Mezarı, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 8.4 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Ateşböceklerinin Mezarı de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Genel olarak 1980s sineması bağlamında, Ateşböceklerinin Mezarı, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1980s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Ateşböceklerinin Mezarı'in görsel dili, 1988'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Isao Takahata, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Ateşböceklerinin Mezarı'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Ateşböceklerinin Mezarı'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Ateşböceklerinin Mezarı'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Ateşböceklerinin Mezarı'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Ateşböceklerinin Mezarı'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Isao Takahata'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Tsutomu Tatsumi'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Ateşböceklerinin Mezarı'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.4 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve Ateşböceklerinin Mezarı bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Isao Takahata'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Cennet Sineması
Artık ünlü bir yönetmen olmuş Salvatore, 30 yıl sonra bir arkadaşının öldüğü haberi üzerine doğduğu kasabaya geri döner. Kasabaya geldiğinde eski anıları canlanan Salvatore, Cinema Paradiso adlı sinemada projeksiyoncu olarak çalışan Alfred ile ilişkilerini hatırlar. Küçük bir çocuk olan Salvatore, günlerini Alfred'in yanında geçirmekte, filmlerle ilgili konuşmakta ve Alfred'in sinema konusunda deneyim ve bilgilerinden yararlanmaktadır. Babacan tavırlarıyla Salvatore'nin hayatında önemli bir yere sahip olacak Alfred sayesinde sinemaya olan aşkını ve tutkusu keşfedecektir.
Neden izliyorsunuz?: Cennet Sineması bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1988'te gösterime giren Cennet Sineması, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Giuseppe Tornatore hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.4 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Cennet Sineması'in 8.4 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Giuseppe Tornatore, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. 1980s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Cennet Sineması kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Cennet Sineması'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Giuseppe Tornatore, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Philippe Noiret, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Cennet Sineması'te en çok görülür.
Cennet Sineması, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Giuseppe Tornatore, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Cennet Sineması'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.4 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Philippe Noiret - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Cennet Sineması'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Cennet Sineması'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Giuseppe Tornatore, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. Philippe Noiret'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
Yıldız Savaşları: İmparator'un Dönüşü
Yıldız Savaşları: İmparator'un Dönüşü'nde iyiyle kötü arasındaki çatışmayı ilk defa dijital ortamda keşfedin. Ölüm Yıldızı'nın yok edilmesinden sonra İmparatorluk güçleri Asileri kovalamaya devam eder. Asi güçlerin buz gezegen Hoth'taki mağlubiyetinin ardından Luke, Cumhuriyet'in düşmesinden beri Dagobah gezegeninde gizlenen Jedi ustası Yoda ile çalışmak için yola çıkar. Luke'yi karanlık tarafa döndürmeye çabalarken Darth Vader onu Bespin'in Bulut Şehri'nde tuzağa düşürür.
Neden izliyorsunuz?: Yıldız Savaşları: İmparator'un Dönüşü'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Yıldız Savaşları: İmparator'un Dönüşü, 1980'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Yıldız Savaşları: İmparator'un Dönüşü'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.4'te Yıldız Savaşları: İmparator'un Dönüşü, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Yıldız Savaşları: İmparator'un Dönüşü herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Yönetmen aksiyonu kamera gösterisinden ziyade insan ölçeğine göre çekiyor. Karakterler tutarlı bir alanı kaplar ve vücutları bu alanda okunabilir bir amaç doğrultusunda hareket eder. Sonuç, anlık adrenalin üretmek yerine etkiyi artıran bir eylemdir. 1980s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Yıldız Savaşları: İmparator'un Dönüşü bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 1980s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 1980s filmi.
Yıldız Savaşları: İmparator'un Dönüşü'teki performanslar, Irvin Kershner'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Mark Hamill, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Yıldız Savaşları: İmparator'un Dönüşü'te en zor anlar, Mark Hamill'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Yıldız Savaşları: İmparator'un Dönüşü, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.4 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Yıldız Savaşları: İmparator'un Dönüşü'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Irvin Kershner ve Mark Hamill işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Yıldız Savaşları: İmparator'un Dönüşü ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Irvin Kershner, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Yıldız Savaşları: İmparator'un Dönüşü'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Bir Zamanlar Amerika
David 'Noodles' Aaronson ve arkadaşları 20'lerin New York'un da beraber büyümüşlerdir. 30'larda gangster dünyasında fırtına gibi esen sıkı dostlar zamanla dağılırlar. Fakat 60'ların sonunda Aaronson New York'a geri dönecek ve geçmişiyle yüzleşecektir.Birlikte büyüyen bir grup Yahudi arkadaşın, gangster dünyasına adım atmasıyla geçirdiği aşamaları ve sonrasını konu edinen film, Spagetti Western'lerle ünlü Sergio Leone'nin çoğu İtalyan bir ekiple, bir çok sahnesini Avrupa'da çektiği bir yapım. Hollywood'un yazılı olmayan kurallarının işlemediği, ahlak muhasebesi ve dersler içermeyen, duygusal olabildiği kadar sert de olabilen bir film. Nihayetinde unutulmaz müzikleri ve Robert de Niro'lu kadrosuyla da çoktan klasikler arasında yerini almış durumda.
Neden izliyorsunuz?: Bir Zamanlar Amerika, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Bir Zamanlar Amerika'in 1984 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Bir Zamanlar Amerika'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Bir Zamanlar Amerika'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.4'teki Bir Zamanlar Amerika, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Sergio Leone, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. 1980s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Bir Zamanlar Amerika hayatta kaldı çünkü Sergio Leone trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 8.4 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Bir Zamanlar Amerika'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Sergio Leone, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Bir Zamanlar Amerika karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Bir Zamanlar Amerika'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Bir Zamanlar Amerika'i ilk kez izleyen izleyiciler, Sergio Leone'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Bir Zamanlar Amerika'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Robert De Niro, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1984 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Sergio Leone'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Bir Zamanlar Amerika'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Sergio Leone, Bir Zamanlar Amerika ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Geleceğe Dönüş
Dönemin özellikle tasarımıyla öne çıkan otomobillerinden olan bir DeLoran'ın içine gizlenmiş icat, Marty'i yanlışlıkla 50'lere geri götürür. Sorumsuz delikanlı bu gösterişsiz Amerikan kasabasında bir kazaya yol açar ve müstakbel anne ve babasının tanışmasına engel olur. Böylece kendisi de hiç doğmamış olacağı için bu durumu düzeltmesi gerekmektedir. Ama hayat sandığından daha karmaşıktır ve sorumluluk kelimesinin anlamını öğrenmek zorundadır.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Geleceğe Dönüş, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Geleceğe Dönüş (1985), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Geleceğe Dönüş, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.3 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Geleceğe Dönüş, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Filmin komedi gibi çalışmasını sağlayan şey, yönetmenin mizahın nerede olduğunu belirtmeyi reddetmesidir. Şakalar karakter ve durumdan kaynaklanıyor; bu da, dikkat eden izleyicilerin, gülmeleri gerektiğinin söylenmesini bekleyen izleyicilerden daha fazlasını bulduğu anlamına geliyor. Geleceğe Dönüş, 1980s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 1980s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, Robert Zemeckis'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Geleceğe Dönüş'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Robert Zemeckis, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Geleceğe Dönüş'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Michael J. Fox, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Geleceğe Dönüş'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Robert Zemeckis'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Geleceğe Dönüş, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Michael J. Fox'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Geleceğe Dönüş'in ilk 10'da yer alması, neyle rekabet ettiğini düşündüğünüzde çok anlamlıdır. Bu mod ve döneme ait katalogdaki her filmler değerlendirildi ve Geleceğe Dönüş burada sıralandı çünkü derecelendirme kalitesi ve seçmen hacminin birleşimi, onu seçimdeki diğer her şeyin üstünde tutuyordu. Robert Zemeckis, Geleceğe Dönüş'te onu aynı kategorideki alternatiflerden (aynı zamanda iyi filmler olan alternatiflerden) ayıran seçimler yaptı. İlk on ile ilk yirmi arasındaki fark, mutlak derecelendirme açısından göründüğünden daha küçük ancak izleyici deneyiminin gerçekte sunduğu şey açısından önemli.
Ölü Ozanlar Derneği
50'lerin Welton Akademisi, ciddi, disiplinli ve akademik çevrelerde saygınlığı yüksek olan bir okuldur. Okul yönetiminin muhafazakar ve ortodoks tavırları okulu öğrenciler için sıkıcı ve bunaltıcı bir hale getirmektedir. Fakat yeni ingilizce öğretmeni John Keating'in okula atanmasıyla çok şey değişecektir.Keating öğrencilerine ders kitaplarını yırtıp atmalarını, kalıplaşmış düşünce şekillerinden uzaklaşmalarını ve hayatlarını dolu dolu yaşamalarını öğütlemesiyle okulun statükocu tavrına son derece zıt bir profil çizmektedir. Öğrencilerini şiir ve nitelikli edebi yapıtlarla tanıştıran Keating onların pek çoğu üzerinde derin bir etki yaratır ve onların geleceğe dair hayallerinin şekillenmesini sağlar. Elbette Keating’in yaklaşımının okul yönetimi tarafından farkedilmesi ve üstüne gidilmesi uzun sürmeyecektir. Fakat okul müdürü Nolan Keating’i okuldan uzaklaştırma kararı aldığında hayatlarını değiştirdiği öğrencileri Keating’i savunmak için harekete geçerler.
Neden izliyorsunuz?: Ölü Ozanlar Derneği bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1989'te gösterime giren Ölü Ozanlar Derneği, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Peter Weir hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.3 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Ölü Ozanlar Derneği için 8.3 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Ölü Ozanlar Derneği'in yaptığı da tam olarak bu. Peter Weir bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Ölü Ozanlar Derneği daha küçük bir kategoriye ait; 1980s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Ölü Ozanlar Derneği'in görsel dili, 1989'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Peter Weir, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Ölü Ozanlar Derneği'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Ölü Ozanlar Derneği'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Ölü Ozanlar Derneği, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.3 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Ölü Ozanlar Derneği'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Peter Weir ve Robin Williams işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Ölü Ozanlar Derneği ilk on sırasını kültürel itibarı sayesinde değil, izleyicilerin oturup izlediğinde yaşananlar sayesinde kazanıyor. 8.3 derecelendirmesi, bu deneyimi geniş bir bağımsız görüntüleme örneğinde yansıtıyor. Bunun gibi listelerde ilk on durumuna ulaşan filmler, alternatiflere tam erişimi olan ve bu filmi deneyimlerinin en üstünde derecelendirmeyi seçen izleyiciler tarafından test edildi. Peter Weir ve Robin Williams bu beklentiyi tutarlı bir şekilde karşılayan bir şey yaptı; sürekli yeni izleyicilerin yeni standartlar getirmesine rağmen reytingin devam etmesinin nedeni de budur.
Gel ve Gör
1943 yılında Belarus’ta Naziler tarafından gerçekleştirilen vahşeti küçük bir çocuğun hikayesi üzerinden bu sarsıcı ve rahatsız edici film, gelmiş geçmiş en korkunç savaş filmlerinden biridir. Savaşın olayların doğal akışını mahveden yakıcı gücünü anlatıyor. Gerçeklere dayanan filmin kahramanı, Beyaz Rusya'lı on altı yaşındaki Flyora. Başta yalnızca bir çocuk olan Flyora, ormana kaçar ve partizanlara katılır. Nazilerin vahşetini yaşadıktan sonra ise Flyora büyür, hatta yaşlanır. Bir zamanlar taptaze olan çocuksu yüzü artık kırışıklıklarla doludur.
Neden izliyorsunuz?: Gel ve Gör'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Gel ve Gör, 1985'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Gel ve Gör'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.2'teki Gel ve Gör, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Gel ve Gör için 1980s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Elem Klimov'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Gel ve Gör'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Elem Klimov, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Aleksei Kravchenko, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Gel ve Gör'te en çok görülür.
Gel ve Gör'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Gel ve Gör'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Gel ve Gör'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Elem Klimov'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Aleksei Kravchenko'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Gel ve Gör'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.2 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve Gel ve Gör bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Elem Klimov'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Cinnet
Cinnet, yazar Jack Torrance’ın, kış sezonunda kapalı olan Overlook Oteli’nin bakımını üstlenerek, ailesiyle birlikte otele taşınması sonrasında gelişen metafiziksel olayları konu alır. Jack’in doğaüstü sezgilere sahip olan küçük oğlu, zamanla otelin içerisinde yalnız olmadıklarını, geçmiş ve gelecekten gelen hayaletlerle birlikte yaşadıklarını görür ve ailesini buna inandırmaya çalışır. Aile bir kar fırtınası sebebiyle dağda konuşlanan bu otelde mahsur kaldığındaysa Jack doğaüstü varlıklar tarafından ele geçirilir ve yavaş yavaş aklını kaybetmeye başlar.
Neden izliyorsunuz?: Cinnet, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Cinnet'in 1980 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Cinnet'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Cinnet'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.2 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Cinnet'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Cinnet bundan faydalanıyor. Zanaat en çok yönetmenin sakladığı şeylerde görülür. Bilgi stratejik olarak yayınlanıyor, her açıklama daha önce olanı yeniden bağlamlandırıyor. Performanslar kontrollü açıklamaya göre kalibre edilir. Bugün hala 8.2 olarak derecelendirilen 1980s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Cinnet bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Cinnet'teki performanslar, Stanley Kubrick'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Jack Nicholson, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Cinnet'te en zor anlar, Jack Nicholson'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Cinnet en iyi atmosferin işlemesine izin veren koşullarda izlenir: düşük ışık, minimum kesinti ve ideal olarak kültürel olarak iyi bilinen belirli anlara ilişkin önceden bilgi olmadan. İzleyici tam olarak neyin geleceğini bildiğinde korku etkisini kaybediyor ve Cinnet, bazı önemli sahneleri filmi izlememiş kişilere bile tanıdık gelecek kadar tartışıldı. Sınırlı ön bilgiyle yaklaşabiliyorsanız, yapın. Stanley Kubrick'in Cinnet'e yerleştirdiği atmosferik zanaat, izleyicinin gerçek bir belirsizlik durumunda olmasına bağlı. 8.2 derecelendirmesi, filmi izlerken bu durumda olan izleyicileri yansıtır.
Cinnet'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Cinnet'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Stanley Kubrick, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. Jack Nicholson'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
Yaralı Yüz
Tony Montana isimli Kübalı suçlu, Miami'ye gelip uyuşturucu lordu Robert Loggia'nın emrinde çalışmaya başlar. Montana'nın hırsı ve öfkesi basamaklaı hızla tırmanıp büyük bir suç şebekesinin başı olmasını sağlar. Film, uyuşturucu dünyasının gizli kapılar ardında dönen çarklarından başlayarak suç dünyasını gözler önüne serer.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Yaralı Yüz, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Yaralı Yüz (1983), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Yaralı Yüz, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 8.2 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Yaralı Yüz de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Genel olarak 1980s sineması bağlamında, Yaralı Yüz, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1980s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Yaralı Yüz'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Brian De Palma, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Yaralı Yüz karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Yaralı Yüz'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Yaralı Yüz, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.2 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Yaralı Yüz'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Brian De Palma ve Al Pacino işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Yaralı Yüz ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Brian De Palma, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Yaralı Yüz'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Full Metal Jacket
Yönetmen Stanley Kubrick, Full Metal Jacket filminde savaşın ve askerliğin, insanların duygularını nasıl yok ettiğini gün yüzüne çıkarıyor. 18 yaşındaki acemi bir askerin gözünden, acemi askerlerin Deniz Kuvvetleri'ndeki ilk günlerinden başlayarak nasıl insani duygularının yok edildiğini ve bireysellikten çıkarılıp Deniz Piyadesi olarak nasıl tekrardan yaratıldıklarını anlatıyor. Film, 1968 yılında Vietnam harekatı için yetiştirilen askerlerin ruhlarında bıraktığı zarar ve savaşın nasıl insanlık dışı bir şey olduğunu açığa çıkartıyor. Gustav Hasford'un "The Short-Timers" isimli romanından uyarlanmıştır.
Neden izliyorsunuz?: Full Metal Jacket bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1987'te gösterime giren Full Metal Jacket, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Stanley Kubrick hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.1 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Full Metal Jacket'in 8.1 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Stanley Kubrick, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. 1980s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Full Metal Jacket kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Full Metal Jacket'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Stanley Kubrick, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Full Metal Jacket'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Matthew Modine, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Full Metal Jacket'i ilk kez izleyen izleyiciler, Stanley Kubrick'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Full Metal Jacket'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Matthew Modine, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1987 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Stanley Kubrick'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Full Metal Jacket'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Stanley Kubrick, Full Metal Jacket ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Sinema önemli hikayelerle ilgilidir. Bu bölümdeki filmler bu prensibi kanıtlıyor.
Paris, Texas
Travis, sessiz bir adam. Sırlarını sadece yollarla paylaşıyor. Kırmızı şapkasıyla, çoğu insanın arabayla bile zor katlandığı yollara ayaklarıyla meydan okuyor. Bir gün Travis kardeşinin davetiyle yeniden medeniyete dönüyor. Evde onu kardeşinin eşi ve kendi oğlu beklemektedir. Başta uygar ve kuralcı bir yaşamı dışlayan Travis oğlu için katlanmaya başlar. Hatta alıştıkça, uzun süre ertelediği bir şeyi yapmaya karar verir. Yeniden yollara dönmeden önce, eski karısını bulmak... Wim Wenders'in filmi, tüm zamanların en etkileyici filmleri arasına rahatlıkla girebilir. Olağanüstü karakter çalışması, yerleşik hayatı ve konformizmi tartışması ve tabii müthiş karşılaşmayı konu edinen unutulmaz son sahnesi bu filmi 20. yüzyılın zirvelerinden biri yapıyor.
Neden izliyorsunuz?: Paris, Texas'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Paris, Texas, 1984'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Paris, Texas'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.1'te Paris, Texas, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Paris, Texas herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. 1980s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Paris, Texas bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 1980s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 1980s filmi.
Paris, Texas'in görsel dili, 1984'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Wim Wenders, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Paris, Texas'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Paris, Texas'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Paris, Texas'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Wim Wenders'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Paris, Texas, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Harry Dean Stanton'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Paris, Texas, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Harry Dean Stanton'in performansının ve Wim Wenders'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Mukaddes Vazife
1979 yılında çekilmiş 1981 yılında vizyona giren, İkinci Dünya Savaşı'nda U-96 adlı tip 7 sınıfı Alman U bot mürettebatını konu alan film. Savaşta Alman denizcilerin hayatlarını, içinde bulundukları psikolojik durumları görsel bir anlatış biçimiyle dile getirmektedir. İkinci Dünya Savaşı'nda görev yapan U-96 tipi bir Alman denizaltısı Atlas Okyanusu'ndaki normal devriye görevine çıkar. Gemide görevli personel haricinde bir subay da denizaltında yaşananları kaydetmek için sefere katılır. Gemi normal seyrinde iken okyanusta detroyer koruması olmadan seyreden 5 gemilik bir filoyla karşılaşır. Kaptan biraz tereddütden sonra saldırı emri verir.
Neden izliyorsunuz?: Mukaddes Vazife, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Mukaddes Vazife'in 1981 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Mukaddes Vazife'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Mukaddes Vazife'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.1'teki Mukaddes Vazife, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Wolfgang Petersen, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. 1980s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Mukaddes Vazife hayatta kaldı çünkü Wolfgang Petersen trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 8.1 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Mukaddes Vazife'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Wolfgang Petersen, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Jürgen Prochnow, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Mukaddes Vazife'te en çok görülür.
Mukaddes Vazife, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Mukaddes Vazife'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Wolfgang Petersen ve Jürgen Prochnow işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Mukaddes Vazife'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.1 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Mukaddes Vazife'e yüksek puan verme kararları, Wolfgang Petersen'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Mukaddes Vazife genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Şey
Antarktika'da bir grup ABD'li bilim insanı Norveçli meslekdaşlarının boş ve yıkık araştırma üssünü incelerler, ancak buldukları avının şeklini alabilen dehşet verici bir canlıdan başka bir şey değildir.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Şey, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Şey (1982), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Şey, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.1 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Şey, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen korkunun, açık bir tehlike olarak ortaya çıkmadan önce yüzeyin altında bir şeylerin ters gittiğini hissettiğinde işe yaradığını anlıyor. Film, ilk korkudan önceki ton ve atmosferle bu yanlışlığı yaratıyor. Şey, 1980s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 1980s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, John Carpenter'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Şey'teki performanslar, John Carpenter'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Kurt Russell, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Şey'te en zor anlar, Kurt Russell'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Şey'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Şey'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Şey'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. John Carpenter'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Kurt Russell'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Şey, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Şey, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. John Carpenter'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Şey'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Komşum Totoro
İki sevimli kız kardeş olan Satsuke ve Mei, babaları ile birlikte hastanede yatan annelerine daha yakın olabilmek için hastanenin yakınındaki bir köy evine taşınırlar. Yeni evlerine alışmaya çalışırlarken inanılmaz bir gerçeğin farkına varırlar. Evlerinin yakınındaki ormanda Totoro isminde, son derece sevimli ve büyülü yaratıklar yaşamaktadır. Bu sevimli yaratıklarla kısa zamanda arkadaş olan Satsuke ve Mei için şehrin telaşından uzakta yepyeni büyülü bir dünyanın kapıları açılacaktır. Yaz zamanının kaygısızlığı üzerine kurulmuş bir aile filmi olarak tasarlanan Komşum Totoro ile Miyazaki'nin unutulmaz karakterleriyle zenginleştirilmiş hayalgücü ve arkadaşlığın bir masalını yaratıyor. Çocukluğun perimasalı dünyasının ve yokolan kırsal alanların yasını tutuyor...
Neden izliyorsunuz?: Komşum Totoro bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1988'te gösterime giren Komşum Totoro, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Hayao Miyazaki hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.1 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Komşum Totoro için 8.1 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Komşum Totoro'in yaptığı da tam olarak bu. Hayao Miyazaki bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmi animasyon olarak farklı kılan, yönetmenin formun tasarım yoluyla içselliği aktarabileceğini anlamasıdır. Hareket, renk ve kompozisyon karakterin diyalogdan önce veya diyalog yerine ne hissettiğini iletir. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Komşum Totoro daha küçük bir kategoriye ait; 1980s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Komşum Totoro'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Hayao Miyazaki, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Komşum Totoro karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Komşum Totoro'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Komşum Totoro, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Komşum Totoro'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Hayao Miyazaki ve Noriko Hidaka işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Komşum Totoro bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Hayao Miyazaki, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.1 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Hayao Miyazaki'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Komşum Totoro'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Fil Adam
Victoria dönemi İngilteresi'nde yaşayan John Merrick, ender görülen bir hastalık yüzünden ileri derecede deforme bir bedene ve yüze sahiptir. Gezici bir kumpanyada Fil Adam takma adıyla sergilenmekte ve kafes hayvanı muamelesi gördüğü çok zor bir hayat geçirmektedir. Dr. Frederick Treves adında genç bir cerrahın onu içine hapsolduğu korkunç hayattan kurtarmasıyla hiç alışık olmadığı güzel bir dünyaya adım atar. Ancak acı ve korku dolu geçmişi Merrick'i bu yeni dünyada da takip edecektir.
Neden izliyorsunuz?: Fil Adam'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Fil Adam, 1980'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Fil Adam'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.0'teki Fil Adam, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Fil Adam için 1980s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) David Lynch'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Fil Adam'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. David Lynch, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Fil Adam'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Anthony Hopkins, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Fil Adam, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Fil Adam'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. David Lynch ve Anthony Hopkins işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Fil Adam'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. David Lynch filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.0 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Fil Adam tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Amadeus
Vasat bir besteci olan Salieri ile rakip olan Wolfgang Amadeus Mozart, müzikal dehasıyla ölümsüzlük kazanıyor. Salieri'nin bu durumu hazmedememesi intikam isteğiyle dolmasına neden olur.
Neden izliyorsunuz?: Amadeus, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Amadeus'in 1984 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Amadeus'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Amadeus'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.0 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Amadeus'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Amadeus bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Bugün hala 8.0 olarak derecelendirilen 1980s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Amadeus bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Amadeus'in görsel dili, 1984'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Miloš Forman, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Amadeus'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Amadeus'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Amadeus'i ilk kez izleyen izleyiciler, Miloš Forman'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Amadeus'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. F. Murray Abraham, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1984 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Miloš Forman'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Amadeus, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Miloš Forman'in Amadeus'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Ran
Shakespeare’in Kral Lear’inde, 16. yy’ın yaşlı lordu Lear krallığını üç kızı arasında paylaştırmaya karar verir. Her biri ülkenin üç farklı yerindeki kalelerde yaşayarak sadakatlarini kanıtlayacaklardır. Büyük kızları menfaatleri için sahte bir samimiyet içine girerken, babasına duyduğu bağlılıkla en küçük kızı O’nun gerçekleri görmesi için uğraşır. Ran İngiliz edebiyatına ait bu eserinin Japon uyarlaması. Orjinalindeki kız çocuklar erkek olarak değiştirilmiş ve Kral Lear karakteri de Lord Hidetora Ichimonji olarak karşımıza çıkıyor.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Ran, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Ran (1985), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Ran, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 8.0 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Ran de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Genel olarak 1980s sineması bağlamında, Ran, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1980s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Ran'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Akira Kurosawa, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Tatsuya Nakadai, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Ran'te en çok görülür.
Ran'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Akira Kurosawa'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Ran, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Tatsuya Nakadai'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Ran, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Tatsuya Nakadai'in performansının ve Akira Kurosawa'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Gökteki Kale
Özel olarak görevlendirilmiş bir devlet kuruluşu tarafından hava gemisinde esir tutulan kız Sheeta, geminin korsanlar tarafından saldırıya uğradığı anda bir fırsatını bulup kaçmaya kalkar ama gemiden aşağıya düşer. Bulutlar arasında hızla düşerken, bilincini kaybeden Sheeta'nın boynundaki mavi taşlı kristal bir kolye ansızın çevreye ışık saçar ve Sheeta bu mavi taş sayesinde yavaşça yere doğru inmeye başlar. Maden kasabasında işçi olarak çalışan Pazu adlı bir çocuk, gökyüzünden iniş yapan Sheeta'yı tesadüfen görerek kurtarır ve kendi evinde saklar… İki çocuk bundan sonra, gökte uçan "Laputa" adlı efsanevi son kaleyi bulmak ve kötülerin oyununu bozmak zorundadırlar.
Neden izliyorsunuz?: Gökteki Kale bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
1986'te gösterime giren Gökteki Kale, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Hayao Miyazaki hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 8.0 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Gökteki Kale'in 8.0 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Hayao Miyazaki, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Filmi animasyon olarak farklı kılan, yönetmenin formun tasarım yoluyla içselliği aktarabileceğini anlamasıdır. Hareket, renk ve kompozisyon karakterin diyalogdan önce veya diyalog yerine ne hissettiğini iletir. 1980s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Gökteki Kale kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Gökteki Kale'teki performanslar, Hayao Miyazaki'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Keiko Yokozawa, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Gökteki Kale'te en zor anlar, Keiko Yokozawa'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Gökteki Kale, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Gökteki Kale'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Hayao Miyazaki ve Keiko Yokozawa işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Gökteki Kale'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.0 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Gökteki Kale'e yüksek puan verme kararları, Hayao Miyazaki'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Gökteki Kale genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Yaratığın Dönüşü
Nostromo'dan kurtulan tek kişi olan Teğmen Ellen Ripley, yarım yüzyıllık derin uykusundan uyandırılarak dünyaya getirilir. Bu sırada yaratıkları buldukları gezegenin sonradan kolonileştirildiği ve insanların yaşadığını öğrenir. Söz konusu koloniden bir süredir haber alınamamaktadır ve Ripley, uzman bir komando ekibi ile yaratıkları yok etmeye ve sağ kalanları kurtarmaya gider.
Neden izliyorsunuz?: Yaratığın Dönüşü'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Yaratığın Dönüşü, 1986'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Yaratığın Dönüşü'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 8.0'te Yaratığın Dönüşü, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Yaratığın Dönüşü herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Bu, gerilimin fiziksel olmaktan ziyade psikolojik olduğu gerilim kategorisine aittir. Yönetmen izleyicinin açık bir tehlike gösterilmeden baskı hissedeceğine güveniyor. Sonuç, geleneksel gerilim mekaniğinden daha rahatsız edici. 1980s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Yaratığın Dönüşü bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 1980s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 1980s filmi.
Yaratığın Dönüşü'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. James Cameron, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Yaratığın Dönüşü karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Yaratığın Dönüşü'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Yaratığın Dönüşü'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Yaratığın Dönüşü'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Yaratığın Dönüşü'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. James Cameron'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Sigourney Weaver'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Yaratığın Dönüşü, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Yaratığın Dönüşü, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. James Cameron'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Yaratığın Dönüşü'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Rüzgârlı Vadi
Dünya "Ateşin Yedi Günü" isimli yıkıcı bir savaşın ardından yaşanmaz bir yerleşim yerine dönüşmüştür. Savaş sonrası ortaya çıkan zehirli bir gaz sebebiyle tüm doğal yaşam sona ermiş, insanoğlu da yok olma tehlikesiyle karşı karşıya kalmıştır. Çok az sayıdaki insan kolonileri bu gazdan arındırılan irili ufaklı adalarda yaşamaktadır. Prenses Naushika'nın halkı da bu insan topluluklarından biridir. Prenses Naushika, zehirli gaz ormanlarındaki canlılardan olan 'Ohmu'larla konuşup anlaşabilme yeteneğine sahiptir. O, bu zehirli gaz dolu ormanlara ve burada yaşayan Ohmu'lara karşı halen daha umutludur ve bir kurtuluş yolu bulabileceği inancını taşır.
Neden izliyorsunuz?: Rüzgârlı Vadi, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
Rüzgârlı Vadi'in 1984 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Rüzgârlı Vadi'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Rüzgârlı Vadi'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 8.0'teki Rüzgârlı Vadi, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Hayao Miyazaki, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Animasyon, teknik yeteneğin gösterilmesinden ziyade hikaye anlatımına hizmet ediyor. Yönetmen bu formu, anlatılan spesifik hikayeye hizmet edecek duygusal ve anlatısal etkiler elde etmek için kullanıyor. 1980s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Rüzgârlı Vadi hayatta kaldı çünkü Hayao Miyazaki trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 8.0 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Rüzgârlı Vadi'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Hayao Miyazaki, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Rüzgârlı Vadi'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Sumi Shimamoto, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Rüzgârlı Vadi, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Rüzgârlı Vadi'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Hayao Miyazaki ve Sumi Shimamoto işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Rüzgârlı Vadi bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Hayao Miyazaki, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.0 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Hayao Miyazaki'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Rüzgârlı Vadi'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Harika filmler kendi kategorilerinin ötesine geçer. Zanaat olağanüstü olduğu için çalışıyorlar.
Akira
Yıl 2019. 3. Dünya Savaşı'ndan 31 yıl sonra. Yıkılan Tokyo yerine yapılan Neo-Tokyo'da kaos hüküm sürmektedir. Polis ve hükümet güçleri yeraltı örgütlerine karşı mücadele etmektedirler. Kaneda ve motosiklet çetesi, otoriteyi hiçe sayarak bildikleri gibi yaşamakta ve zamanalarını serserilik etmekle geçirmektedirler. Birgün çete üyesi Tetsuo, küçük bir çocuğun da bulunduğu bir kazaya karışır ve ağır yaralanır. Olay yerine gelen askeri birlikler Tetsuo'yu da alarak ayrılırlar ve üzerinde bir takım deneyler yaparlar. 3. Dünya Savaşı'na yol açan ve Tokyo'nun yıkılmasına sebep olan Akira Fenomeni nedir? Tetsuo'yu ne bekliyor? Kei ve örgütü neyin peşinde? Gizemler birbiri üzerine gelecek ve cevapları bu görsel şölende kendini gösterecek.
Neden izliyorsunuz?: Coğrafyanın netliğiyle hazırlanmış aksiyon. Katsuhiro Otomo, en iyi dizilerin işe yaradığını biliyor çünkü her zaman herkesin nerede olduğunu biliyorsunuz.
Akira (1988), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Akira, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.9 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Akira, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen aksiyon sinemasının temel sorununu çözüyor: Aksiyonu size göstermeden önce sonucu önemsemenizi sağlıyor. Sıralamalar işe yarıyor çünkü coğrafi netlik, kimin nerede olduğunu ve başarının neleri gerektirdiğini her zaman bilmeniz anlamına geliyor. Akira, 1980s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 1980s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, Katsuhiro Otomo'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Akira'in görsel dili, 1988'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Katsuhiro Otomo, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Akira'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Akira'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Akira, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Akira'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Katsuhiro Otomo ve Mitsuo Iwata işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Akira'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Katsuhiro Otomo filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.9 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Akira tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Bıçak Sırtı
2019'un dumanla boğuşan distopik Los Angeles'ında, kısa ömürlerini uzatmanın bir yolunu bulmak için yaratıcılarını arayarak Dünya'ya kaçan birkaç Replicant'ı yok etmek için Rick Deckard emeklilikten çağrılır.
Neden izliyorsunuz?: Bıçak Sırtı gerilimini dürüstçe kazanıyor; baskı, yapay sürprizden ziyade durum ve karakterden kaynaklanıyor. Ridley Scott, riskleri hissedecekleri konusunda izleyiciye güveniyor.
1982'te gösterime giren Bıçak Sırtı, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Ridley Scott hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.9 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Bıçak Sırtı için 7.9 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Bıçak Sırtı'in yaptığı da tam olarak bu. Ridley Scott bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Bıçak Sırtı daha küçük bir kategoriye ait; 1980s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Bıçak Sırtı'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Ridley Scott, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Harrison Ford, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Bıçak Sırtı'te en çok görülür.
Bıçak Sırtı'i ilk kez izleyen izleyiciler, Ridley Scott'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Bıçak Sırtı'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Harrison Ford, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1982 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Ridley Scott'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Bıçak Sırtı, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Ridley Scott'in Bıçak Sırtı'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Pink Floyd Duvar
Pink Floyd’un 1979 yılında yayınladığı albümle aynı adı taşıyan film, görüntüleri ve elbette müzikleriyle ön plana çıkıyor. Grubun efsanevi albümünün hakkını fazlasıyla veren film, şüphesiz bütün zamanların en iyi müzikallerden… Diyalogun kullanılmadığı, kesintisiz müzikle ve karikatürist Gerald Scarfe'nin çizimleriyle süslü film, uzun ve eşsiz bir klip havasında. Bob Geldof’un başarılı ounculuğuyla göz doldurduğu filmin yönetmeni, ülkemizde pek de iyi bir şöhrete sahip olmayan Gece Yarısı Ekspresi filminden tanıdığımız Alan Parker.
Neden izliyorsunuz?: Pink Floyd Duvar'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Alan Parker'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
Pink Floyd Duvar, 1982'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Pink Floyd Duvar'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.9'teki Pink Floyd Duvar, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Pink Floyd Duvar için 1980s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Alan Parker'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Pink Floyd Duvar'teki performanslar, Alan Parker'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Bob Geldof, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Pink Floyd Duvar'te en zor anlar, Bob Geldof'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Pink Floyd Duvar'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Alan Parker'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Pink Floyd Duvar, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Bob Geldof'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Pink Floyd Duvar, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Bob Geldof'in performansının ve Alan Parker'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Indiana Jones: Kutsal Hazine Avcıları
Amerikan Hükümeti Ark of the Conenant’ı bulması için Arkeolog Dr. Indiana Jones'u görevlendirir. Ark’ta ünlü 10 Emir’in varolduğuna ve kutsal güçler olduğuna inanılmaktadır. Üstelik Hitler’in ajanları da Ark’ın peşindedirler. Jones, eski aşkı Marion’la birlikte Nepal’den Kahire’ye kadar tuzak ve tehlikeyle dolu bir maceraya atılır.
Neden izliyorsunuz?: Indiana Jones: Kutsal Hazine Avcıları'teki eylem planlanmak yerine kazanıldı. Steven Spielberg her diziye doğru gelişir, bu nedenle geldiğinde gösterinin ötesinde bir ağırlık taşır.
Indiana Jones: Kutsal Hazine Avcıları'in 1981 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Indiana Jones: Kutsal Hazine Avcıları'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Indiana Jones: Kutsal Hazine Avcıları'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.9 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Indiana Jones: Kutsal Hazine Avcıları'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Indiana Jones: Kutsal Hazine Avcıları bundan faydalanıyor. Aksiyon hikaye anlatıcılığının yerine geçmekten ziyade onun altındadır. Yönetmen yalnızca daha önce gelenler sayesinde işe yarayan sekanslar oluşturuyor. İzleyicinin karakterlere ve riske yaptığı yatırım, aksiyonun gerçekleşip gerçekleşmeyeceğini belirler. Bugün hala 7.9 olarak derecelendirilen 1980s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Indiana Jones: Kutsal Hazine Avcıları bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Indiana Jones: Kutsal Hazine Avcıları'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Steven Spielberg, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Indiana Jones: Kutsal Hazine Avcıları karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Indiana Jones: Kutsal Hazine Avcıları'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Indiana Jones: Kutsal Hazine Avcıları, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Indiana Jones: Kutsal Hazine Avcıları'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Steven Spielberg ve Harrison Ford işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Indiana Jones: Kutsal Hazine Avcıları'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.9 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Indiana Jones: Kutsal Hazine Avcıları'e yüksek puan verme kararları, Steven Spielberg'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Indiana Jones: Kutsal Hazine Avcıları genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Yıldız Savaşları: Jedi'nin Dönüşü
Yıldız Savaşları: Jedi'nin Dönüşü'nde İmparatorluk, çok daha güçlü bir Ölüm Yıldızı ile Asileri vurmaya hazırlanırken Asi donanması da uzay istasyonuna büyük bir saldırı düzenler. Luke Skywalker, İmparator'dan önce Darth Vader ile son ve büyük bir düelloya tutuşur.
Neden izliyorsunuz?: Coğrafyanın netliğiyle hazırlanmış aksiyon. Richard Marquand, en iyi dizilerin işe yaradığını biliyor çünkü her zaman herkesin nerede olduğunu biliyorsunuz.
Yıldız Savaşları: Jedi'nin Dönüşü (1983), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Yıldız Savaşları: Jedi'nin Dönüşü, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.9 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Yıldız Savaşları: Jedi'nin Dönüşü de bir istisna değildir. Yönetmen aksiyon sinemasının temel sorununu çözüyor: Aksiyonu size göstermeden önce sonucu önemsemenizi sağlıyor. Sıralamalar işe yarıyor çünkü coğrafi netlik, kimin nerede olduğunu ve başarının neleri gerektirdiğini her zaman bilmeniz anlamına geliyor. Genel olarak 1980s sineması bağlamında, Yıldız Savaşları: Jedi'nin Dönüşü, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1980s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Yıldız Savaşları: Jedi'nin Dönüşü'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Richard Marquand, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Yıldız Savaşları: Jedi'nin Dönüşü'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Mark Hamill, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Yıldız Savaşları: Jedi'nin Dönüşü'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Yıldız Savaşları: Jedi'nin Dönüşü'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Yıldız Savaşları: Jedi'nin Dönüşü'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Richard Marquand'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Mark Hamill'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Yıldız Savaşları: Jedi'nin Dönüşü, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Yıldız Savaşları: Jedi'nin Dönüşü, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Richard Marquand'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Yıldız Savaşları: Jedi'nin Dönüşü'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Kızgın Boğa
Boksör Jakc la mottanın kendi ağzından anlattığı şampiyonluklardan bar komedyenliğine uzanan hırslı hayat hikayesi.Usta yönetmen Martin Scorsese'nin yönettiği bu film protesto amacıyla siyah-beyaz çekilmiştir,aynı zamanda sinema eleştirmenleri ve yönetmenleri tarafından tüm zamanların en iyi filmleri içinde ilk 10 sıradadır.
Neden izliyorsunuz?: Kızgın Boğa sessizliğe güvenen bir drama. Martin Scorsese, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
1980'te gösterime giren Kızgın Boğa, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Martin Scorsese hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.9 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Kızgın Boğa'in 7.9 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Martin Scorsese, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. 1980s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Kızgın Boğa kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Kızgın Boğa'in görsel dili, 1980'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Martin Scorsese, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Kızgın Boğa'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Kızgın Boğa'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Kızgın Boğa, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Martin Scorsese, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Kızgın Boğa'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 7.9 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Robert De Niro - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Kızgın Boğa bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Martin Scorsese, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.9 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Martin Scorsese'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Kızgın Boğa'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Indiana Jones: Son Macera
Tarihin en ünlü maceracı arkeologu Indiana Jones’a babası Dr. Henry Jones tarafından bir günlük gönderilir. Bu günlüğün içerisinde gizemli Kutsal Kase’ye dair bazı ipuçları ve bir harita bulunmaktadır. Özel bir koleksiyoncudan babasının ortadan kaybolduğunu öğrenen Indiana Jones, müze kuruatörü Marcus Brody’i de yanına alarak İtalya’ya babasını aramaya gider. Burada kendilerini buldukları yer ise bir Nazi bölgesidir ve Naziler de Kutsal Kase’nin peşindedir. Babasını kurtarmaya giden Indiana’nın birincil hedefi Kutsal Kase’yi Nazilerden önce ele geçirmek olacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Steven Spielberg, Indiana Jones: Son Macera'te aksiyonu yalnızca etkiden ziyade kavrama amacıyla çekiyor. Uzamsal mantık baştan sona korunur ve olması gerekenden daha nadirdir.
Indiana Jones: Son Macera, 1989'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Indiana Jones: Son Macera'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.9'te Indiana Jones: Son Macera, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Indiana Jones: Son Macera herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Yönetmen aksiyonu kamera gösterisinden ziyade insan ölçeğine göre çekiyor. Karakterler tutarlı bir alanı kaplar ve vücutları bu alanda okunabilir bir amaç doğrultusunda hareket eder. Sonuç, anlık adrenalin üretmek yerine etkiyi artıran bir eylemdir. 1980s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Indiana Jones: Son Macera bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 1980s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 1980s filmi.
Indiana Jones: Son Macera'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Steven Spielberg, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Harrison Ford, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Indiana Jones: Son Macera'te en çok görülür.
Indiana Jones: Son Macera, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.9 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Indiana Jones: Son Macera'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Steven Spielberg ve Harrison Ford işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Indiana Jones: Son Macera'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Steven Spielberg filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.9 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Indiana Jones: Son Macera tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Benimle Kal
Stephen King'in küçük bir romanından uyarlanan bu filmde, yazar (Richard Dreyfuss) kendi ve üç diğer arkadaşının yaşadığı macerayı ve kahramanlıklarını anlatıyor. Bu çocuklar, 1950'lerde Oregon ormanlığında kayıp bir çocuğun cesedini aramaya koyulurlar. Yol boyunca daha da yakınlaşan çocuklar birbirleri hakkında da çok şey keşfederler...
Neden izliyorsunuz?: Rob Reiner, Benimle Kal'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Benimle Kal'in 1986 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Benimle Kal'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Benimle Kal'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.8'teki Benimle Kal, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Rob Reiner, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. 1980s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Benimle Kal hayatta kaldı çünkü Rob Reiner trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 7.8 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Benimle Kal'teki performanslar, Rob Reiner'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Wil Wheaton, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Benimle Kal'te en zor anlar, Wil Wheaton'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Benimle Kal'i ilk kez izleyen izleyiciler, Rob Reiner'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Benimle Kal'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Wil Wheaton, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1986 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Rob Reiner'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Benimle Kal, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Rob Reiner'in Benimle Kal'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Küçük Cadı Kiki
Kiki 13 yaşında bir cadıdır. Geleneklere göre tam bir cadı olabilmesi için bir yıl kendi seçeceği bir şehirde ailesinden ayrı yaşaması gerekmektedir. Kiki, kedisi Jiji ile annesinin hediye ettigi süpürgeye binerek evinden ayrılır ve başka cadısı olmayan bir şehirde karar kılar. Kiki, şehirde uçma yeteneğinden faydalanacağı bir kurye servisi açmak istemektedir. Şehirdeki ilk gününde tanıştığı birinin fırınında ona yardımcı olurken aynı zamanda hayalini kurduğu işi yapmaya başlar ve zamanla cadılık yeteneklerini kaybettiğini fark eder. Yeteneklerini tekrar kazanmaya çalışırken bir arkadaşının da hayatını kurtarması gerekir.
Neden izliyorsunuz?: Animasyon, zanaatın tek başına izlenmeye değer olduğu düzeyde. Küçük Cadı Kiki'in her karesi kasıtlı bir sanatsal seçimdir.
Küçük Cadı Kiki (1989), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Küçük Cadı Kiki, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.8 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Küçük Cadı Kiki, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Film, animasyonun, canlı aksiyonun ulaşamayacağı duygusal seviyelere ulaşmak için bir araç olduğunu gösteriyor. Yönetmen, animasyon biçimine özgü anlar yaratmak için ortamın biçimsel olanaklarını kullanıyor. Küçük Cadı Kiki, 1980s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 1980s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, Hayao Miyazaki'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Küçük Cadı Kiki'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Hayao Miyazaki, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Küçük Cadı Kiki karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Küçük Cadı Kiki'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Küçük Cadı Kiki'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Hayao Miyazaki'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Küçük Cadı Kiki, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Minami Takayama'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Küçük Cadı Kiki, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Minami Takayama'in performansının ve Hayao Miyazaki'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Zor Ölüm
Bruce Willis, Los Angeles'a Noel tatilini ayrı olduğu karısıyla geçirmeye gelen New York şehri polisi dedektif John McClane'i oynuyor. Fakat McClane, karısının düzenlediği ofisteki partinin başlamasını beklerken teröristler, binanın kontrolünü ele geçirir. Teröristlerin lideri Hans Gruber ve onun zalim yardakçısı, rehineleri bir araya toplarken McClane kimseye görünmeden kaçar. Yanında yanlızca bir silahı ve cesareti olan McClane, tek kişilik savaşını başlatır.
Neden izliyorsunuz?: Zor Ölüm gerilimini dürüstçe kazanıyor; baskı, yapay sürprizden ziyade durum ve karakterden kaynaklanıyor. John McTiernan, riskleri hissedecekleri konusunda izleyiciye güveniyor.
1988'te gösterime giren Zor Ölüm, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. John McTiernan hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.8 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Zor Ölüm için 7.8 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Zor Ölüm'in yaptığı da tam olarak bu. John McTiernan bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Zor Ölüm daha küçük bir kategoriye ait; 1980s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Zor Ölüm'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. John McTiernan, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Zor Ölüm'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Bruce Willis, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Zor Ölüm, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Zor Ölüm'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. John McTiernan ve Bruce Willis işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Zor Ölüm'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.8 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Zor Ölüm'e yüksek puan verme kararları, John McTiernan'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Zor Ölüm genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
En iyi sinema dikkatinizi ödüllendirir. Buradaki her filmler ihtiyaç duyduğu zamanı kazandı.
Kahkahalar Kralı
Bir yetişkin olmasına rağmen hala ailesiyle yaşayan bir 'kaçık' olan Rupert Pupkin, pek yetenekli olmadığı halde bir gün ünlü bir komedyen olacağına inanmaktadır. İdolü ise komedi yıldızı Jerry Langford’dur. Pupkin, eğer bir gün Langford’un TV programına çıkmanın yolunu bulursa, şöhretin kapısının önünde açılacağına dair bir saplantıya da sahiptir.
Neden izliyorsunuz?: Kahkahalar Kralı'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Martin Scorsese'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
Kahkahalar Kralı, 1982'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Kahkahalar Kralı'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.8'teki Kahkahalar Kralı, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Kahkahalar Kralı için 1980s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Martin Scorsese'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Kahkahalar Kralı'in görsel dili, 1982'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Martin Scorsese, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Kahkahalar Kralı'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Kahkahalar Kralı'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Kahkahalar Kralı'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Kahkahalar Kralı'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Kahkahalar Kralı'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Martin Scorsese'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Robert De Niro'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Kahkahalar Kralı, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Kahkahalar Kralı, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Martin Scorsese'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Kahkahalar Kralı'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Geleceğe Dönüş II
Marty bu kez 2015'e gidip henüz doğmamış çocuğuna yardım etmek zorunda kalacak. Elbette bunu yaparken ortalığı karıştıp zamanın dokusuna ve düzenine zarar verecek. Dostumuz, yol açtığı sorunları çözmek için yeniden geçmişe, sonra da geleceğe gidip gelecek. 50'lere döndüğünde, ilk serüvendeki sahnelerin bazılarını yeniden yaşama fırsatı bulacak ama bu kez başka birinin gözünden!
Neden izliyorsunuz?: Komedi sürdürülmesi en zor türdür. Robert Zemeckis, Geleceğe Dönüş II'in zahmetsiz görünmesini sağlar; bu, çoğu izleyicinin bilinçli olarak fark etmediği önemli bir zanaatın işaretidir.
Geleceğe Dönüş II'in 1989 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Geleceğe Dönüş II'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Geleceğe Dönüş II'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.8 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Geleceğe Dönüş II'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Geleceğe Dönüş II bundan faydalanıyor. Filmin bir komedi olarak tutarlılığı tutarlılıktan geliyor. Yönetmen dünyanın kurallarını ve karakterlerin bu kurallar içindeki davranışlarını belirliyor ve mizah, bu karakterlerin bir durumu nasıl yönlendirdiğinden ortaya çıkıyor. Bugün hala 7.8 olarak derecelendirilen 1980s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Geleceğe Dönüş II bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Geleceğe Dönüş II'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Robert Zemeckis, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Michael J. Fox, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Geleceğe Dönüş II'te en çok görülür.
Geleceğe Dönüş II, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. Geleceğe Dönüş II'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. Geleceğe Dönüş II'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. Robert Zemeckis'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
Geleceğe Dönüş II bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Robert Zemeckis, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.8 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Robert Zemeckis'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Geleceğe Dönüş II'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Doğruyu Seç
New York Brooklyne’de, yılın en sıcak günündeyiz. Mahallede geveze bir DJ’yin yeteneklerini sergilediği bir radyo istasyonu ve Koreli bir çiftin işlettiği bakkal dükkanı dışındaki yegane hareket merkezi, mıntıkanın bir beyazın işlettiği tek ticarethane olan pizzacıdır. Sal’ın Meşhur Pizzaları isimli dükkanda adamın birbirinden deli saçması iki oğlu ve bezgin siyahi Mookie çalışmaktadır. Mookie’nin hayatında ise gereğinden fazla sorumluluk sahibi kızkardeşi Tina dışında, iki kankası, rap düşkünü sessiz Radio Raheem ve çabuk alevlenen mizacıyla Buggin' Out vardır. Buggin’ bir gün Sam’ın dükkanında asılı bir İtalyan asıllı Amerikalılar köşesinde neden hep beyazlar olduğunu gündeme getirip mahalle çapında eylem yapmaya kalkar. Küçük aklıyla hesabedemediği şey ise, sinirlerin zaten gergin olduğu bu yılın en sıcak gününde olayların ne kadar kolay kontrolden çıkabileceğidir.
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. Spike Lee, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Doğruyu Seç (1989), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Doğruyu Seç, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.8 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Doğruyu Seç de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Genel olarak 1980s sineması bağlamında, Doğruyu Seç, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1980s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Doğruyu Seç'teki performanslar, Spike Lee'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Danny Aiello, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Doğruyu Seç'te en zor anlar, Danny Aiello'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Doğruyu Seç, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Doğruyu Seç'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Spike Lee ve Danny Aiello işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Doğruyu Seç'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Spike Lee filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.8 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Doğruyu Seç tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Arzunun Kanatları
‘‘Şimdi pes etmeli miyim? Eğer pes edersem, insanoğlu hikayecisini kaybeder ve insanoğlu bir kez hikayecisini kaybetti mi, çocukluğunu da kaybetmiş olur!’’ Berlin üzerinde bir melek... Usta isim Wim Wenders’ın yönetimindeki film, Berlin’deki hayatı ve hayat içinde yorgun insanları izleyen meleklerin, özellikle de Melek Damien’in hikayesini anlatmaktadır. Masumiyetlerinden ve gönül gözlerinin açıklığından ötürü olsa gerek, bu melekleri yalnızca çocuklar fark etmektedir. Diğer melekler gibi, tüm dünyayı siyah-beyaz gören, kütüphanede kitap okuyan insanların okuduklarını dinleyen Damien’ın tüm düzeni, sirkte çalışan güzel bir kadına aşık olmasıyla değişecek ve insan olmaya karar vermesine neden olacaktır. Ses getiren Hollywood yapımlarından City of Angels’ın esinlenildiği film olan yapım, Bruno Ganz ve Peter Falk’ın oyunculukları, Nick Cave’in müzikleri, aldığı ve aday olduğu pek çok ödülle dikkat değer bir yapımdır...
Neden izliyorsunuz?: Arzunun Kanatları sessizliğe güvenen bir drama. Wim Wenders, sahnelere bariz bitiş noktalarının ötesine geçebilmeleri için alan tanıyor ve karakterlerin performansı bıraktıklarında yaptıklarında doğru bir şeyler bulmalarını sağlıyor.
1987'te gösterime giren Arzunun Kanatları, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Wim Wenders hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.8 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Arzunun Kanatları'in 7.8 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Wim Wenders, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. 1980s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Arzunun Kanatları kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Arzunun Kanatları'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Wim Wenders, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Arzunun Kanatları karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Arzunun Kanatları'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Arzunun Kanatları'i ilk kez izleyen izleyiciler, Wim Wenders'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Arzunun Kanatları'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Bruno Ganz, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1987 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Wim Wenders'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Arzunun Kanatları, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Wim Wenders'in Arzunun Kanatları'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Dokunulmazlar
Eliot Ness, suç oranının arttığı ve polis teşkilatının günden güne kötüye gittiği bir dönemde Chicago’ya atanan bir federal ajandır. Ness’e verilen görev mafya elebaşı Al Capone’u etkisiz hale getirmektir. Fakat Capone şehirdeki gücü o kadar yüksektir ki başlangıçta kimse Ness’in başarılı olabileceğini düşünmez.Gittikçe cesaretini kaybetmekte olan Ness bir gün deneyimli bir polis memuru olan Jimmy Malone ile tanışır ve yakın bir dostluk kurar; Malone Ness’in Chicago’daki teşkilatta rastladığı ilk dürüst insandır... Malone’un yardımıyla Ness özel ekibine silahşör George Stone’u ve muhasebeci Oscar Wallace’ı ekleyerek Capone’un çevirdiği karanlık işlerin üzerine gitmeye başlar. Ekibin Capone’a karşı kullandığı taktiklerin bir kısmı hiç de yasal değildir...
Neden izliyorsunuz?: Gerilim sanatı en iyi haliyle izleyicinin açık bir şey olmadan önce dehşete düşmesi anlamına gelir. Brian De Palma, Dokunulmazlar'te bunu bilgi ve zamanlamanın kontrolü yoluyla başarıyor.
Dokunulmazlar, 1987'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Dokunulmazlar'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.8'te Dokunulmazlar, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Dokunulmazlar herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Bu, gerilimin fiziksel olmaktan ziyade psikolojik olduğu gerilim kategorisine aittir. Yönetmen izleyicinin açık bir tehlike gösterilmeden baskı hissedeceğine güveniyor. Sonuç, geleneksel gerilim mekaniğinden daha rahatsız edici. 1980s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Dokunulmazlar bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 1980s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 1980s filmi.
Dokunulmazlar'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Brian De Palma, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Dokunulmazlar'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Kevin Costner, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Dokunulmazlar'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Brian De Palma'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Dokunulmazlar, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. Kevin Costner'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Dokunulmazlar, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Kevin Costner'in performansının ve Brian De Palma'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Yağmur Adam
Bir ithal araba satıcısı olan Charlie, başkalarının düşüncelerine saygı duymayan bencil ve fırlama bir şehir çocuğudur. Babasının öldüğünü haber alan Charlie, cenazesine gittiğinde, babasının 49 model bir Buick Roadmaster hariç tüm mirasını bir vakfa bıraktığını öğrenir. Kendi hakkı olduğunu düşündüğü bu paradan bir pay alabilmek için bu vakfı ziyaret eden Charlie, buranın özürlülerle ilgilenen bir kurum olduğunu öğrenir.
Neden izliyorsunuz?: Barry Levinson, Yağmur Adam'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Yağmur Adam'in 1988 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Yağmur Adam'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Yağmur Adam'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.8'teki Yağmur Adam, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Barry Levinson, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. 1980s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Yağmur Adam hayatta kaldı çünkü Barry Levinson trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 7.8 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Yağmur Adam'in görsel dili, 1988'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. Barry Levinson, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Yağmur Adam'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Yağmur Adam'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Yağmur Adam, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.8 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Yağmur Adam'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Barry Levinson ve Dustin Hoffman işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Yağmur Adam'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.8 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Yağmur Adam'e yüksek puan verme kararları, Barry Levinson'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Yağmur Adam genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Müfreze
Chris Taylor, genç ve idealist bir Amerikalı'dır, ve çok geçmeden Vietnam'da sadece Viet Cong'larda değil, aynı zamanda içinde büyüyen korku, fiziksel bitkinlik ve gitgide artan kızgınlığıyla da savaşmak zorunda olduğunu anlar. Taylor'ın iki kumanda komutanı düşman ve kendi aralarındaki iki savaş net bir çizgi çizmektedir, ama çelişkiler, kaos ve nefret Taylor'ın içine işler, inançlarını boğar ve duyularını insanın en yüksek tuttuğu değer olan hayata karşı hissizleştirir...
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. Oliver Stone, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Müfreze (1986), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Müfreze, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.7 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Müfreze, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Müfreze, 1980s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 1980s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, Oliver Stone'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Müfreze'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Oliver Stone, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Charlie Sheen, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Müfreze'te en çok görülür.
Müfreze'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Müfreze'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Müfreze'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Oliver Stone'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Charlie Sheen'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Müfreze, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Müfreze, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Oliver Stone'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Müfreze'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Non ci resta che piangere
Two 20th-century friends accidentally stumble into the year 1492, where they meet a charming teen and try to alter history.
Neden izliyorsunuz?: Non ci resta che piangere yeniden izlenmeye devam eden bir komedi çünkü espriler can alıcı nokta etrafında tasarlanmış durumlardan ziyade bu insanların kim olduğundan kaynaklanıyor.
1984'te gösterime giren Non ci resta che piangere, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Roberto Benigni hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.7 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Non ci resta che piangere için 7.7 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Non ci resta che piangere'in yaptığı da tam olarak bu. Roberto Benigni bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Film izleyicinin komik zamanlama anlayışına güveniyor. Yönetmen ritmi kuruyor ve ardından mizahın yaşadığı yerlerde duraklamalara izin veriyor. Performanslar, kısıtlamanın vurgu yapmaktan daha eğlenceli olduğunu anlıyor. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Non ci resta che piangere daha küçük bir kategoriye ait; 1980s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Non ci resta che piangere'teki performanslar, Roberto Benigni'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Massimo Troisi, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Non ci resta che piangere'te en zor anlar, Massimo Troisi'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Non ci resta che piangere, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. Non ci resta che piangere'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. Non ci resta che piangere'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. Roberto Benigni'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
Non ci resta che piangere bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Roberto Benigni, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.7 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Roberto Benigni'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Non ci resta che piangere'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Mor Yıllar
1900'lerin başında, güneyli bir siyahi kız olan Celie, önce babası tarafından hamile bırakılır, ardından yıllar boyunca efendisi olarak göreceği adama evlenmek üzere adeta satılır. Kocasından gördüğü şiddete rağmen tek tesellisi kız kardeşi Nettie'ye yazdığı mektuplardır. Oysa babası Nettie'nin cevaplarının ona ulaşmasına engel olmaktadır. Celie sonunda kuru gürültüye papuç bırakmayacak güçlü bir kadın olan Sofia ile tanışacak ve ondan çok şey öğrenecektir.Alice Walker'ın Pulitzer ödüllü romanından Steven Spielberg tarafından uyarlanan Mor Yıllar, 11 dalda Oscar adayı olmayı bilmiş, güçlü bir film.
Neden izliyorsunuz?: Mor Yıllar'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Steven Spielberg'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
Mor Yıllar, 1985'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Mor Yıllar'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.7'teki Mor Yıllar, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Mor Yıllar için 1980s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Steven Spielberg'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Mor Yıllar'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Steven Spielberg, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Mor Yıllar karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Mor Yıllar'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Mor Yıllar, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.7 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Mor Yıllar'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Steven Spielberg ve Danny Glover işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Mor Yıllar'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Steven Spielberg filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.7 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Mor Yıllar tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Kahvaltı Kulübü
Cumartesi günü kaldıkları cezada okulun sporcusu, dâhisi, zorbası, prensesi ve yalnız genci, sosyal engelleri ezip geçer.
Neden izliyorsunuz?: John Hughes, Kahvaltı Kulübü'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Kahvaltı Kulübü'in 1985 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Kahvaltı Kulübü'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Kahvaltı Kulübü'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.7 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Kahvaltı Kulübü'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Kahvaltı Kulübü bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Bugün hala 7.7 olarak derecelendirilen 1980s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Kahvaltı Kulübü bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Kahvaltı Kulübü'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. John Hughes, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Kahvaltı Kulübü'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Emilio Estevez, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Kahvaltı Kulübü'i ilk kez izleyen izleyiciler, John Hughes'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Kahvaltı Kulübü'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Emilio Estevez, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1985 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey John Hughes'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Kahvaltı Kulübü, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. John Hughes'in Kahvaltı Kulübü'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Harika filmler izlemek dünyaya bakışınızı değiştirir. Bu yüzden onları dikkatle seçiyoruz.
Cazcı Kardeşler
Jake Blues, hapisten çıktıktan sonra kardeşi Elwood'la birlikte rahibeler tarafından bakıldıkları eski evlerine giderler. Kilisenin desteğini çekmek üzere olduğunu ve bu yeri eğitim için satacaklarını öğrenen kardeşler, tek kurtuluşun 11 gün içinde 5000 $'lık bir ödeme yapmak olduğunu öğrenirler. Blues kardeşler, evi kurtarmak için yardımcı olmak isterler ve bir caz albümü sayesinde gerekli parayı kazanmaya çalışırlar. Görevleri "Tanrı Hizmeti" olsa da karşılarına beklemedikleri engeller çıkar, nereye gitseler düşman edinmeye başlarlar...
Neden izliyorsunuz?: Sadece bir tane olarak pazarlanmak yerine gerçekten komik bir filmler. Cazcı Kardeşler'teki mizah düzenden değil karakterden geliyor.
Cazcı Kardeşler (1980), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Cazcı Kardeşler, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.7 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Cazcı Kardeşler de bir istisna değildir. Filmin komedi gibi çalışmasını sağlayan şey, yönetmenin mizahın nerede olduğunu belirtmeyi reddetmesidir. Şakalar karakter ve durumdan kaynaklanıyor; bu da, dikkat eden izleyicilerin, gülmeleri gerektiğinin söylenmesini bekleyen izleyicilerden daha fazlasını bulduğu anlamına geliyor. Genel olarak 1980s sineması bağlamında, Cazcı Kardeşler, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1980s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Cazcı Kardeşler'in görsel dili, 1980'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. John Landis, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Cazcı Kardeşler'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Cazcı Kardeşler'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Cazcı Kardeşler'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, John Landis'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Cazcı Kardeşler, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. John Belushi'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Cazcı Kardeşler, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, John Belushi'in performansının ve John Landis'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Düğün Çiçeği
Büyükbaba, yatağın ucunda torununa, babadan oğula geçen bir masalı anlatmaktadır. O anlatmaya devam ettikçe masal canlanmaya başlar. Prens Humperdinck, güzel prenses Buttercup ile evlenmek istemektedir. Ancak prensesin bu kötü kalpli prenste gönlü yoktur. Bunun üzerine Buttercup kaçırılır. Onu kurtacak kişi çocukluğunda prensese aşık, şimdi ise aranan bir korsan olan Westley'dir. Westley prensesin izinden giderken kötü kalpli şövalyeler, devler ve süper güçlere sahip yaratıklarla savaşmak zorunda kalacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Düğün Çiçeği yeniden izlenmeye devam eden bir komedi çünkü espriler can alıcı nokta etrafında tasarlanmış durumlardan ziyade bu insanların kim olduğundan kaynaklanıyor.
1987'te gösterime giren Düğün Çiçeği, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. Rob Reiner hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.7 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Düğün Çiçeği'in 7.7 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Rob Reiner, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Film izleyicinin komik zamanlama anlayışına güveniyor. Yönetmen ritmi kuruyor ve ardından mizahın yaşadığı yerlerde duraklamalara izin veriyor. Performanslar, kısıtlamanın vurgu yapmaktan daha eğlenceli olduğunu anlıyor. 1980s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Düğün Çiçeği kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Düğün Çiçeği'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Rob Reiner, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Cary Elwes, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Düğün Çiçeği'te en çok görülür.
Düğün Çiçeği, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.7 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Düğün Çiçeği'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Rob Reiner ve Cary Elwes işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Düğün Çiçeği'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.7 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Düğün Çiçeği'e yüksek puan verme kararları, Rob Reiner'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Düğün Çiçeği genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Terminatör
1984 yılında, doğmamış oğlu gelecekte insanlığın kurtuluşu olacak genç bir kadını öldürmek için 2029 yılından yok edilemez bir cyborg yollanır. Genç kadının ve insanlığın tek umudu 2029 yılından gelen genç bir askerdir.
Neden izliyorsunuz?: Gerilim sanatı en iyi haliyle izleyicinin açık bir şey olmadan önce dehşete düşmesi anlamına gelir. James Cameron, Terminatör'te bunu bilgi ve zamanlamanın kontrolü yoluyla başarıyor.
Terminatör, 1984'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Terminatör'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.7'te Terminatör, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Terminatör herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Bu, gerilimin fiziksel olmaktan ziyade psikolojik olduğu gerilim kategorisine aittir. Yönetmen izleyicinin açık bir tehlike gösterilmeden baskı hissedeceğine güveniyor. Sonuç, geleneksel gerilim mekaniğinden daha rahatsız edici. 1980s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Terminatör bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 1980s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 1980s filmi.
Terminatör'teki performanslar, James Cameron'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Arnold Schwarzenegger, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Terminatör'te en zor anlar, Arnold Schwarzenegger'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Terminatör'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Terminatör'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Terminatör'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. James Cameron'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Arnold Schwarzenegger'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Terminatör, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Terminatör, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. James Cameron'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Terminatör'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Mississippi Yanıyor
Irkçı geçmişiyle tanınan, ABD’nin güney eyaleti Mississipi’de, 60’lı yıllarda bir zenci için yaşam hiç de kolay değildir. Bunu değiştirmek için çalışan 3 insan hakları eylemcisinin ortadan kaybolması iki FBI ajanının bölgeye gelmesiyle sonuçlanır.
Neden izliyorsunuz?: Alan Parker, Mississippi Yanıyor'e iyi bir dramanın gerektirdiği ve nadiren gösterilen sabırla yaklaşıyor. Sonuç, duygusal anları planlamak yerine hak eden bir filmler.
Mississippi Yanıyor'in 1988 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Mississippi Yanıyor'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Mississippi Yanıyor'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.7'teki Mississippi Yanıyor, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Alan Parker, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. 1980s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Mississippi Yanıyor hayatta kaldı çünkü Alan Parker trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 7.7 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Mississippi Yanıyor'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Alan Parker, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Mississippi Yanıyor karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Mississippi Yanıyor'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Mississippi Yanıyor, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Alan Parker, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Mississippi Yanıyor'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 7.7 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Gene Hackman - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Mississippi Yanıyor bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Alan Parker, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.7 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Alan Parker'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Mississippi Yanıyor'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Brazil
Geleceğin tuhaf ve gereksiz derecede karmaşık, fütüristik dünyasındayız. Devlet memuru Sam Lowrey, etrafını saran bu bürokrasi ve teknoloji cenderesinden bunalmış bir istatistikçidir. Kaçışı ve sükuneti, kendisini her şeyden izole ettiği hayallerde bulur. Rüyalarında sürekli olarak aynı kadını kurtardığını görür.Sam'in yaşadığı gerçek dünyayı ise, herşeyi görüp kontrol eden bir bilgisayar idare etmektedir. Jill Layton isimli genç kadın terorist olmakla suçlandığında, düzenli olarak hata kontrolleri yapmakta olan Sam bunda bir yanlışlık olduğunu farkeder ve Jill ile tanıştığında onun rüyalarında kurtarıp durduğu kız olduğunu anlar.
Neden izliyorsunuz?: Sadece bir tane olarak pazarlanmak yerine gerçekten komik bir filmler. Brazil'teki mizah düzenden değil karakterden geliyor.
Brazil (1985), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Brazil, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 7.7 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Brazil, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Filmin komedi gibi çalışmasını sağlayan şey, yönetmenin mizahın nerede olduğunu belirtmeyi reddetmesidir. Şakalar karakter ve durumdan kaynaklanıyor; bu da, dikkat eden izleyicilerin, gülmeleri gerektiğinin söylenmesini bekleyen izleyicilerden daha fazlasını bulduğu anlamına geliyor. Brazil, 1980s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 1980s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, Terry Gilliam'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Brazil'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Terry Gilliam, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Brazil'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Jonathan Pryce, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Brazil, bir filmin başka yerlerden gelen beklentilere uymasını istemek yerine, kendi koşullarıyla tanışmaya istekli izleyiciler için güvenilir bir öneridir. Bu kategorideki daha yüksek dereceli başlıkların kültürel olarak her yerde bulunmasına sahip değil, bu da zorunlu izlemenin ağırlığı olmadan geldiği anlamına geliyor. Brazil'i görmeleri gerektiği söylenmeden keşfeden izleyiciler, ona bir zorunluluk olarak yaklaşanlardan genellikle daha güçlü tepki veriyor. Terry Gilliam özel bir ilgi uyandıran bir şey yaptı; herkes için her şey olmaya çalışmıyor. Brazil ile bağlantı kuran izleyiciler, onu 7.7 derecelendirmesinin önerdiğinden çok daha iyi bulma eğilimindedir; bu nedenle sınırlı pazarlama görünürlüğüne rağmen bu derecelendirmeyi elinde tutuyor.
Brazil'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Terry Gilliam filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 7.7 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Brazil tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Mavi Kadife
Son derece sakin gözüken bir Amerika kasabasında yaşayan Beaumont ailesi, babalarının geçirdiği krizle sarsılır. Oğul Jeffrey, babasını götürdüğü hastanenin dönüşünde eve doğru ilerlerken çimlerin üzerinde bir cisimle karşılaşır: Bu, bir insan kulağıdır. Kulağın kime ait olduğunu bulmaya çalışan ve bunu bir takıntı haline getiren Jeffrey'in yolu, histerik ama son derece etkileyici bir kadın olan Dorothy'ye çıkacaktır. Bir gece klubünde şarkıcılık yapan Dorothy, Jeffrey'e olayların düğümünün yeraltı dünyasının ünlü isimlerinden biri olan Frank ile çözüleceğini gösterecektir. Ancak Dorothy ne kadar güvenilirdir?
Neden izliyorsunuz?: Mavi Kadife gerilimini dürüstçe kazanıyor; baskı, yapay sürprizden ziyade durum ve karakterden kaynaklanıyor. David Lynch, riskleri hissedecekleri konusunda izleyiciye güveniyor.
1986'te gösterime giren Mavi Kadife, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. David Lynch hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.6 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Mavi Kadife için 7.6 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Mavi Kadife'in yaptığı da tam olarak bu. David Lynch bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Mavi Kadife daha küçük bir kategoriye ait; 1980s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Mavi Kadife'in görsel dili, 1986'in filmler yapımını en dikkate değer haliyle yansıtıyor. David Lynch, modern prodüksiyonların post prodüksiyona aktardığı duygusal ağırlığı taşımak için kompozisyon ve ışık gerektiren teknik kısıtlamalar dahilinde çalıştı. Mavi Kadife'deki her kare ayarlanmak yerine tasarlandı. Sonuç, sınırsız post prodüksiyon seçenekleriyle çağdaş filmlerin nadiren başardığı bir görsel tutarlılıktır. Mavi Kadife'i çekimlerin nasıl oluşturulduğuna dikkat ederek izlemek, kameranın sadece bir şeyi kaydetmediğini, onu nasıl göreceğine dair tartışma yaptığını anlayan bir filmler yapımcısının ortaya çıkmasını sağlıyor.
Mavi Kadife'i ilk kez izleyen izleyiciler, David Lynch'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Mavi Kadife'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Isabella Rossellini, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 1986 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey David Lynch'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Mavi Kadife, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. David Lynch'in Mavi Kadife'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Son İmparator
Sinema tarihinin en çok ödül alan, en geniş kadrolu filmlerinin başında gelen Son İmparator destansı bir öyküdür: 2 yaşında tahta çıkan Çin'in son imparatoru Pi Yi'nin gözünden 60 yılın öyküsü. Çekimi 2,5 yıl süren, 19 binden fazla kişinin rol aldığı film çok şık ve estetik bir görkemli yapımdır. Bertolucci sinemasının izlerini de taşır: Yasak Kent'in avlusunda binlerce figuranla çekilen sahnelerden ipek çarşafların altında belli belirsiz sevişen üç bedene kadar... Son İmparator aynı zamanda Bertolucci'nin Oryantal Üçlemesi'nin ilk filmidir. Bu seri daha sonraki yıllarda çekeceği Çölde Çay ve Küçük Buda ile tamamlanır.
Neden izliyorsunuz?: Son İmparator'in drama olarak çalışmasını sağlayan şey, Bernardo Bertolucci'in izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Duygusal kayıt sinyalle değil yaratılır.
Son İmparator, 1987'ten kalmadır; bu, birden fazla nesil izleyici tarafından test edildiği anlamına gelir. Son İmparator'in hâlâ yüksek sıralarda yer alması nostaljiden ziyade gerçek zanaatı yansıtıyor. 7.6'teki Son İmparator, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Son İmparator için 1980s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Bernardo Bertolucci'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Son İmparator'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Bernardo Bertolucci, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. John Lone, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Son İmparator'te en çok görülür.
Son İmparator'in etkilediği filmleri izleyen izleyiciler, orijinal filmi izlemenin çağdaş bir filmi izlemekten farklı bir deneyim olduğunu görecek. Kapsamlı bir şekilde kopyalandığı için tanıdık gelen teknikler, burada orijinal halleriyle görülebiliyor; bu da çoğu zaman kopyaların, Bernardo Bertolucci'in yaptığı şeyin arkasındaki mantığı anlamadan yüzeysel olarak anladığını ortaya koyuyor. Son İmparator, stilistik seçimlerini belirli hikaye anlatma hedeflerine hizmet edecek şekilde kullanır. Daha sonra bu seçenekleri ödünç alan filmler genellikle bunları işlevi olmayan bir stil olarak kullandı. Orijinali izlemek gerçekte neyin başarıldığını netleştirir. John Lone'in buradaki çalışması aynı zamanda kendisinden ilham alan pek çok performansın sahip olmadığı bir özelliğe de sahip; tarzı bir anlam ifade eden içsellik olmadan tarzı yakalayan taklitler.
Listede bu konumdaki Son İmparator, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, John Lone'in performansının ve Bernardo Bertolucci'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Ferris Bueller'le Bir Gün
Hayat kadar uçsuz bucaksız. Tesadüflerle kararlarını belirleyen. Kendini ve hayatı fazla ciddiye alanlar için kesinlikle iyi bir model. Boş bir günün değerini bilen bir adam. Son sınıfın son günlerine yaklaştığı bir bahar günü Ferris, kız arkadaşını ve en yakın arkadaşını dayanına alarak okuldan kaçar ve Chicago'ya yola koyulurlar. Özgür bir gün, şehri turlamak biraz cesaret ve kırmızı bir Ferrari ile 17 yaşında olmak gerçek bir eğlence olabilir! * 80'li yılların efsane filmleri arasında kelimenin tam anlamıyla hit olmuş bir film daha var: Ferris Bueller's Day Off. Hakkında bir sürü film çekilmesine rağmen hala türünün benzersiz örneği olan bu filmin kendine has bir espri anlayışı var.
Neden izliyorsunuz?: Komedi sürdürülmesi en zor türdür. John Hughes, Ferris Bueller'le Bir Gün'in zahmetsiz görünmesini sağlar; bu, çoğu izleyicinin bilinçli olarak fark etmediği önemli bir zanaatın işaretidir.
Ferris Bueller'le Bir Gün'in 1986 sürümü, yayın çağından tamamen öncedir. Ferris Bueller'le Bir Gün'i derecelendiren her izleyici, bunu teatral gösterim, fiziksel medya veya öneri gibi kasıtlı bir çabayla keşfetti. Ferris Bueller'le Bir Gün'in bu kitlesi etkileşim için kendi kendini seçiyor. 7.6 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Ferris Bueller'le Bir Gün'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Ferris Bueller'le Bir Gün bundan faydalanıyor. Filmin bir komedi olarak tutarlılığı tutarlılıktan geliyor. Yönetmen dünyanın kurallarını ve karakterlerin bu kurallar içindeki davranışlarını belirliyor ve mizah, bu karakterlerin bir durumu nasıl yönlendirdiğinden ortaya çıkıyor. Bugün hala 7.6 olarak derecelendirilen 1980s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Ferris Bueller'le Bir Gün bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Ferris Bueller'le Bir Gün'teki performanslar, John Hughes'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Matthew Broderick, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Ferris Bueller'le Bir Gün'te en zor anlar, Matthew Broderick'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Ferris Bueller'le Bir Gün, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.6 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Ferris Bueller'le Bir Gün'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. John Hughes ve Matthew Broderick işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Ferris Bueller'le Bir Gün'i listenin bu bölümüne yerleştiren 7.6 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Ferris Bueller'le Bir Gün'e yüksek puan verme kararları, John Hughes'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Ferris Bueller'le Bir Gün genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Gandhi
20. yüzyılın ilk yarısında İngiliz sömürgesi altındaki Hindistan'da geçen film, bağımsızlık mücadelesi için İngiliz yönetimine karşı "Pasif Direniş"i örgütleyen Mahatma Gandhi'nin hayatından bir kesit anlatıyor. En iyi biyografik çalışmalardan biri olarak kabul edilen Gandhi, 11 dalda aday olduğu Oscar ödüllerinden "en iyi film" ve "en iyi yönetmen" dahil tam 8 ödülle döndü. Gandhi rolünde sinema tarihinin en iyi performanslarından birine imza atan usta oyuncu Ben Kingsley'nin ise "en iyi erkek oyuncu" dalında heykelciğe uzanmasıysa pek zor olmadı. Cenaze sahnesinde yaklaşık 300.000 kişinin yer almasıyla da bir film sahnesinde yer alan en kalabalık insan sayısı rekorunu da elinde bulunduran film, çarpıcı sahneleriyle hafızalardan silinmeyecek bir yapıt. Hindistan bağımsızlık hareketinin lideri Gandhi'nin gerçek hayatından sinemaya aktarılan bu gerçekçi yapım, ülkemizde yıllarca yasaklanmış ve gösterime girememişti..
Neden izliyorsunuz?: Jeneriklerden sonra da aklınızdan çıkmayacak türden bir dram. Richard Attenborough, materyali standart ücretin üzerine çıkaran bir sabır getiriyor.
Gandhi (1982), internetin her filmi anında her yerde kullanılabilir hale getirmesinden önce geldi. İzleyicilere ulaşmak, gerçek bir ağızdan ağıza pazarlamayı gerektiriyordu ve Gandhi, gerçek bir şey sunduğu için bu ağızdan ağıza pazarlamayı oluşturdu. 7.6 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Gandhi de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Genel olarak 1980s sineması bağlamında, Gandhi, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 1980s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Gandhi'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Richard Attenborough, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Gandhi karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Gandhi'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Gandhi'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Gandhi'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Gandhi'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Richard Attenborough'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Ben Kingsley'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Gandhi, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Gandhi, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Richard Attenborough'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Gandhi'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Av
Dutch ve komandoları CIA tarafından Güney Amerika ormanlarında esir tutulan havacıyı bulup getirmekle görevlendirilirler. Görev başarılı olur ama dönüş yolunda gizemli bir yaratığın onları izlediğini fark ederler. Ölüm artık onlara çok yakındır.
Neden izliyorsunuz?: Av, aksiyon sinemasının temel sorununu çözüyor: aksiyonu size göstermeden önce ilgilenmenizi sağlamak. Sekanslar iniş yapıyor çünkü önceki sahneler neden önemli olduklarını ortaya koyuyor.
1987'te gösterime giren Av, bir filmin hayatta kalıp kalamayacağının teatral gösterimlerle belirlendiği bir dönemde yapıldı. John McTiernan hayatta kalan bir şey yaptı ve bugün sahip olduğu 7.6 derecelendirmesi, bu kalıcı gücün kanıtıdır. Av'in 7.6 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. John McTiernan, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Aksiyon sineması, mekansal mantık çöktüğünde ve sekanslar soyut bir gösteriye dönüştüğünde başarısız olur. Bu filmler bu başarısızlığı önlüyor. Yönetmen storyboard'ları sadece etki için değil, anlaşılması için de hazırlıyor. Seyirci her anın risklerini her zaman anlar. 1980s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Av kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Av'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. John McTiernan, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Av'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Arnold Schwarzenegger, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Av, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 7.6 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Av'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. John McTiernan ve Arnold Schwarzenegger işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Av bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. John McTiernan, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 7.6 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri John McTiernan'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Av'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Bu 1980s Filmlerini Nasıl Sıraladık?
Bu sayfadaki her film, Film Veritabanı API'sinden alınan veriler kullanılarak seçilmiştir ve kalite tutarlılığını sağlamak amacıyla minimum oy eşiklerine göre filtrelenmiştir. Süreç, bu kategorideki tüm filmlerin oy ortalamasına göre azalan sırada sıralanmasıyla başlar, ardından gereken sayıdan daha az oy alan filmleri hariç tutacak şekilde filtrelenir.
Bu daha büyük listedeki her girişin doğruluğu manuel olarak doğrulandı. Yüksek derecelendirme, otomatik olarak izlenebilirlik anlamına gelmez. Son haberler nedeniyle trend olan bir film, gerçekten iyi olduğu için trend olan bir filmle aynı değildir. Her girişteki editoryal analiz, kültürel gürültüden ziyade gerçek film kalitesini yansıtıyor.
Seçim, erişilebilirlik ve derinlik arasında bir denge sağlar. Buradaki filmler, çağdaş gösterimlerden yeniden keşfedilmeyi hak eden katalog başlıklarına kadar çeşitlilik göstermektedir. Hepsi ustalık ve niyetle yapıldı. Tüm ödül görüntüleme.
Türe Göre En İyi 1980s Filmleri
Bu sayfadaki 50 filmleri birden fazla türü ve alt türü kapsar. Tür bir filtre olarak kullanışlıdır ancak kesin bir kategori olarak kullanışlı değildir. Drama etiketli bir film, Gerilim etiketli bir film kadar merak uyandırıcı olabilir. Aksiyon etiketli bir film, Drama etiketli bir film kadar duygusal açıdan zeki olabilir. Türü resmin tamamı olarak değil, başlangıç noktası olarak kullanın.
Her filmdeki tür etiketleri, filmin kategorik olarak nerede bulunduğunu gösterir. 1980s'te en çok ilginizi çeken türleri bulmak için filtreleri kullanın.
Derecelendirmeye Göre En İyi 1980s Filmleri
Bu sayfadaki filmler üç derecelendirme aşamasına ayrılmıştır. 8,5'in üzerindeki filmler her açıdan olağanüstüdür ve bu kategorideki en iyi sinemayı temsil eder. 7,5'ten 8,4'e kadar olan filmler tutarlı bir işçilik gösterir ve güvenilir bir şekilde güçlüdür. 7.0'dan 7.4'e kadar olan filmler, biraz daha geniş bir kalite aralığını temsil etseler de hala mükemmel ve izlenmeye değerdir.
TMDB'de 8,0 puan, istatistiksel olarak güvenilir olması için yeterince geniş bir seçmen tabanını gerektirir. Zaman içinde test edilen gerçek izleyici beğenisini yansıtır.
Runtime'a göre En İyi 1980s Filmleri
Çalışma zamanı, ne izleneceğini seçerken en kullanışlı ve en az kullanılan filtrelerden biridir. 90 dakikanın altındaki filmler, kusursuz deneyimler sunar. 90 ila 120 dakika arasındaki filmler çoğu izleme durumu için en uygun uzunluktur. 120 dakikanın üzerindeki filmler bağlılık gerektirir ancak ödüllendirir.
Beklenenden çok daha uzun süren bir şeye gece geç saatlerde başlamak yerine, doğru filmi bulmak için mevcut zamanınızı kullanın.
Bulunmaya Değer Gizli Mücevherler
Her 1980s seçkisi, en üst görünürlük sıralamasının altında yer alan ancak olağanüstü bir şey sunan filmleri içerir. Bunlar, franchise'ın tanınmaması veya yakın zamanda basında yer almaması nedeniyle algoritmanın hafife aldığı filmlerdir. Belirsiz oldukları için gizli değiller. Platformlar en gürültülü seçenekleri ilk önce ortaya çıkardığı için gizlenirler.
Explore Related 1980s Content
The 1980s is best understood through multiple lenses. Below are related ways to explore movies from this decade and era.
Sıkça Sorulan Sorular
1980s'in en iyi filmleri hangileri?
1980s'in en iyi filmleri bu sayfada tam olarak sıralanır ve listelenir. Bu liste nostaljiden ziyade gerçek izleyici takdirini yansıtıyor. Her film, yerini yeterince büyük bir izleyici kitlesinden gelen sürekli olumlu tepkilerle kazandı.
1980s'in en yüksek reytingli filmi hangisi?
1980s'in en yüksek puan alan filmleri bu sayfanın üst kısmında listelenmiştir. 8,5 ve üzeri puan alan filmler, o zamandan beri yapılan her şeye erişebilen izleyiciler tarafından beğenildi ve bu da, derecelendirmeyi tek başına sayının gösterdiğinden daha anlamlı kılıyor.
En iyi 1980s gerilim filmleri nelerdir?
1980s'in gerilim filmleri bu sayfa boyunca tür etiketleriyle tanımlanır. Gerilim veya Suç Gerilimi etiketli filmleri arayın. En iyi 1980s gerilim filmleri, üretilmiş şok yerine karakter yatırımı yoluyla gerilim yaratır.
En iyi 1980s dizileri hangileri?
1980s'in drama filmleri dönemin en kalıcı eserlerinden bazılarını temsil ediyor. En iyi 1980s dramaları, izleyicilerin duygusal bilgileri altını çizmeden kaydetmesine ve yayınlandıktan onlarca yıl sonra bile izlemeyi ödüllendirmeye devam etmesine güvenir.
En iyi 1980s aksiyon filmleri nelerdir?
Aksiyon sineması 1980s sırasında önemli ölçüde gelişti. Bu sayfadaki Aksiyon etiketli filmler, bu evrimin en iyilerini temsil ediyor; sekansları önce kavramaya, sonra etkilemeye yönelik.
En iyi 1980s komedileri nelerdir?
En iyi 1980s komedileri mizahı kurgu ve can alıcı nokta mekaniklerinden ziyade karakterden türetmiştir. Orijinal kültürel referanslar kaybolsa bile karakterler spesifik ve tanınabilir olduğundan komik kalıyorlar.
En iyi 1980s korku filmleri nelerdir?
En iyi 1980s korku filmleri, atmosferin şoktan daha dayanıklı olduğunu ve korkunun karakterlere önceden yatırım yapılmasını gerektirdiğini anlamıştı. Açık içerikten ziyade atmosferik zanaat ve yapısal zeka nedeniyle seçildiler.
En iyi 1980s bilim kurgu filmleri nelerdir?
En iyi 1980s bilimkurgu filmleri gösteriden ziyade insanın sorularını keşfetmek için spekülatif öncülleri kullandı. Tür yeterince ciddiye alındı ve gerçek fikirlerin yer aldığı projeler yapıldı ve teatral olarak yayınlandı.
En iyi 1980s suç filmleri nelerdir?
1980s'in polisiye sineması türün ürettiği en güçlü çalışmalardan bazılarını temsil ediyor. Bu filmler ahlaki belirsizliği çözümlemeden ele alıyor ve suç yaşamının bedelini romantizm olmadan gösteriyordu.
1980s'in en iyi yabancı dil filmleri hangileri?
1980s'in uluslararası sineması bu listede temsil edilmektedir. Bu dönemde birçok ulusal sinema yaratıcılığın zirvesindeydi. Altyazı şüphesi olanlar bu sayfada 8,5 ve üzeri puan alan herhangi bir yabancı dil filmiyle başlamalıdır.
1980s'in en az değer verilen filmleri hangileri?
Bu sayfadaki Gizli Mücevher bölümü, anlamlı seçmen tabanlarından 6,5 ile 7,4 arasında puan alan 1980s filmlerini tanımlar. Bu filmler, belirsiz oldukları için değil, franchise'ın tanınmaması veya son zamanlarda basında yer almaması nedeniyle küçümseniyor.
Herkes en az bir kez hangi 1980s filmlerini izlemeli?
Bu listede 8,0 ve üzeri puan alan filmler, pazarlıksız 1980s izlemeyi temsil etmektedir. Bunlar, birden fazla nesilden izleyici arasında gerçek anlamda eleştirel fikir birliğine ulaştı ve yeni izleyicilere ulaşmaya devam ediyor.
Genellikle eski filmleri izlemeyen biri için en iyi 1980s filmleri hangileridir?
Bu sayfadan 8,5 ve üzeri puan alan herhangi bir filmle başlayın. Kalite eskimez. Hoşunuza giden bir türde bir 1980s filmi bulmak ve oradan başlamak için tür etiketlerini kullanın.
1980s filmleri modern sinemayla karşılaştırıldığında nasıldır?
1980s farklı kısıtlamalar altında ve farklı amaçlarla filmler üretti. Bütçe yapıları, orijinal öncüllere sahip orta sınıf filmlerin sinemalarda gösterime girmesine izin verdi. Yönetmenlere stüdyolarla ilgili olarak şu anda yaygın olandan daha fazla yaratıcı kontrol verildi.
1980s filmleri bugün hâlâ izlenmeye değer mi?
Evet, yeterlilik olmadan. Bu listedeki filmler tarihsel açıdan ilginç oldukları için değil, dayandıkları için seçildi. Harika film yapımcılığı, teknolojinin veya modanın eskidiği gibi eskimez. Çağdaş izleyiciler bu filmleri yüksek oranda derecelendirmeye devam ediyor.