The Shawshank Redemption
妻とその愛人を射殺したかどでショーシャンク刑務所送りとなった銀行家アンディ。初めは戸惑っていたが、やがて彼は自ら持つ不思議な魅力ですさんだ受刑者達の心を掴んでゆく。そして20年の歳月が流れた時、彼は冤罪を晴らす重要な証拠をつかむ。
なぜ見るのか: このセレクションの中で最も評価の高い映画の 1 つ。 The Shawshank Redemption は、複数の世代の視聴者の間で継続的に高い評価を受けることでその評判を獲得してきました。
The Shawshank Redemption (1994) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、The Shawshank Redemption がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 The Movie Database で 8.7 の評価を受けることは統計的にはまれです。それには、個々の意見が平均化され、多様な視聴者に一貫して伝わる映画だけを残すのに十分な規模の有権者ベースが必要です。 The Shawshank Redemption はそのことに同意しています。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 1990s映画全体のコンテキストでは、The Shawshank Redemption は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1990s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
The Shawshank Redemption の映画撮影は、デジタル ツールが利用可能であったものの、映画制作者がまだデジタル ツールを使用するかどうかを議論していた映画テクノロジーの過渡期を反映しています。 Frank Darabont は、デフォルトではなく意図的にビジュアル スタイルを選択しました。 The Shawshank Redemption の照明、フレーム、カットの方法は、業界の慣例ではなく、特定の視覚的知性を反映しています。 Tim Robbins は、その視覚的なフレームワーク内で機能しており、何をしているかだけではなく、フレーム内にどのように配置されているかに注意して映画を視聴すると、最もよくわかります。
The Shawshank Redemption を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて The Shawshank Redemption を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると The Shawshank Redemption が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Frank Darabont の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Tim Robbins のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの上位 10 位に The Shawshank Redemption をランク付けるには、特別な議論は必要ありません。統計的に意味があるのに十分な規模の有権者ベースからの 8.7 評価が議論です。深刻なリストのトップ 10 に入る映画がその位置を占めているのは、常に最も幅広い視聴者に配信しているためであり、The Shawshank Redemption は、これを見たすべての層にそれを実現しました。ここでの Frank Darabont の作品は、個々のシーンの品質が映画全体のレベルに耐えられるものに複合されるレベルで機能していますが、これは思っているよりも珍しいことです。
Schindler's List
1939年、ポーランド南部の都市クラクフにドイツ軍が侵攻した。ドイツ人実業家のオスカー・シンドラーは、一旗揚げようとこの街にやって来た。彼は金にものを言わせて巧みに軍の幹部たちに取り入り、ユダヤ人の所有していた工場を払い下げてもらう。ユダヤ人会計士のイツァーク・シュテルンをパートナーに選んだシンドラーは、軍用ホーロー容器の事業を始める。41年3月、ユダヤ人たちは壁に囲まれたゲットー（居住区）に住むことを義務づけられる。シュテルンの活躍で、ゲットーのユダヤ人たちが無償の労働力として、シンドラーの工場に続々と集められ事業はたちまち軌道に乗る。
なぜ見るのか: Schindler's List は、このリストの例外的な最後に位置します。大規模な有権者ベースに基づいて構築されたこの高い評価は、誇大広告ではなく、真のコンセンサスを反映しています。
1993 年に公開された Schindler's List は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Steven Spielberg は生き残ったものを作り、今日の 8.6 の評価はその持続力の証拠です。 Schindler's List の 8.6 スコアは、何千もの個別の視聴決定を 1 つの数値に抽出したものを表します。この数字は現実を反映しています。この映画を見た人々は、この映画が並外れたものであると考え、十分な数の人々がこの評価を意味のあるものにすることに同意しました。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 1990s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 Schindler's List は永続的なものを理解したためにここにいます。
Schindler's List の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Steven Spielberg は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Liam Neeson は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Schindler's List で最も顕著に現れます。
Schindler's List は、単に時間を埋めるものではなく、本質的なものを見たい夜に適しています。これは背景ムービーではなく、受動的な体験でもありません。 Steven Spielberg は、ユーザーの注意を求め、一般的ではなく具体的に報酬を与える何かを構築しました。他のことをしながら Schindler's List を視聴する視聴者は、フルに注意を払った人が視聴できるバージョンよりも大幅に縮小されたバージョンの映画を視聴することになります。 8.6 評価は、フルアテンションの視聴エクスペリエンスを反映しています。キャスト (具体的には Liam Neeson) は、集中して視聴すると記録され、気を散らして視聴すると消えてしまうパフォーマンスの詳細を提供します。
このリストの Schindler's List のトップ 10 の位置は、新しい視聴者が発見し続け、高く評価し続ける持続的な卓越性という、作るのが難しいものを反映しています。ほとんどの映画は、最初に観客を魅了した後は勢いが失われます。 Schindler's Listはそうではありません。公開から数年、数十年後にこの作品に出会った視聴者は、初期の視聴者と同じように高い評価を与えます。 Steven Spielberg は、その由来となった文化的瞬間とは独立して機能するものを作りました。これが永続的な品質の定義です。 Liam Neeson のパフォーマンスは耐久性の一部であり、時代劇としては解釈されません。
Dilwale Dulhania Le Jayenge
シムランは22年前に一家でロンドンに移住してきたインド人の女の子。ある日、父のバルデーウ宛にインドの親友から手紙が舞い込む。手紙には20年前の約束通り、自分の息子とシムランを結婚させたいとあった。喜ぶ父の姿にシムランは承諾するしかなかった。結婚後はインドに定住することになるシムランは、独身最後の想い出に女友達と1ヶ月間のヨーロッパ旅行に出かける。出発の日、シムランは富豪の御曹司で、女たらしの大学生・ラージ・マルホートラーと出会う。
なぜ見るのか: Dilwale Dulhania Le Jayenge の背後にある数字は達成するのが困難です。何千人もの独立した視聴者が調整なしで高く評価しています。このコンセンサスは、入手可能な最も信頼できる品質の信号です。
Dilwale Dulhania Le Jayenge の日付は 1995 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 Dilwale Dulhania Le Jayengeが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 8.5 を超える評価は、7.5 または 8.0 の評価の映画とは異なるカテゴリーを占めます。これらの数値の差は見た目よりも大きいです。 8.5 の Dilwale Dulhania Le Jayenge は、時代を真に定義した映画の仲間です。 この映画は、ドラマが他のジャンルにできずにできること、つまり、普通の人間の行動にプレッシャーを与え、その反応を通じて性格を明らかにすることを示しています。監督はそのような状況を作り出し、キャストは真の信念を持ってその状況を生きています。 1990s は、特定の関心事と特定の美的アプローチを備えた特定の文化的瞬間でした。 Dilwale Dulhania Le Jayenge はそれらの条件を反映しながら、それらを超越しています。この映画は、鑑賞するために 1990s を理解する必要がない 1990s映画です。
Dilwale Dulhania Le Jayenge のパフォーマンスは、Aditya Chopra が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Kajol は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Dilwale Dulhania Le Jayenge で最も着地が難しい瞬間は、Kajol の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
Dilwale Dulhania Le Jayenge は、他所から持ち込まれた期待に従うことを要求するのではなく、独自の条件で映画に出会うことをいとわない視聴者にとって、信頼できる推奨作品です。このカテゴリの高評価タイトルにあるような文化的な偏在性はありません。つまり、強制視聴の重みを感じずに配信されます。 「必ず見なければならない」と言われずに Dilwale Dulhania Le Jayenge を発見した視聴者は、義務として視聴する視聴者よりも強く反応することがよくあります。 Aditya Chopra は、特定の魅力を持ったものを作りました。それがすべての人にとってすべてであるように努めているわけではありません。 Dilwale Dulhania Le Jayenge に接続した視聴者は、8.5 の評価が示すよりもかなり優れていると感じる傾向があり、マーケティングでの可視性が限られているにもかかわらず、この評価が維持されているのはそのためです。
Dilwale Dulhania Le Jayenge がトップ 10 に入るのは、ほとんどの映画が試み、達成できるものはほとんどないことを実現しているからです。つまり、最初に見たときは素晴らしく、再視聴するとさらに多くの層が明らかになります。初めての観客と再訪の観客は異なる経験をしており、どちらの経験も強いです。 Aditya Chopra は、複数のレベルで同時に作業することで、この深みを映画に組み込みました。表面的なストーリーは実現しますが、その下には、すべてがどこへ向かうのかを知ったときに初めて完全に見えるようになる、巧妙な決定の層があります。この 2 レベルの構造により、Dilwale Dulhania Le Jayenge は次の層ではなくトップ 10 にランクされます。
The Green Mile
大恐慌中の1935年。コールドマウンテン刑務所にあり、処刑室に続く通路があせた緑色であるため、“グリーンマイル”と呼ばれる死刑囚専用棟に殺人犯コーフィが収監される。だが、幼女惨殺の罪状とは裏腹に、コーフィは素晴らしい力を持っていた。彼は看守長ポールの重度の尿路感染症を治癒し、残忍な看守パーシーに踏み殺されたネズミをよみがえらせる。奇跡を目の当たりにしたポールはコーフィが本当に殺人犯なのか疑いだす。
なぜ見るのか: The Green Mile は、スコアが安定しているほど十分に長く評価を維持しています。さまざまな視聴者の間でこれほど高く評価されている映画は、単に良いというだけではなく、並外れたものです。
The Green Mile の 1999 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 The Green Mile を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 The Green Mile の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 The Green Mile は、すべてを見た視聴者が視聴できるにもかかわらず、8.5 の評価を保持しています。現代の視聴者は、以前のどの時代の視聴者よりも印象に残ることが困難です。この映画が依然として 8.5 のスコアを獲得しているということは、その品質について具体的なことを物語っています。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1990s の映画を相互にランク付けすることは、何が生き残ったかを特定するための演習の一部です。 The Green Mile が生き残ったのは、Frank Darabont がトレンドではなく技術に基づいて選択をしたからです。 8.5 の評価は、これらの選択肢が依然として有効であると考えている視聴者を反映しています。
The Green Mile の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Frank Darabont は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 The Green Mile は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、The Green Mile が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
初めて The Green Mile を視聴する視聴者は、Frank Darabont がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 The Green Mile のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Tom Hanks はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1999 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Frank Darabont が意図したものです。
The Movie Database の評価に基づいて作成されたランキング リストのトップ 10 の位置は、真の重要なコンセンサスを表します。これは人気コンテストではありません。投票者の基準値は、個々の外れ値の意見が平均化されるほど多くの人が視聴して評価した映画をフィルターします。この位置の The Green Mile は、国や視聴習慣が異なる多様な視聴者がこの映画が優れていると独自に結論付けたことを意味します。 Frank Darabont は、The Green Mile で文化的変動に強い何かを達成しました。ここで使用されている特定のストーリーテリング アプローチは、さまざまな文脈に翻訳されます。
Pulp Fiction
強盗の計画を立てているカップルを導入部に、盗まれたトランクを取り戻そうとする二人組のギャング、ビンセントとジュールス。ボスの情婦と一晩のデートをするハメになるビンセント。ボクシングの八百長試合で金を受け取るボクサーのブッチ。誤って人を殺し血塗れになった車の処理に右往左往するビンセントとジュールス。ギャングのボス、マーセルスを軸としたこれらの物語がラストに向けて収束していく。
なぜ見るのか: このセレクションの中で最も評価の高い映画の 1 つ。 Pulp Fiction は、複数の世代の視聴者の間で継続的に高い評価を受けることでその評判を獲得してきました。
Pulp Fiction (1994) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Pulp Fiction がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 何百万もの投票があるプラットフォームで 8.5 に到達するには、ジャンルのファン、批評家、カジュアルな視聴者、熱心な映画ファンなど、あらゆる種類の視聴者にわたって一貫性が必要です。 Pulp Fiction は全員に成果をもたらしますが、これは一般的な成果ではありません。 監督は情報の非対称性を中心に映画を構築します。つまり、観客は登場人物以上のことを知っているか、それ以下のことを知っており、映画は両方の状態を正確に操作します。キャストは、激しさではなく抑制によって緊張感を伝えます。 Pulp Fiction は、1990s映画のあらゆる説明の中でその地位を獲得しています。それは、この 10 年間に生み出され、その後の 10 年間に失われたものを捉えているからです。 1990s映画製作の文化的および技術的条件が、Quentin Tarantino がここで制作できるものを形作りました。
Pulp Fiction の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Quentin Tarantino は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Pulp Fiction の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 John Travolta は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
Pulp Fiction が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Quentin Tarantino の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 Pulp Fiction は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの John Travolta の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
Pulp Fiction のトップ 10 の位置が最も意味を持つのは、何と競合したかを考えるときです。このモードと時代のカタログ内のすべての映画が評価され、評価の質と投票者数の組み合わせにより、Pulp Fiction が他のすべての映画よりも優先されたため、ここにランクされました。 Quentin Tarantino は、Pulp Fiction で、同じカテゴリの代替作品、つまり優れた映画である代替作品とは区別する選択をしました。トップ 10 とトップ 20 の差は、絶対評価の点では見た目よりも小さいですが、視聴者が実際に提供するものという点では大きな差があります。
Forrest Gump
1940年代、アラバマ州で生まれたフォレスト・ガンプは、知能指数こそ人に劣るが、母親にたっぷりの愛情を注がれて育ち、優しいハートと走る能力は誰にも負けない男性に成長していく。そんなフォレストは、ただひとり彼に理解を示してくれた幼なじみの女性ジェニーの愛を信じる一方、ベトナムの戦場に出征するなど、1950年代に始まるアメリカの歴史の大きな動きの中で、図らずも波瀾万丈の半生を送ることになる。
なぜ見るのか: Forrest Gump は、このリストの例外的な最後に位置します。大規模な有権者ベースに基づいて構築されたこの高い評価は、誇大広告ではなく、真のコンセンサスを反映しています。
1994 年に公開された Forrest Gump は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Robert Zemeckis は生き残ったものを作り、今日の 8.5 の評価はその持続力の証拠です。 Forrest Gump の 8.5 評価がすぐに届きませんでした。このレベルの評価は、何年にもわたって新しい視聴者が映画を発見し、独自に同じ結論に達することで蓄積されます。その蓄積されたコンセンサスは、単一の重要な評価よりも信頼性が高くなります。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 10年ごとに、その時では不可欠に見えては消え去ってしまう映画が生み出されます。 Forrest Gump はより小さなカテゴリーに属します。1990s映画は、当時を懐かしむことのない視聴者から今でも高く評価されています。世代を超えた品質こそが本当の試練だ。
Forrest Gump の映画撮影は、デジタル ツールが利用可能であったものの、映画制作者がまだデジタル ツールを使用するかどうかを議論していた映画テクノロジーの過渡期を反映しています。 Robert Zemeckis は、デフォルトではなく意図的にビジュアル スタイルを選択しました。 Forrest Gump の照明、フレーム、カットの方法は、業界の慣例ではなく、特定の視覚的知性を反映しています。 Tom Hanks は、その視覚的なフレームワーク内で機能しており、何をしているかだけではなく、フレーム内にどのように配置されているかに注意して映画を視聴すると、最もよくわかります。
Forrest Gump は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.5 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Forrest Gump を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Robert Zemeckis と Tom Hanks が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
Forrest Gump は、文化的な評判によってではなく、視聴者が座ってそれを見たときに何が起こるかによってトップ 10 の地位を獲得しました。 8.5 評価は、独立した視聴の大規模なサンプル全体でのその体験をキャプチャします。このようなリストでトップ 10 に入る映画は、代替作品に完全にアクセスできる視聴者によってテストされ、この作品を体験のトップに評価することを選択しました。 Robert Zemeckis と Tom Hanks は、その期待に一貫して応えられるものを作りました。それが、新しい視聴者が継続的に新しい基準をもたらしているにもかかわらず、評価が維持されている理由です。
GoodFellas
ヘンリー・ヒル、1943年ブルックリン生まれ。大物ギャング、ポーリーのアジトで育った彼は、物心ついた頃からマフィアに憧れていた。やがて念願の"グッドフェローズ"の仲間となり、"強奪"専門のジミー、野心旺盛なチンピラ、トミーと共に犯罪に犯罪を重ねていく。が、麻薬に手を出したことから育ての親、ポーリーに見放され、さらにジミーたちが起こした600万ドル強奪事件を追うCIAの捜査の手もヘンリーに迫る。
なぜ見るのか: GoodFellas の背後にある数字は達成するのが困難です。何千人もの独立した視聴者が調整なしで高く評価しています。このコンセンサスは、入手可能な最も信頼できる品質の信号です。
GoodFellas の日付は 1990 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 GoodFellasが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 8.5 以上の評価を受けた映画は通常、複数回の再評価サイクルを生き延びています。 GoodFellas はかなり前から提供されているため、それを嫌う視聴者にも意見がありました。評価は、すべてを経た後に残ったものを反映します。 この映画は、ドラマが他のジャンルにできずにできること、つまり、普通の人間の行動にプレッシャーを与え、その反応を通じて性格を明らかにすることを示しています。監督はそのような状況を作り出し、キャストは真の信念を持ってその状況を生きています。 GoodFellas の 1990s コンテキストは偶然ではありません。この 10 年間の特定の美的条件、つまりどのテクノロジーが許可し、どのような文化が要求したかが、Martin Scorsese がここで行った選択を形作りました。それらの選択は、その瞬間とは関係なく維持されます。
GoodFellas の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Martin Scorsese は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Robert De Niro は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、GoodFellas で最も顕著に現れます。
GoodFellas を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて GoodFellas を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると GoodFellas が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Martin Scorsese の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Robert De Niro のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの上位 10 位に GoodFellas をランク付けるには、特別な議論は必要ありません。統計的に意味があるのに十分な規模の有権者ベースからの 8.5 評価が議論です。深刻なリストのトップ 10 に入る映画がその位置を占めているのは、常に最も幅広い視聴者に配信しているためであり、GoodFellas は、これを見たすべての層にそれを実現しました。ここでの Martin Scorsese の作品は、個々のシーンの品質が映画全体のレベルに耐えられるものに複合されるレベルで機能していますが、これは思っているよりも珍しいことです。
Life Is Beautiful
『ライフ・イズ・ビューティフル』（原題：La vita è bella、英題：Life Is Beautiful）は、1997年のイタリア映画。ロベルト・ベニーニ監督・脚本・主演作品。第二次世界大戦下のユダヤ人迫害（ホロコースト）を、ユダヤ系イタリア人の親子の視点から描いた作品である。 カンヌ国際映画祭で審査員グランプリを受賞。第71回米国アカデミー賞で作品賞ほか7部門にノミネートされ、そのうち、主演男優賞、作曲賞、外国語映画賞を受賞した。また、トロント国際映画祭の観客賞やセザール賞の外国映画賞も受賞している。
なぜ見るのか: Life Is Beautiful は、スコアが安定しているほど十分に長く評価を維持しています。さまざまな視聴者の間でこれほど高く評価されている映画は、単に良いというだけではなく、並外れたものです。
Life Is Beautiful の 1997 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Life Is Beautiful を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Life Is Beautiful の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 8.4 の範囲の映画は、リスト上の順位が示すよりも興味深いことがよくあります。これらは、高評価のタイトルほど文化的に飽和していないため、Life Is Beautiful は先入観なしでアプローチしやすいことを意味します。 Life Is Beautiful はその恩恵を受けます。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1990s の映画で、現在でも 8.4 のレートを維持している映画は、現代のどのリリースよりも長いテストを生き延びています。 Life Is Beautiful はその核心であるストーリーテリング、パフォーマンス、クラフトが時代を必要とせずに機能するため、そのテストに合格しました。
Life Is Beautiful のパフォーマンスは、Roberto Benigni が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Roberto Benigni は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Life Is Beautiful で最も着地が難しい瞬間は、Roberto Benigni の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
Life Is Beautiful は、ほとんどのコメディには当てはまらない、単独視聴とグループ視聴の両方の状況で機能する珍しい映画の 1 つです。設定ではなくキャラクターからユーモアを引き出す映画は、部屋に誰がいるかに関係なく、うまくいく傾向があります。笑いは集団の許可ではなく認識から生まれるからです。 Life Is Beautiful を 1 人で視聴すると、グループで視聴すると見逃してしまう、キャラクターを観察する静かな瞬間を捉えることができます。映画を知っている誰かと一緒に見ると、自分が知っている作品を共有するという特別な喜びが生まれます。 Life Is Beautiful のランタイムは、長い映画を観る必要のない本物の品質のものが必要な夜に実用的な選択肢となります。 Roberto Benigni のペースは、映画がオーバーステイすることなく上映時間を稼ぐことを意味します。
このリストの Life Is Beautiful のトップ 10 の位置は、新しい視聴者が発見し続け、高く評価し続ける持続的な卓越性という、作るのが難しいものを反映しています。ほとんどの映画は、最初に観客を魅了した後は勢いが失われます。 Life Is Beautifulはそうではありません。公開から数年、数十年後にこの作品に出会った視聴者は、初期の視聴者と同じように高い評価を与えます。 Roberto Benigni は、その由来となった文化的瞬間とは独立して機能するものを作りました。これが永続的な品質の定義です。 Roberto Benigni のパフォーマンスは耐久性の一部であり、時代劇としては解釈されません。
Fight Club
心の中に問題を抱えるエグゼクティブ青年ジャックはタイラーと名乗る男と知り合う。ふとしたことからタイラーとジャックが殴り合いを始めると、そこには多くの見物人が。その後、タイラーは酒場の地下でファイト・クラブなる拳闘の秘密集会を仕切ることに。たくさんの男たちがスリルを求めて集まるようになるが、やがてそのクラブは恐るべきテロ集団へと変貌していく……。「セブン」のコンビ、ブラピとフィンチャー監督が再び組んだ衝撃作。
なぜ見るのか: このセレクションの中で最も評価の高い映画の 1 つ。 Fight Club は、複数の世代の視聴者の間で継続的に高い評価を受けることでその評判を獲得してきました。
Fight Club (1999) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Fight Club がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 8.4 の評価は、一貫したレベルで同時に動作する監督、脚本、パフォーマンスを反映します。この範囲のスコアの映画が単一の側面で大きく失敗することはほとんどなく、Fight Club も例外ではありません。 監督は情報の非対称性を中心に映画を構築します。つまり、観客は登場人物以上のことを知っているか、それ以下のことを知っており、映画は両方の状態を正確に操作します。キャストは、激しさではなく抑制によって緊張感を伝えます。 1990s映画全体のコンテキストでは、Fight Club は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1990s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
Fight Club の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 David Fincher は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 Fight Club は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、Fight Club が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
Fight Club は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.4 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Fight Club を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 David Fincher と Edward Norton が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
Fight Club がトップ 10 に入るのは、ほとんどの映画が試み、達成できるものはほとんどないことを実現しているからです。つまり、最初に見たときは素晴らしく、再視聴するとさらに多くの層が明らかになります。初めての観客と再訪の観客は異なる経験をしており、どちらの経験も強いです。 David Fincher は、複数のレベルで同時に作業することで、この深みを映画に組み込みました。表面的なストーリーは実現しますが、その下には、すべてがどこへ向かうのかを知ったときに初めて完全に見えるようになる、巧妙な決定の層があります。この 2 レベルの構造により、Fight Club は次の層ではなくトップ 10 にランクされます。
Se7en
定年退職間近の刑事サマセットと新人のミルズは、ある殺人現場に向かう。そこには肥満の大男の凄惨な死体があった。またほどなくして、今度はビジネスマンの死体が発見される。サマセットはそれぞれの現場に残されていた文字から、犯人がキリスト教における七つの大罪(傲慢・嫉妬・憤怒・怠惰・強欲・暴食・色欲)に因んだ殺人に及んでいると分析、残るは5件となった。事件を未然に防ごうと犯人の特定を急ぐ2人。やがて一人の男が容疑者に浮上、しかし接近するも取り逃がし、さらなる犠牲者を出してしまう。そんな中、大罪に沿った犯行が残り2件となったところで、犯人を名乗る男が自首して来るのだが…。
なぜ見るのか: Se7en は、このリストの例外的な最後に位置します。大規模な有権者ベースに基づいて構築されたこの高い評価は、誇大広告ではなく、真のコンセンサスを反映しています。
1995 年に公開された Se7en は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 David Fincher は生き残ったものを作り、今日の 8.4 の評価はその持続力の証拠です。 Se7en の 8.4 スコアは、重大な弱点がなく前提条件を満たしている映画の中にランクされています。 David Fincher は、全体を通して意図したとおりに機能するものを作成しましたが、これは思っているほど一般的ではありません。 この映画をスリラーとして機能させるのは、賭け金には投資が必要であるという理解です。最初の行為は、プレッシャーがかかる前に人格を構築します。緊張が高まる頃には、結果を気にする理由ができています。 1990s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 Se7en は永続的なものを理解したためにここにいます。
Se7en の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 David Fincher は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Se7en の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Morgan Freeman は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
初めて Se7en を視聴する視聴者は、David Fincher がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Se7en のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Morgan Freeman はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1995 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、David Fincher が意図したものです。
The Movie Database の評価に基づいて作成されたランキング リストのトップ 10 の位置は、真の重要なコンセンサスを表します。これは人気コンテストではありません。投票者の基準値は、個々の外れ値の意見が平均化されるほど多くの人が視聴して評価した映画をフィルターします。この位置の Se7en は、国や視聴習慣が異なる多様な視聴者がこの映画が優れていると独自に結論付けたことを意味します。 David Fincher は、Se7en で文化的変動に強い何かを達成しました。ここで使用されている特定のストーリーテリング アプローチは、さまざまな文脈に翻訳されます。
映画とは重要な物語です。このセクションの映画はその原則を証明しています。
The Silence of the Lambs
若い女性の皮膚を剥ぎ落とし、その死体を川に流すという残忍な連続猟奇殺人が発生した。 犯人の仮称を冠し“バッファロー･ビル事件”と呼ばれるこれを解決するため、FBI訓練生のクラリスは、クロフォード主任捜査官からある任務を課される。それは、元は天才的な精神科医であり、自分の患者を食したため現在は州立精神病院に措置入院されているレクター博士を訪ね、バッファロー･ビルの精神状態を解明させるというものだった。 クラリスから依頼されたレクターは、その引き換えとしてクラリスに、彼女自身の過去を語らせる。
なぜ見るのか: The Silence of the Lambs の背後にある数字は達成するのが困難です。何千人もの独立した視聴者が調整なしで高く評価しています。このコンセンサスは、入手可能な最も信頼できる品質の信号です。
The Silence of the Lambs の日付は 1991 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 The Silence of the Lambsが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 8.3 では、The Silence of the Lambs は品質が安定している範囲内にありますが、映画は高評価のタイトルの広範なコンセンサスに達していません。この狭いコンセンサスは、多くの場合、特定の魅力を反映しています。The Silence of the Lambs は万人向けではありませんが、適切な視聴者にとっては優れています。 これは、緊張が物理的ではなく心理的なものであるスリラーのカテゴリーに属します。監督は、明らかな危険を見せなくても観客がプレッシャーを感じることを信頼している。その結果、従来のスリラーの仕組みよりもさらに不安が生じます。 1990s は、特定の関心事と特定の美的アプローチを備えた特定の文化的瞬間でした。 The Silence of the Lambs はそれらの条件を反映しながら、それらを超越しています。この映画は、鑑賞するために 1990s を理解する必要がない 1990s映画です。
The Silence of the Lambs の映画撮影は、デジタル ツールが利用可能であったものの、映画制作者がまだデジタル ツールを使用するかどうかを議論していた映画テクノロジーの過渡期を反映しています。 Jonathan Demme は、デフォルトではなく意図的にビジュアル スタイルを選択しました。 The Silence of the Lambs の照明、フレーム、カットの方法は、業界の慣例ではなく、特定の視覚的知性を反映しています。 Jodie Foster は、その視覚的なフレームワーク内で機能しており、何をしているかだけではなく、フレーム内にどのように配置されているかに注意して映画を視聴すると、最もよくわかります。
The Silence of the Lambs が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Jonathan Demme の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 The Silence of the Lambs は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Jodie Foster の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある The Silence of the Lambs は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、Jodie Foster のパフォーマンスと Jonathan Demme の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
American History X
白人至上主義の極右組織“ネオナチ”のメンバーとなったある兄弟の悲劇を通し、現代アメリカの暗部を衝いてゆく。共演にエドワード・ファーロング。父を黒人に殺された恨みから、白人至上主義グループのメンバーとなったデレク。やがて殺人事件で刑務所送りになった彼が出所してきた時、デレクは自分を崇拝する弟がメンバーとなっている事実を知る。
なぜ見るのか: American History X は、スコアが安定しているほど十分に長く評価を維持しています。さまざまな視聴者の間でこれほど高く評価されている映画は、単に良いというだけではなく、並外れたものです。
American History X の 1998 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 American History X を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 American History X の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 8.3 の American History X は、このリストの信頼できる層を表します。これらは期待を裏切らない映画です。 Tony Kaye は映画がどうあるべきかを理解し、妥協することなくそれを実行しました。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1990s の映画を相互にランク付けすることは、何が生き残ったかを特定するための演習の一部です。 American History X が生き残ったのは、Tony Kaye がトレンドではなく技術に基づいて選択をしたからです。 8.3 の評価は、これらの選択肢が依然として有効であると考えている視聴者を反映しています。
American History X の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Tony Kaye は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Edward Norton は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、American History X で最も顕著に現れます。
American History X は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.3 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 American History X を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Tony Kaye と Edward Norton が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに American History X を入れる 8.3 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 American History X に高いスコアを与えるという決定は、Tony Kaye がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 American History X は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
Princess Mononoke
山里に住む若者アシタカは、怒りと憎しみにより“タタリ神”と化した猪神から呪いをかけられてしまう。呪いを解く術を求めて旅に出るアシタカはやがて、西方の地で“タタラ”の村にたどり着く。エボシ御前が率いるその村では、鉄を造り続けていたが、同時にそれは神々の住む森を破壊することでもあった。そして、そんなタタラ達に戦いを挑むサンの存在をアシタカは知る。人の子でありながら山犬に育てられた彼女は“もののけ姫”と呼ばれていた。
なぜ見るのか: このセレクションの中で最も評価の高い映画の 1 つ。 Princess Mononoke は、複数の世代の視聴者の間で継続的に高い評価を受けることでその評判を獲得してきました。
Princess Mononoke (1997) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Princess Mononoke がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 大規模な有権者による 8.3 の評価は、この映画が視聴者が見つけた弱点を上回る真の強みを持っていることを意味します。 Princess Mononoke は、映画が満たすべき最低基準である中心的な約束を果たしますが、リリース数が示すよりも達成できるものはほとんどありません。 この映画は、アニメーションが実写では達成できない感情の領域に到達するためのツールであることを示しています。監督は、メディアの形式的な可能性を利用して、アニメーション形式に特有の瞬間を作成します。 Princess Mononoke は、1990s映画のあらゆる説明の中でその地位を獲得しています。それは、この 10 年間に生み出され、その後の 10 年間に失われたものを捉えているからです。 1990s映画製作の文化的および技術的条件が、Hayao Miyazaki がここで制作できるものを形作りました。
Princess Mononoke のパフォーマンスは、Hayao Miyazaki が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Yoji Matsuda は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Princess Mononoke で最も着地が難しい瞬間は、Yoji Matsuda の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
Princess Mononoke を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて Princess Mononoke を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると Princess Mononoke が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Hayao Miyazaki の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Yoji Matsuda のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する Princess Mononoke は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。Princess Mononoke は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの Hayao Miyazaki の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 Princess Mononoke を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
PERFECT BLUE
アイドルグループのチャムに所属する霧越未麻は突如グループ脱退を宣言し、女優への転身を計る。ドラマ出演でレイプシーンを演じ、さらにはヘアヌードのオファーが来るなど、アイドル時代からは考えられなかったような仕事をこなしてゆく未麻。しかし、未麻は現状への不満を募らせ、アイドル時代の自分の幻影さえ見るようになる。そんな疑問を抱く中、未麻はストーカーに監視されていることに気づく。また、未麻の周辺で関係者が次々と殺される事件が発生する。
なぜ見るのか: PERFECT BLUE は、このリストの例外的な最後に位置します。大規模な有権者ベースに基づいて構築されたこの高い評価は、誇大広告ではなく、真のコンセンサスを反映しています。
1998 年に公開された PERFECT BLUE は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Satoshi Kon は生き残ったものを作り、今日の 8.3 の評価はその持続力の証拠です。 PERFECT BLUE の 8.3 スコアは、選択肢があり、これを高く評価することを選択した視聴者から構築されています。この選択は、自分の主張を明確に主張した映画を反映しています。まさに PERFECT BLUE が行っていることです。 Satoshi Kon が主張し、聴衆はそれを受け入れました。 この映画をスリラーとして機能させるのは、賭け金には投資が必要であるという理解です。最初の行為は、プレッシャーがかかる前に人格を構築します。緊張が高まる頃には、結果を気にする理由ができています。 10年ごとに、その時では不可欠に見えては消え去ってしまう映画が生み出されます。 PERFECT BLUE はより小さなカテゴリーに属します。1990s映画は、当時を懐かしむことのない視聴者から今でも高く評価されています。世代を超えた品質こそが本当の試練だ。
PERFECT BLUE の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Satoshi Kon は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 PERFECT BLUE は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、PERFECT BLUE が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
PERFECT BLUE は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.3 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 PERFECT BLUE を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Satoshi Kon と Junko Iwao が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
PERFECT BLUE がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 Satoshi Kon は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 8.3 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する Satoshi Kon のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、PERFECT BLUE がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
Léon: The Professional
リュック・ベッソンが初めてアメリカで製作したバイオレンス・アクション。ニューヨークを舞台に、凄腕の殺し屋レオンと12歳の少女マチルダの純愛と戦いを描く。大都会の片隅で出会った孤独なふたりの葛藤と壮絶なアクション・シーンがほどよくブレンドされた佳作。
なぜ見るのか: Léon: The Professional の背後にある数字は達成するのが困難です。何千人もの独立した視聴者が調整なしで高く評価しています。このコンセンサスは、入手可能な最も信頼できる品質の信号です。
Léon: The Professional の日付は 1994 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 Léon: The Professionalが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 8.3 の Léon: The Professional は、航空機が複数の側面にわたって常に平均を上回っている映画です。単一の要素が他の要素を引き継ぐことはありません。演出も脚本も演技もすべて同じ方向を向いている。 この映画は、ドラマが他のジャンルにできずにできること、つまり、普通の人間の行動にプレッシャーを与え、その反応を通じて性格を明らかにすることを示しています。監督はそのような状況を作り出し、キャストは真の信念を持ってその状況を生きています。 Léon: The Professional の 1990s コンテキストは偶然ではありません。この 10 年間の特定の美的条件、つまりどのテクノロジーが許可し、どのような文化が要求したかが、Luc Besson がここで行った選択を形作りました。それらの選択は、その瞬間とは関係なく維持されます。
Léon: The Professional の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Luc Besson は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Léon: The Professional の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Jean Reno は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
Léon: The Professional は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.3 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Léon: The Professional を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Luc Besson と Jean Reno が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションにおける Léon: The Professional の位置は、万人向けのすべてを目指すことなく、その映画特有の品質を確実に提供する映画を反映しています。 Luc Besson は映画の内容を理解し、高いレベルの技術で映画を作りました。 8.3 評価は、これらの条件で映画を鑑賞し、高く評価する価値があると判断した視聴者を表します。異なる期待を持った視聴者は、評価が示すほど映画が満足できないと感じることがあります。これは映画の弱点ではなく、期待の弱点です。 Léon: The Professional はまさに技術を駆使して作られたものであり、それを評価した有権者はそれに応えました。
The Lion King
サバンナの王として君臨するライオン、ムファサに息子シンバが生まれる。ムファサの弟スカーは、王の座を狙い、ムファサ暗殺を企み、罠にはまったムファサは絶命。邪悪な叔父スカーに父王を謀殺されたシンバは国を追われ、イボイノシシ等サバンナのはぐれ者たちと暢気なその日暮らしを送っていたが、恋心を抱く幼なじみのナラに、故国の窮状を訴えられ、皆を引き連れ帰郷、スカーと一対一の決闘に臨む……。
なぜ見るのか: The Lion King は、スコアが安定しているほど十分に長く評価を維持しています。さまざまな視聴者の間でこれほど高く評価されている映画は、単に良いというだけではなく、並外れたものです。
The Lion King の 1994 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 The Lion King を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 The Lion King の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 8.3 の範囲の映画は、リスト上の順位が示すよりも興味深いことがよくあります。これらは、高評価のタイトルほど文化的に飽和していないため、The Lion King は先入観なしでアプローチしやすいことを意味します。 The Lion King はその恩恵を受けます。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1990s の映画で、現在でも 8.3 のレートを維持している映画は、現代のどのリリースよりも長いテストを生き延びています。 The Lion King はその核心であるストーリーテリング、パフォーマンス、クラフトが時代を必要とせずに機能するため、そのテストに合格しました。
The Lion King の映画撮影は、デジタル ツールが利用可能であったものの、映画制作者がまだデジタル ツールを使用するかどうかを議論していた映画テクノロジーの過渡期を反映しています。 Roger Allers は、デフォルトではなく意図的にビジュアル スタイルを選択しました。 The Lion King の照明、フレーム、カットの方法は、業界の慣例ではなく、特定の視覚的知性を反映しています。 Matthew Broderick は、その視覚的なフレームワーク内で機能しており、何をしているかだけではなく、フレーム内にどのように配置されているかに注意して映画を視聴すると、最もよくわかります。
初めて The Lion King を視聴する視聴者は、Roger Allers がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 The Lion King のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Matthew Broderick はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1994 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Roger Allers が意図したものです。
このようなリストの 11 ～ 25 位に位置する映画は、文化的な重みを持たずにトップ 10 の品質を備えているため、多くの場合、最も有益な発見となります。 The Lion King がこの位置にあるのは、上のエントリよりも大幅に劣っているからではなく、その魅力がより集中しているためです。 Roger Allers が The Lion King で行っていることに共感した視聴者は、このリストにあるどの映画と同じくらい高く評価しています。より広範な有権者ベースの平均がここに位置します。ジャンルの好み、監督の興味、時代などに基づいて、この映画が自分に向いていると考える特定の理由がある視聴者は、その上にランクされているいくつかのエントリーよりもこの映画を優先する必要があります。
Neon Genesis Evangelion: The End of Evangelion
第25話「Air」 全ての使徒を倒したNERVに対し、サードインパクト発動を目論むゼーレが戦略自衛隊を使った武力占拠を開始する。施設が次々と破壊・占拠されていく中、シンジは戦自隊員に発見され殺されそうになるが、生きる意思を失くしていたシンジは抵抗すらしなかった。それをミサトが寸前で救出するが、移動中に銃撃に遭って負傷し、シンジにEVAで戦うよう言い残して命を落とす。 第26話 「まごころを、君に」シンジを乗せたEVA初号機を依代としてサードインパクトが始まる。これによって人類は個体の生命体としての姿を保てなくなり液化して崩れていき、その魂は「黒き月」に集められる。初号機はレイやカヲルの姿をとる巨人（第2使徒リリス）に取り込まれ、シンジはレイとカヲルに再会する。そこでシンジは人類が単体の生命となることを望まず、それぞれの個人がいる従来の世界を望みリリスは首から血を噴き出しながら倒れ崩れ落ちていく。
なぜ見るのか: このセレクションの中で最も評価の高い映画の 1 つ。 Neon Genesis Evangelion: The End of Evangelion は、複数の世代の視聴者の間で継続的に高い評価を受けることでその評判を獲得してきました。
Neon Genesis Evangelion: The End of Evangelion (1997) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Neon Genesis Evangelion: The End of Evangelion がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 8.3 の評価は、一貫したレベルで同時に動作する監督、脚本、パフォーマンスを反映します。この範囲のスコアの映画が単一の側面で大きく失敗することはほとんどなく、Neon Genesis Evangelion: The End of Evangelion も例外ではありません。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 1990s映画全体のコンテキストでは、Neon Genesis Evangelion: The End of Evangelion は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1990s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
Neon Genesis Evangelion: The End of Evangelion の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Kazuya Tsurumaki は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Megumi Ogata は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Neon Genesis Evangelion: The End of Evangelion で最も顕著に現れます。
Neon Genesis Evangelion: The End of Evangelion が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Kazuya Tsurumaki の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 Neon Genesis Evangelion: The End of Evangelion は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Megumi Ogata の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある Neon Genesis Evangelion: The End of Evangelion は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、Megumi Ogata のパフォーマンスと Kazuya Tsurumaki の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
The Matrix
トーマス・アンダーソンは、大手ソフトウェア会社に勤めるプログラマである。しかし彼には天才ハッカー、ネオというもう一つの顔があった。ある日、彼はとある人物から連絡を受け、警察に追われる。そして彼から衝撃的な世界の真実を告げられた。
なぜ見るのか: The Matrix は、このリストの例外的な最後に位置します。大規模な有権者ベースに基づいて構築されたこの高い評価は、誇大広告ではなく、真のコンセンサスを反映しています。
1999 年に公開された The Matrix は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Lana Wachowski は生き残ったものを作り、今日の 8.2 の評価はその持続力の証拠です。 The Matrix の 8.2 スコアは、重大な弱点がなく前提条件を満たしている映画の中にランクされています。 Lana Wachowski は、全体を通して意図したとおりに機能するものを作成しましたが、これは思っているほど一般的ではありません。 空間ロジックが崩壊し、シーケンスが抽象的なスペクタクルになると、アクション映画は失敗します。この映画はその失敗を回避します。監督はインパクトだけでなく、理解のために絵コンテを作成します。観客は常に、各瞬間のリスクを理解しています。 1990s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 The Matrix は永続的なものを理解したためにここにいます。
The Matrix のパフォーマンスは、Lana Wachowski が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Keanu Reeves は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 The Matrix で最も着地が難しい瞬間は、Keanu Reeves の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
The Matrix は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.2 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 The Matrix を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Lana Wachowski と Keanu Reeves が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに The Matrix を入れる 8.2 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 The Matrix に高いスコアを与えるという決定は、Lana Wachowski がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 The Matrix は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
The Legend of 1900
一枚のレコードに秘められた、たった一度の恋。 大西洋を巡る豪華客船の中で、生後間もない赤ん坊が見つかった。彼の名は1900=ナインティーン・ハンドレッド。世紀の変わり目を告げる1900年に因んで名付けられた。彼は船内のダンスホールでピアノを演奏し、類稀な即興曲を次々と作り出していった。そんなある日、彼は船内で出会った美しい少女に心を奪われてしまう。彼女が船を去った後、断ち切れない彼女への想いから人生で初めて船を下りることを決心する…。
なぜ見るのか: The Legend of 1900 の背後にある数字は達成するのが困難です。何千人もの独立した視聴者が調整なしで高く評価しています。このコンセンサスは、入手可能な最も信頼できる品質の信号です。
The Legend of 1900 の日付は 1998 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 The Legend of 1900が依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 8.2 では、The Legend of 1900 は品質が安定している範囲内にありますが、映画は高評価のタイトルの広範なコンセンサスに達していません。この狭いコンセンサスは、多くの場合、特定の魅力を反映しています。The Legend of 1900 は万人向けではありませんが、適切な視聴者にとっては優れています。 この映画は、ドラマが他のジャンルにできずにできること、つまり、普通の人間の行動にプレッシャーを与え、その反応を通じて性格を明らかにすることを示しています。監督はそのような状況を作り出し、キャストは真の信念を持ってその状況を生きています。 1990s は、特定の関心事と特定の美的アプローチを備えた特定の文化的瞬間でした。 The Legend of 1900 はそれらの条件を反映しながら、それらを超越しています。この映画は、鑑賞するために 1990s を理解する必要がない 1990s映画です。
The Legend of 1900 の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Giuseppe Tornatore は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 The Legend of 1900 は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、The Legend of 1900 が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
The Legend of 1900 を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて The Legend of 1900 を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると The Legend of 1900 が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Giuseppe Tornatore の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Tim Roth のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する The Legend of 1900 は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。The Legend of 1900 は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの Giuseppe Tornatore の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 The Legend of 1900 を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
Saving Private Ryan
激闘のノルマンディー上陸作戦直後。3人の兄弟をすべて戦闘で亡くしたある落下傘兵を救い出すよう命じられたジョン・ミラー大尉は、兵士を率いて戦場へ向かう。
なぜ見るのか: Saving Private Ryan は、スコアが安定しているほど十分に長く評価を維持しています。さまざまな視聴者の間でこれほど高く評価されている映画は、単に良いというだけではなく、並外れたものです。
Saving Private Ryan の 1998 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Saving Private Ryan を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Saving Private Ryan の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 8.2 の Saving Private Ryan は、このリストの信頼できる層を表します。これらは期待を裏切らない映画です。 Steven Spielberg は映画がどうあるべきかを理解し、妥協することなくそれを実行しました。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1990s の映画を相互にランク付けすることは、何が生き残ったかを特定するための演習の一部です。 Saving Private Ryan が生き残ったのは、Steven Spielberg がトレンドではなく技術に基づいて選択をしたからです。 8.2 の評価は、これらの選択肢が依然として有効であると考えている視聴者を反映しています。
Saving Private Ryan の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Steven Spielberg は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Saving Private Ryan の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Tom Hanks は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
Saving Private Ryan は、単に時間を埋めるものではなく、本質的なものを見たい夜に適しています。これは背景ムービーではなく、受動的な体験でもありません。 Steven Spielberg は、ユーザーの注意を求め、一般的ではなく具体的に報酬を与える何かを構築しました。他のことをしながら Saving Private Ryan を視聴する視聴者は、フルに注意を払った人が視聴できるバージョンよりも大幅に縮小されたバージョンの映画を視聴することになります。 8.2 評価は、フルアテンションの視聴エクスペリエンスを反映しています。キャスト (具体的には Tom Hanks) は、集中して視聴すると記録され、気を散らして視聴すると消えてしまうパフォーマンスの詳細を提供します。
Saving Private Ryan がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 Steven Spielberg は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 8.2 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する Steven Spielberg のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、Saving Private Ryan がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
素晴らしい映画はそのカテゴリーを超えます。工芸品が優れているため、機能します。
The Usual Suspects
船舶の炎上事故を調べていた捜査官クラインは尋問していたヴァーバルから奇妙な話を聞かされる。6週間前に銃器強奪事件の容疑者として集められた5人が、釈放後、協力して宝石強奪を決行。ブツをさばくためにLAの故買屋と接触した5人は、そこで新たなヤマを依頼されるが、宝石と聞かされていた獲物は麻薬で、トラブルから相手を射殺してしまう。そして恐慌状態の彼らの前に、伝説のギャング“カイザー・ソゼ”の右腕と名乗る弁護士が現れたというのだ。
なぜ見るのか: このセレクションの中で最も評価の高い映画の 1 つ。 The Usual Suspects は、複数の世代の視聴者の間で継続的に高い評価を受けることでその評判を獲得してきました。
The Usual Suspects (1995) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、The Usual Suspects がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 大規模な有権者による 8.2 の評価は、この映画が視聴者が見つけた弱点を上回る真の強みを持っていることを意味します。 The Usual Suspects は、映画が満たすべき最低基準である中心的な約束を果たしますが、リリース数が示すよりも達成できるものはほとんどありません。 監督は情報の非対称性を中心に映画を構築します。つまり、観客は登場人物以上のことを知っているか、それ以下のことを知っており、映画は両方の状態を正確に操作します。キャストは、激しさではなく抑制によって緊張感を伝えます。 The Usual Suspects は、1990s映画のあらゆる説明の中でその地位を獲得しています。それは、この 10 年間に生み出され、その後の 10 年間に失われたものを捉えているからです。 1990s映画製作の文化的および技術的条件が、Bryan Singer がここで制作できるものを形作りました。
The Usual Suspects の映画撮影は、デジタル ツールが利用可能であったものの、映画制作者がまだデジタル ツールを使用するかどうかを議論していた映画テクノロジーの過渡期を反映しています。 Bryan Singer は、デフォルトではなく意図的にビジュアル スタイルを選択しました。 The Usual Suspects の照明、フレーム、カットの方法は、業界の慣例ではなく、特定の視覚的知性を反映しています。 Stephen Baldwin は、その視覚的なフレームワーク内で機能しており、何をしているかだけではなく、フレーム内にどのように配置されているかに注意して映画を視聴すると、最もよくわかります。
The Usual Suspects は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.2 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 The Usual Suspects を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Bryan Singer と Stephen Baldwin が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションにおける The Usual Suspects の位置は、万人向けのすべてを目指すことなく、その映画特有の品質を確実に提供する映画を反映しています。 Bryan Singer は映画の内容を理解し、高いレベルの技術で映画を作りました。 8.2 評価は、これらの条件で映画を鑑賞し、高く評価する価値があると判断した視聴者を表します。異なる期待を持った視聴者は、評価が示すほど映画が満足できないと感じることがあります。これは映画の弱点ではなく、期待の弱点です。 The Usual Suspects はまさに技術を駆使して作られたものであり、それを評価した有権者はそれに応えました。
Good Will Hunting
深い心の傷を負った天才青年と、同じく失意の中にいた精神分析医がお互いにあらたな旅立ちを自覚して成長してゆく姿を描く感動のヒューマン・ドラマ。ボストンに住む青年ウィルは、幼い頃から天才ゆえに周囲から孤立していた。だが、彼の才能に気付いた数学教授のランボーは、ウィルに精神分析医のショーンを紹介する。ウィルはショーンにしだいに心を開いてゆくが、彼の才能に気付いた政府機関や大企業が接近してくる。
なぜ見るのか: Good Will Hunting は、このリストの例外的な最後に位置します。大規模な有権者ベースに基づいて構築されたこの高い評価は、誇大広告ではなく、真のコンセンサスを反映しています。
1997 年に公開された Good Will Hunting は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Gus Van Sant は生き残ったものを作り、今日の 8.2 の評価はその持続力の証拠です。 Good Will Hunting の 8.2 スコアは、選択肢があり、これを高く評価することを選択した視聴者から構築されています。この選択は、自分の主張を明確に主張した映画を反映しています。まさに Good Will Hunting が行っていることです。 Gus Van Sant が主張し、聴衆はそれを受け入れました。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 10年ごとに、その時では不可欠に見えては消え去ってしまう映画が生み出されます。 Good Will Hunting はより小さなカテゴリーに属します。1990s映画は、当時を懐かしむことのない視聴者から今でも高く評価されています。世代を超えた品質こそが本当の試練だ。
Good Will Hunting の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Gus Van Sant は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Matt Damon は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Good Will Hunting で最も顕著に現れます。
初めて Good Will Hunting を視聴する視聴者は、Gus Van Sant がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Good Will Hunting のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Matt Damon はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1997 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Gus Van Sant が意図したものです。
このようなリストの 11 ～ 25 位に位置する映画は、文化的な重みを持たずにトップ 10 の品質を備えているため、多くの場合、最も有益な発見となります。 Good Will Hunting がこの位置にあるのは、上のエントリよりも大幅に劣っているからではなく、その魅力がより集中しているためです。 Gus Van Sant が Good Will Hunting で行っていることに共感した視聴者は、このリストにあるどの映画と同じくらい高く評価しています。より広範な有権者ベースの平均がここに位置します。ジャンルの好み、監督の興味、時代などに基づいて、この映画が自分に向いていると考える特定の理由がある視聴者は、その上にランクされているいくつかのエントリーよりもこの映画を優先する必要があります。
Bound by Honor
Based on the true life experiences of poet Jimmy Santiago Baca, the film focuses on half-brothers Paco and Cruz, and their bi-racial cousin Miklo. It opens in 1972, as the three are members of an East L.A. gang known as the "Vatos Locos", and the story focuses on how a violent crime and the influence of narcotics alter their lives. Miklo is incarcerated and sent to San Quentin, where he makes a "home" for himself. Cruz becomes an exceptional artist, but a heroin addiction overcomes him with tragic results. Paco becomes a cop and an enemy to his "carnal", Miklo.
なぜ見るのか: Bound by Honor の背後にある数字は達成するのが困難です。何千人もの独立した視聴者が調整なしで高く評価しています。このコンセンサスは、入手可能な最も信頼できる品質の信号です。
Bound by Honor の日付は 1993 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 Bound by Honorが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 8.2 の Bound by Honor は、航空機が複数の側面にわたって常に平均を上回っている映画です。単一の要素が他の要素を引き継ぐことはありません。演出も脚本も演技もすべて同じ方向を向いている。 これは、緊張が物理的ではなく心理的なものであるスリラーのカテゴリーに属します。監督は、明らかな危険を見せなくても観客がプレッシャーを感じることを信頼している。その結果、従来のスリラーの仕組みよりもさらに不安が生じます。 Bound by Honor の 1990s コンテキストは偶然ではありません。この 10 年間の特定の美的条件、つまりどのテクノロジーが許可し、どのような文化が要求したかが、Taylor Hackford がここで行った選択を形作りました。それらの選択は、その瞬間とは関係なく維持されます。
Bound by Honor のパフォーマンスは、Taylor Hackford が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Damian Chapa は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Bound by Honor で最も着地が難しい瞬間は、Damian Chapa の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
Bound by Honor が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Taylor Hackford の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 Bound by Honor は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Damian Chapa の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある Bound by Honor は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、Damian Chapa のパフォーマンスと Taylor Hackford の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
The Truman Show
典型的なアメリカ市民・トゥルーマン。だが彼の暮らす環境は、どことなく不自然だ。それもそのはず、実は彼の人生は、隠しカメラによってTV番組「トゥルーマン・ショー」として世界中に放送されていたのだ!家族や友人を含めたこれまでの人生が全てフィクションだったと知った彼は、現実の世界への脱出を決意する…。メディアによって作られた人生の悲喜劇に、見事なリアリティを与えているジム・キャリーの熱演が光る傑作コメディ。
なぜ見るのか: The Truman Show は、スコアが安定しているほど十分に長く評価を維持しています。さまざまな視聴者の間でこれほど高く評価されている映画は、単に良いというだけではなく、並外れたものです。
The Truman Show の 1998 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 The Truman Show を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 The Truman Show の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 8.2 の範囲の映画は、リスト上の順位が示すよりも興味深いことがよくあります。これらは、高評価のタイトルほど文化的に飽和していないため、The Truman Show は先入観なしでアプローチしやすいことを意味します。 The Truman Show はその恩恵を受けます。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1990s の映画で、現在でも 8.2 のレートを維持している映画は、現代のどのリリースよりも長いテストを生き延びています。 The Truman Show はその核心であるストーリーテリング、パフォーマンス、クラフトが時代を必要とせずに機能するため、そのテストに合格しました。
The Truman Show の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Peter Weir は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 The Truman Show は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、The Truman Show が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
The Truman Show は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.2 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 The Truman Show を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Peter Weir と Jim Carrey が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに The Truman Show を入れる 8.2 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 The Truman Show に高いスコアを与えるという決定は、Peter Weir がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 The Truman Show は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
Terminator 2: Judgment Day
未来からの抹殺兵器ターミネーターを破壊し、近未来で恐ろしい戦争が起こる事を知ってしまったサラ・コナー。カイルとの子供ジョンは母親から常にその戦争の話や戦いへの備えの話を聞かされていた。サラは周囲から変人扱いされ精神病院へ収容されジョンは親戚の家で暮らしていた。ある日ジョンの前に執拗にジョンを狙う不審な警官が現る。軌道を逸した警官の行動は明らかにジョンを殺害しようとしていた。殺されるその寸前、見知らぬ屈強な男が現れジョンを救う。彼は自らをターミネーターでありジョンを守るべく再プログラムされ未来から送り込まれたと告げる。ジョンは病院の母親を連れ出し、最終戦争を起こす原因であるコンピューターシステム「スカイネット」を破壊するため、ターミネーターと共にサイバーダイン社へ向かうが・・・
なぜ見るのか: このセレクションの中で最も評価の高い映画の 1 つ。 Terminator 2: Judgment Day は、複数の世代の視聴者の間で継続的に高い評価を受けることでその評判を獲得してきました。
Terminator 2: Judgment Day (1991) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Terminator 2: Judgment Day がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 8.1 の評価は、一貫したレベルで同時に動作する監督、脚本、パフォーマンスを反映します。この範囲のスコアの映画が単一の側面で大きく失敗することはほとんどなく、Terminator 2: Judgment Day も例外ではありません。 監督は情報の非対称性を中心に映画を構築します。つまり、観客は登場人物以上のことを知っているか、それ以下のことを知っており、映画は両方の状態を正確に操作します。キャストは、激しさではなく抑制によって緊張感を伝えます。 1990s映画全体のコンテキストでは、Terminator 2: Judgment Day は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1990s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
Terminator 2: Judgment Day の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 James Cameron は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Terminator 2: Judgment Day の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Arnold Schwarzenegger は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
Terminator 2: Judgment Day を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて Terminator 2: Judgment Day を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると Terminator 2: Judgment Day が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 James Cameron の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Arnold Schwarzenegger のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する Terminator 2: Judgment Day は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。Terminator 2: Judgment Day は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの James Cameron の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 Terminator 2: Judgment Day を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
Central Station
かつて教師をしていたドーラは、今はリオデジャネイロの中央駅で代筆業を営んでいる。字の書けない人のために手紙を書くのが彼女の仕事だが、次第に何の感情も持たないようになり、その手紙を実際に出すことはほとんどなくなっていた。
なぜ見るのか: Central Station は、このリストの例外的な最後に位置します。大規模な有権者ベースに基づいて構築されたこの高い評価は、誇大広告ではなく、真のコンセンサスを反映しています。
1998 年に公開された Central Station は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Walter Salles は生き残ったものを作り、今日の 8.1 の評価はその持続力の証拠です。 Central Station の 8.1 スコアは、重大な弱点がなく前提条件を満たしている映画の中にランクされています。 Walter Salles は、全体を通して意図したとおりに機能するものを作成しましたが、これは思っているほど一般的ではありません。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 1990s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 Central Station は永続的なものを理解したためにここにいます。
Central Station の映画撮影は、デジタル ツールが利用可能であったものの、映画制作者がまだデジタル ツールを使用するかどうかを議論していた映画テクノロジーの過渡期を反映しています。 Walter Salles は、デフォルトではなく意図的にビジュアル スタイルを選択しました。 Central Station の照明、フレーム、カットの方法は、業界の慣例ではなく、特定の視覚的知性を反映しています。 Fernanda Montenegro は、その視覚的なフレームワーク内で機能しており、何をしているかだけではなく、フレーム内にどのように配置されているかに注意して映画を視聴すると、最もよくわかります。
Central Station は、単に時間を埋めるものではなく、本質的なものを見たい夜に適しています。これは背景ムービーではなく、受動的な体験でもありません。 Walter Salles は、ユーザーの注意を求め、一般的ではなく具体的に報酬を与える何かを構築しました。他のことをしながら Central Station を視聴する視聴者は、フルに注意を払った人が視聴できるバージョンよりも大幅に縮小されたバージョンの映画を視聴することになります。 8.1 評価は、フルアテンションの視聴エクスペリエンスを反映しています。キャスト (具体的には Fernanda Montenegro) は、集中して視聴すると記録され、気を散らして視聴すると消えてしまうパフォーマンスの詳細を提供します。
Central Station がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 Walter Salles は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 8.1 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する Walter Salles のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、Central Station がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
Reservoir Dogs
宝石強盗を実行するために集められた、お互いに名前も素性も知らない6人のクセ者たち。完璧な計画のはずが、彼らは警官隊の襲撃を受ける。誰かが警察に通じていたのだ。命からがら集合場所に集まった彼らの心に、仲間への不信感がわき起こる……。
なぜ見るのか: Reservoir Dogs の背後にある数字は達成するのが困難です。何千人もの独立した視聴者が調整なしで高く評価しています。このコンセンサスは、入手可能な最も信頼できる品質の信号です。
Reservoir Dogs の日付は 1992 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 Reservoir Dogsが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 8.1 では、Reservoir Dogs は品質が安定している範囲内にありますが、映画は高評価のタイトルの広範なコンセンサスに達していません。この狭いコンセンサスは、多くの場合、特定の魅力を反映しています。Reservoir Dogs は万人向けではありませんが、適切な視聴者にとっては優れています。 これは、緊張が物理的ではなく心理的なものであるスリラーのカテゴリーに属します。監督は、明らかな危険を見せなくても観客がプレッシャーを感じることを信頼している。その結果、従来のスリラーの仕組みよりもさらに不安が生じます。 1990s は、特定の関心事と特定の美的アプローチを備えた特定の文化的瞬間でした。 Reservoir Dogs はそれらの条件を反映しながら、それらを超越しています。この映画は、鑑賞するために 1990s を理解する必要がない 1990s映画です。
Reservoir Dogs の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Quentin Tarantino は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Harvey Keitel は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Reservoir Dogs で最も顕著に現れます。
Reservoir Dogs は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.1 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Reservoir Dogs を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Quentin Tarantino と Harvey Keitel が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションにおける Reservoir Dogs の位置は、万人向けのすべてを目指すことなく、その映画特有の品質を確実に提供する映画を反映しています。 Quentin Tarantino は映画の内容を理解し、高いレベルの技術で映画を作りました。 8.1 評価は、これらの条件で映画を鑑賞し、高く評価する価値があると判断した視聴者を表します。異なる期待を持った視聴者は、評価が示すほど映画が満足できないと感じることがあります。これは映画の弱点ではなく、期待の弱点です。 Reservoir Dogs はまさに技術を駆使して作られたものであり、それを評価した有権者はそれに応えました。
Lock, Stock and Two Smoking Barrels
ガイ・リッチー監督・脚本によるクライム・ムービー。一攫千金を狙う4人の若者を軸に、ギャングやマフィアが入り交じって繰り広げる群像劇を独特のユーモアを交えて描く。巧妙なストーリー展開やテンポある演出に加え、多彩な登場人物が見せる妙な味わいが秀逸。ロンドンの下町に生きるエディはある日、仲間3人から金を集め、ギャンブルに投資するが惨敗。逆にその元締めに多額の借金を背負ってしまう。返済猶予は一週間。途方に暮れるエディたちだったが、彼らは偶然隣人の強盗計画を耳にする。
なぜ見るのか: Lock, Stock and Two Smoking Barrels は、スコアが安定しているほど十分に長く評価を維持しています。さまざまな視聴者の間でこれほど高く評価されている映画は、単に良いというだけではなく、並外れたものです。
Lock, Stock and Two Smoking Barrels の 1998 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Lock, Stock and Two Smoking Barrels を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Lock, Stock and Two Smoking Barrels の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 8.1 の Lock, Stock and Two Smoking Barrels は、このリストの信頼できる層を表します。これらは期待を裏切らない映画です。 Guy Ritchie は映画がどうあるべきかを理解し、妥協することなくそれを実行しました。 コメディとしての映画の一貫性は一貫性から生まれます。監督は世界のルールとその中での登場人物の行動を確立し、登場人物が状況をどう乗り切るかからユーモアが生まれます。 1990s の映画を相互にランク付けすることは、何が生き残ったかを特定するための演習の一部です。 Lock, Stock and Two Smoking Barrels が生き残ったのは、Guy Ritchie がトレンドではなく技術に基づいて選択をしたからです。 8.1 の評価は、これらの選択肢が依然として有効であると考えている視聴者を反映しています。
Lock, Stock and Two Smoking Barrels のパフォーマンスは、Guy Ritchie が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Vinnie Jones は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Lock, Stock and Two Smoking Barrels で最も着地が難しい瞬間は、Vinnie Jones の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
初めて Lock, Stock and Two Smoking Barrels を視聴する視聴者は、Guy Ritchie がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Lock, Stock and Two Smoking Barrels のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Vinnie Jones はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1998 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Guy Ritchie が意図したものです。
このようなリストの 11 ～ 25 位に位置する映画は、文化的な重みを持たずにトップ 10 の品質を備えているため、多くの場合、最も有益な発見となります。 Lock, Stock and Two Smoking Barrels がこの位置にあるのは、上のエントリよりも大幅に劣っているからではなく、その魅力がより集中しているためです。 Guy Ritchie が Lock, Stock and Two Smoking Barrels で行っていることに共感した視聴者は、このリストにあるどの映画と同じくらい高く評価しています。より広範な有権者ベースの平均がここに位置します。ジャンルの好み、監督の興味、時代などに基づいて、この映画が自分に向いていると考える特定の理由がある視聴者は、その上にランクされているいくつかのエントリーよりもこの映画を優先する必要があります。
La Haine
After a chaotic night of rioting in a marginal suburb of Paris, three young friends, Vinz, Hubert and Saïd, wander around unoccupied waiting for news about the state of health of a mutual friend who has been seriously injured when confronting the police.
なぜ見るのか: このセレクションの中で最も評価の高い映画の 1 つ。 La Haine は、複数の世代の視聴者の間で継続的に高い評価を受けることでその評判を獲得してきました。
La Haine (1995) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、La Haine がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 大規模な有権者による 8.1 の評価は、この映画が視聴者が見つけた弱点を上回る真の強みを持っていることを意味します。 La Haine は、映画が満たすべき最低基準である中心的な約束を果たしますが、リリース数が示すよりも達成できるものはほとんどありません。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 La Haine は、1990s映画のあらゆる説明の中でその地位を獲得しています。それは、この 10 年間に生み出され、その後の 10 年間に失われたものを捉えているからです。 1990s映画製作の文化的および技術的条件が、Mathieu Kassovitz がここで制作できるものを形作りました。
La Haine の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Mathieu Kassovitz は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 La Haine は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、La Haine が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
La Haine が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Mathieu Kassovitz の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 La Haine は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Vincent Cassel の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある La Haine は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、Vincent Cassel のパフォーマンスと Mathieu Kassovitz の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
American Beauty
40歳を過ぎた広告マンのレスター・バーナムと上昇志向たっぷりの妻キャロリン。彼らの家庭生活に潜む歪んだ真実が徐々に暴かれていく。妻は夫を憎み、娘のジェーンは父親を軽蔑している。そして会社の上司はレスターにリストラによる解雇を告げる。そんな毎日に嫌気が差したレスターは、人生の方向転換を図る。しかし、自由と幸せを求めるレスターを待ち受けていたのは、あまりにも高価な代償だった。
なぜ見るのか: American Beauty は、このリストの例外的な最後に位置します。大規模な有権者ベースに基づいて構築されたこの高い評価は、誇大広告ではなく、真のコンセンサスを反映しています。
1999 年に公開された American Beauty は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Sam Mendes は生き残ったものを作り、今日の 8.0 の評価はその持続力の証拠です。 American Beauty の 8.0 スコアは、選択肢があり、これを高く評価することを選択した視聴者から構築されています。この選択は、自分の主張を明確に主張した映画を反映しています。まさに American Beauty が行っていることです。 Sam Mendes が主張し、聴衆はそれを受け入れました。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 10年ごとに、その時では不可欠に見えては消え去ってしまう映画が生み出されます。 American Beauty はより小さなカテゴリーに属します。1990s映画は、当時を懐かしむことのない視聴者から今でも高く評価されています。世代を超えた品質こそが本当の試練だ。
American Beauty の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Sam Mendes は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 American Beauty の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Kevin Spacey は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
American Beauty は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.0 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 American Beauty を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Sam Mendes と Kevin Spacey が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに American Beauty を入れる 8.0 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 American Beauty に高いスコアを与えるという決定は、Sam Mendes がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 American Beauty は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
最高の映画はあなたの注意を報います。ここにあるどの映画も、必要な時間を稼いでくれています。
Casino
名優ロバート・デ・ニーロ、シャロン・ストーン、ジョー・ペシ等、豪華キャストの競演が実現！激突する野望、燃えるような情熱、そして尽きることのない欲の絡み合いを、巨匠マーティン・スコセッシ監督が空前のスケールで描き上げた超大作。事実を踏まえたこの壮大な物語の舞台は、1973年の虚飾と夢の街ラスベガス。そのラスベガスでカジノを牛耳り大金を操作する命知らずのギャングたち。彼らの巨大な富と彼ら自身の運命はダイスとともに生み出され、ダイスと共に消えていくー。
なぜ見るのか: Casino の背後にある数字は達成するのが困難です。何千人もの独立した視聴者が調整なしで高く評価しています。このコンセンサスは、入手可能な最も信頼できる品質の信号です。
Casino の日付は 1995 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 Casinoが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 8.0 の Casino は、航空機が複数の側面にわたって常に平均を上回っている映画です。単一の要素が他の要素を引き継ぐことはありません。演出も脚本も演技もすべて同じ方向を向いている。 この映画は、ドラマが他のジャンルにできずにできること、つまり、普通の人間の行動にプレッシャーを与え、その反応を通じて性格を明らかにすることを示しています。監督はそのような状況を作り出し、キャストは真の信念を持ってその状況を生きています。 Casino の 1990s コンテキストは偶然ではありません。この 10 年間の特定の美的条件、つまりどのテクノロジーが許可し、どのような文化が要求したかが、Martin Scorsese がここで行った選択を形作りました。それらの選択は、その瞬間とは関係なく維持されます。
Casino の映画撮影は、デジタル ツールが利用可能であったものの、映画制作者がまだデジタル ツールを使用するかどうかを議論していた映画テクノロジーの過渡期を反映しています。 Martin Scorsese は、デフォルトではなく意図的にビジュアル スタイルを選択しました。 Casino の照明、フレーム、カットの方法は、業界の慣例ではなく、特定の視覚的知性を反映しています。 Robert De Niro は、その視覚的なフレームワーク内で機能しており、何をしているかだけではなく、フレーム内にどのように配置されているかに注意して映画を視聴すると、最もよくわかります。
Casino を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて Casino を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると Casino が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Martin Scorsese の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Robert De Niro のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する Casino は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。Casino は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの Martin Scorsese の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 Casino を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
Toy Story
カウボーイ人形のウッディはアンディ少年の大のお気に入り。だがそれも誕生日プレゼントでアクション人形バズ・ライトイヤーを手にするまでの事だった。NO．1の座を奪われたウッディは何とかバズをこらしめようとするが、バズはバズで自分が本物のスペース・レンジャーだと思い込んでいる有り様。そんな二人がふとしたいざこざから外の世界に飛び出してしまう。なんとか我が家へ帰還しようとする二人だが、なんとアンディの隣に住む悪ガキのシドに捕まってしまった……。
なぜ見るのか: Toy Story は、スコアが安定しているほど十分に長く評価を維持しています。さまざまな視聴者の間でこれほど高く評価されている映画は、単に良いというだけではなく、並外れたものです。
Toy Story の 1995 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Toy Story を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Toy Story の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 8.0 の範囲の映画は、リスト上の順位が示すよりも興味深いことがよくあります。これらは、高評価のタイトルほど文化的に飽和していないため、Toy Story は先入観なしでアプローチしやすいことを意味します。 Toy Story はその恩恵を受けます。 コメディとしての映画の一貫性は一貫性から生まれます。監督は世界のルールとその中での登場人物の行動を確立し、登場人物が状況をどう乗り切るかからユーモアが生まれます。 1990s の映画で、現在でも 8.0 のレートを維持している映画は、現代のどのリリースよりも長いテストを生き延びています。 Toy Story はその核心であるストーリーテリング、パフォーマンス、クラフトが時代を必要とせずに機能するため、そのテストに合格しました。
Toy Story の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 John Lasseter は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Tom Hanks は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Toy Story で最も顕著に現れます。
Toy Story は、ほとんどのコメディには当てはまらない、単独視聴とグループ視聴の両方の状況で機能する珍しい映画の 1 つです。設定ではなくキャラクターからユーモアを引き出す映画は、部屋に誰がいるかに関係なく、うまくいく傾向があります。笑いは集団の許可ではなく認識から生まれるからです。 Toy Story を 1 人で視聴すると、グループで視聴すると見逃してしまう、キャラクターを観察する静かな瞬間を捉えることができます。映画を知っている誰かと一緒に見ると、自分が知っている作品を共有するという特別な喜びが生まれます。 Toy Story のランタイムは、長い映画を観る必要のない本物の品質のものが必要な夜に実用的な選択肢となります。 John Lasseter のペースは、映画がオーバーステイすることなく上映時間を稼ぐことを意味します。
Toy Story がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 John Lasseter は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 8.0 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する John Lasseter のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、Toy Story がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
Before Sunrise
アメリカ人青年ジェシーと、ソルボンヌ大学に通うセリーヌは、ユーロートレインの車内で出会った瞬間から心が通い合うのを感じる。ウィーンで途中下車した2人は、それから14時間、街を歩きながら語り合い…そんな自然な会話の中から、彼らの人生観、価値観、そして心の奥の微妙な揺れ動きが見え隠れする。でも別れのときはもう迫ってきていた…。
なぜ見るのか: このセレクションの中で最も評価の高い映画の 1 つ。 Before Sunrise は、複数の世代の視聴者の間で継続的に高い評価を受けることでその評判を獲得してきました。
Before Sunrise (1995) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Before Sunrise がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 8.0 の評価は、一貫したレベルで同時に動作する監督、脚本、パフォーマンスを反映します。この範囲のスコアの映画が単一の側面で大きく失敗することはほとんどなく、Before Sunrise も例外ではありません。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 1990s映画全体のコンテキストでは、Before Sunrise は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1990s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
Before Sunrise のパフォーマンスは、Richard Linklater が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Ethan Hawke は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Before Sunrise で最も着地が難しい瞬間は、Ethan Hawke の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
Before Sunrise は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.0 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Before Sunrise を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Richard Linklater と Ethan Hawke が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションにおける Before Sunrise の位置は、万人向けのすべてを目指すことなく、その映画特有の品質を確実に提供する映画を反映しています。 Richard Linklater は映画の内容を理解し、高いレベルの技術で映画を作りました。 8.0 評価は、これらの条件で映画を鑑賞し、高く評価する価値があると判断した視聴者を表します。異なる期待を持った視聴者は、評価が示すほど映画が満足できないと感じることがあります。これは映画の弱点ではなく、期待の弱点です。 Before Sunrise はまさに技術を駆使して作られたものであり、それを評価した有権者はそれに応えました。
Chungking Express
５年間つきあった彼女にふられた警官223番（金城武）は、彼女のことが忘れられず、自分の誕生日に賞味期限を迎えるパイナップルの缶詰を買い続けている。寂しさを紛らわせようと、金髪の女性（ブリジット・リン）に恋をしてみるが、麻薬の運び屋として取引きに失敗した彼女もまた疲れ果て、そっけない。そんなどん底にいる２人は、行きずりの一夜を過ごす。同じころ、ハンバーガー・ショップの新入り店員フェイ（フェイ・ウォン）は、夜食を買いに来た警官633番（トニー・レオン）と出会う。彼に対して淡い恋心を抱いた彼女は、ある日偶然手に入れた彼のルーム・キーを利用してその部屋に忍び込むと、模様替えを始める・・・。
なぜ見るのか: Chungking Express は、このリストの例外的な最後に位置します。大規模な有権者ベースに基づいて構築されたこの高い評価は、誇大広告ではなく、真のコンセンサスを反映しています。
1994 年に公開された Chungking Express は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Wong Kar-Wai は生き残ったものを作り、今日の 8.0 の評価はその持続力の証拠です。 Chungking Express の 8.0 スコアは、重大な弱点がなく前提条件を満たしている映画の中にランクされています。 Wong Kar-Wai は、全体を通して意図したとおりに機能するものを作成しましたが、これは思っているほど一般的ではありません。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 1990s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 Chungking Express は永続的なものを理解したためにここにいます。
Chungking Express の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Wong Kar-Wai は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 Chungking Express は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、Chungking Express が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
初めて Chungking Express を視聴する視聴者は、Wong Kar-Wai がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Chungking Express のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Brigitte Lin はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1994 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Wong Kar-Wai が意図したものです。
このようなリストの 11 ～ 25 位に位置する映画は、文化的な重みを持たずにトップ 10 の品質を備えているため、多くの場合、最も有益な発見となります。 Chungking Express がこの位置にあるのは、上のエントリよりも大幅に劣っているからではなく、その魅力がより集中しているためです。 Wong Kar-Wai が Chungking Express で行っていることに共感した視聴者は、このリストにあるどの映画と同じくらい高く評価しています。より広範な有権者ベースの平均がここに位置します。ジャンルの好み、監督の興味、時代などに基づいて、この映画が自分に向いていると考える特定の理由がある視聴者は、その上にランクされているいくつかのエントリーよりもこの映画を優先する必要があります。
Jurassic Park
大富豪ジョン・ハモンドの招待で、古生物学者グラントとサトラー、そして数学者マルコムが南米コスタリカの沖合いに浮かぶ島を訪れた。そこは太古の琥珀に閉じ込められたDNAから遺伝子工学によって蘇った恐竜たちが生息する究極のアミューズメント・パークだったのだ。だがオープンを控えたその“ジュラシック・パーク”に次々とトラブルが襲いかかる。嵐の迫る中、ついに檻から解き放たれた恐竜たちは一斉に人間に牙を剥き始めた。
なぜ見るのか: Jurassic Park の背後にある数字は達成するのが困難です。何千人もの独立した視聴者が調整なしで高く評価しています。このコンセンサスは、入手可能な最も信頼できる品質の信号です。
Jurassic Park の日付は 1993 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 Jurassic Parkが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 8.0 では、Jurassic Park は品質が安定している範囲内にありますが、映画は高評価のタイトルの広範なコンセンサスに達していません。この狭いコンセンサスは、多くの場合、特定の魅力を反映しています。Jurassic Park は万人向けではありませんが、適切な視聴者にとっては優れています。 この映画は、SF が技術的なスペクタクルではなく人間の影響に焦点を当てたときに最も効果的に機能することを示しています。監督は、発明とともに生きなければならない登場人物たちにとって、その発明が何を意味するのかを示します。 1990s は、特定の関心事と特定の美的アプローチを備えた特定の文化的瞬間でした。 Jurassic Park はそれらの条件を反映しながら、それらを超越しています。この映画は、鑑賞するために 1990s を理解する必要がない 1990s映画です。
Jurassic Park の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Steven Spielberg は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Jurassic Park の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Sam Neill は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
Jurassic Park が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Steven Spielberg の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 Jurassic Park は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Sam Neill の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある Jurassic Park は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、Sam Neill のパフォーマンスと Steven Spielberg の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
Tre uomini e una gamba
Friends Aldo, Giovanni, and Giacomo cross Italy from north to south for Giacomo's wedding: the father of the bride, a despotic magnate who is both their boss and father-in-law—since Aldo and Giovanni have also married into the family not for love but for money, a fate now awaiting Giacomo—has entrusted them with a priceless piece of modern art, one that looks just like a rather unremarkable wooden leg.
なぜ見るのか: Tre uomini e una gamba は、スコアが安定しているほど十分に長く評価を維持しています。さまざまな視聴者の間でこれほど高く評価されている映画は、単に良いというだけではなく、並外れたものです。
Tre uomini e una gamba の 1997 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Tre uomini e una gamba を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Tre uomini e una gamba の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 8.0 の Tre uomini e una gamba は、このリストの信頼できる層を表します。これらは期待を裏切らない映画です。 Aldo Baglio は映画がどうあるべきかを理解し、妥協することなくそれを実行しました。 コメディとしての映画の一貫性は一貫性から生まれます。監督は世界のルールとその中での登場人物の行動を確立し、登場人物が状況をどう乗り切るかからユーモアが生まれます。 1990s の映画を相互にランク付けすることは、何が生き残ったかを特定するための演習の一部です。 Tre uomini e una gamba が生き残ったのは、Aldo Baglio がトレンドではなく技術に基づいて選択をしたからです。 8.0 の評価は、これらの選択肢が依然として有効であると考えている視聴者を反映しています。
Tre uomini e una gamba の映画撮影は、デジタル ツールが利用可能であったものの、映画制作者がまだデジタル ツールを使用するかどうかを議論していた映画テクノロジーの過渡期を反映しています。 Aldo Baglio は、デフォルトではなく意図的にビジュアル スタイルを選択しました。 Tre uomini e una gamba の照明、フレーム、カットの方法は、業界の慣例ではなく、特定の視覚的知性を反映しています。 Aldo Baglio は、その視覚的なフレームワーク内で機能しており、何をしているかだけではなく、フレーム内にどのように配置されているかに注意して映画を視聴すると、最もよくわかります。
Tre uomini e una gamba は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.0 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Tre uomini e una gamba を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Aldo Baglio と Aldo Baglio が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに Tre uomini e una gamba を入れる 8.0 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 Tre uomini e una gamba に高いスコアを与えるという決定は、Aldo Baglio がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 Tre uomini e una gamba は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
Trainspotting
ドラッグ中毒のマークと悪友たちは常にハイ状態か、あるいはドラッグを手に入れるため盗みに精を出しているというていたらく。ある日、マークはこのままではいけないと更生するためにロンドンに行き職に就く。ところが、彼らの仲間が会社に押し掛けたことが原因で、マークはクビになってしまう。
なぜ見るのか: このセレクションの中で最も評価の高い映画の 1 つ。 Trainspotting は、複数の世代の視聴者の間で継続的に高い評価を受けることでその評判を獲得してきました。
Trainspotting (1996) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Trainspotting がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 大規模な有権者による 8.0 の評価は、この映画が視聴者が見つけた弱点を上回る真の強みを持っていることを意味します。 Trainspotting は、映画が満たすべき最低基準である中心的な約束を果たしますが、リリース数が示すよりも達成できるものはほとんどありません。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 Trainspotting は、1990s映画のあらゆる説明の中でその地位を獲得しています。それは、この 10 年間に生み出され、その後の 10 年間に失われたものを捉えているからです。 1990s映画製作の文化的および技術的条件が、Danny Boyle がここで制作できるものを形作りました。
Trainspotting の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Danny Boyle は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Ewan McGregor は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Trainspotting で最も顕著に現れます。
Trainspotting を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて Trainspotting を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると Trainspotting が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Danny Boyle の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Ewan McGregor のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する Trainspotting は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。Trainspotting は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの Danny Boyle の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 Trainspotting を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
The Iron Giant
1957年、アメリカはメイン州の小さな町。頭がよくて想像力豊かな９歳のホガースは、ある日、好奇心旺盛な金属を食べる巨大ロボットと出会う。2人は仲良くなるが、ロボットの噂が町の人々の間に広まり大混乱が巻き起こる。＜英国桂冠詩人のテッド・ヒューズが記した「アイアン・マン」を、ブラッド・バード監督がアニメーション化。金属を食べる巨大ロボット“アイアン・ジャイアント”と、一人の少年との心の交流を通 して“真の友人とは何か？”を問いかける。＞
なぜ見るのか: The Iron Giant は、このリストの例外的な最後に位置します。大規模な有権者ベースに基づいて構築されたこの高い評価は、誇大広告ではなく、真のコンセンサスを反映しています。
1999 年に公開された The Iron Giant は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Brad Bird は生き残ったものを作り、今日の 8.0 の評価はその持続力の証拠です。 The Iron Giant の 8.0 スコアは、選択肢があり、これを高く評価することを選択した視聴者から構築されています。この選択は、自分の主張を明確に主張した映画を反映しています。まさに The Iron Giant が行っていることです。 Brad Bird が主張し、聴衆はそれを受け入れました。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 10年ごとに、その時では不可欠に見えては消え去ってしまう映画が生み出されます。 The Iron Giant はより小さなカテゴリーに属します。1990s映画は、当時を懐かしむことのない視聴者から今でも高く評価されています。世代を超えた品質こそが本当の試練だ。
The Iron Giant のパフォーマンスは、Brad Bird が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Jennifer Aniston は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 The Iron Giant で最も着地が難しい瞬間は、Jennifer Aniston の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
The Iron Giant は、単に時間を埋めるものではなく、本質的なものを見たい夜に適しています。これは背景ムービーではなく、受動的な体験でもありません。 Brad Bird は、ユーザーの注意を求め、一般的ではなく具体的に報酬を与える何かを構築しました。他のことをしながら The Iron Giant を視聴する視聴者は、フルに注意を払った人が視聴できるバージョンよりも大幅に縮小されたバージョンの映画を視聴することになります。 8.0 評価は、フルアテンションの視聴エクスペリエンスを反映しています。キャスト (具体的には Jennifer Aniston) は、集中して視聴すると記録され、気を散らして視聴すると消えてしまうパフォーマンスの詳細を提供します。
The Iron Giant がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 Brad Bird は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 8.0 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する Brad Bird のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、The Iron Giant がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
The Sixth Sense
高名な精神科医のマルコムは、かつて担当していた患者の凶弾に倒れてしまう。リハビリを果たした彼は、複雑な症状を抱えた少年･コールの治療に取り掛かる事に。コールは常人には無い特殊な“第6感”、死者を見る事ができる能力を持っていた｡コールを治療しながら、彼によって自らの心も癒されていくマルコム。そして彼には予想も付かない真実が待ち受けていた･･･｡
なぜ見るのか: The Sixth Sense の背後にある数字は達成するのが困難です。何千人もの独立した視聴者が調整なしで高く評価しています。このコンセンサスは、入手可能な最も信頼できる品質の信号です。
The Sixth Sense の日付は 1999 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 The Sixth Senseが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 8.0 の The Sixth Sense は、航空機が複数の側面にわたって常に平均を上回っている映画です。単一の要素が他の要素を引き継ぐことはありません。演出も脚本も演技もすべて同じ方向を向いている。 これは、緊張が物理的ではなく心理的なものであるスリラーのカテゴリーに属します。監督は、明らかな危険を見せなくても観客がプレッシャーを感じることを信頼している。その結果、従来のスリラーの仕組みよりもさらに不安が生じます。 The Sixth Sense の 1990s コンテキストは偶然ではありません。この 10 年間の特定の美的条件、つまりどのテクノロジーが許可し、どのような文化が要求したかが、M. Night Shyamalan がここで行った選択を形作りました。それらの選択は、その瞬間とは関係なく維持されます。
The Sixth Sense の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 M. Night Shyamalan は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 The Sixth Sense は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、The Sixth Sense が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
The Sixth Sense は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 8.0 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 The Sixth Sense を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 M. Night Shyamalan と Bruce Willis が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションにおける The Sixth Sense の位置は、万人向けのすべてを目指すことなく、その映画特有の品質を確実に提供する映画を反映しています。 M. Night Shyamalan は映画の内容を理解し、高いレベルの技術で映画を作りました。 8.0 評価は、これらの条件で映画を鑑賞し、高く評価する価値があると判断した視聴者を表します。異なる期待を持った視聴者は、評価が示すほど映画が満足できないと感じることがあります。これは映画の弱点ではなく、期待の弱点です。 The Sixth Sense はまさに技術を駆使して作られたものであり、それを評価した有権者はそれに応えました。
Whisper of the Heart
本が大好きな中学生の少女・雫。彼女はある時、図書カードに何度も連ねられた男子の名を見つける。その男子・天沢聖司の名に、淡い恋心を抱く雫。だが実際の天沢は、ぶしつけで粗野なヤツだった・・・。
なぜ見るのか: Yoshifumi Kondo は、優れたドラマに必要で、めったに得られない忍耐をもって Whisper of the Heart に取り組みます。その結果、感情的な瞬間を予定に入れるのではなく、自分で獲得する映画が生まれました。
Whisper of the Heart の 1995 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Whisper of the Heart を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Whisper of the Heart の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 7.9 の範囲の映画は、リスト上の順位が示すよりも興味深いことがよくあります。これらは、高評価のタイトルほど文化的に飽和していないため、Whisper of the Heart は先入観なしでアプローチしやすいことを意味します。 Whisper of the Heart はその恩恵を受けます。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1990s の映画で、現在でも 7.9 のレートを維持している映画は、現代のどのリリースよりも長いテストを生き延びています。 Whisper of the Heart はその核心であるストーリーテリング、パフォーマンス、クラフトが時代を必要とせずに機能するため、そのテストに合格しました。
Whisper of the Heart の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Yoshifumi Kondo は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Whisper of the Heart の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Yoko Honna は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
初めて Whisper of the Heart を視聴する視聴者は、Yoshifumi Kondo がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Whisper of the Heart のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Yoko Honna はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1995 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Yoshifumi Kondo が意図したものです。
このようなリストの 11 ～ 25 位に位置する映画は、文化的な重みを持たずにトップ 10 の品質を備えているため、多くの場合、最も有益な発見となります。 Whisper of the Heart がこの位置にあるのは、上のエントリよりも大幅に劣っているからではなく、その魅力がより集中しているためです。 Yoshifumi Kondo が Whisper of the Heart で行っていることに共感した視聴者は、このリストにあるどの映画と同じくらい高く評価しています。より広範な有権者ベースの平均がここに位置します。ジャンルの好み、監督の興味、時代などに基づいて、この映画が自分に向いていると考える特定の理由がある視聴者は、その上にランクされているいくつかのエントリーよりもこの映画を優先する必要があります。
素晴らしい映画を見ると世界の見方が変わります。だからこそ、私たちはそれらを慎重に選んでいます。
Braveheart
イングランド王の圧制に家族を殺された、スコットランド人のウォーレス。愛する家族の仇を討つため、多くの民衆とともに立ち上がった……。中世スコットランドに実在した、伝説のヒーローの激闘を描いた歴史スペクタクル・アクション。
なぜ見るのか: クレジットが終わってもずっと記憶に残るタイプのドラマ。 Mel Gibson は、素材に忍耐力をもたらし、標準的な運賃を超えています。
Braveheart (1995) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Braveheart がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 7.9 の評価は、一貫したレベルで同時に動作する監督、脚本、パフォーマンスを反映します。この範囲のスコアの映画が単一の側面で大きく失敗することはほとんどなく、Braveheart も例外ではありません。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 1990s映画全体のコンテキストでは、Braveheart は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1990s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
Braveheart の映画撮影は、デジタル ツールが利用可能であったものの、映画制作者がまだデジタル ツールを使用するかどうかを議論していた映画テクノロジーの過渡期を反映しています。 Mel Gibson は、デフォルトではなく意図的にビジュアル スタイルを選択しました。 Braveheart の照明、フレーム、カットの方法は、業界の慣例ではなく、特定の視覚的知性を反映しています。 Mel Gibson は、その視覚的なフレームワーク内で機能しており、何をしているかだけではなく、フレーム内にどのように配置されているかに注意して映画を視聴すると、最もよくわかります。
Braveheart が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Mel Gibson の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 Braveheart は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Mel Gibson の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある Braveheart は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、Mel Gibson のパフォーマンスと Mel Gibson の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
Heat
仕事に疲れて一般的な家庭生活が送れない刑事ヴィンセント。冷徹無比の犯罪組織のボス、ニール。追う者と追われる者、虚々実々の駆け引きとせめぎ合い。やがて二人はそれぞれの抱える孤独のうちに、奇妙な共感を覚える。だが彼らには避けては通れない運命の直接対決が待ち受けていた。
なぜ見るのか: Heatは沈黙を信頼するドラマです。 Michael Mann はシーンに明白な終点を超えて呼吸する余地を与え、キャラクターが演技をやめたときの行動に真実を見出します。
1995 年に公開された Heat は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Michael Mann は生き残ったものを作り、今日の 7.9 の評価はその持続力の証拠です。 Heat の 7.9 スコアは、重大な弱点がなく前提条件を満たしている映画の中にランクされています。 Michael Mann は、全体を通して意図したとおりに機能するものを作成しましたが、これは思っているほど一般的ではありません。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 1990s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 Heat は永続的なものを理解したためにここにいます。
Heat の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Michael Mann は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Al Pacino は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Heat で最も顕著に現れます。
Heat は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.9 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Heat を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Michael Mann と Al Pacino が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに Heat を入れる 7.9 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 Heat に高いスコアを与えるという決定は、Michael Mann がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 Heat は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
GHOST IN THE SHELL
2029年、二度の大戦を経て、電脳化・義体化技術の発展した世界。新たな可能性の一方で、ゴーストハックや犯罪の多様化といった問題にも悩まされていた。 そんな中、他人の電脳をハックし人形のように使う「人形使い」が入国し公安9課は調査に乗り出す。
なぜ見るのか: Mamoru Oshii は、単なるインパクトではなく理解のために GHOST IN THE SHELL でアクションを撮影します。空間ロジックは全体を通して維持されていますが、これは必要以上にまれです。
GHOST IN THE SHELL の日付は 1995 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 GHOST IN THE SHELLが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 7.9 では、GHOST IN THE SHELL は品質が安定している範囲内にありますが、映画は高評価のタイトルの広範なコンセンサスに達していません。この狭いコンセンサスは、多くの場合、特定の魅力を反映しています。GHOST IN THE SHELL は万人向けではありませんが、適切な視聴者にとっては優れています。 監督はカメラのスペクタクルではなく、人間のスケールでアクションを撮影します。キャラクターは一貫した空間を占有し、その身体は読みやすい目的を持ってその空間を移動します。その結果、瞬間的なアドレナリンを生成するのではなく、衝撃を蓄積するアクションが得られます。 1990s は、特定の関心事と特定の美的アプローチを備えた特定の文化的瞬間でした。 GHOST IN THE SHELL はそれらの条件を反映しながら、それらを超越しています。この映画は、鑑賞するために 1990s を理解する必要がない 1990s映画です。
GHOST IN THE SHELL のパフォーマンスは、Mamoru Oshii が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Atsuko Tanaka は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 GHOST IN THE SHELL で最も着地が難しい瞬間は、Atsuko Tanaka の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
GHOST IN THE SHELL を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて GHOST IN THE SHELL を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると GHOST IN THE SHELL が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Mamoru Oshii の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Atsuko Tanaka のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する GHOST IN THE SHELL は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。GHOST IN THE SHELL は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの Mamoru Oshii の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 GHOST IN THE SHELL を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
The Postman
イタリア、ナポリに浮かぶ小さな島に、チリ政府に追われた世界的詩人パブロ・ネルーダが亡命し、滞在することとなった。彼だけに郵便を届ける配達人となった村の貧しい青年マリオは、ネルーダとの交流の中で、少しずつ詩の世界に触れ、恋を知るのだった。美しい風景の中で切ない愛と友情を描く感動作。
なぜ見るのか: Michael Radford は、優れたドラマに必要で、めったに得られない忍耐をもって The Postman に取り組みます。その結果、感情的な瞬間を予定に入れるのではなく、自分で獲得する映画が生まれました。
The Postman の 1994 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 The Postman を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 The Postman の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 7.9 の The Postman は、このリストの信頼できる層を表します。これらは期待を裏切らない映画です。 Michael Radford は映画がどうあるべきかを理解し、妥協することなくそれを実行しました。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1990s の映画を相互にランク付けすることは、何が生き残ったかを特定するための演習の一部です。 The Postman が生き残ったのは、Michael Radford がトレンドではなく技術に基づいて選択をしたからです。 7.9 の評価は、これらの選択肢が依然として有効であると考えている視聴者を反映しています。
The Postman の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Michael Radford は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 The Postman は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、The Postman が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
The Postman は、ほとんどのコメディには当てはまらない、単独視聴とグループ視聴の両方の状況で機能する珍しい映画の 1 つです。設定ではなくキャラクターからユーモアを引き出す映画は、部屋に誰がいるかに関係なく、うまくいく傾向があります。笑いは集団の許可ではなく認識から生まれるからです。 The Postman を 1 人で視聴すると、グループで視聴すると見逃してしまう、キャラクターを観察する静かな瞬間を捉えることができます。映画を知っている誰かと一緒に見ると、自分が知っている作品を共有するという特別な喜びが生まれます。 The Postman のランタイムは、長い映画を観る必要のない本物の品質のものが必要な夜に実用的な選択肢となります。 Michael Radford のペースは、映画がオーバーステイすることなく上映時間を稼ぐことを意味します。
The Postman がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 Michael Radford は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 7.9 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する Michael Radford のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、The Postman がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
Unforgiven
荒事からは足を洗っていたウィリアム・マニーの元へ若いガンマンが訪れる。娼婦に傷を負わせ賞金をかけられた無法者を追うためだ。マニーのかつての相棒ネッドを加えた3人は追跡行に出かけるが、その頃、町の実力者の保安官ビルは疎ましい賞金稼ぎたちを袋叩きにしているところだった。やがてビルの暴力が黒人であるネッドにも及んだ。
なぜ見るのか: 患者の注意に報いる映画。 Clint Eastwood には 1 シーンも無駄がなく、Unforgiven への投資は完全に正当であると感じられます。
Unforgiven (1992) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、Unforgiven がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 大規模な有権者による 7.9 の評価は、この映画が視聴者が見つけた弱点を上回る真の強みを持っていることを意味します。 Unforgiven は、映画が満たすべき最低基準である中心的な約束を果たしますが、リリース数が示すよりも達成できるものはほとんどありません。 この映画は、シーンの構築方法、情報のテンポの調整方法、観客が関心を持つ杭の作成方法など、監督のクラフトに対する理解を示しています。 Unforgiven は、1990s映画のあらゆる説明の中でその地位を獲得しています。それは、この 10 年間に生み出され、その後の 10 年間に失われたものを捉えているからです。 1990s映画製作の文化的および技術的条件が、Clint Eastwood がここで制作できるものを形作りました。
Unforgiven の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Clint Eastwood は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 Unforgiven の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Clint Eastwood は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
Unforgiven は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.9 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Unforgiven を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 Clint Eastwood と Clint Eastwood が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションにおける Unforgiven の位置は、万人向けのすべてを目指すことなく、その映画特有の品質を確実に提供する映画を反映しています。 Clint Eastwood は映画の内容を理解し、高いレベルの技術で映画を作りました。 7.9 評価は、これらの条件で映画を鑑賞し、高く評価する価値があると判断した視聴者を表します。異なる期待を持った視聴者は、評価が示すほど映画が満足できないと感じることがあります。これは映画の弱点ではなく、期待の弱点です。 Unforgiven はまさに技術を駆使して作られたものであり、それを評価した有権者はそれに応えました。
Three Colors: Red
女学生のヴァランティーヌが知り合った初老の元判事には、他人の電話を盗聴するという悪習があった。彼女はそれをやめさせようと、男の過去を探っていくが……。
なぜ見るのか: Three Colors: Redは沈黙を信頼するドラマです。 Krzysztof Kieślowski はシーンに明白な終点を超えて呼吸する余地を与え、キャラクターが演技をやめたときの行動に真実を見出します。
1994 年に公開された Three Colors: Red は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Krzysztof Kieślowski は生き残ったものを作り、今日の 7.9 の評価はその持続力の証拠です。 Three Colors: Red の 7.9 スコアは、選択肢があり、これを高く評価することを選択した視聴者から構築されています。この選択は、自分の主張を明確に主張した映画を反映しています。まさに Three Colors: Red が行っていることです。 Krzysztof Kieślowski が主張し、聴衆はそれを受け入れました。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 10年ごとに、その時では不可欠に見えては消え去ってしまう映画が生み出されます。 Three Colors: Red はより小さなカテゴリーに属します。1990s映画は、当時を懐かしむことのない視聴者から今でも高く評価されています。世代を超えた品質こそが本当の試練だ。
Three Colors: Red の映画撮影は、デジタル ツールが利用可能であったものの、映画制作者がまだデジタル ツールを使用するかどうかを議論していた映画テクノロジーの過渡期を反映しています。 Krzysztof Kieślowski は、デフォルトではなく意図的にビジュアル スタイルを選択しました。 Three Colors: Red の照明、フレーム、カットの方法は、業界の慣例ではなく、特定の視覚的知性を反映しています。 Irène Jacob は、その視覚的なフレームワーク内で機能しており、何をしているかだけではなく、フレーム内にどのように配置されているかに注意して映画を視聴すると、最もよくわかります。
初めて Three Colors: Red を視聴する視聴者は、Krzysztof Kieślowski がシーン間のトランジションをどのように処理するかに特に注意を払う必要があります。 Three Colors: Red のカットは従来のものではありません。プロットのビートではなく登場人物の瞬間に着地する傾向があります。これは、編集のリズムと映画の感情的なリズムが同じであることを意味します。シーンが予想より早く終了するか遅く終了するように見える場合、そのタイミングは選択可能であり、通常はその瞬間のキャラクターの状態について具体的なことがわかります。 Irène Jacob はこのリズムの中で、主要なイベントの直後のシーン、つまりキャラクターが前に進むのではなく固まるリアクションショットや静かな瞬間のシーンで最も顕著に現れる身体的なパフォーマンスで動作します。 1994 の制作状況は、現代の映画が事後調整できるデジタル セーフティ ネットなしでこれらの選択が行われたことを意味します。あなたが見ているものは、Krzysztof Kieślowski が意図したものです。
このようなリストの 11 ～ 25 位に位置する映画は、文化的な重みを持たずにトップ 10 の品質を備えているため、多くの場合、最も有益な発見となります。 Three Colors: Red がこの位置にあるのは、上のエントリよりも大幅に劣っているからではなく、その魅力がより集中しているためです。 Krzysztof Kieślowski が Three Colors: Red で行っていることに共感した視聴者は、このリストにあるどの映画と同じくらい高く評価しています。より広範な有権者ベースの平均がここに位置します。ジャンルの好み、監督の興味、時代などに基づいて、この映画が自分に向いていると考える特定の理由がある視聴者は、その上にランクされているいくつかのエントリーよりもこの映画を優先する必要があります。
Mulan
フン族の軍勢に苦しむ戦乱の中国。皇帝は各家から一人の兵士を出すように命じる。ムーランは、老いた父親に代わって軍に兵士として加わることを決意。髪を切り名前をビンと変え、勇猛な兵士に変装する。ムーランは過酷な訓練を経て、戦場で目をみはる大活躍を繰り広げる。
なぜ見るのか: Mulan のすべての視覚的な決定 (色、動き、構成) は、ゼロから考案されました。 Tony Bancroft は、そのトータル コントロールを利用して、実写映画では再現できないものを作成します。
Mulan の日付は 1998 です。これは、複数世代の視聴者によってテストされていることを意味します。 Mulanが依然として上位にランクされているという事実は、ノスタルジーではなく本物の工芸品を反映しています。 7.9 の Mulan は、航空機が複数の側面にわたって常に平均を上回っている映画です。単一の要素が他の要素を引き継ぐことはありません。演出も脚本も演技もすべて同じ方向を向いている。 監督は、アニメーションに必要な意図的な技術を映画に注ぎ込んでいます。すべてのフレームは、ストーリーをどのように体験すべきかについての意図を反映しています。つまり、映画は単なる物語ではなく、個々の瞬間のレベルで機能します。 Mulan の 1990s コンテキストは偶然ではありません。この 10 年間の特定の美的条件、つまりどのテクノロジーが許可し、どのような文化が要求したかが、Tony Bancroft がここで行った選択を形作りました。それらの選択は、その瞬間とは関係なく維持されます。
Mulan の脚本は、ほとんどの映画では達成できないことを示しています。すべてのシーンが 2 つのことを同時に行っているということです。表面的なアクションがストーリーを進めます。サブテキストは文字を進めます。 Tony Bancroft は、視聴者が、語られていないことを、実際に語られたことと同じくらい明確に認識できると信頼する素材を使用して作業しました。 Ming-Na Wen は、映画のその時点で知っていることに応じて、異なる意味を持つセリフを伝えます。初めて見る人は一本の映画を体験する。結末を知っている視聴者は別の体験をします。その構造的な洗練さは、登場人物が一貫して直接の発言を避けていることに注目すると、Mulan で最も顕著に現れます。
Mulan が影響を与えた映画を見た視聴者は、オリジナルを観るのは現代の映画を観るのとは異なる体験になるでしょう。広範囲にコピーされてきたために親しみを感じているテクニックが、ここではオリジナルの形で表示されています。これにより、コピーが背後にある理由を理解せずに、Tony Bancroft の動作の表面を理解していたことがよくわかります。 Mulan は、特定のストーリーテリングの目標に合わせて文体の選択を使用します。これらの選択肢を借用した後の映画では、機能を持たずにスタイルとして使用されることがよくありました。オリジナルを見ると、実際に何が達成されていたのかが明確になります。ここでの Ming-Na Wen の作品には、それにインスピレーションを得た多くのパフォーマンスにはない特殊性もあります。模倣は、マナーに意味を持たせる内面性を持たずにマナーを捉えています。
リストのこの位置にある Mulan は、文化的記念碑にならずに真の品質と持続的な評価を達成した映画を表します。この立場の利点は、Ming-Na Wen のパフォーマンスと Tony Bancroft の技術が、事前の広範な議論のフィルターを通してではなく、新鮮に出会うことができることです。この映画を観る価値のあるものにする具体的な点は、上記の編集注記で説明されていますが、評判を確認することを期待していない場合には、簡単にわかります。このリストの中央セクションにある評価は降格ではありません。これは、特定の観客にとって優れた映画の説明です。
Titanic
1912年、処女航海に出た豪華客船タイタニック号。新天地アメリカを目指す画家志望の青年ジャックと上流階級の娘ローズは船上で運命的な出会いを果たす。身分違いの恋を乗り越え強い絆で結ばれていく2人。しかし不沈を誇っていた豪華客船は皮肉な運命に見舞われる‥‥。
なぜ見るのか: James Cameron は、優れたドラマに必要で、めったに得られない忍耐をもって Titanic に取り組みます。その結果、感情的な瞬間を予定に入れるのではなく、自分で獲得する映画が生まれました。
Titanic の 1997 リリースは、ストリーミング時代より完全に前のものです。 Titanic を評価したすべての視聴者は、劇場上映、物理的メディア、推奨などの意図的な努力を通じてそれを発見しました。 Titanic の対象ユーザーは、エンゲージメントを自分で選択します。 7.9 の範囲の映画は、リスト上の順位が示すよりも興味深いことがよくあります。これらは、高評価のタイトルほど文化的に飽和していないため、Titanic は先入観なしでアプローチしやすいことを意味します。 Titanic はその恩恵を受けます。 これをドラマとして区別するのは、監督が観客が何を感じられるかを説明することを拒否していることだ。この映画は、感情的な重みのある状況を作り出し、視聴者がその重みを自分自身で背負うことを信頼します。パフォーマンスは過剰な信号を発することなく、感情的な音域を提供します。 1990s の映画で、現在でも 7.9 のレートを維持している映画は、現代のどのリリースよりも長いテストを生き延びています。 Titanic はその核心であるストーリーテリング、パフォーマンス、クラフトが時代を必要とせずに機能するため、そのテストに合格しました。
Titanic のパフォーマンスは、James Cameron が確立し、生産全体を通じて維持される特定のレジスタに合わせて調整されます。 Leonardo DiCaprio は、この素材では強調するよりも控えめにする必要があることを理解していました。 Titanic で最も着地が難しい瞬間は、Leonardo DiCaprio の演技がスキルの低い俳優よりも少ない瞬間です。アンサンブルは、単なる才能ではなく、綿密な準備を示唆するリズムで連携しています。複数のキャストメンバーが登場するシーンでは、アンサンブルの真実性を犠牲にして個々のパフォーマンスが前面に押し出される映画では珍しい、協力的なダイナミクスが明らかになります。
Titanic は、普段この時代やジャンルの映画を求めない視聴者向けの作品です。 7.9 の評価を獲得した特質は、ジャンルや時代に特有のものではありません。明確なストーリーテリング、説得力のあるパフォーマンス、それ自体を見せるのではなく素材に役立つ演出など、あらゆる映画を優れたものにする特質です。 Titanic を文化的成果物としてではなく、映画としてアプローチする視聴者は、最も強い反応を示す傾向があります。リリース以来蓄積されてきた文化的な重みが、アクセスではなく距離を生み出す可能性があります。最も役立つフレームは単純です。これは、特定の状況にある特定の人々についてよく作られた映画です。他のすべては、それを注意深く観察することから始まります。 James Cameron と Leonardo DiCaprio が機能します。視聴者の仕事は、その場に立ち会うことだ。
リストのこのセクションに Titanic を入れる 7.9 評価は、その上にランク付けされたすべてのコンテンツにアクセスできる視聴者から得られたものです。彼らはそれらのタイトルを見た、または知っていた後にこの映画を評価しました。 Titanic に高いスコアを与えるという決定は、James Cameron がここで達成したこと、つまりトップ 10 のエントリに劣るものではなく、異なるものに対する真の評価を反映しています。このようなリストに記載される資質の範囲は、ポジションの範囲が示唆するものよりも狭いです。ポジション 8 とポジション 18 の違いは、アピールの具体性の違いの一部です。 Titanic は、全体的に優れているというよりは、特に優れています。適切な視聴者にとって、その特異性は資産となります。
In the Name of the Father
爆破テロ事件の犯人という冤罪を受け、親族まで逮捕された男。父は「冤罪をそそげ」と遺言を残して獄死してしまう……。世界的な関心を集めたジェリー・コンロンの手記を映画化した作品。
なぜ見るのか: クレジットが終わってもずっと記憶に残るタイプのドラマ。 Jim Sheridan は、素材に忍耐力をもたらし、標準的な運賃を超えています。
In the Name of the Father (1993) は、インターネットによってあらゆる映画がどこでもすぐに視聴できるようになる前に登場しました。視聴者にリーチするには本物の口コミが必要であり、In the Name of the Father がその口コミを構築したのは、それが本物のものを届けたからです。 7.9 の評価は、一貫したレベルで同時に動作する監督、脚本、パフォーマンスを反映します。この範囲のスコアの映画が単一の側面で大きく失敗することはほとんどなく、In the Name of the Father も例外ではありません。 監督は、ほとんどの現代ドラマでは不可能な忍耐力を持って仕事に取り組んでいます。シーンは明らかな終点を超えて進み、登場人物が言いたいことを言った後に何をするかという真実を見つけます。キャストはこのリズムを理解しています。 1990s映画全体のコンテキストでは、In the Name of the Father は、その 10 年間が貢献し、その前後の 10 年間には貢献しなかったことを表します。 1990s の映画制作の特定の条件 (予算、テクノロジー、文化的背景) が、その瞬間からしか生まれなかった何かをここで生み出しました。
In the Name of the Father の構造は、ペーシングが慣例ではなく意味を持つように構築されています。 Jim Sheridan は、少し予期せぬと思われる瞬間にカットを入れることで、視聴者を受動的に視聴するのではなく、集中した状態に保ちます。明白なビートを刻む映画は予測可能になります。 In the Name of the Father は登場人物の瞬間をカットしています。つまり、編集のリズムと感情のリズムは同じものです。その結果、構造自体が登場人物の内面の状態について何かを伝える映画が完成しました。従来の編集に麻痺していた視聴者は、In the Name of the Father が生産的な方法で方向感覚を失わせることに気づきます。
In the Name of the Father を初めて視聴する人は、できるだけ予備知識を持たずに視聴する必要があります。この映画は非常に広範囲にわたって議論され、言及されているため、映画そのものではなく、他の人の反応によって形成された期待を持って到着するのは簡単です。何が起こるかを正確に知らずに初めて In the Name of the Father を視聴する実際の体験は、既知の量として視聴する場合とは大きく異なります。まだ見ていない場合は、保存する価値のある利点です。何度も視聴している人は、再視聴すると In the Name of the Father が変化することに気づきます。これは映画が変化するからではなく、結果を知ることで気づく細部や初期のシーンが実際に何をしているのかが変化するためです。 Jim Sheridan の第 1 幕の構成は、どこで終わるかを知ると違って見えます。初期のシーンでの Daniel Day-Lewis のパフォーマンスには、2 回目で見たときにのみ判読できる情報が含まれています。
このリストの 11 位から 25 位の範囲に位置する In the Name of the Father は、品質が安定している領域を占めていますが、映画はトップ 10 の文化的飽和には達していません。このポジションは新規視聴者にとって有利です。In the Name of the Father は、上位ランクのタイトルに課せられる視聴義務のプレッシャーなしで配信されます。この映画は、他人の反応の重みに逆らうのではなく、独自の条件で映画に出会うことができます。ここでの Jim Sheridan の作品は、トップ 10 のエントリーに対抗するのに十分強力であり、これらのタイトルにはないものを提供するのに十分な違いがあります。 In the Name of the Father を上位ではなくここに置く特定の特質は、多くの場合、より広く推奨されているタイトルをすでに見た視聴者にとって最も興味深いものにする特質です。
A Bronx Tale
Set in the Bronx during the tumultuous 1960s, an adolescent boy is torn between his honest, working-class father and a violent yet charismatic crime boss. Complicating matters is the youngster's growing attraction - forbidden in his neighborhood - for a beautiful black girl.
なぜ見るのか: A Bronx Taleは沈黙を信頼するドラマです。 Robert De Niro はシーンに明白な終点を超えて呼吸する余地を与え、キャラクターが演技をやめたときの行動に真実を見出します。
1993 年に公開された A Bronx Tale は、映画が存続するかどうかは劇場上映によって決定された時代に作られました。 Robert De Niro は生き残ったものを作り、今日の 7.9 の評価はその持続力の証拠です。 A Bronx Tale の 7.9 スコアは、重大な弱点がなく前提条件を満たしている映画の中にランクされています。 Robert De Niro は、全体を通して意図したとおりに機能するものを作成しましたが、これは思っているほど一般的ではありません。 ドラマは普遍性ではなく特異性から生まれます。監督は、この状況でこれらの登場人物に正確に当てはまる選択を行い、それが逆説的に、一般的な感情のビートよりも普遍的なものを生み出します。 1990s は多くの映画を制作しました。何十年も経ってもこのようなリストに残っている人は、その瞬間だけではなく、人々について何か真実を理解している人です。 A Bronx Tale は永続的なものを理解したためにここにいます。
A Bronx Tale の音響環境は、視覚的な環境と同様に意図的に構築されています。 Robert De Niro は、サウンド デザインとスコアが意識的な注意の下で機能し、聴衆が何が起こっているのかを分析する前に感情的な反応を形成することを理解しています。 A Bronx Tale の静かなシーケンスでは、アンビエント サウンドを使用して、不在ではなく存在を作り出します。スコアリングされたシーケンスでは、観客が感じるべきことを伝えるのではなく、キャラクターに反応する音楽が使用されます。 Robert De Niro は、この音響環境で、シーンが視覚的にだけでなく聴覚的にどのように体験されるかを考慮した物理的なパフォーマンスで動作します。この組み合わせにより、単に観客に働きかけるのではなく、観客に働きかけるものが生まれます。
A Bronx Tale は、単に時間を埋めるものではなく、本質的なものを見たい夜に適しています。これは背景ムービーではなく、受動的な体験でもありません。 Robert De Niro は、ユーザーの注意を求め、一般的ではなく具体的に報酬を与える何かを構築しました。他のことをしながら A Bronx Tale を視聴する視聴者は、フルに注意を払った人が視聴できるバージョンよりも大幅に縮小されたバージョンの映画を視聴することになります。 7.9 評価は、フルアテンションの視聴エクスペリエンスを反映しています。キャスト (具体的には Robert De Niro) は、集中して視聴すると記録され、気を散らして視聴すると消えてしまうパフォーマンスの詳細を提供します。
A Bronx Tale がこのリストの中間セクションにランクされているのは、その魅力が普遍的ではなく具体的であるためです。また、具体的な魅力を正直に評価すると、映画が適切な視聴者にとって優れている場合でも、全体的な魅力よりも平均評価が低くなります。 Robert De Niro は、一部の視聴者が説得力があると感じる選択も、他の視聴者が要求が厳しいと感じる選択も行いました。 7.9 の評価は、両方のグループを含む有権者ベースからの、複雑ではあるが最終的には肯定的な反応を反映しています。この素材に対する Robert De Niro のアプローチに好みが一致する視聴者は、通常、A Bronx Tale がリストの中で最も強力なエントリの 1 つであることがわかります。個別に評価するのではなく、文脈に基づいて評価すると、数字だけが示すものとは異なる印象が生まれます。
これらの 1990s 映画のランク付け方法
このページのすべての映画は、映画データベース API のデータを使用して選択され、品質の一貫性を確保するために最小投票しきい値でフィルタリングされています。このプロセスは、このカテゴリのすべての映画から始まり、投票平均によって降順に並べ替えられ、次にフィルタリングされて、必要な投票数に満たない映画が除外されます。
その大きなリストから、各エントリの正確性が手動で検証されました。高い評価が自動的に視聴可能につながるわけではありません。最近のニュースで話題になっている映画と、本当に良いから話題になっている映画は同じではありません。各エントリーの編集分析は、文化的なノイズではなく、実際の映画の品質を反映しています。
この選択では、アクセシビリティと奥深さのバランスが保たれています。ここにある映画は、最近公開されたものから、再発見に値するカタログ タイトルまで多岐にわたります。すべては工芸と意図を持って作られました。すべてご褒美視聴。
ジャンル別ベスト 1990s 映画
このページの 50 映画は複数のジャンルやサブジャンルにまたがっています。ジャンルはフィルターとしては便利ですが、決定的なカテゴリとしては役立ちません。 「ドラマ」とタグ付けされた映画は、「スリラー」とタグ付けされた映画と同じくらいサスペンスフルになる可能性があります。 「アクション」とタグ付けされた映画は、「ドラマ」とタグ付けされた映画と同じくらい感情的に知的な可能性があります。全体像としてではなく、出発点としてジャンルを使用します。
各映画のジャンル タグは、その映画がどの位置にあるかを明確に示します。フィルターを使用して、1990s 内で最も興味のあるジャンルを見つけます。
評価別の最高の 1990s 映画
このページの映画は 3 つの評価段階に分かれています。 8.5 を超える映画は、どのような基準から見ても例外的であり、このカテゴリーでは絶対的に最高の映画と言えます。 7.5 から 8.4 までのムービーは一貫した技術を示しており、確実に強力です。 7.0 から 7.4 までのムービーは依然として優れており、見る価値がありますが、品質の範囲は若干広くなります。
TMDB で 8.0 の評価を得るには、統計的に信頼できる十分な規模の有権者ベースが必要です。それは時間をかけてテストされた本物の視聴者の評価を反映しています。
ランタイム別のベスト 1990s 映画
ランタイムは、監視するものを選択するときに最も役立つフィルターの 1 つであり、最も使用されないフィルターの 1 つです。 90 分未満の映画は、完全な体験を正確に提供します。 90 ～ 120 分の映画は、ほとんどの視聴状況に最適な長さです。 120 分を超える映画にはコミットメントが必要ですが、それに見合った価値があります。
予想よりもはるかに長い上映時間を深夜に開始するのではなく、利用可能な時間を使って適切な映画を見つけてください。
見つける価値のある隠された宝石
1990s のすべてのセレクションには、知名度ランキングでは上位にランクされていないものの、優れたものを提供する映画が含まれています。これらの映画は、フランチャイズの認知度や最近の報道が不足しているため、アルゴリズムによって過小評価されます。目立たないから隠されるわけではありません。プラットフォームでは最も騒々しいオプションが最初に表示されるため、これらは非表示になります。
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よくある質問
1990sの最高の映画は何ですか？
1990s の最高の映画がランク付けされ、このページに完全にリストされています。このリストは、ノスタルジーではなく、純粋な視聴者の評価を反映しています。どの映画も、十分な数の観客からの持続的な肯定的な反応によってその地位を獲得しました。
1990sの最高評価の映画は何ですか？
1990s の最高評価の映画がこのページの上部に表示されます。 8.5 以上の評価を受けた映画は、それ以降に制作されたすべての作品にアクセスできる視聴者から高く評価されており、そのため、この評価は数字だけが示すよりも意味のあるものになります。
1990s の最高のスリラーは何ですか?
1990s のスリラーは、このページ全体でジャンル タグによって識別されます。スリラーまたは犯罪スリラーのタグが付いた映画を探してください。最高の 1990s スリラーは、作られたショックではなく、キャラクターへの投資を通じて緊張感を高めます。
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1990s のドラマ映画は、この時代で最も不朽の作品のひとつです。最高の 1990s ドラマは、視聴者が感情的な情報に下線を引くことなく登録し、公開後数十年経っても視聴に報い続けると信頼していました。
1990s の最高のアクション映画は何ですか?
アクション映画は1990s時代に大きく進化しました。このページの「アクション」とタグ付けされた映画は、その進化の最良の部分を表しており、最初に理解を、次に衝撃を与えることを目的としたシーケンスを備えています。
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最高の 1990s コメディは、設定やオチの仕組みではなく、キャラクターからユーモアを引き出しました。元の文化的参照が薄れても、登場人物が具体的で認識しやすいため、面白いままです。
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最高の 1990s ホラー映画は、雰囲気はショックよりも持続性があり、恐怖にはキャラクターへの事前の投資が必要であることを理解していました。これらは、露骨な内容ではなく、雰囲気のある工芸品と構造的知性を重視して選ばれました。
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1990s の最高の SF 映画は、スペクタクルとしてではなく、人間の疑問を探求するために思索的な前提を使用していました。このジャンルは真剣に受け止められ、実際のアイデアを盛り込んだプロジェクトが作成され、劇場公開されました。
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1990s の犯罪映画は、このジャンルが生み出した最も強力な作品の一部を表しています。これらの映画は、道徳的な曖昧さを解決することなく関与し、ロマンチシズムのない犯罪生活の代償を示していました。
1990s の最高の外国語映画は何ですか?
このリストには、1990s の国際映画が含まれています。この時代、いくつかの国立映画館は創造性のピークを迎えていました。字幕に懐疑的な人は、このページで評価が 8.5 以上の外国語映画から始めるべきです。
1990s で最も過小評価されている映画は何ですか?
このページの「隠れた宝石」セクションでは、有意義な投票者ベースから 6.5 ～ 7.4 のスコアを獲得した 1990s 映画を特定します。これらの映画が過小評価されているのは、無名だからではなく、シリーズとしての知名度や最近の報道が不足しているためです。
誰もが一度は見るべき1990sの映画は何ですか？
このリストで 8.0 以上の評価を得た映画は、交渉の余地のない 1990s の視聴を表します。これらは、複数の世代の視聴者の間で真の批判的なコンセンサスを達成し、新たな視聴者に届け続けています。
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1990s の映画は現代の映画とどう違うのですか?
1990s は、さまざまな制約の下、さまざまな野心を持って映画を制作しました。予算構造により、オリジナルの前提を備えた中級映画が劇場公開されることが可能になりました。ディレクターには、現在一般的であるよりもスタジオに対してよりクリエイティブなコントロールが与えられていました。
1990s の映画は今でも見る価値がありますか?
はい、資格なしでも大丈夫です。このリストにある映画は、歴史的に興味深いからではなく、歴史に残るという理由で選ばれています。優れた映画製作は、テクノロジーやファッションのように老化することはありません。現代の観客はこれらの映画を高く評価し続けています。