Parasite
All unemployed, Ki-taek's family takes peculiar interest in the wealthy and glamorous Parks for their livelihood until they get entangled in an unexpected incident.
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। Parasite ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
Parasite समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Bong Joon Ho ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। मूवी डेटाबेस पर 8.5 रेटिंग सांख्यिकीय रूप से दुर्लभ है। इसके लिए एक बड़े मतदाता आधार की आवश्यकता होती है, जिससे व्यक्तिगत राय औसत हो जाती है, केवल ऐसी फिल्में बचती हैं जो लगातार विभिन्न दर्शकों तक पहुंचती हैं। Parasite में वह सहमति है। निर्देशक सूचना विषमता के इर्द-गिर्द फिल्म का निर्माण करता है: दर्शक पात्रों से अधिक या कम जानते हैं, और फिल्म दोनों स्थितियों को सटीकता के साथ नियंत्रित करती है। कलाकार तीव्रता के बजाय संयम के माध्यम से तनाव को दूर करते हैं। कुल मिलाकर 2010s सिनेमा के संदर्भ में, Parasite दर्शाता है कि दशक ने क्या योगदान दिया जो पहले और बाद के दशकों ने नहीं दिया। 2010s फिल्म निर्माण की विशिष्ट स्थितियाँ - बजट, प्रौद्योगिकी, सांस्कृतिक संदर्भ - ने यहाँ कुछ ऐसा उत्पन्न किया जो केवल उसी क्षण से आ सकता था।
Parasite में दृश्य दृष्टिकोण Bong Joon Ho की समझ को दर्शाता है कि शैली और पदार्थ एक ही चीज़ हैं। Parasite का कैमरा प्लेसमेंट, रंग ग्रेडिंग और संपादन लय सजावटी निर्णय नहीं हैं। वे इस बारे में तर्क हैं कि कहानी का अनुभव कैसे किया जाना चाहिए। Song Kang-ho को इस तरह से शूट किया गया है कि किसी शब्द के बोलने से पहले ही उसके चरित्र का संचार हो जाता है। जो दर्शक दृश्य व्याकरण पर ध्यान देकर Parasite को दूसरी बार देखते हैं, उन्हें अर्थ की एक परत मिलेगी जो संवाद और कथानक से स्वतंत्र रूप से संचालित होती है।
Parasite के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Parasite को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Parasite दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Bong Joon Ho के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Song Kang-ho के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची के शीर्ष दस में Parasite की रैंकिंग के लिए किसी विशेष तर्क की आवश्यकता नहीं है। यह तर्क है कि मतदाता आधार से 8.5 रेटिंग इतनी बड़ी है कि यह सांख्यिकीय रूप से सार्थक है। किसी भी गंभीर सूची में शीर्ष दस में फिल्में उस स्थान पर रहती हैं क्योंकि वे लगातार दर्शकों की व्यापक रेंज तक पहुंचती हैं, और Parasite ने ऐसा हर जनसांख्यिकीय वर्ग के लिए किया है जिसने इसका सामना किया है। Bong Joon Ho का काम यहां उस स्तर पर चल रहा है जहां व्यक्तिगत दृश्य की गुणवत्ता कुछ ऐसी चीज़ में बदल जाती है जो पूरी फिल्म के स्तर पर बनी रहती है, जो सुनने में दुर्लभ है।
Your Name.
योर नेम 2016 में बनी एक जापानी एनिमेटेड रोमांटिक फैंटेसी फिल्म है, जिसे माकोतो शिंकाई ने लिखा और निर्देशित किया है। इसका निर्माण कॉमिक्स वेव फिल्म्स ने किया है और वितरण तोहो ने किया है। आलोचकों द्वारा शिंकाई की "आपदा त्रयी" कही जाने वाली इस फिल्म की पहली कड़ी है—इसके बाद वेदरिंग विद यू और सुजुमे आती हैं—जिसकी तीनों कड़ियों में जापान में प्राकृतिक आपदाओं की बार-बार होने वाली घटनाओं से प्रेरित विषय हैं। यह फिल्म हाई स्कूल के छात्रों ताकि ताचिबाना और मित्सुहा मियामिजु की कहानी बताती है, जो कभी मिले बिना ही अचानक एक-दूसरे के शरीर में चले जाते हैं, जिससे उनके जीवन में उथल-पुथल मच जाती है। फिल्म में ताकि और मित्सुहा को क्रमशः रयुनोसुके कामिकी और मोने कामिशिराशी ने अपनी आवाज़ दी है। एनीमेशन निर्देशन मासाशी एंडो ने किया है, चरित्र डिजाइन मासायोशी तनाका ने किया है और इसका ऑर्केस्ट्रल स्कोर और साउंडट्रैक रॉक बैंड रेडविम्प्स ने तैयार किया है। इसी नाम का एक लाइट नॉवेल, जिसे शिंकाई ने ही लिखा है।
क्यों देखें?: Your Name. इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
2016 में निर्मित, Your Name. स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 8.5 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Your Name. के लिए 8.5 स्कोर एक ही संख्या में आसवित हजारों व्यक्तिगत देखने के निर्णयों का प्रतिनिधित्व करता है। यह संख्या कुछ वास्तविक दर्शाती है: जिन लोगों ने यह फिल्म देखी, उन्हें लगा कि यह असाधारण है, और उनमें से काफी लोग रेटिंग को सार्थक बनाने के लिए सहमत हुए। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। 2010s ने कई फिल्में बनाईं। जो लोग दशकों बाद भी इस तरह की सूची में बने हुए हैं, वे वे लोग हैं जिन्होंने केवल उस क्षण के बजाय लोगों के बारे में कुछ सच समझा है। Your Name. यहाँ है क्योंकि यह कुछ स्थायी समझता है।
Your Name. की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Makoto Shinkai ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Ryunosuke Kamiki ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Your Name. में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Your Name. उन शामों के लिए उपयुक्त है जब आप किसी ऐसी चीज़ के बजाय वास्तविक सामग्री के साथ कुछ देखना चाहते हैं जो केवल समय भरती हो। यह एक पृष्ठभूमि फिल्म नहीं है और यह एक निष्क्रिय अनुभव नहीं है। Makoto Shinkai ने कुछ ऐसा बनाया है जो आपका ध्यान आकर्षित करता है और इसे सामान्य के बजाय विशेष रूप से पुरस्कृत करता है। जो दर्शक अन्य काम करते हुए Your Name. देखते हैं, उन्हें फिल्म का एक ऐसा संस्करण मिलेगा जो उस व्यक्ति के लिए उपलब्ध संस्करण से काफी कम है जो इस पर अपना पूरा ध्यान देता है। 8.5 रेटिंग पूरे ध्यान से देखने के अनुभव को दर्शाती है। कास्ट - Ryunosuke Kamiki विशेष रूप से - प्रदर्शन विवरण प्रदान करता है जो केंद्रित देखने में दर्ज होता है और विचलित देखने में गायब हो जाता है।
इस सूची में Your Name. की शीर्ष दस स्थिति कुछ ऐसी चीज़ को दर्शाती है जिसे बनाना कठिन है: निरंतर उत्कृष्टता जिसे नए दर्शक खोजते रहते हैं और उच्च रेटिंग देते हैं। अधिकांश फिल्में अपने शुरुआती दर्शकों के बाद गति खो देती हैं। Your Name. नहीं है. जो दर्शक रिलीज़ के वर्षों या दशकों बाद इसका सामना करते हैं, वे इसे शुरुआती दर्शकों की तरह ही उच्च रेटिंग देते हैं। Makoto Shinkai ने कुछ ऐसा बनाया जो उस सांस्कृतिक क्षण से स्वतंत्र रूप से काम करता है जहां से यह आया है, जो स्थायी गुणवत्ता की परिभाषा है। Ryunosuke Kamiki का प्रदर्शन उस स्थायित्व का हिस्सा है - इसे पीरियड एक्टिंग के रूप में नहीं पढ़ा जाता है।
Interstellar
The adventures of a group of explorers who make use of a newly discovered wormhole to surpass the limitations on human space travel and conquer the vast distances involved in an interstellar voyage.
क्यों देखें?: Interstellar के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
Interstellar (2014) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Christopher Nolan ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 8.5 से ऊपर की रेटिंग 7.5 या 8.0 रेटिंग वाली फिल्मों की तुलना में एक अलग श्रेणी होती है। उन संख्याओं के बीच का अंतर जितना दिखता है उससे कहीं अधिक बड़ा है। 8.5 पर Interstellar उन फिल्मों की कंपनी है जिन्होंने वास्तव में अपने युग को परिभाषित किया है। फिल्म दर्शाती है कि नाटक वह क्या कर सकता है जो अन्य शैलियाँ नहीं कर सकतीं: सामान्य मानव व्यवहार को दबाव में रखना और प्रतिक्रिया के माध्यम से चरित्र को प्रकट करना। निर्देशक उन परिस्थितियों का निर्माण करता है और कलाकार उन्हें वास्तविक विश्वास के साथ निभाते हैं। 2010s विशिष्ट चिंताओं और विशिष्ट सौंदर्य दृष्टिकोण के साथ एक विशिष्ट सांस्कृतिक क्षण था। Interstellar उन स्थितियों को पार करते हुए उन्हें प्रतिबिंबित करता है - यह एक 2010s फिल्म है जिसकी सराहना करने के लिए आपको 2010s को समझने की आवश्यकता नहीं है।
Interstellar में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Christopher Nolan ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Matthew McConaughey ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Interstellar में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Matthew McConaughey एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Interstellar उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.5 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Interstellar को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Christopher Nolan और Matthew McConaughey कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
Interstellar शीर्ष दस में शामिल है क्योंकि यह कुछ ऐसा करता है जिसे अधिकांश फिल्में करने का प्रयास करती हैं और कुछ ही इसे हासिल कर पाती हैं: यह पहली बार देखने पर उत्कृष्ट है और दोबारा देखने पर अतिरिक्त परतें दिखाता है। पहली बार आने वाले दर्शकों और वापस आने वाले दर्शकों को अलग-अलग अनुभव हो रहे हैं और दोनों अनुभव मजबूत हैं। Christopher Nolan ने एक साथ कई स्तरों पर काम करके फिल्म में इस गहराई का निर्माण किया - सतही कहानी प्रदान करती है, और इसके नीचे शिल्प निर्णयों की एक परत होती है जो केवल तभी पूरी तरह से दिखाई देती है जब आप जानते हैं कि सब कुछ कहाँ जा रहा है। वह दो-स्तरीय संरचना ही Interstellar को अगले स्तर के बजाय शीर्ष दस में रखती है।
Spider-Man: Into the Spider-Verse
ब्रुकलिन के नौजवान माइल्स मोरालेस को एक रेडियोऐक्टिव मकड़ी काट लेती है. बाद में, माइल्स के ही वैकल्पिक आयाम से आए कुछ साथी उसे जाल फैंकना वगैरह सिखाते हैं.
क्यों देखें?: Spider-Man: Into the Spider-Verse ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
2018 में, जब Bob Persichetti ने Spider-Man: Into the Spider-Verse बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। Spider-Man: Into the Spider-Verse को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 8.4 पर Spider-Man: Into the Spider-Verse इस सूची के विश्वसनीय स्तर का प्रतिनिधित्व करता है। ये वो फिल्में हैं जो निराश नहीं करतीं. Bob Persichetti ने समझा कि फिल्म को क्या चाहिए और बिना किसी समझौते के इसे निष्पादित किया। कार्रवाई कहानी कहने के अधीन है न कि उसका प्रतिस्थापन। निर्देशक ऐसे अनुक्रम बनाता है जो केवल पहले आई चीज़ों के कारण ही काम करते हैं। पात्रों और दांव में दर्शकों का निवेश यह निर्धारित करता है कि कार्रवाई होगी या नहीं। 2010s की फिल्मों को एक-दूसरे के विरुद्ध रैंक करना आंशिक रूप से यह पहचानने का एक अभ्यास है कि क्या बचा है। Spider-Man: Into the Spider-Verse बच गया क्योंकि Bob Persichetti ने प्रवृत्ति के बजाय शिल्प के आधार पर विकल्प चुने। 8.4 रेटिंग दर्शाती है कि दर्शक अभी भी उन विकल्पों को वैध मानते हैं।
Spider-Man: Into the Spider-Verse की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Bob Persichetti ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Spider-Man: Into the Spider-Verse चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Spider-Man: Into the Spider-Verse को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
पहली बार Spider-Man: Into the Spider-Verse देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Bob Persichetti दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। Spider-Man: Into the Spider-Verse में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Shameik Moore इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2018 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Bob Persichetti का इरादा है।
मूवी डेटाबेस रेटिंग से निर्मित रैंक सूची में शीर्ष दस स्थान एक वास्तविक आलोचनात्मक सहमति का प्रतिनिधित्व करता है। यह कोई लोकप्रियता प्रतियोगिता नहीं है - उन फिल्मों के लिए मतदाता सीमा फ़िल्टर जिन्हें पर्याप्त लोगों ने देखा और मूल्यांकित किया है, जिससे व्यक्तिगत बाहरी राय औसत हो जाती है। इस स्थिति में Spider-Man: Into the Spider-Verse का मतलब है कि विभिन्न देशों और अलग-अलग देखने की आदतों के विविध दर्शकों ने स्वतंत्र रूप से निष्कर्ष निकाला कि यह फिल्म उत्कृष्ट थी। Bob Persichetti ने Spider-Man: Into the Spider-Verse के साथ कुछ हासिल किया जो सांस्कृतिक विविधता के प्रति प्रतिरोधी है। यहां इस्तेमाल किया गया विशिष्ट कहानी कहने का दृष्टिकोण संदर्भों में अनुवाद करता है।
A Silent Voice: The Movie
'अ साइलेंट वॉइस' 2016 में बनी एक जापानी एनिमेटेड मनोवैज्ञानिक ड्रामा फिल्म है, जो योशितोकी ओइमा के इसी नाम के मंगा पर आधारित है। फिल्म का निर्माण क्योटो एनिमेशन ने किया है, निर्देशन नाओको यामाडा ने किया है और इसकी पटकथा रेइको योशिदा ने लिखी है। इसके किरदारों के डिज़ाइन फुतोशी निशिया ने और संगीत केंसुके उशियो ने दिया है। नवंबर 2014 में ही फिल्म के एनिमेटेड रूपांतरण की योजना की घोषणा कर दी गई थी और नवंबर 2015 में क्योटो एनिमेशन को फिल्म के निर्माण की पुष्टि मिली। मई 2016 में मियू इरिनो और साओरी हयामी ने अपनी आवाज़ दी और जुलाई 2016 में फिल्म का पोस्टर और आधिकारिक ट्रेलर जारी किया गया। फिल्म में किशोरावस्था से वयस्कता में आने और मनोवैज्ञानिक ड्रामा के तत्व शामिल हैं, जो धमकाने, विकलांगता, क्षमा, मानसिक स्वास्थ्य, आत्महत्या और विपरीत लिंगों की दोस्ती जैसे विषयों से निपटते हैं ।
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। A Silent Voice: The Movie ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
A Silent Voice: The Movie समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Naoko Yamada ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। एक बड़े मतदाता समूह से 8.4 रेटिंग का मतलब है कि फिल्म में वास्तविक ताकतें हैं जो दर्शकों द्वारा पाई गई सभी कमजोरियों पर भारी पड़ती हैं। A Silent Voice: The Movie अपने केंद्रीय वादे को पूरा करता है, जो कि न्यूनतम मानक है जिसे किसी भी फिल्म को पूरा करना चाहिए और रिलीज की संख्या की तुलना में कम उपलब्धि हासिल होती है। निर्देशक इतने धैर्य से काम करता है कि अधिकांश समकालीन नाटक वहन नहीं कर सकते। दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे चलने की अनुमति दी जाती है, ताकि वे जो कहने आए थे उसे कहने के बाद पात्र क्या करते हैं, उसमें सच्चाई का पता लगाया जा सके। कलाकार इस लय को समझते हैं। A Silent Voice: The Movie, 2010s सिनेमा के किसी भी खाते में अपना स्थान अर्जित करता है क्योंकि यह उस दशक में निर्मित कुछ चीज़ों को दर्शाता है जो बाद के दशकों में खो गईं। 2010s फिल्म निर्माण की सांस्कृतिक और तकनीकी स्थितियों ने आकार दिया कि Naoko Yamada यहां क्या बना सकता है।
A Silent Voice: The Movie का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Naoko Yamada समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। A Silent Voice: The Movie में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Miyu Irino इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
A Silent Voice: The Movie अपनी शैली के इतिहास में एक विशिष्ट स्थान पर है: इसे तब बनाया गया था जब यह जिन परंपराओं के साथ काम करता था वे स्थापित होने के बजाय अभी भी विकसित हो रहे थे। Naoko Yamada किसी सिद्ध फार्मूले को लागू नहीं कर रहा था बल्कि कुछ ऐसा निर्माण कर रहा था जिसकी प्रभावशीलता की गारंटी नहीं थी। 8.4 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिन्होंने वास्तविक रचनात्मक जोखिम की उन परिस्थितियों में किए गए काम पर प्रतिक्रिया दी। उसी स्थान पर समसामयिक फिल्मों को यह जानने का लाभ है कि क्या काम करता है क्योंकि A Silent Voice: The Movie और इसके जैसी फिल्मों ने इसे प्रदर्शित किया है। उस संदर्भ में A Silent Voice: The Movie को देखना - सिद्ध परंपरा के सुरक्षा जाल के बिना किए गए रचनात्मक कार्य के रूप में - देखने के अनुभव में एक आयाम जोड़ता है जो परंपरा स्थापित होने के बाद बनी फिल्मों को देखने से उपलब्ध नहीं होता है।
A Silent Voice: The Movie की शीर्ष दस स्थिति सबसे सार्थक है जब आप इस बात पर विचार करते हैं कि इसने किसके साथ प्रतिस्पर्धा की। इस विधा और युग के लिए कैटलॉग में प्रत्येक फिल्म का मूल्यांकन किया गया था, और A Silent Voice: The Movie को यहां स्थान दिया गया क्योंकि रेटिंग गुणवत्ता और मतदाता मात्रा के संयोजन ने इसे चयन में बाकी सभी चीजों से ऊपर रखा। Naoko Yamada ने A Silent Voice: The Movie में ऐसे विकल्प चुने जो इसे उसी श्रेणी के विकल्पों से अलग करते हैं - ऐसे विकल्प जो अच्छी फिल्में भी हैं। शीर्ष दस और शीर्ष बीस के बीच का अंतर निरपेक्ष रेटिंग के संदर्भ में जितना दिखता है उससे कम है, लेकिन दर्शक वास्तव में जो अनुभव प्रदान करता है उसके संदर्भ में महत्वपूर्ण है।
Whiplash
Under the direction of a ruthless instructor, a talented young drummer begins to pursue perfection at any cost, even his humanity.
क्यों देखें?: Whiplash इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
2014 में निर्मित, Whiplash स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 8.4 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Whiplash के लिए 8.4 स्कोर उन दर्शकों से बनाया गया है जिनके पास विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। यह विकल्प एक ऐसी फिल्म को दर्शाता है जिसने स्पष्ट रूप से अपना पक्ष रखा - जो कि Whiplash बिल्कुल यही करता है। Damien Chazelle ने तर्क दिया और दर्शकों ने इसे स्वीकार कर लिया। जो चीज़ फिल्म को थ्रिलर के रूप में काम करती है वह यह समझ है कि दांव पर निवेश की आवश्यकता होती है। दबाव आने से पहले पहला कार्य चरित्र का निर्माण करता है। जब तक तनाव बढ़ता है, आपके पास परिणाम की परवाह करने के कारण होते हैं। हर दशक में ऐसी फिल्में बनती हैं जो उस समय जरूरी लगती हैं और फीकी पड़ जाती हैं। Whiplash छोटी श्रेणी से संबंधित है - 2010s फिल्मों को अभी भी उन दर्शकों द्वारा उच्च रेटिंग दी जाती है जिनके पास उस युग के लिए कोई पुरानी यादें नहीं हैं। वह क्रॉस-पीढ़ीगत गुणवत्ता ही असली परीक्षा है।
Whiplash में दृश्य दृष्टिकोण Damien Chazelle की समझ को दर्शाता है कि शैली और पदार्थ एक ही चीज़ हैं। Whiplash का कैमरा प्लेसमेंट, रंग ग्रेडिंग और संपादन लय सजावटी निर्णय नहीं हैं। वे इस बारे में तर्क हैं कि कहानी का अनुभव कैसे किया जाना चाहिए। Miles Teller को इस तरह से शूट किया गया है कि किसी शब्द के बोलने से पहले ही उसके चरित्र का संचार हो जाता है। जो दर्शक दृश्य व्याकरण पर ध्यान देकर Whiplash को दूसरी बार देखते हैं, उन्हें अर्थ की एक परत मिलेगी जो संवाद और कथानक से स्वतंत्र रूप से संचालित होती है।
Whiplash उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.4 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Whiplash को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Damien Chazelle और Miles Teller कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
Whiplash सांस्कृतिक प्रतिष्ठा के माध्यम से नहीं बल्कि जब दर्शक बैठकर इसे देखते हैं तो क्या होता है, इसके माध्यम से शीर्ष दस में स्थान अर्जित करता है। 8.4 रेटिंग स्वतंत्र दृश्यों के एक बड़े नमूने में उस अनुभव को कैप्चर करती है। इस तरह की सूची में शीर्ष दस की स्थिति तक पहुंचने वाली फिल्मों का परीक्षण उन दर्शकों द्वारा किया गया है जिनके पास विकल्पों तक पूरी पहुंच थी और उन्होंने इसे अपने अनुभव के शीर्ष पर रेटिंग देने का फैसला किया। Damien Chazelle और Miles Teller ने कुछ ऐसा बनाया है जो लगातार उस उम्मीद पर खरा उतरता है, यही कारण है कि लगातार नए दर्शकों द्वारा नए मानक लाने के बावजूद रेटिंग कायम है।
Inception
Cobb, a skilled thief who commits corporate espionage by infiltrating the subconscious of his targets is offered a chance to regain his old life as payment for a task considered to be impossible: "inception", the implantation of another person's idea into a target's subconscious.
क्यों देखें?: Inception के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
Inception (2010) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Christopher Nolan ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 8.4 पर Inception एक ऐसी फिल्म है जहां शिल्प कई आयामों में लगातार औसत से ऊपर है। कोई भी एक तत्व दूसरे को वहन नहीं करता। निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन सभी एक ही दिशा में खींच रहे हैं। निर्देशक कैमरे के तमाशे के बजाय मानवीय पैमाने पर एक्शन शूट करता है। पात्र सुसंगत स्थान घेरते हैं और उनके शरीर सुपाठ्य उद्देश्य के साथ उस स्थान से गुजरते हैं। परिणाम वह क्रिया है जो क्षणिक एड्रेनालाईन उत्पन्न करने के बजाय प्रभाव जमा करती है। Inception के लिए 2010s संदर्भ आकस्मिक नहीं है। दशक की विशिष्ट सौंदर्य संबंधी स्थितियां - प्रौद्योगिकी ने क्या अनुमति दी, संस्कृति ने क्या मांग की - ने यहां Christopher Nolan द्वारा चुने गए विकल्पों को आकार दिया। वे विकल्प उनके क्षण से स्वतंत्र रूप से कायम रहते हैं।
Inception की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Christopher Nolan ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Leonardo DiCaprio ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Inception में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Inception के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Inception को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Inception दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Christopher Nolan के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Leonardo DiCaprio के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची के शीर्ष दस में Inception की रैंकिंग के लिए किसी विशेष तर्क की आवश्यकता नहीं है। यह तर्क है कि मतदाता आधार से 8.4 रेटिंग इतनी बड़ी है कि यह सांख्यिकीय रूप से सार्थक है। किसी भी गंभीर सूची में शीर्ष दस में फिल्में उस स्थान पर रहती हैं क्योंकि वे लगातार दर्शकों की व्यापक रेंज तक पहुंचती हैं, और Inception ने ऐसा हर जनसांख्यिकीय वर्ग के लिए किया है जिसने इसका सामना किया है। Christopher Nolan का काम यहां उस स्तर पर चल रहा है जहां व्यक्तिगत दृश्य की गुणवत्ता कुछ ऐसी चीज़ में बदल जाती है जो पूरी फिल्म के स्तर पर बनी रहती है, जो सुनने में दुर्लभ है।
Intouchables
A true story of two men who should never have met – a quadriplegic aristocrat who was injured in a paragliding accident and a young man from the projects.
क्यों देखें?: Intouchables ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
2011 में, जब Olivier Nakache ने Intouchables बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। Intouchables को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 8.3 रेंज की फिल्में अक्सर सूची में उनकी स्थिति से अधिक दिलचस्प होती हैं। उन्होंने उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है, जिसका अर्थ है कि Intouchables को पूर्व धारणाओं के बिना प्राप्त करना आसान है। Intouchables को उससे लाभ होता है। इसे नाटक के रूप में जो अलग करता है वह यह है कि निर्देशक ने यह बताने से इंकार कर दिया कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। फिल्म भावनात्मक भार वाली स्थितियाँ बनाती है और फिर दर्शकों पर भरोसा करती है कि वे स्वयं उस भार को वहन करेंगे। प्रदर्शन अति-संकेतन के बिना भावनात्मक रजिस्टर प्रदान करते हैं। 2010s की फिल्में जो आज भी 8.3 पर रेट करती हैं, किसी भी समकालीन रिलीज चेहरों की तुलना में लंबे समय तक परीक्षण में टिकी हैं। Intouchables ने वह परीक्षा पास कर ली क्योंकि इसका मूल - कहानी कहना, प्रदर्शन, शिल्प - अपने युग की आवश्यकता के बिना काम करता है।
Intouchables में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Olivier Nakache ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। François Cluzet ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Intouchables में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां François Cluzet एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Intouchables उन दुर्लभ फिल्मों में से एक है जो एकल और समूह दोनों संदर्भों में देखने पर काम करती है, जो कि अधिकांश कॉमेडीज़ के लिए सच नहीं है। ऐसी फिल्में जो सेटअप के बजाय चरित्र से हास्य प्राप्त करती हैं, कमरे में कौन है इसकी परवाह किए बिना अच्छा प्रदर्शन करती हैं, क्योंकि हंसी सामूहिक अनुमति के बजाय मान्यता से आती है। Intouchables को अकेले देखने से आप चरित्र अवलोकन के उन शांत क्षणों को पकड़ सकते हैं जो समूह देखने से चूक सकते हैं। फिल्म को जानने वाले किसी अन्य व्यक्ति के साथ इसे देखने से कुछ ऐसी बातें साझा करने का विशेष आनंद मिलता है जिनके बारे में आप जानते हैं कि यह काम करती है। Intouchables का रनटाइम इसे शाम के लिए एक व्यावहारिक विकल्प बनाता है जब आप वास्तविक गुणवत्ता वाला कुछ चाहते हैं जिसके लिए लंबी फिल्म की प्रतिबद्धता की आवश्यकता नहीं होती है। Olivier Nakache की गति का मतलब है कि फिल्म बिना रुके अपना रनटाइम अर्जित करती है।
इस सूची में Intouchables की शीर्ष दस स्थिति कुछ ऐसी चीज़ को दर्शाती है जिसे बनाना कठिन है: निरंतर उत्कृष्टता जिसे नए दर्शक खोजते रहते हैं और उच्च रेटिंग देते हैं। अधिकांश फिल्में अपने शुरुआती दर्शकों के बाद गति खो देती हैं। Intouchables नहीं है. जो दर्शक रिलीज़ के वर्षों या दशकों बाद इसका सामना करते हैं, वे इसे शुरुआती दर्शकों की तरह ही उच्च रेटिंग देते हैं। Olivier Nakache ने कुछ ऐसा बनाया जो उस सांस्कृतिक क्षण से स्वतंत्र रूप से काम करता है जहां से यह आया है, जो स्थायी गुणवत्ता की परिभाषा है। François Cluzet का प्रदर्शन उस स्थायित्व का हिस्सा है - इसे पीरियड एक्टिंग के रूप में नहीं पढ़ा जाता है।
Hotarubi no Mori e
One hot summer day a little girl gets lost in an enchanted forest of the mountain god where spirits reside. A young boy appears before her, but she cannot touch him for fear of making him disappear. And so a wondrous adventure awaits...
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। Hotarubi no Mori e ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
Hotarubi no Mori e समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Takahiro Omori ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। 8.3 रेटिंग एक साथ सुसंगत स्तरों पर निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन को दर्शाती है। इस श्रेणी में स्कोर करने वाली फिल्में शायद ही किसी एक आयाम में महत्वपूर्ण रूप से असफल होती हैं, और Hotarubi no Mori e कोई अपवाद नहीं है। फिल्म कनेक्शन के विकास को एक उपकथानक के बजाय केंद्रीय नाटकीय कार्य के रूप में मानती है। निर्देशक समझते हैं कि दो लोगों के एक-दूसरे को जानने की प्रक्रिया ही कहानी का आधार है। कुल मिलाकर 2010s सिनेमा के संदर्भ में, Hotarubi no Mori e दर्शाता है कि दशक ने क्या योगदान दिया जो पहले और बाद के दशकों ने नहीं दिया। 2010s फिल्म निर्माण की विशिष्ट स्थितियाँ - बजट, प्रौद्योगिकी, सांस्कृतिक संदर्भ - ने यहाँ कुछ ऐसा उत्पन्न किया जो केवल उसी क्षण से आ सकता था।
Hotarubi no Mori e की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Takahiro Omori ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Hotarubi no Mori e चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Hotarubi no Mori e को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
Hotarubi no Mori e उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.3 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Hotarubi no Mori e को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Takahiro Omori और Izumi Sawada कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
Hotarubi no Mori e शीर्ष दस में शामिल है क्योंकि यह कुछ ऐसा करता है जिसे अधिकांश फिल्में करने का प्रयास करती हैं और कुछ ही इसे हासिल कर पाती हैं: यह पहली बार देखने पर उत्कृष्ट है और दोबारा देखने पर अतिरिक्त परतें दिखाता है। पहली बार आने वाले दर्शकों और वापस आने वाले दर्शकों को अलग-अलग अनुभव हो रहे हैं और दोनों अनुभव मजबूत हैं। Takahiro Omori ने एक साथ कई स्तरों पर काम करके फिल्म में इस गहराई का निर्माण किया - सतही कहानी प्रदान करती है, और इसके नीचे शिल्प निर्णयों की एक परत होती है जो केवल तभी पूरी तरह से दिखाई देती है जब आप जानते हैं कि सब कुछ कहाँ जा रहा है। वह दो-स्तरीय संरचना ही Hotarubi no Mori e को अगले स्तर के बजाय शीर्ष दस में रखती है।
Koğuştaki Mucize
Separated from his daughter, a father with an intellectual disability must prove his innocence when he is jailed for the death of a commander's child.
क्यों देखें?: Koğuştaki Mucize इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
2019 में निर्मित, Koğuştaki Mucize स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 8.3 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Koğuştaki Mucize के लिए 8.3 स्कोर इसे उन फिल्मों में रखता है जो महत्वपूर्ण कमजोरियों के बिना अपने आधार पर काम करती हैं। Mehmet Ada Öztekin ने कुछ ऐसा बनाया जो पूरी तरह से उद्देश्य के अनुसार काम करता है, जो सुनने में जितना आम लगता है उससे कम है। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। 2010s ने कई फिल्में बनाईं। जो लोग दशकों बाद भी इस तरह की सूची में बने हुए हैं, वे वे लोग हैं जिन्होंने केवल उस क्षण के बजाय लोगों के बारे में कुछ सच समझा है। Koğuştaki Mucize यहाँ है क्योंकि यह कुछ स्थायी समझता है।
Koğuştaki Mucize का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Mehmet Ada Öztekin समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Koğuştaki Mucize में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Aras Bulut İynemli इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
पहली बार Koğuştaki Mucize देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Mehmet Ada Öztekin दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। Koğuştaki Mucize में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Aras Bulut İynemli इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2019 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Mehmet Ada Öztekin का इरादा है।
मूवी डेटाबेस रेटिंग से निर्मित रैंक सूची में शीर्ष दस स्थान एक वास्तविक आलोचनात्मक सहमति का प्रतिनिधित्व करता है। यह कोई लोकप्रियता प्रतियोगिता नहीं है - उन फिल्मों के लिए मतदाता सीमा फ़िल्टर जिन्हें पर्याप्त लोगों ने देखा और मूल्यांकित किया है, जिससे व्यक्तिगत बाहरी राय औसत हो जाती है। इस स्थिति में Koğuştaki Mucize का मतलब है कि विभिन्न देशों और अलग-अलग देखने की आदतों के विविध दर्शकों ने स्वतंत्र रूप से निष्कर्ष निकाला कि यह फिल्म उत्कृष्ट थी। Mehmet Ada Öztekin ने Koğuştaki Mucize के साथ कुछ हासिल किया जो सांस्कृतिक विविधता के प्रति प्रतिरोधी है। यहां इस्तेमाल किया गया विशिष्ट कहानी कहने का दृष्टिकोण संदर्भों में अनुवाद करता है।
सिनेमा उन कहानियों के बारे में है जो मायने रखती हैं। इस खंड की फिल्में उस सिद्धांत को साबित करती हैं।
Avengers: Endgame
अवेंजर्स: इन्फिनिटी वॉर की विनाशकारी घटनाओं के बाद, मैड टाइटन, थानोस के प्रयासों के कारण ब्रह्मांड खंडहर में है। शेष सहयोगियों की मदद से, एवेंजर्स को थानोस के कार्यों को पूर्ववत करने के लिए एक बार फिर से इकट्ठा करना चाहिए और एक बार और सभी के लिए ब्रह्मांड को आदेश बहाल करना चाहिए, कोई फर्क नहीं पड़ता कि क्या परिणाम स्टोर में हो सकते हैं।
क्यों देखें?: Avengers: Endgame के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
Avengers: Endgame (2019) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Joe Russo ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 8.2 पर, Avengers: Endgame उस श्रेणी में आता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने उच्च-रेटेड शीर्षकों की व्यापक सहमति हासिल नहीं की है। वह संकीर्ण आम सहमति अक्सर एक विशिष्ट अपील को दर्शाती है - Avengers: Endgame हर किसी के लिए नहीं है, लेकिन सही दर्शक के लिए यह उत्कृष्ट है। निर्देशक कैमरे के तमाशे के बजाय मानवीय पैमाने पर एक्शन शूट करता है। पात्र सुसंगत स्थान घेरते हैं और उनके शरीर सुपाठ्य उद्देश्य के साथ उस स्थान से गुजरते हैं। परिणाम वह क्रिया है जो क्षणिक एड्रेनालाईन उत्पन्न करने के बजाय प्रभाव जमा करती है। 2010s विशिष्ट चिंताओं और विशिष्ट सौंदर्य दृष्टिकोण के साथ एक विशिष्ट सांस्कृतिक क्षण था। Avengers: Endgame उन स्थितियों को पार करते हुए उन्हें प्रतिबिंबित करता है - यह एक 2010s फिल्म है जिसकी सराहना करने के लिए आपको 2010s को समझने की आवश्यकता नहीं है।
Avengers: Endgame में दृश्य दृष्टिकोण Joe Russo की समझ को दर्शाता है कि शैली और पदार्थ एक ही चीज़ हैं। Avengers: Endgame का कैमरा प्लेसमेंट, रंग ग्रेडिंग और संपादन लय सजावटी निर्णय नहीं हैं। वे इस बारे में तर्क हैं कि कहानी का अनुभव कैसे किया जाना चाहिए। Robert Downey Jr. को इस तरह से शूट किया गया है कि किसी शब्द के बोलने से पहले ही उसके चरित्र का संचार हो जाता है। जो दर्शक दृश्य व्याकरण पर ध्यान देकर Avengers: Endgame को दूसरी बार देखते हैं, उन्हें अर्थ की एक परत मिलेगी जो संवाद और कथानक से स्वतंत्र रूप से संचालित होती है।
Avengers: Endgame अपनी शैली के इतिहास में एक विशिष्ट स्थान पर है: इसे तब बनाया गया था जब यह जिन परंपराओं के साथ काम करता था वे स्थापित होने के बजाय अभी भी विकसित हो रहे थे। Joe Russo किसी सिद्ध फार्मूले को लागू नहीं कर रहा था बल्कि कुछ ऐसा निर्माण कर रहा था जिसकी प्रभावशीलता की गारंटी नहीं थी। 8.2 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिन्होंने वास्तविक रचनात्मक जोखिम की उन परिस्थितियों में किए गए काम पर प्रतिक्रिया दी। उसी स्थान पर समसामयिक फिल्मों को यह जानने का लाभ है कि क्या काम करता है क्योंकि Avengers: Endgame और इसके जैसी फिल्मों ने इसे प्रदर्शित किया है। उस संदर्भ में Avengers: Endgame को देखना - सिद्ध परंपरा के सुरक्षा जाल के बिना किए गए रचनात्मक कार्य के रूप में - देखने के अनुभव में एक आयाम जोड़ता है जो परंपरा स्थापित होने के बाद बनी फिल्मों को देखने से उपलब्ध नहीं होता है।
सूची में इस स्थान पर Avengers: Endgame एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Robert Downey Jr. का प्रदर्शन और Joe Russo का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
Avengers: Infinity War
As the Avengers and their allies have continued to protect the world from threats too large for any one hero to handle, a new danger has emerged from the cosmic shadows: Thanos. A despot of intergalactic infamy, his goal is to collect all six Infinity Stones, artifacts of unimaginable power, and use them to inflict his twisted will on all of reality. Everything the Avengers have fought for has led up to this moment - the fate of Earth and existence itself has never been more uncertain.
क्यों देखें?: Avengers: Infinity War ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
2018 में, जब Joe Russo ने Avengers: Infinity War बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। Avengers: Infinity War को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 8.2 पर Avengers: Infinity War इस सूची के विश्वसनीय स्तर का प्रतिनिधित्व करता है। ये वो फिल्में हैं जो निराश नहीं करतीं. Joe Russo ने समझा कि फिल्म को क्या चाहिए और बिना किसी समझौते के इसे निष्पादित किया। कार्रवाई कहानी कहने के अधीन है न कि उसका प्रतिस्थापन। निर्देशक ऐसे अनुक्रम बनाता है जो केवल पहले आई चीज़ों के कारण ही काम करते हैं। पात्रों और दांव में दर्शकों का निवेश यह निर्धारित करता है कि कार्रवाई होगी या नहीं। 2010s की फिल्मों को एक-दूसरे के विरुद्ध रैंक करना आंशिक रूप से यह पहचानने का एक अभ्यास है कि क्या बचा है। Avengers: Infinity War बच गया क्योंकि Joe Russo ने प्रवृत्ति के बजाय शिल्प के आधार पर विकल्प चुने। 8.2 रेटिंग दर्शाती है कि दर्शक अभी भी उन विकल्पों को वैध मानते हैं।
Avengers: Infinity War की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Joe Russo ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Robert Downey Jr. ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Avengers: Infinity War में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Avengers: Infinity War उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.2 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Avengers: Infinity War को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Joe Russo और Robert Downey Jr. कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
8.2 रेटिंग जो Avengers: Infinity War को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। Avengers: Infinity War को उच्च अंक देने का उनका निर्णय Joe Russo ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। Avengers: Infinity War मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
I Want to Eat Your Pancreas
एक अंतर्मुखी लड़का अस्पताल के प्रतीक्षालय में एक किताब पाता है। उसे जल्द ही पता चलता है कि यह उसकी बेहद लोकप्रिय सहपाठी की डायरी है, जिसमें वह उसे बताती है कि वह गुप्त रूप से एक घातक अग्नाशय रोग से पीड़ित है।
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। I Want to Eat Your Pancreas ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
I Want to Eat Your Pancreas समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Shinichiro Ushijima ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। एक बड़े मतदाता समूह से 8.2 रेटिंग का मतलब है कि फिल्म में वास्तविक ताकतें हैं जो दर्शकों द्वारा पाई गई सभी कमजोरियों पर भारी पड़ती हैं। I Want to Eat Your Pancreas अपने केंद्रीय वादे को पूरा करता है, जो कि न्यूनतम मानक है जिसे किसी भी फिल्म को पूरा करना चाहिए और रिलीज की संख्या की तुलना में कम उपलब्धि हासिल होती है। निर्देशक इतने धैर्य से काम करता है कि अधिकांश समकालीन नाटक वहन नहीं कर सकते। दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे चलने की अनुमति दी जाती है, ताकि वे जो कहने आए थे उसे कहने के बाद पात्र क्या करते हैं, उसमें सच्चाई का पता लगाया जा सके। कलाकार इस लय को समझते हैं। I Want to Eat Your Pancreas, 2010s सिनेमा के किसी भी खाते में अपना स्थान अर्जित करता है क्योंकि यह उस दशक में निर्मित कुछ चीज़ों को दर्शाता है जो बाद के दशकों में खो गईं। 2010s फिल्म निर्माण की सांस्कृतिक और तकनीकी स्थितियों ने आकार दिया कि Shinichiro Ushijima यहां क्या बना सकता है।
I Want to Eat Your Pancreas में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Shinichiro Ushijima ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Mahiro Takasugi ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। I Want to Eat Your Pancreas में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Mahiro Takasugi एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
I Want to Eat Your Pancreas के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। I Want to Eat Your Pancreas को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि I Want to Eat Your Pancreas दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Shinichiro Ushijima के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Mahiro Takasugi के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, I Want to Eat Your Pancreas उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: I Want to Eat Your Pancreas अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Shinichiro Ushijima का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो I Want to Eat Your Pancreas को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
Green Book
Tony Lip, a bouncer in 1962, is hired to drive pianist Don Shirley on a tour through the Deep South in the days when African Americans, forced to find alternate accommodations and services due to segregation laws below the Mason-Dixon Line, relied on a guide called The Negro Motorist Green Book.
क्यों देखें?: Green Book इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
2018 में निर्मित, Green Book स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 8.2 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Green Book के लिए 8.2 स्कोर उन दर्शकों से बनाया गया है जिनके पास विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। यह विकल्प एक ऐसी फिल्म को दर्शाता है जिसने स्पष्ट रूप से अपना पक्ष रखा - जो कि Green Book बिल्कुल यही करता है। Peter Farrelly ने तर्क दिया और दर्शकों ने इसे स्वीकार कर लिया। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। हर दशक में ऐसी फिल्में बनती हैं जो उस समय जरूरी लगती हैं और फीकी पड़ जाती हैं। Green Book छोटी श्रेणी से संबंधित है - 2010s फिल्मों को अभी भी उन दर्शकों द्वारा उच्च रेटिंग दी जाती है जिनके पास उस युग के लिए कोई पुरानी यादें नहीं हैं। वह क्रॉस-पीढ़ीगत गुणवत्ता ही असली परीक्षा है।
Green Book की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Peter Farrelly ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Green Book चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Green Book को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
Green Book उन दुर्लभ फिल्मों में से एक है जो एकल और समूह दोनों संदर्भों में देखने पर काम करती है, जो कि अधिकांश कॉमेडीज़ के लिए सच नहीं है। ऐसी फिल्में जो सेटअप के बजाय चरित्र से हास्य प्राप्त करती हैं, कमरे में कौन है इसकी परवाह किए बिना अच्छा प्रदर्शन करती हैं, क्योंकि हंसी सामूहिक अनुमति के बजाय मान्यता से आती है। Green Book को अकेले देखने से आप चरित्र अवलोकन के उन शांत क्षणों को पकड़ सकते हैं जो समूह देखने से चूक सकते हैं। फिल्म को जानने वाले किसी अन्य व्यक्ति के साथ इसे देखने से कुछ ऐसी बातें साझा करने का विशेष आनंद मिलता है जिनके बारे में आप जानते हैं कि यह काम करती है। Green Book का रनटाइम इसे शाम के लिए एक व्यावहारिक विकल्प बनाता है जब आप वास्तविक गुणवत्ता वाला कुछ चाहते हैं जिसके लिए लंबी फिल्म की प्रतिबद्धता की आवश्यकता नहीं होती है। Peter Farrelly की गति का मतलब है कि फिल्म बिना रुके अपना रनटाइम अर्जित करती है।
Green Book इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Peter Farrelly ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 8.2 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Peter Farrelly के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर Green Book को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
One Direction: This Is Us
"One Direction: This Is Us" is a captivating and intimate all-access look at life on the road for the global music phenomenon. Weaved with stunning live concert footage, this inspiring feature film tells the remarkable story of Niall, Zayn, Liam, Harry and Louis' meteoric rise to fame, from their humble hometown beginnings and competing on the X-Factor, to conquering the world and performing at London’s famed O2 Arena. Hear it from the boys themselves and see through their own eyes what it's really like to be One Direction.
क्यों देखें?: One Direction: This Is Us के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
One Direction: This Is Us (2013) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Morgan Spurlock ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 8.2 पर One Direction: This Is Us एक ऐसी फिल्म है जहां शिल्प कई आयामों में लगातार औसत से ऊपर है। कोई भी एक तत्व दूसरे को वहन नहीं करता। निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन सभी एक ही दिशा में खींच रहे हैं। फिल्म की शक्ति निर्देशक की डॉक्यूमेंट्री फॉर्म का उपयोग करने की समझ से आती है। दर्शकों को कथन के माध्यम से यह बताए जाने के बजाय कि क्या सोचना है, संपादन के माध्यम से खोज और समझ का अनुभव होता है। One Direction: This Is Us के लिए 2010s संदर्भ आकस्मिक नहीं है। दशक की विशिष्ट सौंदर्य संबंधी स्थितियां - प्रौद्योगिकी ने क्या अनुमति दी, संस्कृति ने क्या मांग की - ने यहां Morgan Spurlock द्वारा चुने गए विकल्पों को आकार दिया। वे विकल्प उनके क्षण से स्वतंत्र रूप से कायम रहते हैं।
One Direction: This Is Us का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Morgan Spurlock समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। One Direction: This Is Us में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Harry Styles इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
One Direction: This Is Us उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.2 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक One Direction: This Is Us को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Morgan Spurlock और Harry Styles कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
सूची के इस भाग में One Direction: This Is Us की स्थिति एक ऐसी फिल्म को दर्शाती है जो सभी के लिए सब कुछ बनने की इच्छा किए बिना विश्वसनीय रूप से अपने विशिष्ट गुण प्रदान करती है। Morgan Spurlock ने समझा कि फिल्म क्या थी और इसे शिल्प के उच्च स्तर पर बनाया। 8.2 रेटिंग उन दर्शकों का प्रतिनिधित्व करती है जो उन शर्तों पर फिल्म से जुड़े रहे और इसे अत्यधिक रेटिंग के लायक पाया। अलग-अलग उम्मीदें लेकर आने वाले दर्शकों को कभी-कभी फिल्म रेटिंग से कम संतोषजनक लगती है - जो कि फिल्म की नहीं बल्कि उम्मीद की कमजोरी है। One Direction: This Is Us बिल्कुल वैसा ही है, जिसे कुशलता से बनाया गया है, और इसे रेटिंग देने वाले मतदाता उस पर प्रतिक्रिया दे रहे थे।
Klaus
एक स्वार्थी पोस्टमैन और लकड़ी के खिलौने बनाने वाला एक छुपा रुस्तम. दोनों की अजब-गजब दोस्ती, बर्फ से ढंके उदास नगर में खुशियों का अंबार लगा देती है.
क्यों देखें?: Klaus ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
2019 में, जब Sergio Pablos ने Klaus बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। Klaus को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 8.2 रेंज की फिल्में अक्सर सूची में उनकी स्थिति से अधिक दिलचस्प होती हैं। उन्होंने उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है, जिसका अर्थ है कि Klaus को पूर्व धारणाओं के बिना प्राप्त करना आसान है। Klaus को उससे लाभ होता है। कॉमेडी के रूप में फिल्म की सुसंगतता निरंतरता से आती है। निर्देशक दुनिया के नियमों और उसके भीतर पात्रों के व्यवहार को स्थापित करता है, और वे पात्र किसी स्थिति को कैसे पार करते हैं, उससे हास्य उभरता है। 2010s की फिल्में जो आज भी 8.2 पर रेट करती हैं, किसी भी समकालीन रिलीज चेहरों की तुलना में लंबे समय तक परीक्षण में टिकी हैं। Klaus ने वह परीक्षा पास कर ली क्योंकि इसका मूल - कहानी कहना, प्रदर्शन, शिल्प - अपने युग की आवश्यकता के बिना काम करता है।
Klaus में दृश्य दृष्टिकोण Sergio Pablos की समझ को दर्शाता है कि शैली और पदार्थ एक ही चीज़ हैं। Klaus का कैमरा प्लेसमेंट, रंग ग्रेडिंग और संपादन लय सजावटी निर्णय नहीं हैं। वे इस बारे में तर्क हैं कि कहानी का अनुभव कैसे किया जाना चाहिए। Jason Schwartzman को इस तरह से शूट किया गया है कि किसी शब्द के बोलने से पहले ही उसके चरित्र का संचार हो जाता है। जो दर्शक दृश्य व्याकरण पर ध्यान देकर Klaus को दूसरी बार देखते हैं, उन्हें अर्थ की एक परत मिलेगी जो संवाद और कथानक से स्वतंत्र रूप से संचालित होती है।
पहली बार Klaus देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Sergio Pablos दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। Klaus में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Jason Schwartzman इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2019 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Sergio Pablos का इरादा है।
इस तरह की सूचियों में ग्यारह से पच्चीस श्रेणी में स्थित फिल्में अक्सर सबसे उपयोगी खोज होती हैं क्योंकि वे सांस्कृतिक भार के बिना शीर्ष दस की गुणवत्ता रखती हैं। Klaus इस स्थिति में है, इसलिए नहीं कि यह इसके ऊपर की प्रविष्टियों की तुलना में काफी खराब है, बल्कि इसलिए कि इसकी अपील अधिक केंद्रित है। Klaus में Sergio Pablos जो कर रहा है, उससे जुड़ने वाले दर्शक इसे इस सूची की किसी भी फिल्म के समान ही उच्च रेटिंग देते हैं। व्यापक मतदाता आधार का औसत इसे यहीं रखता है। जिन दर्शकों के पास यह सोचने के विशिष्ट कारण हैं कि यह फिल्म उनके लिए है - शैली की प्राथमिकता, निर्देशक की रुचि या युग के आधार पर - उन्हें इससे ऊपर रैंक वाली कई प्रविष्टियों पर इसे प्राथमिकता देनी चाहिए।
Wolf Children
After her werewolf lover unexpectedly dies in an accident, a woman must find a way to raise the son and daughter that she had with him. However, their inheritance of their father's traits prove to be a challenge for her.
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। Wolf Children ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
Wolf Children समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Mamoru Hosoda ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। 8.2 रेटिंग एक साथ सुसंगत स्तरों पर निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन को दर्शाती है। इस श्रेणी में स्कोर करने वाली फिल्में शायद ही किसी एक आयाम में महत्वपूर्ण रूप से असफल होती हैं, और Wolf Children कोई अपवाद नहीं है। निर्देशक इतने धैर्य से काम करता है कि अधिकांश समकालीन नाटक वहन नहीं कर सकते। दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे चलने की अनुमति दी जाती है, ताकि वे जो कहने आए थे उसे कहने के बाद पात्र क्या करते हैं, उसमें सच्चाई का पता लगाया जा सके। कलाकार इस लय को समझते हैं। कुल मिलाकर 2010s सिनेमा के संदर्भ में, Wolf Children दर्शाता है कि दशक ने क्या योगदान दिया जो पहले और बाद के दशकों ने नहीं दिया। 2010s फिल्म निर्माण की विशिष्ट स्थितियाँ - बजट, प्रौद्योगिकी, सांस्कृतिक संदर्भ - ने यहाँ कुछ ऐसा उत्पन्न किया जो केवल उसी क्षण से आ सकता था।
Wolf Children की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Mamoru Hosoda ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Aoi Miyazaki ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Wolf Children में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Wolf Children अपनी शैली के इतिहास में एक विशिष्ट स्थान पर है: इसे तब बनाया गया था जब यह जिन परंपराओं के साथ काम करता था वे स्थापित होने के बजाय अभी भी विकसित हो रहे थे। Mamoru Hosoda किसी सिद्ध फार्मूले को लागू नहीं कर रहा था बल्कि कुछ ऐसा निर्माण कर रहा था जिसकी प्रभावशीलता की गारंटी नहीं थी। 8.2 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिन्होंने वास्तविक रचनात्मक जोखिम की उन परिस्थितियों में किए गए काम पर प्रतिक्रिया दी। उसी स्थान पर समसामयिक फिल्मों को यह जानने का लाभ है कि क्या काम करता है क्योंकि Wolf Children और इसके जैसी फिल्मों ने इसे प्रदर्शित किया है। उस संदर्भ में Wolf Children को देखना - सिद्ध परंपरा के सुरक्षा जाल के बिना किए गए रचनात्मक कार्य के रूप में - देखने के अनुभव में एक आयाम जोड़ता है जो परंपरा स्थापित होने के बाद बनी फिल्मों को देखने से उपलब्ध नहीं होता है।
सूची में इस स्थान पर Wolf Children एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Aoi Miyazaki का प्रदर्शन और Mamoru Hosoda का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
Five Feet Apart
Seventeen-year-old Stella spends most of her time in the hospital as a cystic fibrosis patient. Her life is full of routines, boundaries and self-control — all of which get put to the test when she meets Will, an impossibly charming teen who has the same illness. There's an instant flirtation, though restrictions dictate that they must maintain a safe distance between them. As their connection intensifies, so does the temptation to throw the rules out the window and embrace that attraction.
क्यों देखें?: Five Feet Apart इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
2019 में निर्मित, Five Feet Apart स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 8.2 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Five Feet Apart के लिए 8.2 स्कोर इसे उन फिल्मों में रखता है जो महत्वपूर्ण कमजोरियों के बिना अपने आधार पर काम करती हैं। Justin Baldoni ने कुछ ऐसा बनाया जो पूरी तरह से उद्देश्य के अनुसार काम करता है, जो सुनने में जितना आम लगता है उससे कम है। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। 2010s ने कई फिल्में बनाईं। जो लोग दशकों बाद भी इस तरह की सूची में बने हुए हैं, वे वे लोग हैं जिन्होंने केवल उस क्षण के बजाय लोगों के बारे में कुछ सच समझा है। Five Feet Apart यहाँ है क्योंकि यह कुछ स्थायी समझता है।
Five Feet Apart में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Justin Baldoni ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Haley Lu Richardson ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Five Feet Apart में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Haley Lu Richardson एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Five Feet Apart उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.2 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Five Feet Apart को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Justin Baldoni और Haley Lu Richardson कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
8.2 रेटिंग जो Five Feet Apart को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। Five Feet Apart को उच्च अंक देने का उनका निर्णय Justin Baldoni ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। Five Feet Apart मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
Mommy
A peculiar neighbor offers hope to a recent widow who is struggling to raise a teenager who is unpredictable and, sometimes, violent.
क्यों देखें?: Mommy के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
Mommy (2014) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Xavier Dolan ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 8.2 पर, Mommy उस श्रेणी में आता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने उच्च-रेटेड शीर्षकों की व्यापक सहमति हासिल नहीं की है। वह संकीर्ण आम सहमति अक्सर एक विशिष्ट अपील को दर्शाती है - Mommy हर किसी के लिए नहीं है, लेकिन सही दर्शक के लिए यह उत्कृष्ट है। फिल्म दर्शाती है कि नाटक वह क्या कर सकता है जो अन्य शैलियाँ नहीं कर सकतीं: सामान्य मानव व्यवहार को दबाव में रखना और प्रतिक्रिया के माध्यम से चरित्र को प्रकट करना। निर्देशक उन परिस्थितियों का निर्माण करता है और कलाकार उन्हें वास्तविक विश्वास के साथ निभाते हैं। 2010s विशिष्ट चिंताओं और विशिष्ट सौंदर्य दृष्टिकोण के साथ एक विशिष्ट सांस्कृतिक क्षण था। Mommy उन स्थितियों को पार करते हुए उन्हें प्रतिबिंबित करता है - यह एक 2010s फिल्म है जिसकी सराहना करने के लिए आपको 2010s को समझने की आवश्यकता नहीं है।
Mommy की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Xavier Dolan ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Mommy चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Mommy को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
Mommy के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Mommy को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Mommy दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Xavier Dolan के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Anne Dorval के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, Mommy उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: Mommy अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Xavier Dolan का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो Mommy को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
The Help
Aibileen Clark is a middle-aged African-American maid who has spent her life raising white children and has recently lost her only son; Minny Jackson is an African-American maid who has often offended her employers despite her family's struggles with money and her desperate need for jobs; and Eugenia "Skeeter" Phelan is a young white woman who has recently moved back home after graduating college to find out her childhood maid has mysteriously disappeared. These three stories intertwine to explain how life in Jackson, Mississippi revolves around "the help"; yet they are always kept at a certain distance because of racial lines.
क्यों देखें?: The Help ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
2011 में, जब Tate Taylor ने The Help बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। The Help को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 8.2 पर The Help इस सूची के विश्वसनीय स्तर का प्रतिनिधित्व करता है। ये वो फिल्में हैं जो निराश नहीं करतीं. Tate Taylor ने समझा कि फिल्म को क्या चाहिए और बिना किसी समझौते के इसे निष्पादित किया। इसे नाटक के रूप में जो अलग करता है वह यह है कि निर्देशक ने यह बताने से इंकार कर दिया कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। फिल्म भावनात्मक भार वाली स्थितियाँ बनाती है और फिर दर्शकों पर भरोसा करती है कि वे स्वयं उस भार को वहन करेंगे। प्रदर्शन अति-संकेतन के बिना भावनात्मक रजिस्टर प्रदान करते हैं। 2010s की फिल्मों को एक-दूसरे के विरुद्ध रैंक करना आंशिक रूप से यह पहचानने का एक अभ्यास है कि क्या बचा है। The Help बच गया क्योंकि Tate Taylor ने प्रवृत्ति के बजाय शिल्प के आधार पर विकल्प चुने। 8.2 रेटिंग दर्शाती है कि दर्शक अभी भी उन विकल्पों को वैध मानते हैं।
The Help का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Tate Taylor समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। The Help में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Emma Stone इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
The Help उन शामों के लिए उपयुक्त है जब आप किसी ऐसी चीज़ के बजाय वास्तविक सामग्री के साथ कुछ देखना चाहते हैं जो केवल समय भरती हो। यह एक पृष्ठभूमि फिल्म नहीं है और यह एक निष्क्रिय अनुभव नहीं है। Tate Taylor ने कुछ ऐसा बनाया है जो आपका ध्यान आकर्षित करता है और इसे सामान्य के बजाय विशेष रूप से पुरस्कृत करता है। जो दर्शक अन्य काम करते हुए The Help देखते हैं, उन्हें फिल्म का एक ऐसा संस्करण मिलेगा जो उस व्यक्ति के लिए उपलब्ध संस्करण से काफी कम है जो इस पर अपना पूरा ध्यान देता है। 8.2 रेटिंग पूरे ध्यान से देखने के अनुभव को दर्शाती है। कास्ट - Emma Stone विशेष रूप से - प्रदर्शन विवरण प्रदान करता है जो केंद्रित देखने में दर्ज होता है और विचलित देखने में गायब हो जाता है।
The Help इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Tate Taylor ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 8.2 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Tate Taylor के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर The Help को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
महान फिल्में अपनी श्रेणी से आगे निकल जाती हैं। वे काम करते हैं क्योंकि शिल्प असाधारण है।
Shutter Island
World War II soldier-turned-U.S. Marshal Teddy Daniels investigates the disappearance of a patient from a hospital for the criminally insane, but his efforts are compromised by troubling visions and a mysterious doctor.
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। Shutter Island ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
Shutter Island समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Martin Scorsese ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। एक बड़े मतदाता समूह से 8.2 रेटिंग का मतलब है कि फिल्म में वास्तविक ताकतें हैं जो दर्शकों द्वारा पाई गई सभी कमजोरियों पर भारी पड़ती हैं। Shutter Island अपने केंद्रीय वादे को पूरा करता है, जो कि न्यूनतम मानक है जिसे किसी भी फिल्म को पूरा करना चाहिए और रिलीज की संख्या की तुलना में कम उपलब्धि हासिल होती है। निर्देशक सूचना विषमता के इर्द-गिर्द फिल्म का निर्माण करता है: दर्शक पात्रों से अधिक या कम जानते हैं, और फिल्म दोनों स्थितियों को सटीकता के साथ नियंत्रित करती है। कलाकार तीव्रता के बजाय संयम के माध्यम से तनाव को दूर करते हैं। Shutter Island, 2010s सिनेमा के किसी भी खाते में अपना स्थान अर्जित करता है क्योंकि यह उस दशक में निर्मित कुछ चीज़ों को दर्शाता है जो बाद के दशकों में खो गईं। 2010s फिल्म निर्माण की सांस्कृतिक और तकनीकी स्थितियों ने आकार दिया कि Martin Scorsese यहां क्या बना सकता है।
Shutter Island में दृश्य दृष्टिकोण Martin Scorsese की समझ को दर्शाता है कि शैली और पदार्थ एक ही चीज़ हैं। Shutter Island का कैमरा प्लेसमेंट, रंग ग्रेडिंग और संपादन लय सजावटी निर्णय नहीं हैं। वे इस बारे में तर्क हैं कि कहानी का अनुभव कैसे किया जाना चाहिए। Leonardo DiCaprio को इस तरह से शूट किया गया है कि किसी शब्द के बोलने से पहले ही उसके चरित्र का संचार हो जाता है। जो दर्शक दृश्य व्याकरण पर ध्यान देकर Shutter Island को दूसरी बार देखते हैं, उन्हें अर्थ की एक परत मिलेगी जो संवाद और कथानक से स्वतंत्र रूप से संचालित होती है।
Shutter Island उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.2 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Shutter Island को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Martin Scorsese और Leonardo DiCaprio कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
सूची के इस भाग में Shutter Island की स्थिति एक ऐसी फिल्म को दर्शाती है जो सभी के लिए सब कुछ बनने की इच्छा किए बिना विश्वसनीय रूप से अपने विशिष्ट गुण प्रदान करती है। Martin Scorsese ने समझा कि फिल्म क्या थी और इसे शिल्प के उच्च स्तर पर बनाया। 8.2 रेटिंग उन दर्शकों का प्रतिनिधित्व करती है जो उन शर्तों पर फिल्म से जुड़े रहे और इसे अत्यधिक रेटिंग के लायक पाया। अलग-अलग उम्मीदें लेकर आने वाले दर्शकों को कभी-कभी फिल्म रेटिंग से कम संतोषजनक लगती है - जो कि फिल्म की नहीं बल्कि उम्मीद की कमजोरी है। Shutter Island बिल्कुल वैसा ही है, जिसे कुशलता से बनाया गया है, और इसे रेटिंग देने वाले मतदाता उस पर प्रतिक्रिया दे रहे थे।
Coco
Despite his family’s baffling generations-old ban on music, Miguel dreams of becoming an accomplished musician like his idol, Ernesto de la Cruz. Desperate to prove his talent, Miguel finds himself in the stunning and colorful Land of the Dead following a mysterious chain of events. Along the way, he meets charming trickster Hector, and together, they set off on an extraordinary journey to unlock the real story behind Miguel's family history.
क्यों देखें?: Coco इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
2017 में निर्मित, Coco स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 8.2 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Coco के लिए 8.2 स्कोर उन दर्शकों से बनाया गया है जिनके पास विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। यह विकल्प एक ऐसी फिल्म को दर्शाता है जिसने स्पष्ट रूप से अपना पक्ष रखा - जो कि Coco बिल्कुल यही करता है। Lee Unkrich ने तर्क दिया और दर्शकों ने इसे स्वीकार कर लिया। एनीमेशन के रूप में फिल्म को जो अलग करता है वह निर्देशक की समझ है कि रूप डिजाइन के माध्यम से आंतरिकता व्यक्त कर सकता है। चाल, रंग और रचना संवाद से पहले या बजाय संवाद के यह बताते हैं कि पात्र क्या महसूस कर रहा है। हर दशक में ऐसी फिल्में बनती हैं जो उस समय जरूरी लगती हैं और फीकी पड़ जाती हैं। Coco छोटी श्रेणी से संबंधित है - 2010s फिल्मों को अभी भी उन दर्शकों द्वारा उच्च रेटिंग दी जाती है जिनके पास उस युग के लिए कोई पुरानी यादें नहीं हैं। वह क्रॉस-पीढ़ीगत गुणवत्ता ही असली परीक्षा है।
Coco की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Lee Unkrich ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Anthony Gonzalez ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Coco में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
पहली बार Coco देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Lee Unkrich दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। Coco में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Anthony Gonzalez इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2017 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Lee Unkrich का इरादा है।
इस तरह की सूचियों में ग्यारह से पच्चीस श्रेणी में स्थित फिल्में अक्सर सबसे उपयोगी खोज होती हैं क्योंकि वे सांस्कृतिक भार के बिना शीर्ष दस की गुणवत्ता रखती हैं। Coco इस स्थिति में है, इसलिए नहीं कि यह इसके ऊपर की प्रविष्टियों की तुलना में काफी खराब है, बल्कि इसलिए कि इसकी अपील अधिक केंद्रित है। Coco में Lee Unkrich जो कर रहा है, उससे जुड़ने वाले दर्शक इसे इस सूची की किसी भी फिल्म के समान ही उच्च रेटिंग देते हैं। व्यापक मतदाता आधार का औसत इसे यहीं रखता है। जिन दर्शकों के पास यह सोचने के विशिष्ट कारण हैं कि यह फिल्म उनके लिए है - शैली की प्राथमिकता, निर्देशक की रुचि या युग के आधार पर - उन्हें इससे ऊपर रैंक वाली कई प्रविष्टियों पर इसे प्राथमिकता देनी चाहिए।
Django Unchained
गुलामी से मुक्त होने के बाद जैंगो अपनी पत्नी को भी एक बागान के क्रूर मालिक से मुक्त कराना है. इसके लिए वह एक जर्मन इनामी शिकारी के साथ अमेरिका भर में घूमता है.
क्यों देखें?: Django Unchained के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
Django Unchained (2012) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Quentin Tarantino ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 8.2 पर Django Unchained एक ऐसी फिल्म है जहां शिल्प कई आयामों में लगातार औसत से ऊपर है। कोई भी एक तत्व दूसरे को वहन नहीं करता। निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन सभी एक ही दिशा में खींच रहे हैं। फिल्म दर्शाती है कि नाटक वह क्या कर सकता है जो अन्य शैलियाँ नहीं कर सकतीं: सामान्य मानव व्यवहार को दबाव में रखना और प्रतिक्रिया के माध्यम से चरित्र को प्रकट करना। निर्देशक उन परिस्थितियों का निर्माण करता है और कलाकार उन्हें वास्तविक विश्वास के साथ निभाते हैं। Django Unchained के लिए 2010s संदर्भ आकस्मिक नहीं है। दशक की विशिष्ट सौंदर्य संबंधी स्थितियां - प्रौद्योगिकी ने क्या अनुमति दी, संस्कृति ने क्या मांग की - ने यहां Quentin Tarantino द्वारा चुने गए विकल्पों को आकार दिया। वे विकल्प उनके क्षण से स्वतंत्र रूप से कायम रहते हैं।
Django Unchained में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Quentin Tarantino ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Jamie Foxx ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Django Unchained में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Jamie Foxx एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Django Unchained अपनी शैली के इतिहास में एक विशिष्ट स्थान पर है: इसे तब बनाया गया था जब यह जिन परंपराओं के साथ काम करता था वे स्थापित होने के बजाय अभी भी विकसित हो रहे थे। Quentin Tarantino किसी सिद्ध फार्मूले को लागू नहीं कर रहा था बल्कि कुछ ऐसा निर्माण कर रहा था जिसकी प्रभावशीलता की गारंटी नहीं थी। 8.2 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिन्होंने वास्तविक रचनात्मक जोखिम की उन परिस्थितियों में किए गए काम पर प्रतिक्रिया दी। उसी स्थान पर समसामयिक फिल्मों को यह जानने का लाभ है कि क्या काम करता है क्योंकि Django Unchained और इसके जैसी फिल्मों ने इसे प्रदर्शित किया है। उस संदर्भ में Django Unchained को देखना - सिद्ध परंपरा के सुरक्षा जाल के बिना किए गए रचनात्मक कार्य के रूप में - देखने के अनुभव में एक आयाम जोड़ता है जो परंपरा स्थापित होने के बाद बनी फिल्मों को देखने से उपलब्ध नहीं होता है।
सूची में इस स्थान पर Django Unchained एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Jamie Foxx का प्रदर्शन और Quentin Tarantino का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
Hacksaw Ridge
WWII American Army Medic Desmond T. Doss, who served during the Battle of Okinawa, refuses to kill people and becomes the first Conscientious Objector in American history to receive the Congressional Medal of Honor.
क्यों देखें?: Hacksaw Ridge ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
2016 में, जब Mel Gibson ने Hacksaw Ridge बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। Hacksaw Ridge को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 8.2 रेंज की फिल्में अक्सर सूची में उनकी स्थिति से अधिक दिलचस्प होती हैं। उन्होंने उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है, जिसका अर्थ है कि Hacksaw Ridge को पूर्व धारणाओं के बिना प्राप्त करना आसान है। Hacksaw Ridge को उससे लाभ होता है। इसे नाटक के रूप में जो अलग करता है वह यह है कि निर्देशक ने यह बताने से इंकार कर दिया कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। फिल्म भावनात्मक भार वाली स्थितियाँ बनाती है और फिर दर्शकों पर भरोसा करती है कि वे स्वयं उस भार को वहन करेंगे। प्रदर्शन अति-संकेतन के बिना भावनात्मक रजिस्टर प्रदान करते हैं। 2010s की फिल्में जो आज भी 8.2 पर रेट करती हैं, किसी भी समकालीन रिलीज चेहरों की तुलना में लंबे समय तक परीक्षण में टिकी हैं। Hacksaw Ridge ने वह परीक्षा पास कर ली क्योंकि इसका मूल - कहानी कहना, प्रदर्शन, शिल्प - अपने युग की आवश्यकता के बिना काम करता है।
Hacksaw Ridge की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Mel Gibson ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Hacksaw Ridge चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Hacksaw Ridge को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
Hacksaw Ridge उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.2 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Hacksaw Ridge को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Mel Gibson और Andrew Garfield कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
8.2 रेटिंग जो Hacksaw Ridge को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। Hacksaw Ridge को उच्च अंक देने का उनका निर्णय Mel Gibson ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। Hacksaw Ridge मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
The Handmaiden
1930s Korea, in the period of Japanese occupation, a new girl, Sook-hee, is hired as a handmaiden to a Japanese heiress, Hideko, who lives a secluded life on a large countryside estate with her domineering Uncle Kouzuki. But the maid has a secret. She is a pickpocket recruited by a swindler posing as a Japanese Count to help him seduce the Lady to steal her fortune.
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। The Handmaiden ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
The Handmaiden समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Park Chan-wook ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। 8.2 रेटिंग एक साथ सुसंगत स्तरों पर निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन को दर्शाती है। इस श्रेणी में स्कोर करने वाली फिल्में शायद ही किसी एक आयाम में महत्वपूर्ण रूप से असफल होती हैं, और The Handmaiden कोई अपवाद नहीं है। निर्देशक सूचना विषमता के इर्द-गिर्द फिल्म का निर्माण करता है: दर्शक पात्रों से अधिक या कम जानते हैं, और फिल्म दोनों स्थितियों को सटीकता के साथ नियंत्रित करती है। कलाकार तीव्रता के बजाय संयम के माध्यम से तनाव को दूर करते हैं। कुल मिलाकर 2010s सिनेमा के संदर्भ में, The Handmaiden दर्शाता है कि दशक ने क्या योगदान दिया जो पहले और बाद के दशकों ने नहीं दिया। 2010s फिल्म निर्माण की विशिष्ट स्थितियाँ - बजट, प्रौद्योगिकी, सांस्कृतिक संदर्भ - ने यहाँ कुछ ऐसा उत्पन्न किया जो केवल उसी क्षण से आ सकता था।
The Handmaiden का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Park Chan-wook समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। The Handmaiden में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Kim Min-hee इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
The Handmaiden के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। The Handmaiden को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि The Handmaiden दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Park Chan-wook के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Kim Min-hee के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, The Handmaiden उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: The Handmaiden अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Park Chan-wook का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो The Handmaiden को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
The Art of Racing in the Rain
A family dog – with a near-human soul and a philosopher's mind – evaluates his life through the lessons learned by his human owner, a race-car driver.
क्यों देखें?: The Art of Racing in the Rain इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
2019 में निर्मित, The Art of Racing in the Rain स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 8.2 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। The Art of Racing in the Rain के लिए 8.2 स्कोर इसे उन फिल्मों में रखता है जो महत्वपूर्ण कमजोरियों के बिना अपने आधार पर काम करती हैं। Simon Curtis ने कुछ ऐसा बनाया जो पूरी तरह से उद्देश्य के अनुसार काम करता है, जो सुनने में जितना आम लगता है उससे कम है। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। 2010s ने कई फिल्में बनाईं। जो लोग दशकों बाद भी इस तरह की सूची में बने हुए हैं, वे वे लोग हैं जिन्होंने केवल उस क्षण के बजाय लोगों के बारे में कुछ सच समझा है। The Art of Racing in the Rain यहाँ है क्योंकि यह कुछ स्थायी समझता है।
The Art of Racing in the Rain में दृश्य दृष्टिकोण Simon Curtis की समझ को दर्शाता है कि शैली और पदार्थ एक ही चीज़ हैं। The Art of Racing in the Rain का कैमरा प्लेसमेंट, रंग ग्रेडिंग और संपादन लय सजावटी निर्णय नहीं हैं। वे इस बारे में तर्क हैं कि कहानी का अनुभव कैसे किया जाना चाहिए। Kevin Costner को इस तरह से शूट किया गया है कि किसी शब्द के बोलने से पहले ही उसके चरित्र का संचार हो जाता है। जो दर्शक दृश्य व्याकरण पर ध्यान देकर The Art of Racing in the Rain को दूसरी बार देखते हैं, उन्हें अर्थ की एक परत मिलेगी जो संवाद और कथानक से स्वतंत्र रूप से संचालित होती है।
The Art of Racing in the Rain उन शामों के लिए उपयुक्त है जब आप किसी ऐसी चीज़ के बजाय वास्तविक सामग्री के साथ कुछ देखना चाहते हैं जो केवल समय भरती हो। यह एक पृष्ठभूमि फिल्म नहीं है और यह एक निष्क्रिय अनुभव नहीं है। Simon Curtis ने कुछ ऐसा बनाया है जो आपका ध्यान आकर्षित करता है और इसे सामान्य के बजाय विशेष रूप से पुरस्कृत करता है। जो दर्शक अन्य काम करते हुए The Art of Racing in the Rain देखते हैं, उन्हें फिल्म का एक ऐसा संस्करण मिलेगा जो उस व्यक्ति के लिए उपलब्ध संस्करण से काफी कम है जो इस पर अपना पूरा ध्यान देता है। 8.2 रेटिंग पूरे ध्यान से देखने के अनुभव को दर्शाती है। कास्ट - Kevin Costner विशेष रूप से - प्रदर्शन विवरण प्रदान करता है जो केंद्रित देखने में दर्ज होता है और विचलित देखने में गायब हो जाता है।
The Art of Racing in the Rain इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Simon Curtis ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 8.2 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Simon Curtis के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर The Art of Racing in the Rain को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
Piper
A mother bird tries to teach her little one how to find food by herself. In the process, she encounters a traumatic experience that she must overcome in order to survive.
क्यों देखें?: Piper के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
Piper (2016) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Alan Barillaro ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 8.1 पर, Piper उस श्रेणी में आता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने उच्च-रेटेड शीर्षकों की व्यापक सहमति हासिल नहीं की है। वह संकीर्ण आम सहमति अक्सर एक विशिष्ट अपील को दर्शाती है - Piper हर किसी के लिए नहीं है, लेकिन सही दर्शक के लिए यह उत्कृष्ट है। निर्देशक ने फिल्म में उस प्रकार का सुविचारित शिल्प डाला है जिसकी एनीमेशन को आवश्यकता होती है। प्रत्येक फ्रेम इस इरादे को दर्शाता है कि कहानी को कैसे अनुभव किया जाना चाहिए, जिसका अर्थ है कि फिल्म केवल कथा के बजाय व्यक्तिगत क्षणों के स्तर पर काम करती है। 2010s विशिष्ट चिंताओं और विशिष्ट सौंदर्य दृष्टिकोण के साथ एक विशिष्ट सांस्कृतिक क्षण था। Piper उन स्थितियों को पार करते हुए उन्हें प्रतिबिंबित करता है - यह एक 2010s फिल्म है जिसकी सराहना करने के लिए आपको 2010s को समझने की आवश्यकता नहीं है।
Piper की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Alan Barillaro ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। the lead ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Piper में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Piper उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.1 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Piper को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Alan Barillaro और the lead performance कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
सूची के इस भाग में Piper की स्थिति एक ऐसी फिल्म को दर्शाती है जो सभी के लिए सब कुछ बनने की इच्छा किए बिना विश्वसनीय रूप से अपने विशिष्ट गुण प्रदान करती है। Alan Barillaro ने समझा कि फिल्म क्या थी और इसे शिल्प के उच्च स्तर पर बनाया। 8.1 रेटिंग उन दर्शकों का प्रतिनिधित्व करती है जो उन शर्तों पर फिल्म से जुड़े रहे और इसे अत्यधिक रेटिंग के लायक पाया। अलग-अलग उम्मीदें लेकर आने वाले दर्शकों को कभी-कभी फिल्म रेटिंग से कम संतोषजनक लगती है - जो कि फिल्म की नहीं बल्कि उम्मीद की कमजोरी है। Piper बिल्कुल वैसा ही है, जिसे कुशलता से बनाया गया है, और इसे रेटिंग देने वाले मतदाता उस पर प्रतिक्रिया दे रहे थे।
کفرناحوم
After running away from his negligent parents, committing a violent crime and being sentenced to five years in jail, a hardened, streetwise 12-year-old Lebanese boy sues his parents in protest of the life they have given him.
क्यों देखें?: کفرناحوم ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
2018 में, जब Nadine Labaki ने کفرناحوم बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। کفرناحوم को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 8.1 पर کفرناحوم इस सूची के विश्वसनीय स्तर का प्रतिनिधित्व करता है। ये वो फिल्में हैं जो निराश नहीं करतीं. Nadine Labaki ने समझा कि फिल्म को क्या चाहिए और बिना किसी समझौते के इसे निष्पादित किया। इसे नाटक के रूप में जो अलग करता है वह यह है कि निर्देशक ने यह बताने से इंकार कर दिया कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। फिल्म भावनात्मक भार वाली स्थितियाँ बनाती है और फिर दर्शकों पर भरोसा करती है कि वे स्वयं उस भार को वहन करेंगे। प्रदर्शन अति-संकेतन के बिना भावनात्मक रजिस्टर प्रदान करते हैं। 2010s की फिल्मों को एक-दूसरे के विरुद्ध रैंक करना आंशिक रूप से यह पहचानने का एक अभ्यास है कि क्या बचा है। کفرناحوم बच गया क्योंकि Nadine Labaki ने प्रवृत्ति के बजाय शिल्प के आधार पर विकल्प चुने। 8.1 रेटिंग दर्शाती है कि दर्शक अभी भी उन विकल्पों को वैध मानते हैं।
کفرناحوم में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Nadine Labaki ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Zain Al Rafeea ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। کفرناحوم में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Zain Al Rafeea एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
पहली बार کفرناحوم देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Nadine Labaki दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। کفرناحوم में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Zain Al Rafeea इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2018 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Nadine Labaki का इरादा है।
इस तरह की सूचियों में ग्यारह से पच्चीस श्रेणी में स्थित फिल्में अक्सर सबसे उपयोगी खोज होती हैं क्योंकि वे सांस्कृतिक भार के बिना शीर्ष दस की गुणवत्ता रखती हैं। کفرناحوم इस स्थिति में है, इसलिए नहीं कि यह इसके ऊपर की प्रविष्टियों की तुलना में काफी खराब है, बल्कि इसलिए कि इसकी अपील अधिक केंद्रित है। کفرناحوم में Nadine Labaki जो कर रहा है, उससे जुड़ने वाले दर्शक इसे इस सूची की किसी भी फिल्म के समान ही उच्च रेटिंग देते हैं। व्यापक मतदाता आधार का औसत इसे यहीं रखता है। जिन दर्शकों के पास यह सोचने के विशिष्ट कारण हैं कि यह फिल्म उनके लिए है - शैली की प्राथमिकता, निर्देशक की रुचि या युग के आधार पर - उन्हें इससे ऊपर रैंक वाली कई प्रविष्टियों पर इसे प्राथमिकता देनी चाहिए।
My Hero Academia: Heroes Rising
डेकु और कक्षा 1-ए के बाकी नायकों को एक ऐसे खलनायक से द्वीपवासियों के एक समूह को बचाना होगा जिसके पास एक अकल्पनीय क्वर्क है।
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। My Hero Academia: Heroes Rising ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
My Hero Academia: Heroes Rising समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Kenji Nagasaki ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। एक बड़े मतदाता समूह से 8.1 रेटिंग का मतलब है कि फिल्म में वास्तविक ताकतें हैं जो दर्शकों द्वारा पाई गई सभी कमजोरियों पर भारी पड़ती हैं। My Hero Academia: Heroes Rising अपने केंद्रीय वादे को पूरा करता है, जो कि न्यूनतम मानक है जिसे किसी भी फिल्म को पूरा करना चाहिए और रिलीज की संख्या की तुलना में कम उपलब्धि हासिल होती है। निर्देशक एक्शन सिनेमा की मुख्य समस्या का समाधान करता है: आपको एक्शन दिखाने से पहले परिणाम की परवाह करना। अनुक्रम काम करते हैं क्योंकि भौगोलिक स्पष्टता का मतलब है कि आप हमेशा जानते हैं कि कौन कहाँ है और सफलता के लिए क्या आवश्यक होगा। My Hero Academia: Heroes Rising, 2010s सिनेमा के किसी भी खाते में अपना स्थान अर्जित करता है क्योंकि यह उस दशक में निर्मित कुछ चीज़ों को दर्शाता है जो बाद के दशकों में खो गईं। 2010s फिल्म निर्माण की सांस्कृतिक और तकनीकी स्थितियों ने आकार दिया कि Kenji Nagasaki यहां क्या बना सकता है।
My Hero Academia: Heroes Rising की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Kenji Nagasaki ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। My Hero Academia: Heroes Rising चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे My Hero Academia: Heroes Rising को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
My Hero Academia: Heroes Rising अपनी शैली के इतिहास में एक विशिष्ट स्थान पर है: इसे तब बनाया गया था जब यह जिन परंपराओं के साथ काम करता था वे स्थापित होने के बजाय अभी भी विकसित हो रहे थे। Kenji Nagasaki किसी सिद्ध फार्मूले को लागू नहीं कर रहा था बल्कि कुछ ऐसा निर्माण कर रहा था जिसकी प्रभावशीलता की गारंटी नहीं थी। 8.1 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिन्होंने वास्तविक रचनात्मक जोखिम की उन परिस्थितियों में किए गए काम पर प्रतिक्रिया दी। उसी स्थान पर समसामयिक फिल्मों को यह जानने का लाभ है कि क्या काम करता है क्योंकि My Hero Academia: Heroes Rising और इसके जैसी फिल्मों ने इसे प्रदर्शित किया है। उस संदर्भ में My Hero Academia: Heroes Rising को देखना - सिद्ध परंपरा के सुरक्षा जाल के बिना किए गए रचनात्मक कार्य के रूप में - देखने के अनुभव में एक आयाम जोड़ता है जो परंपरा स्थापित होने के बाद बनी फिल्मों को देखने से उपलब्ध नहीं होता है।
सूची में इस स्थान पर My Hero Academia: Heroes Rising एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Daiki Yamashita का प्रदर्शन और Kenji Nagasaki का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
Joker
गोथम सिटी में, मानसिक रूप से परेशान, कॉमेडियन ऑर्थर फ्लेक के साथ समाज द्वारा दुर्व्यवहार किया जाता है. वह अपने अपमान का बदला लेने के लिए, एक हत्यारा बन जाता है.
क्यों देखें?: Joker इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
2019 में निर्मित, Joker स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 8.1 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Joker के लिए 8.1 स्कोर उन दर्शकों से बनाया गया है जिनके पास विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। यह विकल्प एक ऐसी फिल्म को दर्शाता है जिसने स्पष्ट रूप से अपना पक्ष रखा - जो कि Joker बिल्कुल यही करता है। Todd Phillips ने तर्क दिया और दर्शकों ने इसे स्वीकार कर लिया। जो चीज़ फिल्म को थ्रिलर के रूप में काम करती है वह यह समझ है कि दांव पर निवेश की आवश्यकता होती है। दबाव आने से पहले पहला कार्य चरित्र का निर्माण करता है। जब तक तनाव बढ़ता है, आपके पास परिणाम की परवाह करने के कारण होते हैं। हर दशक में ऐसी फिल्में बनती हैं जो उस समय जरूरी लगती हैं और फीकी पड़ जाती हैं। Joker छोटी श्रेणी से संबंधित है - 2010s फिल्मों को अभी भी उन दर्शकों द्वारा उच्च रेटिंग दी जाती है जिनके पास उस युग के लिए कोई पुरानी यादें नहीं हैं। वह क्रॉस-पीढ़ीगत गुणवत्ता ही असली परीक्षा है।
Joker का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Todd Phillips समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Joker में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Joaquin Phoenix इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
Joker उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.1 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Joker को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Todd Phillips और Joaquin Phoenix कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
8.1 रेटिंग जो Joker को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। Joker को उच्च अंक देने का उनका निर्णय Todd Phillips ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। Joker मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
सर्वश्रेष्ठ सिनेमा आपका ध्यान आकर्षित करता है। यहां हर फिल्म ने उतना समय कमाया है जितना उसे चाहिए।
Togo
The untold true story set in the winter of 1925 that takes you across the treacherous terrain of the Alaskan tundra for an exhilarating and uplifting adventure that will test the strength, courage and determination of one man, Leonhard Seppala, and his lead sled dog, Togo.
क्यों देखें?: Togo के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
Togo (2019) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Ericson Core ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 8.1 पर Togo एक ऐसी फिल्म है जहां शिल्प कई आयामों में लगातार औसत से ऊपर है। कोई भी एक तत्व दूसरे को वहन नहीं करता। निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन सभी एक ही दिशा में खींच रहे हैं। फिल्म में निर्देशक को उस सामग्री के साथ काम करते हुए दिखाया गया है जिसे फिल्मांकन शुरू होने से पहले पूरी तरह से समझा गया है। स्क्रीन पर दिखाई देने वाले विकल्प उत्पादन के दौरान खोज के बजाय उस समझ को दर्शाते हैं। Togo के लिए 2010s संदर्भ आकस्मिक नहीं है। दशक की विशिष्ट सौंदर्य संबंधी स्थितियां - प्रौद्योगिकी ने क्या अनुमति दी, संस्कृति ने क्या मांग की - ने यहां Ericson Core द्वारा चुने गए विकल्पों को आकार दिया। वे विकल्प उनके क्षण से स्वतंत्र रूप से कायम रहते हैं।
Togo में दृश्य दृष्टिकोण Ericson Core की समझ को दर्शाता है कि शैली और पदार्थ एक ही चीज़ हैं। Togo का कैमरा प्लेसमेंट, रंग ग्रेडिंग और संपादन लय सजावटी निर्णय नहीं हैं। वे इस बारे में तर्क हैं कि कहानी का अनुभव कैसे किया जाना चाहिए। Willem Dafoe को इस तरह से शूट किया गया है कि किसी शब्द के बोलने से पहले ही उसके चरित्र का संचार हो जाता है। जो दर्शक दृश्य व्याकरण पर ध्यान देकर Togo को दूसरी बार देखते हैं, उन्हें अर्थ की एक परत मिलेगी जो संवाद और कथानक से स्वतंत्र रूप से संचालित होती है।
Togo के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Togo को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Togo दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Ericson Core के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Willem Dafoe के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, Togo उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: Togo अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Ericson Core का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो Togo को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
Senna
The remarkable story of Brazilian racing driver Ayrton Senna, charting his physical and spiritual achievements on the track and off, his quest for perfection, and the mythical status he has since attained, is the subject of Senna, a documentary feature that spans the racing legend's years as an F1 driver, from his opening season in 1984 to his untimely death a decade later.
क्यों देखें?: Senna ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
2010 में, जब Asif Kapadia ने Senna बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। Senna को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 8.1 रेंज की फिल्में अक्सर सूची में उनकी स्थिति से अधिक दिलचस्प होती हैं। उन्होंने उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है, जिसका अर्थ है कि Senna को पूर्व धारणाओं के बिना प्राप्त करना आसान है। Senna को उससे लाभ होता है। फिल्म दर्शाती है कि वृत्तचित्र के लिए कल्पना के समान शिल्प की आवश्यकता होती है: रचना, लय, भावनात्मक प्रक्षेपवक्र। निर्देशक दृश्य भाषा और संरचना के माध्यम से तर्क का निर्माण करता है, जिसका अर्थ है कि फिल्म दर्शकों के बजाय उन पर काम करती है। 2010s की फिल्में जो आज भी 8.1 पर रेट करती हैं, किसी भी समकालीन रिलीज चेहरों की तुलना में लंबे समय तक परीक्षण में टिकी हैं। Senna ने वह परीक्षा पास कर ली क्योंकि इसका मूल - कहानी कहना, प्रदर्शन, शिल्प - अपने युग की आवश्यकता के बिना काम करता है।
Senna की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Asif Kapadia ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Ayrton Senna ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Senna में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Senna उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.1 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Senna को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Asif Kapadia और Ayrton Senna कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
Senna इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Asif Kapadia ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 8.1 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Asif Kapadia के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर Senna को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
Wonder
The story of August Pullman – a boy with facial differences – who enters fifth grade, attending a mainstream elementary school for the first time.
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। Wonder ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
Wonder समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Stephen Chbosky ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। 8.1 रेटिंग एक साथ सुसंगत स्तरों पर निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन को दर्शाती है। इस श्रेणी में स्कोर करने वाली फिल्में शायद ही किसी एक आयाम में महत्वपूर्ण रूप से असफल होती हैं, और Wonder कोई अपवाद नहीं है। निर्देशक इतने धैर्य से काम करता है कि अधिकांश समकालीन नाटक वहन नहीं कर सकते। दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे चलने की अनुमति दी जाती है, ताकि वे जो कहने आए थे उसे कहने के बाद पात्र क्या करते हैं, उसमें सच्चाई का पता लगाया जा सके। कलाकार इस लय को समझते हैं। कुल मिलाकर 2010s सिनेमा के संदर्भ में, Wonder दर्शाता है कि दशक ने क्या योगदान दिया जो पहले और बाद के दशकों ने नहीं दिया। 2010s फिल्म निर्माण की विशिष्ट स्थितियाँ - बजट, प्रौद्योगिकी, सांस्कृतिक संदर्भ - ने यहाँ कुछ ऐसा उत्पन्न किया जो केवल उसी क्षण से आ सकता था।
Wonder में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Stephen Chbosky ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Jacob Tremblay ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Wonder में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Jacob Tremblay एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Wonder उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.1 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Wonder को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Stephen Chbosky और Jacob Tremblay कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
सूची के इस भाग में Wonder की स्थिति एक ऐसी फिल्म को दर्शाती है जो सभी के लिए सब कुछ बनने की इच्छा किए बिना विश्वसनीय रूप से अपने विशिष्ट गुण प्रदान करती है। Stephen Chbosky ने समझा कि फिल्म क्या थी और इसे शिल्प के उच्च स्तर पर बनाया। 8.1 रेटिंग उन दर्शकों का प्रतिनिधित्व करती है जो उन शर्तों पर फिल्म से जुड़े रहे और इसे अत्यधिक रेटिंग के लायक पाया। अलग-अलग उम्मीदें लेकर आने वाले दर्शकों को कभी-कभी फिल्म रेटिंग से कम संतोषजनक लगती है - जो कि फिल्म की नहीं बल्कि उम्मीद की कमजोरी है। Wonder बिल्कुल वैसा ही है, जिसे कुशलता से बनाया गया है, और इसे रेटिंग देने वाले मतदाता उस पर प्रतिक्रिया दे रहे थे।
Prisoners
जब केलर डोवर की बेटी और उसकी दोस्त लापता हो जाते हैं, तब वो खुद उन्हें ढूंढने के लिए निकल पड़ता है.
क्यों देखें?: Prisoners इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
2013 में निर्मित, Prisoners स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 8.1 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Prisoners के लिए 8.1 स्कोर इसे उन फिल्मों में रखता है जो महत्वपूर्ण कमजोरियों के बिना अपने आधार पर काम करती हैं। Denis Villeneuve ने कुछ ऐसा बनाया जो पूरी तरह से उद्देश्य के अनुसार काम करता है, जो सुनने में जितना आम लगता है उससे कम है। जो चीज़ फिल्म को थ्रिलर के रूप में काम करती है वह यह समझ है कि दांव पर निवेश की आवश्यकता होती है। दबाव आने से पहले पहला कार्य चरित्र का निर्माण करता है। जब तक तनाव बढ़ता है, आपके पास परिणाम की परवाह करने के कारण होते हैं। 2010s ने कई फिल्में बनाईं। जो लोग दशकों बाद भी इस तरह की सूची में बने हुए हैं, वे वे लोग हैं जिन्होंने केवल उस क्षण के बजाय लोगों के बारे में कुछ सच समझा है। Prisoners यहाँ है क्योंकि यह कुछ स्थायी समझता है।
Prisoners की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Denis Villeneuve ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Prisoners चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Prisoners को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
पहली बार Prisoners देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Denis Villeneuve दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। Prisoners में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Hugh Jackman इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2013 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Denis Villeneuve का इरादा है।
इस तरह की सूचियों में ग्यारह से पच्चीस श्रेणी में स्थित फिल्में अक्सर सबसे उपयोगी खोज होती हैं क्योंकि वे सांस्कृतिक भार के बिना शीर्ष दस की गुणवत्ता रखती हैं। Prisoners इस स्थिति में है, इसलिए नहीं कि यह इसके ऊपर की प्रविष्टियों की तुलना में काफी खराब है, बल्कि इसलिए कि इसकी अपील अधिक केंद्रित है। Prisoners में Denis Villeneuve जो कर रहा है, उससे जुड़ने वाले दर्शक इसे इस सूची की किसी भी फिल्म के समान ही उच्च रेटिंग देते हैं। व्यापक मतदाता आधार का औसत इसे यहीं रखता है। जिन दर्शकों के पास यह सोचने के विशिष्ट कारण हैं कि यह फिल्म उनके लिए है - शैली की प्राथमिकता, निर्देशक की रुचि या युग के आधार पर - उन्हें इससे ऊपर रैंक वाली कई प्रविष्टियों पर इसे प्राथमिकता देनी चाहिए।
Incendies
A mother's last wishes send twins Jeanne and Simon on a journey to Middle East in search of their tangled roots. Adapted from Wajdi Mouawad's acclaimed play, Incendies tells the powerful and moving tale of two young adults' voyage to the core of deep-rooted hatred, never-ending wars and enduring love.
क्यों देखें?: Incendies के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
Incendies (2010) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Denis Villeneuve ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 8.1 पर, Incendies उस श्रेणी में आता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने उच्च-रेटेड शीर्षकों की व्यापक सहमति हासिल नहीं की है। वह संकीर्ण आम सहमति अक्सर एक विशिष्ट अपील को दर्शाती है - Incendies हर किसी के लिए नहीं है, लेकिन सही दर्शक के लिए यह उत्कृष्ट है। फिल्म दर्शाती है कि नाटक वह क्या कर सकता है जो अन्य शैलियाँ नहीं कर सकतीं: सामान्य मानव व्यवहार को दबाव में रखना और प्रतिक्रिया के माध्यम से चरित्र को प्रकट करना। निर्देशक उन परिस्थितियों का निर्माण करता है और कलाकार उन्हें वास्तविक विश्वास के साथ निभाते हैं। 2010s विशिष्ट चिंताओं और विशिष्ट सौंदर्य दृष्टिकोण के साथ एक विशिष्ट सांस्कृतिक क्षण था। Incendies उन स्थितियों को पार करते हुए उन्हें प्रतिबिंबित करता है - यह एक 2010s फिल्म है जिसकी सराहना करने के लिए आपको 2010s को समझने की आवश्यकता नहीं है।
Incendies का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Denis Villeneuve समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Incendies में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Lubna Azabal इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
Incendies अपनी शैली के इतिहास में एक विशिष्ट स्थान पर है: इसे तब बनाया गया था जब यह जिन परंपराओं के साथ काम करता था वे स्थापित होने के बजाय अभी भी विकसित हो रहे थे। Denis Villeneuve किसी सिद्ध फार्मूले को लागू नहीं कर रहा था बल्कि कुछ ऐसा निर्माण कर रहा था जिसकी प्रभावशीलता की गारंटी नहीं थी। 8.1 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिन्होंने वास्तविक रचनात्मक जोखिम की उन परिस्थितियों में किए गए काम पर प्रतिक्रिया दी। उसी स्थान पर समसामयिक फिल्मों को यह जानने का लाभ है कि क्या काम करता है क्योंकि Incendies और इसके जैसी फिल्मों ने इसे प्रदर्शित किया है। उस संदर्भ में Incendies को देखना - सिद्ध परंपरा के सुरक्षा जाल के बिना किए गए रचनात्मक कार्य के रूप में - देखने के अनुभव में एक आयाम जोड़ता है जो परंपरा स्थापित होने के बाद बनी फिल्मों को देखने से उपलब्ध नहीं होता है।
सूची में इस स्थान पर Incendies एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Lubna Azabal का प्रदर्शन और Denis Villeneuve का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
The Tale of The Princess Kaguya
Found inside a shining stalk of bamboo by an old bamboo cutter and his wife, a tiny girl grows rapidly into an exquisite young lady. The mysterious young princess enthrals all who encounter her. But, ultimately, she must confront her fate.
क्यों देखें?: The Tale of The Princess Kaguya ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
2013 में, जब Isao Takahata ने The Tale of The Princess Kaguya बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। The Tale of The Princess Kaguya को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 8.1 पर The Tale of The Princess Kaguya इस सूची के विश्वसनीय स्तर का प्रतिनिधित्व करता है। ये वो फिल्में हैं जो निराश नहीं करतीं. Isao Takahata ने समझा कि फिल्म को क्या चाहिए और बिना किसी समझौते के इसे निष्पादित किया। इसे नाटक के रूप में जो अलग करता है वह यह है कि निर्देशक ने यह बताने से इंकार कर दिया कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। फिल्म भावनात्मक भार वाली स्थितियाँ बनाती है और फिर दर्शकों पर भरोसा करती है कि वे स्वयं उस भार को वहन करेंगे। प्रदर्शन अति-संकेतन के बिना भावनात्मक रजिस्टर प्रदान करते हैं। 2010s की फिल्मों को एक-दूसरे के विरुद्ध रैंक करना आंशिक रूप से यह पहचानने का एक अभ्यास है कि क्या बचा है। The Tale of The Princess Kaguya बच गया क्योंकि Isao Takahata ने प्रवृत्ति के बजाय शिल्प के आधार पर विकल्प चुने। 8.1 रेटिंग दर्शाती है कि दर्शक अभी भी उन विकल्पों को वैध मानते हैं।
The Tale of The Princess Kaguya में दृश्य दृष्टिकोण Isao Takahata की समझ को दर्शाता है कि शैली और पदार्थ एक ही चीज़ हैं। The Tale of The Princess Kaguya का कैमरा प्लेसमेंट, रंग ग्रेडिंग और संपादन लय सजावटी निर्णय नहीं हैं। वे इस बारे में तर्क हैं कि कहानी का अनुभव कैसे किया जाना चाहिए। Aki Asakura को इस तरह से शूट किया गया है कि किसी शब्द के बोलने से पहले ही उसके चरित्र का संचार हो जाता है। जो दर्शक दृश्य व्याकरण पर ध्यान देकर The Tale of The Princess Kaguya को दूसरी बार देखते हैं, उन्हें अर्थ की एक परत मिलेगी जो संवाद और कथानक से स्वतंत्र रूप से संचालित होती है।
The Tale of The Princess Kaguya उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.1 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक The Tale of The Princess Kaguya को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Isao Takahata और Aki Asakura कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
8.1 रेटिंग जो The Tale of The Princess Kaguya को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। The Tale of The Princess Kaguya को उच्च अंक देने का उनका निर्णय Isao Takahata ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। The Tale of The Princess Kaguya मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
Portrait de la jeune fille en feu
On an isolated island in Brittany at the end of the eighteenth century, a female painter is obliged to paint a wedding portrait of a young woman.
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। Portrait de la jeune fille en feu ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
Portrait de la jeune fille en feu समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Céline Sciamma ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। एक बड़े मतदाता समूह से 8.1 रेटिंग का मतलब है कि फिल्म में वास्तविक ताकतें हैं जो दर्शकों द्वारा पाई गई सभी कमजोरियों पर भारी पड़ती हैं। Portrait de la jeune fille en feu अपने केंद्रीय वादे को पूरा करता है, जो कि न्यूनतम मानक है जिसे किसी भी फिल्म को पूरा करना चाहिए और रिलीज की संख्या की तुलना में कम उपलब्धि हासिल होती है। निर्देशक इतने धैर्य से काम करता है कि अधिकांश समकालीन नाटक वहन नहीं कर सकते। दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे चलने की अनुमति दी जाती है, ताकि वे जो कहने आए थे उसे कहने के बाद पात्र क्या करते हैं, उसमें सच्चाई का पता लगाया जा सके। कलाकार इस लय को समझते हैं। Portrait de la jeune fille en feu, 2010s सिनेमा के किसी भी खाते में अपना स्थान अर्जित करता है क्योंकि यह उस दशक में निर्मित कुछ चीज़ों को दर्शाता है जो बाद के दशकों में खो गईं। 2010s फिल्म निर्माण की सांस्कृतिक और तकनीकी स्थितियों ने आकार दिया कि Céline Sciamma यहां क्या बना सकता है।
Portrait de la jeune fille en feu की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Céline Sciamma ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Noémie Merlant ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Portrait de la jeune fille en feu में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Portrait de la jeune fille en feu के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Portrait de la jeune fille en feu को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Portrait de la jeune fille en feu दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Céline Sciamma के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Noémie Merlant के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, Portrait de la jeune fille en feu उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: Portrait de la jeune fille en feu अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Céline Sciamma का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो Portrait de la jeune fille en feu को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
Jagten
A teacher lives a lonely life, all the while struggling over his son’s custody. His life slowly gets better as he finds love and receives good news from his son, but his new luck is about to be brutally shattered by an innocent little lie.
क्यों देखें?: Jagten इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
2012 में निर्मित, Jagten स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 8.1 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Jagten के लिए 8.1 स्कोर उन दर्शकों से बनाया गया है जिनके पास विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। यह विकल्प एक ऐसी फिल्म को दर्शाता है जिसने स्पष्ट रूप से अपना पक्ष रखा - जो कि Jagten बिल्कुल यही करता है। Thomas Vinterberg ने तर्क दिया और दर्शकों ने इसे स्वीकार कर लिया। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। हर दशक में ऐसी फिल्में बनती हैं जो उस समय जरूरी लगती हैं और फीकी पड़ जाती हैं। Jagten छोटी श्रेणी से संबंधित है - 2010s फिल्मों को अभी भी उन दर्शकों द्वारा उच्च रेटिंग दी जाती है जिनके पास उस युग के लिए कोई पुरानी यादें नहीं हैं। वह क्रॉस-पीढ़ीगत गुणवत्ता ही असली परीक्षा है।
Jagten में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Thomas Vinterberg ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Mads Mikkelsen ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Jagten में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Mads Mikkelsen एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Jagten उन शामों के लिए उपयुक्त है जब आप किसी ऐसी चीज़ के बजाय वास्तविक सामग्री के साथ कुछ देखना चाहते हैं जो केवल समय भरती हो। यह एक पृष्ठभूमि फिल्म नहीं है और यह एक निष्क्रिय अनुभव नहीं है। Thomas Vinterberg ने कुछ ऐसा बनाया है जो आपका ध्यान आकर्षित करता है और इसे सामान्य के बजाय विशेष रूप से पुरस्कृत करता है। जो दर्शक अन्य काम करते हुए Jagten देखते हैं, उन्हें फिल्म का एक ऐसा संस्करण मिलेगा जो उस व्यक्ति के लिए उपलब्ध संस्करण से काफी कम है जो इस पर अपना पूरा ध्यान देता है। 8.1 रेटिंग पूरे ध्यान से देखने के अनुभव को दर्शाती है। कास्ट - Mads Mikkelsen विशेष रूप से - प्रदर्शन विवरण प्रदान करता है जो केंद्रित देखने में दर्ज होता है और विचलित देखने में गायब हो जाता है।
Jagten इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Thomas Vinterberg ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 8.1 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Thomas Vinterberg के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर Jagten को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
Call Me by Your Name
In the summer of 1983, a 17-year-old Elio spends his days in his family's villa in Italy. One day Oliver, a graduate student, arrives to assist Elio's father, a professor of Greco-Roman culture. Soon, Elio and Oliver discover a summer that will alter their lives forever.
क्यों देखें?: Call Me by Your Name के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
Call Me by Your Name (2017) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Luca Guadagnino ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 8.1 पर Call Me by Your Name एक ऐसी फिल्म है जहां शिल्प कई आयामों में लगातार औसत से ऊपर है। कोई भी एक तत्व दूसरे को वहन नहीं करता। निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन सभी एक ही दिशा में खींच रहे हैं। फिल्म दर्शाती है कि नाटक वह क्या कर सकता है जो अन्य शैलियाँ नहीं कर सकतीं: सामान्य मानव व्यवहार को दबाव में रखना और प्रतिक्रिया के माध्यम से चरित्र को प्रकट करना। निर्देशक उन परिस्थितियों का निर्माण करता है और कलाकार उन्हें वास्तविक विश्वास के साथ निभाते हैं। Call Me by Your Name के लिए 2010s संदर्भ आकस्मिक नहीं है। दशक की विशिष्ट सौंदर्य संबंधी स्थितियां - प्रौद्योगिकी ने क्या अनुमति दी, संस्कृति ने क्या मांग की - ने यहां Luca Guadagnino द्वारा चुने गए विकल्पों को आकार दिया। वे विकल्प उनके क्षण से स्वतंत्र रूप से कायम रहते हैं।
Call Me by Your Name की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Luca Guadagnino ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Call Me by Your Name चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Call Me by Your Name को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
Call Me by Your Name उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.1 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Call Me by Your Name को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Luca Guadagnino और Armie Hammer कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
सूची के इस भाग में Call Me by Your Name की स्थिति एक ऐसी फिल्म को दर्शाती है जो सभी के लिए सब कुछ बनने की इच्छा किए बिना विश्वसनीय रूप से अपने विशिष्ट गुण प्रदान करती है। Luca Guadagnino ने समझा कि फिल्म क्या थी और इसे शिल्प के उच्च स्तर पर बनाया। 8.1 रेटिंग उन दर्शकों का प्रतिनिधित्व करती है जो उन शर्तों पर फिल्म से जुड़े रहे और इसे अत्यधिक रेटिंग के लायक पाया। अलग-अलग उम्मीदें लेकर आने वाले दर्शकों को कभी-कभी फिल्म रेटिंग से कम संतोषजनक लगती है - जो कि फिल्म की नहीं बल्कि उम्मीद की कमजोरी है। Call Me by Your Name बिल्कुल वैसा ही है, जिसे कुशलता से बनाया गया है, और इसे रेटिंग देने वाले मतदाता उस पर प्रतिक्रिया दे रहे थे।
The Hate U Give
Raised in a poverty-stricken slum, a 16-year-old girl named Starr now attends a suburban prep school. After she witnesses a police officer shoot her unarmed best friend, she's torn between her two very different worlds as she tries to speak her truth.
क्यों देखें?: The Hate U Give ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
2018 में, जब George Tillman Jr. ने The Hate U Give बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। The Hate U Give को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 8.1 रेंज की फिल्में अक्सर सूची में उनकी स्थिति से अधिक दिलचस्प होती हैं। उन्होंने उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है, जिसका अर्थ है कि The Hate U Give को पूर्व धारणाओं के बिना प्राप्त करना आसान है। The Hate U Give को उससे लाभ होता है। इसे नाटक के रूप में जो अलग करता है वह यह है कि निर्देशक ने यह बताने से इंकार कर दिया कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। फिल्म भावनात्मक भार वाली स्थितियाँ बनाती है और फिर दर्शकों पर भरोसा करती है कि वे स्वयं उस भार को वहन करेंगे। प्रदर्शन अति-संकेतन के बिना भावनात्मक रजिस्टर प्रदान करते हैं। 2010s की फिल्में जो आज भी 8.1 पर रेट करती हैं, किसी भी समकालीन रिलीज चेहरों की तुलना में लंबे समय तक परीक्षण में टिकी हैं। The Hate U Give ने वह परीक्षा पास कर ली क्योंकि इसका मूल - कहानी कहना, प्रदर्शन, शिल्प - अपने युग की आवश्यकता के बिना काम करता है।
The Hate U Give का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। George Tillman Jr. समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। The Hate U Give में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Amandla Stenberg इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
पहली बार The Hate U Give देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि George Tillman Jr. दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। The Hate U Give में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Amandla Stenberg इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2018 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही George Tillman Jr. का इरादा है।
इस तरह की सूचियों में ग्यारह से पच्चीस श्रेणी में स्थित फिल्में अक्सर सबसे उपयोगी खोज होती हैं क्योंकि वे सांस्कृतिक भार के बिना शीर्ष दस की गुणवत्ता रखती हैं। The Hate U Give इस स्थिति में है, इसलिए नहीं कि यह इसके ऊपर की प्रविष्टियों की तुलना में काफी खराब है, बल्कि इसलिए कि इसकी अपील अधिक केंद्रित है। The Hate U Give में George Tillman Jr. जो कर रहा है, उससे जुड़ने वाले दर्शक इसे इस सूची की किसी भी फिल्म के समान ही उच्च रेटिंग देते हैं। व्यापक मतदाता आधार का औसत इसे यहीं रखता है। जिन दर्शकों के पास यह सोचने के विशिष्ट कारण हैं कि यह फिल्म उनके लिए है - शैली की प्राथमिकता, निर्देशक की रुचि या युग के आधार पर - उन्हें इससे ऊपर रैंक वाली कई प्रविष्टियों पर इसे प्राथमिकता देनी चाहिए।
बेहतरीन फिल्में देखने से दुनिया को देखने का आपका नजरिया बदल जाता है। इसीलिए हम इनका चयन सावधानी से करते हैं।
Contratiempo
Barcelona, Spain. Adrián Doria, a young and successful businessman accused of murder, meets one night with Virginia Goodman, an expert interrogation lawyer, in order to devise a defense strategy.
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। Contratiempo ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
Contratiempo समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Oriol Paulo ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। 8.1 रेटिंग एक साथ सुसंगत स्तरों पर निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन को दर्शाती है। इस श्रेणी में स्कोर करने वाली फिल्में शायद ही किसी एक आयाम में महत्वपूर्ण रूप से असफल होती हैं, और Contratiempo कोई अपवाद नहीं है। निर्देशक सूचना विषमता के इर्द-गिर्द फिल्म का निर्माण करता है: दर्शक पात्रों से अधिक या कम जानते हैं, और फिल्म दोनों स्थितियों को सटीकता के साथ नियंत्रित करती है। कलाकार तीव्रता के बजाय संयम के माध्यम से तनाव को दूर करते हैं। कुल मिलाकर 2010s सिनेमा के संदर्भ में, Contratiempo दर्शाता है कि दशक ने क्या योगदान दिया जो पहले और बाद के दशकों ने नहीं दिया। 2010s फिल्म निर्माण की विशिष्ट स्थितियाँ - बजट, प्रौद्योगिकी, सांस्कृतिक संदर्भ - ने यहाँ कुछ ऐसा उत्पन्न किया जो केवल उसी क्षण से आ सकता था।
Contratiempo में दृश्य दृष्टिकोण Oriol Paulo की समझ को दर्शाता है कि शैली और पदार्थ एक ही चीज़ हैं। Contratiempo का कैमरा प्लेसमेंट, रंग ग्रेडिंग और संपादन लय सजावटी निर्णय नहीं हैं। वे इस बारे में तर्क हैं कि कहानी का अनुभव कैसे किया जाना चाहिए। Mario Casas को इस तरह से शूट किया गया है कि किसी शब्द के बोलने से पहले ही उसके चरित्र का संचार हो जाता है। जो दर्शक दृश्य व्याकरण पर ध्यान देकर Contratiempo को दूसरी बार देखते हैं, उन्हें अर्थ की एक परत मिलेगी जो संवाद और कथानक से स्वतंत्र रूप से संचालित होती है।
Contratiempo अपनी शैली के इतिहास में एक विशिष्ट स्थान पर है: इसे तब बनाया गया था जब यह जिन परंपराओं के साथ काम करता था वे स्थापित होने के बजाय अभी भी विकसित हो रहे थे। Oriol Paulo किसी सिद्ध फार्मूले को लागू नहीं कर रहा था बल्कि कुछ ऐसा निर्माण कर रहा था जिसकी प्रभावशीलता की गारंटी नहीं थी। 8.1 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिन्होंने वास्तविक रचनात्मक जोखिम की उन परिस्थितियों में किए गए काम पर प्रतिक्रिया दी। उसी स्थान पर समसामयिक फिल्मों को यह जानने का लाभ है कि क्या काम करता है क्योंकि Contratiempo और इसके जैसी फिल्मों ने इसे प्रदर्शित किया है। उस संदर्भ में Contratiempo को देखना - सिद्ध परंपरा के सुरक्षा जाल के बिना किए गए रचनात्मक कार्य के रूप में - देखने के अनुभव में एक आयाम जोड़ता है जो परंपरा स्थापित होने के बाद बनी फिल्मों को देखने से उपलब्ध नहीं होता है।
सूची में इस स्थान पर Contratiempo एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Mario Casas का प्रदर्शन और Oriol Paulo का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2
Harry, Ron and Hermione continue their quest to vanquish the evil Voldemort once and for all. Just as things begin to look hopeless for the young wizards, Harry discovers a trio of magical objects that endow him with powers to rival Voldemort's formidable skills.
क्यों देखें?: Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2 इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
2011 में निर्मित, Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2 स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 8.1 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2 के लिए 8.1 स्कोर इसे उन फिल्मों में रखता है जो महत्वपूर्ण कमजोरियों के बिना अपने आधार पर काम करती हैं। David Yates ने कुछ ऐसा बनाया जो पूरी तरह से उद्देश्य के अनुसार काम करता है, जो सुनने में जितना आम लगता है उससे कम है। निर्देशक की यह समझ कि विश्व-निर्माण के लिए विशिष्टता की आवश्यकता होती है, फिल्म को फंतासी के रूप में प्रदर्शित करती है। सामान्य फंतासी तत्व अनूठे विवरणों को रास्ता देते हैं जो दुनिया को अपने तर्क के भीतर जीवंत और वास्तविक महसूस कराते हैं। 2010s ने कई फिल्में बनाईं। जो लोग दशकों बाद भी इस तरह की सूची में बने हुए हैं, वे वे लोग हैं जिन्होंने केवल उस क्षण के बजाय लोगों के बारे में कुछ सच समझा है। Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2 यहाँ है क्योंकि यह कुछ स्थायी समझता है।
Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2 की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। David Yates ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Daniel Radcliffe ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2 में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2 उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.1 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2 को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। David Yates और Daniel Radcliffe कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
8.1 रेटिंग जो Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2 को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2 को उच्च अंक देने का उनका निर्णय David Yates ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2 मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
Kill Bill: The Whole Bloody Affair
A former assassin, known simply as The Bride, wakes from a coma four years after her jealous ex-lover Bill attempts to murder her on her wedding day. Fueled by an insatiable desire for revenge, she vows to get even with every person who contributed to the loss of her unborn child, her entire wedding party, and four years of her life. After devising a hit list, The Bride sets off on her quest, enduring unspeakable injury and unscrupulous enemies.
क्यों देखें?: Kill Bill: The Whole Bloody Affair के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
Kill Bill: The Whole Bloody Affair (2011) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Quentin Tarantino ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 8.1 पर, Kill Bill: The Whole Bloody Affair उस श्रेणी में आता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने उच्च-रेटेड शीर्षकों की व्यापक सहमति हासिल नहीं की है। वह संकीर्ण आम सहमति अक्सर एक विशिष्ट अपील को दर्शाती है - Kill Bill: The Whole Bloody Affair हर किसी के लिए नहीं है, लेकिन सही दर्शक के लिए यह उत्कृष्ट है। निर्देशक कैमरे के तमाशे के बजाय मानवीय पैमाने पर एक्शन शूट करता है। पात्र सुसंगत स्थान घेरते हैं और उनके शरीर सुपाठ्य उद्देश्य के साथ उस स्थान से गुजरते हैं। परिणाम वह क्रिया है जो क्षणिक एड्रेनालाईन उत्पन्न करने के बजाय प्रभाव जमा करती है। 2010s विशिष्ट चिंताओं और विशिष्ट सौंदर्य दृष्टिकोण के साथ एक विशिष्ट सांस्कृतिक क्षण था। Kill Bill: The Whole Bloody Affair उन स्थितियों को पार करते हुए उन्हें प्रतिबिंबित करता है - यह एक 2010s फिल्म है जिसकी सराहना करने के लिए आपको 2010s को समझने की आवश्यकता नहीं है।
Kill Bill: The Whole Bloody Affair में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Quentin Tarantino ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Uma Thurman ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। Kill Bill: The Whole Bloody Affair में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Uma Thurman एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
Kill Bill: The Whole Bloody Affair के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। Kill Bill: The Whole Bloody Affair को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि Kill Bill: The Whole Bloody Affair दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Quentin Tarantino के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Uma Thurman के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, Kill Bill: The Whole Bloody Affair उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: Kill Bill: The Whole Bloody Affair अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Quentin Tarantino का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो Kill Bill: The Whole Bloody Affair को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
After seven months have passed without a culprit in her daughter's murder case, Mildred Hayes makes a bold move, painting three signs leading into her town with a controversial message directed at Bill Willoughby, the town's revered chief of police. When his second-in-command Officer Jason Dixon, an immature mother's boy with a penchant for violence, gets involved, the battle between Mildred and Ebbing's law enforcement is only exacerbated.
क्यों देखें?: Three Billboards Outside Ebbing, Missouri ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
2017 में, जब Martin McDonagh ने Three Billboards Outside Ebbing, Missouri बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। Three Billboards Outside Ebbing, Missouri को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 8.1 पर Three Billboards Outside Ebbing, Missouri इस सूची के विश्वसनीय स्तर का प्रतिनिधित्व करता है। ये वो फिल्में हैं जो निराश नहीं करतीं. Martin McDonagh ने समझा कि फिल्म को क्या चाहिए और बिना किसी समझौते के इसे निष्पादित किया। इसे नाटक के रूप में जो अलग करता है वह यह है कि निर्देशक ने यह बताने से इंकार कर दिया कि दर्शक क्या महसूस कर सकते हैं। फिल्म भावनात्मक भार वाली स्थितियाँ बनाती है और फिर दर्शकों पर भरोसा करती है कि वे स्वयं उस भार को वहन करेंगे। प्रदर्शन अति-संकेतन के बिना भावनात्मक रजिस्टर प्रदान करते हैं। 2010s की फिल्मों को एक-दूसरे के विरुद्ध रैंक करना आंशिक रूप से यह पहचानने का एक अभ्यास है कि क्या बचा है। Three Billboards Outside Ebbing, Missouri बच गया क्योंकि Martin McDonagh ने प्रवृत्ति के बजाय शिल्प के आधार पर विकल्प चुने। 8.1 रेटिंग दर्शाती है कि दर्शक अभी भी उन विकल्पों को वैध मानते हैं।
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Martin McDonagh ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। Three Billboards Outside Ebbing, Missouri चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे Three Billboards Outside Ebbing, Missouri को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri उन शामों के लिए उपयुक्त है जब आप किसी ऐसी चीज़ के बजाय वास्तविक सामग्री के साथ कुछ देखना चाहते हैं जो केवल समय भरती हो। यह एक पृष्ठभूमि फिल्म नहीं है और यह एक निष्क्रिय अनुभव नहीं है। Martin McDonagh ने कुछ ऐसा बनाया है जो आपका ध्यान आकर्षित करता है और इसे सामान्य के बजाय विशेष रूप से पुरस्कृत करता है। जो दर्शक अन्य काम करते हुए Three Billboards Outside Ebbing, Missouri देखते हैं, उन्हें फिल्म का एक ऐसा संस्करण मिलेगा जो उस व्यक्ति के लिए उपलब्ध संस्करण से काफी कम है जो इस पर अपना पूरा ध्यान देता है। 8.1 रेटिंग पूरे ध्यान से देखने के अनुभव को दर्शाती है। कास्ट - Frances McDormand विशेष रूप से - प्रदर्शन विवरण प्रदान करता है जो केंद्रित देखने में दर्ज होता है और विचलित देखने में गायब हो जाता है।
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Martin McDonagh ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 8.1 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Martin McDonagh के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर Three Billboards Outside Ebbing, Missouri को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
A Dog's Journey
A dog finds the meaning of his own existence through the lives of the humans he meets.
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। A Dog's Journey ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
A Dog's Journey समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Gail Mancuso ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। एक बड़े मतदाता समूह से 8.1 रेटिंग का मतलब है कि फिल्म में वास्तविक ताकतें हैं जो दर्शकों द्वारा पाई गई सभी कमजोरियों पर भारी पड़ती हैं। A Dog's Journey अपने केंद्रीय वादे को पूरा करता है, जो कि न्यूनतम मानक है जिसे किसी भी फिल्म को पूरा करना चाहिए और रिलीज की संख्या की तुलना में कम उपलब्धि हासिल होती है। निर्देशक इतने धैर्य से काम करता है कि अधिकांश समकालीन नाटक वहन नहीं कर सकते। दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे चलने की अनुमति दी जाती है, ताकि वे जो कहने आए थे उसे कहने के बाद पात्र क्या करते हैं, उसमें सच्चाई का पता लगाया जा सके। कलाकार इस लय को समझते हैं। A Dog's Journey, 2010s सिनेमा के किसी भी खाते में अपना स्थान अर्जित करता है क्योंकि यह उस दशक में निर्मित कुछ चीज़ों को दर्शाता है जो बाद के दशकों में खो गईं। 2010s फिल्म निर्माण की सांस्कृतिक और तकनीकी स्थितियों ने आकार दिया कि Gail Mancuso यहां क्या बना सकता है।
A Dog's Journey का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Gail Mancuso समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। A Dog's Journey में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Marg Helgenberger इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
A Dog's Journey उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.1 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक A Dog's Journey को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Gail Mancuso और Marg Helgenberger कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
सूची के इस भाग में A Dog's Journey की स्थिति एक ऐसी फिल्म को दर्शाती है जो सभी के लिए सब कुछ बनने की इच्छा किए बिना विश्वसनीय रूप से अपने विशिष्ट गुण प्रदान करती है। Gail Mancuso ने समझा कि फिल्म क्या थी और इसे शिल्प के उच्च स्तर पर बनाया। 8.1 रेटिंग उन दर्शकों का प्रतिनिधित्व करती है जो उन शर्तों पर फिल्म से जुड़े रहे और इसे अत्यधिक रेटिंग के लायक पाया। अलग-अलग उम्मीदें लेकर आने वाले दर्शकों को कभी-कभी फिल्म रेटिंग से कम संतोषजनक लगती है - जो कि फिल्म की नहीं बल्कि उम्मीद की कमजोरी है। A Dog's Journey बिल्कुल वैसा ही है, जिसे कुशलता से बनाया गया है, और इसे रेटिंग देने वाले मतदाता उस पर प्रतिक्रिया दे रहे थे।
Hidden Figures
The untold story of Katherine G. Johnson, Dorothy Vaughan and Mary Jackson – brilliant African-American women working at NASA and serving as the brains behind one of the greatest operations in history – the launch of astronaut John Glenn into orbit. The visionary trio crossed all gender and race lines to inspire generations to dream big.
क्यों देखें?: Hidden Figures इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
2016 में निर्मित, Hidden Figures स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 8.0 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Hidden Figures के लिए 8.0 स्कोर उन दर्शकों से बनाया गया है जिनके पास विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। यह विकल्प एक ऐसी फिल्म को दर्शाता है जिसने स्पष्ट रूप से अपना पक्ष रखा - जो कि Hidden Figures बिल्कुल यही करता है। Theodore Melfi ने तर्क दिया और दर्शकों ने इसे स्वीकार कर लिया। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। हर दशक में ऐसी फिल्में बनती हैं जो उस समय जरूरी लगती हैं और फीकी पड़ जाती हैं। Hidden Figures छोटी श्रेणी से संबंधित है - 2010s फिल्मों को अभी भी उन दर्शकों द्वारा उच्च रेटिंग दी जाती है जिनके पास उस युग के लिए कोई पुरानी यादें नहीं हैं। वह क्रॉस-पीढ़ीगत गुणवत्ता ही असली परीक्षा है।
Hidden Figures में दृश्य दृष्टिकोण Theodore Melfi की समझ को दर्शाता है कि शैली और पदार्थ एक ही चीज़ हैं। Hidden Figures का कैमरा प्लेसमेंट, रंग ग्रेडिंग और संपादन लय सजावटी निर्णय नहीं हैं। वे इस बारे में तर्क हैं कि कहानी का अनुभव कैसे किया जाना चाहिए। Taraji P. Henson को इस तरह से शूट किया गया है कि किसी शब्द के बोलने से पहले ही उसके चरित्र का संचार हो जाता है। जो दर्शक दृश्य व्याकरण पर ध्यान देकर Hidden Figures को दूसरी बार देखते हैं, उन्हें अर्थ की एक परत मिलेगी जो संवाद और कथानक से स्वतंत्र रूप से संचालित होती है।
पहली बार Hidden Figures देखने वाले दर्शकों को इस बात पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि Theodore Melfi दृश्यों के बीच बदलाव को कैसे संभालता है। Hidden Figures में कट पारंपरिक नहीं हैं - वे कथानक की लय के बजाय चरित्र क्षणों पर उतरते हैं, जिसका अर्थ है कि फिल्म की संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। यदि कोई दृश्य अपेक्षा से पहले या बाद में समाप्त होता प्रतीत होता है, तो वह समय एक विकल्प है, और यह आमतौर पर आपको उस समय चरित्र की स्थिति के बारे में कुछ विशिष्ट बताता है। Taraji P. Henson इस लय के भीतर एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो प्रमुख घटनाओं के तुरंत बाद के दृश्यों में सबसे अधिक दिखाई देता है - प्रतिक्रिया शॉट्स और शांत क्षण जहां चरित्र आगे बढ़ने के बजाय समेकित होता है। 2016 उत्पादन संदर्भ का मतलब है कि ये विकल्प डिजिटल सुरक्षा जाल के बिना बनाए गए थे जो समकालीन फिल्मों को पोस्ट में समायोजित करने की अनुमति देते हैं। आप जो देख रहे हैं वही Theodore Melfi का इरादा है।
इस तरह की सूचियों में ग्यारह से पच्चीस श्रेणी में स्थित फिल्में अक्सर सबसे उपयोगी खोज होती हैं क्योंकि वे सांस्कृतिक भार के बिना शीर्ष दस की गुणवत्ता रखती हैं। Hidden Figures इस स्थिति में है, इसलिए नहीं कि यह इसके ऊपर की प्रविष्टियों की तुलना में काफी खराब है, बल्कि इसलिए कि इसकी अपील अधिक केंद्रित है। Hidden Figures में Theodore Melfi जो कर रहा है, उससे जुड़ने वाले दर्शक इसे इस सूची की किसी भी फिल्म के समान ही उच्च रेटिंग देते हैं। व्यापक मतदाता आधार का औसत इसे यहीं रखता है। जिन दर्शकों के पास यह सोचने के विशिष्ट कारण हैं कि यह फिल्म उनके लिए है - शैली की प्राथमिकता, निर्देशक की रुचि या युग के आधार पर - उन्हें इससे ऊपर रैंक वाली कई प्रविष्टियों पर इसे प्राथमिकता देनी चाहिए।
Lion
A five-year-old Indian boy gets lost on the streets of Calcutta, thousands of kilometers from home. He survives many challenges before being adopted by a couple in Australia; 25 years later, he sets out to find his lost family.
क्यों देखें?: Lion के पीछे की संख्या हासिल करना कठिन है: हजारों स्वतंत्र दर्शक, समन्वय के बिना इसे उच्च रेटिंग देते हैं। यह सर्वसम्मति उपलब्ध सबसे विश्वसनीय गुणवत्ता संकेत है।
Lion (2016) ऐसे समय में बनाई गई थी जब दर्शक उत्पादन की गुणवत्ता के बारे में अधिक परिष्कृत हो गए थे। Garth Davis ने कुछ ऐसा प्रदान किया जो उन बढ़ी हुई अपेक्षाओं को पूरा करता है। 8.0 पर Lion एक ऐसी फिल्म है जहां शिल्प कई आयामों में लगातार औसत से ऊपर है। कोई भी एक तत्व दूसरे को वहन नहीं करता। निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन सभी एक ही दिशा में खींच रहे हैं। फिल्म दर्शाती है कि नाटक वह क्या कर सकता है जो अन्य शैलियाँ नहीं कर सकतीं: सामान्य मानव व्यवहार को दबाव में रखना और प्रतिक्रिया के माध्यम से चरित्र को प्रकट करना। निर्देशक उन परिस्थितियों का निर्माण करता है और कलाकार उन्हें वास्तविक विश्वास के साथ निभाते हैं। Lion के लिए 2010s संदर्भ आकस्मिक नहीं है। दशक की विशिष्ट सौंदर्य संबंधी स्थितियां - प्रौद्योगिकी ने क्या अनुमति दी, संस्कृति ने क्या मांग की - ने यहां Garth Davis द्वारा चुने गए विकल्पों को आकार दिया। वे विकल्प उनके क्षण से स्वतंत्र रूप से कायम रहते हैं।
Lion की पटकथा कुछ ऐसा प्रदर्शित करती है जिसे अधिकांश फिल्में हासिल नहीं कर पाती हैं: प्रत्येक दृश्य एक साथ दो चीजें कर रहा है। सतही क्रिया कथानक को आगे बढ़ाती है। उपपाठ चरित्र को आगे बढ़ाता है। Garth Davis ने ऐसी सामग्री के साथ काम किया, जो दर्शकों को यह विश्वास दिलाती है कि जो नहीं कहा गया था उसे उतना ही स्पष्ट रूप से दर्ज कर सकें जितना कि कहा गया था। Dev Patel ऐसी पंक्तियाँ पेश करता है जिनका मतलब अलग-अलग होता है, जो इस बात पर निर्भर करता है कि आप फिल्म में उस बिंदु पर क्या जानते हैं। पहली बार देखने वाले दर्शकों को एक फिल्म का अनुभव होता है। जो दर्शक अंत को जानते हैं वे दूसरे अनुभव का अनुभव करते हैं। वह संरचनात्मक परिष्कार Lion में सबसे अधिक दिखाई देता है जब आप इस बात पर ध्यान देते हैं कि कौन से पात्र लगातार सीधे तौर पर कहने से बचते हैं।
Lion अपनी शैली के इतिहास में एक विशिष्ट स्थान पर है: इसे तब बनाया गया था जब यह जिन परंपराओं के साथ काम करता था वे स्थापित होने के बजाय अभी भी विकसित हो रहे थे। Garth Davis किसी सिद्ध फार्मूले को लागू नहीं कर रहा था बल्कि कुछ ऐसा निर्माण कर रहा था जिसकी प्रभावशीलता की गारंटी नहीं थी। 8.0 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिन्होंने वास्तविक रचनात्मक जोखिम की उन परिस्थितियों में किए गए काम पर प्रतिक्रिया दी। उसी स्थान पर समसामयिक फिल्मों को यह जानने का लाभ है कि क्या काम करता है क्योंकि Lion और इसके जैसी फिल्मों ने इसे प्रदर्शित किया है। उस संदर्भ में Lion को देखना - सिद्ध परंपरा के सुरक्षा जाल के बिना किए गए रचनात्मक कार्य के रूप में - देखने के अनुभव में एक आयाम जोड़ता है जो परंपरा स्थापित होने के बाद बनी फिल्मों को देखने से उपलब्ध नहीं होता है।
सूची में इस स्थान पर Lion एक ऐसी फिल्म का प्रतिनिधित्व करता है जिसने सांस्कृतिक स्मारक बने बिना वास्तविक गुणवत्ता और निरंतर सराहना हासिल की है। उस स्थिति का लाभ यह है कि Dev Patel का प्रदर्शन और Garth Davis का शिल्प व्यापक पूर्व चर्चा के फ़िल्टर के बजाय नए सिरे से सामना करने के लिए उपलब्ध है। वे विशिष्ट चीज़ें जो इस फ़िल्म को देखने लायक बनाती हैं - जिनका ऊपर संपादकीय नोट्स में वर्णन किया गया है - तब देखना आसान होता है जब आप किसी प्रतिष्ठा की पुष्टि करने की उम्मीद नहीं कर रहे हों। इस सूची के मध्य भाग में रेटिंग कोई पदावनति नहीं है। यह एक ऐसी फिल्म का वर्णन है जो अपने विशिष्ट दर्शकों के लिए उत्कृष्ट है।
How to Train Your Dragon: Homecoming
It's been ten years since the dragons moved to the Hidden World, and even though Toothless doesn't live in New Berk anymore, Hiccup continues the holiday traditions he once shared with his best friend. But the Vikings of New Berk were beginning to forget about their friendship with dragons. Hiccup, Astrid, and Gobber know just what to do to keep the dragons in the villagers' hearts. And across the sea, the dragons have a plan of their own...
क्यों देखें?: How to Train Your Dragon: Homecoming ने अपनी रेटिंग इतने लंबे समय तक बरकरार रखी है कि स्कोर स्थिर है। विभिन्न दर्शकों के बीच उच्च रेटिंग वाली फिल्में केवल अच्छी होने के बजाय असाधारण होती हैं।
2019 में, जब Tim Johnson ने How to Train Your Dragon: Homecoming बनाया, तो फिल्मों की औसत उत्पादन गुणवत्ता कभी भी इतनी अधिक नहीं थी। How to Train Your Dragon: Homecoming को जो अलग करता है वह तकनीकी पॉलिश नहीं बल्कि जानबूझकर है - प्रत्येक दृश्य कुछ विशिष्ट कर रहा है। 8.0 रेंज की फिल्में अक्सर सूची में उनकी स्थिति से अधिक दिलचस्प होती हैं। उन्होंने उच्च-रेटेड शीर्षकों की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है, जिसका अर्थ है कि How to Train Your Dragon: Homecoming को पूर्व धारणाओं के बिना प्राप्त करना आसान है। How to Train Your Dragon: Homecoming को उससे लाभ होता है। एनीमेशन तकनीकी क्षमता के प्रदर्शन के बजाय कहानी कहने की सेवा में है। निर्देशक भावनात्मक और कथात्मक प्रभावों को प्राप्त करने के लिए फॉर्म का उपयोग करता है जो बताई जा रही विशिष्ट कहानी को पूरा करता है। 2010s की फिल्में जो आज भी 8.0 पर रेट करती हैं, किसी भी समकालीन रिलीज चेहरों की तुलना में लंबे समय तक परीक्षण में टिकी हैं। How to Train Your Dragon: Homecoming ने वह परीक्षा पास कर ली क्योंकि इसका मूल - कहानी कहना, प्रदर्शन, शिल्प - अपने युग की आवश्यकता के बिना काम करता है।
How to Train Your Dragon: Homecoming में प्रदर्शन को एक विशिष्ट रजिस्टर में कैलिब्रेट किया जाता है जिसे Tim Johnson ने पूरे उत्पादन के दौरान स्थापित और बनाए रखा है। Jay Baruchel ने समझा कि सामग्री पर जोर देने के बजाय कम महत्व देने की आवश्यकता है। How to Train Your Dragon: Homecoming में वे क्षण सबसे कठिन होते हैं जहां Jay Baruchel एक कम कुशल अभिनेता की तुलना में कम काम करता है। समूह एक लय के साथ मिलकर काम करता है जो केवल प्रतिभा के बजाय व्यापक तैयारी का सुझाव देता है। वे दृश्य जहां कई कलाकार मौजूद होते हैं, एक सहयोगात्मक गतिशीलता को प्रकट करते हैं जो उन फिल्मों में दुर्लभ है जहां सामूहिक सच्चाई की कीमत पर व्यक्तिगत प्रदर्शन को प्राथमिकता दी जाती है।
How to Train Your Dragon: Homecoming उन दर्शकों के लिए काम करता है जो आम तौर पर इस युग या शैली की फिल्मों की तलाश नहीं करते हैं। जिन गुणों के कारण इसे 8.0 रेटिंग मिली, वे शैली-विशिष्ट या अवधि-विशिष्ट नहीं हैं - ये वे गुण हैं जो किसी भी फिल्म को उत्कृष्ट बनाते हैं: स्पष्ट कहानी, सम्मोहक प्रदर्शन और निर्देशन जो खुद को प्रदर्शित करने के बजाय सामग्री की सेवा करता है। जो दर्शक How to Train Your Dragon: Homecoming को एक सांस्कृतिक कलाकृति के बजाय एक फिल्म के रूप में देखते हैं, उन्हें सबसे मजबूत प्रतिक्रिया मिलती है। रिलीज के बाद से इसने जो सांस्कृतिक भार जमा किया है, वह पहुंच के बजाय दूरी पैदा कर सकता है। सबसे उपयोगी फ्रेम बस यह है: यह एक विशिष्ट स्थिति में विशिष्ट लोगों के बारे में एक अच्छी तरह से बनाई गई फिल्म है। उसे ध्यान से देखने पर ही बाकी सब कुछ होता है। Tim Johnson और Jay Baruchel कार्य करते हैं; दर्शक का काम इसके लिए उपस्थित रहना है।
8.0 रेटिंग जो How to Train Your Dragon: Homecoming को सूची के इस खंड में रखती है, उन दर्शकों से अर्जित की गई थी जिनके पास इसके ऊपर रैंक की गई हर चीज तक पहुंच थी। उन्होंने उन शीर्षकों को देखने या जानने के बाद इस फिल्म का मूल्यांकन किया। How to Train Your Dragon: Homecoming को उच्च अंक देने का उनका निर्णय Tim Johnson ने यहां जो हासिल किया उसके लिए वास्तविक सराहना दर्शाता है - शीर्ष दस प्रविष्टियों से कमतर होने के बजाय कुछ अलग। इस तरह की सूची में गुणवत्ता की सीमा सुझाई गई पदों की सीमा से कम है। स्थिति आठ और स्थिति अठारह के बीच का अंतर आंशिक रूप से इस बात पर निर्भर करता है कि अपील कितनी विशिष्ट है। How to Train Your Dragon: Homecoming मोटे तौर पर उत्कृष्ट के बजाय विशेष रूप से उत्कृष्ट है। सही दर्शक के लिए, वह विशिष्टता एक संपत्ति है।
A Taxi Driver
May, 1980. Man-seob is a taxi driver in Seoul who lives from hand to mouth, raising his young daughter alone. One day, he hears that there is a foreigner who will pay big money for a drive down to Gwangju city. Not knowing that he’s a German journalist with a hidden agenda, Man-seob takes the job.
क्यों देखें?: इस चयन में सबसे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों में से एक। A Taxi Driver ने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच निरंतर आलोचनात्मक सराहना के माध्यम से अपनी प्रतिष्ठा अर्जित की है।
A Taxi Driver समसामयिक कार्य है जिसने पहले ही सामग्री से भरे बाजार में अपनी टिकने की शक्ति साबित कर दी है। Jang Hoon ने कुछ ऐसा बनाया जिसने शोर को कम कर दिया क्योंकि यह वास्तव में विकल्पों से बेहतर था। 8.0 रेटिंग एक साथ सुसंगत स्तरों पर निर्देशन, लेखन और प्रदर्शन को दर्शाती है। इस श्रेणी में स्कोर करने वाली फिल्में शायद ही किसी एक आयाम में महत्वपूर्ण रूप से असफल होती हैं, और A Taxi Driver कोई अपवाद नहीं है। निर्देशक इतने धैर्य से काम करता है कि अधिकांश समकालीन नाटक वहन नहीं कर सकते। दृश्यों को उनके स्पष्ट समापन बिंदु से आगे चलने की अनुमति दी जाती है, ताकि वे जो कहने आए थे उसे कहने के बाद पात्र क्या करते हैं, उसमें सच्चाई का पता लगाया जा सके। कलाकार इस लय को समझते हैं। कुल मिलाकर 2010s सिनेमा के संदर्भ में, A Taxi Driver दर्शाता है कि दशक ने क्या योगदान दिया जो पहले और बाद के दशकों ने नहीं दिया। 2010s फिल्म निर्माण की विशिष्ट स्थितियाँ - बजट, प्रौद्योगिकी, सांस्कृतिक संदर्भ - ने यहाँ कुछ ऐसा उत्पन्न किया जो केवल उसी क्षण से आ सकता था।
A Taxi Driver की संरचना इस प्रकार बनाई गई है कि गति परंपरा के बजाय अर्थ प्रदान करती है। Jang Hoon ऐसे क्षणों में कटौती करता है जो थोड़ा अप्रत्याशित लगता है, जो दर्शकों को निष्क्रिय देखने के बजाय ध्यान केंद्रित करने की स्थिति में रखता है। स्पष्ट बीट्स पर आधारित फिल्में पूर्वानुमानित हो जाती हैं। A Taxi Driver चरित्र क्षणों पर कटौती करता है, जिसका अर्थ है कि संपादन लय और भावनात्मक लय एक ही चीज़ हैं। परिणाम एक ऐसी फिल्म है जहां संरचना स्वयं पात्रों की आंतरिक स्थिति के बारे में कुछ बताती है। जो दर्शक पारंपरिक संपादन से स्तब्ध हो गए हैं, वे A Taxi Driver को उत्पादक तरीके से भटकाने वाला पाते हैं।
A Taxi Driver के पहली बार दर्शकों को यथासंभव कम पूर्व ज्ञान के साथ जाना चाहिए। फिल्म पर इतने व्यापक रूप से चर्चा और संदर्भ दिया गया है कि फिल्म के बजाय अन्य लोगों की प्रतिक्रियाओं से बनी अपेक्षाओं के साथ पहुंचना आसान है। A Taxi Driver को पहली बार देखने का वास्तविक अनुभव, बिना यह जाने कि वास्तव में क्या आ रहा है, इसे ज्ञात मात्रा के रूप में देखने से काफी अलग है। यदि आपने इसे अभी तक नहीं देखा है, तो यह संरक्षण के लायक एक लाभ है। लौटने वाले दर्शकों को पता चलता है कि A Taxi Driver दोबारा देखने पर बदल जाता है - इसलिए नहीं कि फिल्म बदल जाती है, बल्कि इसलिए कि परिणाम जानने से आप जो विवरण देखते हैं वह बदल जाता है और शुरुआती दृश्य वास्तव में क्या कर रहे हैं। Jang Hoon के पहले एक्ट का निर्माण एक बार अलग दिखता है जब आप जान जाते हैं कि यह कहां समाप्त होता है। शुरुआती दृश्यों में Song Kang-ho के प्रदर्शन में ऐसी जानकारी होती है जो केवल दूसरी बार देखने पर ही सुपाठ्य होती है।
इस सूची में ग्यारह से पच्चीस रेंज में स्थित, A Taxi Driver उस क्षेत्र पर कब्जा करता है जहां गुणवत्ता सुसंगत है लेकिन फिल्म ने शीर्ष दस की सांस्कृतिक संतृप्ति हासिल नहीं की है। नए दर्शकों के लिए उस स्थिति का एक फायदा है: A Taxi Driver अनिवार्य देखने के दबाव के बिना आता है जो उच्च-रैंक वाले शीर्षकों से जुड़ा होता है। फिल्म का सामना दूसरों की प्रतिक्रियाओं के बोझ के बजाय अपनी शर्तों पर किया जा सकता है। यहां Jang Hoon का काम इतना मजबूत है कि शीर्ष दस प्रविष्टियों के मुकाबले खड़ा हो सकता है और इतना अलग है कि कुछ ऐसा पेश कर सकता है जो उन शीर्षकों में नहीं है। विशिष्ट गुण जो A Taxi Driver को उच्चतर स्थान पर रखते हैं, अक्सर वे गुण होते हैं जो इसे उन दर्शकों के लिए सबसे दिलचस्प बनाते हैं जो पहले से ही अधिक व्यापक रूप से अनुशंसित शीर्षक देख चुके हैं।
Along with the Gods: The Two Worlds
Having died unexpectedly, firefighter Ja-hong is taken to the afterlife by 3 afterlife guardians. Only when he passes 7 trials over 49 days and proves he was innocent in human life, he’s able to reincarnate, and his 3 afterlife guardians are by his side to defend him in trial.
क्यों देखें?: Along with the Gods: The Two Worlds इस सूची के असाधारण अंत में बैठता है। एक बड़े मतदाता आधार से बनी इतनी ऊंची रेटिंग, प्रचार के बजाय वास्तविक सहमति को दर्शाती है।
2017 में निर्मित, Along with the Gods: The Two Worlds स्ट्रीमिंग युग में मौजूद है जहां हर चीज हर चीज से प्रतिस्पर्धा करती है। इसकी 8.0 रेटिंग उन दर्शकों को दर्शाती है जिनके पास अनंत विकल्प थे और उन्होंने इसे उच्च रेटिंग देने का फैसला किया। Along with the Gods: The Two Worlds के लिए 8.0 स्कोर इसे उन फिल्मों में रखता है जो महत्वपूर्ण कमजोरियों के बिना अपने आधार पर काम करती हैं। Kim Yong-hwa ने कुछ ऐसा बनाया जो पूरी तरह से उद्देश्य के अनुसार काम करता है, जो सुनने में जितना आम लगता है उससे कम है। नाटक सार्वभौमिकता के बजाय विशिष्टता से आता है। निर्देशक ऐसे विकल्प चुनता है जो इस स्थिति में इन पात्रों पर सटीक रूप से लागू होते हैं, जो विरोधाभासी रूप से सामान्य भावनात्मक धड़कनों की तुलना में कुछ अधिक सार्वभौमिक बनाता है। 2010s ने कई फिल्में बनाईं। जो लोग दशकों बाद भी इस तरह की सूची में बने हुए हैं, वे वे लोग हैं जिन्होंने केवल उस क्षण के बजाय लोगों के बारे में कुछ सच समझा है। Along with the Gods: The Two Worlds यहाँ है क्योंकि यह कुछ स्थायी समझता है।
Along with the Gods: The Two Worlds का ध्वनि वातावरण इसके दृश्य वातावरण की तरह ही जानबूझकर निर्मित किया गया है। Kim Yong-hwa समझता है कि ध्वनि डिज़ाइन और स्कोर सचेत ध्यान के तहत काम करते हैं, जो दर्शकों के विश्लेषण करने से पहले भावनात्मक प्रतिक्रिया को आकार देते हैं कि क्या हो रहा है। Along with the Gods: The Two Worlds में शांत अनुक्रम अनुपस्थिति के बजाय उपस्थिति बनाने के लिए परिवेशीय ध्वनि का उपयोग करते हैं। स्कोर किए गए दृश्यों में संगीत का उपयोग किया जाता है जो दर्शकों को क्या महसूस करना चाहिए, यह संकेत देने के बजाय चरित्र पर प्रतिक्रिया करता है। Ha Jung-woo इस ध्वनि वातावरण में एक भौतिक प्रदर्शन के साथ काम करता है जो बताता है कि दृश्य को श्रवण के साथ-साथ दृश्य रूप से कैसे अनुभव किया जाएगा। यह संयोजन कुछ ऐसा उत्पन्न करता है जो केवल दर्शकों पर काम करने के बजाय उन पर काम करता है।
Along with the Gods: The Two Worlds उन शामों के लिए उपयुक्त है जब आप किसी ऐसी चीज़ के बजाय वास्तविक सामग्री के साथ कुछ देखना चाहते हैं जो केवल समय भरती हो। यह एक पृष्ठभूमि फिल्म नहीं है और यह एक निष्क्रिय अनुभव नहीं है। Kim Yong-hwa ने कुछ ऐसा बनाया है जो आपका ध्यान आकर्षित करता है और इसे सामान्य के बजाय विशेष रूप से पुरस्कृत करता है। जो दर्शक अन्य काम करते हुए Along with the Gods: The Two Worlds देखते हैं, उन्हें फिल्म का एक ऐसा संस्करण मिलेगा जो उस व्यक्ति के लिए उपलब्ध संस्करण से काफी कम है जो इस पर अपना पूरा ध्यान देता है। 8.0 रेटिंग पूरे ध्यान से देखने के अनुभव को दर्शाती है। कास्ट - Ha Jung-woo विशेष रूप से - प्रदर्शन विवरण प्रदान करता है जो केंद्रित देखने में दर्ज होता है और विचलित देखने में गायब हो जाता है।
Along with the Gods: The Two Worlds इस सूची के मध्य भाग में है क्योंकि इसकी अपील सार्वभौमिक होने के बजाय विशिष्ट है - और विशिष्ट अपील, ईमानदारी से मूल्यांकन करने पर, व्यापक अपील की तुलना में कम औसत रेटिंग उत्पन्न करती है, भले ही फिल्म सही दर्शक के लिए उत्कृष्ट हो। Kim Yong-hwa ने ऐसे विकल्प चुने जो कुछ दर्शकों को आकर्षक लगते हैं और दूसरों को मांगपूर्ण लगते हैं। 8.0 रेटिंग मतदाता आधार से मिली-जुली लेकिन अंततः सकारात्मक प्रतिक्रिया को दर्शाती है जिसमें दोनों समूह शामिल हैं। जिन दर्शकों की प्राथमिकताएँ इस सामग्री के प्रति Kim Yong-hwa के दृष्टिकोण से मेल खाती हैं, वे आमतौर पर Along with the Gods: The Two Worlds को सूची में सबसे मजबूत प्रविष्टियों में से एक पाते हैं। इसे अलग-थलग करने के बजाय संदर्भ के आधार पर रेटिंग देने से अकेले संख्या से पता चलता है कि एक अलग प्रभाव पैदा होता है।
हमने इन 2010s फिल्मों को कैसे रैंक किया
इस पृष्ठ पर प्रत्येक फिल्म को मूवी डेटाबेस एपीआई के डेटा का उपयोग करके चुना गया था, गुणवत्ता स्थिरता सुनिश्चित करने के लिए न्यूनतम वोट सीमा के लिए फ़िल्टर किया गया था। प्रक्रिया इस श्रेणी की सभी फिल्मों से शुरू होती है, वोट औसत के आधार पर अवरोही क्रम में क्रमबद्ध किया जाता है, फिर आवश्यक संख्या से कम वोट वाली फिल्मों को बाहर करने के लिए फ़िल्टर किया जाता है।
उस बड़ी सूची से, सटीकता के लिए प्रत्येक प्रविष्टि को मैन्युअल रूप से सत्यापित किया गया था। एक उच्च रेटिंग स्वचालित रूप से देखने योग्य नहीं होती है। एक फिल्म जो हाल की खबरों के कारण ट्रेंड में है, वह उस फिल्म के समान नहीं है जो ट्रेंड में है क्योंकि वह वास्तव में अच्छी है। प्रत्येक प्रविष्टि पर संपादकीय विश्लेषण सांस्कृतिक शोर के बजाय वास्तविक फिल्म की गुणवत्ता को दर्शाता है।
चयन पहुंच और गहराई के बीच संतुलन बनाए रखता है। यहां फिल्में समसामयिक रिलीज से लेकर कैटलॉग शीर्षक तक हैं जो पुनः खोज के लायक हैं। सभी शिल्प और इरादे से बनाए गए थे। सभी पुरस्कार देखना.
शैली के अनुसार सर्वश्रेष्ठ 2010s फिल्में
इस पृष्ठ पर 50 फिल्में कई शैलियों और उपशैलियों में फैली हुई हैं। शैली एक फिल्टर के रूप में उपयोगी है लेकिन एक निश्चित श्रेणी के रूप में नहीं। ड्रामा टैग वाली फिल्म उतनी ही रहस्यपूर्ण हो सकती है, जितनी थ्रिलर टैग वाली फिल्म। एक्शन टैग वाली फिल्म भावनात्मक रूप से उतनी ही बुद्धिमान हो सकती है, जितनी ड्रामा टैग की गई फिल्म। शैली को आरंभिक बिंदु के रूप में उपयोग करें, संपूर्ण चित्र के रूप में नहीं।
प्रत्येक फिल्म पर शैली टैग आपको दिखाते हैं कि फिल्म स्पष्ट रूप से कहां बैठती है। 2010s के भीतर उन शैलियों को ढूंढने के लिए फ़िल्टर का उपयोग करें जिनमें आपकी सबसे अधिक रुचि है।
रेटिंग के अनुसार सर्वश्रेष्ठ 2010s फिल्में
इस पृष्ठ पर फिल्मों को तीन रेटिंग स्तरों में विभाजित किया गया है। 8.5 से ऊपर की फिल्में किसी भी पैमाने पर असाधारण हैं और इस श्रेणी में बिल्कुल बेहतरीन सिनेमा का प्रतिनिधित्व करती हैं। 7.5 से 8.4 तक की फिल्में लगातार शिल्प दिखाती हैं और विश्वसनीय रूप से मजबूत होती हैं। 7.0 से 7.4 तक की फिल्में अभी भी उत्कृष्ट और देखने लायक हैं, हालांकि वे गुणवत्ता की थोड़ी व्यापक श्रेणी का प्रतिनिधित्व करती हैं।
टीएमडीबी पर 8.0 की रेटिंग के लिए सांख्यिकीय रूप से विश्वसनीय होने के लिए पर्याप्त बड़े मतदाता आधार की आवश्यकता होती है। यह समय के साथ परीक्षण की गई वास्तविक दर्शकों की सराहना को दर्शाता है।
रनटाइम के अनुसार सर्वश्रेष्ठ 2010s फिल्में
क्या देखना है यह चुनते समय रनटाइम सबसे उपयोगी फ़िल्टर में से एक है और सबसे कम उपयोग किए जाने वाले फ़िल्टर में से एक है। 90 मिनट से कम अवधि की फिल्में सटीकता के साथ संपूर्ण अनुभव प्रदान करती हैं। अधिकांश देखने की स्थितियों के लिए 90 से 120 मिनट की फिल्में इष्टतम लंबाई हैं। 120 मिनट से अधिक की फिल्मों के लिए प्रतिबद्धता की आवश्यकता होती है लेकिन इसके लिए पुरस्कार की आवश्यकता होती है।
अपने उपलब्ध समय का उपयोग देर रात में कोई ऐसी फिल्म शुरू करने के बजाय सही फिल्म खोजने में करें जो अपेक्षा से अधिक लंबी चलती हो।
खोजने लायक छिपे हुए रत्न
प्रत्येक 2010s चयन में ऐसी फिल्में शामिल होती हैं जो शीर्ष दृश्यता रैंकिंग से नीचे होती हैं लेकिन कुछ असाधारण प्रदान करती हैं। ये ऐसी फिल्में हैं जिन्हें एल्गोरिथम कम महत्व देता है क्योंकि उनमें फ्रैंचाइज़ी मान्यता या हालिया प्रेस कवरेज का अभाव है। वे छुपे हुए नहीं हैं क्योंकि वे अस्पष्ट हैं। वे छिपे हुए हैं क्योंकि प्लेटफ़ॉर्म पर सबसे ऊंचे विकल्प सबसे पहले सामने आते हैं।
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The 2010s is best understood through multiple lenses. Below are related ways to explore movies from this decade and era.
अक्सर पूछे जाने वाले प्रश्नों
2010s की सर्वश्रेष्ठ फिल्में कौन सी हैं?
2010s की सर्वश्रेष्ठ फिल्में इस पृष्ठ पर पूरी तरह से रैंक और सूचीबद्ध हैं। यह सूची पुरानी यादों के बजाय वास्तविक दर्शकों की सराहना को दर्शाती है। प्रत्येक फिल्म ने बड़े पैमाने पर दर्शकों से निरंतर सकारात्मक प्रतिक्रिया के माध्यम से अपनी स्थिति अर्जित की।
2010s की सबसे ज्यादा रेटिंग वाली फिल्म कौन सी है?
2010s की उच्चतम रेटिंग वाली फिल्में इस पृष्ठ के शीर्ष पर सूचीबद्ध हैं। 8.5 और उससे अधिक रेटिंग वाली फिल्मों को दर्शकों द्वारा सराहा गया है, जिनके पास तब से बनी हर चीज तक पहुंच थी, जो अकेले संख्या से पता चलता है कि रेटिंग अधिक सार्थक है।
सर्वश्रेष्ठ 2010s थ्रिलर कौन सी हैं?
2010s के थ्रिलर्स को इस पूरे पृष्ठ पर उनके शैली टैग द्वारा पहचाना जाता है। थ्रिलर या क्राइम थ्रिलर टैग वाली फिल्में देखें। सर्वश्रेष्ठ 2010s थ्रिलर निर्मित झटके के बजाय चरित्र निवेश के माध्यम से तनाव पैदा करते हैं।
सर्वश्रेष्ठ 2010s नाटक कौन से हैं?
2010s की ड्रामा फिल्में युग के कुछ सबसे स्थायी कार्यों का प्रतिनिधित्व करती हैं। सर्वश्रेष्ठ 2010s नाटकों ने दर्शकों पर भावनात्मक जानकारी को रेखांकित किए बिना दर्ज करने का भरोसा किया और रिलीज के दशकों बाद भी देखने का पुरस्कार जारी रखा।
सर्वश्रेष्ठ 2010s एक्शन फिल्में कौन सी हैं?
2010s के दौरान एक्शन सिनेमा महत्वपूर्ण रूप से विकसित हुआ। इस पृष्ठ पर एक्शन टैग की गई फिल्में उस विकास का सर्वश्रेष्ठ प्रतिनिधित्व करती हैं, जिसमें पहले समझ के लिए निर्देशित अनुक्रम और दूसरे पर प्रभाव पड़ता है।
सर्वश्रेष्ठ 2010s कॉमेडीज़ कौन सी हैं?
सर्वश्रेष्ठ 2010s कॉमेडीज़ ने सेटअप और पंचलाइन यांत्रिकी के बजाय चरित्र से हास्य प्राप्त किया। वे मज़ेदार बने रहते हैं क्योंकि मूल सांस्कृतिक संदर्भ फीके पड़ जाने पर भी पात्र विशिष्ट और पहचाने जाने योग्य होते हैं।
सर्वश्रेष्ठ 2010s हॉरर फिल्में कौन सी हैं?
सर्वश्रेष्ठ 2010s हॉरर फिल्मों ने समझा कि सदमे की तुलना में माहौल अधिक टिकाऊ होता है, और डर के लिए पात्रों में पूर्व निवेश की आवश्यकता होती है। उन्हें स्पष्ट सामग्री के बजाय वायुमंडलीय शिल्प और संरचनात्मक बुद्धिमत्ता के लिए चुना गया था।
सर्वश्रेष्ठ 2010s विज्ञान-फाई फिल्में कौन सी हैं?
सर्वश्रेष्ठ 2010s विज्ञान-फाई फिल्मों ने तमाशा के बजाय मानवीय प्रश्नों का पता लगाने के लिए काल्पनिक परिसर का उपयोग किया। इस शैली को इतनी गंभीरता से लिया गया कि वास्तविक विचारों वाली परियोजनाएं नाटकीय रूप से बनाई और जारी की गईं।
सर्वश्रेष्ठ 2010s अपराध फिल्में कौन सी हैं?
2010s का क्राइम सिनेमा इस शैली द्वारा निर्मित कुछ सबसे मजबूत कार्यों का प्रतिनिधित्व करता है। ये फिल्में बिना समाधान किए नैतिक अस्पष्टता से जुड़ी रहीं और रूमानियत के बिना आपराधिक जीवन की कीमत को दिखाया।
2010s की सर्वश्रेष्ठ विदेशी भाषा की फिल्में कौन सी हैं?
इस सूची में 2010s के अंतर्राष्ट्रीय सिनेमा का प्रतिनिधित्व किया गया है। इस युग के दौरान कई राष्ट्रीय सिनेमा चरम रचनात्मक काल में थे। उपशीर्षक संशयवादियों को इस पृष्ठ पर 8.5 और उससे अधिक रेटिंग वाली किसी भी विदेशी भाषा की फिल्म से शुरुआत करनी चाहिए।
2010s की सबसे कम रेटिंग वाली फिल्में कौन सी हैं?
इस पृष्ठ पर हिडन जेम्स अनुभाग उन 2010s फिल्मों की पहचान करता है जिन्होंने सार्थक मतदाता आधारों से 6.5 और 7.4 के बीच स्कोर किया है। इन फिल्मों को कमतर आंका गया है, इसलिए नहीं कि वे अस्पष्ट हैं, बल्कि इसलिए कि उनमें फ्रेंचाइज़ी मान्यता या हालिया प्रेस कवरेज का अभाव है।
कौन सी 2010s फिल्में हर किसी को कम से कम एक बार देखनी चाहिए?
इस सूची में 8.0 और उससे ऊपर की रेटिंग वाली फिल्में गैर-परक्राम्य 2010s देखने का प्रतिनिधित्व करती हैं। इन्होंने दर्शकों की कई पीढ़ियों के बीच वास्तविक आलोचनात्मक सहमति हासिल की है और नए दर्शकों तक पहुंचाना जारी रखा है।
जो लोग आमतौर पर पुरानी फिल्में नहीं देखते उनके लिए सबसे अच्छी 2010s फिल्में कौन सी हैं?
इस पृष्ठ से 8.5 और उससे अधिक रेटिंग वाली किसी भी फिल्म से शुरुआत करें। गुणवत्ता पुरानी नहीं होती. जिस शैली का आप आनंद लेते हैं उसमें 2010s मूवी ढूंढने के लिए शैली टैग का उपयोग करें और वहां से शुरुआत करें।
2010s फिल्में आधुनिक सिनेमा से कैसे तुलना करती हैं?
2010s ने विभिन्न बाधाओं के तहत और विभिन्न महत्वाकांक्षाओं के साथ फिल्मों का निर्माण किया। बजट संरचनाओं ने मूल परिसर वाली मध्य-श्रेणी की फिल्मों को नाटकीय रिलीज प्राप्त करने की अनुमति दी। निर्देशकों को स्टूडियो के संबंध में अब की तुलना में अधिक रचनात्मक नियंत्रण दिया गया।
क्या 2010s फिल्में आज भी देखने लायक हैं?
हाँ, बिना योग्यता के. इस सूची की फिल्मों का चयन इसलिए किया गया क्योंकि वे टिकी हुई हैं, इसलिए नहीं कि वे ऐतिहासिक रूप से दिलचस्प हैं। महान फिल्म निर्माण तकनीक या फैशन की तरह पुराना नहीं होता। समकालीन दर्शक इन फिल्मों को लगातार उच्च रेटिंग दे रहे हैं।