Parazit
Film, birbirinden yapı olarak tamamen farklı iki aileyi konu ediniyor. Ki-taek ve ailesi komple işsizdir ve varoşlarda yaşamaktadırlar. Ki-taek’in oğlu Ki-woo, bir arkadaşının referansı ile çok zengin, bir o kadar da saf olan Park ailesinin kızına İngilizce için özel ders vermeye başlar. Ancak bu onlara yeterli gelmez ve maaile Park ailesinin evdeki çalışanlarının adım adım kuyusunu kazarak çeşitli üçkağıtçılıklarla kapağı Park ailesine atmayı başarırlar. Ancak fazla açgözlülükleri ve beleşçilikleri günün birinde başlarına bela olacaktır.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Parazit, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Parazit, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Bong Joon Ho gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Film Veritabanında 8.5 derecelendirmesi istatistiksel olarak nadirdir. Bireysel görüşlerin ortalamasını alacak kadar geniş bir seçmen tabanı gerektirir ve geriye yalnızca farklı izleyicilere tutarlı bir şekilde ulaştırılan filmler kalır. Parazit bu fikir birliğine sahip. Yönetmen filmi bilgi asimetrisi etrafında inşa ediyor: Seyirci karakterlerden daha fazlasını veya daha azını biliyor ve filmler her iki durumu da hassasiyetle yönetiyor. Oyuncu kadrosu gerilimi yoğunluktan ziyade kısıtlama yoluyla iletiyor. Genel olarak 2010s sineması bağlamında, Parazit, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 2010s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Parazit'teki görsel yaklaşım, Bong Joon Ho'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Parazit'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Song Kang-ho, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Parazit'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Parazit'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Parazit'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Parazit'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Bong Joon Ho'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Song Kang-ho'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Parazit'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.5 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve Parazit bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Bong Joon Ho'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Senin Adın
Senin Adın (Kimi no Na wa), kaderleri ve rüyaları kozmik bir döngüyle birbirine bağlanan iki yabancının, zamanı ve mekânı aşan arayışını konu alır. Tokyo'da yaşayan Taki ile kırsalda bunalan Mitsuha, nedeni belirsiz bir şekilde birbirlerinin bedenlerinde uyanmaya başlarlar. Bu gizemli alışveriş, yerini derin bir bağa bırakırken, yaklaşmakta olan bir kuyruklu yıldız felaketi her ikisinin de varoluşunu ve hafızasını tehdit eden zamana karşı trajik bir yarışa dönüşür.
Neden izliyorsunuz?: Senin Adın bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2016'te üretilen Senin Adın, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.5 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Senin Adın için 8.5 puanı, tek bir sayıya indirgenmiş binlerce bireysel görüntüleme kararını temsil eder. Bu sayı gerçek bir şeyi yansıtıyor: Bu filmi izleyen insanlar bunun olağanüstü olduğunu düşündü ve yeterli sayıda kişi derecelendirmeyi anlamlı kılmayı kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. 2010s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Senin Adın kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Senin Adın'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Makoto Shinkai, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Ryunosuke Kamiki, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Senin Adın'te en çok görülür.
Senin Adın, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Makoto Shinkai, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Senin Adın'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.5 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Ryunosuke Kamiki - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Senin Adın'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Senin Adın'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Makoto Shinkai, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. Ryunosuke Kamiki'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
Yıldızlararası
Dünya'nın giderek yaşanmaz hale gelmesiyle başlayan tarım krizi ve doğal felaketler, insanları yok olma tehlikesiyle karşı karşıya bırakmıştır. Teknik bilgisi ve becerisi yüksek olan Cooper, geniş mısır tarlalarında çiftçilik yaparak geçinmektedir; amacı iki çocuğuna güvenli bir hayat sunmaktır. Onlarla yaşayan büyük baba Donald çocuklara göz kulak olurken, henüz 10 yaşındaki kızı Murph şaşırtıcı bir zekaya sahiptir. Geçmişte bıraktığı bilim insanı kariyerini özleyen Cooper'un karşısına bir gün beklenmedik bir teklif çıkar ve ailesinin, dahası insanlığın güvenliği için zorlu bir karar alması gerekir...
Neden izliyorsunuz?: Yıldızlararası'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Yıldızlararası (2014), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Christopher Nolan, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8,5'un üzerindeki derecelendirmeler, 7,5 veya 8,0 olarak derecelendirilen filmlerden farklı bir kategoriye girer. Bu sayılar arasındaki fark göründüğünden daha büyük. 8.5'teki Yıldızlararası, çağını gerçekten tanımlayan filmlerle birlikte. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. 2010s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Yıldızlararası bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 2010s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 2010s filmi.
Yıldızlararası'teki performanslar, Christopher Nolan'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Matthew McConaughey, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Yıldızlararası'te en zor anlar, Matthew McConaughey'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Yıldızlararası, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.5 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Yıldızlararası'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Christopher Nolan ve Matthew McConaughey işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Yıldızlararası ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Christopher Nolan, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Yıldızlararası'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Örümcek Adam: Örümcek Evreninde
Brooklyn'de yaşayan Miles Morales isimli siyahi bir gencin hikayesini izleyeceğimiz filmde, farklı bir evrende Spider-Man olmaya hazırlanan küçük bir çocuğun Peter Parker ile tanışması konu alınıyor.
Neden izliyorsunuz?: Örümcek Adam: Örümcek Evreninde, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2018'te, Bob Persichetti, Örümcek Adam: Örümcek Evreninde'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Örümcek Adam: Örümcek Evreninde'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.4'teki Örümcek Adam: Örümcek Evreninde, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Bob Persichetti, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Aksiyon hikaye anlatıcılığının yerine geçmekten ziyade onun altındadır. Yönetmen yalnızca daha önce gelenler sayesinde işe yarayan sekanslar oluşturuyor. İzleyicinin karakterlere ve riske yaptığı yatırım, aksiyonun gerçekleşip gerçekleşmeyeceğini belirler. 2010s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Örümcek Adam: Örümcek Evreninde hayatta kaldı çünkü Bob Persichetti trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 8.4 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Örümcek Adam: Örümcek Evreninde'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Bob Persichetti, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Örümcek Adam: Örümcek Evreninde karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Örümcek Adam: Örümcek Evreninde'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Örümcek Adam: Örümcek Evreninde'i ilk kez izleyen izleyiciler, Bob Persichetti'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Örümcek Adam: Örümcek Evreninde'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Shameik Moore, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2018 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Bob Persichetti'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Örümcek Adam: Örümcek Evreninde'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Bob Persichetti, Örümcek Adam: Örümcek Evreninde ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Sesin Şekli
Sesleri duyabilen Ishida Shouya ve onun aksine sesleri duyamayan sağır nakil öğrenci Nishimiya Shoko… İkili uğursuz bir günde tanışır ve sınıfın liderlerinden diyebileceğimiz Shouya, Shoko’ya zorbalık etmeye başlar. Ama çok geçmeden sınıf hedefini Shoko’dan kabadayılık yapan Shouya’ya çevirir. Aradan yıllar geçer ve Shouya bir kez daha Shoko ile buluşması gerektiğini hisseder.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Sesin Şekli, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Sesin Şekli, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Naoko Yamada gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.4 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Sesin Şekli, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Sesin Şekli, 2010s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 2010s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, Naoko Yamada'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Sesin Şekli'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Naoko Yamada, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Sesin Şekli'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Miyu Irino, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Sesin Şekli, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Naoko Yamada kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.4 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Sesin Şekli ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Sesin Şekli'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Sesin Şekli'in ilk 10'da yer alması, neyle rekabet ettiğini düşündüğünüzde çok anlamlıdır. Bu mod ve döneme ait katalogdaki her filmler değerlendirildi ve Sesin Şekli burada sıralandı çünkü derecelendirme kalitesi ve seçmen hacminin birleşimi, onu seçimdeki diğer her şeyin üstünde tutuyordu. Naoko Yamada, Sesin Şekli'te onu aynı kategorideki alternatiflerden (aynı zamanda iyi filmler olan alternatiflerden) ayıran seçimler yaptı. İlk on ile ilk yirmi arasındaki fark, mutlak derecelendirme açısından göründüğünden daha küçük ancak izleyici deneyiminin gerçekte sunduğu şey açısından önemli.
Whiplash
Bir tarafta öğrencilerinin korkulu rüyası, jazz öğretmeni Terrence Fletcher, diğer tarafta \"en iyi\" olmayı kafaya koymuş, aşırı hırslı genç öğrencisi Andrew Neyman. İki taraf da baskın karakterinden taviz vermeyince çok geçmeden mantık dışı olaylar gelişmeye başlar. Bu süreçte elleri çalışmaktan kanlar içinde kalan Neyman, küfürbaz Fletcher'ın hakaretle bezeli eğitim tekniklerine boyun eğmek zorunda kalır. Ama Neyman'ın da kendine göre numaraları vardır ve en sonunda, karşı karşıya kalacakları müzikal düellodan önce işler iyice çıkmaza girer.
Neden izliyorsunuz?: Whiplash bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2014'te üretilen Whiplash, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.4 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Whiplash için 8.4 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Whiplash'in yaptığı da tam olarak bu. Damien Chazelle bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Whiplash daha küçük bir kategoriye ait; 2010s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Whiplash'teki görsel yaklaşım, Damien Chazelle'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Whiplash'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Miles Teller, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Whiplash'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Whiplash, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.4 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Whiplash'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Damien Chazelle ve Miles Teller işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Whiplash ilk on sırasını kültürel itibarı sayesinde değil, izleyicilerin oturup izlediğinde yaşananlar sayesinde kazanıyor. 8.4 derecelendirmesi, bu deneyimi geniş bir bağımsız görüntüleme örneğinde yansıtıyor. Bunun gibi listelerde ilk on durumuna ulaşan filmler, alternatiflere tam erişimi olan ve bu filmi deneyimlerinin en üstünde derecelendirmeyi seçen izleyiciler tarafından test edildi. Damien Chazelle ve Miles Teller bu beklentiyi tutarlı bir şekilde karşılayan bir şey yaptı; sürekli yeni izleyicilerin yeni standartlar getirmesine rağmen reytingin devam etmesinin nedeni de budur.
Başlangıç
Leonardo DiCaprio bu yapımda, çok yetenekli bir hırsız olan Dom Cobb ile karşımızda. Uzmanlık alanı, zihnin en karanlık ve savunmasız olduğu rüya anında, bilinçaltının derinliklerindeki değerli sırları çekip çıkarmak ve onları çalmaktır. Cobb'un insanlarda nadiren görülebilecek bu yeteneği onu kurumsal casusluğun tehlikeli yeni dünyasında aranan bir oyuncu yapmıştır. Aynı zamanda bu durum onu uluslararası bir kaçak yapmış ve sevdiği her şeye malolmuştur. Cobb'a içinde bulunduğu durumdan kurtulmasını sağlayacak bir fırsat sunulur. Ona hayatını geri verebilecek son bir iş; tabii eğer imkansız 'Başlangıç'ı tamamlayabilirse.
Neden izliyorsunuz?: Başlangıç'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Başlangıç (2010), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Christopher Nolan, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.4'teki Başlangıç, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Yönetmen aksiyonu kamera gösterisinden ziyade insan ölçeğine göre çekiyor. Karakterler tutarlı bir alanı kaplar ve vücutları bu alanda okunabilir bir amaç doğrultusunda hareket eder. Sonuç, anlık adrenalin üretmek yerine etkiyi artıran bir eylemdir. Başlangıç için 2010s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Christopher Nolan'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Başlangıç'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Christopher Nolan, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Leonardo DiCaprio, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Başlangıç'te en çok görülür.
Başlangıç'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Başlangıç'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Başlangıç'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Christopher Nolan'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Leonardo DiCaprio'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Başlangıç'in bu listenin ilk 10'unda yer alması özel bir argüman gerektirmez. Tartışma, istatistiksel olarak anlamlı olacak kadar büyük bir seçmen tabanından gelen 8.4 notu. Herhangi bir ciddi listenin ilk 10'unda yer alan filmler bu konumu işgal ediyor çünkü tutarlı bir şekilde en geniş izleyici kitlesine ulaşıyorlar ve Başlangıç bunu karşılaştığı her demografide yaptı. Christopher Nolan'in buradaki çalışması, bireysel sahne kalitesinin, göründüğünden daha nadir olan, tüm filmin düzeyinde geçerli olan bir şeye dönüştüğü düzeyde işliyor.
Can Dostum
Zengin bir iş adamı ve aristokrat olan Philippe, yamaç paraşütü yaparken geçirdiği kaza sonrası felç olur ve boynundan aşağısını kullanamaz hale gelir. Driss ise hapishaneden henüz yeni çıkmış bir işsizdir. Philippe 7 gün 24 saat boyunca bakımını üstlenmesi için Driss'i evine yatılı yardımcı olarak alınca ikisinin de dünyası değişecektir. Normal şartlar altında hiçbir zaman yan yana gelmeyecek bu ikili iyisiyle kötüsüyle hayatın tadını beraber çıkarmaya başlarlar.
Neden izliyorsunuz?: Can Dostum, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2011'te, Olivier Nakache, Can Dostum'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Can Dostum'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.3 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Can Dostum'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Can Dostum bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Bugün hala 8.3 olarak derecelendirilen 2010s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Can Dostum bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Can Dostum'teki performanslar, Olivier Nakache'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. François Cluzet, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Can Dostum'te en zor anlar, François Cluzet'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Can Dostum, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. Can Dostum'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. Can Dostum'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. Olivier Nakache'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
Can Dostum'in bu listedeki ilk on konumu, üretilmesi zor bir şeyi yansıtıyor: yeni izleyicilerin keşfetmeye ve yüksek puan vermeye devam ettiği sürdürülebilir mükemmellik. Çoğu filmler ilk izleyici kitlesinden sonra ivme kaybeder. Can Dostum'te bu yok. Yayınlandıktan yıllar veya on yıllar sonra onunla karşılaşan izleyiciler, ona ilk izleyicilerle aynı yüksek puanları veriyor. Olivier Nakache, geldiği kültürel andan bağımsız olarak çalışan, kalıcı kalitenin tanımı olan bir şey yaptı. François Cluzet'in performansı bu dayanıklılığın bir parçası; dönem oyunculuğu olarak okunmuyor.
Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına
Hotaru, yazları büyükbabasının evine kalmaya giden altı yaşında bir kızdır. Bir gün, içinde dağ ruhlarının yaşadığı söylenen ormanda kaybolur. Ne yapacağını bilemezken karşısında Gin adında bir genç belirir. Gin, ona eğer bir insan kendisine dokunursa yok olacağını söyler. Bir insanın dokunuşuyla yok olmaya mahkûm olan maskeli ruh Gin'le Hotaru'nun yıllara yayılan imkansız aşkını anlatan hikaye, fiziksel temasın yasak olduğu bu naif bağın hem ne kadar derin hem de trajik bir vedaya ne kadar yakın olduğunu işler.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Takahiro Omori gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. 8.3 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına de bir istisna değildir. Film, bağlantının gelişimini bir alt olay örgüsünden ziyade merkezi dramatik çalışma olarak ele alıyor. Yönetmen hikayenin yaşandığı yerin iki kişinin birbirini tanıma süreci olduğunun farkında. Genel olarak 2010s sineması bağlamında, Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 2010s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Takahiro Omori, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.3 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Takahiro Omori ve Izumi Sawada işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına ilk on arasında yer alıyor çünkü çoğu filmin denediği ve çok azının başardığı bir şeyi yapıyor: ilk izlemede mükemmel ve yeniden izlendiğinde ek katmanları ortaya çıkarıyor. İlk kez izleyenlerle geri dönen izleyiciler farklı deneyimler yaşıyor ve her iki deneyim de güçlü. Takahiro Omori, aynı anda birden fazla seviyede çalışarak bu derinliği filmde oluşturdu; yüzeysel hikaye bunu sağlıyor ve bunun altında, ancak her şeyin nereye gittiğini bildiğinizde tam olarak görünür hale gelen, zanaat kararlarından oluşan bir katman var. Bu iki seviyeli yapı, Işıltılı Ateşböceklerinin Ormanına'i bir sonraki aşama yerine ilk ona sokan şeydir.
Koğuştaki Mucize
Darbe döneminde bir Ege kasabasında, canından çok sevdiği küçük kızı ve babaannesiyle birlikte yaşayan Memo, mental yetersizliği olan ama küçük dünyasında mutlu yaşayan bir çobandır. 1983 yılında bir gün, sıkıyönetim komutanının kızının ölümü üzerine kalan ve sıradan hayatı birden altüst olan Memo, idam cezasına çarptırılır ve böylece ‘Yedinci Koğuş’a gelir. Burada hayatta kalması pek mümkün görünmemektedir. Fakat başta onu nefretle karşılayan tüm koğuş, onun iyilik dolu kalbini görür, yavaş yavaş Memo’nun cinayet işleyebilecek bir kişiliği olmadığına ikna olmaya başlar ve zamanla hayatına dokunduğu herkes Memo’nun hayatını kurtarmak için seferber olur. Herkes adalet peşindeyken Memo ve kızı Ova’nın tek isteği birbirlerine kavuşmaktır. Memo suçsuzdur ve şimdi yaşamına geri dönebilmesi için bir mucizeye ihtiyacı vardır.
Neden izliyorsunuz?: Koğuştaki Mucize bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2019'te üretilen Koğuştaki Mucize, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.3 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Koğuştaki Mucize'in 8.3 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Mehmet Ada Öztekin, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. 2010s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Koğuştaki Mucize kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Koğuştaki Mucize'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Mehmet Ada Öztekin, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Koğuştaki Mucize'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Aras Bulut İynemli, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Koğuştaki Mucize'i ilk kez izleyen izleyiciler, Mehmet Ada Öztekin'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Koğuştaki Mucize'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Aras Bulut İynemli, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2019 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Mehmet Ada Öztekin'in amaçladığı şeydir.
Film Veritabanı derecelendirmelerinden oluşturulan sıralı listede ilk on sıra, gerçek bir kritik fikir birliğini temsil ediyor. Bu bir popülerlik yarışması değil; seçmen eşiği, bireysel aykırı görüşlerin ortalamasını alacak kadar kişi tarafından izlenen ve derecelendirilen filmler için filtreleniyor. Koğuştaki Mucize'in bu konumda olması, farklı ülkelerdeki ve farklı izleme alışkanlıklarındaki çeşitli izleyicilerin bağımsız olarak bu filmin mükemmel olduğu sonucuna vardığı anlamına geliyor. Mehmet Ada Öztekin, Koğuştaki Mucize ile kültürel farklılıklara dirençli bir şey başardı. Burada kullanılan özel hikaye anlatımı yaklaşımı bağlamlar arasında tercüme edilmektedir.
Sinema önemli hikayelerle ilgilidir. Bu bölümdeki filmler bu prensibi kanıtlıyor.
Avengers: Son Oyun
Marvel Sinematik Evreni'nin dördüncü aşamasının zirve noktası olarak kabul edilen bu epik filmde, "Yenilmezler: Sonsuzluk Savaşı" (2018) olaylarının hemen ardından başlar ve Thanos'un sonsuz taşları kullanarak evrenin yarısını yok etmesinin sonuçlarına odaklanır. Yenilmezler ekibinin hayatta kalan üyelerinin, kaybettikleri arkadaşlarını geri getirmek ve evreni kurtarmak için bir plan hazırlarlar. Tony Stark (Iron Man), Steve Rogers (Captain America), Natasha Romanoff (Black Widow), Bruce Banner (Hulk), Thor ve diğer karakterler, geçmişe dönerek Sonsuz Taşları toplamak için zaman yolculuğu yaparlar. Bu süreçte, eski anılarla yüzleşirler ve birbirleriyle olan bağlarını güçlendirirler. Zaman yolculuğu teması, filmde önemli bir rol oynar ve izleyicilere önceki Marvel filmlerine göndermeler yapılır. Filmin doruk noktası, Yenilmezler'in Thanos ile büyük bir savaşta karşılaşmasıdır. Tüm kahramanlar, kayıplarını telafi etmek ve dünyayı kurtarmak için bir araya gelirler.
Neden izliyorsunuz?: Avengers: Son Oyun'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Avengers: Son Oyun (2019), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Joe Russo, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.2'te Avengers: Son Oyun, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Avengers: Son Oyun herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Yönetmen aksiyonu kamera gösterisinden ziyade insan ölçeğine göre çekiyor. Karakterler tutarlı bir alanı kaplar ve vücutları bu alanda okunabilir bir amaç doğrultusunda hareket eder. Sonuç, anlık adrenalin üretmek yerine etkiyi artıran bir eylemdir. 2010s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Avengers: Son Oyun bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 2010s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 2010s filmi.
Avengers: Son Oyun'teki görsel yaklaşım, Joe Russo'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Avengers: Son Oyun'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Robert Downey Jr., bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Avengers: Son Oyun'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Avengers: Son Oyun, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Joe Russo kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.2 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Avengers: Son Oyun ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Avengers: Son Oyun'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Avengers: Son Oyun, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Robert Downey Jr.'in performansının ve Joe Russo'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Avengers: Sonsuzluk Savaşı
Kaptan Amerika ve Iron Man'in arasında yaşanan olayların ardından bölünen kahramanlarımız, birbirlerinden uzaklara savrulurlar. Hepsi kendi yandaşlarıyla dünyayı korumaya çalışmaktadır. Ancak dünyanın kaderi bir kez daha tehlikeye girer. Sınırsız bir güç kaynağı olan sonsuzluk taşlarının peşine düşen Thanos, dünyanın gördüğü en büyük tehdittir. İnsanlığın kaderi bir kez daha, insanlık için savaşmaya ant içmiş kahramanlarımız elindedir. Hiçbir süper kahramanın tek başına yenemeyeceği büyüklükteki bu tehdit için ekipler birleşmeli ve tehdide tüm güçleriyle karşı koymalıdır...
Neden izliyorsunuz?: Avengers: Sonsuzluk Savaşı, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2018'te, Joe Russo, Avengers: Sonsuzluk Savaşı'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Avengers: Sonsuzluk Savaşı'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.2'teki Avengers: Sonsuzluk Savaşı, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Joe Russo, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Aksiyon hikaye anlatıcılığının yerine geçmekten ziyade onun altındadır. Yönetmen yalnızca daha önce gelenler sayesinde işe yarayan sekanslar oluşturuyor. İzleyicinin karakterlere ve riske yaptığı yatırım, aksiyonun gerçekleşip gerçekleşmeyeceğini belirler. 2010s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Avengers: Sonsuzluk Savaşı hayatta kaldı çünkü Joe Russo trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 8.2 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Avengers: Sonsuzluk Savaşı'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Joe Russo, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Robert Downey Jr., filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Avengers: Sonsuzluk Savaşı'te en çok görülür.
Avengers: Sonsuzluk Savaşı, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.2 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Avengers: Sonsuzluk Savaşı'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Joe Russo ve Robert Downey Jr. işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Avengers: Sonsuzluk Savaşı'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.2 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Avengers: Sonsuzluk Savaşı'e yüksek puan verme kararları, Joe Russo'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Avengers: Sonsuzluk Savaşı genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Pankreasını Yemek İstiyorum
Hikaye, bir gün hastanede isimsiz kahramanın bir günlük bulmasıyla başlar. Günlük ise pankreasında olan hastalığıyla mücadele etmeye çalışan ve son birkaç ayı kalan sınıf arkadaşı Sakura Yamauchi’ye aittir. Sakura, isimsiz kahramana ailesi dışında kimsenin bunu bilmediğini söyler. İsimsiz kahraman da bu sırrı kimseye söylememek üzere Sakura’ya söz verir. Tamamen zıt kişiliklerine rağmen isimsiz kahraman, Sakura’nın son birkaç ayında onun yanında olmaya karar verir.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Pankreasını Yemek İstiyorum, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Pankreasını Yemek İstiyorum, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Shinichiro Ushijima gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.2 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Pankreasını Yemek İstiyorum, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Pankreasını Yemek İstiyorum, 2010s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 2010s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, Shinichiro Ushijima'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Pankreasını Yemek İstiyorum'teki performanslar, Shinichiro Ushijima'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Mahiro Takasugi, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Pankreasını Yemek İstiyorum'te en zor anlar, Mahiro Takasugi'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Pankreasını Yemek İstiyorum'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Pankreasını Yemek İstiyorum'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Pankreasını Yemek İstiyorum'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Shinichiro Ushijima'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Mahiro Takasugi'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Pankreasını Yemek İstiyorum, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Pankreasını Yemek İstiyorum, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Shinichiro Ushijima'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Pankreasını Yemek İstiyorum'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Yeşil Rehber
1962 yılında geçen, gerçek bir hikâyeden esinlenen film, ırkçılığın Amerika Birleşik Devletleri'nin güneyinde hâlâ çok yaygın olduğu bir dönemde, Afro-Amerikalı dünyaca ünlü piyanist Dr. Don Shirley ve İtalyan-Amerikalı kaba saba şoförü Tony Lip arasındaki beklenmedik dostluğu konu alır. Don Shirley, Güney Amerika’da bir konser turuna çıkmaya karar verir. Ancak o dönemde ırkçılık hâlâ büyük bir sorundur ve özellikle güney eyaletlerinde siyahi vatandaşlara yönelik ayrımcılık yoğundur. Dr. Shirley, güvenliği için Tony Lip adlı sert mizaçlı, sokak zekâsına sahip bir adamı şoför ve koruma olarak tutar. İkili, Shirley'nin güvenli bir şekilde konaklamasına yardımcı olması için dönemin Afro-Amerikan sürücülerine yönelik özel bir rehber olan “The Green Book” (Yeşil Rehber) adlı kılavuzu kullanır. Başlangıçta zıt karakterlere sahip olan Tony ve Shirley, zamanla aralarındaki önyargıları kırarak güçlü bir dostluk kurarlar.
Neden izliyorsunuz?: Yeşil Rehber bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2018'te üretilen Yeşil Rehber, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.2 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Yeşil Rehber için 8.2 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Yeşil Rehber'in yaptığı da tam olarak bu. Peter Farrelly bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Yeşil Rehber daha küçük bir kategoriye ait; 2010s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Yeşil Rehber'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Peter Farrelly, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Yeşil Rehber karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Yeşil Rehber'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Yeşil Rehber, hem tek başına hem de grup halinde izleme bağlamında işe yarayan nadir filmlerden biridir ve bu çoğu komedi için geçerli değildir. Mizahı kurgudan ziyade karakterden alan filmler, odada kim olursa olsun genellikle iyi oynanır çünkü kahkahalar kolektif izinden ziyade tanınmadan gelir. Yeşil Rehber'i tek başına izlemek, grup izlemelerinin kaçırabileceği, karakter gözleminin daha sessiz anlarını yakalamanıza olanak tanır. Filmi bilen başka biriyle izlemek, işe yaradığını bildiğiniz bir şeyi paylaşmanın özel zevkini yaratır. Yeşil Rehber'in çalışma süresi, daha uzun bir filmler taahhüdü gerektirmeyen, gerçek kalitede bir şey istediğinizde, onu akşamlar için pratik bir seçim haline getiriyor. Peter Farrelly'in ilerleme hızı, filmin fazla beklemeden çalışma süresini kazanması anlamına geliyor.
Yeşil Rehber bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Peter Farrelly, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.2 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Peter Farrelly'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Yeşil Rehber'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
One Direction: This Is Us
Filmde grup üyelerinin tümünün, İngiltere’de düzenlenen X-Factor yarışmasına katılmalarının ardından, Simon Cowell tarafından nasıl bir araya getirildikleri, aileleriyle olan ilişkileri, hayalleri ve süratle ulaştıkları şöhretin nasıl bir his olduğu gözler önüne serilecek. Film, biraz da ONE DIRECTION’ın sadık hayranlarına yazılmış bir aşk mektubu niteliğini de taşıyacak. Morgan ve yapım ekibi, dünya turuna çıkmak üzere olan grubu takip ederek, yol boyunca hikayelerini görüntüleyecekler
Neden izliyorsunuz?: One Direction: This Is Us'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
One Direction: This Is Us (2013), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Morgan Spurlock, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.2'teki One Direction: This Is Us, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Filmin gücü yönetmenin belgesel formunu nasıl kullanacağını anlamasından geliyor. İzleyiciye anlatı yoluyla ne düşüneceğinin söylenmesi yerine, kurgu aracılığıyla keşfetme ve anlama deneyimi yaşar. One Direction: This Is Us için 2010s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Morgan Spurlock'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
One Direction: This Is Us'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Morgan Spurlock, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. One Direction: This Is Us'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Harry Styles, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
One Direction: This Is Us, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.2 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. One Direction: This Is Us'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Morgan Spurlock ve Harry Styles işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
One Direction: This Is Us'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Morgan Spurlock filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.2 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. One Direction: This Is Us tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Klaus - Sihirli Plan
Bencil bir postacı ile münzevi bir oyuncakçı arasında kurulan beklenmedik dostluk, soğuk ve karanlık bir kasabaya ihtiyacı olan neşeyi getirir.
Neden izliyorsunuz?: Klaus - Sihirli Plan, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2019'te, Sergio Pablos, Klaus - Sihirli Plan'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Klaus - Sihirli Plan'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.2 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Klaus - Sihirli Plan'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Klaus - Sihirli Plan bundan faydalanıyor. Filmin bir komedi olarak tutarlılığı tutarlılıktan geliyor. Yönetmen dünyanın kurallarını ve karakterlerin bu kurallar içindeki davranışlarını belirliyor ve mizah, bu karakterlerin bir durumu nasıl yönlendirdiğinden ortaya çıkıyor. Bugün hala 8.2 olarak derecelendirilen 2010s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Klaus - Sihirli Plan bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Klaus - Sihirli Plan'teki görsel yaklaşım, Sergio Pablos'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Klaus - Sihirli Plan'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Jason Schwartzman, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Klaus - Sihirli Plan'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Klaus - Sihirli Plan'i ilk kez izleyen izleyiciler, Sergio Pablos'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Klaus - Sihirli Plan'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Jason Schwartzman, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2019 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Sergio Pablos'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Klaus - Sihirli Plan, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Sergio Pablos'in Klaus - Sihirli Plan'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Kurt Çocuklar Ame ve Yuki
Film, üniversite öğrencisi Hana’nın, bir gün sınıfta gördüğü gizemli bir adama aşık olmasıyla başlar. Bu adamın aslında yaşayan son kurt adam olduğunu öğrenmesine rağmen aşkından vazgeçmez. Birlikte iki çocukları olur. Abla Yuki (karda doğduğu için "Kar") ve küçük kardeş Ame (yağmurda doğduğu için "Yağmur"). Ancak babalarının ani ölümüyle Hana, yarı kurt yarı insan olan çocuklarını şehir hayatının zorluklarından korumak için kırsala taşınmaya karar verir.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Kurt Çocuklar Ame ve Yuki, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Kurt Çocuklar Ame ve Yuki, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Mamoru Hosoda gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. 8.2 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Kurt Çocuklar Ame ve Yuki de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Genel olarak 2010s sineması bağlamında, Kurt Çocuklar Ame ve Yuki, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 2010s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Mamoru Hosoda, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Aoi Miyazaki, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'te en çok görülür.
Kurt Çocuklar Ame ve Yuki, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Mamoru Hosoda kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.2 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Kurt Çocuklar Ame ve Yuki ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Kurt Çocuklar Ame ve Yuki'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Kurt Çocuklar Ame ve Yuki, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Aoi Miyazaki'in performansının ve Mamoru Hosoda'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Beş Adım Uzakta
İki hasta gencin hastanede yollarının kesişmesi ile değişen yaşamlarını konu ediyor. Stella Grant, 17 yaşında olan bir genç kızdır. Bilgisayarına bağlı bir hayat süren Stella, yaşıtları gibi gezip dolaşmak yerine zamanını çoğunu hastanede geçirmek zorundadır. Kistik fibrozis hastası olan genç kız hayatını rutinler, sınırlamalar ve kendi kendini kontrol etmekle geçirir. Fakat genç kızın hayatı Will Newman ile tanışmasıyla bambaşka bir hal alır. Birbirlerinden etkilenmeye başlayan gençlerin önünde büyük bir engel vardır. Will de Stella gibi hastadır ve hastalıkları nedeniyle hayatlarına konulan sınırlamalar aralarına mesafe koymalarını gerektirir. Ancak onlar birlikte vakit geçirmeye devam ettikçe sınırlamaların dışına çıkmaya başlarlar.
Neden izliyorsunuz?: Beş Adım Uzakta bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2019'te üretilen Beş Adım Uzakta, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.2 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Beş Adım Uzakta'in 8.2 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Justin Baldoni, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. 2010s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Beş Adım Uzakta kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Beş Adım Uzakta'teki performanslar, Justin Baldoni'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Haley Lu Richardson, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Beş Adım Uzakta'te en zor anlar, Haley Lu Richardson'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Beş Adım Uzakta, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.2 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Beş Adım Uzakta'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Justin Baldoni ve Haley Lu Richardson işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Beş Adım Uzakta'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.2 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Beş Adım Uzakta'e yüksek puan verme kararları, Justin Baldoni'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Beş Adım Uzakta genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Mommy
Diane Després üç yıl önce kocasını kaybetmiş, tek oğluyla hayatta ayakları üstünde duran 48 yaşında bir kadındır. Sadece geçinebilecekleri kadar parayı kazanabilmek için elinden geleni yapan Diane, 15 yaşındaki oğlu Steve'in hiperaktivite ve dikkat bozukluğu hastalığı nedeniyle çok zor zamanlar geçirmeye başlar. Kocasını kaybetmesinin ardından oğlu Steve'i rehabilitasyon merkezine götürür. Ancak Steve burada yangın çıkarmak ya da başka bir hastayı yaralamaya kadar varan şiddet olaylarına başvurunca merkezle ilişiği kesilir. Görevliler Diane'e iki seçenek sunmuştur. Oğluna ya kendisi bakacak ya da ıslahevine gönderecektir. İkinci seçenek Diane için imkansızdır ve bu nedenle çocuğuna tek başına bakması gerekecektir...
Neden izliyorsunuz?: Mommy'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Mommy (2014), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Xavier Dolan, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.2'te Mommy, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Mommy herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. 2010s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Mommy bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 2010s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 2010s filmi.
Mommy'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Xavier Dolan, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Mommy karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Mommy'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Mommy'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Mommy'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Mommy'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Xavier Dolan'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Anne Dorval'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Mommy, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Mommy, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Xavier Dolan'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Mommy'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Duyguların Rengi
1960'lı yılların Mississippi eyaletinde geçen filmde Eugenie “Skeeter” Phelan, iyi bir eğitim alarak mezun olmuş bir genç kızdır ve diğer yaşıtı kız arkadaşları gibi evlenip, çocuk yapmak yerine kendine meslek edinmek ister. Bir yazar olmak isteyen Skeeter, annesinin “evlenip yuva kurması” gibi beklentilerini de boşa çıkartarak yerel bir gazetede küçük bir köşe sahibi olur. Ev işlerinde püf noktalarını yazdığı bu minik köşe için en yakın arkadaşının siyahi hizmetçisi Aibileen Clark'tan yardım ister ve böylece kendisini sıradışı bir projeye başlarken bulur. Bu gizli projede dokunaklı hikayeler yazmaya başlayınca ona bu ilhamı veren hizmetçi Aibileen ve arkadaşı Minny'nin anlattığı gerçek hikayelerinden çok etkilenir ve bu siyahi hizmetçilerin yaşadığı insanlık dışı muameleyi ortadan kaldırmayı kafasına koyar.
Neden izliyorsunuz?: Duyguların Rengi, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2011'te, Tate Taylor, Duyguların Rengi'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Duyguların Rengi'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.2'teki Duyguların Rengi, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Tate Taylor, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. 2010s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Duyguların Rengi hayatta kaldı çünkü Tate Taylor trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 8.2 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Duyguların Rengi'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Tate Taylor, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Duyguların Rengi'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Emma Stone, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Duyguların Rengi, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Tate Taylor, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Duyguların Rengi'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.2 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Emma Stone - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Duyguların Rengi bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Tate Taylor, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.2 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Tate Taylor'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Duyguların Rengi'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Harika filmler kendi kategorilerinin ötesine geçer. Zanaat olağanüstü olduğu için çalışıyorlar.
Zindan Adası
Amerikan Marşal'ı Teddy Daniels, (DiCaprio) Shutter Island’daki cani delilerin bulunduğu akıl hastanesine geldiğinde, rutin bir soruşturma şeytani bir nitelik kazanır. Soruşturma ilerledikçe, Teddy adaya dair çok daha şaşırtıcı ve çok daha korkutucu gerçeklerle karşılaşır ve bazı yerlerin insanın peşini hiç bırakmadığını öğrenir.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Zindan Adası, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Zindan Adası, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Martin Scorsese gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.2 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Zindan Adası, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen filmi bilgi asimetrisi etrafında inşa ediyor: Seyirci karakterlerden daha fazlasını veya daha azını biliyor ve filmler her iki durumu da hassasiyetle yönetiyor. Oyuncu kadrosu gerilimi yoğunluktan ziyade kısıtlama yoluyla iletiyor. Zindan Adası, 2010s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 2010s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, Martin Scorsese'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Zindan Adası'teki görsel yaklaşım, Martin Scorsese'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Zindan Adası'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Leonardo DiCaprio, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Zindan Adası'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Zindan Adası, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.2 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Zindan Adası'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Martin Scorsese ve Leonardo DiCaprio işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Zindan Adası'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Martin Scorsese filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.2 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Zindan Adası tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Coco
Miguel, ailesinin nesiller boyu süren yasağına rağmen idolü Ernesto de la Cruz gibi başarılı bir müzisyen olmanın hayalini kuruyordur. Çaresizce yeteneğini kanıtlamaya çalışan Miguel, kendini etkileyici ve renkli Ölüler Şehri'nde bir dizi gizemli olay zincirini takip ederken bulur. Bu sırada çekici bir oyunbaz olan Hector'la tanışır ve birlikte Miguel'in aile geçmişindeki asıl hikâyeyi ortaya çıkartacak olağanüstü bir yolculuğa çıkarlar.
Neden izliyorsunuz?: Coco bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2017'te üretilen Coco, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.2 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Coco için 8.2 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Coco'in yaptığı da tam olarak bu. Lee Unkrich bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmi animasyon olarak farklı kılan, yönetmenin formun tasarım yoluyla içselliği aktarabileceğini anlamasıdır. Hareket, renk ve kompozisyon karakterin diyalogdan önce veya diyalog yerine ne hissettiğini iletir. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Coco daha küçük bir kategoriye ait; 2010s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Coco'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Lee Unkrich, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Anthony Gonzalez, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Coco'te en çok görülür.
Coco'i ilk kez izleyen izleyiciler, Lee Unkrich'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Coco'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Anthony Gonzalez, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2017 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Lee Unkrich'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Coco, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Lee Unkrich'in Coco'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Zincirsiz
Amerikan İç Savaşı’ndan iki yıl önce geçen hikâye, eski bir köle olan Django’nun Alman ödül avcısı Dr. King Schultz ile yollarının kesişmesini konu alıyor. Schultz, Django’nun yardımı karşılığında ona özgürlüğünü kazandırır ve zorlu bir görevde iş birliği yaparlar. Django’nun üstün avcılık yetenekleri, onları son hedeflerine götürür: Django’nun karısı Broomhilda’yı köle tüccarlarının elinden kurtarmak.
Neden izliyorsunuz?: Zincirsiz'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Zincirsiz (2012), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Quentin Tarantino, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.2'teki Zincirsiz, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Zincirsiz için 2010s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Quentin Tarantino'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Zincirsiz'teki performanslar, Quentin Tarantino'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Jamie Foxx, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Zincirsiz'te en zor anlar, Jamie Foxx'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Zincirsiz, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Quentin Tarantino kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.2 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Zincirsiz ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Zincirsiz'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Zincirsiz, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Jamie Foxx'in performansının ve Quentin Tarantino'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Savaş Vadisi
Amerika Birleşik Devletleri'nin 2. Dünya Savaşı'na girmesinin ardından Desmond T. Doss da birçok Amerikalı gibi orduya katılmaya gönüllü olur. Ancak dindar bir Hristiyan ve bir pasifist olan Doss, savaşta insan öldürmeyi ve herhangi bir şekilde silah kullanmayı reddetmektedir, onun yerine savaş alanında yaralıları kurtararak hizmet etmek istemektedir. Bu tavrı hem komutanları hem de asker arkadaşları arasında ilk başta çok sert tepkiyle karşılanır, askeri mahkemeye bile çıkar. Ancak Doss, son derece sert bir eğitimden geçip kendi hayatı pahasına silahsız bir şekilde savaş alanına gitmeyi çoktan göze almıştır.
Neden izliyorsunuz?: Savaş Vadisi, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2016'te, Mel Gibson, Savaş Vadisi'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Savaş Vadisi'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.2 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Savaş Vadisi'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Savaş Vadisi bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Bugün hala 8.2 olarak derecelendirilen 2010s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Savaş Vadisi bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Savaş Vadisi'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Mel Gibson, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Savaş Vadisi karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Savaş Vadisi'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Savaş Vadisi, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.2 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Savaş Vadisi'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Mel Gibson ve Andrew Garfield işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Savaş Vadisi'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.2 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Savaş Vadisi'e yüksek puan verme kararları, Mel Gibson'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Savaş Vadisi genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Hizmetçi
1930'larda geçen hikayede kendisini Kont olarak tanıtan bir dolandırıcı, gizemli ve saf görünen Japon varis Leydi Hideko'nun zenginliğini ele geçirmek için onu kendisine aşık etmeyi planlar. Sook-hee'yi ise ona yardım etmesi için Leydi'ye hizmetçi olarak kiralar. Ancak bu hizmetçinin her şeyden habersiz hanımefendisine delicesine aşık olması işleri karıştıracaktır.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Hizmetçi, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Hizmetçi, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Park Chan-wook gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. 8.2 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Hizmetçi de bir istisna değildir. Yönetmen filmi bilgi asimetrisi etrafında inşa ediyor: Seyirci karakterlerden daha fazlasını veya daha azını biliyor ve filmler her iki durumu da hassasiyetle yönetiyor. Oyuncu kadrosu gerilimi yoğunluktan ziyade kısıtlama yoluyla iletiyor. Genel olarak 2010s sineması bağlamında, Hizmetçi, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 2010s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Hizmetçi'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Park Chan-wook, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Hizmetçi'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Kim Min-hee, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Hizmetçi'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Hizmetçi'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Hizmetçi'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Park Chan-wook'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Kim Min-hee'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Hizmetçi, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Hizmetçi, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Park Chan-wook'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Hizmetçi'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Enzo: Yağmurda Yarış Sanatı
İnsana yakın bir ruha ve filozof bir zihne sahip olan Enzo adındaki köpek, hayatını bir yarış arabası sürücüsü olan sahibi Denny’den öğrendiği dersler üzerinden değerlendirir.
Neden izliyorsunuz?: Enzo: Yağmurda Yarış Sanatı bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2019'te üretilen Enzo: Yağmurda Yarış Sanatı, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.2 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Enzo: Yağmurda Yarış Sanatı'in 8.2 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Simon Curtis, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. 2010s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Enzo: Yağmurda Yarış Sanatı kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Enzo: Yağmurda Yarış Sanatı'teki görsel yaklaşım, Simon Curtis'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Enzo: Yağmurda Yarış Sanatı'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Kevin Costner, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Enzo: Yağmurda Yarış Sanatı'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Enzo: Yağmurda Yarış Sanatı, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Simon Curtis, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Enzo: Yağmurda Yarış Sanatı'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.2 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Kevin Costner - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Enzo: Yağmurda Yarış Sanatı bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Simon Curtis, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.2 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Simon Curtis'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Enzo: Yağmurda Yarış Sanatı'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Piper
Yeni doğmuş bir canlının hayatla mücadele etmesi ve hayata dair her şeyi öğrenmesi için çabalayan bir annenin ve bir yavruyu konu almaktadır.
Neden izliyorsunuz?: Piper'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Piper (2016), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Alan Barillaro, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.1'te Piper, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Piper herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Yönetmen filme, animasyonun gerektirdiği türden bilinçli bir zanaatla yatırım yapıyor. Her kare hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair niyeti yansıtıyor; bu da filmin sadece anlatıdan ziyade bireysel anlar düzeyinde çalıştığı anlamına geliyor. 2010s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Piper bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 2010s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 2010s filmi.
Piper'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Alan Barillaro, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. the lead, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Piper'te en çok görülür.
Piper, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Piper'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Alan Barillaro ve the lead performance işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Piper'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Alan Barillaro filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.1 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Piper tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Kefernahum
Film, Zain'in sıradan bir küçük çocuktan, kendisini istismar eden ailesine baş kaldırıp kaçan, zekası ve pratikliği ile sokaklardaki yaşam savaşından galip çıkan ve kendisine yapılan haksızlığın karşısında dimdik duran, 12 yaşındaki genç bir delikanlıya dönüşümünü gözler önüne seriyor. Bu süreçte Zain hayat mücadelesi veriyor, Etiyopyalı mülteci Rahil ve onun bebeği Yonas'a göz kulak oluyor, şiddet suçundan hapse giriyor ve en sonunda mahkemede adalet arıyor.
Neden izliyorsunuz?: Kefernahum, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2018'te, Nadine Labaki, Kefernahum'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Kefernahum'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.1'teki Kefernahum, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Nadine Labaki, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. 2010s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Kefernahum hayatta kaldı çünkü Nadine Labaki trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 8.1 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Kefernahum'teki performanslar, Nadine Labaki'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Zain Al Rafeea, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Kefernahum'te en zor anlar, Zain Al Rafeea'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Kefernahum'i ilk kez izleyen izleyiciler, Nadine Labaki'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Kefernahum'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Zain Al Rafeea, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2018 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Nadine Labaki'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Kefernahum, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Nadine Labaki'in Kefernahum'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
My Hero Academia: Heroes Rising
Profesyonel süper kahraman olmak isteyen bir grup genç, özel yeteneklerle donatılmış insanların yer aldığı bir dünyada zorlu mücadelele girişir. Bu zamana kadar birçok kişi ile savaşak zorunda kalan ekibin karşısında bu sefer zorlu biri vardır. En güçlü kötü adan Nine ile karşı karşıya olan gençler, onu yenebilmek için bu zamana kadar savaştıkları ile aynı tarafta yer almak zorunda kalır.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. My Hero Academia: Heroes Rising, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
My Hero Academia: Heroes Rising, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Kenji Nagasaki gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.1 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. My Hero Academia: Heroes Rising, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen aksiyon sinemasının temel sorununu çözüyor: Aksiyonu size göstermeden önce sonucu önemsemenizi sağlıyor. Sıralamalar işe yarıyor çünkü coğrafi netlik, kimin nerede olduğunu ve başarının neleri gerektirdiğini her zaman bilmeniz anlamına geliyor. My Hero Academia: Heroes Rising, 2010s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 2010s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, Kenji Nagasaki'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
My Hero Academia: Heroes Rising'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Kenji Nagasaki, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. My Hero Academia: Heroes Rising karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, My Hero Academia: Heroes Rising'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
My Hero Academia: Heroes Rising, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Kenji Nagasaki kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.1 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü My Hero Academia: Heroes Rising ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. My Hero Academia: Heroes Rising'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki My Hero Academia: Heroes Rising, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Daiki Yamashita'in performansının ve Kenji Nagasaki'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Joker
Joker, başarısız bir komedyen olan Arthur Fleck'in hayatına odaklanıyor. Toplum tarafından dışlanan bir adam olan Arthur, hayatta yapayalnızdır. Sürekli bir bağ kurma arayışında olan Arthur, yaşamını taktığı iki maske ile geçirir. Gündüzleri, geçimini sağlamak için palyaço maskesini yüzüne takan Arthur, geceleri ise asla üzerinden silip atamayacağı bir maske takar. Babasız büyüyen Arthur’u en yakın arkadaşı olan annesi Happy adıyla çağırır. Bu lakap, Arthur’un içindeki acıyı gizlemesine yardımcı olur. Ancak maruz kaldığı zorbalıklar, onun gitgide toluma aykırı bir adam haline gelmesine neden olur. Yavaş yavaş psikolojik olarak tekinsiz sulara yelken açılan Arthur, bir süre sonra kendisini Gotham Şehri’nde suç ve kaosun içinde bulur. Arthur, zamanla kendi kimliğinden uzaklaşıp Joker karakterine bürünür.
Neden izliyorsunuz?: Joker bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2019'te üretilen Joker, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.1 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Joker için 8.1 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Joker'in yaptığı da tam olarak bu. Todd Phillips bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Joker daha küçük bir kategoriye ait; 2010s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Joker'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Todd Phillips, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Joker'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Joaquin Phoenix, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Joker, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Joker'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Todd Phillips ve Joaquin Phoenix işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Joker'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.1 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Joker'e yüksek puan verme kararları, Todd Phillips'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Joker genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
En iyi sinema dikkatinizi ödüllendirir. Buradaki her filmler ihtiyaç duyduğu zamanı kazandı.
Togo
Alaska'da bir kasaba olan Nome'da ölümcül bir salgın başlar. Salgının tek çaresi 600 milden daha uzak olan bir yerdedir. Kasaba halkı, köpek ve kurt eğitmeni Leonhard Seppala'dan serumu getirmesi için yardım ister. Seppala, cılız görünümlü ve yaşlı bir Sibirya kurdu olan Togo'yu liderlik etmesi için yanında götürür. Seppala'nın eşi Constance, Togo'yu yavru olduğu dönemden beri tanıyordur ve onun her koşulda cesaret ve sadakat gösterebileceğini biliyordur. Seppala ve Togo yoldayken korkunç bir fırtınayla karşı karşıya kalırlar. -70 dereceye varan soğukta Togo ve Seppala büyük bir yaşam mücadelesi verecektir.
Neden izliyorsunuz?: Togo'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Togo (2019), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Ericson Core, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.1'teki Togo, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, yönetmenin çekimler başlamadan önce tamamıyla anlaşılan materyalle çalıştığını gösteriyor. Ekranda görünen seçimler, üretim sırasındaki keşiften ziyade bu anlayışı yansıtıyor. Togo için 2010s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Ericson Core'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Togo'teki görsel yaklaşım, Ericson Core'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Togo'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Willem Dafoe, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Togo'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Togo'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Togo'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Togo'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Ericson Core'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Willem Dafoe'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Togo, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Togo, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Ericson Core'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Togo'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Senna
3 sene Formula 1 yarışlarında şampiyonluk ipini göğüsleyen Brezilyalı efsanevi yarışçı Ayrton Senna’nın hayat hikayesini anlatan belgesel türündeki film, ünlü yarışçının 1980’li yıllarda başladığı F1 kariyerini ve bu acımasız arenada yaşadıklarını beyazperdeye taşıyor. En büyük rakibi olarak görülen Fransa Dünya Şampiyonu Alain Prost ile aralarında geçen mücadele, spordan siyasete uzanan bir güçler dengesini de beraberinde getirmiştir. Senna, kişisel dünyasında ise vatanı Brezilya’ya sonuna kadar bağlı ama ününün getirdiği şöhretten uzak, mütevazi bir hayat sürdürür. Fakat 1994 yılında ölümüyle sonuçlanan trajik kaza, Senna’nın hayranlarını, F1 tutkunlarını ve tüm sporseverleri derinden bir yasa boğmuştur. 34 yaşında hayatını kaybeden bu F1 pilotu tüm zamanların en iyi yarış pilotu olarak adını altın harflerle spor tarihine yazdırmıştır.
Neden izliyorsunuz?: Senna, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2010'te, Asif Kapadia, Senna'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Senna'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.1 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Senna'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Senna bundan faydalanıyor. Film, belgeselin kurguyla aynı zanaatı gerektirdiğini gösteriyor: kompozisyon, ritim, duygusal gidişat. Yönetmen argümanı görsel dil ve yapı üzerinden kurguluyor; bu da filmin izleyiciden ziyade izleyici üzerinde etki yarattığı anlamına geliyor. Bugün hala 8.1 olarak derecelendirilen 2010s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Senna bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Senna'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Asif Kapadia, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Ayrton Senna, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Senna'te en çok görülür.
Senna, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Senna'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Asif Kapadia ve Ayrton Senna işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Senna bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Asif Kapadia, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.1 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Asif Kapadia'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Senna'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Mucize
R.J. Palacio'nun romanından senaryolaştırılan filmde, Auggie Pullman yaşıtı diğer çocuklardan biraz farklıdır. Çünkü yüzünde ciddi bir deformasyon vardır. Auggie diğer çocuklarla sıradan bir okula giderek, sıradan bir çocuk olduğunu annesi Isabel ve babası Nate'in yardımıyla kanıtlamaya çalışır. Çünkü esas güzellik derinin altında, içeride saklıdır.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Mucize, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Mucize, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Stephen Chbosky gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. 8.1 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Mucize de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Genel olarak 2010s sineması bağlamında, Mucize, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 2010s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Mucize'teki performanslar, Stephen Chbosky'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Jacob Tremblay, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Mucize'te en zor anlar, Jacob Tremblay'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Mucize, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Mucize'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Stephen Chbosky ve Jacob Tremblay işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Mucize'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Stephen Chbosky filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.1 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Mucize tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Tutsak
Çocuğunuzu korumak için neler yaparsınız? Keller Dover her anne babanın en kötü kabusuyla karşı karşıya. Altı yaşındaki kızı Anna arkadaşı Joy ile kaybolmuştur. Saatler geçtikçe panik gittikçe artar. Tek ipucu sokaklarına çok önce park etmiş döküntü bir karavandır. Soruşturmayı yöneten Detektif Loki arabanın sürücüsü Alex Jones'u tutuklar fakat kanıt yetersizliği nedeniyle şüpheliyi salmak zorunda kalır. Çocuğunun hayatının tehlikede olduğunu bilen çıldırmış Dover durumu kendi ellerine almaktan başka bir seçeneği olmadığını fark eder. Çaresiz baba kızları bulmak için her şeyi yapacaktır. Ancak bunları yaparken kendini kaybedebilir ve şu soruyla boğuşabilir: Adaleti aramakla suçlu olmak arasındaki sınırı ne zaman geçersin?
Neden izliyorsunuz?: Tutsak bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2013'te üretilen Tutsak, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.1 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Tutsak'in 8.1 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Denis Villeneuve, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Filmin bir gerilim filmi olmasını sağlayan şey, risklerin yatırım gerektirdiğinin anlaşılmasıdır. İlk perde, baskı gelmeden önce karakteri oluşturur. Gerginlik arttığında, sonucu önemsemek için nedenleriniz olur. 2010s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Tutsak kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Tutsak'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Denis Villeneuve, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Tutsak karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Tutsak'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Tutsak'i ilk kez izleyen izleyiciler, Denis Villeneuve'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Tutsak'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Hugh Jackman, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2013 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Denis Villeneuve'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Tutsak, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Denis Villeneuve'in Tutsak'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
İçimdeki Yangın
Aile dostları olan bir avukatın çağrısı üzerine annelerinin ölümünün ardından kendilerine yazılmış bir mektupla karşılaşan ikiz kardeşler Jeanne ve Simon, ölen annelerinin son arzusunu yerine getirmek amacıyla Lübnan'a doğru yola çıkarlar. Simon, ilk başta isteksiz davransa da bir süre sonra o da kardeşi Jeanne'e katılır. Aradan geçen yıllar, ailenin tarihini karmaşık bir hale getirmişse de çocuklar bu serüvenin izlerini sürmeye kararlıdırlar. Fakat gün geçtikçe daha fazla deştikleri geçmiş, kardeşleri yürek burkan gerçeklerle yüz yüze getirecektir.
Neden izliyorsunuz?: İçimdeki Yangın'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
İçimdeki Yangın (2010), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Denis Villeneuve, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.1'te İçimdeki Yangın, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; İçimdeki Yangın herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. 2010s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. İçimdeki Yangın bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 2010s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 2010s filmi.
İçimdeki Yangın'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Denis Villeneuve, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. İçimdeki Yangın'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Lubna Azabal, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
İçimdeki Yangın, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Denis Villeneuve kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.1 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü İçimdeki Yangın ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. İçimdeki Yangın'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki İçimdeki Yangın, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Lubna Azabal'in performansının ve Denis Villeneuve'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Prenses Kaguya Masalı
Bambu satarak geçimini sağlayan yaşlı bir adam bir gün, bir bambunun içinde parmak kadar bir kız bulur. Bu kız bir bambu kadar hızlı büyümektedir ve orman yaşlı adama bu kız için altınlar, hediyeler sunar. Yaşlı adam küçük kızın bir prenses olduğuna karar verir ve onun için bir malikane yaptırarak prensesliği öğretmeye çalışır. Küçük kıza Kaguya adı verilir. Kaguya büyüdüğünde saygın ailelerden beş genç ona evlenme teklifi eder. Kaguya onlardan, kendisi için hatırlanmaya değer birer evlilik hediyesi bulmalarını ister, ancak bu beş erkek de Kaguya'nın istediğini veremez. Derken bu kez, Japon İmparatoru Kaguya’ya evlenme teklifinde bulunur. Oysa Kaguya’nın istediği prenses olmak değil, köydeki biricik aşkı Sutemaru’ya kavuşabilmektir.
Neden izliyorsunuz?: Prenses Kaguya Masalı, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2013'te, Isao Takahata, Prenses Kaguya Masalı'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Prenses Kaguya Masalı'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.1'teki Prenses Kaguya Masalı, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Isao Takahata, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. 2010s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Prenses Kaguya Masalı hayatta kaldı çünkü Isao Takahata trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 8.1 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Prenses Kaguya Masalı'teki görsel yaklaşım, Isao Takahata'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Prenses Kaguya Masalı'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Aki Asakura, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Prenses Kaguya Masalı'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Prenses Kaguya Masalı, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Prenses Kaguya Masalı'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Isao Takahata ve Aki Asakura işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Prenses Kaguya Masalı'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.1 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Prenses Kaguya Masalı'e yüksek puan verme kararları, Isao Takahata'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Prenses Kaguya Masalı genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Alev Almış Bir Genç Kızın Portresi
Film 18. yüzyılda, bir ressamın modeliyle aşkını anlatıyor. Ressam Marianne’a, manastırdan henüz çıkan ve evlenmek üzere olan genç Héloïse’in portresi sipariş edilir. Ancak Marianne, bu portreyi Héloïse’dan habersiz çizmelidir. Bu kısıtlamanın önüne geçmek için Marianne, gönülsüz gelin adayı Héloïse’ı önce gözlemler sonra da onunla yakınlaşır.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Alev Almış Bir Genç Kızın Portresi, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Alev Almış Bir Genç Kızın Portresi, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Céline Sciamma gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.1 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Alev Almış Bir Genç Kızın Portresi, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Alev Almış Bir Genç Kızın Portresi, 2010s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 2010s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, Céline Sciamma'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Alev Almış Bir Genç Kızın Portresi'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Céline Sciamma, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Noémie Merlant, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Alev Almış Bir Genç Kızın Portresi'te en çok görülür.
Alev Almış Bir Genç Kızın Portresi'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Alev Almış Bir Genç Kızın Portresi'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Alev Almış Bir Genç Kızın Portresi'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Céline Sciamma'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Noémie Merlant'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Alev Almış Bir Genç Kızın Portresi, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Alev Almış Bir Genç Kızın Portresi, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Céline Sciamma'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Alev Almış Bir Genç Kızın Portresi'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Onur Savaşı
40 yaşındaki Lucas, geçirdiği zor boşanma döneminin ardından hayatını yeniden düzene koyabilmenin peşindedir. Kreşte çalışan Lucas, aşkı yeniden bulurken bir yandan da ergenlik çağındaki oğluyla arasındaki sorunlu ilişkiyi onarmaya çalışmaktadır. Artık her şey yoluna girmek üzereyken sadece öylesine söylenmiş küçük bir yalan, içinde yaşadığı kasabaya bir virüs gibi yayılır ve Lucas kendini hayatı ve saygınlığı için savaşırken bulur.
Neden izliyorsunuz?: Onur Savaşı bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2012'te üretilen Onur Savaşı, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.1 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Onur Savaşı için 8.1 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Onur Savaşı'in yaptığı da tam olarak bu. Thomas Vinterberg bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Onur Savaşı daha küçük bir kategoriye ait; 2010s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Onur Savaşı'teki performanslar, Thomas Vinterberg'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Mads Mikkelsen, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Onur Savaşı'te en zor anlar, Mads Mikkelsen'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Onur Savaşı, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Thomas Vinterberg, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Onur Savaşı'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.1 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Mads Mikkelsen - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Onur Savaşı bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Thomas Vinterberg, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.1 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Thomas Vinterberg'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Onur Savaşı'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Beni Adınla Çağır
1983 yılı yazı sırasında 17 yaşındaki Amerikalı-İtalyan Elio Perlman günlerini ailesinin İtalya'nın kuzeyindeki 17. yüzyıldan kalma villasında klasik müzik yaparak, okuyarak ve arkadaşı Marzia ile flört ederek geçirmektedir. Elio, Greko-Roma kültüründe uzmanlaşmış seçkin bir profesör olan babası ve onu elit kesim meyveleriyle, doğal lezzetlerle şımartan, çevirmen olan annesi Annella ile bir arada olmaktan ziyadesiyle memnundur. Elio'nun olgunluğu ve entelektüel birikimi, onu tam teşekküllü bir yetişkin gibi gösteriyor olsa da özellikle kalpteki konularda onun hakkında hala masum ve biçimlenmemiş olan çok şey vardır. Bir gün, doktorasını sürdüren büyüleyici bir Amerikalı bilim adamı olan Oliver Elio'nun babasına yardım etmek göreviyle yıllık yaz stajyeri olarak villaya gelir. Güneşin ışıltılarının arasında Elio ve Oliver hayatlarını sonsuza dek değiştirecek bir yaz boyunca yeşermekte olan arzunun güzelliğini keşfedeceklerdir.
Neden izliyorsunuz?: Beni Adınla Çağır'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Beni Adınla Çağır (2017), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Luca Guadagnino, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.1'teki Beni Adınla Çağır, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Beni Adınla Çağır için 2010s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Luca Guadagnino'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Beni Adınla Çağır'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Luca Guadagnino, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Beni Adınla Çağır karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Beni Adınla Çağır'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Beni Adınla Çağır, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Beni Adınla Çağır'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Luca Guadagnino ve Armie Hammer işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Beni Adınla Çağır'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Luca Guadagnino filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.1 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Beni Adınla Çağır tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Sessiz Kalma
Aşırı yoksul bir bölgede büyüyen 16 yaşındaki Starr artık banliyödeki özel bir hazırlık okuluna gitmektedir. Bir gün en yakın arkadaşı Khalil (Algee Smith) suçsuz yere bir polis cinayetine kurban gider. Toplumun her kesiminden baskı görmeye başlayan Starr, kendi sesine kulak vermeli ve doğru olduğunu düşündüğü şeyi savunmalıdır.
Neden izliyorsunuz?: Sessiz Kalma, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2018'te, George Tillman Jr., Sessiz Kalma'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Sessiz Kalma'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.1 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da Sessiz Kalma'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. Sessiz Kalma bundan faydalanıyor. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. Bugün hala 8.1 olarak derecelendirilen 2010s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. Sessiz Kalma bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
Sessiz Kalma'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. George Tillman Jr., ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Sessiz Kalma'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Amandla Stenberg, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Sessiz Kalma'i ilk kez izleyen izleyiciler, George Tillman Jr.'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Sessiz Kalma'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Amandla Stenberg, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2018 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey George Tillman Jr.'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Sessiz Kalma, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. George Tillman Jr.'in Sessiz Kalma'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Harika filmler izlemek dünyaya bakışınızı değiştirir. Bu yüzden onları dikkatle seçiyoruz.
Görünmeyen Misafir
Adrian Doria kariyerinde hızla yükselen bir iş adamıdır. Evli bir adam olan Adrian, fotoğrafçı olan sevgilisi Laura’yı öldürmekle suçlanmaktadır. Adrian, kendisine güvenilir bir savunma yaratmak için tanık hazırlama ve adli bildirimlerde uzman deneyimli bir avukat olan Virginia Goodman ile tanışır. Adrian, Virgina’ya yaşanan olayları en başından anlatmaya başlar. Fakat Virginia hikayede bazı tutarsızlıklar fark eder ve onu hikayesinin karanlık noktalarını açığa çıkarması için zorlar.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Görünmeyen Misafir, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Görünmeyen Misafir, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Oriol Paulo gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. 8.1 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Görünmeyen Misafir de bir istisna değildir. Yönetmen filmi bilgi asimetrisi etrafında inşa ediyor: Seyirci karakterlerden daha fazlasını veya daha azını biliyor ve filmler her iki durumu da hassasiyetle yönetiyor. Oyuncu kadrosu gerilimi yoğunluktan ziyade kısıtlama yoluyla iletiyor. Genel olarak 2010s sineması bağlamında, Görünmeyen Misafir, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 2010s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Görünmeyen Misafir'teki görsel yaklaşım, Oriol Paulo'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Görünmeyen Misafir'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Mario Casas, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Görünmeyen Misafir'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Görünmeyen Misafir, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Oriol Paulo kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.1 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Görünmeyen Misafir ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Görünmeyen Misafir'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Görünmeyen Misafir, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Mario Casas'in performansının ve Oriol Paulo'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2
Lord Voldemort'un ruhunun parçalarının bir kısmını bulup yok eden Harry, Ron ve Hermione, Dumbledore'un verdiği görevi tamamlamak için arayışlarını sürdürürlerken Ölüm Yiyenler'le bir ölüm kalım savaşına çıkacaklardır. Voldemort artık iyice güçlenmiş olsa da, hem Lord'dan kaçmak hem de Ölüm Yiyenler'i etkisiz hale getirip Hortkuluklar'ı da yok etmek zorunda kalacak ekip, Ölüm Yadigârları'nın sırrına erişmek için ellerinden geleni yapacaklardır.Serinin en görkemli savaşı başlamaktadır, artık hiçbir şey ve hiçbir yer güvenli değildir. Sona yaklaşılmıştır. İki tarafın da tüm güçlerini ortaya serecekleri bu savaşta Harry Potter da geçmişiyle ilgili pek çok şeyi öğreneceği kadar, en büyük fedakarlığı da yapmak zorundadır.
Neden izliyorsunuz?: Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2 bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2011'te üretilen Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.1 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2'in 8.1 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. David Yates, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Filmin bir fantezi gibi çalışmasını sağlayan şey, yönetmenin dünya inşa etmenin özgüllük gerektirdiğini anlamasıydı. Jenerik fantastik öğeler yerini, dünyayı kendi mantığı içerisinde yaşanmış ve gerçek hissettiren benzersiz ayrıntılara bırakıyor. 2010s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2 kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. David Yates, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Daniel Radcliffe, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2'te en çok görülür.
Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. David Yates ve Daniel Radcliffe işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.1 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2'e yüksek puan verme kararları, David Yates'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. Harry Potter ve Ölüm Yadigârları: Bölüm 2 genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Kill Bill: Mevzunun Tamamı
Quentin Tarantino imzalı Kill Bill: The Whole Bloody Affair; Vol. 1 ve Vol. 2'yi tek parça, sansürsüz bir destan olarak bir araya getiriyor. Yönetmenin tam da hayal ettiği vizyonla sunulan bu kurgu, daha önce hiç gün yüzüne çıkmamış yepyeni bir anime sekansını da içeriyor. Uma Thurman; eski patronu ve aşığı Bill'in düğün provasını kana bulayıp onu başından vurarak karnındaki bebeği çaldığı "Gelin" rolüyle geri dönüyor. Ölüme terk edilen Gelin, nihai intikamını almak için Bill ile yüzleşmeden evvel, Ölümcül Engerek Suikast Çetesi'nin hayatta kalan dört üyesini tek tek avlamak zorundadır. Görkemli anlatımı, amansız aksiyonu ve ikonik stiliyle The Whole Bloody Affair, sinema tarihinin en belirleyici intikam efsanelerinden biri olarak duruyor. Bugüne dek nadiren bütün halinde gösterilen bu başyapıt, şimdi orijinal sinema deneyimine sadık kalınarak klasik bir ara ile sunuluyor.
Neden izliyorsunuz?: Kill Bill: Mevzunun Tamamı'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Kill Bill: Mevzunun Tamamı (2011), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Quentin Tarantino, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.1'te Kill Bill: Mevzunun Tamamı, kalitenin tutarlı olduğu bir aralıkta yer alıyor ancak filmler, daha yüksek puan alan yapımlar arasında geniş bir fikir birliğine ulaşamadı. Bu daha dar fikir birliği genellikle belirli bir ilgiyi yansıtıyor; Kill Bill: Mevzunun Tamamı herkese göre olmasa da doğru izleyici için mükemmel. Yönetmen aksiyonu kamera gösterisinden ziyade insan ölçeğine göre çekiyor. Karakterler tutarlı bir alanı kaplar ve vücutları bu alanda okunabilir bir amaç doğrultusunda hareket eder. Sonuç, anlık adrenalin üretmek yerine etkiyi artıran bir eylemdir. 2010s, belirli kaygılar ve belirli estetik yaklaşımlar içeren özel bir kültürel andı. Kill Bill: Mevzunun Tamamı bu koşulları yansıtırken onları da aşıyor; takdir etmek için 2010s'i anlamanızı gerektirmeyen bir 2010s filmi.
Kill Bill: Mevzunun Tamamı'teki performanslar, Quentin Tarantino'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Uma Thurman, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. Kill Bill: Mevzunun Tamamı'te en zor anlar, Uma Thurman'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
Kill Bill: Mevzunun Tamamı'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Kill Bill: Mevzunun Tamamı'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Kill Bill: Mevzunun Tamamı'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Quentin Tarantino'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Uma Thurman'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Kill Bill: Mevzunun Tamamı, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Kill Bill: Mevzunun Tamamı, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Quentin Tarantino'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Kill Bill: Mevzunun Tamamı'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri
Film, kızı bir süre önce evlerine yakın bir yerde tecavüz edilerek katledilen Mildred Hayes’in öfkeli, saldırgan hallerini yansıtıyor. Kızının cinayet davasında bir suçlu bulunmadan aylar geçer ve Mildred bunun üzerine cesur bir hamle yapar. Karayoluna yakın bir yerden üç reklam panosu kiralar ve kentin saygıdeğer polis şefi William "Bill" Willoughby'ye yönelik meydan okuyan mesajlar karalar. Mildred bu işten vazgeçmesi için yapılan bütün baskı ve zulümlere göğüs gerer ve herkese tek başına meydan okur.
Neden izliyorsunuz?: Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2017'te, Martin McDonagh, Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.1'teki Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri, bu listenin güvenilir katmanını temsil eder. Bunlar hayal kırıklığına uğratmayan filmler. Martin McDonagh, filmin ne olması gerektiğini anladı ve ödün vermeden gerçekleştirdi. Bunu drama olarak ayıran şey, yönetmenin izleyicinin ne hissedebileceğini açıklamayı reddetmesidir. Film, duygusal ağırlığı olan durumlar yaratıyor ve izleyicilerin bu ağırlığı kendilerinin taşıyacağına güveniyor. Performanslar aşırı sinyal vermeden duygusal kayıt sağlıyor. 2010s'teki filmleri birbirlerine göre sıralamak, kısmen hayatta kalanları belirlemeye yönelik bir alıştırmadır. Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri hayatta kaldı çünkü Martin McDonagh trend yerine zanaata dayalı seçimler yaptı. 8.1 derecelendirmesi, bu seçenekleri hâlâ geçerli bulan kitleyi yansıtıyor.
Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Martin McDonagh, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Martin McDonagh, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.1 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Frances McDormand - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Martin McDonagh, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.1 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Martin McDonagh'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Üç Billboard Ebbing Çıkışı, Missouri'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Dostumun Yolculuğu
Sevimli köpek Bailey, farklı bedenlerde birçok hayat yaşasa da eninde sonunda soluğu Ethan’ın yanında alır. Artık ailelerinin yeni bir üyesi vardır; CJ. Ethan’ın torunu olan CJ ile arasında güzel bir bağ kuran Bailey, CJ’in annesinin onu evden götürmesi ile hüsrana uğrar. CJ’in ne zaman kendisine ihtiyacı olsa soluğu yanında alan sevimli köpek, hayat değiştirmeye devam etse de CJ’in peşini bırakmaz.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Dostumun Yolculuğu, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Dostumun Yolculuğu, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Gail Mancuso gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. Büyük bir seçmen havuzundan alınan 8.1 puanı, filmin izleyicilerin bulduğu tüm zayıflıklardan daha ağır basan gerçek güçlü yönlere sahip olduğu anlamına geliyor. Dostumun Yolculuğu, herhangi bir filmin karşılaması gereken minimum standart olan ve vizyon sayısının önerdiğinden daha azının başardığı temel vaadini yerine getiriyor. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Dostumun Yolculuğu, 2010s sinemasının herhangi bir anlatımında yerini alıyor çünkü on yılda üretilen ve daha sonraki on yıllarda kaybedilen bir şeyi yakalıyor. 2010s filmler yapımının kültürel ve teknolojik koşulları, Gail Mancuso'in burada neler yapabileceğini şekillendirdi.
Dostumun Yolculuğu'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Gail Mancuso, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Dostumun Yolculuğu'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Marg Helgenberger, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Dostumun Yolculuğu, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.1 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. Dostumun Yolculuğu'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Gail Mancuso ve Marg Helgenberger işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
Dostumun Yolculuğu'in listenin bu bölümündeki konumu, herkes için her şey olmayı hedeflemeden, kendine özgü niteliklerini güvenilir bir şekilde sunan bir filmi yansıtıyor. Gail Mancuso filmin ne olduğunu anladı ve onu yüksek düzeyde ustalıkla yaptı. 8.1 derecelendirmesi, filmle bu şartlarda etkileşim kuran ve filmi yüksek düzeyde derecelendirmeye değer bulan izleyicileri temsil eder. Farklı beklentiler getiren izleyiciler, bazen filmi reytingin gösterdiğinden daha az tatmin edici buluyor; bu da filmde bir zayıflık değil, beklentide bir zayıflık. Dostumun Yolculuğu tam olarak olduğu gibi, beceriyle yapıldı ve onu derecelendiren seçmenler de buna yanıt verdi.
Gizli Sayılar
Gizli Sayılar, yıldızları hedefleyerek ülkenin temellerini değiştiren parlak bir kadın grubunun inanılmaz, anlatılmamış, ancak gerçek hikayesini ortaya çıkarıyor. Film, NASA'daki siyah kadın matematikçilerden oluşan seçkin bir takımın, Sovyetler Birliği'ndeki Amerikalı rakiplerine karşı uzay yarışını kazanmasına yardımcı oldukları ve aynı zamanda, eşit haklara ve fırsatlara ilerlemeye yönelik arayışların hayati tarihini anlatıyor.
Neden izliyorsunuz?: Gizli Sayılar bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2016'te üretilen Gizli Sayılar, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.0 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Gizli Sayılar için 8.0 puanı, alternatifleri olan ve bunu yüksek oranda derecelendirmeyi seçen izleyicilerden oluşturulmuştur. Bu seçim, durumunu açıkça ortaya koyan bir filmi yansıtıyor; Gizli Sayılar'in yaptığı da tam olarak bu. Theodore Melfi bu iddiayı dile getirdi ve izleyiciler de bunu kabul etti. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. Her on yılda bir, o dönemde gerekli gibi görünen ve silinip giden filmler üretilir. Gizli Sayılar daha küçük bir kategoriye ait; 2010s filmleri o döneme dair nostaljisi olmayan izleyiciler tarafından hala yüksek puan alıyor. Bu nesiller arası kalite gerçek bir testtir.
Gizli Sayılar'teki görsel yaklaşım, Theodore Melfi'in stil ve içeriğin aynı şey olduğu anlayışını yansıtıyor. Gizli Sayılar'in kamera yerleşimi, renk derecelendirmesi ve düzenleme ritmi dekoratif kararlar değildir. Hikayenin nasıl yaşanması gerektiğine dair tartışmalardır bunlar. Taraji P. Henson, bir kelime söylenmeden önce karakterin iletilmesini sağlayacak şekilde çekiliyor. Gizli Sayılar'i görsel dilbilgisine dikkat ederek ikinci kez izleyen izleyiciler, diyalog ve olay örgüsünden bağımsız olarak işleyen bir anlam katmanı bulacaklar.
Gizli Sayılar'i ilk kez izleyen izleyiciler, Theodore Melfi'in sahneler arasındaki geçişleri nasıl yaptığına özellikle dikkat etmelidir. Gizli Sayılar'teki kesmeler geleneksel değil; olay örgüsünün akışından ziyade karakter anlarına ulaşma eğilimindeler; bu da filmin kurgu ritmi ile duygusal ritminin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Bir sahne beklenenden daha erken veya daha geç bitecek gibi görünüyorsa, bu zamanlama bir seçimdir ve genellikle size karakterin o andaki durumu hakkında belirli bir şeyler anlatır. Taraji P. Henson, büyük olayların hemen ardından gelen sahnelerde en çok görülen fiziksel performansla bu ritim içinde çalışıyor; karakterin ilerlemek yerine sağlamlaştığı tepki çekimleri ve sessiz anlar. 2016 prodüksiyon bağlamı, bu seçimlerin çağdaş filmlerin post prodüksiyonda uyum sağlamasına olanak tanıyan dijital güvenlik ağları olmadan yapıldığı anlamına geliyor. Gördüğünüz şey Theodore Melfi'in amaçladığı şeydir.
Bunun gibi listelerde on bir ila yirmi beş arasında yer alan filmler genellikle en faydalı keşiflerdir çünkü kültürel ağırlık olmadan ilk on kalitesini taşırlar. Gizli Sayılar, yukarıdaki girdilerden çok daha kötü olduğu için değil, çekiciliği daha yoğun olduğu için bu konumdadır. Theodore Melfi'in Gizli Sayılar'te yaptıklarıyla bağlantı kuran izleyiciler, filmi bu listedeki herhangi bir filmler kadar yüksek derecelendiriyor. Daha geniş bir seçmen tabanının ortalaması onu buraya yerleştiriyor. Tür tercihi, yönetmenin ilgisi veya döneme bağlı olarak bu filmin kendileri için olduğunu düşünmek için belirli nedenleri olan izleyiciler, kendisinden daha üst sıralarda yer alan birkaç filmler yerine filmi önceliklendirmelidir.
Lion
Saroo Brierley’in kendi hayat hikayesini yazdığı “A Long Way Home” isimli kitabından uyarlanan filmde, 5 yaşında Hintli bir çocuk olan Saroo ağabeyinin geri dönmesini beklerken bir tren vagonunda uyuyakalır. O uyurken trenin yola çıkması sonucu küçük Saroo uyandığında kendini evinden kilometrelerce uzakta bulur. Artık kayıptır ve eve nasıl döneceğine dair bir fikri yoktur. Kendini Calcutta'da bulan Saroo büyük mücadelelerden sonra Avustralyalı bir çift tarafından evlat edinilir ve sevgiyle büyür. Ancak ailesini bulma isteği giderek bir saplantıya dönüşür. Elinde hiçbir şey olmadan ilerlemeye çalışan genç adamın içindeki çaresizlik zamanla hayatını da etkilemeye başlar.
Neden izliyorsunuz?: Lion'in arkasındaki rakamlara ulaşmak zor: binlerce bağımsız izleyici, koordinasyon olmadan onu yüksek oranda derecelendiriyor. Bu fikir birliği mevcut en güvenilir kalite sinyalidir.
Lion (2016), izleyicilerin prodüksiyon kalitesi konusunda daha bilgili hale geldiği bir dönemde yapıldı. Garth Davis, bu artan beklentileri karşılayan bir şey sundu. 8.0'teki Lion, zanaatın birçok boyutta sürekli olarak ortalamanın üzerinde olduğu bir filmler. Hiçbir unsur diğerlerini taşımaz. Yön, yazı ve performansın hepsi aynı yöne doğru gidiyor. Film, dramanın diğer türlerin yapamadığı şeyleri yapabileceğini gösteriyor: sıradan insan davranışını baskı altına almak ve tepki yoluyla karakteri ortaya çıkarmak. Yönetmen bu koşulları yaratıyor ve oyuncu kadrosu da bu koşulları gerçek bir inançla yaşıyor. Lion için 2010s bağlamı tesadüfi değildir. On yılın kendine özgü estetik koşulları (teknolojinin izin verdiği, kültürün gerektirdiği) Garth Davis'in burada yaptığı seçimleri şekillendirdi. Bu seçimler, bulundukları andan bağımsız olarak geçerlidir.
Lion'in senaryosu çoğu filmin başaramadığı bir şeyi gösteriyor: Her sahne aynı anda iki şeyi yapıyor. Yüzey eylemi olay örgüsünü ilerletir. Alt metin karakteri ilerletir. Garth Davis, izleyicinin söylenmeyeni de olduğu kadar net bir şekilde kaydetmesine güvenen materyallerle çalıştı. Dev Patel, filmin o noktasında bildiklerinize bağlı olarak farklı anlamlara gelen satırlar sunar. İlk kez izleyenler bir filmi deneyimler. Sonunu bilen izleyiciler başka bir deneyim yaşıyor. Bu yapısal gelişmişlik, karakterlerin sürekli olarak doğrudan söylemekten kaçındığı şeylere dikkat ettiğinizde Lion'te en çok görülür.
Lion, türünün tarihinde özel bir konumda yer alıyor: birlikte çalıştığı gelenekler yerleşmek yerine hâlâ gelişmekteyken yapılmıştı. Garth Davis kanıtlanmış bir formül uygulamıyor, etkinliği garanti edilemeyen bir şey inşa ediyordu. 8.0 derecelendirmesi, gerçek yaratıcı risk koşulları altında yapılan çalışmalara yanıt veren bir kitleyi yansıtıyor. Aynı alandaki çağdaş filmler neyin işe yaradığını bilme avantajına sahiptir çünkü Lion ve onun gibi filmler bunu göstermiştir. Lion'i bu bağlamda (kanıtlanmış geleneğin güvenlik ağı olmadan yapılan yaratıcı bir çalışma olarak) izlemek, izleme deneyimine, gelenekler oluşturulduktan sonra yapılan filmlerin izlenmesinde elde edilemeyecek bir boyut katıyor.
Listede bu konumdaki Lion, kültürel bir anıt haline gelmeden gerçek kaliteye ulaşmış ve sürekli beğeni kazanmış bir filmi temsil ediyor. Bu konumun avantajı, Dev Patel'in performansının ve Garth Davis'in zanaatının, önceki kapsamlı tartışmaların filtresinden geçmek yerine, yeni bir şekilde karşılaşılmaya hazır olmasıdır. Bu filmi izlenmeye değer kılan belirli şeyleri (yukarıdaki editoryal notlarda açıklanmaktadır) bir itibarın onaylanmasını beklemediğinizde görmek daha kolaydır. Bu listenin orta kısmındaki derecelendirme bir rütbe düşürme değildir. Belirli izleyici kitlesi için mükemmel olan bir filmin açıklamasıdır.
How to Train Your Dragon: Homecoming
It's been ten years since the dragons moved to the Hidden World, and even though Toothless doesn't live in New Berk anymore, Hiccup continues the holiday traditions he once shared with his best friend. But the Vikings of New Berk were beginning to forget about their friendship with dragons. Hiccup, Astrid, and Gobber know just what to do to keep the dragons in the villagers' hearts. And across the sea, the dragons have a plan of their own...
Neden izliyorsunuz?: How to Train Your Dragon: Homecoming, puanın sabit kalmasını sağlayacak kadar uzun süre derecelendirmesini korudu. Farklı izleyicilerden bu kadar yüksek puan alan filmler, yalnızca iyi olmaktan ziyade olağanüstüdür.
2019'te, Tim Johnson, How to Train Your Dragon: Homecoming'i yaptığında filmlerin ortalama prodüksiyon kalitesi hiç bu kadar yüksek olmamıştı. How to Train Your Dragon: Homecoming'i farklı kılan şey teknik cila değil, kasıtlılıktır; her sahne belirli bir şey yapar. 8.0 aralığındaki filmler genellikle listedeki konumlarının gösterdiğinden daha ilgi çekicidir. Daha yüksek puan alan oyunların kültürel doygunluğunu sağlayamadılar, bu da How to Train Your Dragon: Homecoming'e önyargısız yaklaşmanın daha kolay olduğu anlamına geliyor. How to Train Your Dragon: Homecoming bundan faydalanıyor. Animasyon, teknik yeteneğin gösterilmesinden ziyade hikaye anlatımına hizmet ediyor. Yönetmen bu formu, anlatılan spesifik hikayeye hizmet edecek duygusal ve anlatısal etkiler elde etmek için kullanıyor. Bugün hala 8.0 olarak derecelendirilen 2010s filmleri, diğer çağdaş gösterimlerden daha uzun bir testten sağ çıktı. How to Train Your Dragon: Homecoming bu testi geçti çünkü işin özü (hikaye anlatımı, performanslar, zanaat) çağını gerektirmeden çalışıyor.
How to Train Your Dragon: Homecoming'teki performanslar, Tim Johnson'in üretim boyunca oluşturduğu ve sürdürdüğü belirli bir kayda göre kalibre edilir. Jay Baruchel, materyalin vurgudan ziyade az vurgulanması gerektiğini anlamıştı. How to Train Your Dragon: Homecoming'te en zor anlar, Jay Baruchel'in daha az yetenekli bir aktörden daha az şey yaptığı anlar. Topluluk, sadece yetenekten ziyade kapsamlı bir hazırlığı öneren bir ritimle birlikte çalışıyor. Birden fazla oyuncunun yer aldığı sahneler, topluluk gerçeği pahasına bireysel performansın ön plana çıktığı filmlerde nadir görülen işbirlikçi bir dinamiği ortaya koyuyor.
How to Train Your Dragon: Homecoming, normalde bu döneme veya türe ait filmler aramayan izleyiciler için işe yarar. Ona 8.0 notu kazandıran nitelikler, türe veya döneme özgü değildir; bunlar herhangi bir filmi mükemmel kılan niteliklerdir: net hikaye anlatımı, ilgi çekici performans ve kendisini sergilemek yerine materyale hizmet eden yönetmenlik. How to Train Your Dragon: Homecoming'e kültürel bir eser olarak değil de bir filmler olarak yaklaşan izleyiciler genellikle en güçlü tepkileri alıyor. Serbest bırakılmasından bu yana biriktirdiği kültürel ağırlık, erişim yerine mesafe yaratabilir. En kullanışlı çerçeve basitçe şudur: Bu, belirli bir durumdaki belirli kişiler hakkında iyi çekilmiş bir filmdir. Geriye kalan her şey onu dikkatle izlemenin ardından gelir. Tim Johnson ve Jay Baruchel işi yapar; izleyicinin görevi bunun için orada olmaktır.
How to Train Your Dragon: Homecoming'i listenin bu bölümüne yerleştiren 8.0 puanı, onun üzerinde sıralanan her şeye erişimi olan izleyicilerden kazanıldı. Bu başlıkları gördükten veya öğrendikten sonra bu filme puan verdiler. How to Train Your Dragon: Homecoming'e yüksek puan verme kararları, Tim Johnson'in burada başardıklarına gerçek takdiri yansıtıyor; bu, ilk on girişten daha düşük olmaktan ziyade farklı bir şey. Bunun gibi bir listedeki kalite aralığı, pozisyon aralığının önerdiğinden daha dardır. Sekizinci konum ile on sekizinci konum arasındaki fark kısmen itirazın ne kadar spesifik olduğuyla ilgili bir farktır. How to Train Your Dragon: Homecoming genel olarak mükemmel olmaktan ziyade özellikle mükemmel. Doğru izleyici için bu özgüllük bir değerdir.
Woonjunsa Taksi
ADR kanalında çalışan alman bir gazeteci 80'lerde Güney Kore'ye sivil katliamları haberleştirmek için gelir. yasak olan bölgeye, Woonjunsa'ya bir taksiyle gider. Film ;bu iki kişinin tartışıp durmalarını, sonra arkadaş oluşlarını, ardından hayatlarını riske atarak sivil katliamlarını haberleştirmelerini konu alıyor.
Neden izliyorsunuz?: Bu seçkideki en yüksek puan alan filmlerden biri. Woonjunsa Taksi, itibarını birçok nesilden izleyicinin sürekli eleştirel beğenisiyle kazandı.
Woonjunsa Taksi, içerikle dolu bir pazarda kalıcı gücünü zaten kanıtlamış çağdaş bir çalışmadır. Jang Hoon gürültüyü kesen bir şey yaptı çünkü alternatiflerinden gerçekten daha iyiydi. 8.0 derecelendirmesi, aynı anda tutarlı seviyelerde çalışan yönetmenlik, yazarlık ve performansı yansıtır. Bu aralıkta puan alan filmler tek bir boyutta nadiren önemli ölçüde başarısız olur ve Woonjunsa Taksi de bir istisna değildir. Yönetmen çoğu çağdaş dramanın karşılayamayacağı bir sabırla çalışıyor. Sahnelerin bariz son noktalarının ötesine geçmesine izin veriliyor ve karakterlerin söyleyeceklerini söyledikten sonra ne yaptığı konusunda gerçek ortaya çıkıyor. Oyuncular bu ritmi anlıyor. Genel olarak 2010s sineması bağlamında, Woonjunsa Taksi, önceki ve sonraki on yılların katkıda bulunmadığı, on yılın katkısını temsil ediyor. 2010s filmler yapımcılığının kendine özgü koşulları (bütçeler, teknoloji, kültürel bağlam) burada ancak o andan itibaren gelebilecek bir şey üretti.
Woonjunsa Taksi'in yapısı, ilerleme hızının gelenekten ziyade anlama hizmet edecek şekilde inşa edilmiştir. Jang Hoon, biraz beklenmedik hissettiren anlarda kesmeler yapıyor ve bu da izleyiciyi pasif izleme yerine odaklanmış bir dikkat durumunda tutuyor. Belirgin ritimleri kesen filmler tahmin edilebilir hale geliyor. Woonjunsa Taksi karakter anlarını kesiyor, bu da düzenleme ritmi ile duygusal ritmin aynı şey olduğu anlamına geliyor. Sonuç, yapının kendisinin karakterlerin iç durumları hakkında bir şeyler ilettiği bir filmler. Geleneksel düzenlemeyle uyuşturulan izleyiciler, Woonjunsa Taksi'i üretken bir şekilde kafa karıştırıcı buluyor.
Woonjunsa Taksi'i ilk kez görüntüleyenler mümkün olduğunca az ön bilgiyle içeri girmelidir. Film o kadar kapsamlı bir şekilde tartışıldı ve referans alındı ki, filmin kendisinden ziyade diğer insanların tepkileriyle şekillenen beklentilere ulaşmak kolaydır. Woonjunsa Taksi'i tam olarak ne olacağını bilmeden ilk kez izlemenin gerçek deneyimi, onu bilinen bir miktar olarak izlemekten önemli ölçüde farklıdır. Henüz görmediyseniz, bu korumaya değer bir avantajdır. Tekrar izleyen izleyiciler, Woonjunsa Taksi'in yeniden izlemede değiştiğini fark ediyor; bunun nedeni filmler değiştiği için değil, sonucu bilmek hangi ayrıntıları fark ettiğinizi ve ilk sahnelerin gerçekte ne yaptığını değiştirdiği için. Jang Hoon'in ilk perdenin yapısı, nerede bittiğini bildiğinizde farklı görünüyor. Song Kang-ho'in ilk sahnelerdeki performansı, yalnızca ikinci izlemede okunabilen bilgiler taşıyor.
Bu listede on bir ila yirmi beş arasında yer alan Woonjunsa Taksi, kalitenin tutarlı olduğu ancak filmin ilk ondaki kültürel doygunluğa ulaşamadığı bölgeyi işgal ediyor. Bu konumun yeni izleyiciler için bir avantajı var: Woonjunsa Taksi, daha yüksek dereceli yapımların zorunlu izleme baskısı olmadan geliyor. Filmle, başkalarının tepkilerinin ağırlığı karşısında değil, kendi koşullarıyla karşılaşılabilir. Jang Hoon'in buradaki çalışması, ilk on girişe karşı duracak kadar güçlü ve bu başlıkların sunamadığı bir şeyi sunacak kadar farklı. Woonjunsa Taksi'i daha üst sıralara koymak yerine buraya yerleştiren belirli nitelikler, genellikle daha yaygın olarak tavsiye edilen yapımları görmüş olan izleyiciler için onu en ilgi çekici kılan niteliklerdir.
Tanrı ile Günah ve Cezaya: İki Dünya
Beklenmedik bir şekilde ölen itfaiyeci Ja-hong, üç öbür dünya gardiyanı tarafından ahirete götürülür. Ja-hong, insan hayatında masum olduğunu kanıtlayıp, reenkarne olabilmek için ahirette gardiyanların eşliğinde 49 gün boyunca sürecek yedi mahkemeden geçecektir.
Neden izliyorsunuz?: Tanrı ile Günah ve Cezaya: İki Dünya bu listenin istisnai sonunda yer alıyor. Geniş bir seçmen tabanından oluşturulan bu kadar yüksek bir derecelendirme, abartıdan ziyade gerçek fikir birliğini yansıtıyor.
2017'te üretilen Tanrı ile Günah ve Cezaya: İki Dünya, her şeyin her şeyle rekabet ettiği yayın çağında varlığını sürdürüyor. Sahip olduğu 8.0 derecelendirmesi, sonsuz alternatifi olan ve bunu yüksek derecelendirmeyi seçen bir kitleyi yansıtıyor. Tanrı ile Günah ve Cezaya: İki Dünya'in 8.0 puanı, onu önemli zayıflıklar olmadan kendi öncüllerini yerine getiren filmler arasına yerleştiriyor. Kim Yong-hwa, baştan sona amaçlandığı gibi çalışan ve göründüğünden daha az yaygın olan bir şey yaptı. Drama evrensellikten ziyade özgüllükten gelir. Yönetmen bu durumda tam olarak bu karakterlere uygun seçimler yapıyor ve bu da paradoksal olarak genel duygusal ritimlerden daha evrensel bir şey yaratıyor. 2010s birçok filmin yapımcılığını üstlendi. Onlarca yıl sonra bu gibi listelerde kalanlar, o anın ötesinde, insanlar hakkında doğru olan bir şeyi anlayanlardır. Tanrı ile Günah ve Cezaya: İki Dünya kalıcı bir şeyin farkına vardığı için burada.
Tanrı ile Günah ve Cezaya: İki Dünya'in ses ortamı da görsel ortamı kadar bilinçli olarak oluşturulmuştur. Kim Yong-hwa, ses tasarımının ve notaların bilinçli dikkatin altında çalıştığını, izleyicinin ne olduğunu analiz etmeden önce duygusal tepkiyi şekillendirdiğini anlıyor. Tanrı ile Günah ve Cezaya: İki Dünya'teki daha sessiz sekanslar, yokluk yerine varlık yaratmak için ortam sesini kullanır. Puanlanan sekanslarda izleyicinin ne hissetmesi gerektiğinin sinyalini vermek yerine karaktere yanıt veren müzik kullanılıyor. Ha Jung-woo, bu sonik ortamda, sahnenin görsel olduğu kadar işitsel olarak da nasıl deneyimleneceğini açıklayan fiziksel bir performansla çalışıyor. Kombinasyon, izleyicide değil, izleyicide işe yarayan bir şey üretir.
Tanrı ile Günah ve Cezaya: İki Dünya, yalnızca zamanı dolduran bir şey yerine gerçek içerikli bir şey izlemek istediğiniz akşamlar için uygundur. Bu bir arka plan filmi değil ve pasif bir deneyim değil. Kim Yong-hwa, ilginizi isteyen ve bunu genel olarak değil özel olarak ödüllendiren bir şey oluşturdu. Tanrı ile Günah ve Cezaya: İki Dünya'i başka şeyler yaparken izleyen izleyiciler, filmin tüm dikkatini ona veren birinin erişebileceği versiyondan önemli ölçüde daha düşük bir versiyona sahip olacak. 8.0 derecesi, tüm dikkatin verildiği izleme deneyimini yansıtır. Oyuncular - özellikle Ha Jung-woo - konsantre izlemede kaydedilen ve dikkat dağılmış izlemede kaybolan performans ayrıntıları sunar.
Tanrı ile Günah ve Cezaya: İki Dünya bu listenin orta bölümünde yer alıyor çünkü çekiciliği evrensel olmaktan ziyade spesifiktir ve özel çekicilik, dürüst bir şekilde değerlendirildiğinde, filmler doğru izleyici için mükemmel olsa bile genel çekicilikten daha düşük bir ortalama derecelendirme üretir. Kim Yong-hwa, bazı izleyicilerin ilgi çekici, bazılarının ise zorlu bulduğu seçimler yaptı. 8.0 notu, her iki grubu da içeren seçmen tabanından gelen karışık ama sonuçta olumlu tepkiyi yansıtıyor. Tercihleri Kim Yong-hwa'in bu materyale yaklaşımıyla uyumlu olan izleyiciler genellikle Tanrı ile Günah ve Cezaya: İki Dünya'i listedeki en güçlü girişler arasında buluyor. Bunu tek başına değil, bağlam içinde derecelendirmek, tek başına rakamın önerdiğinden farklı bir izlenim yaratır.
Bu 2010s Filmlerini Nasıl Sıraladık?
Bu sayfadaki her film, Film Veritabanı API'sinden alınan veriler kullanılarak seçilmiştir ve kalite tutarlılığını sağlamak amacıyla minimum oy eşiklerine göre filtrelenmiştir. Süreç, bu kategorideki tüm filmlerin oy ortalamasına göre azalan sırada sıralanmasıyla başlar, ardından gereken sayıdan daha az oy alan filmleri hariç tutacak şekilde filtrelenir.
Bu daha büyük listedeki her girişin doğruluğu manuel olarak doğrulandı. Yüksek derecelendirme, otomatik olarak izlenebilirlik anlamına gelmez. Son haberler nedeniyle trend olan bir film, gerçekten iyi olduğu için trend olan bir filmle aynı değildir. Her girişteki editoryal analiz, kültürel gürültüden ziyade gerçek film kalitesini yansıtıyor.
Seçim, erişilebilirlik ve derinlik arasında bir denge sağlar. Buradaki filmler, çağdaş gösterimlerden yeniden keşfedilmeyi hak eden katalog başlıklarına kadar çeşitlilik göstermektedir. Hepsi ustalık ve niyetle yapıldı. Tüm ödül görüntüleme.
Türe Göre En İyi 2010s Filmleri
Bu sayfadaki 50 filmleri birden fazla türü ve alt türü kapsar. Tür bir filtre olarak kullanışlıdır ancak kesin bir kategori olarak kullanışlı değildir. Drama etiketli bir film, Gerilim etiketli bir film kadar merak uyandırıcı olabilir. Aksiyon etiketli bir film, Drama etiketli bir film kadar duygusal açıdan zeki olabilir. Türü resmin tamamı olarak değil, başlangıç noktası olarak kullanın.
Her filmdeki tür etiketleri, filmin kategorik olarak nerede bulunduğunu gösterir. 2010s'te en çok ilginizi çeken türleri bulmak için filtreleri kullanın.
Derecelendirmeye Göre En İyi 2010s Filmleri
Bu sayfadaki filmler üç derecelendirme aşamasına ayrılmıştır. 8,5'in üzerindeki filmler her açıdan olağanüstüdür ve bu kategorideki en iyi sinemayı temsil eder. 7,5'ten 8,4'e kadar olan filmler tutarlı bir işçilik gösterir ve güvenilir bir şekilde güçlüdür. 7.0'dan 7.4'e kadar olan filmler, biraz daha geniş bir kalite aralığını temsil etseler de hala mükemmel ve izlenmeye değerdir.
TMDB'de 8,0 puan, istatistiksel olarak güvenilir olması için yeterince geniş bir seçmen tabanını gerektirir. Zaman içinde test edilen gerçek izleyici beğenisini yansıtır.
Runtime'a göre En İyi 2010s Filmleri
Çalışma zamanı, ne izleneceğini seçerken en kullanışlı ve en az kullanılan filtrelerden biridir. 90 dakikanın altındaki filmler, kusursuz deneyimler sunar. 90 ila 120 dakika arasındaki filmler çoğu izleme durumu için en uygun uzunluktur. 120 dakikanın üzerindeki filmler bağlılık gerektirir ancak ödüllendirir.
Beklenenden çok daha uzun süren bir şeye gece geç saatlerde başlamak yerine, doğru filmi bulmak için mevcut zamanınızı kullanın.
Bulunmaya Değer Gizli Mücevherler
Her 2010s seçkisi, en üst görünürlük sıralamasının altında yer alan ancak olağanüstü bir şey sunan filmleri içerir. Bunlar, franchise'ın tanınmaması veya yakın zamanda basında yer almaması nedeniyle algoritmanın hafife aldığı filmlerdir. Belirsiz oldukları için gizli değiller. Platformlar en gürültülü seçenekleri ilk önce ortaya çıkardığı için gizlenirler.
Explore Related 2010s Content
The 2010s is best understood through multiple lenses. Below are related ways to explore movies from this decade and era.
Sıkça Sorulan Sorular
2010s'in en iyi filmleri hangileri?
2010s'in en iyi filmleri bu sayfada tam olarak sıralanır ve listelenir. Bu liste nostaljiden ziyade gerçek izleyici takdirini yansıtıyor. Her film, yerini yeterince büyük bir izleyici kitlesinden gelen sürekli olumlu tepkilerle kazandı.
2010s'in en yüksek reytingli filmi hangisi?
2010s'in en yüksek puan alan filmleri bu sayfanın üst kısmında listelenmiştir. 8,5 ve üzeri puan alan filmler, o zamandan beri yapılan her şeye erişebilen izleyiciler tarafından beğenildi ve bu da, derecelendirmeyi tek başına sayının gösterdiğinden daha anlamlı kılıyor.
En iyi 2010s gerilim filmleri nelerdir?
2010s'in gerilim filmleri bu sayfa boyunca tür etiketleriyle tanımlanır. Gerilim veya Suç Gerilimi etiketli filmleri arayın. En iyi 2010s gerilim filmleri, üretilmiş şok yerine karakter yatırımı yoluyla gerilim yaratır.
En iyi 2010s dizileri hangileri?
2010s'in drama filmleri dönemin en kalıcı eserlerinden bazılarını temsil ediyor. En iyi 2010s dramaları, izleyicilerin duygusal bilgileri altını çizmeden kaydetmesine ve yayınlandıktan onlarca yıl sonra bile izlemeyi ödüllendirmeye devam etmesine güvenir.
En iyi 2010s aksiyon filmleri nelerdir?
Aksiyon sineması 2010s sırasında önemli ölçüde gelişti. Bu sayfadaki Aksiyon etiketli filmler, bu evrimin en iyilerini temsil ediyor; sekansları önce kavramaya, sonra etkilemeye yönelik.
En iyi 2010s komedileri nelerdir?
En iyi 2010s komedileri mizahı kurgu ve can alıcı nokta mekaniklerinden ziyade karakterden türetmiştir. Orijinal kültürel referanslar kaybolsa bile karakterler spesifik ve tanınabilir olduğundan komik kalıyorlar.
En iyi 2010s korku filmleri nelerdir?
En iyi 2010s korku filmleri, atmosferin şoktan daha dayanıklı olduğunu ve korkunun karakterlere önceden yatırım yapılmasını gerektirdiğini anlamıştı. Açık içerikten ziyade atmosferik zanaat ve yapısal zeka nedeniyle seçildiler.
En iyi 2010s bilim kurgu filmleri nelerdir?
En iyi 2010s bilimkurgu filmleri gösteriden ziyade insanın sorularını keşfetmek için spekülatif öncülleri kullandı. Tür yeterince ciddiye alındı ve gerçek fikirlerin yer aldığı projeler yapıldı ve teatral olarak yayınlandı.
En iyi 2010s suç filmleri nelerdir?
2010s'in polisiye sineması türün ürettiği en güçlü çalışmalardan bazılarını temsil ediyor. Bu filmler ahlaki belirsizliği çözümlemeden ele alıyor ve suç yaşamının bedelini romantizm olmadan gösteriyordu.
2010s'in en iyi yabancı dil filmleri hangileri?
2010s'in uluslararası sineması bu listede temsil edilmektedir. Bu dönemde birçok ulusal sinema yaratıcılığın zirvesindeydi. Altyazı şüphesi olanlar bu sayfada 8,5 ve üzeri puan alan herhangi bir yabancı dil filmiyle başlamalıdır.
2010s'in en az değer verilen filmleri hangileri?
Bu sayfadaki Gizli Mücevher bölümü, anlamlı seçmen tabanlarından 6,5 ile 7,4 arasında puan alan 2010s filmlerini tanımlar. Bu filmler, belirsiz oldukları için değil, franchise'ın tanınmaması veya son zamanlarda basında yer almaması nedeniyle küçümseniyor.
Herkes en az bir kez hangi 2010s filmlerini izlemeli?
Bu listede 8,0 ve üzeri puan alan filmler, pazarlıksız 2010s izlemeyi temsil etmektedir. Bunlar, birden fazla nesilden izleyici arasında gerçek anlamda eleştirel fikir birliğine ulaştı ve yeni izleyicilere ulaşmaya devam ediyor.
Genellikle eski filmleri izlemeyen biri için en iyi 2010s filmleri hangileridir?
Bu sayfadan 8,5 ve üzeri puan alan herhangi bir filmle başlayın. Kalite eskimez. Hoşunuza giden bir türde bir 2010s filmi bulmak ve oradan başlamak için tür etiketlerini kullanın.
2010s filmleri modern sinemayla karşılaştırıldığında nasıldır?
2010s farklı kısıtlamalar altında ve farklı amaçlarla filmler üretti. Bütçe yapıları, orijinal öncüllere sahip orta sınıf filmlerin sinemalarda gösterime girmesine izin verdi. Yönetmenlere stüdyolarla ilgili olarak şu anda yaygın olandan daha fazla yaratıcı kontrol verildi.
2010s filmleri bugün hâlâ izlenmeye değer mi?
Evet, yeterlilik olmadan. Bu listedeki filmler tarihsel açıdan ilginç oldukları için değil, dayandıkları için seçildi. Harika film yapımcılığı, teknolojinin veya modanın eskidiği gibi eskimez. Çağdaş izleyiciler bu filmleri yüksek oranda derecelendirmeye devam ediyor.